Sining ng musika noong siglo XVIII. Pagtatanghal "Sining ng musika ng klasisismo noong ika-18 siglo

Upang gamitin ang preview ng mga presentasyon, lumikha ng isang Google account (account) at mag-sign in: https://accounts.google.com

Mga slide caption:

Sa Russia noong ika-18 siglo, naganap ang matinding pagbabago. Ang mga reporma ni Peter I (1682-1725) ay hindi lamang nakaapekto sa istrukturang pampulitika ng bansa, ngunit nagkaroon din ng malubhang epekto sa kultura. Ang sekular na sining ay nagsimulang umunlad. Ang mga bagong anyo ng buhay musikal ay lumitaw, na hiniram mula sa Europa. Sinamahan ng musika ang maraming pagbabalatkayo at bola na ginanap sa St. Petersburg. Karaniwang pumapasok si Pedro sa lungsod na may mahusay na karangyaan, sa mga tunog ng isang orkestra at maligaya na mga awit. Kasama sa mga orkestra ng militar at hukuman, bilang panuntunan, ang ilang mga tubo at mga sungay, mga instrumentong string. Naglaro sila sa mga hapunan, pangangaso, paglalakad, atbp. Ang mga piyesang ginanap ay simple. Lalo na laganap ang mga solemne na kanta - cantes (mula sa Latin cantus - "pag-awit", "kanta").

Sa panahon ni Peter the Great, ang musika ay naging obligadong bahagi ng European education. Ang mga maharlikang bata ay tinuruan ng musika kasama ng iba pang "pinong" sining at kagandahang-asal. Sa paglipas ng panahon, lumitaw ang amateur music-making.

Noong 30s. nilikha ang court opera, kung saan naglaro ang mga artistang Italyano. Ang mga serial opera ay itinanghal sa entablado nito. Unti-unti, ang mga mang-aawit na Ruso mula sa koro ng korte ay nagsimulang makilahok sa mga pagtatanghal (ang mga propesyonal na musikero ay sinanay dito). Ang mga sikat na dayuhang kompositor ay nagtrabaho sa Russia; sila ang nagpasiya hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ang buhay musikal ng kabisera. Ang Italyano na si Francesco Araya (1709 - mga 1770) ay binubuo ng unang opera sa Russian text - "Cefal and Prokris". Noong 1755 naganap ang premiere ng opera; ginanap ng mga mang-aawit na Ruso. Noong dekada 60. lumitaw ang mga domestic professional composers, na kumakatawan sa pambansang paaralan ng musika. Nagtrabaho sila sa larangan ng opera, choral at instrumental music.

Ang pinakamahusay na mga masters ng choral concert ng XVIII na siglo. - Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777) at Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 - 1825). Ang mga konsyerto ng Bortnyansky ay mga natatanging halimbawa ng musikang koro ng Russia. Ang sikreto ng kagandahan ng kanyang mga komposisyon ay nakasalalay sa kahanga-hangang pagiging simple at kabaitan. Gumawa siya ng isang malaking bilang ng mga konsyerto para sa iba't ibang komposisyon: para sa isa at dalawang apat na bahagi na koro, para sa anim na bahagi ng koro, atbp. Si Bortnyansky ay isang komprehensibong may talento na kompositor. Bilang karagdagan sa sagradong musika ng koro, nagsulat siya ng mga opera at komposisyon para sa clavier. Isa sa mga pambihirang kompositor ng opera ng Russia noong ika-18 siglo. - Evstigney Ipatovich Fomin. Nakatanggap siya ng mahusay na edukasyon sa Italya; ay miyembro ng Bologna Philharmonic Academy. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay ang mga opera na "Coachmen on the base" at "Orpheus".

Ang sekular na sining, lalo na ang teatro, ay itinuturing na isang makasalanang luho. Noong 1660, naganap ang pagpapanumbalik (pagpapanumbalik) ng monarkiya: Si Charles II Stuart ay umakyat sa trono. Nakasentro ang masining na buhay (tulad ng sa ibang mga estado noong panahong iyon) sa paligid ng korte ng hari. Si Charles II, na bumalik sa kanyang tinubuang-bayan mula sa paglipat ng Pransya, ay hinahangad na tularan si Louis XIV. Ipinagpatuloy ang mga aktibidad ng Royal Chapel; sa English court, isang Italian opera troupe ang nagbigay ng mga pagtatanghal, mga sikat na mang-aawit at instrumentalist na nagtanghal. Ang mga musikero ng Ingles ay muling nakakuha ng pagkakataon na makilala ang mga nagawa ng mga masters ng Italyano at Pranses.

Ang musikang Pranses, kasama ang Italyano, ay isa sa mga makabuluhang kultural na phenomena noong ika-17-18 siglo. Ang pag-unlad ng musikal na sining ay pangunahing nauugnay sa opera at silid na instrumental na musika. Ang French opera ay malakas na naiimpluwensyahan ng classicism (mula sa Latin classicus - "kapuri-puri") - isang artistikong istilo na binuo sa France noong ika-17 siglo. Sa korte ng "hari ng araw" na si Louis XIV, sinakop ng opera ang isang mahalagang lugar. Ang Royal Academy of Music (ang teatro kung saan ginanap ang mga pagtatanghal ng opera) ay naging isa sa mga simbolo ng karangyaan ng korte ng hari at ng kapangyarihan ng monarko.

Tanso: Oboe Flute Clarinet Trumpet

Mga Strings: Shamiset Banjo Mandolin Violin

Sa paksa: mga pag-unlad ng pamamaraan, mga pagtatanghal at mga tala

Sa paggamit ng mga aklat-aralin: V.I. Sakharov, S.A. Zinin "Literature of the 19th century" (grade 10); V.A. Chalmaev, S.A. Zinin "panitikan ng Russia noong ika-20 siglo" (Grade 11)

Sa paglipat sa espesyal na edukasyon, hindi maaaring tanggihan ng isa ang kaugnayan at kahalagahan ng aklat-aralin. Batay sa ideya ng isang dalawang antas (basic at profile) na pederal na bahagi ng pamantayan ng estado ...

Pang-edukasyon na pelikula sa kasaysayan ng Middle Ages "Komposer, artist at makata ng ika-9 na siglo na si Tuotilo (at iba't ibang interpretasyon ng kanyang awit na "Kyrie, Cunctipotens genitor Deus" (circa 900)"

Tuotilo mula sa monasteryo ng St. Gall, sa iba pang mga pagbigkas na Tuotilon, Totilo (eng. Tuotilo ng Saint Gall, mga 850, Ireland - mga 915, St. Gallen) - isang medieval k...

balangkas ng aralin "Ang Simbahang Katoliko sa XI-XII na siglo", ang kasaysayan ng Middle Ages, grade 6

lesson plan sa kasaysayan ng Middle Ages, grade 6, gamit ang mga elemento ng problem-based learning technology ...

Elective course "Maaaring baguhin ang kasaysayan ng ika-20 siglo? Ang kasaysayan ng ika-20 siglo sa pamamagitan ng prisma ng mga kaganapan at aktibidad ng mga repormador"

Ang programa ng elective course ng pre-profile na pagsasanay na "Maaari bang mabago ang kasaysayan ng ika-20 siglo?" ay dinisenyo para sa isang malalim na pag-aaral ng kasaysayan ng Fatherland ng ika-20 siglo. Ang kurso ay magpapalawak ng kaalamang natamo...

Panimula

Ang Baroque, rococo, classicism ay ang pangunahing mga uso sa sining ng ika-18 siglo, na nagpakita ng kanilang sarili sa lahat - sa panitikan, sa pagpipinta, sa arkitektura at sa musika.

Ang ebolusyon ng musika noong ika-18 siglo ay umabot sa isang napakatalino na panahon. Ang mga anyo na nagmula sa simula ng ika-17 siglo ay umabot sa pinakamataas na antas ng pagiging perpekto.

Noong unang bahagi ng ika-18 siglo, ang sentimental na klasisismo ang pinakasikat na istilo ng musika. Ito ay mabagal at hindi nagmamadaling musika, hindi partikular na kumplikado. Tinutugtog nila ito sa mga instrumentong may kuwerdas. Kadalasan ay sinasamahan niya ang mga bola at kapistahan, ngunit gusto din nilang makinig sa kanya sa isang nakakarelaks na kapaligirang pambahay. Pagkatapos, ang mga tampok at pamamaraan ng Rococo, tulad ng trill at flagoyet, ay nagsimulang mahulog sa lute music. Nakakuha ito ng mas masalimuot na hitsura, ang mga pariralang pangmusika ay naging mas kumplikado at kawili-wili. Ang musika ay naging mas hiwalay sa katotohanan, mas kamangha-manghang, hindi gaanong tama at sa gayon ay mas malapit sa nakikinig.

Mas malapit sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ang mga tampok ng Rococo ay pinagsama sa musika na nagsimula itong makakuha ng isang tiyak na oryentasyon. Kaya, sa lalong madaling panahon dalawang direksyon ang malinaw na lumitaw sa musika: musika para sa pagsasayaw at musika para sa pagkanta. Ang mga bola ay sinamahan ng musika para sa pagsasayaw, ang musika para sa pag-awit ay tumunog sa isang kumpidensyal na setting.

Ang klasiko ay ang kasukdulan ng klasikal na sining.

Itinatampok ng gawaing ito ang sining ng musika noong ika-18 siglo bilang panahon ng paglikha ng mga klasikong musikal sa mga pangunahing phenomena at genre nito (opera, fugue, sonata, symphony), na nagpapakilala sa gawain ni Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart at iba pa. mga kompositor; gawa ng mga kilalang kompositor. Ang gawain ay binubuo ng isang panimula, tatlong kabanata ng pangunahing bahagi, isang konklusyon at isang listahan ng mga sanggunian.

1. Kultura ng musika ng siglo XVIII

Sa kasaysayan ng musikal na sining, ang ika-18 siglo ay napakahalaga at mahalaga pa rin. Ito ang panahon ng paglikha ng mga klasikong musikal, ang pagsilang ng mga pangunahing konsepto ng musika, sa esensya ay sekular na makasagisag na nilalaman. Ang musika ay hindi lamang tumaas sa antas ng iba pang mga sining na umunlad mula noong Renaissance, sa antas ng panitikan sa kanyang pinakamahusay, ngunit sa kabuuan ay nalampasan ang nakamit ng ilang iba pang mga sining (lalo na, visual arts) at sa pagtatapos. ng siglo ay nagawang lumikha ng isang malaking estilo ng synthesizing ng tulad ng isang mataas at pangmatagalang halaga bilang isang symphony ng Viennese classical na paaralan.

Ang Bach, Handel, Gluck, Haydn at Mozart ay kinikilalang mga taluktok sa landas na ito ng sining ng musika mula sa simula hanggang sa katapusan ng siglo. Gayunpaman, makabuluhan din ang papel ng mga orihinal at naghahanap ng mga artista tulad ni Jean Philippe Rameau sa France, Domenico Scarlatti sa Italy, Philippe Emanuel Bach sa Germany, hindi pa banggitin ang maraming iba pang mga masters na sinamahan sila sa pangkalahatang kilusang malikhain.

Tulad ng alam mo, ang Alemanya, Italya at Pransya kasama ang kanilang mga malikhaing paaralan ay sinakop ang isang nangungunang posisyon sa pag-unlad ng musikal na sining noong panahong iyon. Ngunit ang partisipasyon ng ibang mga bansa sa prosesong ito ay walang pag-aalinlangan. Ang mga kondisyong pangmusika at panlipunan ng Inglatera, kung saan nilikha ang mga oratorio ni Handel, ang epekto ng kulturang musikal ng Espanyol kay Scarlatti, ang nangungunang papel ng mga master ng Czech sa pagbuo ng chapel ng Mannheim, ang Slavic at Hungarian na pinagmulan ng isang bilang ng mga tema ng Haydnian ay nakakumbinsi na mga halimbawa nito.

Sa pangkalahatan, ang malikhaing ugnayan sa pagitan ng iba't ibang bansa sa Europa, na kapansin-pansin kahit na mas maaga, hindi bababa sa ika-15, ika-16, at ika-17 siglo, ay lumakas at tumindi sa buong ika-18. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa kapwa pagpapayaman ng aktwal na pagsulat ng musika, mga genre ng musika, ang kanilang mga tema, mga prinsipyo ng pag-unlad sa mga anyo ng musikal, kundi pati na rin sa pangkalahatang ideolohikal at aesthetic na epekto, na tumindi sa mga bagong kondisyon sa kasaysayan. Kung maiisip ng isa si Johann Sebastian Bach o Gluck (at gayundin si Handel o Mozart) na umuunlad sa hiwalay na kapaligiran ng kanilang bansa, kung gayon marami sa mga pangunahing katangian ng kanilang mahusay na sining ay tila walang batayan, mahirap ipaliwanag, halos kabalintunaan. Saan nagmula ang mataas na trahedya sa sining ni Bach, na, gayunpaman, ay nananatiling matalino at maayos? Saan nagmula ang pinakamatalim na pakiramdam ng trahedya, na hindi umabot ng ganoong lakas sa mga artista noong ika-17 siglo? Kung ito ay nagmula sa pagsasakatuparan ng mahirap na kapalaran ng sariling bayan, kung gayon bakit hindi nito nahanap ang sagisag nito nang mas maaga? Dahil ang mga makasaysayang kondisyon ng ika-18 siglo, ang halimbawa ng ibang mga bansa, ang gumising sa bagong henerasyon ng isang bagong talas ng kamalayan sa sarili, at kasama nito ang mga bagong damdamin, mga bagong pagtatasa.

Nabatid na sa wasak at pira-pirasong pyudal na Alemanya, ang Enlightenment ay medyo nahuli at walang ganoong malinaw na rebolusyonaryong karakter doon. Ngunit sa mismong bisperas ng Enlightenment, ang musikal na sining ng mga German masters ay tumataas sa matataas na taluktok ng matalinghagang paglalahat at mga malikhaing konsepto ng Bach at Handel, na pinagsasama-sama ang lahat ng pinakamahusay mula sa mga makasaysayang tradisyon at nakikita ang daan patungo sa malayong hinaharap. At bilang isang resulta ng Age of Enlightenment, ang Austro-German creative school, na kinakatawan ng mga klasikong Viennese, ay nagkakaroon ng hugis, na sa isang bagong yugto ay umabot sa pinakamataas na prinsipyo ng creative ng symphony. Sa ganitong kapaligiran, na, sa isang paraan o iba pa, ay nararamdaman sa lahat ng mga bansa sa Europa, mayroong isang masinsinang pag-unlad ng isang bilang ng mga pambansang malikhaing paaralan, pagkakaroon ng lakas, kalayaan, pagkakaroon ng artistikong awtoridad nang tumpak sa ika-18 siglo salamat sa mga bagong tagumpay sa larangan ng sekular na sining ng musika.

Ang malikhaing paaralan ng Russia ng isang purong sekular na direksyon ay nahuhubog nang tumpak sa ika-18 siglo, kahit na ang mga pinagmulan nito ay bumalik sa kalaliman ng mga siglo. Ang kahalagahan at malikhaing impluwensya ng Czech musical school, na malawak na kinakatawan ng mga instrumental na genre at ipinahayag ang sarili sa pamamagitan ng paglikha ng mga opera, ay lumalaki.

Ang ika-18 siglo ay naging mabunga para sa Polish creative school, na may mahabang tradisyon at ngayon ay pinagkadalubhasaan ang mga bagong pangunahing genre ng instrumental at theatrical na musika.

Sa karaniwang mga landas ng pag-unlad ng musika mula sa simula hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo, marami na ang nagkakaisa o nagsasama-sama ng mga bansa sa Kanlurang Europa (na nagiging pinaka-halata sa huling ikatlong bahagi ng siglo). Sa France at Italy, nagsimula ang isang kontrobersya sa paligid ng mga lumang genre ng opera, na napapailalim sa seryoso at matalim na pagpuna sa socio-aesthetic order. Sa ilang bansa, umuusbong ang mga bagong progresibong uso sa opera na nauugnay sa paglitaw ng mga komiks, comedy opera genre: opera buffa sa Italy, comic opera sa France, singspiel sa Germany at Austria, comedy musical performances sa Spain. At ang lalong mahalaga ay ang lahat ng mga bansa sa Kanlurang Europa, sa isang paraan o iba pa, ay nakikilahok sa kilusan patungo sa bagong istilo ng paaralang Viennese, na minarkahan ang tagumpay ng homophonic-harmonic na bodega at sonata-symphonic na mga anyo. Gaano man kaiba ang mga tradisyon at malikhaing posibilidad ng bawat isa sa mga bansa, ang estilistang pagbabago sa kalagitnaan ng siglo at ang karagdagang pag-unlad ng mga sonata-symphonic na mga prinsipyo ay inihanda ng isang buong sistema ng malikhaing pagsisikap ng maraming masters ng Italy, France. , Germany, hindi banggitin ang katutubong-nasyonal na pinagmulan na nagmumula sa lahat ng dako.

Ang visual na sining at arkitektura ng panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng napakahusay na mga anyo, pagiging kumplikado, karangyaan at dinamika, nang maglaon ang salitang ito ay inilapat sa musika ng panahong iyon. Ang pagsulat at pagganap ng mga diskarte sa panahon ng Baroque ay naging isang mahalagang bahagi ng klasikal na musikal na kanon. Ang palamuting musikal ay naging napaka sopistikado, ang notasyong pangmusika ay nagbago nang malaki, at ang mga paraan ng pagtugtog ng mga instrumento ay nabuo. Ang mga hangganan ng mga genre ay lumawak, ang pagiging kumplikado ng pagganap ng mga gawa sa musika ay lumago. Ang isang malaking bilang ng mga musikal na termino at konsepto mula sa panahon ng Baroque ay ginagamit pa rin ngayon.

Ang mga kompositor ng Baroque ay nagtrabaho sa iba't ibang genre ng musika. Ang Opera, na lumitaw noong huling bahagi ng Renaissance, ay naging isa sa mga pangunahing anyo ng musikal. Maaalala ng isa ang mga gawa ng mga masters ng genre bilang Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi at iba pa. Naabot ng genre ng oratorio ang rurok nito sa mga gawa ng I.S. Bach at Handel. Sa panahon ng Baroque, ang mga makikinang na gawa tulad ng fugues ni Johann Sebastian Bach, ang Alleluia choir mula sa oratorio Messiah ni Georg Friedrich Handel, The Four Seasons ni Antonio Vivaldi, Vespers ni Claudio Monteverdi ay ipinanganak.

Ang mga instrumental na sonata at suite ay isinulat kapwa para sa mga indibidwal na instrumento at para sa mga orkestra ng silid. Ang genre ng concerto ay lumitaw sa parehong mga anyo nito: para sa isang instrumento na may isang orkestra, at bilang concerto grosso, kung saan ang isang maliit na grupo ng mga solong instrumento ay naiiba sa isang buong ensemble. Ang karilagan at karilagan ng maraming maharlikang korte ay idinagdag din ng mga gawa sa anyo ng isang French overture, na may magkakaibang mga mabilis at mabagal na bahagi. Ang mga piraso ng keyboard ay madalas na isinulat ng mga kompositor para sa kanilang sariling libangan o bilang materyal sa pagtuturo. Ang ganitong mga gawa ay ang mga mature na gawa ng I.S. Bach, karaniwang kinikilala bilang mga intelektwal na obra maestra ng panahon ng Baroque: The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations at The Art of Fugue.

Ang pangunahing instrumentong pangmusika ng Baroque ay ang organ sa sagrado at silid na sekular na musika. Ang harpsichord, plucked at bowed string, pati na rin ang woodwind instruments ay malawakang ginagamit din: iba't ibang flute, clarinets, oboe, bassoon.

Ang pagbaba ng Baroque ay sinamahan ng mahabang panahon ng magkakasamang buhay ng luma at bagong mga pamamaraan. Sa maraming lungsod ng Germany, ang baroque performance practice ay nabuhay hanggang sa 1790s, halimbawa, sa Leipzig, kung saan J.S. Bach. Sa Inglatera, tiniyak ng matatag na katanyagan ni Handel ang tagumpay para sa hindi gaanong kilalang mga kompositor sa ngayon ay kumukupas na istilong Baroque: Charles Avison, William Boyce, at Thomas Augustine Arne. Sa kontinental na Europa, ang istilong ito ay naisip nang luma; ang pagkakaroon nito ay kinakailangan lamang para sa pagbubuo ng sagradong musika at pagtatapos mula sa paglabas noon sa maraming conservatories. Pero, kasi marami sa musikang baroque ang naging batayan ng edukasyong pangmusika, ang impluwensya ng istilong baroque ay napanatili kahit na matapos ang pag-alis ng baroque bilang istilo ng pagtatanghal at pagbubuo.

Ang musikang klasikal na panahon, o musikang klasikal, ay tumutukoy sa panahon ng pag-unlad ng musikang Europeo humigit-kumulang sa pagitan ng 1730 at 1820. Isang natitirang tagumpay ng ikalawang kalahati ng siglo XVIII. ay ang pagbuo ng Viennese classical na paaralan, na ang mga kinatawan ay sina J. Haydn, W. Mozart at L. van Beethoven, na tinatawag na Viennese classics at tinutukoy ang direksyon ng karagdagang pag-unlad ng musikal na komposisyon.

Sa panahong ito higit na nabuo ang komposisyon ng modernong orkestra ng symphony, ang mga genre ng symphony, sonata, trio, quartet at quintet. Sa sonata allegro, ipinanganak ang isang bagong paraan ng pag-iisip ng musikal, at kalaunan, sa gawain ni Beethoven, isang bagong paraan ng pag-iisip ng musikal - symphonism. Ang makabuluhang reporma sa gawain ng V.A. Mozart at K.F. Sinusubukan ni Gluck ang operatic genre, na nagtagumpay sa ossified conventionality ng aristokratikong opera. Sa gawa ni K.F. Pinaghiwalay sina Gluck at L. Van Beethoven bilang isang malayang genre ng ballet.

Ang mga aesthetics ng klasisismo ay batay sa paniniwala sa katwiran at pagkakaisa ng pagkakasunud-sunod ng mundo, na ipinakita ang sarili sa pansin sa balanse ng mga bahagi ng trabaho, maingat na pagtatapos ng mga detalye, at pag-unlad ng mga pangunahing canon ng musikal na anyo. Sa panahong ito, sa wakas ay nabuo ang anyo ng sonata, batay sa pagbuo at pagsalungat ng dalawang magkasalungat na tema, at natukoy ang klasikal na komposisyon ng mga bahagi ng sonata at simponya. Sa panahon ng klasisismo, lumitaw ang isang string quartet, na binubuo ng dalawang violin, isang viola at isang cello, at ang komposisyon ng orkestra ay lumawak nang malaki.

Kaya, sa lahat ng mga paghihirap nito, mga kontradiksyon sa aesthetic at maging mga kaguluhan, kasama ang mga kaibahan at pinakamataas na pagkakaisa nito, ang ikalabing walong siglo ay isang mahusay na edad ng sining ng musika, isang panahon ng magandang pag-akyat nito. Sa lahat ng estilista at pagkakaiba-iba ng genre sa musikal na kultura ng ika-18 siglo, ang mga pangunahing trend ng pag-unlad ay maaaring makilala:

Ang sekular na musika ay unti-unting pinapalitan ang espirituwal na musika, ang dating malinaw na hangganan sa pagitan ng mga poste ng kulturang pangmusika ay nabubura.

Ang instrumental na musika ay nagiging mas at mas sikat.

Nabubuo ang isang symphony orchestra at mga pangunahing pamamaraan ng pagsusulat ng orkestra.

Ang mga susunod na yugto sa pag-unlad ng opera. Ang paglitaw ng mga bagong genre, klasikal at romantiko.

Ang kasagsagan ng klasisismo - sonata, symphony, konsiyerto. anyong sonata.

Bagong pagkakaisa at mga bagong larawan sa romantikismo.

Ang paglitaw ng mga pambansang paaralan.

Ang pamana ng kultura ng ika-18 siglo ay namamangha pa rin sa pambihirang pagkakaiba-iba nito, kayamanan ng mga genre at istilo, lalim ng pag-unawa sa mga hilig ng tao, mahusay na optimismo, pananampalataya sa tao at sa kanyang isip.

bach baroque classicism kompositor

2. Mga namumukod-tanging kompositor noong ika-18 siglo

Ang pinakasikat na mga pangalan ng panahong ito I.S. Bach, G.F. Handel. Maaari mong suriin ang kanilang mga gawa sa iba't ibang paraan: ang pagtatasa ay depende sa panlasa at uso. Ngunit bawat isa sa kanyang sariling larangan, ginampanan nila ang kanilang misyon nang may pantay na kasakdalan. Ang lakas ng kanilang pagkamalikhain ay nakakonsentra sa sarili nito ang lahat ng mahahalagang bagay na nakamit hanggang noon sa pamamagitan ng European music.

Si Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) ay isa sa mga pinakadakilang kompositor sa kasaysayan ng musika. Sa kanyang buhay, sumulat si Bach ng higit sa 1000 mga gawa. Ang lahat ng makabuluhang genre ng panahong iyon ay kinakatawan sa kanyang trabaho, maliban sa opera; ibinuod niya ang lahat ng mga nagawa ng sining ng musika sa panahong ito.

Ang musikal na kultura ng German Protestantismo ay may mahalagang papel sa paghubog ng personalidad at pagkamalikhain ni Bach. Hindi nagkataon na karamihan sa pamana ng kompositor ay sagradong musika. Hindi niya tinalakay ang pinakasikat na genre noong ika-18 siglo, ang opera.

Si Bach ay hindi kailanman umalis sa Alemanya, bukod dito, siya ay nakatira higit sa lahat hindi sa kabisera, ngunit sa mga lungsod ng probinsiya. Gayunpaman, pamilyar siya sa lahat ng makabuluhang pag-unlad sa musika noong panahong iyon. Nagawa ng kompositor na pagsamahin sa kanyang trabaho ang mga tradisyon ng Protestant chant sa mga tradisyon ng European music schools. Ang mga gawa ni Bach ay nakikilala sa pamamagitan ng lalim ng pilosopikal, konsentrasyon ng pag-iisip, at kawalan ng walang kabuluhan. Ang pinakamahalagang katangian ng kanyang musika ay isang kamangha-manghang pakiramdam ng anyo. Lahat ng bagay dito ay lubos na balanse, balanse at sa parehong oras emosyonal. Ang iba't ibang elemento ng wikang musikal ay gumagana upang lumikha ng isang solong imahe, bilang isang resulta, ang pagkakaisa ng kabuuan ay nakakamit.

Ang gawain ni Bach, isang unibersal na musikero, ay nagbubuod sa mga nakamit ng musikal na sining ng ilang siglo sa bingit ng baroque at klasisismo. Isang maliwanag na pambansang artista, pinagsama ni Bach ang mga tradisyon ng pag-awit ng mga Protestante sa mga tradisyon ng mga paaralang pangmusika ng Austrian, Italyano, at Pranses.

Ang nangungunang genre sa vocal at instrumental na gawa ni Bach ay ang spiritual cantata. Gumawa si Bach ng 5 taunang cycle ng cantatas, na naiiba sa pag-aari sa kalendaryo ng simbahan, sa mga mapagkukunang teksto (mga salmo, choral stanzas, "libre" na tula), sa papel na ginagampanan ng chorale, atbp.

Sa mga sekular na cantata, ang pinakasikat ay ang "Peasant" at "Coffee". Binuo sa cantated dramaturgy, ang mga prinsipyo ay natagpuan ang pagpapatupad sa masa, ang "Passion". Ang "mataas" na masa sa h-moll, "John Passion", "Matthew Passion" ay naging kulminasyon ng siglo-lumang kasaysayan ng mga genre na ito.

Ang musika ng organ ay sumasakop sa isang sentral na lugar sa instrumental na gawa ni Bach. Synthesizing ang karanasan ng organ improvisation na minana mula sa kanyang mga nauna (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, J.A. Reinken), iba't ibang variational at polyphonic na paraan ng pag-compose, at kontemporaryong mga prinsipyo ng performance ng konsiyerto, muling inisip at in-update ni Bach ang mga tradisyonal na genre ng organ music - toccata, fantasy, passacaglia, chorale prelude.

Isang birtuoso na tagapalabas, isa sa mga pinakadakilang mahilig sa mga instrumento sa keyboard noong kanyang panahon, lumikha si Bach ng isang malawak na panitikan para sa clavier. Kabilang sa mga clavier na komposisyon, ang pinakamahalagang lugar ay inookupahan ng Well-Tempered Clavier - ang unang karanasan sa kasaysayan ng musika ng artistikong aplikasyon na binuo sa pagliko ng ika-17-18 na siglo. tempered system.

Ang pinakadakilang polyphonist, sa fugues, lumikha si Bach ng hindi maunahang mga halimbawa, isang uri ng paaralan ng contrapuntal na kasanayan, na ipinagpatuloy at natapos sa The Art of Fugue, kung saan nagtrabaho si Bach sa nakalipas na 10 taon ng kanyang buhay. Si Bach ang may-akda ng isa sa mga unang clavier concerto - ang Italian Concerto (nang walang orkestra), na ganap na inaprubahan ang independiyenteng kahalagahan ng clavier bilang instrumento ng konsiyerto.

Ang musika ni Bach para sa violin, cello, flute, oboe, instrumental ensemble, orchestra - sonata, suites, partitas, concertos - ay nagmamarka ng makabuluhang pagpapalawak ng mga nagpapahayag at teknikal na kakayahan ng mga instrumento, nagpapakita ng malalim na kaalaman sa mga instrumento at unibersalismo sa kanilang interpretasyon .

Kabilang sa mga gawa ni Bach para sa iba pang mga instrumento, ang pangunahing lugar ay kabilang sa mga sonata ng violin, partita at concerto. Bilang isang mahusay na biyolinista mula sa isang murang edad, si Bach na kompositor ay perpektong naiintindihan ang mga posibilidad ng instrumento, ang "estilo" nito, tulad ng kanyang pinagkadalubhasaan ang "estilo" ng organ at clavier. Ang musika ng violin, na bago noong panahong iyon, ay nagsilbing modelo para sa kanya kapag lumilikha hindi lamang ng mga gawa ng violin, na nabanggit na sa halimbawa ng mga konsyerto. Kasabay nito, ang nabuong polyphony, ay nagtrabaho sa mga anyo ng organ at clavier na musika, hinahangad ni Bach na ilipat sa mga sonata ng violin, na gumagawa ng napakataas na pangangailangan sa instrumento na ito. "Sa esensya, ang lahat ng kanyang mga gawa ay nilikha para sa isang perpektong instrumento, paghiram mula sa keyboard ng mga posibilidad ng polyphonic playing, at mula sa mga string - lahat ng mga pakinabang sa pagkuha ng tunog," Albert Schweitzer wastong pagtatapos. , ay isang mahalagang yugto sa paraan sa klasikal na simponya.

Sa panahon ng buhay ni Bach, isang maliit na bahagi ng kanyang mga gawa ang nai-publish. Napakalalim at multifaceted ng gawa ni Bach kaya hindi ito na-appreciate ng mga kasabayan niya. Ang totoong sukat ng henyo ni Bach, na may malakas na impluwensya sa kasunod na pag-unlad ng kulturang musikal ng Europa, ay nagsimulang maisakatuparan lamang pagkatapos ng kanyang kamatayan. Isang buong siglo ang kailangang lumipas para makilala si Bach bilang isang mahusay na kompositor.

Ang pag-unlad ng opera at oratorio ay nauugnay sa pangalan ni Georg Friedrich Handel (1685-1759). Nasa edad na labindalawa, nagsulat si Handel ng mga cantata ng simbahan at mga piraso ng organ. Noong 1702, kinuha niya ang post ng organista ng Protestant cathedral sa kanyang katutubong lungsod - Halle, ngunit sa lalong madaling panahon natanto na ang musika ng simbahan ay hindi ang kanyang bokasyon. Ang kompositor ay higit na naaakit sa opera.

Bilang isang kompositor ng opera na si Handel ay naganap sa Italya. Ang produksyon ng Agrippina (1709) sa Venice ay nagdala sa kanya ng katanyagan, at ang opera na Rinaldo (1711), na itinanghal sa London, ay ginawa Handel ang pinakamalaking operatic kompositor sa Europa. Lumahok siya sa mga negosyo ng opera (ang tinatawag na mga akademya), nagtanghal ng kanyang sariling mga opera, pati na rin ang mga gawa ng iba pang mga kompositor; Lalo na matagumpay para kay Handel ang trabaho sa Royal Academy of Music sa London. Gumawa si Handel ng ilang opera sa isang taon. Noong 1730s ang kompositor ay naghahanap ng mga bagong paraan sa musikal na teatro - pinalakas niya ang papel ng koro at ballet sa mga opera ("Ariodant", "Alcina", pareho - 1735).

Ang operatic work ni Handel ay naimpluwensyahan ng musical dramaturgy ni R. Kaiser. Isang Enlightenment artist, si Handel ay nagbuod ng mga nagawa ng musical baroque at nagbigay daan para sa musical classicism. Nang walang ganap na paglabag sa mga canon ng opera seria, nakamit ni Handel ang isang panahunan na pag-unlad ng aksyon sa pamamagitan ng pag-iiba ng mga dramatikong layer.

Nagtrabaho din siya sa genre ng Italian opera seria. Ang musika ng hindi pangkaraniwang kagandahan ay gumawa ng malaking impresyon sa mga nakikinig. Sa kabuuan, ang master ay lumikha ng higit sa apatnapung mga gawa ng genre na ito. Gayunpaman, hindi lahat ay tinanggap ang opera seria sa England. Hindi nagkataon lang na ang The Beggar's Opera (1728; musika ni Johann Christoph Pepusch, libretto ni John Gay), na nagpatawa sa mga Italian opera, na pinaniniwalaan ng ilan na nakasagabal sa pag-unlad ng pambansang teatro, ay isang malaking tagumpay.

Dinala niya ang Italian opera seria sa threshold ng reporma. Si Gluck ay magsisimulang isakatuparan lamang ito ng higit sa dalawampung taon, kapag ang mga kinakailangang makasaysayang kondisyon ay nilikha para dito. Si Handel mismo ay magpapatuloy sa kanyang paghahanap sa oratorio genre.

Ang mga gawa ni Handel ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang monumental-heroic na istilo, isang optimistiko, nagpapatibay sa buhay na simula, pinagsasama ang kabayanihan, epiko, liriko, trahedya, pastoral sa isang solong magkakasuwato na kabuuan. Ang pagkakaroon ng hinihigop at malikhaing pag-iisip na muli ang impluwensya ng Italyano, Pranses, Ingles na musika, si Handel ay nanatiling isang Aleman na musikero sa pinagmulan ng pagkamalikhain at paraan ng pag-iisip.

Noong 40s, pagkatapos ng kabiguan ng opera na Deidamia (1741), hindi na bumaling si Handel sa ganitong uri ng musikal na sining at inilaan ang lahat ng kanyang oras sa oratorio - ang pinakamataas na malikhaing tagumpay ni G.F. Handel.

Mainit na tinanggap ng publiko ang mga bagong obra ng kompositor. Gumawa si Handel ng tatlumpu't dalawang oratorio. Sa oratorio, hindi nakatali sa mga mahigpit na paghihigpit sa genre, ipinagpatuloy ni Handel ang kanyang paghahanap sa larangan ng musikal na drama, sa balangkas at komposisyon.

Ang pagliko na ito ay hindi mananatiling walang mga kahihinatnan sa karagdagang landas ng kompositor. Ang paglikha ng tunay na heroic oratorio, siya ay bumaling sa mga tema at mga imahe na nauugnay sa ideya ng sakripisyo, sakripisyo sa kapalaran ng isang tao, ang hindi mapaglabanan na nakamamatay na tadhana ng isang bayani o pangunahing tauhang babae. Oo, at lahat ng nakamit ni Handel sa loob ng maraming taon sa sining ng opera, lahat ng pinakamahusay na nahanap niya rito, ay hindi dadaan sa oratorio. Kabilang sa mga pinakasikat na gawa ni Handel ay ang oratorio Israel in Egypt (1739), Messiah (1742), na, pagkatapos ng matagumpay na premiere sa Dublin, ay umani ng matalas na batikos mula sa klero. Ang tagumpay ng mga susunod na oratorio, kasama. Ang "Judas Maccabee" (1747), ay nag-ambag sa pakikilahok ni Handel sa pakikibaka laban sa pagtatangkang pagpapanumbalik ng dinastiyang Stuart. Sa materyal ng mga alamat sa Bibliya at ang kanilang repraksyon sa tula sa Ingles, inihayag ni Handel ang mga larawan ng mga pambansang sakuna at pagdurusa, ang kadakilaan ng pakikibaka ng mga tao laban sa pang-aapi ng mga alipin. Si Handel ang lumikha ng isang bagong uri ng vocal at instrumental na gawa na pinagsasama ang sukat (makapangyarihang mga koro) at mahigpit na arkitekto. Ang mga oratorio ni Handel ay humanga sa lakas ng tunog ng koro, ang birtuoso na paggamit ng polyphony, ang malambot at nababaluktot, nagpapahayag na mga melodies ng arias. Ang koro ay inilaan upang bigyang-diin ang monumentalidad ng kaganapan, ang malaking kahalagahan nito para sa sangkatauhan, at ang arias - ang lakas ng damdamin ng bayani.

Sa genre ng oratorio, tulad ng sa walang iba, malayang itapon ni Handel ang mga masa ng koro, na kinasasangkutan ng koro sa isang epikong salaysay o dramatikong aksyon. Hindi man lang niya naisip na gayahin ang mga modelong Italyano ng oratorio, na sa kanyang panahon ay mas nakahilig sa mga operatic form kaysa sa choral monumentality. Tulad ni Bach, si Handel ay tila palaging may malalim na malikhaing interes sa malalaking polyphonic form.

Sa buong karera niya, nagtrabaho din si Handel sa mga instrumental na genre; ang pinakamahalaga ay ang kanyang concerti grossi. Pag-unlad ng motibo, lalo na sa mga orkestra na gawa, ang istilong homophonic-harmonic ni Handel ay nangingibabaw sa polyphonic na pag-unlad ng materyal, ang melody ay nakikilala sa pamamagitan ng haba, intonasyon at ritmikong enerhiya nito, at ang kalinawan ng pattern. Tanging kung ihahambing sa mga opera at oratorio ni Handel ay maaaring hindi gaanong makabuluhan ang kanyang instrumental na musika. Ngunit sa kanyang sarili ito ay napaka-nagpahiwatig para sa kanya, malakas na konektado sa mga pangunahing lugar ng kanyang trabaho at puno ng artistikong interes. Bagaman sa matitinik na landas ng kompositor, ang mga instrumental na gawa ay higit na katulad ng pagpapahinga kaysa sa sukdulang pagsisikap, nagawa niyang isulat ang marami sa mga ito: higit sa 50 concerto, higit sa 40 sonata at humigit-kumulang 200 piraso para sa clavier, clavier o organ, bilang pati na rin ang iba't ibang instrumental na komposisyon. Kaya, kung walang ginawa si Handel kundi mga oratorio, ang kanyang malikhaing pamana ay kailangan pa ring kilalanin bilang engrande. Ngunit nagmamay-ari siya ng higit sa apatnapung opera, kabilang ang hindi mabilang na mga pahina ng magagandang musika. Sa lahat ng makabuluhang pagkakaiba sa genre, na may ibang relasyon sa pagitan ng musika at teksto, ang mga Italian opera ni Handel sa kanilang wastong kahulugan ng musika ay naghanda ng maraming para sa hanay ng mga imahe sa kanyang mga oratorio. Sa turn, ang tuluy-tuloy na ebolusyon ng kanyang oratorio work, multilateral na paghahanap sa lugar na ito ay hindi matatawaran ang kahalagahan kapwa para sa kasaysayan ng oratorio at para sa karagdagang kasaysayan ng opera. Ang kanyang mga gawa ay may malaking epekto sa mga artista ng mga susunod na henerasyon, lalo na sa mga kinatawan ng Viennese classical na paaralan. Ang gawain ni Handel ay may malaking epekto kay J. Haydn, V.A. Mozart, L. Beethoven, M.I. Glinka.

3. musikang Ruso noong ika-18 siglo

Bago ang kasagsagan nito at ang pagbuo ng mga unang paaralan ng pambansang kompositor sa simula ng ika-19 na siglo, malayo na ang narating nito sa pag-unlad. Hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang sekular na musika ay hindi propesyonal, ang mga pangunahing genre ng musika ay nasa larangan ng alamat at sagradong musika. Ang mga pangunahing genre ay cant at choral concerto. Ang choral concert ay isang mahalagang transisyonal na hakbang mula sa simbahan tungo sa propesyonal na sekular na musika. Ang pinaka kumplikadong anyo ng sining ng musikal ng Russia noong ika-18 siglo ay itinuturing na "espirituwal na konsiyerto para sa koro". Noong ika-18 siglo, isang mapagpasyang punto ng pagbabago ang naganap sa buong paraan ng musikang Ruso. Nagsisimulang mangibabaw ang sekular na musika, ipinakilala ang mga modernong anyo ng propesyonal na musika - mga konsiyerto ng symphony at chamber, nabuo ang paggawa ng musika sa bahay. Matagumpay na naaprubahan ang musika ng uri ng Europa na may notasyong pangmusika.

Ipinanganak ang teatro ng musikal na Ruso, na umasa sa mga tradisyon ng pag-awit ng koro, paggamit ng iba't ibang troparion, cants. Sa huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo, lumitaw ang isang tunay na teatro sa musika sa Russia. Ang mga teatro ng kuta ng Sheremetev at Vorontsov ay lalong sikat. Mula noong 1730s, mayroong isang Italian court theater sa St. Petersburg, kung saan ang mga kompositor tulad ng Baltassare Galuppi at Domenico Cimarosa ay nagtrabaho. Noong 1780, ang unang musikal na Petrovsky Theatre sa Russia ay itinatag sa Moscow. Mula noong 1783, ang mga pagtatanghal sa musika ay itinanghal sa St. Petersburg sa Stone Theater. Ang halimbawang ito ay sinundan ng mga bayan ng probinsiya. Sa huling quarter ng ika-18 siglo, nabuo ang isang pambansang paaralan ng mga kompositor, na sumisipsip ng mga ideyang pang-edukasyon na mapagmahal sa kalayaan, isang interes sa katutubong awit, kung saan ang mga pangunahing genre ay comic opera, liriko na romansa at mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng Russia. Kabilang sa iba't ibang mga genre ng propesyonal na musika ng huling bahagi ng ika-18 siglo, ang opera ay sumasakop sa unang lugar. Ang opera sa panahong ito ang naging pinaka-develop, pinaka-propesyonal at, sa parehong oras, ang pinaka-napakalaking anyo ng musikal na pagkamalikhain. Hindi kataka-taka na tiyak sa genre ng opera na ang malikhaing potensyal ng mga kompositor ng Russia noong ika-18 siglo ay nagpakita nang malinaw. Ang opera ay umaakit ng parehong malawak na madla at ang pinakamahusay na malikhaing pwersa. Ang opera ay nagbubunga ng masiglang tugon sa opinyon ng publiko, sa tula, panitikan at kritisismo. Sa napakabilis at pagkakumpleto, sinasalamin niya ang progresibo, demokratikong tendensya ng sining ng Russia.

Kasama ng opera, ang iba't ibang genre ng chamber music ay nakakakuha ng katanyagan sa Russia. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, naging karaniwan na ang mga konsyerto sa silid sa korte. Ang paggawa ng musika sa silid ay nagtamasa ng mahusay na tagumpay sa mga maharlikang amateur circle. Sa oras na ito, ang papel ng court orchestra ay kapansin-pansing lumago. Noong unang bahagi ng 60s, ang orkestra ay nahahati sa dalawang independyenteng grupo ng mga musikero - mga performer ng opera at symphony at ballroom music. Ang gayong pagkakaiba-iba ay isang walang alinlangan na tanda ng paglaki ng mga gumaganap na pwersa.

Sina Maxim Berezovsky at Dmitry Bortnyansky ay makikinang na opera at instrumental na kompositor. Si Evstigney Fomin ay naging sikat sa genre ng "song" opera sa Russian motifs ("Coachmen on a set-up" sa teksto ng N.A. Lvov) at sa genre ng trahedya opera ("Orpheus" sa teksto ng Ya.B. Kniazhnin). Violin virtuoso Ivan Khandoshkin ay ang may-akda ng kaakit-akit melodic sonata at mga pagkakaiba-iba sa Russian katutubong tema. Si Osip Kozlovsky ay nakakuha ng katanyagan sa mga makabayang polonaises ("Kulog ng tagumpay, umalingawngaw!") At "Mga awiting Ruso".

Kaya, ang musikang Ruso noong ika-18 siglo ay sumasalamin sa matalim at mabilis na pagtaas na naganap sa lahat ng larangan ng pampublikong buhay sa post-Petrine Russia.

Isang uri ng interweaving ng pambansa at pan-European, medyo walang muwang at mature, luma at bago, espirituwal at sekular - lahat ng ito ay magkakasamang bumubuo sa natatanging imahe ng musikang Ruso ng Edad ng Enlightenment.

Konklusyon

Bilang konklusyon, pansinin natin sa madaling sabi ang mga sumusunod. Noong ika-18 siglo, nagsimulang mahubog ang wikang musikal na iyon, kung saan magsasalita ang buong Europa sa kalaunan, mga anyo na umaabot sa pinakamataas na antas ng pagiging perpekto. Ang mga dakilang masters na nagtatrabaho sa iba't ibang bansa ay tinutukoy sa pamamagitan ng kanilang pagkamalikhain ang lahat ng musikal na sining ng panahong ito.

Sa gawain ng kompositor, ang panahong ito ay kinakatawan ng mga istilong artistikong tulad ng klasiko, baroque, rococo. Kasama ang mga umiiral nang monumental na genre ng misa at oratorio, isang panimula na bagong genre ang lumitaw sa panahong ito at sa lalong madaling panahon ay naging nangungunang isa - opera. Ang pangingibabaw ng sekular na musika ay sa wakas ay pinagsama-sama. Ang nilalaman nito ay sumasaklaw sa malawak na hanay ng mga paksa at larawan; bubuo ang isang pampublikong buhay musikal; buksan ang mga permanenteng institusyong pangmusika - mga opera house, philharmonic society; ang mga instrumentong pangmusika ng string at hangin ay pinapabuti; nabubuo ang paglilimbag ng musika.

Ang musika ng ika-18 siglo ay naglagay ng dalawang napakalaking hindi naa-access na mga taluktok - Handel at Bach. Mahigit dalawang daang taon na ang lumipas, at ang interes sa kanilang musika ay tumataas lamang.

Sa pagtatapos ng panahong ito, nagsisimula ang pagbuo ng symphony at ballet. Kasabay ng pag-usbong ng free-style polyphony, na pumapalit sa mahigpit na istilong polyphony, isang homophonic-harmonic na komposisyon ang umuusbong sa pang-araw-araw na sayaw, at kalaunan sa propesyonal na musika. Sa mga bansa kung saan nagpapatuloy ang proseso ng pagbuo ng mga bansa sa panahong ito, nabubuo ang mga mataas na binuo na pambansang musikal na kultura. Kaya't sa Italya, ipinanganak ang opera, oratorio at cantata, na-update ang instrumental na musika, sa France - opera-ballet, mga bagong anyo ng clavier miniatures, sa England - clavier school of virginists.

Isang mapagpasyang punto ng pagbabago ang naganap sa musikang Ruso noong ika-18 siglo: nagsimulang mangibabaw ang sekular na musika, ipinakilala ang mga modernong anyo ng propesyonal na musika - mga konsiyerto ng symphonic at chamber, binuo ang paggawa ng musika sa bahay, matagumpay na naitatag ang uri ng musikang European na may notasyong musikal, lumitaw ang mga unang opera.

Mga Katulad na Dokumento

Mga tampok ng musikang Ruso noong siglo XVIII. Ang Baroque ay isang panahon kung saan ang mga ideya tungkol sa kung ano ang musika ay dapat kunin sa kanilang anyo, ang mga musical form na ito ay hindi nawala ang kanilang kaugnayan hanggang sa araw na ito. Mahusay na exponents at musikal na mga gawa ng panahon ng Baroque.

abstract, idinagdag noong 01/14/2010


Ang awiting katutubong Ruso ay ang batayan ng gawain ng mga kompositor ng Russia. Repormatoryong aktibidad ng E.I. Fomin. Mga hindi kilalang kompositor noong ika-18 siglo. Romansa at opera: pambansang pagkakakilanlan, koneksyon sa mga katutubong awit. Mga katangian ng musika noong unang bahagi ng ika-19 na siglo.

abstract, idinagdag 03/21/2009


Ang sitwasyong pampulitika ng Italya noong ika-17 siglo, ang pag-unlad ng mga kasanayan sa opera at vocal. Mga katangian ng instrumental na musika noong unang bahagi ng ika-18 siglo: violin art at mga paaralan nito, sonata ng simbahan, partita. Mga natitirang kinatawan ng instrumental na musika.

abstract, idinagdag 07/24/2009


Mga natatanging tampok at kahalagahan ng musika noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Aktibidad ng kompositor ni S. Rachmaninov, mga orihinal na pundasyon ng kanyang istilo ng musika. Hinayaan ng malikhaing ang kompositor at pianista ng Russia na si A. Scriabin. Iba't ibang mga istilo ng musikal ng I. Stravinsky.

abstract, idinagdag noong 01/09/2011


Mga tampok at direksyon ng pagbuo ng kultura ng musika sa Russia sa makasaysayang panahon sa ilalim ng pag-aaral, ang paglitaw at paggamit ng organ, clavichord, flute, cello. Ang landas ng pag-unlad ng Russian polyphonic music sa panahon ng Baroque. Pagkanta ng konsiyerto.

pagtatanghal, idinagdag noong 10/06/2014


Kultura ng kanta ng Russia noong ika-19 na siglo. Paaralan ng mga kompositor ng Russia: Mikhail Ivanovich Glinka; Alexander Sergeevich Dargomyzhsky; Peter Ilyich Tchaikovsky. Ang Mighty Handful ay isang natatanging kababalaghan sa musikang Ruso. Ang kulturang musikal ng Russia sa simula ng ika-20 siglo.

abstract, idinagdag 07/19/2014


Ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang panahon ng makapangyarihang kasagsagan ng musikang Ruso. Ang "Mighty Handful" ay isang malikhaing komunidad ng mga kompositor ng Russia na nabuo noong huling bahagi ng 1850s at unang bahagi ng 1860s. Si Mikhail Ivanovich Glinka bilang tagapagtatag ng musikang klasikal ng Russia.

pagtatanghal, idinagdag noong 12/20/2014


Ang musika ay isang anyo ng sining, ang papel nito sa buhay ng tao. Musika at iba pang sining. Temporal at maayos na katangian ng musikal na paraan. Mga larawang likas sa musika. Musika sa espirituwal na kultura. Ang epekto ng mga nabagong kondisyon para sa pagkakaroon ng musika sa lipunan.

abstract, idinagdag noong 01/26/2010


Ang mga pinagmulan ng rock music, ang mga sentro ng pinagmulan nito, ang musikal at ideolohikal na mga bahagi. Rock music ng 60s, ang paglitaw ng matapang na musika at ang pagtaas ng garage rock. Alternatibong kultura ng musika. Rock music noong 2000s at mga tagalabas sa lahat ng panahon.

abstract, idinagdag noong 01/09/2010


Rock music bilang isang paksa ng pilosopikal at kultural na pagsusuri. Pagkilala sa mga pangunahing direksyon ng postmodernist na pamamaraan sa problema ng pag-aaral ng rock music. Halaga ang espasyo at axiological na bahagi ng dayuhan at Russian rock music.

Musikal na sining ng klasisismo noong ika-18 siglo. Vienna Classical School Klasisismo Klasisismo(mula sa Latin classicus exemplary), isang artistikong istilo at aesthetic na uso sa European na panitikan at sining noong ika-17 at unang bahagi ng ika-19 na siglo, isa sa mga mahalagang tampok kung saan ay ang pag-akit sa mga imahe at anyo ng sinaunang panitikan at sining bilang isang perpektong aesthetic pamantayan. Sa pagbuo ng klasisismo, dalawang makasaysayang yugto ang nabanggit. Lumalago mula sa sining ng Renaissance Ika-17 siglong klasisismo binuo nang sabay-sabay sa baroque, bahagyang sa pakikibaka, bahagyang sa pakikipag-ugnayan dito, at sa panahong ito natanggap nito ang pinakamalaking pag-unlad sa France. Ang klasiko ng ika-17 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng malinaw na magkatugma na mga imahe. Utos, dahilan. Ang pangunahin ng tungkulin at katwiran sa buhay ng mga tao.

Pierre Corneille

Jean Baptiste Racine

Nicolas Poussin

Claude Lorrain

Jean-Baptiste

Lully

Franz Joseph Haydn

Ludwig Wang

Beethoven

Wolfgang Amadeus Mozart

estudyante ni Haydn at tinatrato siya nang may pinakamalalim na paggalang at pagmamahal, na tinawag siyang ama, dahil mas matanda si Haydn kay Mozart ng 24 na taon.

katangian ng karakter. Kasama si Mozart, ang mga nabubuhay na tao ay nabuhay at nagdusa sa entablado na may mga kakaibang katangiang ipinakita sa musika.

Ang bawat karakter sa opera ay may sariling karakter, na ipinahayag sa musika. At ang karakter na ito ay hindi itinakda nang isang beses at para sa lahat, ngunit bubuo habang papalapit ito sa katapusan.

Ang pagkakaiba-iba ng mood ay naihatid sa musika

bawat karakter sa opera. Lahat, kahit na

pangalawang karakter

may sariling arias, matunog, melodic,

madaling tandaan.

Kartnertor

teatro sa Vienna

Pahina ng pamagat ng "Heroic" symphony