Тест по техникам гуашевой живописи. Последовательность рисования от большего к меньшему, от общего к частному

Выполняя живописное произведение, необходимо придерживаться определенной последовательности. Обычно художник начинает работу над картиной или настенной росписью с выполнения нескольких эскизов небольшого размера, в которых конкретизирует свой замысел. Для этой же цели он может выполнить этюды с натуры.

Затем художник выполняет рисунок будущей картины. Он может использовать для этого карандаш, уголь или жидко разведенную краску и тонкую кисть. Возможно изготовление так называемой «кальки» или «картона» в том случае, когда рисунок необходимо перевести на какую-нибудь поверхность. Иногда художники пропускают этот этап работы и начинают сразу писать красками без предварительного рисунка.

Существует много способов нанесения красок на плоскость. Одни художники предпочитают использовать прием лессировки: наносить тонкие прозрачные слои поверх высохшего красочного слоя. Другие достигают нужного цветового решения сразу за одно покрытие, а третьи используют раздельные мазки.

Художник может одновременно работать над рисунком, композицией, лепкой форм, передачей пространства и колоритом. Так любил работать П. Сезанн, особенно когда он писал свои пейзажи или натюрморты с натуры.

104. П. СЕЗАНН. В лесу

Однако такой путь доступен не каждому. Надо обладать прекрасной зрительной памятью, точным рисунком, композиционным мышлением, безукоризненным чувством цвета.

Большинство же художников предпочитают вести работу от общего к частному, постепенно нанося основной цвет предметов и следя за моделировкой объема. Затем они уточняют нюансы цвета, цветовые рефлексы, общий колорит картины. На последнем этапе опять переходят к обобщению. Ради достижения цельности произведения можно убрать лишние детали, ослабить контрасты, выделить главное. Так любил работать замечательный художник А. А. Иванов. Он провел огромную подготовительную работу перед созданием картины «Явление Христа народу». Многочисленные живописные этюды, выставленные рядом с этой картиной в Третьяковской галерее, помогают проследить творческий поиск автора.

105. А. А. ИВАНОВ. Явление Христа народу

106. А. А. ИВАНОВ. Голова Иоанна Крестителя. Этюд к картине «Явление Христа народу»

В учебных целях лучше вести работу над живописной композицией последовательно. Узнать некоторые секреты и тайны живописи помогут вам высказывания мастеров, помещенные в конце данной книги.

Художники-живописцы передают красоту окружающего мира с помощью красок. Можно выбрать любую основу: холст, бумагу, картон, доску, стену и др. Основа обычно грунтуется специальными составами. Живописцы используют разнообразные краски: гуашь, акварель, темперу, масляные и др. Краски наносят на основу круглыми и плоскими кистями разной толщины. Иногда применяют для этого мастихин, нож, тряпку, даже наносят краску пальцем, но лучше все же создавать живописные произведения с помощью специальных инструментов, а не подручными средствами. Техника письма, ее особенности во многом зависят от свойств красок, растворителей, инструментов.

107. Акварельные, гуашевые и масляные краски

108 а. Акварель б. Гуашь в. Масло

До конца XVII – начала XVIII веков художники и подмастерья готовили краски самостоятельно, поручалось это обычно ученикам, которые измельчали камни в порошок и смешивали его с клеем, маслом или яйцом. При промышленном изготовлении красок палитра цветов стала более разнообразной.

Краски для живописи имеют специальные названия. Очень часто эти названия говорят нам о том, из каких химических или природных элементов (минералов, растений) они изготовлены. Основа всех красок – пигмент (тонко растертый цветной порошок). Часто название красок происходит от того, какое связующее вещество используется для их приготовления. Например, для масляных красок основой служит льняное или какое- нибудь другое масло. Клеевые краски – это акварель, гуашь, темпера. В старину изготавливали яичную темперу на основе желтка куриного яйца.

С чего начинать рисовать? Таким вопросом нередко задаются начинающие художники, когда приступают к работе. Однако опытные рисовальщики давно знают ответ на него, потому что в классической художественной школе есть замечательный принцип ведения работы. Рисовать или писать следует от общего к частному, от большего к меньшему.

Чтобы понять это наглядно, достаточно вспомнить как рисуют маленькие дети. Часто ребенок сосредоточивается на подробном рисовании какого-либо предмета, не задумываясь о его размерах и о том, как он вписывается в окружение. Дети могут нарисовать маленькую фигурку на большом листе. Случается так, что нарисованный предмет находится где-нибудь в углу листа, а вокруг пустое пространство. Дети в силу своего возраста не воспринимают весь лист как единое целое, поэтому рисуют все по отдельности.

Нечто подобное происходит когда начинающие художники приступают к рисунку или живописи. Хочется передать всю красоту отдельной детали, нарисовать ее в подробностях, не задумываясь о единстве картины, о том как эта деталь должна быть подчинена окружению. Но когда на «добросовестно» проработанный фрагмент посмотришь издалека, отойдя от мольберта, то видишь, что все не так уж и хорошо как казалось вблизи. Сама деталь может и удалась на славу, однако, не вписалась в остальной рисунок, поэтому в целом вышло все криво. Рассмотрим это на примере.

Предположим, художник рисует портрет. И начинает работу сразу с прорисовки глаза, забыв про все остальное. Далее рисует нос, губы, все лицо и контуры головы. Потом завершает весь портрет. Т. е. начал рисунок с глаза, а закончил всем силуэтом головы (смотрите иллюстрацию). В итоге, сам глаз получился, но сместился в сторону. То же самое произошло и с носом, и с губами. Поэтому портрет вышел не только непохожим, но и кривым.

Но почему такое произошло? Потому что художник сначала стал рисовать малые объекты, а потом закончил крупными формами. Т. е. вел работу от меньшего к большему. Но если бы он начал работу с контуров головы, овала лица (т. е. с крупного), а потом перешел к носу, губам, глазам (меньшему) — вышеописанной ошибки не произошло бы (точнее, вероятность этого была бы меньше). Ведь, наметив основу крупных форм, намного легче вписать в нее мелкие детали. Легче сравнить расстояния и пропорции. А если начинать с мелочей, не определив большие силуэты, то подогнать одно к другому впоследствии будет очень сложно. Поэтому художники используют последовательность рисования от большего к меньшему. И хотя сам по себе этот способ не гарантирует успеха, он значительно помогает в работе. Но разве нельзя рисовать так, как хочется? В любой последовательности? Великие мастера с большим опытом могут начать рисунок от точки «А» и закончить в точке «В», не задумываясь о последовательности. У них все получается уже на интуитивном уровне, так как за плечами огромный опыт. Но в большинстве случаев рекомендуется начинать работу не с мелочей, а с общих, больших масс, смотря на картину в целом. Ведь и большие мастера, даже если и нарушают классические этапы рисунка, в уме все равно видят картину целиком, не фрагментарно.

Видеть целое среди мелких деталей очень важно по целому ряду причин. Одна из них — это умение обобщать. Без обобщения нельзя представить себе ни рисунок, ни живопись. Обобщение — это не только способ облегчить работу. Посредством обобщения художники создают иллюзию, при которой живопись или рисунок способны оживать. Возьмем, к примеру, букет цветов. Если его начать писать с отдельных лепесточков, и таким подробным письмом продолжать работу до конца, то живопись может не только содержать ошибки, но и быть менее выразительной, «сухой». Однако, если художник начнет работу с больших масс, обобщая и объединяя цветки в группы, а потом будет писать отдельные цветки подробно, то такая последовательность поможет не запутаться в оттенках, видеть главное, оживлять живопись. Оживлять эффектом отбора, когда художник обобщает второстепенное и выделяет главное. Соседство подробного и обобщенного создает иллюзию, в которой изображаемый вид словно оживает.

Такой отбор требует от человека умения видеть картину в общем, умения обращать внимание на основное, не сосредоточиваться на мелочах. Когда у художника в этом отношении «поставлен глаз», он сумеет лучше определить, что нужно обобщить и как это сделать. Глядя на картину под таким углом, художник сможет точнее определить пропорции, лучше увидеть цветовые и тоновые отношения.

Тесты живопись 4 кл.2 пол.

1.Какой из этих цветов не является «теплым»:

А) желтый;

Б) красный;

В) оранжевый;

Г) синий

2. Какое определение наиболее соответствует понятию «воздушная перспектива»:

А) искусство изображать на плоскости трехмерное пространство;

Б) изменение величины предметов зависимости удаленности их от точки наблюдения;

В) изменение цвета предмета в зависимости его удаления от точки наблюдения;

Г) пропорциональное изменение предметов.

3 . Основные цвета это…

А) красный,фиолетовый,зеленый;

Б) красный, синий, желтый;

В) желтый,синий,зеленый;

Г)желтый,синий,оранжевый.

4. Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется:

А) локальным цветом

Б) колоритом

В) контрастом

5. Выполняя живописное произведение, необходимо придерживаться следующей последовательности:

А) от общего к частному;

Б) от холодного к теплому;

В) от светлого к темному.

6. Какое освещение не выявляет форму, объем и фактуру изображаемых объектов.

А) контражурное

Б) фронтальное

В) боковое

7. Какая форма живописи может передавать объем предметов в пространстве, их взаимосвязь с окружающей средой.

А) абстрактная

Б) декоративная

В) реалистическая

8. Каким этапом можно пренебречь при написании краткосрочного этюда головы.

А) лепка формы

Б) цвето-тональные отношения

В) проработка деталей

9. Писать жизнь, писать живо, т.е. полно и убедительно передавать действительность – это:

А) живопись

Б) рисунок

В) ДПИ

10 . Работа, выполненная с натуры – это:

А) этюд

Б) эскиз

11. При выполнении этюда головы, какой ракурс наиболее выгоден для передачи объема:

А) фас

Б) профиль

В) три четверти

12. Определенные сложившиеся системы приемов работы, которые вырабатывались различными национальными школами.

А) техника живописи

Б) материалы гуашевой живописи

13. Рисунок под гуашевую живопись обычно выполняется

А) углем

Б) фломастером

В) карандашом

14. Гармоничные состояния, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине- это:

А) колорит

Б) светлота

В) монохром

15. Основной цвет предмета без учета внешних влияний – это:

А) рефлекс

Б) локальный цвет

В) полутон

16. Основные задачи реалистической живописи:

А) писать живо, броско

Б) писать отношениями

В) использовать больше цвета

17. Какой из перечисленных разбавителей используется в гуашевой живописи:

А) вода

Б) скипидар

В) ацетон

18. Если художник изображает только морские пейзажи, то их называют:

А) «Маринами»

Б) «Светланами»

В) «Еленами»

19. Наложение одного красочного слоя на другой называется:

А) лессировка

Б) алла прима

В) по-сырому

20. Какой цвет не является хроматическим:

А) красный

Б) белый

В) синий

Г) голубой

21. На черном серое кажется более светлым, а на белом- более темным. Такое явление называется:

А) светлотным контрастом

Б) колоритом

В) цветовым контрастом

22. Живопись сложной пластической формы – головы натурщика должна базироваться на знаниях:

А) анатомической конструкции черепа

Б) истории искусств

В) линейной перспективы

23. Живописный метод, при котором цвет каждой детали постановки берется сразу в полную силу, в один слой, называется:

А) лессировка

Б) по-сырому

В) «alaprima»

ОТВЕТЫ К ТЕСТАМ ПО ЖИВОПИСИ

Отделение ПФР по г. Севастополю обращает внимание работодателей: последний день приема ежемесячной отчетности по форме СЗВ-М за ноябрь - 17 декабря 2018 года (так как 15 и 16 декабря - выходные дни). Кроме того, в январе 2019 года у работодателей, сдающих отчет на бумажном носителе, будет всего лишь 5 дней для представления сведений за декабрь 2018 года - с 9 по 15 января.

Руководители, относитесь к выполнению своей обязанности ответственно! Важно понимать, что от своевременно представленных сведений в ПФР зависит индексация пенсий гражданам, прекратившим трудовую деятельность. Придерживайтесь двух правил: достоверность сведений и срок представления.

Также напоминаем, что в 2019 году отчитаться страхователям нужно еще и о страховом стаже своих работников по форме СЗВ-СТАЖ . Успеть со сдачей сведений о стаже необходимо будет до 1 марта включительно. Если работодатель проигнорирует сроки предоставления отчетности, к нему будут применены финансовые санкции.
В форме СЗВ-СТАЖ отражается информация о периоде работы в течение календарного года, в том числе и о периодах деятельности работника с особыми условиями труда, дающих право на досрочную пенсию.

Для подготовки сведений можно воспользоваться программным обеспечением, размещенным на официальном сайте ПФР в разделе «Работодателям», в подразделе «Бесплатные программы, формы и протоколы».

Живопись искусство цвета

Живопись искусство цвета Живопись - это такой вид изобразительного искусства, в котором цвет играет главную роль.

К живописи относятся произведения искусства, выполненные красками, нанесенными на какую-нибудь твердую поверхность.

Живопись означает писать жизнь, писать живо, то есть полно и убедительно передавать действительность.

По своему практическому назначению живопись разделяется на монументальную, станковую, иконопись, миниатюру, театрально-декорационную, декоративную роспись и др.

Каждая из разновидностей живописи отличается своей спецификой. Это касается как технического исполнения, так и художественно-образных задач.

Образы живописи очень наглядны и ярки. Художники создают полотна живописными и пластическими средствами. Они используют возможности рисунка и композиции, но главным средством выразительности в живописи является цвет.

Живопись способна запечатлеть сложный мир человеческих чувств и характеров, передать тончайшие изменения в природе, вечные философские идеи и фантастические образы. Полнота охватываемых живописью явлений проявляется в присущих ей жанрах.

История живописи начинается с наскальных изображений первобытного человека.

Огромные духовные сокровища накоплены в ходе ее развития.

Древнерусская икона, воплощающая идею Бога, является одновременно святыней и примером живописи, передающей не земную, а божественную красоту. Цвет икон условен и декоративен. Назначение иконы передавать не реальность, а божественную идею, в которой живопись искала идеал.

В эпоху Возрождения человек стал мерой всех вещей и героем живописных произведений. Изображение мадонны явилось идеалом земного совершенства. Художники начали писать реалистические полотна.

Техника живописи постоянно совершенствовалась. Все более разнообразные сюжеты привлекали живописцев. Это все привело к возникновению жанров в XVII веке.

Одним из самых древних жанров является портрет. Прекрасные портреты, выполненные в технике восковой живописи, были найдены в местечке Файюм. Они были созданы в Древнем Египте в I-III веках нашей эры. Файюмские портреты отличаются яркой жизненной образностью, объемной светотеневой моделировкой форм.

Замечательными русскими портретистами были Ф. Рокотов, Д. Левицкий, В. Боровиковский, В. Серов и др.

Своеобразные портреты вещей, их тихую жизнь изображают художники в натюрморте. Этот жанр появился в XVII веке. Знаменитые голландские натюрморты передают радость бытия, рассматривая их, кажется ощущаешь вкус реальных плодов, рыб, напитков. Они словно воспевают гимн материальному миру.

В России мастерами натюрморта были П. Кончаловский, И. Машков, К. Петров-Водкин, М. Сарьян и др.

Картины, в которых главным было изображение природы, тоже стали создавать в Голландии в XVII веке. Жанр пейзажа не только говорит о бесконечном многообразии и красоте природы в разное время года, в различных климатических условиях, при солнечном и лунном освещении, но и передает чувства и настроение. Сравните пейзажи К. Коро, Ван Гога, П. Сезанна и вы

К. КОРО. Мост в Нанте увидите, что в основе любого из них - реальная природа, но при этом образы возникают самые разные, потому что

ВАН-ГОГ. Пшеничное поле и кипарисы. Фрагмент

П. СЕЗАНН. Крестьянский дом. Каштаны в Жа де Буффан

Ф. ВАСИЛЬЕВ. Мокрый луг

главное - это индивидуальность художника. Он рисует не всегда так, как в натуре, а передает свое внутреннее состояние в живописи, поэтому у каждого художника свои любимые цветовые сочетания, приемы, индивидуальное отношение к цвету.

Певцом русской природы можно назвать И. Левитана. Замечательными русскими пейзажистами были Ф. Васильев, В. Поленов, А. Саврасов, И. Шишкин и др.

Если художник изображает только морские пейзажи, то их называют "маринами", они составляют самостоятельный жанр. Картины И. Айвазовского яркий пример этого жанра.

Некоторые художники все свое творчество посвящают изображению животных и птиц. Они создают произведения анималистического жанра. Живописцы выбирают его редко, а вот графики и скульпторы любят рисовать и лепить различных зверей и их детенышей (А. Лаптев, В. Ватагин, Е. Чарушин).

События прошлого, библейские истории и былинные времена вдохновляют художников на создание картин исторического жанра - это, как правило, полотна с многофигурными композициями, реалистичные по цветовому решению. Творчество В. Сурикова - яркий пример исторической живописи.

В. Васнецов написал много картин на сказочные и былинные сюжеты. Картины, написанные на сюжеты из мифов, относятся к мифологическому жанру (ил. 15).

Не только значительные героические события, но и повседневные занятия людей, обычный быт можно изображать на полотне. Такие картины являются произведениями бытового жанра, иногда их называют полотнами жанровой живописи, например картины русских художников: А. Венецианова, П. Федотова, В. Перова, Г. Мясоедова, Б. Кустодиева.

В историческом и бытовом жанрах важна взаимосвязь персонажей, а образное решение создается во многом с помощью цвета.

Сначала мы разглядываем сюжет картины, что изображено, кто является героем, когда это было, а затем рассматриваем, как это написано, как художник изображает тот или иной предмет, как он накладывает краски (лессировкой, алла прима), какой выбирает колорит. Именно от выбора цвета зависит настроение картины, ее эмоциональное воздействие. Колорит

полотна может быть радостным и печальным, спокойным и тревожным, загадочным и ясным.

Постарайтесь понять замысел художника, основную идею произведения. Стать грамотным зрителем непросто. Нужно изучить язык живописи и постоянно развивать свое восприятие, художественный вкус, эмоциональность.

С жанрами изобразительного искусства вы уже познакомились в начальной школе, поэтому здесь дается только их краткий обзор. Если вы захотите узнать о них побольше, то можете заглянуть в "Краткий словарь художественных терминов", который является составной частью данного учебного комплекта, или обратиться к специальной литературе, например к указанной в конце учебника.

Художник создает живописными средствами неповторимый мир, который нас удивляет и радует, заставляет переживать и дает пищу уму, приобщает к секретам и тайнам мастерства.

Цвет может лепить форму предмета, изображать красоту окружающего мира, выражать чувства, настроения, определенное эмоциональное состояние.

Цвет можно по-разному воспринимать, цветом можно мыслить и конструировать. Следует изучать основы цветоведения, различать понятия "цвет" и "краска". Необходимый цвет для живописи обычно достигается смешением красок на палитре. Затем художник превращает краску в цвет на плоскости картины, создавая цветовой порядок - колорит.

Слово "цвет" одно, а определяет многие качества процесса живописи, поэтому цвет правомерно является основой этого вида искусства.

Практические советы

какую-нибудь поверхность. Иногда художники пропускают этот этап работы и начинают сразу писать красками без предварительного рисунка.

используют раздельные мазки.

Большинство же художников предпочитают вести работу от общего к частному, постепенно нанося основной цвет предметов и следя за моделировкой объема. Затем они уточняют нюансы цвета, цветовые рефлексы, общий колорит картины. На последнем этапе опять переходят к обобщению. Ради достижения цельности произведения можно убрать лишние детали, ослабить контрасты, выделить главное. Так любил работать замечательный художник А. А. Иванов. Он провел огромную подготовительную работу перед созданием картины "Явление Христа народу". Многочисленные живописные этюды, выставленные рядом с этой картиной в Третьяковской галерее, помогают проследить творческий поиск автора.

Художники-живописцы передают красоту окружающего мира с помощью красок. Можно выбрать любую основу: холст, бумагу, картон, доску, стену и др. Основа обычно грунтуется специальными составами. Живописцы используют разнообразные краски: гуашь, акварель, темперу масляные и др. Краски наносят на основ? круглыми и плоскими кистями разной толщины. Иногда применяют для этого мастихин нож, тряпку, даже наносят краску пальцем но лучше все же создавать живописные произведения с помощью специальных инструментов, а не подручными средствами. Техник письма, ее особенности во многом зависят от свойств красок, растворителей, инструментов.

До конца XVII - начала XVIII веков художники и подмастерья готовили краски самостоятельно, поручалось это обычно ученикам, которые измельчали камни в порошок и смешивали его с клеем, маслом или яйцом. При промышленном изготовлении красок палитра цветов стала более разнообразной.

Краски для живописи имеют специальные названия. Очень часто эти названия говорят нам о том, из каких химических или природных элементов (минералов, растений) они изготовлены. Основа всех красок - пигмент (тонко растертый цветной порошок). Часто название красок происходит от того, какое связующее вещество используется для их приготовления. Например, для масляных красок основой служит льняное или какое-нибудь другое масло. Клеевые краски - это акварель, гуашь, темпера. В старину изготавливали яичную темперу на основе желтка куриного яйца.

Акварельные, гуашевые и масляные краски

Живопись акварельными и гуашевыми красками

Прежде чем вы начнете выполнять задания по живописи, советуем приготовить следующие принадлежности:

Все краски, кроме масляных, разводятся водой. Необходимо часто менять ее во время работы.

Смешивать краски удобнее всего на палитре. Она бывает разной формы и из разных материалов. Для этой цели молено использовать белые блюдце и пластик или далее чистый лист плотной бумаги.

Чтобы предохранить одежду от случайного попадания краски, лучше одеть фартук или халат. На стол или стул, где будут стоять краски, необходимо постелить клеенку.

Живопись маслом

Для масляной живописи используют специальные разбавители.

Кисти Очень важно всегда содержать

кисти в чистоте и промывать их перед началом работы новой краской.

Тряпочка Лишнюю краску и воду с кистей

можно удалить с помощью тряпочки.

Практические задания

Осенний натюрморт (акварель, гризайль)

1. Выполнение рисунка. После того как найдена композиция, выполняется рисунок, в котором очень точно передаются все детали. Рисунок должен быть выполнен тонкими линиями, чтобы они не просвечивали сквозь акварель. Если в процессе подготовительной работы рисунок получился грязным, со многими исправлениями, то для работы цветом его можно перевести через оконное стекло на новый лист.

2. Первая прокладка тоном. Начиная писать, не увлекайтесь деталями, постарайтесь обобщенно прописать всю поверхность листа. Не забывайте, что в акварели нет белой краски, поэтому белизна листа является самым светлым тоном в работе. По просохшему слою краски приемом лессировки (наложением краски поверх просохшего слоя) наносится более темный тон для проработки основных масс. Будьте осторожны. Акварельная живопись почти не терпит исправлений. Если вам понадобится что-нибудь ослабить в тоне, то попробуйте промыть это место чистой водой и написать его заново. Постепенно прорабатываются детали изображения тонкой кисточкой по сухому слою краски.

3. Завершение работы. Законченная работа, выполненная акварельной техникой, выглядит

Натюрморт с чайной посудой (акварель)

1. Выполнение рисунка тонкими линиями: прорисовывают невидимые части предметов, намечают границы света и тени.

2. Сначала наносят основной цвет чайной посуды и драпировок, соблюдая тональные изменения цвета на свету и в тени.

3. Завершение работы. Методом лессировки добиваются впечатления материальности керамики и драпировок. Для бликов на посуде используется белая бумага. Прорисовывают детали, обобщают цветовое решение натюрморта для достижения цельности.

Натюрморт "Мир художника" (гуашь)

1. Выполнение детального рисунка натюрморта.

2. Первая прокладка локальных цветов предметов и драпировки. Цвет составляется на палитре с использованием белил.

3. Завершение работы: проработка и уточнение деталей светлым по темному и темным по светлому. Гуашь позволяет вносить изменения в работу. Если что-то не получилось, можно перекрыть один цвет другим.

Пейзаж "Весеннее утро" (акварель, по-сырому)