Ang Sining ng Maagang Renaissance. Renaissance - Italian Renaissance (pagpinta) Maagang panahon ng Renaissance

Pederal na Ahensya para sa Edukasyon

St. Petersburg State University of Architecture at Civil Engineering

Kagawaran ng Kasaysayan

Disiplina: Kulturolohiya

Mga Titan at obra maestra ng kultura ng Renaissance

Grupo 1 mag-aaral ES 2

E. Yu. Nalivko

Superbisor:

sa. at. n., guro

I. Yu. Lapina

St. Petersburg

Panimula………………………………………………………………3

Ang sining ng unang bahagi ng Renaissance………………………..4

Panahon ng Mataas na Renaissance…………………………….5

Sandro Botticelli…………………………………………….5

Leonardo Da Vinci…………………………………………7

Michelangelo Buonarroti ………………………………………10

Raffaello Santi………………………………………………….13

Konklusyon……………………………………………………..15

Listahan ng mga ginamit na literatura……………………….16

Panimula

Ang Renaissance ay isang mahalagang panahon sa kultura ng mundo. Sa una, ang isang bagong kababalaghan sa buhay kultural sa Europa ay nagmukhang pagbabalik sa mga nakalimutang tagumpay ng sinaunang kultura sa larangan ng agham, pilosopiya, at panitikan. Ang kababalaghan ng Renaissance ay nakasalalay sa katotohanan na ang sinaunang pamana ay naging isang sandata para sa pagbagsak ng mga canon at pagbabawal ng simbahan. Sa esensya, dapat nating pag-usapan ang tungkol sa isang maringal na rebolusyong pangkultura na tumagal ng dalawa at kalahating siglo at nagtapos sa paglikha ng isang bagong uri ng pananaw sa mundo at isang bagong uri ng kultura. Walang ganito ang naobserbahan sa labas ng rehiyon ng Europa noong panahong iyon. Samakatuwid, ang paksang ito ay pumukaw sa aking malaking interes at pagnanais na pag-aralan ang panahong ito nang mas detalyado.

Sa aking sanaysay, gusto kong tumuon sa mga natatanging tao gaya nina Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Sila ang naging pinakakilalang kinatawan ng mga pangunahing yugto ng Renaissance ng Italya.

1. Ang Sining ng Maagang Renaissance

Sa mga unang dekada ng ika-15 siglo, naganap ang isang mapagpasyang punto ng pagbabago sa sining ng Italya. Ang paglitaw ng isang makapangyarihang sentro ng Renaissance sa Florence ay humantong sa pagpapanibago ng buong kulturang artistikong Italyano.

Ang gawa ni Donatello, Masaccio at ng kanilang mga kasamahan ay nagmamarka ng tagumpay ng Renaissance realism, na malaki ang pagkakaiba sa "realism of details" na katangian ng gothic art ng late trecento. Ang mga gawa ng mga master na ito ay puno ng mga mithiin ng humanismo. Niluluwalhati at niluluwalhati nila ang isang tao, itinataas siya sa antas ng pang-araw-araw na buhay.

Sa kanilang pakikibaka sa tradisyon ng Gothic, ang mga artista ng unang bahagi ng Renaissance ay humingi ng suporta noong unang panahon at ang sining ng Proto-Renaissance. Kung ano ang hinanap ng mga master ng Proto-Renaissance nang intuitively, sa pamamagitan ng pagpindot, ay nakabatay na ngayon sa tumpak na kaalaman.

Ang sining ng Italyano noong ika-15 siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na pagkakaiba-iba. Ang bagong sining, na nanalo sa simula ng ika-15 siglo sa advanced Florence, ay hindi agad nakatanggap ng pagkilala at pamamahagi sa ibang mga lugar ng bansa. Habang ang Bruneleschi, Masaccio, Donatello ay nagtrabaho sa Florence, ang mga tradisyon ng Byzantine at Gothic na sining ay nabubuhay pa sa hilagang Italya, unti-unting pinalitan ng Renaissance.

Ang Florence ang pangunahing sentro ng maagang Renaissance. Ang kultura ng Florentine noong unang kalahati at kalagitnaan ng ika-15 siglo ay iba-iba at mayaman. Mula noong 1439, mula noong idinaos ang ekumenikal na konseho ng simbahan sa Florence, kung saan dumating ang emperador ng Byzantine na si John Palaiologos at ang patriarch ng Constantinople, na sinamahan ng isang napakagandang retinue, at lalo na pagkatapos ng pagbagsak ng Byzantium noong 1453, nang maraming mga siyentipiko na tumakas mula sa Natagpuan ng Silangan ang kanlungan sa Florence, ang lungsod na ito ay naging isa sa mga pangunahing sentro sa Italya para sa pag-aaral ng wikang Griyego, pati na rin ang panitikan at pilosopiya ng Sinaunang Greece. Gayunpaman, ang nangungunang papel sa buhay kultural ng Florence sa unang kalahati at kalagitnaan ng ika-15 siglo ay walang alinlangan na kabilang sa sining. isa

2. Ang panahon ng High Renaissance

Ang panahong ito ay kumakatawan sa apogee ng Renaissance. Ito ay isang maikling panahon, na tumatagal ng mga 30 taon, ngunit sa dami at husay, ang panahong ito ay parang mga siglo. Ang sining ng High Renaissance ay isang kabuuan ng mga nagawa noong ika-15 siglo, ngunit sa parehong oras ito ay isang bagong husay na paglukso, kapwa sa teorya ng sining at sa pagpapatupad nito. Ang pambihirang "densification" ng panahong ito ay maaaring ipaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang bilang ng sabay-sabay (sa isang makasaysayang panahon) na nagtatrabaho makikinang na mga artista ay isang uri ng rekord kahit para sa buong kasaysayan ng sining. Sapat na pangalanan ang mga pangalan tulad ng Leonardo da Vinci, Raphael at Michelangelo.

3. Sandro Botticelli

Ang pangalan ni Sandro Botticelli ay kilala sa buong mundo bilang pangalan ng isa sa mga pinaka-kahanga-hangang artista ng Italian Renaissance.

Si Sandro Botticelli ay ipinanganak noong 1444 (o 1445) sa pamilya ng isang mangungulti, mamamayang Florentine na si Mariano Filippepi. Si Sandro ang bunso, ang ikaapat na anak ni Philippepi. Sa kasamaang palad, halos walang nalalaman tungkol sa kung saan at kailan sinanay si Sandro bilang isang artista at kung, tulad ng sinasabi ng mga lumang mapagkukunan, talagang nag-aral siya ng alahas, at pagkatapos ay nagsimulang magpinta. Noong 1470, mayroon na siyang sariling pagawaan at nakapag-iisa na nagsagawa ng mga natanggap na order.

Ang kagandahan ng sining ni Botticelli ay palaging nananatiling medyo misteryoso. Ang kanyang mga gawa ay pumukaw ng isang pakiramdam na ang mga gawa ng ibang mga masters ay hindi pukawin.

Si Botticelli ay mas mababa sa maraming mga artista noong ika-15 siglo, ang ilan ay nasa lakas ng loob, ang iba ay nasa tunay na pagiging tunay ng mga detalye. Ang kanyang mga imahe (na may napakabihirang mga pagbubukod) ay walang monumentalidad at drama, ang kanilang labis na marupok na mga anyo ay palaging medyo arbitrary. Ngunit tulad ng walang ibang pintor ng ika-15 siglo, si Botticelli ay pinagkalooban ng kakayahan para sa pinakamahusay na patula na pag-unawa sa buhay. Sa unang pagkakataon, naihatid niya ang mga banayad na nuances ng mga karanasan ng tao. Ang masayang kaguluhan ay napalitan sa kanyang mga kuwadro na gawa ng mapanglaw na pag-iisip, mga pagsabog ng kasiyahan - masakit na mapanglaw, mahinahon na pagmumuni-muni - hindi mapigil na pagsinta.

Ang bagong direksyon ng sining ni Botticelli ay tumatanggap ng matinding pagpapahayag nito sa huling yugto ng kanyang aktibidad, sa mga gawa noong 1490s at unang bahagi ng 1500s. Dito ang mga aparato ng pagmamalabis at disonance ay halos hindi mabata (halimbawa, ang "Miracle of St. Zenobius"). Ang artista pagkatapos ay bumulusok sa kailaliman ng walang pag-asa na kalungkutan ("Pieta"), pagkatapos ay sumuko sa naliwanagan na kadakilaan ("Komunyon ni St. Jerome"). Ang kanyang pictorial na paraan ay pinasimple halos sa icon-painting convention, na nakikilala sa pamamagitan ng ilang uri ng walang muwang na dila. Ang plane linear rhythm ay ganap na sumusunod sa parehong pagguhit, na dinadala sa limitasyon sa pagiging simple nito, at kulay na may matalim na kaibahan ng mga lokal na kulay. Ang mga imahe, kumbaga, ay nawawala ang kanilang tunay, makalupang shell, na kumikilos bilang mystical na mga simbolo. Gayunpaman, sa ganap na sining na ito sa relihiyon, ang prinsipyo ng tao ay gumagawa ng paraan nang may matinding puwersa. Kailanman ay hindi kailanman namuhunan ang isang artista ng napakaraming personal na damdamin sa kanyang mga gawa, hindi kailanman nagkaroon ng ganoong kataas na kahalagahang moral ang kanyang mga imahe.

Sa pagkamatay ni Botticelli, nagwakas ang kasaysayan ng pagpipinta ng Florentine ng Maagang Renaissance - itong tunay na tagsibol ng kulturang artistikong Italyano. Isang kontemporaryo ni Leonardo, Michelangelo at ng batang Raphael, nanatiling dayuhan si Botticelli sa kanilang mga klasikal na mithiin. Bilang isang pintor, siya ay ganap na kabilang sa ika-15 siglo at walang direktang kahalili sa pagpipinta ng High Renaissance. Gayunpaman, ang kanyang sining ay hindi namatay kasama niya. Iyon ang unang pagtatangka na ihayag ang espirituwal na mundo ng isang tao, isang mahiyain na pagtatangka na nagwakas nang kalunos-lunos, ngunit sa paglipas ng mga henerasyon at siglo ay natanggap nito ang walang katapusang multifaceted na pagmuni-muni nito sa gawain ng ibang mga panginoon.

Ang sining ng Botticelli ay isang patula na pagtatapat ng isang mahusay na pintor na nagpapasigla at palaging magpapasigla sa puso ng mga tao. 2

4. Leonardo Da Vinci

Sa kasaysayan ng sangkatauhan hindi madaling makahanap ng ibang tao na kasingtalino ng tagapagtatag ng sining ng High Renaissance, si Leonardo da Vinci (1452-1519). Ang komprehensibong katangian ng mga aktibidad ng mahusay na pintor at siyentipikong ito ay naging malinaw lamang nang suriin ang mga nakakalat na manuskrito mula sa kanyang pamana. Ang napakalaking panitikan ay nakatuon kay Leonardo, ang kanyang buhay ay pinag-aralan nang detalyado. At, gayunpaman, marami sa kanyang gawain ang nananatiling mahiwaga at patuloy na pinupukaw ang isipan ng mga tao.

Si Leonardo da Vinci ay ipinanganak sa nayon ng Anchiano malapit sa Vinci: hindi kalayuan sa Florence. Siya ay anak sa labas ng isang mayamang notaryo at isang simpleng babaeng magsasaka. Napansin ang pambihirang kakayahan ng batang lalaki sa pagpipinta, ibinigay siya ng kanyang ama sa pagawaan ni Andrea Verrocchio. Sa larawan ng guro na "The Baptism of Christ", ang pigura ng isang espiritwal na blond na anghel ay kabilang sa brush ng batang Leonardo.

Kabilang sa kanyang mga unang gawa ay ang Madonna with a Flower (1472), na ipininta sa oil painting, noon ay bihira sa Italy.

Sa paligid ng 1482, pumasok si Leonardo sa serbisyo ng Duke ng Milan, Lodovico Moro. Inirerekomenda ng master ang kanyang sarili, una sa lahat, bilang isang inhinyero ng militar, arkitekto, espesyalista sa larangan ng hydraulic engineering, at pagkatapos lamang bilang isang pintor at iskultor. Gayunpaman, ang unang panahon ng Milan ng pagkamalikhain ni Leonardo (1482-1499) ay naging pinakamabunga. Ang master ay naging pinakatanyag na artista sa Italya, nag-aral ng arkitektura at iskultura, bumaling sa pagpipinta ng fresco at altar.

Ang mga kaakit-akit na mga kuwadro na gawa ni Leonardo ng panahon ng Milan ay nakaligtas hanggang sa ating panahon. Ang unang altarpiece ng High Renaissance ay ang Madonna sa Grotto (1483-1494). Ang pintor ay umalis mula sa mga tradisyon ng ikalabinlimang siglo: sa mga relihiyosong pagpipinta kung saan ang solemne na katigasan ay nanaig. Mayroong ilang mga pigura sa altarpiece ni Leonardo: ang babaeng si Maria, ang Sanggol na Kristo na nagbabasbas sa maliit na si Juan Bautista, at isang nakaluhod na anghel, na parang nakatingin sa labas ng larawan. Ang mga imahe ay perpektong maganda, natural na konektado sa kanilang kapaligiran. Ito ay isang uri ng grotto sa gitna ng mga madilim na basalt na bato na may puwang sa kailaliman - isang tanawin na tipikal ng Leonardo sa kabuuan ay hindi kapani-paniwalang misteryoso. Ang mga pigura at mukha ay nababalot ng maaliwalas na ulap, na nagbibigay sa kanila ng isang espesyal na lambot. Tinawag ng mga Italyano ang pamamaraang ito na Deonardo sfumato.

Sa Milan, tila, nilikha ng master ang canvas na "Madonna and Child" ("Madonna Lita"). Dito, sa kaibahan sa Madonna na may Bulaklak, nagsumikap siya para sa isang mas malawak na generalization ng ideality ng imahe. Hindi isang tiyak na sandali ang inilalarawan, ngunit isang tiyak na pangmatagalang estado ng kapayapaan ng kagalakan kung saan ang isang batang magandang babae ay nahuhulog. Ang malamig na malinaw na liwanag ay nagpapaliwanag sa kanyang manipis na malambot na mukha na may bahagyang nakababang tingin at isang bahagyang, bahagya na nakikitang ngiti. Ang larawan ay pininturahan sa tempera, na nagbibigay ng sonoridad sa mga tono ng asul na balabal at pulang damit ni Mary. Ang malambot na maitim na ginintuang kulot na buhok ng Sanggol ay kamangha-mangha na ipininta, ang kanyang maasikasong titig na nakadirekta sa manonood ay hindi seryosong bata.

Nang makuha ang Milan ng mga tropang Pranses noong 1499, umalis si Leonardo sa lungsod. Nagsimula na ang oras para sa kanyang paglalagalag. Sa loob ng ilang oras ay nagtrabaho siya sa Florence. Doon, ang gawa ni Leonardo ay tila naliwanagan ng isang maliwanag na flash: nagpinta siya ng larawan ni Mona Lisa, ang asawa ng mayamang Florentine na si Francesco di Giocondo (circa 1503). Ang larawan ay kilala bilang "Gioconda", ay naging isa sa mga pinakatanyag na gawa ng pagpipinta sa mundo.

Ang isang maliit na larawan ng isang kabataang babae, na nababalot ng maaliwalas na ulap, nakaupo sa backdrop ng isang mala-bughaw-berdeng tanawin, ay puno ng napakasigla at malambot na panginginig na, ayon kay Vasari, makikita ang tibok ng pulso sa paglalim ng Mona leeg ni Lisa. Mukhang ang larawan ay madaling maunawaan. Samantala, sa malawak na panitikan na nakatuon sa Mona Lisa, ang pinakakabaligtaran na interpretasyon ng imaheng nilikha ni Leonardo ay nagbanggaan.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, si Leonardo da Vinci ay nagtrabaho nang kaunti bilang isang artista. Nang makatanggap ng imbitasyon mula sa haring Pranses na si Francis 1, umalis siya patungong France noong 1517 at naging pintor ng korte. Hindi nagtagal ay namatay si Leonardo. Sa self-portrait - drawing (1510-1515), ang gray-bearded patriarch na may malalim na malungkot na hitsura ay mukhang mas matanda kaysa sa kanyang edad.

Ang sukat at pagiging natatangi ng talento ni Leonardo ay maaaring hatulan ng kanyang mga guhit, na sumasakop sa isa sa mga lugar ng karangalan sa kasaysayan ng sining. Sa mga guhit ni Leonardo da Vinci, mga sketch, sketch, diagram, hindi lamang ang mga manuskrito na nakatuon sa mga eksaktong agham, kundi pati na rin ang mga gawa sa teorya ng sining ay hindi mapaghihiwalay. Maraming espasyo ang ibinibigay sa mga problema ng chiaroscuro, volumetric modeling, linear at aerial na pananaw. Si Leonardo da Vinci ay nagmamay-ari ng maraming pagtuklas, proyekto at eksperimentong pag-aaral sa matematika, mekanika, at iba pang natural na agham.

Ang sining ni Leonardo da Vinci, ang kanyang siyentipiko at teoretikal na pananaliksik, ang pagiging natatangi ng kanyang personalidad ay dumaan sa buong kasaysayan ng kultura at agham ng mundo at nagkaroon ng malaking epekto. 3

5 Michelangelo Buonarroti

Kabilang sa mga demigod at titans ng High Renaissance, si Michelangelo ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Bilang isang tagalikha ng bagong sining, karapat-dapat siya sa pangalang Prometheus noong ika-16 na siglo

Ang magandang estatwa ng marmol, na kilala bilang Pieta, ay nananatiling isang monumento sa unang pananatili sa Roma at ang buong kapanahunan ng 24-taong-gulang na artista. Ang Banal na Birhen ay nakaupo sa isang bato, sa kanyang kandungan ay nakapatong ang walang buhay na katawan ni Hesus, na ibinaba mula sa krus. Inalalayan siya nito gamit ang kanyang kamay. Sa ilalim ng impluwensya ng mga sinaunang gawa, itinapon ni Michelangelo ang lahat ng mga tradisyon ng Middle Ages sa paglalarawan ng mga paksa ng relihiyon. Nagbigay siya ng pagkakaisa at kagandahan sa katawan ni Kristo at sa buong gawain. Hindi ang kamatayan ni Hesus ang dapat na pumukaw ng lagim, ngunit isang pakiramdam lamang ng mapitagang sorpresa sa dakilang nagdurusa. Ang kagandahan ng hubad na katawan ay lubhang nakikinabang mula sa epekto ng liwanag at anino na ginawa ng masining na pagkakaayos ng mga tupi ng damit ni Maria. Sa mukha ni Hesus, na inilalarawan ng pintor, nakahanap pa sila ng pagkakatulad kay Savonarola. Si Pieta ay nanatiling isang walang hanggang testamento sa pakikibaka at protesta, isang walang hanggang monumento sa mga nakatagong paghihirap ng artist mismo.

Si Michelangelo ay bumalik sa Florence noong 1501, sa isang mahirap na sandali para sa lungsod, kung saan mula sa isang malaking bloke ng Carrara marmol, na nilayon para sa isang napakalaking estatwa ng biblikal na si David upang palamutihan ang simboryo ng katedral, nagpasya siyang lumikha ng isang mahalagang at perpektong gawain, nang hindi binabawasan ang laki nito, at ito ay si David. Noong 1503, noong Mayo 18, inilagay ang estatwa sa Piazza Senoria, kung saan ito nakatayo nang higit sa 350 taon.

Sa mahaba at malungkot na buhay ni Michelangelo, mayroon lamang isang panahon na ngumiti sa kanya ang kaligayahan - ito ay noong nagtrabaho siya para kay Pope Julius ll. Si Michelangelo, sa kanyang sariling paraan, ay mahal ang bastos na mandirigmang tatay na ito, na wala sa lahat ng papal na matalas na pag-uugali. Ang libingan ni Pope Julius ay hindi naging kasing ganda ng inilaan ni Michelangelo. Sa halip na ang Cathedral ng St. Peter, siya ay inilagay sa isang maliit na simbahan ng St. Peter, kung saan hindi man lang siya pumasok sa kabuuan nito, at ang mga indibidwal na bahagi nito ay nagkalat sa iba't ibang lugar. Ngunit kahit na sa ganitong anyo, ito ay nararapat na isa sa mga pinakatanyag na likha ng Renaissance. Ang sentrong pigura nito ay ang biblikal na si Moses, ang tagapagpalaya ng kanyang mga tao mula sa pagkabihag sa Ehipto (inaasa ng pintor na palalayain ni Julius ang Italya mula sa mga mananakop). Ang labis na pagnanasa, ang hindi makatao na lakas ay pinipigilan ang makapangyarihang katawan ng bayani, ang kanyang mukha ay sumasalamin sa kalooban at determinasyon, isang marubdob na uhaw sa pagkilos, ang kanyang tingin ay nakatuon sa lupang pangako. Sa Olympian kamahalan nakaupo ang isang demigod. Ang isang kamay niya ay makapangyarihang nakapatong sa isang tapyas na bato sa kanyang mga tuhod, ang isa naman ay nakapatong dito na may kawalang-ingat na karapat-dapat sa isang lalaki na nangangailangan lamang ng paggalaw ng kanyang mga kilay upang masunod ang lahat. Gaya ng sinabi ng makata, “Sa harap ng gayong diyus-diyosan, ang mga Judio ay may karapatang magpatirapa sa panalangin.” Ayon sa mga kontemporaryo, ang “Moises” ni Michelangelo ay aktuwal na nakakita sa Diyos.

Sa kahilingan ni Pope Julius, pininturahan ni Michelangelo ang kisame ng Sistine Chapel sa Vatican na may mga fresco na naglalarawan sa paglikha ng mundo. Ang kanyang mga pintura ay pinangungunahan ng mga linya at katawan. Pagkalipas ng 20 taon, sa isa sa mga dingding ng parehong kapilya, pininturahan ni Michelangelo ang Huling Paghuhukom fresco - isang nakamamanghang pangitain ng pagpapakita ni Kristo sa Huling Paghuhukom, sa alon ng kaninong kamay ang mga makasalanan ay nahulog sa kailaliman ng impiyerno. Ang muscular, Herculean na higante ay hindi katulad ng biblikal na Kristo, na nagsakripisyo ng kanyang sarili para sa ikabubuti ng sangkatauhan, ngunit ang personipikasyon ng retribution ng sinaunang mitolohiya, ang Fresco ay nagpapakita ng kakila-kilabot na kailaliman ng isang desperadong kaluluwa, ang kaluluwa ni Michelangelo.

Sa mga akda ni Michelangelo, ang sakit na dulot ng trahedya ng Italya ay ipinahayag, na sinamahan ng sakit tungkol sa kanyang sariling malungkot na kapalaran.Kagandahan, na hindi hinaluan ng pagdurusa at kasawian, natagpuan ni Michelangelo sa arkitektura. Si Michelangelo ang pumalit sa pagtatayo ng St. Peter pagkatapos ng kamatayan ni Bramante. Isang karapat-dapat na kahalili ni Bramante, lumikha siya ng isang simboryo at hanggang ngayon ay hindi matatawaran sa laki o kadakilaan,

Si Michelangelo ay walang mga mag-aaral, walang tinatawag na paaralan. Ngunit mayroong isang buong mundo na nilikha niya. 4

6. Rafael

Ang gawain ni Raphael Santi ay isa sa mga phenomena ng kulturang European na hindi lamang sakop ng katanyagan sa mundo, ngunit nakakuha din ng espesyal na kahalagahan - ang pinakamataas na palatandaan sa espirituwal na buhay ng sangkatauhan. Sa loob ng limang siglo, ang kanyang sining ay nakita bilang isa sa mga halimbawa ng pagiging perpekto ng aesthetic.

Ang henyo ni Raphael ay nahayag sa pagpipinta, graphics, arkitektura. Ang mga gawa ni Raphael ay ang pinakakumpleto, matingkad na pagpapahayag ng klasikal na linya, ang klasikal na simula sa sining ng High Renaissance (Appendix 3). Si Raphael ay lumikha ng isang "unibersal na imahe" ng isang magandang tao, perpekto sa pisikal at espirituwal, na naglalaman ng ideya ng maayos na kagandahan ng pagkatao.

Si Raphael (mas tiyak, Raffaello Santi) ay ipinanganak noong Abril 6, 1483 sa lungsod ng Urbino. Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa kanyang ama, si Giovanni Santi. Noong si Raphael ay 11 taong gulang, namatay si Giovanni Santi at ang batang lalaki ay naiwan na ulila (nawalan siya ng batang lalaki 3 taon bago ang pagkamatay ng kanyang ama). Tila, sa susunod na 5-6 na taon, nag-aral siya ng pagpipinta kasama sina Evangelista di Piandimeleto at Timoteo Viti, mga menor de edad na guro sa probinsiya.

Ang mga unang gawa ni Raphael na kilala sa amin ay ginanap noong mga 1500 - 1502, noong siya ay 17-19 taong gulang. Ito ay mga miniature-sized na komposisyon na "Three Graces", "Dream of a Knight". Ang mga simple-hearted, still student-mahiyain bagay ay minarkahan ng banayad na tula at katapatan ng pakiramdam. Mula sa pinakaunang mga hakbang ng pagkamalikhain, ang talento ni Raphael ay nahayag sa lahat ng pagka-orihinal nito, ang kanyang sariling masining na tema ay nakabalangkas.

Ang pinakamahusay na mga gawa ng unang bahagi ng panahon ay kinabibilangan ng Conestabile Madonna. Ang mga komposisyon na naglalarawan sa Madonna at Bata ay nagdala kay Raphael ng malawak na katanyagan at katanyagan. Ang marupok, maamo, mapangarapin na Madonnas ng panahon ng Umbrian ay pinalitan ng mas makalupang, buong dugo na mga imahe, ang kanilang panloob na mundo ay naging mas kumplikado, mayaman sa mga emosyonal na lilim. Si Raphael ay lumikha ng isang bagong uri ng paglalarawan ng Madonna at Bata - monumental, mahigpit at liriko sa parehong oras, ay nagbigay sa paksang ito ng isang hindi pa naganap na kahalagahan.

Niluwalhati niya ang makalupang pag-iral ng tao, ang pagkakatugma ng espirituwal at pisikal na mga puwersa sa mga pagpipinta ng mga stanzas (mga silid) ng Vatican (1509-1517), na nakamit ang isang hindi nagkakamali na kahulugan ng proporsyon, ritmo, proporsyon, pagkakatugma ng kulay, pagkakaisa ng mga pigura at ang kamahalan ng mga background ng arkitektura. Mayroong maraming mga imahe ng Ina ng Diyos ("Sistine Madonna", 1515-19), mga artistikong ensemble sa mga mural ng Villa Farnesina (1514-18) at ang loggias ng Vatican (1519, kasama ang mga mag-aaral). Sa mga portrait, lumilikha siya ng perpektong imahe ng isang Renaissance na tao (Baldassare Castiglione, 1515). Nagdisenyo ng Cathedral of St. Peter, ang nagtayo ng Chigi Chapel ng Simbahan ng Santa Maria del Popolo (1512-20) sa Roma.

Ang pagpipinta ni Raphael, ang istilo nito, ang mga aesthetic na prinsipyo nito ay sumasalamin sa pananaw sa mundo ng panahon. Sa ikatlong dekada ng ika-16 na siglo, nagbago ang kultura at espirituwal na sitwasyon sa Italya. Sinira ng realidad ng kasaysayan ang mga ilusyon ng Renaissance humanism. Malapit nang matapos ang muling pagbabangon. lima

Konklusyon

Sa panahon ng Renaissance, lumitaw ang interes sa sining ng sinaunang Greece at Roma, na nag-udyok sa Europa na magbago, na minarkahan ang pagtatapos ng Middle Ages at ang simula ng bagong panahon. Ang panahong ito ay hindi lamang panahon ng “revival” ng sinaunang nakaraan, ito ay panahon ng mga pagtuklas at pananaliksik, panahon ng mga bagong ideya. Ang mga klasikal na halimbawa ay nagbigay inspirasyon sa bagong pag-iisip, na nagbibigay-diin sa pagkatao ng tao, ang pag-unlad at pagpapakita ng mga kakayahan, at hindi ang kanilang mga limitasyon, na katangian ng Middle Ages. Ang pagtuturo at siyentipikong pananaliksik ay hindi na eksklusibong gawain ng simbahan. Bumangon ang mga bagong paaralan at unibersidad, isinagawa ang natural na agham at medikal na mga eksperimento. Ang mga artista at eskultor ay nagsumikap sa kanilang gawain para sa pagiging natural, para sa isang makatotohanang libangan ng mundo at ng tao. Ang mga klasikal na estatwa at anatomya ng tao ay pinag-aralan. Ang mga artista ay nagsimulang gumamit ng pananaw, na iniiwan ang planar na imahe. Ang mga bagay ng sining ay ang katawan ng tao, klasikal at modernong mga paksa, pati na rin ang mga relihiyosong tema. Ang mga relasyong kapitalista ay umuusbong sa Italya, at nagsimulang gamitin ang diplomasya bilang kasangkapan sa mga relasyon sa pagitan ng mga lungsod-estado. Ang mga pagtuklas sa siyensya at teknolohikal, tulad ng pag-imbento ng palimbagan, ay nag-ambag sa pagkalat ng mga bagong ideya. Unti-unti, nakuha ng mga bagong ideya ang buong Europa.

Epochs Renaissance(XIV-XVI/XVII siglo) ... ito ay isang malaking kontribusyon sa sining Renaissance.MGA TITAN HIGH RENAISSANCE SALEONARDO DA VINCI end... ang kanyang natatanging kontribusyon sa kapanahunan Renaissance at lumikha ng kanilang sarili mga obra maestra. SA kultura XV-XVI siglo ...

Noong ika-XV siglo. ang Italian Renaissance ay pumapasok sa panahon ng Quattrocento, kapag ang mga pangunahing prinsipyo ng "bagong istilo" ay naging nangingibabaw. Ang unang bahagi ng Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglitaw at pagtaas ng iba't ibang mga teritoryal na paaralan ng sining, ang kanilang aktibong pakikipag-ugnayan at pakikibaka. Sa kultura ng panahong iyon, nabubuo ang kulto ng kagandahan, lalo na ang kagandahan ng tao. Nagiging nangungunang anyo ng sining ang pagpipinta, at sinisikap ng mga artista na ilarawan ang magaganda, perpektong mga tao. Ang pangkalahatang mataas na antas ng mga gawa ng sining, ang kasaganaan ng mga talento, at ang pagkakaiba-iba ng mga malikhaing indibidwal ay kapansin-pansin.

Ang pambihirang pamumulaklak ng Quattrocento art ay may maraming dahilan. Una sa lahat, ang pangyayari na ang aristokratikong saray ng lipunang Italyano, kabilang ang Papa, ang lubos na pinahahalagahan na sining at minamahal na kagandahan, ay nag-ambag. Hinamon nila ang isa't isa para sa pagkakataong anyayahan ang pinakamahusay na mga artista na magtrabaho para sa kanilang sarili. Kaya, sa Florence, sa panahon ng paghahari ng Medici, ang pakikibaka para sa kapangyarihan ay humupa at naging isang pakikibaka para sa pagkakaroon ng mga obra maestra ng sining, sa tunggalian sa karangyaan. Ngunit ito ay isang panlabas na dahilan. Ang pangunahing bagay ay ang sining ay gumaganap ng pinakamahalagang papel sa buhay ng lipunan: ginampanan nito ang pag-andar ng unibersal na kaalaman, nangunguna sa agham at pilosopiya dito. Ang bagong saloobin ng tao sa mundo, ang pagnanais na makabisado ito bilang isang tunay na arena ng kanyang mga aksyon ay nangangailangan ng pag-aaral nito. Ang unang hakbang sa kaalamang ito ay isang malinaw, matino na pananaw sa mundo, na nauunawaan ang kalikasan ng mga bagay. Ang paglalarawan ng mundo bilang nakita ng isang tao ay ang paunang prinsipyo ng mga artista ng Renaissance - isang prinsipyo na naging isang tunay na rebolusyon sa kultura, na ipinahayag sa isang kumpletong pagtanggi sa mga nakaraang prinsipyo. Ang kaalaman sa pananaw, ang teorya ng mga proporsyon, ang istraktura ng katawan ng tao at ang mekanismo ng mga paggalaw nito, ang kakayahang ihatid ang lakas ng tunog sa isang eroplano, at sa mga paggalaw ng katawan upang ipahayag ang mga paggalaw ng kaluluwa - lahat ng ito ay nagiging pareho. isang kinakailangang kondisyon para sa pagkamalikhain at isang tunay na pangangailangan para sa mga artist mismo. Ang pinakadakilang mga masters ng kultura ng unang bahagi ng Renaissance ay ang arkitekto na si Filippo Brunelleschi, ang iskultor na si Donatode Nicolò di Betti Bardi, na binansagan na Donatello, ang mga artistang Tomaso di Giovanni di Simone Cassai, na tinawag na Masaccio, at Alessandro Filipepi, na binansagan na Sandro Botticelli.

Masaccio

Masaccio naging tagapagtatag ng isang bagong kalakaran sa pagpipinta ng Italyano noong ika-15 siglo; binuhay niya ang mga tradisyon ng Giotto, na inabandona ang verbosity na katangian ng pagpipinta sa pagtatapos ng ika-14 - simula ng ika-15 siglo. Ang indibidwal na artistikong istilo ni Masaccio ay pinaka-binibigkas sa kanyang Trinity fresco. Kasama sa komposisyon ng fresco ang isang triumphal arch na may malalim na vault. Inilalarawan nito ang Diyos Ama, ang Banal na Espiritu sa anyo ng isang kalapati, at ang ipinakong Kristo. Malapit sa krusipiho ay sina Maria at Juan, at sa harap ng arko sa magkabilang panig ay nakaluhod ang mga customer. Ang Kristiyanong dogma ng Banal na Trinidad ay pinagtibay ang pagkakaisa ng Ama, Anak at Banal na Espiritu bilang sentro ng makalangit na mundo. Binibigyang-kahulugan ni Masaccio ang mga larawang ito bilang mga tunay na makasaysayang pigura. Ang komposisyon ay binuo batay sa prinsipyo ng linear na pananaw, na nag-uugnay at nag-uugnay sa mga numero sa isang solong kabuuan. Sa fresco ni Masaccio, ang lahat ng mga figure na kumakatawan sa Diyos at tao ay pinagsama sa isang imahe ng mundo na nilikha ng isip ng tao. Ang pangunahing gawain ni Masaccio ay ang mga mural ng Brancacci Chapel sa Church of Santa Maria del Carmine sa Florence, na naglalarawan ng mga yugto mula sa buhay ni St. Peter at dalawang kuwento sa Bibliya na "The Fall" at "The Expulsion from Paradise". Sa fresco na "Expulsion from Paradise", sina Adan at Eba ay nilamon ng walang pag-asa na kawalan ng pag-asa, nagbitiw sa kapalaran, hinabol sila ng isang tumataas na anghel na may tabak sa kanyang kamay. Ang fresco na ito ay makabago sa maraming paraan: ang mga hubad na katawan ay inilalarawan nang wasto sa anatomikong paraan; ang kanilang volume ay namodelo gamit ang chiaroscuro; ang mga numero ay ipinakita sa natural, malayang paggalaw; Ang mga nagpapahayag, masiglang pose, kilos at ekspresyon ng mukha ay nagpapakita ng estado ng pag-iisip ng mga karakter. Sina Adan at Eva, sa kabila ng pagkahulog at pagdurusa, ay hindi nagdudulot ng pagkakondena sa madla.

Ang diwa ng maagang Renaissance ay nagpakita din ng sarili sa isang interes sa unang panahon, sa mga ideya at imahe nito, sa mga plot ng paganong mitolohiya, ang apela na ipinagbabawal sa Middle Ages.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli katawanin paganong mga imahe sa kanyang trabaho. Kadalasan itong paborito ng pinuno ng Florence, si Lorenzo Medici, ay tinatawag na huling artista ng kulturang Florentine noong ika-15 siglo. Ang natatanging tampok nito ay ang apela sa panloob na mundo ng mga karakter, ang kanilang mga mood at mga karanasan. Ang pinakasikat ay ang kanyang mga kuwadro na "Spring" at "The Birth of Venus". Hanggang ngayon, ang balangkas ng pagpipinta na "Spring" ay nananatiling isang misteryo, kung saan ang iba't ibang mga mythological character ay matatagpuan sa isang mabulaklak na damuhan na nababakuran ng mga puno na may mga orange na prutas sa mga sanga: Mercury, ang tatlong grasya, Venus, kung saan si Cupid ay lumulutang, ang diyosa. ng tagsibol at mga bulaklak Flora, isang nimpa sa kagubatan at diyos ng mahinang hangin na si Zephyr. Ang mga character ay hindi magkakaugnay sa pamamagitan ng pag-unlad ng aksyon, sila ay nahuhulog sa kanilang sarili, tahimik, maalalahanin, panloob na nag-iisa. Ni hindi nila napapansin ang isa't isa. Ang magaganda at pinong mga larawang ito ay nagbubunga ng parang panaginip na kalungkutan, tahimik na kagalakan, malabo, malabong mapanglaw at maliwanag na pag-asa.

Ang pagpipinta na "The Birth of Venus" ay malapit sa mood, kung saan ang isang hubad na paganong diyosa ng pag-ibig ay dahan-dahang lumalangoy hanggang sa baybayin, nakatayo sa isang shell na hinihimok ng isang magaan na hininga ng mga marshmallow. Sinalubong si Venus ng isang nymph, handa siyang takpan ng isang magaan na belo. Nakakagulat na magandang mukha ng diyosa, puno ng nakatagong kalungkutan. Ayon sa mga art historian, ang The Birth of Venus ay hindi isang paganong chanting ng babaeng kagandahan. Siya ay may higit na espirituwal na kagandahan, at ang kanyang kahubaran ay nangangahulugan ng pagiging natural at kadalisayan.

Ang Renaissance ay panahon ng pag-unlad ng kultura, ang kasagsagan ng lahat ng sining, ngunit ang pinakaganap na pagpapahayag ng diwa ng panahon nito ay ang sining.

Renaissance, o Renaissance(French "bagong" + "ipinanganak") ay may kahalagahan sa mundo sa kasaysayan ng kultura ng Europa. Pinalitan ng Renaissance ang Middle Ages at nauna sa Enlightenment.
Ang mga pangunahing tampok ng Renaissance- ang sekular na kalikasan ng kultura, humanismo at anthropocentrism (interes sa isang tao at sa kanyang mga aktibidad). Sa panahon ng Renaissance, umunlad ang interes sa sinaunang kultura at, kumbaga, naganap ang "revival" nito.
Ang muling pagbabangon ay lumitaw sa Italya - ang mga unang palatandaan nito ay lumitaw noong ika-13-14 na siglo. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna at iba pa). Ngunit ito ay matatag na itinatag mula sa 20s ng ika-15 siglo, at sa pagtatapos ng ika-15 siglo. naabot ang pinakamataas na rurok nito.
Sa ibang mga bansa, nagsimula ang Renaissance pagkaraan. Noong siglo XVI. ang krisis ng mga ideya ng Renaissance ay nagsisimula, ang kahihinatnan ng krisis na ito ay ang paglitaw ng mannerism at baroque.

Mga panahon ng Renaissance

Ang Renaissance ay nahahati sa 4 na panahon:

1. Proto-Renaissance (ika-2 kalahati ng siglo XIII - siglo XIV)
2. Maagang Renaissance (simula ng XV-end ng XV century)
3. High Renaissance (huli ng ika-15 - unang 20 taon ng ika-16 na siglo)
4. Late Renaissance (kalagitnaan ng ika-16-90s ng ika-16 na siglo)

Ang pagbagsak ng Byzantine Empire ay may papel sa pagbuo ng Renaissance. Ang mga Byzantine na lumipat sa Europa ay nagdala ng kanilang mga aklatan at mga gawa ng sining, na hindi kilala sa medieval na Europa. Sa Byzantium, hindi rin sila sumira sa sinaunang kultura.
Hitsura humanismo(ng kilusang sosyo-pilosopiko, na itinuturing na tao bilang pinakamataas na halaga) ay nauugnay sa kawalan ng pyudal na relasyon sa mga republika ng lungsod ng Italya.
Ang mga sekular na sentro ng agham at sining ay nagsimulang lumitaw sa mga lungsod, na hindi kontrolado ng simbahan. na ang mga aktibidad ay nasa labas ng kontrol ng Simbahan. Sa kalagitnaan ng siglo XV. naimbento ang typography, na may mahalagang papel sa pagpapalaganap ng mga bagong pananaw sa buong Europa.

Maikling katangian ng mga panahon ng Renaissance

Proto-Renaissance

Ang Proto-Renaissance ay ang nangunguna sa Renaissance. Malapit pa rin itong konektado sa Middle Ages, sa mga tradisyong Byzantine, Romanesque at Gothic. Ito ay nauugnay sa mga pangalan ni Giotto, Arnolfo di Cambio, ang magkapatid na Pisano, Andrea Pisano.

Andrea Pisano. Bas-relief "Paglikha ni Adan". Opera del Duomo (Florence)

Ang pagpipinta ng Proto-Renaissance ay kinakatawan ng dalawang paaralan ng sining: Florence (Cimabue, Giotto) at Siena (Duccio, Simone Martini). Ang sentral na pigura ng pagpipinta ay si Giotto. Siya ay itinuturing na isang repormador ng pagpipinta: pinunan niya ang mga relihiyosong anyo ng sekular na nilalaman, gumawa ng unti-unting paglipat mula sa mga planar na imahe sa tatlong-dimensional at mga imahe ng relief, naging realismo, ipinakilala ang plastik na dami ng mga numero sa pagpipinta, inilalarawan ang interior sa pagpipinta.

Maagang Renaissance

Ito ang panahon mula 1420 hanggang 1500. Ang mga artista ng Early Renaissance of Italy ay nakakuha ng mga motibo mula sa buhay, pinupuno ang mga tradisyonal na paksang relihiyon ng makalupang nilalaman. Sa eskultura, ito ay sina L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, ang pamilya della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Nagsisimulang bumuo sa kanilang trabaho ang mga free-standing statue, magagandang relief, portrait bust, at equestrian monuments.
Sa pagpipinta ng Italyano noong ika-XV na siglo. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino, atbp.) ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng maayos na pagkakasunud-sunod ng mundo, conversion sa etikal at civic ideals ng humanismo, masayang pang-unawa sa kagandahan at pagkakaiba-iba ng tunay na mundo.
Ang ninuno ng arkitektura ng Italian Renaissance ay si Filippo Brunelleschi (1377-1446), isang arkitekto, iskultor at siyentipiko, isa sa mga lumikha ng siyentipikong teorya ng pananaw.

Ang isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng arkitektura ng Italyano ay inookupahan ng Leon Battista Alberti (1404-1472). Ang Italyano na iskolar, arkitekto, manunulat at musikero ng Early Renaissance ay nag-aral sa Padua, nag-aral ng abogasya sa Bologna, at kalaunan ay nanirahan sa Florence at Roma. Gumawa siya ng mga teoretikal na treatise na On the Statue (1435), On Painting (1435–1436), On Architecture (nai-publish noong 1485). Ipinagtanggol niya ang wikang "folk" (Italian) bilang isang wikang pampanitikan, sa etikal na treatise na "On the Family" (1737-1441) binuo niya ang ideal ng isang maayos na nabuong personalidad. Sa gawaing arkitektura, si Alberti ay nahilig sa matapang na mga eksperimentong solusyon. Isa siya sa mga pioneer ng bagong arkitektura ng Europa.

Palazzo Rucellai

Idinisenyo ni Leon Battista Alberti ang isang bagong uri ng palazzo na may façade na ginagamot sa rustication hanggang sa buong taas at pinaghiwa-hiwalay ng tatlong tier ng pilasters, na mukhang ang structural basis ng gusali (Palazzo Rucellai sa Florence, na itinayo ni B. Rossellino ayon sa Alberti's mga plano).
Sa tapat ng Palazzo ay nakatayo ang Rucellai Loggia, kung saan ginanap ang mga reception at piging para sa mga trading partner, ipinagdiwang ang mga kasalan.

Loggia Rucellai

Mataas na Renaissance

Ito ang panahon ng pinakakahanga-hangang pag-unlad ng istilo ng Renaissance. Sa Italya, ito ay tumagal mula 1500 hanggang 1527. Ngayon ang sentro ng sining ng Italyano ay lumilipat mula sa Florence patungong Roma, salamat sa pag-akyat sa trono ng papa. Julia II, isang ambisyoso, matapang, masipag na tao, na umakit sa pinakamahuhusay na artista ng Italya sa kanyang hukuman.

Raphael Santi "Larawan ni Pope Julius II"

Maraming mga monumental na gusali ang itinayo sa Roma, ang mga kahanga-hangang eskultura ay nilikha, ang mga fresco at mga kuwadro na gawa ay pininturahan, na itinuturing pa rin na mga obra maestra ng pagpipinta. Ang sinaunang panahon ay lubos na pinahahalagahan at maingat na pinag-aralan. Ngunit ang panggagaya sa mga sinaunang tao ay hindi nakakasagabal sa kalayaan ng mga artista.
Ang tugatog ng Renaissance ay ang gawa ni Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) at Raphael Santi (1483-1520).

Huling Renaissance

Sa Italya, ito ang panahon mula 1530s hanggang 1590s-1620s. Ang sining at kultura sa panahong ito ay lubhang magkakaibang. Ang ilan ay naniniwala (halimbawa, ang mga iskolar ng Britanya) na "Ang Renaissance bilang isang mahalagang makasaysayang panahon ay natapos sa pagbagsak ng Roma noong 1527." Ang sining ng huling Renaissance ay isang napaka-komplikadong larawan ng pakikibaka ng iba't ibang mga alon. Maraming mga artista ang hindi naghangad na pag-aralan ang kalikasan at ang mga batas nito, ngunit sa panlabas ay sinubukan lamang na i-assimilate ang "paraan" ng mga dakilang masters: Leonardo, Raphael at Michelangelo. Sa pagkakataong ito, minsang sinabi ng may edad na si Michelangelo, tinitingnan kung paano kinopya ng mga artista ang kanyang "Huling Paghuhukom": "Ang aking sining ay gagawing maraming tanga."
Sa Timog Europa, nagtagumpay ang Kontra-Repormasyon, na hindi tinanggap ang anumang malayang pag-iisip, kabilang ang pag-awit ng katawan ng tao at ang muling pagkabuhay ng mga mithiin ng unang panahon.
Ang mga sikat na artista sa panahong ito ay sina Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) at iba pa. Caravaggio itinuturing na tagapagtatag ng istilong Baroque.

Renaissance (Renaissance). Italya. XV-XVI siglo. maagang kapitalismo. Ang bansa ay pinamumunuan ng mayayamang bangkero. Interesado sila sa sining at agham.

Ang mayayaman at makapangyarihan ay nagtitipon ng mga mahuhusay at matatalino sa paligid nila. Ang mga makata, pilosopo, pintor at iskultor ay araw-araw na nakikipag-usap sa kanilang mga parokyano. Sa ilang mga punto, tila ang mga tao ay pinamumunuan ng mga pantas, tulad ng gusto ni Plato.

Alalahanin ang mga sinaunang Romano at Griyego. Nagtayo din sila ng isang lipunan ng mga malayang mamamayan, kung saan ang pangunahing halaga ay isang tao (hindi binibilang ang mga alipin, siyempre).

Ang Renaissance ay hindi lamang pagkopya sa sining ng mga sinaunang sibilisasyon. Ito ay isang timpla. Mitolohiya at Kristiyanismo. Realismo ng kalikasan at katapatan ng mga imahe. Kagandahang pisikal at espirituwal.

Isang iglap lang. Ang panahon ng High Renaissance ay mga 30 taon! Mula 1490s hanggang 1527 Mula sa simula ng pamumulaklak ng pagkamalikhain ni Leonardo. Bago ang sako ng Roma.

Ang mirage ng isang perpektong mundo ay mabilis na nawala. Masyadong marupok ang Italy. Hindi nagtagal ay inalipin siya ng isa pang diktador.

Gayunpaman, tinukoy ng 30 taon na ito ang mga pangunahing tampok ng pagpipinta sa Europa para sa 500 taon sa hinaharap! Hanggang .

Realismo ng imahe. Anthropocentrism (kapag ang sentro ng mundo ay Tao). Linear na pananaw. Mga pintura ng langis. Larawan. Tanawin…

Hindi kapani-paniwala, sa mga 30 taon na ito, maraming mga makikinang na master ang nagtrabaho nang sabay-sabay. Sa ibang pagkakataon sila ay ipinanganak ng isa sa 1000 taon.

Sina Leonardo, Michelangelo, Raphael at Titian ay ang mga titans ng Renaissance. Ngunit imposibleng hindi banggitin ang kanilang dalawang nauna: sina Giotto at Masaccio. Kung wala ito ay walang Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

siglo XIV. Proto-Renaissance. Ang pangunahing karakter nito ay si Giotto. Isa itong master na nag-iisang nag-rebolusyon sa sining. 200 taon bago ang High Renaissance. Kung hindi dahil sa kanya, halos hindi na darating ang panahong ipinagmamalaki ng sangkatauhan.

Bago si Giotto ay may mga icon at fresco. Nilikha sila ayon sa mga kanon ng Byzantine. Mga mukha sa halip na mukha. mga flat figure. Proporsyonal na hindi pagkakatugma. Sa halip na isang landscape - isang ginintuang background. Bilang, halimbawa, sa icon na ito.

At biglang lumitaw ang mga fresco ni Giotto. Malaki ang figure nila. Mga mukha ng marangal na tao. Matanda at bata. Malungkot. Malungkot. Nagulat. magkaiba.

Mga Fresco ni Giotto sa Scrovegni Church sa Padua (1302-1305). Kaliwa: Panaghoy ni Kristo. Gitna: Halik ni Hudas (detalye). Kanan: Anunsyo ni St. Anne (ina ni Maria), fragment.

Ang pangunahing likha ni Giotto ay isang cycle ng kanyang mga fresco sa Scrovegni Chapel sa Padua. Nang magbukas ang simbahang ito sa mga parokyano, maraming tao ang bumuhos dito. Hindi pa nila ito nakita.

Pagkatapos ng lahat, ginawa ni Giotto ang isang bagay na hindi pa nagagawa. Isinalin niya ang mga kuwento sa Bibliya sa isang simple, naiintindihang wika. At sila ay naging mas naa-access sa mga ordinaryong tao.

Ito ang magiging katangian ng maraming mga masters ng Renaissance. Laconism ng mga imahe. Live na emosyon ng mga karakter. Realismo.

Magbasa nang higit pa tungkol sa mga fresco ng master sa artikulo.

Hinangaan si Giotto. Ngunit ang kanyang inobasyon ay hindi na binuo pa. Ang fashion para sa internasyonal na gothic ay dumating sa Italya.

Pagkatapos lamang ng 100 taon lilitaw ang isang karapat-dapat na kahalili ni Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Simula ng ika-15 siglo. Ang tinatawag na Early Renaissance. Ang isa pang innovator ay pumasok sa eksena.

Si Masaccio ang unang artist na gumamit ng linear na pananaw. Dinisenyo ito ng kanyang kaibigan, ang arkitekto na si Brunelleschi. Ngayon ang itinatanghal na mundo ay naging katulad ng tunay. Ang arkitektura ng laruan ay isang bagay ng nakaraan.

Pinagtibay niya ang pagiging totoo ni Giotto. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang hinalinhan, alam na niya ang anatomy.

Sa halip na mga blocky na character, si Giotto ay mga taong maganda ang pagkakagawa. Katulad ng mga sinaunang Griyego.

Si Masaccio ay nabuhay ng maikling buhay. Namatay siya, tulad ng kanyang ama, nang hindi inaasahan. Sa 27 taong gulang.

Gayunpaman, marami siyang tagasunod. Ang mga master ng mga sumusunod na henerasyon ay pumunta sa Brancacci Chapel upang matuto mula sa kanyang mga fresco.

Kaya't ang inobasyon ng Masaccio ay kinuha ng lahat ng magagaling na artista ng High Renaissance.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Si Leonardo da Vinci ay isa sa mga titans ng Renaissance. Malaki ang impluwensya niya sa pag-unlad ng pagpipinta.

Si da Vinci ang nagtaas ng katayuan ng artist mismo. Salamat sa kanya, ang mga kinatawan ng propesyon na ito ay hindi na lamang mga artisan. Ito ang mga tagalikha at aristokrata ng espiritu.

Si Leonardo ay gumawa ng isang pambihirang tagumpay lalo na sa portraiture.

Naniniwala siya na walang dapat makagambala sa pangunahing imahe. Ang mata ay hindi dapat gumala mula sa isang detalye patungo sa isa pa. Ito ay kung paano lumitaw ang kanyang mga sikat na portrait. Concise. Harmonious.

Ang pangunahing inobasyon ni Leonardo ay nakahanap siya ng paraan para gawing ... buhay.

Sa harap niya, ang mga karakter sa mga portrait ay parang mga mannequin. Ang mga linya ay malinaw. Ang lahat ng mga detalye ay maingat na iginuhit. Ang isang pininturahan na guhit ay hindi maaaring buhay.

Inimbento ni Leonardo ang sfumato method. Pinalabo niya ang mga linya. Ginawa ang paglipat mula sa liwanag patungo sa anino na napakalambot. Ang kanyang mga karakter ay tila natatakpan ng halos hindi mahahalata na ulap. Nabuhay ang mga karakter.

Papasok si Sfumato sa aktibong bokabularyo ng lahat ng magagaling na artista sa hinaharap.

Kadalasan mayroong isang opinyon na si Leonardo, siyempre, isang henyo, ngunit hindi alam kung paano magdadala ng anuman sa wakas. At madalas ay hindi niya natapos ang pagpipinta. At marami sa kanyang mga proyekto ang nanatili sa papel (sa pamamagitan ng paraan, sa 24 na volume). Sa pangkalahatan, siya ay itinapon sa medisina, pagkatapos ay sa musika. Kahit na ang sining ng paglilingkod sa isang pagkakataon ay mahilig sa.

Gayunpaman, isipin mo ang iyong sarili. 19 paintings - at siya ang pinakadakilang pintor sa lahat ng panahon at mga tao. At ang isang tao ay hindi kahit na malapit sa kadakilaan, habang nagsusulat ng 6,000 canvases sa isang buhay. Malinaw, kung sino ang may mas mataas na kahusayan.

Basahin ang tungkol sa pinakasikat na pagpipinta ng master sa artikulo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili bilang isang iskultor. Ngunit siya ay isang unibersal na master. Tulad ng iba niyang kasamahan sa Renaissance. Samakatuwid, ang kanyang pictorial heritage ay hindi gaanong engrande.

Siya ay nakikilala pangunahin sa pamamagitan ng mga karakter na nabuo nang pisikal. Inilarawan niya ang isang perpektong tao kung saan ang pisikal na kagandahan ay nangangahulugan ng espirituwal na kagandahan.

Samakatuwid, ang lahat ng kanyang mga karakter ay napaka-muscular, matipuno. Kahit mga babae at matatanda.

Michelangelo. Mga Fragment ng Huling Paghuhukom fresco sa Sistine Chapel, Vatican.

Kadalasan ay ipininta ni Michelangelo ang karakter na hubad. At pagkatapos ay nagdagdag ako ng mga damit sa itaas. Upang gawing embossed ang katawan hangga't maaari.

Ipininta niya mag-isa ang kisame ng Sistine Chapel. Kahit na ito ay ilang daang mga numero! Hindi man lang niya hinayaang kuskusin ng sinuman ang pintura. Oo, hindi siya palakaibigan. Siya ay may matigas at palaaway na personalidad. Ngunit higit sa lahat, hindi siya nasisiyahan sa ... kanyang sarili.

Si Michelangelo ay nabuhay ng mahabang buhay. Nakaligtas sa paghina ng Renaissance. Para sa kanya isa itong personal na trahedya. Ang kanyang mga huling gawa ay puno ng kalungkutan at kalungkutan.

Sa pangkalahatan, ang malikhaing landas ni Michelangelo ay natatangi. Ang kanyang mga unang gawa ay papuri ng bayani ng tao. Malaya at matapang. Sa pinakamahusay na mga tradisyon ng Sinaunang Greece. Tulad ng kanyang David.

Sa mga huling taon ng buhay - ito ay mga trahedya na larawan. Isang batong sadyang magaspang na tinabas. Na parang nasa harapan natin ang mga monumento ng mga biktima ng pasismo noong ika-20 siglo. Tingnan ang kanyang "Pieta".

Mga sculpture ni Michelangelo sa Academy of Fine Arts sa Florence. Kaliwa: David. 1504 Kanan: Pieta ng Palestrina. 1555

Paano ito posible? Isang artista ang dumaan sa lahat ng mga yugto ng sining mula sa Renaissance hanggang sa ika-20 siglo sa isang buhay. Ano ang gagawin ng mga susunod na henerasyon? Tahakin ang sariling landas. Alam na ang bar ay itinakda nang napakataas.

5. Raphael (1483-1520)

Si Raphael ay hindi nakalimutan. Ang kanyang henyo ay palaging kinikilala: kapwa sa buhay at pagkatapos ng kamatayan.

Ang kanyang mga karakter ay pinagkalooban ng senswal, liriko na kagandahan. Siya ang nararapat na itinuturing na pinakamagagandang larawang babae na nilikha. Ang panlabas na kagandahan ay sumasalamin sa espirituwal na kagandahan ng mga pangunahing tauhang babae. Ang kanilang kaamuan. Ang kanilang sakripisyo.

Ang mga sikat na salitang "Ang kagandahan ay magliligtas sa mundo" tiyak na sinabi ni Fyodor Dostoevsky. Iyon ang paborito niyang larawan.

Gayunpaman, ang mga sensual na imahe ay hindi lamang ang malakas na punto ni Raphael. Pinag-isipan niyang mabuti ang komposisyon ng kanyang mga ipininta. Siya ay isang hindi maunahang arkitekto sa pagpipinta. Bukod dito, palagi niyang natagpuan ang pinakasimpleng at pinaka-maayos na solusyon sa organisasyon ng espasyo. Tila hindi ito maaaring iba.

Nabuhay lamang si Rafael ng 37 taon. Namatay siya bigla. Mula sa mga sipon at mga pagkakamaling medikal. Ngunit ang kanyang legacy ay hindi maaaring overestimated. Maraming artista ang umiidolo sa master na ito. At pinarami nila ang kanyang mga sensual na imahe sa libu-libong canvases nila..

Si Titian ay isang hindi maunahang colorist. Marami rin siyang nag-eksperimento sa komposisyon. Sa pangkalahatan, siya ay isang matapang na innovator.

Para sa gayong kinang ng talento, minahal siya ng lahat. Tinatawag na "hari ng mga pintor at pintor ng mga hari."

Speaking of Titian, gusto kong maglagay ng tandang padamdam pagkatapos ng bawat pangungusap. Pagkatapos ng lahat, siya ang nagdala ng dinamika sa pagpipinta. Pathos. Sigasig. Matingkad na kulay. Shine ng mga kulay.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, nakabuo siya ng isang hindi pangkaraniwang pamamaraan ng pagsulat. Mabilis at makapal ang mga hampas. Ang pintura ay inilapat alinman sa isang brush o sa mga daliri. Mula dito - ang mga imahe ay mas buhay, paghinga. At ang mga plot ay mas dynamic at dramatic.

Hindi ba ito nagpapaalala sa iyo ng anuman? Siyempre, ito ay isang pamamaraan. At ang pamamaraan ng mga artista ng siglo XIX: Barbizon at. Si Titian, tulad ni Michelangelo, ay dadaan sa 500 taon ng pagpipinta sa isang buhay. Kaya pala genius siya.

Basahin ang tungkol sa sikat na obra maestra ng master sa artikulo.

Ang mga artista ng Renaissance ay ang mga may-ari ng mahusay na kaalaman. Upang mag-iwan ng gayong pamana, kinakailangan na mag-aral ng marami. Sa larangan ng kasaysayan, astrolohiya, pisika at iba pa.

Samakatuwid, ang bawat isa sa kanilang mga imahe ay nagpapaisip sa atin. Bakit ito ipinapakita? Ano ang naka-encrypt na mensahe dito?

Halos hindi sila nagkakamali. Dahil pinag-isipan nilang mabuti ang kanilang magiging trabaho. Ginamit nila ang lahat ng bagahe ng kanilang kaalaman.

Sila ay higit pa sa mga artista. Sila ay mga pilosopo. Ipinaliwanag nila sa amin ang mundo sa pamamagitan ng pagpipinta.

Iyon ang dahilan kung bakit sila ay palaging magiging malalim na kawili-wili sa atin.

Sining ng Maagang Renaissance (quattrocento)

Maagang ika-15 siglo na minarkahan ng isang matinding krisis pampulitika, ang mga kalahok ay ang Republika ng Florence at Venice, sa isang banda, ang Duchy ng Milan at Villa Medici, ang Kaharian ng Naples, sa kabilang banda. Natapos na tumagal mula 1378 hanggang 1417. isang schism ng simbahan, at si Pope Martin V ay nahalal sa Konseho ng Constance, na pinili ang Roma bilang kanyang tirahan. Ang balanse ng mga puwersang pampulitika sa Italya ay nagbago: ang buhay ng Italya ay natukoy ng mga rehiyonal na estado tulad ng Venice, Florence, na sumakop o bumili ng bahagi ng mga teritoryo ng mga kalapit na lungsod at pumunta sa dagat, Naples. Lumawak ang panlipunang base ng Italian Renaissance. Ang mga lokal na paaralan ng sining na may mahabang tradisyon ay umunlad. Ang sekular na simula ay nagiging pagtukoy sa kultura. Noong ika-XV siglo. dalawang beses na sinakop ng mga humanista ang trono ng papa.

“Ni ang langit ay tila napakataas para sa kanya, o ang gitna ng lupa ay hindi masyadong malalim. At dahil alam na ng tao ang istruktura ng mga makalangit na katawan at kung paano sila gumagalaw, kung gayon sino ang tatanggi na ang henyo ng tao ... ay halos pareho. Marsilio Ficino Ang Maagang Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagdaig sa mga huling tradisyon ng Gothic at pagbaling sa sinaunang pamana. Gayunpaman, ang pagbabagong ito ay hindi dulot ng imitasyon. Hindi nagkataon na si Filarete ang nag-imbento ng sarili niyang sistema ng order.
Ang "Imitasyon ng kalikasan" sa pamamagitan ng pag-unawa sa mga batas nito ay ang pangunahing ideya ng mga treatise sa sining ng panahong ito.
Kung sa siglo XIV. Ang humanismo ay pangunahing pag-aari ng mga manunulat, istoryador at makata, pagkatapos ay mula sa mga unang taon ng ika-15 siglo. Ang mga humanistic na paghahanap ay tumagos sa pagpipinta.

Virtu (valor) - ang konseptong ito na hiniram mula sa sinaunang Stoics ay pinagtibay ng Florentine humanism sa dulo ng ika-14-1st floor. ika-15 siglo Ang nangungunang lugar sa humanismo sa huling ikatlo ng siglo XV. sinakop ang Neoplatonism, kung saan ang sentro ng grabidad ay lumipat mula sa moral at etikal na mga isyu patungo sa pilosopikal. Ang lahat ng mga humanista ng siglong ito ay pinagsama ng ideya ng tao bilang ang pinakaperpektong paglikha ng kalikasan.

Ang mga pagbabago sa posisyon ng artist ay dahil sa ang katunayan na sa simula ng siglo ang signoria ng Florence ay nagpapatunay sa matagal nang nakalimutang panuntunan, ayon sa kung saan ang mga arkitekto at iskultor ay hindi maaaring maging bahagi ng organisasyon ng guild ng lungsod kung saan sila nagtrabaho. Napagtatanto ang halaga ng artistikong pagka-orihinal, ang mga tagalikha ng mga gawa ay nagsimulang pumirma sa kanilang mga nilikha. Kaya, sa mga pintuan ng Florentine baptistery ay nakasulat: "Isang kahanga-hangang gawa ng sining ni Lawrence Cione de Ghiberti." Sa ikalawang kalahati ng siglo XV. Ang pagguhit mula sa modelo at mga full-scale sketch ay nagiging sapilitan.

Ang unang Italyano na arkitekto na nakatuon sa sinaunang pamana ng Roma ay si Leon Battista Alberti (1404-1472). Absolute at pangunahin para kay Alberti ay kagandahan. Sa ganitong pag-unawa sa kagandahan, pinatunayan ni Alberti ang kanyang doktrina ng concinnitas (consonance, harmony) ng lahat ng bagay. Kaugnay ng konsepto ng proporsyonalidad, mayroon ding interes sa mga batas ng maharmonya na mga ugnayang numero, perpektong sukat. Ang ilan, tulad ng Filarete, ay hinanap sila sa istraktura ng katawan ng tao, ang iba (Alberti, Brunelleschi) - sa mga numerical na relasyon ng pagkakatugma ng musika.
"Ang kagandahan ay isang katapat na pagkakasundo ng lahat ng bahagi, pinagsama ng kung ano ang kanilang kinabibilangan, na walang maidaragdag, mababawas, o mababago nang hindi ito pinalala," paniniwala ni Alberti.

Ang isa pang pagtuklas ng Quattrocento ay direktang pananaw. Si F. Brunelleschi ang unang naglapat nito sa dalawang uri ng Florence. Noong 1416 ginamit ito ng isang kaibigan ni Brunelleschi, ang iskultor na si Donatello sa mga relief ng Labanan ng St. George na may dragon", at mga 1427-1428. Gumawa si Masaccio ng perspektibong pagtatayo sa fresco na "Trinity". Ang isang detalyadong teoretikal na pag-unlad ng mga prinsipyo ng pananaw ay ibinigay ni Alberti sa kanyang Treatise on Painting. Ang pamamaraan ng projection ay nagpatuloy hindi mula sa mga indibidwal na imahe ng bagay, ngunit mula sa spatial na koneksyon ng mga bagay, kung saan ang bawat indibidwal na bagay ay nawala ang matatag na hitsura nito. Ang pananaw na imahe ay idinisenyo para sa epekto ng presensya, samakatuwid, ito ay kasangkot sa pagguhit mula sa buhay mula sa isang nakapirming punto ng view. Ang pananaw ay nagsasangkot ng paghahatid ng chiaroscuro at tonal-color na mga relasyon.

Quattrocento na arkitektura

Ang kakanyahan at mga pattern ng arkitektura ay tinutukoy para sa mga theorists ng ika-15 siglo. serbisyo niya sa lalaki. Samakatuwid, ang ideya ng pagkakahawig ng isang gusali sa isang tao, na iginuhit mula sa Vitruvius, ay nagiging popular. Ang hugis ng gusali ay inihalintulad sa mga sukat ng katawan ng tao. Nakita din ng mga teorista ng arkitektura ang koneksyon sa pagitan ng arkitektura at pagkakaisa ng uniberso. Noong 1441, natagpuan ang isang treatise ni Vitruvius, ang pag-aaral kung saan nag-ambag sa asimilasyon ng mga prinsipyo ng sistema ng pagkakasunud-sunod. Sinubukan ng mga arkitekto na bumuo ng isang modelo ng isang perpektong templo. Ayon kay Alberti, ito ay dapat na katulad sa plano sa isang bilog o isang polyhedron na nakasulat dito.

Baptistery (Greek baptisterion - font) - isang silid ng binyag, isang silid para sa binyag. Sa panahon ng unang bahagi ng Middle Ages, dahil sa pangangailangan para sa mass baptism, ang mga baptistries ay itinayo nang hiwalay mula sa simbahan. Kadalasan, ang mga baptistery ay itinayo nang pabilog o faceted at natatakpan ng simboryo.
Ang isang natural na resulta ng pag-unlad ng teorya ng pananaw ay ang pagbuo ng mga batas ng mga proporsyon - ang spatial na relasyon ng mga indibidwal na elemento ng gusali (ang taas ng haligi at ang lapad ng arko, ang average na diameter ng haligi at nito taas).
Ang pagkahumaling sa sinaunang panahon ay katangian ng mga panginoon ng Quattrocento, ngunit ang bawat tagalikha ay lumikha at may kamalayan sa kanyang sariling ideya noong unang panahon.

Noong ika-XV siglo. nagsimulang magsagawa ng mga kumpetisyon para sa karapatan sa anumang masining na proyekto. Kaya, sa kumpetisyon ng 1401 para sa paggawa ng hilagang tansong mga pintuan ng baptistery, parehong sikat na masters at dalawampung taong gulang na sina Lorenzo Ghiberti at Filippo Brunelleschi ay nakibahagi. Ang tema ng imahen ay "Ang Sakripisyo ni Abraham" sa anyo ng isang kaluwagan. Nanalo si Ghiberti. Si Brunelleschi (1377-1446), isang arkitekto, matematiko at inhinyero, ay nanalo sa kompetisyon noong 1418 para sa pagtatayo ng simboryo ng Katedral ng Santa Maria del Fiore. Ang simboryo ay dapat na korona sa katedral, na itinayo sa simula ng ika-13 siglo. at lumawak noong ika-14 na siglo. Ang kahirapan ay ang simboryo ay hindi maaaring itayo gamit ang mga kilalang pamamaraan noon. Nakuha ni Brunelleschi ang kanyang pamamaraan mula sa mga pamamaraan ng sinaunang Romanong pagmamason, ngunit binago ang hugis ng domed na istraktura. Ang bahagyang matulis na malaking (diameter - 42 m) na simboryo ay binubuo ng dalawang shell, ang pangunahing frame - ng 8 pangunahing tadyang at 16 na karagdagang mga, na magkakaugnay sa pamamagitan ng mga pahalang na singsing na pinapatay ang thrust.

Ang loggia na nilikha ni Brunelleschi sa harapan ng Orphanage sa Florence ay naging arkitektural na sagisag ng kakanyahan ng Renaissance. Pagbabalik sa mga pangunahing kaalaman ng sinaunang arkitektura ng Roma, umaasa sa mga prinsipyo ng Proto-Renaissance at sa pambansang tradisyon ng arkitektura ng Italyano, pinatunayan ni Brunelleschi ang kanyang sarili bilang isang repormador sa pamamagitan ng paglikha ng portico ng Orphanage, isang institusyong pangkawanggawa. Bago ang hugis ng façade. Ang portico ay mas malawak kaysa sa Orphanage mismo, kung saan sa kanan at sa kaliwa ay may isa pang bay na magkadugtong. Lumikha ito ng impresyon ng isang malawak na extension, na ipinahayag sa kalawakan ng mga arched span ng mga arcade, na binibigyang diin ng kamag-anak na mababang taas ng ikalawang palapag. Walang mga Gothic na anyo sa gusali, sa halip na i-orient ang gusali sa taas o lalim, hiniram ni Brunelleschi mula noong unang panahon ang maayos na balanse ng masa at dami.

Flattened relief (it. relievo schiacciatto) - isang uri ng bas-relief kung saan ang imahe ay tumataas sa itaas ng background sa pinakamababang lawak at ang mga spatial na plano ay pinagsama-sama sa limitasyon.

Si Brunelleschi ay kinikilala sa unang praktikal na pagpapatupad ng direktang pananaw. Kahit noong unang panahon, ang mga geometer ay nakabatay sa optika sa palagay na ang mata ay konektado sa naobserbahang bagay sa pamamagitan ng optical ray. Ang pagtuklas ni Brunelleschi ay tinawid niya ang optical pyramid na ito gamit ang image plane at nakakuha ng eksaktong projection ng bagay sa eroplano. Gamit ang mga pintuan ng Florence Cathedral bilang isang natural na frame, inilagay ni Brunelleschi sa harap nila ang isang projection ng baptistery (ang gusali ng baptistery na matatagpuan sa harap ng katedral), at ang projection na ito ay kasabay ng silhouette ng gusali sa isang tiyak na lugar. distansya.

Hindi lahat ng mga proyekto ni Brunelleschi ay naisagawa ayon sa kanyang nilayon.
Ang estudyante ni Brunelleschi na si Michelozzo di Bartolommeo ay lumikha ng Palazzo Medici - tatlong palapag, parisukat sa plano, na may parisukat na patyo sa gitna.

Si Leon Batista Alberti (1404-1472) ay isang versatile humanist philosopher na nagtrabaho sa Florence, Ferrara, Rimini. Si Alberti ang unang arkitekto, na pangunahing nakatuon sa sinaunang pamana ng Roma, na lubos na nakaunawa sa kahulugan ng arkitektura ng Roma. Ang mga kontemporaryo ay nalito sa kakaibang mga gusali ng simbahan ni Alberti; Para kay Pope Pius I, ang simbahan ng San Francesco sa Rimini ay tila isang paganong templo, ang simbahan ng San Sebastiano sa Mantua ay nagpapaalala sa parehong simbahan at isang mosque. Ginawa ni Alberti ang Palazzo Ruccellai sa Florence na may makinis, rusticated na pader, eleganteng framing ng mga portal at bintana, at maayos na dekorasyon ng harapan. Sa proyekto ng Mantua church ng Sant'Andrea, pinagsama ni Alberti ang tradisyonal na basilica form ng templo na may domed roof. Ang gusali ay nailalarawan sa pamamagitan ng kamahalan ng mga arko ng harapan, ang kadakilaan ng panloob na espasyo. Ang pader ay natawid nang pahalang ng isang malawak na entablature. Ang portico ay may tiyak na kahalagahan, at sa loob nito ang vault, kung saan ang mga tadyang ay pinalitan ng isang patag na simboryo.
Karamihan sa iba pang mga arkitekto ay matagumpay na pinagsama ang papel ng mga taga-disenyo sa mga tungkulin ng mga kapatas.

Pagpipinta noong ika-15 siglo
Ang pagpipinta ay nakararami sa monumental na pagpipinta, i.e. fresco. Ang isang tampok ng fresco ay ang pangangailangan na gumamit ng isang limitadong halaga ng mga tina na pinagsama sa dayap. Sa mga uri ng easel ng pagpipinta, ang altar ay nagsisimulang gumanap ng lalong mahalagang papel. Ito ay hindi isang Gothic altar na may maraming mga pakpak, ngunit isang solong komposisyon - isang larawan ng altar, ang tinatawag na. pala. Sa ilalim ng pagpipinta ng altar mayroong ilang maliliit, pahalang na pahabang mga pintura na bumubuo ng isang makitid na predella strip. Sa unang kalahati ng siglo, lumilitaw ang isang independiyenteng sekular na larawan. Ang isa sa mga unang artista ng panahon ay si Masaccio (tunay na pangalan - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Pangunahing gawa: "Madonna and Child with Angels", "Crucifixion", "Adoration of the Magi", "Trinity".

Sa fresco ng Brancacci Chapel sa Church of Santa Maria del Carmine, The Miracle with the Stater, ikinonekta ni Masaccio ang tatlong yugto: Si Kristo, kung saan humihingi ng pera ang maniningil ng buwis; Inutusan ni Kristo si Pedro na manghuli ng isda upang maalis ang isang barya mula rito; Si Peter ay nagbibigay ng pera. Ginagawa ni Masaccio na sentro ang ikalawang yugto, dahil kailangan niyang ipakita na ang mga kaganapan ay nakasalalay sa nag-uudyok na kalooban ni Kristo.
Fra Beato Angelico (1395-1455). Noong 1418 siya ay na-tonsured sa Dominican monastery sa Fiesole, mula ngayon ay tinawag na Fra (kapatid na lalaki) na si Giovanni. Noong 1438 lumipat siya sa monasteryo ng San Marco sa Florence, kung saan idinisenyo niya ang pangunahing altarpiece at ang mga cell ng mga monghe. Ang pinakatanyag na gawa ni Fra Angelico ay ang fresco na "Annunciation".

Si Filippo Lippi (c. 1406-1469) ay naiwang walang mga magulang nang maaga, noong 1421 siya ay na-tonsured sa monasteryo ng Santa Maria del Carmine. Pininturahan ni Filippo ang mga altarpiece para sa mga simbahan ng Florentine ng San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio, mga maliliit na altarpieces sa anyo ng mga tondo, na karaniwang ibinibigay bilang mga regalo para sa mga kasalan o may kaugnayan sa pagsilang ng isang bata. Siya ay tinangkilik ng Medici.Si Piero della Francesca (1420-1492) ay isinilang sa San Sepolcro at sa buong buhay niya, sa kabila ng palagiang pagliban, bumalik siya upang magtrabaho sa kanyang bayan. Noong 1452-1458. Ipininta ni Piero della Francesca ang pangunahing kapilya ng simbahan ng San Francesco sa Arezzo na may mga fresco sa tema ng kasaysayan ng krus na nagbibigay-buhay.
Si Andrea della Verrocchio (1435-1489) ay isa sa mga paborito ng Medici, sa ngalan kung saan siya ay nagsagawa ng trabaho sa simbahan ng San Lorenzo.

Si Domenico Ghirlandaio (1449-1494) sa Florence ay nagtrabaho para sa mga mangangalakal at bangkero na malapit sa bahay ng Medici. Sa kanyang mga komposisyon, madalas niyang ilarawan ang kanyang mga kababayan bilang mga tauhan sa sagradong kasaysayan.
Perugino (1450-1523). Tunay na pangalan - Pietro Vannucci, ay ipinanganak malapit sa Perugia, kaya ang kanyang palayaw na Perugino. Sa Roma noong 1481, kasama ang iba pa, pininturahan niya ang Florentine Chapel sa mga paksa ng Luma at Bagong Tipan, lumikha ng mga komposisyon ng altar na kinomisyon ng mga simbahan at monasteryo sa Northern Italy.
Si Bernardino di Betto, na tinawag na Pinturicchio dahil sa kanyang maliit na tangkad (1454-1513), ay lumikha ng mga fresco, mga miniature sa mga paksang pampanitikan. Ang pinakatanyag na gawa ni Pinturicchio ay ang mga stucco na dekorasyon at fresco sa mga silid ng papa sa Vatican.

Si Andrea Mantegna (1431-1506) ay ang pintor ng korte ng Duke ng Gonzaga sa Mantua, nagpinta ng mga larawan, lumikha ng mga ukit, mga tanawin para sa mga pagtatanghal. Noong 1465-1474. Dinisenyo ni Mantegna ang palasyo ng lungsod ni Lodovico Gonzaga at ng kanyang pamilya.
Si Sandro Botticelli (1445-1510) ay itinuturing na huli sa mga dakilang master ng Quattrocento, malapit sa Florentine Neoplatonists sa kanyang adhikain sa kabilang mundo, ang pagnanais na lumampas sa mga likas na anyo at kasaysayan. Ang mga unang gawa ng Botticelli ay nailalarawan sa pamamagitan ng malambot na liriko. Nagpinta siya ng mga larawang puno ng panloob na buhay. Ito si Giuliano Medici, na may bahid ng kalungkutan sa mukha. Sa "Portrait of Simonetta Vespucci", inilalarawan ni Botticelli ang isang nakatayong kabataang babae sa profile, na ang mukha ay nagpapahayag ng pagpapahalaga sa sarili. Noong dekada 90. gumawa siya ng larawan ni Lorenzo Lorenziano, isang scientist na nagpakamatay noong 1504 dahil sa kabaliwan. Ang artist ay naglalarawan ng isang halos sculpturally nasasalat na imahe.

Ang "Spring" ay minarkahan ang simula ng pinakamataas na pamumulaklak ng aktibidad ni Botticelli, ang kanyang katanyagan ay umabot sa Roma: sa gitna ng isang namumulaklak na parang ay nakatayo si Venus - ang diyosa ng pag-ibig, na ipinakita sa anyo ng isang matalinong bihis na babae. Sa itaas ng Venus, nag-hover si Cupid, nakapiring, at nag-shoot ng nagniningas na arrow sa kalawakan. Sa kanan ng Venus, tatlong grace ang nangunguna sa isang round dance. Malapit sa mga biyayang sumasayaw ay ang mensahero ng mga diyos na Mercury, na itinataas ang pamalo - ang caduceus. Sa kanang bahagi ng larawan, ang diyos ng hangin na si Zephyr ay lumilipad mula sa kailaliman ng kasukalan, na naglalaman ng elementong prinsipyo sa kalikasan. "Ang Kapanganakan ni Venus" isinulat ni Botticelli noong 1482-1483. kinomisyon ni Lorenzo de' Medici. Ang dagat ay lumalapit sa pinakadulo ng larawan, isang ginintuang kulay-rosas na shell ang lumulutang sa ibabaw nito, sa kulot nito ay nakatayo na hubad na si Venus. Ang mga rosas ay nahuhulog sa kanyang paanan, ang hangin ay nagdidirekta sa shell sa baybayin, kung saan ang nimpa ay naghanda ng isang balabal na hinabi ng mga bulaklak.

Malamang na inilagay ni Botticelli sa larawan ang isang subtext na kinuha mula sa Neoplatonism. Ang "The Birth of Venus" ay hindi nangangahulugang isang paganong pag-awit ng kagandahan ng babae. Naglalaman ito ng ideya ng Kristiyanismo tungkol sa pagsilang ng kaluluwa mula sa tubig sa panahon ng binyag. Ang hubad na katawan ng diyosa ay nangangahulugang kadalisayan, ang kalikasan ay kinakatawan ng mga elemento nito: ang hangin ay Aeolus at Boreas, ang tubig ay isang maberde na dagat na may mga pandekorasyon na kulot ng mga alon. Ito ay naaayon sa kung paano binibigyang-kahulugan ng pinuno ng Florentine Academy, Marsilio Ficino, ang mito ng kapanganakan ni Venus bilang personipikasyon ng kaluluwa, na, salamat sa banal na prinsipyo, ay nakakalikha ng kagandahan. Para kay Botticelli, walang linya sa pagitan ng antiquity at Kristiyanismo. Ipinakilala ng pintor ang mga sinaunang larawan sa kanyang mga relihiyosong pagpipinta. Ang isa sa mga sikat na painting ng relihiyosong nilalaman ay ang "The Magnification of the Madonna", na nilikha noong 1483-1485. Ang Madonna ay inilalarawan sa isang trono na napapalibutan ng mga anghel kasama ang batang Kristo sa kanyang mga tuhod. Iniabot ng Madonna ang kanyang panulat upang isulat ang mga salita sa aklat habang nagsisimula ang panalangin sa kanyang karangalan. Matapos ang "Magnificat *" Botticelli ay lumikha ng isang bilang ng mga gawa kung saan ang espiritismo ay lalong tumitindi, ang mga Gothic echoes ay lumilitaw sa kawalan ng espasyo, sa kadakilaan ng mga imahe.

Kinatawan ng eskultura ng Renaissance ang anthropocentrism ng Renaissance. Ang mga sculptor ng Italian Renaissance ay nagsagawa ng indibidwalisasyon ng imahe hindi lamang sa mga tuntunin ng physiognomic personification, kundi pati na rin bilang isang espirituwal na kamalayan sa sarili ng indibidwal. Ang pangunahing tampok ng iskultura ng siglong XV. - ang paghihiwalay nito sa dingding at angkop na lugar ng katedral.
Si Donatello (tunay na pangalan na Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386-1466) ay nag-imbento ng isang espesyal na uri ng kaluwagan, ang kakanyahan nito ay nakasalalay sa pinakamagagandang gradasyon ng mga volume, kung saan ang pinaka-advanced na mga numero ay hinuhubog sa mataas na lunas, ang pinakamalayo. ang mga ito ay bahagyang nakausli mula sa background. Kasabay nito, ang espasyo ay binuo sa pananaw at nagbibigay-daan sa iyo upang mapaunlakan ang maraming figure. Ito ang mga relief na naglalarawan ng mga himala ng St. Anthony ng Altar ng Simbahan ng Sant'Antonio sa Padua. Ang unang na-flatten na relief ni Donatello ay ang panel ng Saint George Slaying the Dragon, na nilikha noong 1420. Ang pangunahing masa ng imahe ay pipi at pipi, na limitado sa pamamagitan ng isang malalim na incised contour, madalas na ginawa gamit ang pamamaraan ng isang hilig na tudling.

Noong 1432 sa Roma, nakilala ni Donatello ang sinaunang sining at dumating sa kanyang sariling interpretasyon ng espiritu ng unang panahon, kung saan siya ay naaakit ng paglipat ng emosyonal na kaguluhan, ang drama ng damdamin. Binuhay ni Donatello ang chiasmus na ginamit sa sinaunang iskultura - ang setting ng isang pigura kung saan ang bigat ng katawan ay inilipat sa isang binti, at samakatuwid ang nakababang balikat ay tumutugma sa tumataas na balakang at kabaliktaran.
Sa plaza sa harap ng Simbahan ng Sant'Antonio sa Padua noong 1447-1453. Itinayo ni Donatello ang unang tansong monumento kay Gattamelata sa modernong sining.