Kultura ng Europa noong XVII - XVIII na siglo. Ulat: Kultura ng Europa noong ika-17-18 siglo Kultura ng Europa noong ika-17-19 na siglo

SINING NA KULTURA NG EUROPE XVII-XVIII siglo.

Kapag lumilikha ng manwal, ginamit ang mga materyales mula sa Russian General Educational Portal (MHK collection, http://artclassic.edu.ru).

Nagsisimula kang pag-aralan ang isa sa mga pinakamaliwanag na pahina sa kasaysayan ng kultura ng sining ng mundo. Ang ika-17 - ika-18 na siglo ay ang panahon kung kailan ang Renaissance ay pinalitan ng mga artistikong istilo ng baroque, classicism, rococo.

Maraming nagbago sa buhay ng isang tao, nagbago ang kanyang mga ideya tungkol sa uniberso. Mga natuklasang siyentipiko sa simula ng ika-17 siglo. sa wakas ay yumanig ang imahe ng uniberso, sa gitna nito ay ang tao mismo. Kung sa Renaissance ang mundo ay tila isa at pareho, ngayon ang mga siyentipiko ay kumbinsido na ang Earth ay hindi lahat ang sentro ng Uniberso, ngunit isa sa mga celestial na planeta na umiikot sa Araw. Kung ang naunang sining ay nagpatibay sa pagkakaisa ng uniberso, ngayon ang tao ay natatakot sa banta ng kaguluhan, ang pagbagsak ng cosmic world order. Ang mga pagbabagong ito ay hindi makakaapekto sa pag-unlad ng sining. Ang mga bagong istilo sa sining ay isang bagong pananaw sa mundo ng isang tao ng Bagong Panahon.

1. Pagkakaiba-iba ng istilo ng sining noong ika-17 - ika-18 siglo.

estilo ng baroque nagsimulang umunlad pangunahin sa mga bansang Katoliko sa Europa sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang pangalan nito ay nauugnay sa karaniwang salita barocco ( may sira irregular pearl) na nagsasaad ng lahat ng bastos, malamya at mali. Kaugnay ng sining, ang termino ay unang ginamit noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. mga kritiko ng mga istruktura ng arkitektura ng Baroque, kung kanino ang estilo na ito ay tila isang pagpapakita ng masamang lasa. Kasunod nito, ang termino ay nawala ang negatibong kahulugan nito at nagsimulang mailapat sa iba pang mga uri ng sining.

Ang pangunahing layunin ng baroque ay ang pagnanais na sorpresa, upang maging sanhi ng pagkamangha. Ang Baroque art ay naghatid ng tensyon ng tunggalian, ang diwa ng mga kontradiksyon. Ang mga pangunahing tema ng sining ay ang pagdurusa at pagdurusa ng tao, mystical allegories, ang ratio ng mabuti at masama, buhay at kamatayan, pag-ibig at poot, ang uhaw sa kasiyahan at paghihiganti para sa kanila. Ang mga gawang Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng emosyonal na intensidad ng mga hilig, dynamism ng silhouettes, pictorial spectacle, labis na ningning ng mga anyo, isang kasaganaan at pagtatambak ng mga kakaibang detalye, at ang paggamit ng mga hindi inaasahang metapora. Ang baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pangako sa ensemble at ang synthesis ng sining. Sa kabila ng pagiging kumplikado at kalabuan ng mga imahe, sa pangkalahatan, ang estilo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang buhay-nagpapatibay na karakter at optimismo.

Panahon mula sa katapusan ng ika-17 siglo hanggang sa simula ng ika-19 na siglo. bumaba sa kasaysayan bilangEnlightenment. Ang pangunahing nilalaman nito ay ang pag-unawa sa mundo bilang isang makatwirang inayos na mekanismo, kung saan ang isang tao ay itinalaga ng isang makabuluhang papel sa pag-aayos. Harmoniously binuo, panlipunang makabuluhan, resolutely overcoming hilig at pagdududa, handang isakripisyo ang personal na kagalingan para sa pampublikong kabutihan, ang isang tao ay nabubuhay ayon sa mga batas ng Kalikasan. Ang Kalayaan, Dahilan, Tungkulin, Moralidad ay naging mga priyoridad ng buhay ng tao sa Kapanahunan ng Enlightenment.

Ang mga ideya ng Enlightenment ay nakapaloob sa isang bagong artistikong istilo - klasisismo ( lat. classicus - huwaran). Ang mga pangunahing huwaran ay ang sinaunang pamana at ang humanistic ideals ng Renaissance. Ang mga pangunahing tema ng sining ng klasisismo ay ang pagtatagumpay ng mga pampublikong prinsipyo sa mga personal, ang subordination ng mga damdamin sa tungkulin, ang idealization ng mga heroic na imahe.

Ang sining ng klasiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok tulad ng kalinawan at pagiging simple sa pagpapahayag ng nilalaman, pagpigil, pagsunod sa ilang mga patakaran. Ang mga gawa ng klasikong arkitektura ay nakikilala sa pamamagitan ng mahigpit na mga linya, malinaw na volume, at balanseng mga sukat. Ang pagpipinta, eskultura, sining at sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang lohikal na paglalahad ng mga plot, isang malinaw na balanseng komposisyon, isang malinaw na pagmomodelo ng lakas ng tunog, at ang subordination ng kulay sa semantic accent.

Sa mga bansa sa Europa, ang klasisismo ay umiral sa hindi pangkaraniwang mahabang panahon, mula ika-17 hanggang 30s. XIX siglo, at pagkatapos, pagbabago, revived sa neoclassical trend.

Sa simula ng siglo XVIII sa France, sa korte ng hari, isang bagong istilo sa sining ang naging laganap - rococo ( fr. rocaille - kabibi). Hindi ito nagtagal, hanggang sa mga kalagitnaan ng siglo, ngunit malaki ang impluwensya nito sa pag-unlad ng sining. Ang pokus sa panahon ng Rococo ay pag-iibigan, panandaliang libangan, pakikipagsapalaran at pantasya, galante na libangan at pista opisyal. Ang Art ay dapat na mangyaring, hawakan at aliwin. Sa arkitektura, pagpipinta, eskultura, at lalo na sa sining at sining, ang mga katangi-tanging kumplikadong mga anyo, mga kakaibang linya, mga masalimuot na burloloy ay nagtatagumpay, kung saan ang silweta ng mga shell at kakaibang mga halaman ay paulit-ulit na nilalaro. Hindi pangkaraniwang mga hugis, isang kasaganaan ng mga pattern, optical illusions, isang pag-aalinlangan, kung minsan ay bumibilis, kung minsan ay nagpapabagal sa ritmo ay nagsasangkot ng manonood sa isang kahanga-hangang laro, isang holiday ng kawalang-ingat.

Kasabay nito, ang mga makatotohanang tradisyon ay umuusbong at umuunlad sa sining ng Europa. Para sa pagiging totoo nailalarawan sa pamamagitan ng objectivity sa paghahatid ng nakikita, kawastuhan, konkreto, walang kinikilingan sa pang-unawa sa buhay, ang kawalan ng idealisasyon, isang malalim, nadama na pang-unawa sa buhay at kalikasan, pagiging simple at natural sa paghahatid ng mga damdamin ng tao. Ang pagiging totoo ay ipinakita nang malinaw sa pagpipinta ng Holland noong ika-17 siglo.

Marami at madalas na debate tungkol sa pagka-orihinal at mga hangganan ng mga artistikong istilo ng sining noong ika-17 - ika-18 na siglo. Sa katunayan, sa gawain ng isang artist, dalawa o higit pang mga artistikong istilo ay maaaring organikong magkakaugnay. Ito ay walang kabuluhan, halimbawa, upang gumuhit ng malinaw na mga hangganan sa pagitan ng baroque at pagiging totoo sa gawain ng mahusay na Flemish artist na si Peter Paul Rubens. Ang isang katulad na larawan ay tipikal para sa ilang partikular na mga gawa ng sining. Halimbawa, ang kumbinasyon ng mga istilo ay makikita sa sikat na Palasyo ng Versailles. Ang mga mahigpit na pamamaraan ng klasiko ay ginagamit sa panlabas na hitsura ng arkitektura, at ang baroque at rococo ay ginagamit sa dekorasyon ng luntiang, solemne na interior. Kaya, ang mga artistikong istilo ng sining noong ika-17-18 na siglo, na magkakaiba sa kanilang mga pagpapakita, ay may isang tiyak na panloob na pagkakapareho.

Stylistic na pagkakaiba-iba ng sining noong ika-17-18 na siglo

MHK 9 na mga cell. ika-17-18 siglo. numero 1.bersyon2010

2. Baroque masters.

Lorenzo Bernini (1598-1680)

Si Giovanni Lorenzo Bernini ay ipinanganak noong 1598 sa Naples sa pamilya ng iskultor at pintor na si Pietro Bernini. Noong 1605, sa imbitasyon ni Pope Paul V, lumipat si Pietro at ang kanyang pamilya sa Roma. Dito nakuha ng batang Lorenzo ang pagkakataong kopyahin ang mga gawa ng mga dakilang master na itinatago sa mga bulwagan ng Vatican. Sa kanyang mga unang gawa, ang hinaharap na master ay nakakuha ng atensyon ng Papa at Cardinals Borghese at Barberini, na naging kanyang mga patron at customer.

Sa mga gawa ni Bernini mayroong maraming mga tampok na hindi alam sa Renaissance. Ang iskultor ay naghangad na ipakita hindi ang estado ng mga bayani, ngunit ang aksyon, kung saan ang isang maikling sandali ay inagaw. Ang mga silhouette ng mga figure ay naging mas kumplikado. Pinakintab na marmol ni Bernini, ginagawa itong naglalaro ng maraming highlight. Salamat sa master na ito, naihatid niya ang pinakamagagandang nuances: ang texture ng tela, ang kislap ng mga mata, ang senswal na kagandahan ng katawan ng tao. Ang mga makabagong paghahanap ng batang iskultor ay malinaw na ipinakita sa unang bahagi ng 1620s. Ang tema ng tunggalian sa pagitan nina David at Goliath (" David ”) Nagpasya si Bernini sa isang mariing pabago-bagong paraan - ang bayani ay ipinapakita hindi bago o pagkatapos, ngunit sa mismong sandali ng pakikipaglaban sa kanyang kaaway.

Ginamit ng mas mataas na klerong Katoliko ang talento ni Bernini. Ang iskultor ay nagsagawa ng maraming mga order, lumikha ng mga relihiyosong komposisyon, mga seremonyal na larawan, mga estatwa upang palamutihan ang mga parisukat ng Romano. Gumawa si Bernini ng maraming lapida para sa mga sikat na tao sa kanyang panahon. Ang kanilang kalunos-lunos na mga epekto ay ganap na tumutugma sa mga kinakailangan ng simbahan para sa kadakilaan ng Katolikong kabanalan. Sa engrandeng memorial ensembles, buong tapang na inilapat ni Bernini ang mga bagong paraan ng pagpapahayag, pinayaman sila ng makatotohanang pagganap, na partikular na katangian ng lapida ni Pope Urban VIII (1628-47).

Isa nang mature master, nilikha ni Bernini ang isa sa kanyang pinakamahusay na komposisyon - "Ecstasy ng St. Teresa » para sa altar ng kapilya ng pamilya Cornaro sa Romanong templo ng Santa Maria della Vittoria. Ang komposisyon ay naglalarawan ng isa sa mga yugto sa buhay ni Teresa, isang Espanyol na madre noong ika-16 na siglo, na kalaunan ay na-canonize bilang isang Katolikong santo. Sa kanyang mga tala, sinabi niya na isang araw ay nagpakita sa kanya ang isang anghel sa isang panaginip at tinusok ang kanyang puso ng isang gintong palaso. Hinarap ni Bernini ang mahirap na gawain ng paglalarawan ng isang supernatural na kababalaghan, isang pangitain sa isang panaginip. Nagawa ng may-akda na mahusay na maihatid sa marmol ang pinakamataas na pag-igting ng damdamin ng pangunahing tauhang babae. Ang fulcrum ng mga figure ay nakatago mula sa viewer, at ang ilusyon ay lumitaw na ang madre at ang anghel ay lumulutang sa mga ulap. Ang unreality ng nangyayari ay binibigyang-diin ng mga sinag ng sinag sa background at umiikot na ulap, kung saan nakahiga si Teresa. Ang kanyang mga talukap ay kalahating nakapikit, na para bang hindi niya nakikita ang maamo at nakangiting anghel na lumitaw sa kanyang harapan. Ang pagdurusa at kasiyahan ay magkakaugnay sa kanyang napakasakit na kalugud-lugod na hitsura. Ang komposisyon ay inilalagay sa isang malalim na angkop na lugar na naka-frame na may kulay na marmol. Ang epekto ng mystical vision ay pinalalakas ng liwanag na bumabagsak sa eskultura sa araw sa pamamagitan ng dilaw na salamin ng bintana ng katedral.

Pinagsama ni Bernini ang pagpapahayag ng integridad ng pisikal at espirituwal na mga prinsipyo sa iskultura na may napakatalino na arkitektura at spatial na pangitain, na nagpapahintulot sa kanya na perpektong magkasya ang mga plastik na komposisyon sa mga yari na istruktura at lumikha ng malakihang mga ensemble ng arkitektura, kaya katangian ng Baroque art. Ang Roman fountains na "Triton" at "Four Rivers" ay isang napakatalino na kumbinasyon ng nagpapahayag na baroque plasticity na may bumubula na mabula na tubig.

Sa mahigit kalahating siglo, nagsagawa si Bernini ng trabaho para sa St. Peter's Cathedral. Gumawa siya ng mga monumental na estatwa ng mga santo at mga lapida ng papa, nagtayo ng pulpito sa pangunahing altar at isang ciborium (superstructure) sa ibabaw ng libingan ni St. Ang Petra ay isang kamangha-manghang halimbawa ng pagkakaisa ng iskultura at arkitektura. Ang pangunahing likha ng arkitektura ng Bernini ay ang disenyo ng parisukat sa harap ng St. Peter's Cathedral sa Roma. Nagawa ng arkitekto na malutas ang ilang mga problema nang sabay-sabay: upang lumikha ng isang solemne na diskarte sa pangunahing simbahan ng mundo ng Katoliko, upang makamit ang impresyon ng pagkakaisa ng parisukat at katedral, at upang ipahayag ang pangunahing ideya ng Simbahang Katoliko : upang yakapin ang lungsod at ang buong mundo. Ang puwang sa harap ng templo ay naging isang solong grupo ng dalawang parisukat: ang una ay nasa anyo ng isang trapezoid, pinalamutian ng mga gallery na direktang umaabot mula sa mga dingding ng katedral. Ang pangalawa ay ginawa sa paboritong anyo ng baroque - hugis-itlog. Nakaharap ito sa lungsod at nababalot ng isang maringal na colonnade. Ang mga monumental na column ng Tuscan order ay nakaayos sa apat na hanay. Sa tuktok, pinagsama sila ng isang curving balustrade, kung saan naka-install ang 96 na estatwa ng mga santo. Isang obelisk ang itinayo sa gitna ng isang malaking parisukat, sa magkabilang gilid nito ay may dalawang fountain.

Sa iba pang mga gawaing arkitektura ni Bernini, dapat itong pansininPalazzo Barberini (co-authored with Carlo Maderna andFrancesco Borromini) at isang maliit Simbahan ng Sant'Andrea al Quirinale , na itinuring mismo ni Bernini ang kanyang pinakamatagumpay na gawain.

Ang gawain ni Bernini ay higit na tinutukoy ang pag-unlad ng buong kultura ng Europa noong ika-17 siglo.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610))

Si Michelangelo da Caravaggio (talagang Merisi da Caravaggio) ay ipinanganak noong 1573 malapit sa Milan sa nayon ng Caravaggio, kung saan nagmula ang kanyang pangalan. Noong 1584-88. nag-aral sa Milan. Sa paligid ng 1590, si Caravaggio ay dumating sa Roma, kung saan siya nanatili hanggang 1606. Dito, ang hinaharap na artista ay sa una sa kahirapan, nagtrabaho para sa upa, humantong sa isang hindi maayos na buhay, na nagpapahintulot sa kanya na makilala ang buhay at mga kaugalian ng mga mas mababang uri ng lungsod. (mamaya ay paulit-ulit niyang binalingan ang mga paksang ito). Pagkaraan ng ilang oras, kinuha siya ng naka-istilong pintor na si Cesari d'Arpino bilang isang katulong sa kanyang studio, kung saan ipininta ni Caravaggio ang mga still life sa mga monumental na painting ng master.

Ang walang pigil na ugali ay nagbunsod kay Caravaggio sa mahirap at minsan ay mapanganib na mga sitwasyon. Maraming beses siyang nakipaglaban sa mga duels, kung saan paulit-ulit siyang napunta sa bilangguan. Ang artist ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mabagyo na ugali at isang tunay na adventurous na ugali. Gayunpaman, sa mga mayamang Romanong patron ay mayroong mga connoisseurs ng matapang at independiyenteng henyo na ito. Ang artista ay may isang makapangyarihang patron - si Cardinal Francesco Maria del Monte. Ang sining ng master ay unti-unting nakilala ng iba pang mga kapangyarihan.

Nasa unang bahagi na ng mga gawa ng Caravaggio (sa pagitan ng 1592 at 1598), kasama ang kanilang matingkad na kulay at transparent na chiaroscuro, lumilitaw ang isang bilang ng mga mahalagang bagong tampok. Inihambing ng Caravaggio ang prinsipyo ng idealization ng imahe sa indibidwal na pagpapahayag ng isang partikular na modelo (“Medyo may sakit Bacchus ”), alegorikal na interpretasyon ng balangkas - isang walang pinapanigan na pag-aaral ng kalikasan sa isang simpleng pang-araw-araw na motibo (“Batang lalaki na may dalang basket ng prutas "). Lumilikha si Caravaggio ng mga bagong uri ng pagpipinta - buhay pa ("Basket ng prutas "") at pang-araw-araw na genre (" Rounder", "Fortuneteller "). Ang relihiyosong larawan ay tumatanggap mula sa kanya ng isang bago, matalik na sikolohikal na interpretasyon (“Magpahinga sa flight papuntang Egypt »).

Sa pagtatapos ng 1590s. nabuo ang orihinal na sistema ng pagpipinta ng Caravaggio. Ang foreground ng larawan, na maliwanag na iluminado ng isang sinag ng liwanag, ay namumukod-tangi laban sa isang background na nahuhulog sa isang siksik na anino, na nakakamit ng isang binibigyang diin na optical na kalinawan ng imahe at lumilikha ng impresyon ng agarang kalapitan nito sa manonood (" manlalaro ng lute").

Ang mga mature na gawa ng Caravaggio (1599-1606) ay mga monumental na compositional canvases na may pambihirang dramatikong kapangyarihan. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng makapangyarihang mga kaibahan ng liwanag at anino, nagpapahayag ng pagiging simple ng mga kilos, masiglang pagmomodelo ng mga volume at tunog, mayaman na kulay.

Sa kabila ng kontrobersya, at kung minsan ay mga iskandalo sa paligid ng pangalan ng Caravaggio, patuloy siyang nakatanggap ng mga order para sa mga pagpipinta para sa mga templo. Noong 1602-04. nagsusulat ang artistaPosisyon sa kabaong » para sa Simbahan ng Santa Maria della Vallicella sa Roma. Noong 1603-06. lumilikha ng komposisyonMadonna di Loreto » para sa Simbahan ng Sant'Agostino sa parehong lugar. Kahanga-hangang komposisyon" pagkamatay ni Mary "(1606), isinulat para sa altar ng Romanong simbahan ng Santa Maria della Scala at tinanggihan ng kostumer. Dito ibinigay ni Caravaggio ang kanyang interpretasyon ng tradisyunal na balangkas ng Assumption of the Virgin, na, ayon sa tradisyon ng simbahan, ay dapat magdala ng kagalakan, dahil, matapos ang kanyang buhay sa lupa, ang Birheng Maria ay nakipag-isa sa langit kasama si Jesucristo. Sa kabaligtaran, ipinakita ni Caravaggio ang kaganapang ito bilang isang trahedya: ang mga apostol na nakapaligid sa higaan ni Maria ay nalubog sa kalungkutan, at ang paningin ng Ina ng Diyos mismo ay nagbubunga ng mga pag-iisip hindi ng isang pinagpalang pag-akyat sa langit, ngunit ng isang buhay na puno ng pagdurusa at isang mahirap, masakit na kamatayan.

Ang isang tahimik na buhay ay hindi makapagbigay kasiyahan sa mapanghimagsik na Caravaggio, noong 1606 ang kanyang walang pakundangan na karakter ay muling nagpakita ng sarili. Pinatay ni Caravaggio ang isang Rannuccio Tomassoni sa isang tunggalian at tumakas mula sa pag-uusig sa Naples. Dito niya nilikha ang ilan sa kanyang mga obra maestra, at pagkatapos, tumakas sa pag-uusig, lumipat siya sa Malta. Ngunit kahit doon, na nagpinta ng ilang magagandang painting, nasangkot siya sa isa pang nakakainis na kuwento at napunta sa bilangguan. Hindi nagtagal ay nakatakas siya, at sa mga sumunod na taon ay gumala si Caravaggio sa iba't ibang lungsod sa timog Italya. Sa mga huling gawa ng artista, na nilikha sa mga taon ng pagala-gala (1606-10), ang karagdagang pag-unlad ng mga makatotohanang tendensya, ang pagpapalawak ng saklaw ng mga phenomena sa buhay ("Pitong Gawa ng Awa ”) ay sinamahan ng pagpapalalim ng trahedya ng pananaw sa mundo. Kasama ng mga nota ng malungkot na detatsment, ipinakikita nila ang diwa ng kahanga-hangang stoicism (“Pagbitay kay Juan Bautista », « Flagellation ni Kristo »).

Noong 1609, muling bumalik si Caravaggio sa Naples, kung saan naghintay siya ng kapatawaran at pahintulot na bumalik sa Roma. Sa wakas, noong 1610, nang makatanggap ng kapatawaran mula kay Cardinal Gonzaga, si Caravaggio ay sumakay sa isang barko, ngunit hindi nakarating sa kanyang destinasyon. Namatay ang magaling na artista dahil sa lagnat sa Port Ercole.

Nag-ambag si Caravaggio sa paglikha ng mga bagong genre sa pagpipinta - buhay pa rin at pang-araw-araw na genre, lumikha ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, na kalaunan ay naging kilala bilang "caravagism". Ang kanyang trabaho ay may malaking epekto sa halos lahat ng kilalang European na pintor.

Peter Powell Rubens (1577-1640)

Si Peter Powell Rubens ay ipinanganak noong 1577 sa Germany, anak ng isang abogado, isang imigrante mula sa Flanders. Pagkamatay ng kanyang ama noong 1587, bumalik sa Antwerp ang pamilya Rubens. Si Peter, kasama ang kanyang kapatid na si Philip, ay ipinadala sa isang paaralang Latin, na nagbigay sa mga kabataang lalaki ng mga pundasyon ng isang liberal na edukasyon. Sa edad na 13, nagsimulang mag-aral ng pagpipinta si Peter. Matapos dumaan sa paaralan ng ilang Flemish na pintor, noong 1598 siya ay naging isang master.

Noong tagsibol ng 1600, pumunta si Rubens sa Italya. Sa pagtatapos ng 1601, ang artista ay inalok ng isang lugar sa korte ng Duke ng Mantua. Kasama sa mga tungkulin ni Rubens ang pagkopya ng mga pintura ng mga dakilang masters. Ang kaluwalhatian ng isang mahuhusay na artista ay dumating sa kanya nang hindi inaasahan. Sa kahilingan ng Duke, si Rubens ay nagdadala ng mahahalagang regalo sa Haring Espanyol na si Philip III. Nangyayari ang problema sa kalsada: ang ulan ay walang pag-asa na nasisira ang ilang mga painting, at si Rubens ay kailangang magpinta ng kanyang sarili sa halip. Ang mga pagpipinta ay gumawa ng isang impresyon, at agad na natanggap ni Rubens ang kanyang unang komisyon. Ang komposisyon, kung saan ang unang ministro ng hari ay inilalarawan na nakaupo sa likod ng kabayo, ay isang matunog na tagumpay, at ang kaluwalhatian ni Rubens ay kumalat sa buong European royal court.

Si Rubens ay madalas na tinatawag na pinakadakilang master ng matagumpay na baroque. Ang pakiramdam ng kawalang-hanggan ng mundo, ang walang patid na unibersal na kilusan, ang pag-aaway ng elementong pwersa at ang tindi ng mga hilig ng tao - ito ang katangian ng marami sa mga canvases ng artist. Ang mga multi-figured na komposisyon na ipinakita sa mga kumplikadong diagonal na anggulo ay puno ng pinakamaliit na detalye at detalye. Ang mga pagpipinta ni Rubens ay nakikilala sa pamamagitan ng libreng plasticity ng mga anyo, malakas na epekto ng kulay, at ang pinakamadaling paglalaro ng mga makukulay na shade.

Noong 1608, nang makatanggap ng balita tungkol sa malubhang karamdaman ng kanyang ina, nagmamadaling bumalik si Rubens sa Antwerp. Noong 1609, pumayag siyang kunin ang posisyon ng pintor ng korte sa ilalim ng pinuno ng Flanders, Isabella ng Austria. Sa taglagas ng parehong taon, pinakasalan ni Peter si Isabella, anak ni John Brandt, kalihim ng korte ng lungsod. Ang kanyang kahanga-hangang "Self-portrait kasama si Isabella Brandt" ay nagbibigay ng matingkad na ideya ng talento ng artist. Kalmado at puno ng pagpapahalaga sa sarili ang guwapong mukha ni Rubens. Ang isang sunod sa moda, dapper at mamahaling suit ay nagbibigay-diin sa kanyang aristokrasya at pinong artistikong panlasa. Nakaupo siya kasama ang kanyang batang asawa sa isang arbor, na pinagsama ng halaman, ang kanilang mga mata ay direktang nakatutok sa manonood, ang kanilang walang katapusang mabait na hitsura ay puno ng tahimik at matahimik na kaligayahan.

Noong 1612-20. bubuo ng isang mature na istilo ng artist. Sa panahong ito, lumikha siya ng marami sa kanyang pinakamahusay na mga gawa: mga mitolohiyang pagpipinta ("Perseus at Andromeda », « Ang pagdukot sa mga anak na babae ni Leucippus », « Venus sa harap ng salamin », « Labanan ng mga Greek sa mga Amazon »); mga eksena sa pangangaso ("Hippo at pangangaso ng buwaya »); mga tanawin ("The Carriers of Stones"), mga komposisyong panrelihiyon ("Ang Huling Paghuhukom"). Sa parehong panahon, kumilos si Rubens bilang isang arkitekto, na nagtayo ng kanyang sariling bahay sa Antwerp na minarkahan ng baroque na karilagan.

Hindi kailanman isinara ni Rubens ang kanyang sarili sa loob ng balangkas ng alinmang genre ng pagpipinta. Ang kanyang maraming alegorya na mga pagpipinta ay nakatuon sa mga problema ng modernong buhay, ang apela sa mga sinaunang alamat ay puno ng malalim na simbolikong kahulugan. Sa isang alegoriko na pagpipintaUnyon ng Lupa at Tubig » Inilalarawan ni Rubens ang pagsasama ng dalawang natural na elemento, na kinakatawan bilang ina ng lahat ng mga diyos, si Cybele (siya ang nagpapakilala sa Earth) at ang diyos ng mga dagat, si Neptune. Ang larawan ay naglalaman ng malalim na kahulugan na nauugnay sa pag-asa ni Rubens para sa mabilis na kaunlaran ng inang bayan. Matapos ang paghahati ng Netherlands sa Northern (Holland) at Southern Flanders, nawalan ito ng access sa dagat at nawala ang mga rutang pangkalakalan nito na kumikita. Ang pagsasama ng dalawang natural na elemento ay ang pag-asa para sa kapayapaan, ang pangarap ng artista ng pagsasama ng Flanders sa dagat.

Sa pagtatapos ng 1610s. Nakatanggap ng malawak na pagkilala at katanyagan si Rubens. Dahil hindi mabilis na matupad ang maraming mga order, gumawa si Rubens ng isang malaking workshop, kung saan dumagsa ang pinakamahuhusay na mga kabataang artist ng Flanders, kasama ng mga ito ang mga pangunahing pintor sa hinaharap tulad ng Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders. Si Rubens ay may kahanga-hangang kapasidad para sa trabaho. Lumikha siya ng humigit-kumulang 1,500 independyenteng mga gawa at ang parehong bilang sa pakikipagtulungan sa mga mag-aaral - isang hindi kapani-paniwalang pigura para sa isang tao na nabuhay lamang ng 63 taon.

Mahusay na pinag-aralan, nagsasalita ng ilang mga wika, si Rubens ay madalas na naaakit ng mga pinunong Espanyol na magsagawa ng mga diplomatikong misyon. Pagkamatay ng kanyang asawa, noong 1627-30, bumisita ang artista sa Holland, France, pagkatapos ay naglakbay sa Madrid at London para sa mga diplomatikong takdang-aralin. Nakipagkita siya kay Charles I, Duke ng Buckingham, Philip IV, Cardinal Richelieu, ay nag-aambag sa pagtatapos ng isang kasunduan sa kapayapaan sa pagitan ng Espanya at Inglatera, kung saan binigyan siya ng hari ng Espanya ng titulo ng tagapayo ng estado, at ang Ingles - ang maharlika. Sa kanyang paglalakbay, nagpinta si Rubens ng mga larawan ng mga maharlika at simpleng matataas na tao: Marie de Medici, Lord Buckingham, King Philip IV at ang kanyang asawang si Elizabeth ng France.

Noong 1630s nagsimula ang isang bagong panahon ng pagkamalikhain ng artist. Pagkatapos ng apat na taon ng pagkabalo, noong 1630, pinakasalan ni Rubens ang labing-anim na taong gulang na si Helena Faurment, anak ng isang kaibigan at malayong kamag-anak ni Daniel Faurment. Lumayo si Rubens sa mga usaping pampulitika at buong-buo niyang inilaan ang kanyang sarili sa pagkamalikhain. Nakuha niya ang isang ari-arian na may isang kastilyo sa Elewite (Brabant) at nanirahan doon kasama ang kanyang batang asawa. Paminsan-minsan, ang artist ay lumilikha ng mga pandekorasyon at monumental na komposisyon, halimbawa, mga sketch ng mga triumphal arches sa okasyon ng pagpasok sa Antwerp ng bagong pinuno ng Flanders, Infante Ferdinand, ngunit mas madalas na nagpinta siya ng maliliit na mga kuwadro na gawa, na gumaganap ng mga ito sa kanyang sariling kamay, nang walang tulong ng isang pagawaan. Iba-iba ang mga tema ng panahong ito. Kasama ng mga mala-tula na tanawin, nagpinta si Rubens ng mga eksena ng mga kasiyahan sa nayon. Ang kanyang pangunahing modelo ay isang batang asawa. Nakuha siya ni Rubens sa mga larawang biblikal at mitolohiya ("Bathsheba"), na lumikha ng higit sa 20 larawan ni Helen. Ang mga huling gawa ni Rubens - " Paghuhukom ng Paris", "Three Graces", "Bacchus".

Noong tagsibol ng 1640, lumala nang husto ang kalusugan ni Rubens (nagdusa siya ng gout); Mayo 30, 1640 namatay ang artista.

Ang gawain ni Rubens ay may kapansin-pansing impluwensya sa pag-unlad ng sining ng Europa noong ika-17-19 na siglo.

MGA BAROQUE MASTER

MHK 9 na mga cell. ika-17-18 siglo. bilang 2.2011 taon

3. Mga master ng makatotohanang pagpipinta.

"Munting Dutch".

Ang Tent Hall ng New Hermitage ay nagtataglay ng pangunahing eksibisyon ng Dutch art noong ika-17 siglo. Ang mga kuwadro na gawa ng tinatawag na "maliit (o maliit) na Dutch" ay ipinakita dito, bukod sa kung saan, salungat sa terminong ito, mayroon ding napakalaking mga masters. Hindi ang antas ng talento, ngunit ang maliit na sukat lamang ng mga canvases ang dahilan para sa pangalang ito. Ang karamihan sa mga kuwadro na ito ay sekular sa nilalaman. Ang bawat artist, bilang panuntunan, ay nagdadalubhasa sa alinmang isang genre.

Ang maliit, cabinet na format ng mga painting ay hindi sinasadya. Ang lugar ng mga dating mamimili ng sining: ang simbahan kasama ang templo nito at ang pyudal na panginoon kasama ang kanyang kastilyo, ay kinuha ng isang bagong customer: isang kinatawan ng ikatlong estate, na hindi nangangailangan ng malalaking pagpipinta para sa kanyang katamtamang tahanan. At ang pagkakasunud-sunod, sa dating kahulugan ng salita, ngayon ay inilagay pangunahin sa portrait . Ang mga gawa ng iba pang mga genre ay nilikha ng artist "para sa merkado". Ito, siyempre, ay hindi nangangahulugan na ang artista ay ganap na libre sa kanyang trabaho. Ang merkado, iyon ay, ang lasa ng bagong mamimili ng mga gawa ng sining - ang burges, ay iniharap ang mga hinihingi nito sa pintor. Ang mga kahilingang ito ng mga batang tumataas na uri ay, lalo na sa una, ng isang napaka-matino, demokratikong katangian: ang isang gawa ng sining ay dapat magpakita ng buhay nang totoo, nang walang pagpapaganda.

Ang burges - isang kinatawan ng inaaping uri kahapon, ngayon ang may-ari ng materyal at espirituwal na mga halaga​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​ng unang nais​ng makita ng burgesya ang kanyang sariling imahe. Hindi siya nahiya na ang isang mukha na hindi masyadong maganda at hindi masyadong espirituwal ay tumingin mula sa canvas, na ang pigura ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng biyaya, at ang kasuutan ay hindi eleganteng. Darating ang panahon na ang mga masasamang loob na magnanakaw ay magnanais na magmukhang mga aristokrata, ngunit sa ngayon ay kinakailangan na ang taong inilalarawan sa larawan ay may karakter, ang determinasyon na iyon ay makikita sa mga tampok ng mukha, ang matiyagang katalinuhan sa negosyo ay maaaring nadama sa mga kamay, at lakas sa pigura.

Ang gawain ni Frans Hals , isang namumukod-tanging pintor ng portrait noong ika-17 siglo, ang pinakatuktok ng panahon ng mapagpasyang opensiba ng realismo sa pagpipinta. Matapang na sinira ang karaniwang ideya ng isang larawan bilang isang tumpak, walang kibo na cast mula sa kalikasan, ang Hals ay lumilikha ng isang matalas, matingkad na imahe - isang karakter na nakuha sa isa sa mga sandali ng patuloy na pagkakaiba-iba ng isang mukha ng tao. Tinalikuran ng artista ang mga obligasyong tradisyonal na kaugalian: isang pangharap o larawan sa profile, isang maginoo, karaniwang pose. Masayahin, energetic, palakaibigan, palakaibigan at sa parehong oras ay nakolekta at solid sa kanyang sariling paraan, alam ang kanyang sariling halaga, kayang tumayo para sa kanyang sarili, ang karakter ay lilitaw sa harap ng manonood sa "Larawan ng isang binata". Ang komposisyon ay simple: isang tipikal na half-figured portrait. Ngunit ang katawan ay inilalarawan halos sa profile, at ang ulo - sa tatlong quarter. Ang energetic turn na ito ay naghahatid ng malakas na kalooban na mga katangian ng taong inilalarawan. Isang buhay na buhay na kislap sa mga mata, isang masiglang kalahating ngiti na malapit nang mag-unat sa bibig, at mga magagalaw na kamay ay kukumpleto sa dynamics ng imahe. Sa isa pang gawain sa Ermita - "Larawan ng lalaki» sa harap ng madla - isang ganap na naiibang personalidad. Ang mapanghamong independiyenteng pose (ang kanang kamay ay walang ingat na nakapatong sa gilid), ang buhok na nakalugay sa mga balikat at ang balabal na mabisang itinapon, pati na rin ang hitsura ng singkit na mga mata at isang may pag-aalinlangan na ngiti, gumuhit ng isang taong may tiwala sa sarili at medyo mayabang, narcissistic at puno ng kamalayan sa dignidad ng kanyang sariling tao. Ang gawain ng Hals, na nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kapunuan ng pagsisiwalat ng isang tiyak na karakter at matapang na pagbabago sa larangan ng kulay at pamamaraan, ay ang pinakamataas na tagumpay ng maagang yugto sa pagbuo ng Dutch painting.

Isa sa pinakasikat sa Holland ay nagiging genre ng sambahayan. Mga pintura ni Jan Steen makaakit hindi lamang sa pamamagitan ng kasanayan sa paglalarawan ng mga tao, interior, gamit sa bahay, kundi pati na rin sa nakakaaliw na nilalaman, minsan sa pamamagitan ng mga anecdotal na eksena (“ Revelers "," Ang pasyente at ang doktor ").

Ang mga pintor na nagtrabaho sa lungsod ng Delft ay mas gusto ang poeticization ng pang-araw-araw na buhay kaysa sa pagsasalaysay at entertainment. Nagawa nilang "araw-araw - patula, walang kuwenta - kahanga-hanga, upang bigyan ang pinaka-hindi gaanong kahalagahan ng mga detalye ng isang bihirang espirituwalidad" (V.N. Lazarev). Ang pinaka-kahanga-hangang kinatawan ng paaralan ng Delft ay isinasaalang-alang Jan Vermer , na sa kanyang buhay ay nakakuha ng palayaw na "the greatest magician and magician of painting." Humigit-kumulang 40 sa kanyang mga gawa ang nakaligtas (lahat ng mga ito ay itinatago sa mga dayuhang museo) - mga tanawin, mga eksena sa genre, mga larawan.

Ang eksena ng isa sa pinakamagandang painting ng Delft artist Peter de Hooch Maybahay at dalaga»ay nagiging isang malinis at maaliwalas na patyo, na binabaha ng maliwanag na sikat ng araw. Ipinakita ng katulong ang babaing punong-abala, na nag-iwan ng karayom ​​sa loob ng ilang panahon, ang mga isda na dinala mula sa palengke sa isang tansong balde na pinakintab sa isang kinang ng salamin. Ngayon ang babaing punong-abala ay magbibigay ng mga kinakailangang order, at ang buhay ay muling dadaloy sa karaniwang paraan. sa larawan ni Peter Janssens silid sa bahay ng mga Dutch” banayad na naghahatid ng kapaligiran ng katahimikan at kaginhawahan, kalmado at regular na pang-araw-araw na buhay.

Paglikha Gerard Terborchay nakikilala sa pamamagitan ng matingkad na pagpapahayag ng mga nakuhang sitwasyon, ang kakayahang ihatid ang relasyon ng mga character sa tulong ng banayad na mga kilos (" Isang baso ng limonada", " Pagtanggap ng sulat»).

Ang genre ng buhay pa . Ang terminong ito, na lumitaw noong ika-19 na siglo, ay nangangahulugang "patay na kalikasan", na kadalasang hindi tumutugma sa nilalaman ng mga kuwadro na gawa. Tinawag mismo ng mga Dutch ang genre na " stillleven » - isang tahimik na buhay. Ang "Ang Tahimik na Buhay ng mga Bagay" ay isang imahe ng mga bagay ng totoong mundo, na konektado sa isang grupo na may nakatagong nakakapagpatibay na kahulugan. Ang mga paboritong paksa ay "almusal", "mga dessert", mga bouquet ng bulaklak at mga alegorikal na komposisyon. Sa mga kuwadro na ito, palaging nararamdaman ang hindi nakikitang presensya ng isang tao. Inilipat nila ang mga kubyertos sa mesa, binasag ang nut, binalatan ang lemon, tinapos ang alak sa baso. Ang komposisyon ay nagiging mas natural at tunay. Ang mga master illusory ay tumpak na naghahatid ng hugis at three-dimensionality ng mga bagay, ang kanilang materyal, light reflections at mga kulay sa ibabaw ng mga bagay. Ito ang mga buhay pa rinWillem Klas Heda at Peter Klas.

Ang pinakasikat na genre ng Dutch painting noong ika-17 siglo. nagiging tanawin. Ang pagka-orihinal ng genre na ito at ang mga tema nito ay tinutukoy ng kakaibang katangian ng hilagang bansang ito. Tumanggi ang mga artista na ilarawan ang mga perpektong unibersal na tanawin. Interesado sila sa ordinaryong kalikasan sa isang natural na sitwasyon.

Ang mga marine painters ay naaakit sa mga kalawakan ng dagat, na mahal sa puso ng mga Dutch, kung saan ang mga sailboat at mga bangka na pinapatakbo ng sariwang hangin ay humahampas ( Jan Porcellis " Dagat sa isang maulap na araw» ). Sikat na animalist Paulus Potter sikat sa paglalarawan ng mga hayop sa mga tanawin. Kahanga-hangang ipininta niya ang mga tanawin na nababalot ng malinaw na malamig na hangin, at mga luntiang parang na may mga pastulan sa maliwanag na liwanag ng araw. Ang malalim na pilosopikal na pag-unawa sa kalikasan, malinaw na pag-iisip at pagpapahayag ng komposisyon ay katangian ng mga kuwadro na gawaJacob van Ruisdael. Ang kanyang kalikasan ay puno ng panloob na buhay, napuno ng walang hanggang paggalaw, ang pakikibaka ng mga elementong pwersa, mga kaibahan ng liwanag at anino. Ang kanyang mga bayani ay mabibilis na batis at walang tubig na tubig ng mga latian (“ Latian ”), mga punong pinutol ng bagyo, bumabagsak na mga dahon ng taglagas at batang paglaki. Ang bawat isa sa kanyang mga landscape ay puno ng mga personal na karanasan tungkol sa istraktura ng uniberso at ang lugar ng tao sa loob nito.

Maingat na sumusunod sa kalikasan, natuklasan ng mga Dutch masters ang kagandahan ng nakikitang mundo sa mga pinaka-magkakaibang pagpapakita nito. Ang kanilang mga gawa ay nagpapanatili pa rin ng masiglang kilig ng totoong buhay, na naghahatid ng makulay na kayamanan ng nakapaligid na mundo. Ang mga nagawa ng "Little Dutch" ay naging batayan para sa pagbuo ng makatotohanang kalakaran sa sining ng Europa noong ika-18 at ika-19 na siglo.

Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1606-1669)

Rembrandt - Dutch na pintor, draftsman at etcher (ukit - isang uri ng ukit), isang hindi maunahang master ng pagpipinta at graphics, na lumikha ng mga gawa sa halos lahat ng genre: mga portrait, still lifes, landscapes, genre scenes, paintings sa biblical, mythological at historical subjects. Si Rembrandt ang may-akda ng humigit-kumulang 600 mga kuwadro na gawa, 300 ukit at 2 libong mga guhit. Ang malikhaing tagumpay na dumating sa Rembrandt noong unang bahagi ng 1630s ay napalitan sa lalong madaling panahon ng isang lantarang pagtanggi sa kanyang trabaho ng lipunang Dutch, na humantong sa artist sa kahirapan at kahihiyan. Ang sining ng Rembrandt ay mahigpit na nakalimutan ng kanyang mga kontemporaryo, ang interes sa kanya ay na-renew lamang sa pagtatapos ng ika-19 na siglo.

Si Rembrandt Harmenszoon van Rijn ay ipinanganak noong Hulyo 15, 1606 sa Leiden sa pamilya ng isang miller. Pagkatapos ng maikling pag-aaral sa Unibersidad ng Leiden, buong-buo niyang inilaan ang sarili sa sining. Sa loob ng ilang panahon, nag-aral ang binata sa Amsterdam kasama ang sikat na makasaysayang pintor na si Peter Lastman. Pagkalipas ng anim na buwan, umalis siya sa pagawaan ni Lastman at, bumalik sa kanyang katutubong Leiden noong unang bahagi ng 1625, naging isang independiyenteng artista.
Noong 1632, lumipat si Rembrandt sa Amsterdam, kung saan nagpakasal siya sa mayamang patrician na si Saskia van Uylenburgh. Ang 1630s - unang bahagi ng 1640s ay ang mga taon ng kaligayahan ng pamilya at ang mahusay na malikhaing tagumpay ni Rembrandt. Pagpipinta "Anatomy lesson ni Dr. Tulp ”, kung saan nalutas ng artista ang problema ng isang larawan ng grupo sa isang bagong paraan, ay nagdala sa kanya ng malawak na katanyagan. Marami siyang natatanggap na order, maraming estudyante ang nagtatrabaho sa kanyang workshop. Sa mga taong ito, maraming nagtrabaho si Rembrandt sa genre ng portrait: nagpinta siya ng mga portrait ng mayayamang burghers, self-portraits, portrait ng mga mahal sa buhay. Ang mga gawa sa panahong ito ay minsan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga palabas na panlabas na epekto, panlabas na kalunos-lunos at baroque dynamism (“Self portrait kasama si Saskia », « Ang sakripisyo ni Abraham"," Flora "). Ang isang espesyal na lugar sa gawain ni Rembrandt sa panahong ito ay inookupahan ng mga kuwadro na gawa sa mga paksang mitolohiya, na binibigyang kahulugan ng artist sa paraang malayo sa mga klasikal na canon at tradisyon (" Danae "). Noong 1630s, si Rembrandt ay nagtrabaho nang husto sa pamamaraan ng pag-ukit. Sa panahong ito, nilikha niya ang kanyang mga unang landscape, ang kanyang mga unang print, pati na rin ang marami sa kanyang pinakamagagandang guhit na lapis.

Ang salungatan na namumuo sa pagitan ng sining ng Rembrandt at ng mga aesthetic na hinihingi ng kontemporaryong lipunan ay nagpakita mismo noong 1642, nang ang pagpipinta "Talumpati ng rifle company ni Captain Frans Banning Cock (Night Watch) "Nagdulot ng mga protesta mula sa mga customer na hindi tinanggap ang pangunahing ideya ng master - sa halip na tradisyonal na larawan ng grupo, lumikha siya, sa esensya, isang makasaysayang larawan. Noong 1640s, ang pag-agos ng mga order ay nabawasan, tanging ang pinaka-deboto na mga estudyante ang nananatili sa workshop ni Rembrandt. Ang mga pangyayari sa buhay ay kumplikado sa pagkamatay ni Saskia. Ang gawa ng artist ay nawawala ang naunang panlabas na pagpapakita at mga tala ng major. Sumulat siya ng mahinahon, mainit at matalik na mga eksena sa Bibliya at genre (“ David at Jonathan "). Ang pinaka banayad na paglalaro ng liwanag at anino ay nagiging lalong mahalaga kapwa sa pagpipinta at sa mga graphic ni Rembrandt (pag-ukit ng "Pinapagaling ni Kristo ang Maysakit "(" Sheet ng 100 guilders»).

Noong 1649, nagpakasal si Rembrandt sa pangalawang pagkakataon - kasama ang kanyang lingkod na si Hendrikje Stoffels, na kalaunan ay madalas na nagsilbing kanyang modelo ("Larawan ni Hendrickje Stoffels »).

Ang 1650s, mga taon ng mahihirap na pagsubok sa buhay, ay nagbukas sa panahon ng pagiging malikhain ni Rembrandt. Sa panahong ito, lumikha si Rembrandt ng marami sa kanyang pinakamahalagang larawan ("Mayor Jan Six ”), kabilang ang mga larawan ng matatanda, ay patuloy na gumagana sa mga graphic. SA "Larawan ng isang matandang lalaki na pula ”, na nakaimbak sa Hermitage, ang artista, na parang itinutulak ang time frame ng imahe, ay naghahatid ng maraming panig at kumplikadong panloob na mundo ng isang tao, ay nagpapakita ng kanyang espirituwal na kakanyahan bilang resulta ng kanyang buong buhay. Ang static na komposisyon, ang kawalan ng anumang mga detalye ng sitwasyon, ang paggamit ng liwanag upang ituon ang pansin sa pangunahing bagay at ang pagpapahusay ng emosyonal na epekto ng imahe, ang virtuoso painting technique - lahat ay nagsisilbi sa layunin ng sikolohikal na katangian. Tinawag ng mga kritiko ang gayong mga paglalarawan ng mga tao na "portraits-biographies."

Noong 1656, idineklara si Rembrandt na insolvent, at lahat ng kanyang ari-arian ay naibenta sa auction. Lumipat siya sa Jewish quarter ng Amsterdam, kung saan ginugol niya ang natitirang bahagi ng kanyang buhay sa sobrang masikip na mga kondisyon. Noong 1661, inatasan ang pintor na magpinta ng isang malaking makasaysayang pagpipinta para sa bulwagan ng bayan ng Amsterdam sa isang tema mula sa malayong nakaraan ng Holland ("Ang sabwatan ni Julius Civilis "). Ang gawaing ito ay hindi tinanggap ng mga customer dahil sa malupit na pagiging totoo nito. Ang isang bilang ng mga relihiyosong komposisyon ay nabibilang din sa huling yugto ng trabaho ng artista (" David at Uriah ”), pangkat at solong larawan (“Larawan ni Jeremiah de Dekker"). Ang mga gawa ng yumaong Rembrandt ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pambihirang lalim ng mga sikolohikal na katangian.

Sa katandaan, si Rembrandt ay pinagmumultuhan ng mga pagkalugi: noong 1663, namatay si Hendrikje, noong 1668, ang kanyang nag-iisang anak na si Titus ay namatay sa namamana na tuberculosis, at noong Oktubre 4, 1669, ang artista mismo ay namatay, na namatay sa kahirapan, limot at kalungkutan.

Pagpipinta " Pagbabalik ng alibughang anak ay nilikha sa ilang sandali bago ang kamatayan ng artist. Sa talinghaga ng ebanghelyo, na nagsasabi tungkol sa isang anak na lalaki na, na nakalimutan ang kanyang mga tagubilin ng magulang, namumuhay ng isang malungkot na buhay at isang pulubi, may sakit, nawasak sa espirituwal, bumalik sa kanyang matandang ama at pinatawad niya, si Rembrandt ay hindi naakit sa tema ng ang mga pakikipagsapalaran at ligaw na buhay ng isang binata (na madalas ilarawan ng ibang mga pintor ), at ang pangwakas ay ang pagkikita ng mag-ama. Ang komposisyon ay ibinaling sa manonood, natagpuan niya ang kanyang sarili sa parehong bilog kasama ang mga taong inilalarawan sa larawan, na, sa malalim at mabigat na pagmumuni-muni, nakikiramay na tumingin sa bulag na matanda, maingat na niyakap ang kanyang anak na lumuhod sa harap. Sa kanya. Ang makatao na kakanyahan ng sining ni Rembrandt ay nakakakuha ng isang espesyal, pangkalahatang kahulugan sa gawaing ito. Ang malungkot na artista, na sa oras na iyon ay nawala ang halos lahat ng kanyang malapit at mahal na mga tao, na nagtrabaho sa isang lipunan na madalas na tumanggi sa kanyang talento, ay nagpapatunay sa ideya ng isang mabait na saloobin sa mga tao, ng pangangailangan na tulungan ang mga nakakahanap ng kanilang sarili. sa isang trahedya na sitwasyon. Ang gawaing ito ay maaaring ituring bilang isang uri ng resulta ng malikhaing buhay ng isang makinang na master.

Ang gawa ni Rembrandt ay nagmamarka ng tugatog ng pag-unlad ng sining ng Dutch noong ika-17 siglo. Ito ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa pag-unlad ng lahat ng makatotohanang sining ng Europa.

Makatotohanang pagpipinta ng Holland. ika-17 siglo

MHK 9 KL. 17-18 SIGLO. BILANG 3. 2011

4. Masters ng "gallant genre": Rococo painting.

Ang pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang katangi-tanging buhay ng aristokrasya ng korte, "magiting na kasiyahan", mga idyllic na larawan ng buhay ng "pastol" laban sa senaryo ng malinis na kalikasan (ang tinatawag na pastoral), ang mundo ng mga intriga sa pag-ibig at mapanlikhang mga alegorya. Ang buhay ng tao ay madalian at panandalian, at samakatuwid ito ay kinakailangan upang mahuli ang "masayang sandali", magmadali upang mabuhay at pakiramdam. "Ang diwa ng kaakit-akit at maaliwalas na maliliit na bagay" (M. Kulmin) ay naging leitmotif ng gawain ng maraming mga artista ng istilong Rococo.

Antoine Watteau (1684-1721).

Ang sikat na pintor ng Pransya na si Jean Antoine Watteau ay ipinanganak noong 1684 sa maliit na bayan ng probinsya ng Valenciennes sa pamilya ng isang mahirap na roofer. Noong 1702, pumunta si Watteau sa Paris nang walang anumang suportang pinansyal mula sa kanyang pamilya. Sa loob ng dalawang taon, para sa isang pulubi na sahod, nagtatrabaho siya bilang isang copyist ng murang mga painting para sa isang merchant mula sa Notre Dame bridge. Inilalaan ng artista ang kanyang libreng oras sa pagguhit mula sa kalikasan. Sa oras na ito, nakilala ni Watteau ang dekorador ng teatro na si K. Zhilo, kung saan nagsimula siyang kumuha ng mga aralin sa pagpipinta. Ang pagkakaroon ng pagiging malapit noong 1708 sa tagapangasiwa ng Luxembourg Palace, nakuha ni Watteau ang pagkakataong pag-aralan ang mga likha ng mga dakilang masters, na sagana sa koleksyon ng mga painting ng palasyo.

Sinimulan ni Watteau ang kanyang independiyenteng malikhaing aktibidad sa mga sketch ng mga eksena ng buhay ng isang sundalo. Ang mga komposisyon na ito ay isang tagumpay sa publiko ng Paris, at ang mga order ay dumaloy sa artist. Kasunod ng mga katangiang motif ng pagpipinta ng genre noong ika-17 siglo, bumaling si Watteau sa imahe ng kontemporaryong buhay.("Savoyar na may Marmot"), na nagdulot ng espesyal na intimacy at liriko na pananabik. Sa pagtanda, mas pinipili ng artista ang mga eksena sa teatro at ang tinatawag na "gallant genre", na naglalarawan sa kanyang mga pagpipinta ng lahat ng uri ng mga pista opisyal, pagbabalatkayo at libangan, mga romantikong petsa, isang katangi-tanging laro ng pag-ibig ng mga walang ingat na kababaihan at mga ginoo (" Holiday of love "," Lipunan sa parke "). Ang artista ay nagpinta rin ng mga eksena sa teatro, portrait, landscape, mythological at relihiyosong komposisyon, hubad, kaliwang mga guhit kung saan nakuha niya ang pinaka magkakaibang mga kinatawan ng lipunang Pranses.

Si Watteau ang kauna-unahang muling likhain sa sining ang mundo ng pinakamadaling kalagayan ng pag-iisip (“ kapritsoso", " nakakahiyang proposal”), kadalasang may bahid ng kabalintunaan at pait. Ang mga karakter sa mga pagpipinta ni Watteau ay paulit-ulit na mga uri, ngunit sa likod ng kanilang magagaling na paglalaro ay mayroong walang katapusang iba't ibang kulay ng mala-tula na pakiramdam.

Nagawa ni Watteau na makamit ang pagkilala sa artistikong kapaligiran bilang isang banayad at orihinal na master. Noong 1712 siya ay pinasok sa Royal Academy of Painting and Sculpture, at noong 1717 para sa isang malaking pagpipinta "Pilgrimage sa isla ng Cythera » nakatanggap ng titulong akademiko. Ang mga kaakit-akit na kababaihan at mga ginoo ay nagtipon sa baybayin ng mga bulaklak ng isla ng Cythera - ang isla ng Venus, ang diyosa ng pag-ibig at kagandahan. Ang holiday ng pag-ibig ay nagsisimula sa rebulto ng diyosa, sa paanan kung saan ang mga sandata, lira at mga libro ay nakasalansan - mga simbolo ng digmaan, sining at agham: sa katunayan, ang pag-ibig ay maaaring masakop ang lahat! Mainit, malambot na mga kulay, naka-mute na mga kulay, mga light stroke ng brush ng artist - lahat ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng kagandahan at pagmamahal.

Noong 1719 umalis si Watteau patungong England. Siya ay nanirahan sa London sa loob ng isang taon: nagtrabaho siya nang husto at nakatanggap ng pagkilala. Gayunpaman, ang mamasa-masa na klima ng kabisera ng Ingles ay nagpapahina sa marupok na kalusugan ng artist. Pagbalik sa Paris, walang katapusan ang sakit ni Watteau. Noong 1721, sa edad na 36, ​​namatay si Watteau sa pagkonsumo.

Ang gawain ng Watteau ay minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa kasaysayan ng European painting, graphics at pandekorasyon na sining noong ika-18 siglo. Ang pandekorasyon na pagiging sopistikado ng kanyang mga gawa ay nagsilbing batayan para sa artistikong istilo ng Rococo.

Francois Boucher (1703-1770).

Ang Pranses na pintor, draftsman, engraver at dekorador na si Francois Boucher ay ipinanganak noong 1703 sa pamilya ng isang print merchant. Sa paligid ng 1720, nagsimulang magtrabaho si Francois sa pagawaan ng F. Lemoine. Ang unang specialty ng batang artista ay ang craft ng isang illustrator. Si Boucher ay gumuhit ng mga vignette at nakikilahok sa paglikha ng mga ilustrasyon para sa "History of France" ni P. Daniel, na inatasan ng Parisian collector na si Julien Boucher, siya ay nag-ukit ng mga landscape at sketch ni A. Watteau. Si Boucher ay makikibahagi sa paglalarawan ng mga nakalimbag na publikasyon sa buong buhay niya; gagawa siya ng mga ilustrasyon para sa mga gawa nina Moliere, Boccaccio, Ovid at iba pang mga may-akda.

Noong 1726-27, nakamit ni Francois ang mahusay na tagumpay sa sining ng pag-uukit, natanggap niya ang Grand Prix ng Academy at umalis patungong Italya sa loob ng apat na taon. Pagbalik sa Paris, nagpakasal si Boucher at natanggap ang kanyang unang pangunahing mga order para sa royal tapestry manufactory sa Beauvais. Noong 1734 para sa pagpipinta "Rinaldo at Armida » Si Boucher ay nahalal sa Royal Academy of Painting and Sculpture. Noong 1737 siya ay naging propesor sa Royal Academy of Painting and Sculpture.1736-60. - ang panahon ng mature na pagkamalikhain ng artist. Sa mga taong ito ay masinsinang nagtrabaho siya sa iba't ibang anyo ng sining (pagpinta, pandekorasyon at inilapat na sining).

Si Boucher ang pinakadakilang pandekorasyon na pintor sa kanyang panahon. Pagkatapos magtrabaho sa Beauvais, siya ay direktor ng royal tapestry manufactory sa Paris, nagsilbi bilang isang dekorador sa Paris Opera, at nagtrabaho para sa Sevres manufactory. Ang walang alinlangan na obra maestra ng pandekorasyon na sining aytapiserya "Mga divertisement ng Tsino”, naibigay noong 1764 ni Louis XV sa emperador ng Tsina. Ang artista ay aktibong kasangkot sa dekorasyon ng mga tirahan ni King Louis XV at ng kanyang maybahay na si Madame de Pompadour, halimbawa, pininturahan niya ang kisame sa mga apartment ng Queen sa Palasyo ng Versailles.

Ang gawa ni Boucher na pintor ay iba-iba. Ang artista ay bumaling sa alegoryachess at mythological plot, ang paboritong pangunahing tauhang babae ay si Venus (“ Tagumpay ng Venus Jupiter at Callisto"," Paliguan si Diana "," Ang Pagdukot sa Europa » ). Inilarawan ni Boucher ang mga perya sa nayon at naka-istilong buhay sa Paris. Nagsulat ng mga eksena sa genre. Nilikha ang mga pastoral ("pastoral ng tag-init ”) at magandang tanawin (“ Gilingan "). Nagpinta siya ng mga eleganteng mapanuksong larawan ("Larawan ng Marquise de Pompadour ”) at mga eksenang hubad. Mayroong ilang mga painting ni Boucher na nakatuon sa mga relihiyosong tema.

Si Francois Boucher ang pinakakilalang kinatawan ng istilong artistikong Rococo. Ang kanyang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng pandekorasyon na pagiging sopistikado at pagpipino; ang mga bayani ng kanyang mga gawa ay puno ng emosyonal na spontaneity, mapaglarong pagkukunwari at tapat na senswal na kasiyahan sa buhay, sila ay nakikilala sa pamamagitan ng namumulaklak na kagandahan at nakakaakit na kagandahan.

Mula noong 1760, si Bush ay nawawala ang dating kasikatan nito. Sa kabila nito, sa mga huling taon ng kanyang buhay siya ang direktor ng Royal Academy of Painting and Sculpture at "ang unang pintor ng hari" (mula noong 1765), at ilang buwan bago ang kanyang kamatayan siya ay nahalal bilang honorary member ng ang St. Petersburg Academy of Arts.

Pambihirang tanyag sa mga taon ng kanyang pagiging malikhain, si Francois Boucher ay nananatiling isa sa mga pinakatanyag na Pranses na artista noong ika-18 siglo, isang kahanga-hangang master ng kulay at katangi-tanging pagguhit, na ang mga kuwadro ay nag-aanyaya sa iyo sa mundo ng kaligayahan, pag-ibig at magagandang pangarap.

ROCOCO

MHK 9 KL. 17-18 SIGLO BILANG 4

5. Pagpinta ng panahon ng klasisismo sa France.

Ang pag-unlad ng klasisismo sa sining ay malapit na konektado sa pagbuo ng isang ganap na monarkiya sa France. Noong 1648, itinatag ang Royal Academy of Arts, na nasa ilalim ng pangangasiwa ng unang ministro ng hari. Ang Academy ay tinawag na bumuo ng mga pormal na tuntunin para sa iba't ibang sining, kabilang ang pagpipinta. Unti-unti, sa pagpipinta ng klasisismo, nabuo ang isang hanay ng mga pamantayan na kailangang mahigpit na sundin ng mga artista. Kinakailangan na ang balangkas ng larawan ay naglalaman ng seryosong espirituwal at moral na ideya na maaaring magkaroon ng kapaki-pakinabang na epekto sa manonood. Ayon sa teorya ng klasisismo, ang gayong balangkas ay matatagpuan lamang sa kasaysayan, mitolohiya o mga teksto sa Bibliya. Ang pagguhit at komposisyon ay kinilala bilang pangunahing mga halaga ng artistikong, hindi pinapayagan ang mga matalim na kaibahan ng kulay. Ang komposisyon ng larawan ay nahahati sa malinaw na mga plano. Sa lahat, lalo na sa pagpili ng lakas ng tunog at mga proporsyon ng mga figure, ang artist ay kailangang tumuon sa mga sinaunang masters, lalo na sa mga sinaunang Greek sculptor. Ang edukasyon ng artista ay dapat maganap sa loob ng mga dingding ng akademya. Pagkatapos ay kinakailangang gumawa siya ng isang paglalakbay sa Italya, kung saan nag-aral siya ng antiquity at ang mga gawa ni Raphael.

Kaya, ang mga malikhaing pamamaraan ay naging isang mahigpit na sistema ng mga patakaran, at ang proseso ng paggawa sa isang larawan ay naging imitasyon. Hindi kataka-taka na ang kakayahan ng mga klasikong pintor ay nagsimulang bumaba, at sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo ay wala nang isang makabuluhang artista sa France. Gayunpaman, ang gawain ng tagapagtatag ng klasisismo sa pagpipinta - Nicolas Poussin, pati na rin ang isang natitirang artist ng ika-18 siglo. Si Jacques-Louis David ang mga tugatog ng sining ng mundo.

Nicolas Poussin (1594-1665)

Si Nicolas Poussin ay ipinanganak noong 1594 sa Les Andelys, sa Normandy, sa isang pamilyang magsasaka. Nagsimula siyang mag-aral ng pagpipinta sa isang lokal na artista at ipinagpatuloy ang kanyang pag-aaral sa Paris, kung saan siya dumating noong 1612. Ang batang Poussin ay dinala ng pag-aaral ng unang panahon, sa pamamagitan ng mga ukit ay nakilala niya ang pagpipinta ni Raphael.

Sa pagtatapos ng 1623, nagpunta si Poussin sa Venice, at noong 1624 ay nanirahan sa Roma. Sa Italya, ang artista ay nakapag-iisa na nag-aaral ng geometry, optika, anatomy, nagbabasa ng mga sinaunang may-akda, nag-aaral ng mga gawa sa teorya ng sining Alberti at Dürer , naglalarawan sa mga guhit ng manuskritoLeonardo da Vinci . Si Poussin ay naging isang komprehensibong edukadong tao, isang napakatalino na connoisseur ng sinaunang kultura. Sa kanyang trabaho, binigyan niya ng kagustuhan ang mga antigong tema. Madalas inihalintulad ng artista ang mga karakter sa Bibliya at ebanghelyo sa mga sinaunang bayani. Ang sinaunang mundo sa view ng Poussin ay perpektong maganda, pinaninirahan ng mga matalino at perpektong tao. Kahit na sa mga dramatikong yugto ng sinaunang kasaysayan, sinubukan niyang makita ang tagumpay ng katwiran at mas mataas na hustisya. Ang isang malalim na pag-unawa sa nilalaman ng espirituwal na kultura ng unang panahon ay naipakita hindi gaanong sa likas na katangian ng mga plot ng mga pagpipinta ni Poussin, ngunit sa anyo kung saan ipinahayag ng artista ang kanyang mga mithiin sa moral. Si Poussin ay bumuo ng isang espesyal na sistema ng pagpipinta, na tinatawag na "classicism". Ang mga klasikong prinsipyo ng Poussin ay malinaw na ipinakita sa mga canvases ng 1630s. ("Ang Panggagahasa sa mga Babaeng Sabine », « Sumayaw sa Musika ng Panahon »).

Nakita ni Poussin ang layunin ng sining sa pagbibigay sa isip ng pagkain para sa pag-iisip, pagkintal ng birtud sa isang tao, pagtuturo sa kanya ng karunungan. Dahil dito, halos hindi nagpinta si Poussin ng mga portrait, na isinasaalang-alang ang genre na ito na hindi karapat-dapat ng pansin, hindi nagbibigay-inspirasyon sa manonood ng matayog at mahahalagang ideya. Ang pagbubukod ay dalawang larawan sa sarili na ipininta sa kahilingan ng mga kaibigan. Gumawa si Poussin ng maraming mga gawa sa mga paksang mitolohiya, kasaysayan, pampanitikan, kung saan ipinakita ang mga malalakas na karakter at maringal na gawa ("Kamatayan ng Germanicus ”), habang umaalis sa mga gawang puno ng mala-tula na damdamin (“ Kaharian ng Flora "," Tancred at Erminia »).

Ang kaluwalhatian ng Poussin ay umabot sa Paris. Ang artista ay matigas ang ulo na inanyayahan na bumalik sa kanyang tinubuang-bayan. Nakatanggap ng personal na imbitasyon mula kay Louis XIII, naglakbay si Poussin sa Paris noong 1640. Sa pamamagitan ng utos ng hari, siya ay hinirang na pinuno ng lahat ng mga gawaing sining, na nagpapanumbalik laban sa kanya ng isang pangkat ng mga pintor ng korte. Napakabigat ng buhay ng Paris kay Poussin. Nang hindi nakumpleto ang trabaho, bumalik ang artista sa Roma noong 1642.

Sa mga gawa ng ikalawang panahon ng Romano, ang etikal at pilosopikal na mga ideya ay pinatindi ("mga arcadian na pastol », « Magpahinga sa flight papuntang Egypt "). Mahilig si Poussin sa mga turo ng mga sinaunang pilosopong Stoic, na humihiling ng lakas ng loob at dignidad sa harap ng kamatayan. Ang mga pagmumuni-muni sa kamatayan ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa kanyang trabaho, ang balangkas ng pagpipinta na "The Arcadian Shepherds" ay nauugnay sa kanila. Ang mga naninirahan sa Arcadia, kung saan naghahari ang kagalakan at kapayapaan, ay natuklasan ang isang lapida na may inskripsiyon: "At ako ay nasa Arcadia." Ang Kamatayan mismo ang nagsasalita sa mga bayani at sumisira sa kanilang matahimik na kalooban, na pinipilit silang isipin ang hindi maiiwasang pagdurusa sa hinaharap. Ang isa sa mga babae ay inilagay ang kanyang kamay sa balikat ng kanyang kapitbahay, na parang sinusubukang tulungan siya na magkasundo sa pag-iisip ng isang hindi maiiwasang wakas. Gayunpaman, sa kabila ng kalunos-lunos na nilalaman, ang artista ay nagkukuwento tungkol sa banggaan ng buhay at kamatayan nang mahinahon. Ang komposisyon ng pagpipinta ay simple at lohikal: ang mga character ay pinagsama-sama malapit sa lapida at nakaugnay sa pamamagitan ng mga paggalaw ng kamay. Ang mga figure ay pininturahan gamit ang malambot at nagpapahayag na chiaroscuro, ang mga ito ay medyo nakapagpapaalaala sa mga antigong eskultura.

Ang isang mahalagang lugar sa gawain ng Poussin ay inookupahan ng tanawin. Palagi itong tinitirhan ng mga bayaning mitolohiya. Ito ay makikita kahit na sa mga pamagat ng mga gawa: "Landscape with Polyphemus", "Landscape with Hercules". Ngunit ang kanilang mga pigura ay maliit at halos hindi nakikita sa mga malalaking bundok, ulap at mga puno. Ang mga karakter ng sinaunang mitolohiya ay kumikilos dito bilang isang simbolo ng espirituwalidad ng mundo. Ang parehong ideya ay ipinahayag ng komposisyon ng landscape - simple, lohikal, maayos. Ang mga spatial na plano ay malinaw na pinaghihiwalay sa mga kuwadro na gawa: ang unang plano ay isang kapatagan, ang pangalawa ay mga higanteng puno, ang pangatlo ay ang mga bundok, langit o ibabaw ng dagat. Ang paghahati sa mga plano ay binigyang-diin din sa kulay. Ito ay kung paano lumitaw ang isang sistema, na kalaunan ay tinawag na "landscape na tatlong-kulay": sa pagpipinta ng unang plano, ang dilaw at kayumanggi na mga kulay ay nangingibabaw, sa pangalawa - mainit at berde, sa pangatlo - malamig, at higit sa lahat asul. Ngunit ang artist ay kumbinsido na ang kulay ay isang paraan lamang upang lumikha ng lakas ng tunog at malalim na espasyo, hindi ito dapat makagambala sa mata ng manonood mula sa alahas-tumpak na pagguhit at maayos na nakaayos na komposisyon. Bilang isang resulta, isang imahe ng isang perpektong mundo ay ipinanganak, isinaayos ayon sa mas mataas na mga batas ng katwiran.

Si Poussin ay may kaunting mga mag-aaral, ngunit talagang lumikha siya ng isang kontemporaryong paaralan ng pagpipinta. Ang gawain ng master na ito ay naging tuktok ng klasiko ng Pranses at naimpluwensyahan ang maraming mga artista ng kasunod na mga siglo.

Jacques Louis David (1746-1825)

Si Jacques Louis David ay ipinanganak sa Paris sa isang mayamang negosyante. Noong 1766 siya ay natanggap sa Royal Academy. Mula sa kanyang kabataan, si David ay naaakit ng sinaunang pamana, sinikap niyang sundin ang mga prinsipyo ng klasisismo. Natanggap ang parangal ng Academy, ang Prize ng Roma, noong Oktubre 1775, pumunta si David sa Roma. Sa Roma, ang artist ay naglalaan ng halos lahat ng kanyang oras sa pagguhit mula sa mga antigong estatwa at mga relief at pagkopya ng mga pintura ng mga dakilang masters.

Noong 1780, bumalik si David sa kanyang sariling bayan. Sa mga taon bago ang Rebolusyong Pranses, ang artista ay naging pinakamalaking kinatawan ng tinatawag na "rebolusyonaryong" klasisismo. Ang gawa ni David ay may binibigkas na oryentasyong pamamahayag, hinahangad ng artista na ipahayag ang mga kabayanihan na mithiin sa pamamagitan ng mga larawan ng sinaunang panahon. Pagpipinta "Belisarius na humihingi ng limos ”, Ipinakita sa Salon ng 1781, kasama ang ilang iba pang mga canvases, ay nagdala ng katanyagan at pagkilala sa artist. Para sa kanya, si David ay itinalaga sa Academy, na siyang unang akademikong titulo.

Sa edad na 34, pinakasalan ni David ang isang Marguerite Charlotte Pekoul, ang anak ng isang mayaman at maimpluwensyang manager ng trabaho sa Louvre. Ang artista ay nanirahan kasama si Charlotte sa loob ng maraming taon; nagkaroon sila ng dalawang anak na lalaki at dalawang anak na babae.

Noong 1776, isang programa ng gobyerno ang binuo sa France na nag-udyok sa paglikha ng malalaking mga pintura "na idinisenyo upang muling buhayin ang mga birtud at damdaming makabayan." Inalok si David ng isang kabayanihan mula sa unang bahagi ng kasaysayan ng Roma - ang gawa ng tatlong magkakapatid na lalaki mula sa marangal na patrician na pamilya ng Horatii. Sa panahon ng digmaan ng mga Romano sa lungsod ng Alba Longa (ika-7 siglo BC), natalo nila ang tatlo sa pinakamahuhusay na mandirigma ng kaaway (mga kapatid din - Curiatii) sa labanan, na nagdala sa mga Romano ng halos walang dugong tagumpay. Dalawang Horatii ang namatay sa labanan. Nagpinta ng larawan si David Panunumpa ng Horatii ” sa Roma, kung saan siya umalis noong 1784 kasama ang kanyang pamilya at mga estudyante. Sa dramatikong kuwentong ito, natagpuan ng artista ang isang sandali ng kahanga-hangang kagitingan - isang eksena kung saan ang magkapatid ay nanunumpa sa kanilang ama na hindi aatras sa labanan. Ang aksyon ng larawan ay nagaganap sa patyo ng isang sinaunang Romanong bahay: isang stream ng liwanag ang bumubuhos sa mga bayani ng larawan mula sa itaas, ang olive-grey na takip-silim ay pumapalibot sa kanila. Sa background - isang three-span arcade; isa o higit pang mga figure ang nakasulat sa bawat arko. Sa gitna ay nakatayo ang ama ng pamilya, sa kaliwa niya ay mga anak na handang makipaglaban, sa kanan ay mga babaeng may mga anak, manhid sa pighati at takot. Ang makinis na mga balangkas ng babaeng grupo ay kaibahan sa mga hinahabol na linya ng mga pigura ng mga mandirigma. Sa gitna ng buong komposisyon ay ang numero tatlo: tatlong arko, tatlong grupo ng mga karakter, tatlong espada, tatlong kamay, na madaling nakaunat sa mga sandata. Ang mga triple repetitions na ito ay pinupuno ang buong eksena ng isang masayang pakiramdam: ang anumang paggalaw ay agad na nakakakuha ng triple na lakas.

Nang matapos ang canvas at ipinakita ito ng pintor sa publiko, nagsimula ang isang tunay na paglalakbay ng mga Romano at dayuhan sa kanyang pagawaan. Ang larawan ay isang malaking tagumpay. Sa sumunod na mga taon, maraming isinulat si David. Gumagawa siya ng mga makasaysayang canvases ("Dinala ng mga lictor ang mga katawan ng kanyang mga anak kay Brutus. ”), mythological compositions (“ Paris at Elena"), mga larawan (" Larawan ng Lavoisiers "). Nakuha ng artista ang katanyagan ng "ang pinaka-advanced at matapang na pintor", "ang sumisira ng mga pundasyon". Siya ay nagiging mayaman, sikat at sikat.

Ang kasunod na panahon ng buhay ni David ay malapit na nauugnay sa buhay pampulitika ng France. Ang artista ay naging aktibong kalahok sa mga kaganapan ng Rebolusyong Pranses. Noong 1790, naging miyembro siya ng Jacobin Club, noong 1792 si David ay nahalal na representante sa Convention, ang pinakamataas na legislative at executive body ng First Republic, at pagkatapos ng kudeta noong Mayo 31 - Hunyo 2, 1793, nang ang Jacobins dumating sa kapangyarihan, siya talaga ay naging isang patakaran ng pamahalaan ng konduktor sa sining. Pinangasiwaan din ni David ang organisasyon ng mga pambansang kapistahan; kasama rin sa kanyang mga gawain ang pagluwalhati sa mga patay na rebolusyonaryo, na opisyal na idineklara na "mga martir ng kalayaan." Noong Enero 1793, bukod sa iba pang mga kinatawan ng Convention, ibinoto ni David ang pagkamatay ni Haring Louis XVI, na kalaunan ay pinatay. Sa inspirasyon ng kabayanihan ng rebolusyon, nagpinta si David ng isang makasaysayang larawan sa isang modernong paksa - "Panunumpa sa ballroom " (hindi pa tapos). Canvas" Kamatayan ng Marat ”ay naging bantayog ng mga bayani ng rebolusyonaryong panahon.

Pagkatapos ng isang bagong kudeta noong Hulyo 1794, si David, bilang isang kilalang Jacobin, ay inaresto at dinala sa imbestigasyon. Gayunpaman, nagawa niyang patunayan ang kanyang hindi pagkakasangkot sa mass executions noong 1793-94. at pinalaya noong Agosto 1795. Paglabas ng bilangguan, masigasig na kinuha ni David ang brush. Nagpinta siya ng mga portrait, nagsimulang magtrabaho sa isang multi-figure na canvas "Ipinatigil ni Sabines ang labanan sa pagitan ng mga Romano at mga Sabines ”, na isinulat niya sa loob ng halos limang taon. Inalok si David ng mga posisyon bilang miyembro ng konseho ng estado at senador. Gayunpaman, tinanggihan ni David ang lahat ng mga alok, mas pinipili ang buhay ng isang libreng artist sa kanila.

Noong 1799, naluklok si Napoleon Bonaparte sa kapangyarihan bilang resulta ng isa pang coup d'état. Si David, tulad ng maraming dating rebolusyonaryo, ay masayang binati ang kaganapang ito. Sa pagpipinta na "The Crossing of Bonaparte through the St. Bernard Pass", inilarawan ng artist ang kanyang bagong bayani na nagbabalik mula sa isang matagumpay na kampanya sa Italya. Hindi gumagalaw, tulad ng isang monumento, ang pigura ng komandante na nakasakay sa kabayo ay tumataas laban sa backdrop ng walang buhay na mga linya ng mga hanay ng bundok: tila ang buong mundo ay tumigil, masunurin sa mapang-akit na kilos ng nagwagi. Ang mga bato sa ilalim ng mga paa ng kabayo ay isang uri ng pedestal: ang mga pangalan ng tatlong dakilang mananakop na dumaan sa ganitong paraan ay nakaukit sa kanila - sina Hannibal, Charlemagne at Napoleon mismo. Nagustuhan ni Napoleon ang gawain kaya't pagkatapos ay nag-utos siya ng tatlong pag-uulit ng pagpipinta. Nagningning muli ang Bituin ni David. Nang walang anumang opisyal na posisyon, siya ay talagang nananatiling unang pintor ng France. Ang pag-pose para kay David ay itinuturing na isang malaking karangalan, na kakaunti ang iginawad (" Madame Recamier").

Noong 1804, ipinagkaloob ni Napoleon, na ipinahayag na emperador, kay David ang pamagat ng "unang pintor ng emperador" at ang cavalier order ng Legion of Honor. Sa parehong taon, nagsimulang magpinta si David ng isang larawan na naglalarawan sa koronasyon ni Napoleon I ("Coronation of Napoleon I at Empress Josephine sa Notre Dame Cathedral noong Disyembre 2, 1804 "). Paggawa sa order na ito, ang artist ay lumikha ng humigit-kumulang isa at kalahating daang mga larawan ng mga dignitaryo ng estado, ang mga larawan kung saan isasama sa komposisyon. Ipininta ng pintor ang kakaibang canvas na ito sa loob ng halos tatlong taon. Ang larawan ay natanggap nang mabuti, at ang mga parangal ay muling umulan sa artist. Noong 1812, ipininta ni David ang huling larawan ni Napoleon (“Larawan ni Napoleon »).

Noong 1814, natapos ni David ang trabaho sa canvas "Leonidas sa Labanan ng Thermopylae ”, na ipinakita niya sa kanyang workshop. Ito ang huling malaking canvas ng artist. Hindi ito nakakuha ng atensyon ng publiko. Sa huling pagbagsak ng Bonaparte, nagsimula ang mga madilim na araw sa buhay ni David. Ang artista ay sinentensiyahan ng habambuhay na pagkatapon mula sa France dahil sa pagboto para sa pagpatay sa hari. Hindi nakatanggap ng pahintulot na umalis patungong Roma, si David at ang kanyang asawa ay nagtungo sa Brussels noong 1816. Sa Brussels, patuloy siyang nagpinta, lumilikha ng mga larawan, pati na rin ang mga pagpipinta sa mga antigong paksa ("Cupid at Psyche). Disyembre 29, 1825 Namatay si David. Ang mga awtoridad ng Pransya ay hindi nagbigay ng pahintulot para sa kanyang libing sa France, si David ay inilibing sa Brussels.

Sa akda ni David, ang mga prinsipyo at mithiin ng tinatawag na "rebolusyonaryo" na klasisismo ay pinakamalinaw na ipinahayag. Sa pagsisikap na ipahayag ang mga kabayanihan na mithiin sa pamamagitan ng mga larawan ng sinaunang panahon, lumikha siya ng mga makasaysayang pagpipinta na magpakailanman ay nakakuha ng mga adhikaing ideolohikal ng kanyang henerasyon. Ang mga makasaysayang pagpipinta sa mga kontemporaryong tema na nilikha niya sa panahon ng Rebolusyong Pranses ay nagpatuloy sa maluwalhating tradisyon ng "grand style" ng Pranses. Malaki ang kahalagahan ng gawa ni David para sa lahat ng mga masters ng neoclassical at academic na mga paaralan noong ika-19 na siglo.

KLASISISISMO

MHK 9 KL. 17-18 SIGLO BILANG 5-2010

Mga tampok ng kultura ng Europa XVIIIsiglo

XVIII ang edad ay karaniwang tinatawag na edad ng absolutong monarkiya, ang edad ng Enlightenment, ang Gallant age. Ang lahat ng mga pangalang ito ay magkakaibang panig ng parehong proseso ng kultura, na sumasalamin sa pagbuo at pag-unlad ng uri ng burges, at ang proseso ng sekularisasyon ng kulturang European na nagsimula noong Renaissance.

Sa Europa, ang panahong ito ay nauugnay sa pagbuo ng mga bagong socio-political ideals. Ang France sa wakas ay naging mambabatas ng fashion, court etiquette, styles in art. Kung nasaan ang Paris, mayroong buhay. Panlabas na kagandahan, kagandahan - ang pinakamahalagang elemento ng kulturang Pranses XVIII siglo. Ang pag-unlad ng fashion, sining, lahat ng aspeto ng pampulitika at pang-araw-araw na buhay ng France ay napapailalim sa pagnanais para sa kagandahan. Sa kabila ng katotohanan na sa simula XVIII siglo, ang internasyonal na prestihiyo ng France ay kapansin-pansing bumaba, ang papel nito bilang isang trendsetter ay nanatiling hindi nagbabago. Nagkaroon ng kapansin-pansing stratification ng aristokrasya at bourgeoisie, na siyang pangunahing muog ng monarkiya ng Pransya. Ang aristokrasya ay tumigil sa pakikilahok sa pang-ekonomiyang buhay ng bansa at sa wakas ay bumagsak sa isang idle court caste. Ang korte ng Pransya ay naligo sa isang kapaligiran ng mga intriga sa korte, pag-iibigan, magiting na kasiyahan; na ang kaluluwa ay Madame de Pompadour, ang paborito ng hari. Ang moral ay naging lantaran na maluwag, panlasa - kakaiba, mga anyo - magaan at pabagu-bago. Ang kapaligirang ito ay talagang nagtaas ng istilong rococo sa ranggo, ngunit sa katunayan ay kinuha niya at inangkop sa kanyang panlasa kung ano ang nasa hangin ng Europa. XVIII siglo. Nagpaalam ang France sa mga ilusyong maka-uri nitong patriyarkal, at ang istilong Rococo ay naging isang karapat-dapat na frame para sa huling siglo ng tagumpay ng absolutismong Pranses.

Ang Rococo ay nakakuha ng isang reputasyon bilang isang magaan na istilo sa kasaysayan ng sining. Sa panlabas, ang gayong ideya ng kaunti ay medyo natural. Kakatwang pinagsasama nito ang hedonismo, kabusugan, lantad na kalokohan, pagkahumaling sa kakaiba, paghamak sa lahat ng makatwiran, nakabubuo, natural. Gayunpaman, ang istilong ito ay nailalarawan din ng pagiging sopistikado at talino sa paglikha. Ang pangunahing malikhaing puwersa ng Rococo ay ang paghahanap ng mga bagong paraan ng pagbabago. Kahit na ang rococo ay mukhang isang kamangha-manghang laro, sa loob nito ay hindi ito nasisira sa sentido komun. Ang isa sa mga pinakadakilang tagumpay ng Rococo ay ang pagtatatag ng live na pakikipag-ugnayan sa madla. Ang walang kabuluhan, pino, aristokratikong istilo na ito ay nagtakda ng yugto para sa demokratikong Panahon ng Enlightenment. Sa pagtanggi nito sa kalunos-lunos at kabayanihan, nagbigay si Rococo ng lakas sa pagbuo ng isang bagong sining, mas kilalang-kilala at silid, at samakatuwid ay mas personal, taos-puso. Ang sining ay lumalapit sa pang-araw-araw na buhay, ang sukat nito ay hindi na heroic exclusivity, ngunit ang karaniwang pamantayan ng tao. Ang Rococo ay humantong sa mga bagong aesthetic na pananakop.

Ito ay makikita lalo na madali sa inilapat na sining. Sa mismong kalikasan nito, kinailangan ni Rococo na mahanap sa mundong ito ng mga maliliit na anyo, na napakalapit na konektado sa pang-araw-araw na buhay, ang elementong kailangan nito. Lahat ng bagay na nakapaligid sa isang tao - muwebles, pinggan, pandekorasyon na tela, tanso, porselana - ay tila nahawahan ng walang malasakit at mapaglarong mood, na nilikha ng liwanag at maliliwanag na kulay, magaan na anyo, openwork pattern ng dekorasyon, na sumasaklaw sa lahat at tumatagos. kahit saan.

Sa pagpipinta ng Rococo, ang mga light shade ng tono ay naayos at nakahiwalay bilang mga independiyenteng kulay. Binigyan sila ng isang pangalan sa diwa ng istilong "gallant": "ang kulay ng hita ng isang natakot na nymph", "ang kulay ng nawalang oras". Ang mga gawa ng inilapat na sining, na sumakop sa isang mahalagang lugar sa kultura ng Rococo, ay pinakulay din ng mga pinakapinong kulay. Halimbawa, ang artist na si F. Boucher ay nagtrabaho nang husto sa larangan ng pandekorasyon na pagpipinta, gumawa ng mga sketch para sa mga tapiserya, para sa pagpipinta sa porselana. Ang mga painting ni Boucher ay hindi na sumusunod sa mga batas ng easel painting. Sila ay naging pangunahing pandekorasyon na mga panel, panloob na dekorasyon. Samakatuwid, ang may-akda ay hindi gaanong nagmamalasakit sa artistikong integridad ng canvas, ngunit tungkol sa panlabas na pagiging epektibo at pagiging makulay nito. Nagawa ni Boucher na dalhin sa pagpipinta ang lahat ng hinihingi ng panlasa ng kanyang madla: biyaya, kahalayan, walang ingat na kagaanan, madalas na katatawanan at palaging isang pakiramdam ng patuloy na pagdiriwang.

Ang isang kilalang kinatawan ng istilong Rococo sa pagpipinta ay si A. Watteau. Ang kanyang gawa na pinakamaganda sa lahat ay nagpapakita kung anong uri ng mga pagtuklas ng tao ang nakatago sa diumano'y "gamu-gamo" na sining. Ang mga pagpipinta ni Watteau ay palaging mariin na pandulaan. Ang tanawin sa mga ito ay kahawig ng tanawin. Ang mga tauhan ay nakaposisyon na parang naglalaro sila ng ilang uri ng mise-en-scène sa isang dula. Ang pangunahing tema ng gawa ni Watteau ay ang laro ng pag-ibig, eleganteng pang-aakit, theatrical coquetry, trabaho para sa publiko. Walang mga hilig ng Shakespearean dito, ngunit mayroong isang matinding kalungkutan, ang pananabik para sa paglipas ng oras ay naroroon sa banayad, pambabae na mga imahe ni A. Watteau, isang dalubhasa sa mga kaluluwa ng tao. Ang kanyang mga kuwadro na gawa, na naglalarawan ng magagaling na kasiyahan, ay parang isang elehiya sa papalabas na edad ng court frills.

Ang istilong Rococo ay hindi rin nalampasan ang arkitektura. Ang mga kastilyong Rococo sa himpapawid ay artipisyal at marupok, bagama't napakaganda. Ang aristokratikong "paghihimagsik" laban sa magaspang na katotohanan ay makikita sa katotohanan na ang natural na tectonics, ang mga katangian ng mga materyales at mga proporsyon ay ginustong atectonicity, maliban sa likas na katangian, mga proporsyon, ang mga batas ng grabidad ay tinanggihan. Sa layout ng mga gusali at hitsura ng mga facade, ang estilo ng Rococo ay hindi gaanong lumitaw, dito nagpatuloy ang linya ng pag-unlad mula Baroque hanggang Classicism, at ang impluwensya ng Rococo ay ang mga order form ay naging mas magaan, kaaya-aya, na may mga pahiwatig ng pagpapalagayang-loob. Ang isang halimbawa ay ang Petit Trianon sa Versailles - isang maliit na palasyo sa kailaliman ng parke. Ganap sa diwa ng Rococo, tanging mga pavilion, gazebo, at sa pangkalahatan ay mga entertainment at pandekorasyon na istruktura ang itinayo. At ang pangunahing globo ng Rococo sa arkitektura ay ang pag-aayos ng mga interior. Kadalasan, ang mga gusaling may mahigpit na pagkakasunod-sunod na harapan, gaya ng Soubise mansion sa Paris, ay naging kaharian ng kakaibang rocaille sa loob.

Ang French absolutism ay lumikha ng mga espesyal na anyo ng ritwal ng korte, seremonyal, paggalang sa kagandahang-asal, katapangan (mula sa Pranses na "gala" - solemne, kahanga-hanga). Ang mga anyo na ito ay naging laganap sa iba't ibang larangan ng buhay, kabilang ang mga relasyon sa pagitan ng isang lalaki at isang babae. Nagkaroon ng isang mapanghamon na magalang na saloobin sa babae na may ilang mga erotikong overtones. Ito ay naging isang fashion, isang simbolo ng magandang lasa, na nilinang sa iba't ibang mga lupon ng French nobility at bourgeoisie.

Mahirap na labis na timbangin ang impluwensya ng Rococo sa fashion. SA XVIII siglo, ang perpektong kagandahan ng lalaki at babae ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga batas ng rocaille. Ang lahat ay nawawalan ng kamahalan, nagiging matikas, mapang-akit at matikas. Ang ebolusyon ay napupunta sa direksyon ng mas higit na pagpipino, pagiging sopistikado, at ang isang lalaki ay nawawala ang mga katangian ng pagkalalaki, nagiging pambabae. Naglalagay siya ng mga eleganteng guwantes sa kanyang mga kamay, nagpapaputi ng kanyang mga ngipin, namumula ang kanyang mukha. Ang isang lalaki ay naglalakad at nakasakay sa isang wheelchair nang kaunti hangga't maaari, kumakain ng magaan na pagkain, mahilig sa mga komportableng upuan. Hindi nagnanais na mahuli sa likod ng isang babae sa anumang bagay, gumagamit siya ng pinong lino at puntas, ibinitin ang kanyang sarili sa mga relo, pinalamutian ang kanyang mga daliri ng mga singsing.

Ang babaeng Rococo ay masigla, marupok at matikas. Siya ay dapat magkaroon ng isang manika-tulad ng hitsura; Ang isang layer ng puti at blush ay inilapat sa mukha, pulbos ay iwinisik sa buhok, itim na langaw ay pinawi ang kaputian ng balat, ang baywang ay hinihigpitan sa hindi maisip na laki at kaibahan sa napakalawak na ningning ng mga palda. Naka-high heels ang babae at napakaingat sa paggalaw. Siya ay nagiging ilang kapritsoso na pinong nilalang, isang kakaibang bulaklak. Upang lumikha ng gayong hitsura, isang espesyal na lakad at kilos ang binuo. Sa gayong kasuutan, tanging ang ilang mga sayaw na espesyal na idinisenyo para sa layuning ito ang maaaring isayaw. At iyon ang dahilan kung bakit ang minuet ay naging paboritong opisyal na sayaw ng panahon. Ang lugar ng maganda at kahanga-hanga ay inookupahan ng kaakit-akit, nagiging bagong idolo ng panahon. Pagkatapos ng lahat, ang maganda ay maaaring maging maharlika, ang kaakit-akit - hindi kailanman.

Ang pangunahing katangian ng panahong iyon, ang blond na peluka, ay sadyang artipisyal - hindi ginagaya ang natural na buhok, binabalangkas nito ang mukha, tulad ng isang frame ng larawan, tulad ng isang maskara - ang mukha ng isang artista. Sa puting peluka, pulbos at namumula, lahat ay tumingin napakabata. Ang istilo ng korte ng Rococo ay hindi pinapansin ang katandaan. Kabataan lamang ang pina-aesthetic, kahit pagiging bata, lahat ng kabataan ay naaakit. Lumilitaw ang isang bagong ideyal ng kagandahan, na nauugnay sa katangi-tanging kasiyahang senswal. Ang kahubaran ng isang babae ay nagbibigay daan sa maanghang na kalahating kahubaran, na nagbubunga ng misteryo at malabong mga pantasya.

Ang pang-aakit ay ang pinakasikat na libangan ng walang ginagawa na aristokrasya. Ang moral ay nagiging mas malaya, at ang kabutihan, katapatan, kalinisang-puri ay tila nakakainip at nagiging sanhi ng pangungutya. Si Vice ay idealized sa diwa ng kulto ng kasiyahan. Ang lahat ng magaspang, mapanganib, malakas at malalim na damdamin, kabilang ang paninibugho, ay sinasadyang inalis. Kabilang sa mga katangian ng mga laro ng pag-ibig ay mga langaw, tagahanga, maskara, scarves. Ang tagahanga, halimbawa, ay nagiging isang palaging kasama ng isang babae, sa pinakamahalagang bagay ng sekular na paggamit. Hinahayaan niya itong itago ang kanyang damdamin at mood, o partikular na bigyang-diin ang mga ito. Ang tagahanga ay nagsisilbing isang "gallant armor", kung wala ito ay nararamdaman ng isang babae na walang pagtatanggol. Sa mga salon noong panahong iyon ay nakikipaglandian sa publiko, lantaran. Organically kasama ang pang-aakit sa pang-araw-araw na buhay. Ang mga batas ng chivalry ay nangangailangan ng kakayahang makahanap ng mga inosenteng ekspresyon kapag tinatalakay ang mga pinaka malaswang paksa, at ang mataas na lipunan ay nagpapasaya sa sarili sa mga pag-uusap na ito.

Ang institusyon ng kasal ay hindi nauugnay sa ipinahayag na kulto ng kasiyahan. Ang kasal ay isang business venture, isang business deal. Ito ay pinatunayan din ng karaniwang kaugalian ng maagang pag-aasawa para sa maharlika at tuktok ng bourgeoisie. Ang isang batang babae na umabot sa edad na 15 ay isang nobya, at madalas ay isang asawa. Ang ikakasal ay nagkita sa unang pagkakataon bago ang kasal, o kahit isang araw bago. Bago ang kasal, ang mga batang babae ay pinananatili at pinalaki sa ilang institusyong pang-edukasyon, bilang panuntunan, sa isang monasteryo. Sila ay kinuha mula doon bago ang kasal. Ang pagkawasak ng maharlika ay nagbunga ng isang bagong kababalaghan - mislliance, isang hindi pantay na pag-aasawa sa pagitan ng mga kinatawan ng maharlika at kapital ng pera.

Hindi lang cuteness at whimsicality ang dala ni Rococo. Pinalaya nito ang sarili mula sa retorikal na pambobomba at bahagyang na-rehabilitate ang mga natural na damdamin, kahit na sa ballet at masquerade attire. Ang Rococo ay isang karagdagang kilusan ng kulturang Europeo tungo sa pagiging totoo, na naglalaman ng likas na pagnanais ng tao para sa kagandahan at kaginhawahan, para sa estado ng pag-ibig.

Gayunpaman, hindi lamang Rococo ang istilo XVIII siglo. Isa sa pinakamaliwanag na artista noong panahong iyon - si J.-B. Chardin. Ang kanyang trabaho ay naiiba sa mga gawa ng mga master ng Rococo kapwa sa istilo at sa nilalaman. Nagtrabaho siya sa still life, araw-araw na mga eksena - mga genre batay sa mga obserbasyon at direktang gawain sa kalikasan. Si Chardin ay nararapat na ituring na lumikha ng isang bagong genre batay sa mga eksena mula sa pang-araw-araw na buhay ng isang katamtamang burges na pamilya. Ang mga pangunahing tampok ng genre na ito ay pagiging tunay at pagiging simple. Ang artist ay nagdadala ng intimate lyrics, spontaneity, libreng biyaya, walang limitasyong pagiging simple sa mga domestic na eksena - lahat ng bagay na itinuturing na isang pagtuklas. XVIII siglo. Ang mga karakter ni Chardin ay mabubuti at maka-diyos na tao ("Panalangin bago kumain", "Bumalik mula sa palengke"). Mula noong 1950s, ang buhay pa rin ay naging pangunahing genre ng Chardin. Ang buhay na buhay na may mga katangian ng sining (1766) ay naglalaman ng mga aksesorya ng pintor ng Enlightenment: isang palette na may mga brush, papel, mga instrumento sa pagsukat, mga libro (ang artist ay dapat na patuloy na mag-aral), isang kopya ng iskultura ni J.-B. Pigalya. Ang lahat ng ito ay lumilikha ng isang ideya ng artist sa oras na iyon, na naninirahan sa isang mundo ng matataas na mga mithiin, at sa parehong oras ay maaaring sumalamin sa totoong mundo.

Ang isang tunay na pag-renew ng portrait genre ay ginawa ni M.-K. Latour. Hindi lamang siya ay hindi pakiramdam tulad ng isang aristokrata, ngunit siya ay kumikilos nang nakapag-iisa at matapang sa kanila. Ang tanging mahalaga para sa kanya ay isang tunay na pakiramdam ng buhay at katumpakan ng paglalarawan. Ang kanyang mga karakter ay halos hindi nananatiling nag-iisa sa kanilang sarili, huwag ipagkanulo ang kanilang mga lihim na kalooban at pag-iisip. Nag-aapela sila sa manonood, ngunit palaging nananatiling malayo sa kanya. Wala silang gustong ipagtapat sa kanya. Ngunit sa lahat ng ito, sila ay walang hanggan na mas payat, mas matalino, mas multifaceted kaysa sa mga mukha na tinitingnan mula sa mga larawan ni F. Boucher.

Ang hitsura sa France ng pagpipinta ng mga innovator tulad ng Latour o Chardin ay hindi mauunawaan nang hindi tumutukoy sa mga pagbabagong nagaganap sa espirituwal na buhay ng lipunang Pranses. Ang panahong ito at ang makapangyarihan Ang paggalaw ng pag-iisip ay tinawag na Enlightenment. Tinawag ito sa buhay bilang isang lumalagong hindi pagkakasundo sa pagitan ng buong istrukturang panlipunan ng France, na patuloy na nagpapanatili ng monarkiya, pyudal, relihiyosong mga tradisyon, at ang mga kusang prosesong pangkasaysayan na humantong sa pagsulong ng bansa. Ang lumang rehimen, ang mga batas, kultura at kaugalian nito, ay nasa harap ng malawakang pagtutol ng publiko.

Ang teoretikal na batayan ng pilosopiyang paliwanag ay inilatag ng pilosopong Ingles na si F. Bacon. Lumikha siya ng isang bagong teorya ng kaalaman, ayon sa kung saan ang kaalaman ay nagmumula sa pagmamasid at karanasan. Nagtalo siya na sa pamamagitan ng mga obserbasyon at mga eksperimento, at ang mga pilosopikal na paglalahat na nagreresulta mula sa kanila, ang isang tao ay maaaring makaipon ng kapaki-pakinabang na kaalaman. Upang gawin ito, kinakailangan upang mapupuksa ang mga dogma, pagkiling at iba pang mga idolo ng medyebal na pyudal na kultura sa pamamagitan ng pamamaraan ng "sistematikong pagdududa". Ginawa ni R. Descartes ang "paraan ng pagdududa" bilang panimulang punto ng kaalaman. Inihalintulad niya ang kamalayan sa isang blangko na pisara, kung saan ang nakakaalam na paksa ay nagsusulat ng mga konsepto na napatunayan ng kanyang sariling isip. Sa ganitong diwa, si Descartes ang nagtatag ng modernong rasyonalismo. Ang ikatlong tagapagpauna ng Enlightenment ay ang Ingles na manggagamot na si D. Locke. Sinasabi rin niya na ang kamalayan ay isang blangko na talaan.

Gayunpaman, sa France natanggap ng Enlightenment ang pinakakumpleto at radikal na pagpapahayag nito. Bukod dito, ang Enlightenment ay madalas na tinukoy bilang isang kababalaghan ng pambansang kamalayan ng Pransya. Iniharap ng mga enlightener ang ideya ng pagpapalaya ng indibidwal. Sila ay sumunod sa teorya ng rational egoism, pagkamakasarili (Holbach, Helvetius, Diderot). Masasabi natin na una nilang iniharap ang problema ng tao sa modernong kahulugan: ang problema ng tao bilang isang taong may kamalayan sa kanyang sariling kakaiba.

Ipailalim ang lahat sa pagpuna, ang mga enlighteners ay naghahanap ng isang ganap, hindi matitinag na simula. Natagpuan nila ang gayong suporta sa kalikasan ng tao, na nakatayo sa itaas ng kasaysayan. Lahat ay nagbabago, ngunit ito ay nananatiling pareho. Ang ideal ni Voltaire ay maganda, matalino, sibilisadong kalikasan. Ang ideyal na ito ay pareho para sa lahat ng panahon at mga tao, sa kabila ng pagkakaiba sa mga kaugalian, batas, at kaugalian. Uniform at unibersal na moral na mga prinsipyo Tinatawag ni Voltaire na "mga natural na batas". Naghangad si Voltaire sa isang naliwanagang monarkiya. Ang Voltaire sa pangkalahatan ay isa sa pinakamahalaga, pangunahing tauhan ng French Enlightenment. Hindi siya ateista tulad ni Diderot. Gayunpaman, kinilala ni Voltaire ang Diyos sa halip bilang isang puwersang moral na may kakayahang magpapalambot ng moral at panatilihin ang masa sa loob ng balangkas ng pampublikong moralidad. Noong 60s, kasama ang ideya ng isang napaliwanagan na monarkiya, iniharap ni Voltaire ang ideal ng republika bilang ang pinaka-makatwirang anyo ng pamahalaan ("Ideya ng Republika").

Si Voltaire, tulad ng karamihan sa mga enlightener, ay naglalaman ng kanyang mga ideyang pilosopikal sa masining na anyo. Nakita niya ang sining bilang isang paraan ng pagbabago ng mundo, na binibigyang-diin ang didactic na oryentasyon nito. Mula sa kanyang pananaw, ang sining ay isang produkto ng sibilisasyon, na naunawaan ng mga nagpapaliwanag bilang kabaligtaran ng kamangmangan at barbarismo, ang paglikha ng espiritu ng tao. Itinuring ni Voltaire na ang pinagmulan ng kagandahan ay ang anyo kung saan ang kalooban ng artista ay katawanin. Sa maliwanag na malayang kalooban, ang anyo ay nagpapahiwatig ng isang mahigpit na sistema ng mga tuntunin sa anyo ng isang ibinigay na ritmo, tula, leksikal, estilista at iba pang mga pamantayan. Sa artist, pinahahalagahan ni Voltaire ang kasiningan, virtuosity at husay. Samakatuwid ang pagnanais ni Voltaire para sa kategorya ng panlasa bilang isang espesyal na aesthetic na pakiramdam. Ang masamang lasa ay lumitaw kung saan ang balanse sa pagitan ng kalikasan at kultura ay nabalisa. Alinsunod dito, ang masamang lasa ay lumitaw sa isang panahon ng paghina, sa isang sibilisasyon na lumayo sa kalikasan. Pinahahalagahan ni Voltaire ang klasisismo, na nagbalik ng isang pakiramdam ng proporsyon sa sining. Ang ideal ni Voltaire ay isang matalino, sibilisadong kalikasan.

Nagtalaga si Voltaire ng isang espesyal na papel sa teatro, kung saan nakita niya ang isang plataporma para sa pagsulong ng mga bagong ideya, isang malakas na paraan ng edukasyon, isang paaralan ng moralidad. Sa katunayan, ibinigay ni Voltaire sa teatro ang mahalagang papel na ginampanan nito noong unang panahon. Sa pagsasalita tungkol sa perpektong teatro na kailangan ng mga kontemporaryo, nanawagan si Voltaire na pagsamahin ang mga prinsipyo ng Ingles, sa kulto ng mga hilig ni Shakespeare, at teatro ng Pranses, kasama ang kulto ng katwiran at pakiramdam ng proporsyon. Ang isa sa pinakamahalagang kategorya ng aesthetics ni Voltaire ay ang pagiging totoo: ang inilalarawan ay dapat sumunod sa natural na sentido komun, ang mga unibersal na batas ng katwiran. Ngunit ang pangangailangan ng katumpakan - iyon ay, ang pagkakahawig lamang ng katotohanan, ang pagpapakita nito - ay nagsasangkot ng paglikha ng isang masining na ilusyon, na mas naiintindihan ni Voltaire kaysa kay Diderot, na nagmungkahi na ang lahat ng sinabi niya ay hindi kathang-isip, ngunit isang totoo. kwento. Para kay Voltaire, ang ilusyon ay nasa likas na katangian ng sining, ay isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa kagandahan. Ang kalagayan ng kagandahan ay isang kumbinasyon ng mga bagay na magkakaugnay: ang impresyon ng kadalian at kalayaan na may mahigpit na pagsunod sa mga patakaran.

Si D. Diderot ang susunod na pangunahing kinatawan ng Enlightenment. Inilalagay niya ang ideya ng paggalaw sa sarili ng kalikasan, na hindi nangangailangan ng isang tagalikha. Sa katunayan, ito ang ideya ng kusang henerasyon ng buhay. Si Diderot, hindi tulad ni Voltaire, ay tiyak na hindi kinikilala ang relihiyon at para sa mga etikal na dahilan. Sa kaibahan sa Kristiyanong etika, iginiit niya ang natural na moralidad batay sa pagkakatugma ng personal at pampublikong interes.

Ang pagkakaroon ng ilagay ang ideya ng mga relasyon bilang batayan ng teorya ng kagandahan, pinalawak ni Diderot ang saklaw ng sining. Mula sa pananaw na ito, hindi lamang ang paglikha ng tao, kundi pati na rin ang anumang kababalaghan ng kalikasan ay maaaring maging paksa ng isang masining na imahe, sa kondisyon na ito ay naiintindihan sa kaugnayan nito sa kabuuan, na ginigising sa tao ang imahe ng kabuuan na ito. .

Tinukoy ni Diderot ang maganda sa sining bilang pagsusulatan sa pagitan ng imahe at bagay, ngunit ang sulat na ito ay palaging may kondisyon, dahil ito ay subjective. Kung ganap mong kopyahin ang paksa, mawawala ang kahulugan ng pagkamalikhain. Kaya naman, sa pananaw ni Diderot, ang isang dakilang tao ay hindi ang nagsasabi ng totoo, kundi ang marunong makipagkasundo sa katotohanan sa masining na pantasya. Alalahanin natin ang dakilang Socrates, na naglalarawan sa mga tao sa kanyang mga trahedya ayon sa nararapat. Binigyang-diin din ni Diderot na ang kumpleto at direktang panggagaya sa kalikasan ay nagbubunga ng isang bagay na lubhang karaniwan, malayo sa natural na prototype. Upang lumikha ng ilusyon ng katotohanan, hindi mo na kailangan ang isang henyo, ngunit ang pagkakaroon ng panlasa, ang kakayahang tumalikod mula sa katotohanan sa oras. Ang pagsalungat ng panlasa at henyo ay binalangkas na ni Voltaire, na nagtalaga ng nangungunang papel sa artistikong pagkamalikhain sa pangkalahatan sa panlasa. Pagkatapos ng lahat, ang lasa ay ang resulta ng trabaho at karanasan ng maraming henerasyon, sa isang banda, at direktang pakiramdam, ang ideal, sa kabilang banda. Gayunpaman, sinikap ni Diderot ang pagkakatugma ng panlasa at henyo, kultura at kalikasan, tradisyon at pagbabago. Ang sining ay dapat sumasalamin sa kalikasan, at sa parehong oras ay namumukod dito, ito ang mahika ng sining, na may kakayahang gawing maganda ang pinakakasuklam-suklam na bagay.

Ang sining, mula sa pananaw ni Diderot at ng mga French enlighteners sa pangkalahatan, ay tinawag upang turuan ang isang malayang napaliwanagan na tao, tulad ng isang sinaunang trahedya ng Griyego, samakatuwid mayroon siyang isang espesyal, nakamamatay na papel. Pagkatapos ng lahat, ang kalikasan ay hindi mabuti o masama, ito ay wala sa pagiging paksa ng tao. Sa sining, sa kabaligtaran, ang makatwirang kalooban ng artista, batay sa kanyang likas na sistema ng mga halaga, ay naghahari. Batay sa mga nabanggit, naniniwala si Diderot na ang trahedya ay dapat palitan ng genre ng petiburges na drama, ang relasyon sa pagitan ng may-akda at ng publiko ay dapat na maging katulad ng relasyon sa pagitan ng guro at mag-aaral.

J.-J. Si Rousseau ang pinaka-radikal na tagapagturo ng Pranses. Sa kanyang unang treatise, "Discourse kung ang pag-unlad ng mga agham at sining ay nag-ambag sa paglilinis ng moral?" Binanggit ni Rousseau ang nakapipinsalang impluwensya ng kultura sa moral na buhay ng sangkatauhan. Ang sibilisasyon ay nag-awat sa isang tao sa taos-pusong pakiramdam, na humantong sa pagbagsak ng sibiko na kahusayan. Ang kanyang ideal ay ang ascetic Sparta. Ayon kay Rousseau, ang sangkatauhan sa pamamagitan ng madugong mga pagsubok ay darating sa katotohanan at kaligayahan.Ang doktrina ni Rousseau ng natural at dalisay na moralidad ay napakapopular noon, at hindi lamang sa mga ikatlong estado, kundi maging sa mga aristokrata. Ang kanyang moral at aesthetic ideal ay nakapaloob sa nobelang "New Eloise" - isang matingkad na halimbawa ng sentimental na prosa XVIII siglo. Ang aklat ni Rousseau ay isang manifesto ng kalayaan sa pakiramdam, na hindi natutukoy ng posisyon sa lipunan ng isang tao. Ang impluwensya ng mga pananaw ni Rousseau sa N. M. Karamzin, A. N. Radishchev, Pushkin, F. M. Dostoevsky, L. N. Tolstoy ay malakas.

Itinuring ng mga Enlightener na ang katwiran at pangkalahatang kaliwanagan ay isang kinakailangan para makamit ang isang masayang pamayanan. Inihanda ng kanilang mga ideya ang rebolusyong burges ng Pransya, ngunit ang mga tanyag na islogan na "Kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran" ay hindi naganap. Ang panahon ng pangangatuwiran ay natapos na, at ang mga bagong nangingibabaw ay lumitaw sa darating na espirituwal na krisis. Ang Romantisismo, na pumalit sa klasiko, ay nagpahayag ng priyoridad ng pakiramdam.

Sa simula ng siglo XVIII. ang proseso ng sekularisasyon - ang paghihiwalay ng estado sa simbahan - ay nagiging laganap. Tinutukoy ng agham at makatwirang katwiran ang kalikasan ng saloobin ng bagong panahon. Ika-18 siglo sa kasaysayan ay hindi nagkataon na tinawag nilang Age of Enlightenment: ang kaalamang pang-agham, na dati ay pag-aari ng isang makitid na bilog ng mga siyentipiko, ngayon ay kumakalat nang malawak, lumalampas sa mga unibersidad at laboratoryo hanggang sa mga sekular na salon sa Paris at London, ay naging paksa. ng talakayan ng mga publicist, manunulat, tanyag na nagpapaliwanag ng mga tagumpay ng agham at pilosopiya. Mula sa pananaw ng pilosopong Aleman na si I. Kant (1724-1804), ang Enlightenment ay isang pagpapahayag ng generic na kakanyahan ng tao, ngunit ang matagumpay na pag-unlad at aplikasyon ng katwiran ay posible lamang kung ang lahat ng anyo ng kawalan ng kalayaan ay madaig sa pamamagitan ng mahabang- term na pagpapabuti ng moral ng sangkatauhan.

Dalawang pangunahing slogan ang nakasulat sa banner ng mga enlighteners: agham at pag-unlad. Kasabay nito, ang mga tagapagpaliwanag ay umaapela hindi lamang sa pangangatwiran, kundi sa siyentipikong katwiran, na nakabatay sa karanasan at malaya sa mga pagkiling sa relihiyon. Itinuring nila ang Diyos bilang ang makatwirang ugat ng mundo, at ang "likas na relihiyon" bilang ang panlipunang regulator ng proseso ng kasaysayan. X. Cherburn (1583-1648), J. Locke (1712-1778), Voltaire (1699-1778), P. Gassendi (1592-1655), J. Mellier (1644-1729), J. La Mettrie (1709- 1751), D. Diderot (1713-1784), P. Holbach (1723-1789), K. Helvetius (1715-1771), ang buong kalawakan ng mga encyclopedist sa France "napailalim sa hukuman ng katwiran at sentido komun" lahat ng tao kasaysayan, sa partikular na kasaysayan ng Kristiyanismo at ang Simbahang Kristiyano.

Ang pangunahing karakter sa parehong siyentipiko at pampanitikan na pag-aaral ng Enlightenment ay ang Tao. Siya ay lumilitaw, sa isang banda, bilang isang hiwalay na nakahiwalay na tao, at sa kabilang banda, lahat ng mga indibidwal ay pantay-pantay.

78. Mga genre ng sining ng siglo XVIII - rococo, classicism, sentimentalism

Sa Panahon ng Enlightenment, nabuo ang lahat ng genre ng panitikan at sining.

Sa simula ng siglo, ang baroque ay unti-unting pinalitan ng rococo.

Ang lugar ng kapanganakan ng Rococo ay France. Ito ay higit na kumalat sa mga gusali ng palasyo at parke ng mga estado sa Europa. Karamihan sa istilong ito ay tinutukoy ng kakaibang hugis ng shell. Ang salitang "rococo" mismo ay nagmula sa salitang "rocaille" - maliliit na pebbles, shell. Ipinagpapatuloy ni Rococo ang mga tradisyon ng Baroque. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng katangi-tanging at kakaibang maliliit na anyo at banayad na pino, filigree, napaka-istilong palamuti. Ang Rococo ay pinaka-malawak na ginamit sa panloob na disenyo.

Ang Rococo ay isang magaan, mapaglarong istilo na lumilikha ng isang kapaligiran ng katamaran, kawalang-ingat, hindi mapagpanggap na libangan. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng biyaya, delicacy, biyaya. Ipinahayag niya ang panlasa ng bahagi ng aristokrasya at maharlika na hiwalay sa pulitika. Aktibong hiniram ni Rococo ang mga motibo ng sining ng Tsino.

Ang pagpipinta ng Rococo ay nagpapakilala sa mga paksang pastoral, salon-erotic na tema. Ang mga pintor na gumagamit ng istilong ito ay lumikha ng mga gawa na nilayon para sa dekorasyon. Kabilang sa mga pinakasikat na gawa: F. Buis "Hercules at Omphala", "Bathing of Diana".

Ang pag-iisip ng panahon ng Enlightenment ay lubos na naihatid sa isa pang artistikong istilo - klasisismo. Ang kanyang tinubuang-bayan ay France sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang rasyonalistikong pilosopiya ni R. Descartes, ang dramaturhiya ni P. Corneille, J. Racine, J.B. Moliere at iba pa.Sa siglong XVIII. isang trend ay inaaprubahan, na tinatawag na classicism (mula sa Latin classicus - huwaran). Ang istilo at direksyon sa panitikan at sining noong ika-17-18 na siglo, na bumaling sa sinaunang pamana bilang pamantayan at modelo, ay batay sa mga ideya ng rasyonalismo at mga rasyonal na batas ng mundo.

Ang mga pangunahing tema ng klasisismo: ang salungatan ng lipunan at ng indibidwal, tungkulin at damdamin, ang pagnanais na ilarawan at ipahayag ang kabayanihan na matayog na damdamin at karanasan.

Kinilala niya ang klasisismo: mataas at mababang genre (trahedya - mataas, pabula - mababa, atbp.). Mga kinatawan ng klasisismo sa panitikan; Corneille, Racine, Voltaire, Moliere, Boileau sa France, Derzhavin at Fonvizin sa Russia; ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga karakter na bayani, ang pangangaral ng moralidad, at matayog na damdamin.

Ang arkitektura ng klasisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalinawan at geometrismo ng mga anyo, lohikal na layout, kumbinasyon ng mga dingding at haligi, at maingat na palamuti. Karamihan sa mga ensemble ng hardin at parke ng Kanlurang Europa (Versailles) ay kabilang sa istilong ito.

Sa visual arts, ang mga maliliwanag na kulay, isang klasikong balangkas, ang paglalarawan ng mga kontemporaryo sa anyo ng mga klasikal na bayani (Poussin, Lorrain, David, Ingres-France) ay katangian. Sculptors Pigalle, Falcone ("The Bronze Horseman").

Sentimentalismo(mula sa French sentiment - pakiramdam) - isang trend sa European at American literature at art noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, na nagpahayag ng kulto ng natural na pakiramdam ng kalikasan, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging sensitibo, labis na lambing sa mga pagpapahayag, pakikiramay ( Richardson, Stern, Smollett, Rousseau) .

"Lahat ng makatwiran ay talagang, lahat ng totoo ay makatwiran," ay isang pormula na hinango ni G.V. Hegel, ay hindi sinasadya, ito ay ang kamalayan sa sarili ng kapanahunan ng ika-18 siglo. Ngunit ang sumunod na siglo ay nagduda dito ang mga tao.

Kultura ng Kanlurang Europa noong ika-19 na siglo

Sa kultura ng bagong panahon ng XIX na siglo. sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ito ang panahon ng mga klasiko, kung kailan umabot na sa kapanahunan ang sibilisasyong burges

at pagkatapos ay pumasok sa yugto ng krisis. Ang pagtatasa na ito ay ibinigay sa oras na ito ng mga natatanging palaisip - F. Nietzsche, O. Spengler, J. Huizinga, H. Ortega y Gasset.

Sa kaibuturan nito, ang kultura ng ika-19 na siglo ay nakabatay sa parehong mga mensahe ng pananaw sa mundo gaya ng buong kultura ng bagong panahon, ito ay:

♦ rasyonalismo;

♦ anthropocentrism;

♦ scientism (orientasyon patungo sa agham);

♦ Eurocentrism (pagsusuri ng ibang mga kultura mula sa pananaw ng eksklusibong European values).

Naniniwala ang mga culturologist na ang makasaysayang mukha ng XIX na siglo. natukoy ang tatlong salik: demokrasya, eksperimental na agham at industriyalisasyon.

Ang isa pang kaganapan - ang Great French bourgeois revolution noong 1789-1793, ang mga mithiin na nagbigay inspirasyon sa mga pinuno ng Rebolusyong Amerikano - sa parehong oras ay minarkahan ang krisis ng kultura ng Enlightenment, bilang walang kakayahang tiyakin ang pagbagay ng aktibidad ng tao sa mga bagong anyo ng katotohanan.

Mga genre ng sining ng ika-19 na siglo

Ang pessimistic na mood ng lipunan, sa ilalim ng impluwensya ng kamakailang mga panlipunang bagyo, sa kalaunan ay nagresulta sa isang romantikong pag-aalsa ng nakababatang henerasyon. Romantisismo- hindi na lang ito isang istilong katulad ng classicism o baroque, ito ay isang pangkalahatang kilusang pangkultura na yumakap sa iba't ibang uri ng phenomena - mula sa pilosopiya at ekonomiyang pampulitika - hanggang sa fashion para sa mga hairstyle at costume. Naging sentro ng Romantic movement ang Germany. Ang German Romantic na paaralan ng pilosopiya, na naglagay ng isang intuitive na simbolo, at hindi isang siyentipikong konsepto, sa batayan ng pilosopiya, nauugnay na pilosopiya at sining.

Para sa kultura ng XIX na siglo. Ang katangian, sa isang banda, ay ang paggigiit ng mga klasikal na halimbawa ng kultura ng bagong panahon, sa kabilang banda, sa pagtatapos ng siglo, lumilitaw ang sining na tumatanggi sa mga halimbawang ito. Isang klasikong halimbawa ng direksyon ng XIX na siglo. ay romantikismo, sinasalamin nito ang masakit na alitan sa pagitan ng ideal at realidad, na nagiging batayan ng pananaw sa mundo ng maraming tao noong ika-19 na siglo. lalo na ang mga romantiko ay naaakit ng mga pambihirang tao, mga henyo, mga mandirigma para sa hustisya, mga bayani. Kaya, ang mga manunulat ng isang romantikong bodega ay pinagkalooban ang kanilang mga bayani ng isang malakas, hindi sumusukong karakter. Ang romantikong bayani ay lubos na nakakaalam sa di-kasakdalan ng mundo at nagagawang aktibong labanan ang mga negatibong salik ng panlipunang kapaligiran.

Ang Romantisismo ay tinutulan ng isa pang artistikong direksyon - pagiging totoo. Ang realismo ay nagsumikap hindi para sa isang lubusang tonelada, direktang paghahatid ng katotohanan sa isang akda, ngunit para sa pag-unawa sa mga pattern ng buhay at para sa masining na pagmuni-muni ng mga ito bilang tipikal.

Sa pagpipinta, ang pagiging totoo ay mas maliwanag at nangangahulugang hindi lamang ang makatotohanang paghahatid ng imahe, ngunit higit sa lahat ang panlipunang kapaligiran, ang pagiging natatangi ng isang ibinigay na makasaysayang sitwasyon at ang impluwensya nito sa isang tiyak na uri ng tao. Sa musika, sinubukan ng realismo na ihatid ang pagkakaisa ng indibidwal at ng kapaligiran, o, sa kabaligtaran, ang kanilang salungatan.

Noong ika-19 na siglo mayroong rebisyon ng mga halaga kapwa sa buhay panlipunan at sa kultura. Ang sining ng Europa ay pumasok mula sa pagtatapos ng 50s. sa panahon ng pagkabulok. Ang terminong ito ay ginamit bilang isang pagtatalaga ng krisis phenomena sa espirituwal na kultura, na minarkahan ng mga mood ng kawalan ng pag-asa, pesimismo, at pagkabulok. Ang mga trend na ito ay pinaka-binibigkas sa direksyon ng impresyonismo.

Ang protesta laban sa labis na naturalismo at nagyelo na akademya sa makatotohanang sining ay ipinahayag sa paghahanap para sa isang bagong anyo, isang bagong pamamaraan ng larawan, sa isang pag-alis mula sa mga sosyal na tema, mula sa balangkas. Ang pagtuklas ng paraan ng impresyonismo ay kay Edouard Manet. Ang mga Impresyonista ay lumikha ng mga masining na pamamaraan na naging posible upang maihatid ang pakiramdam ng liwanag na tumatagos sa hangin at mga bagay, ang pakiramdam ng isang mayamang super-air na kapaligiran. Sa tulong ng hindi malinaw na mga contour, nilikha nila ang ilusyon ng inconstancy, paglalaro ng kulay, atbp. Ang mga impresyonista na sina E. Manet at C. Monet, C. Pissarro, Sisley at iba pa ay palaging sinubukang magtrabaho mula sa kalikasan, ang kanilang mga paboritong genre ay landscape, larawan, komposisyon.

Ang kultura ng pagkabulok sa Kanlurang Europa mula noong 50s. ika-19 na siglo hanggang sa wakas nito - sumasalamin sa krisis, kawalan ng pag-asa, pesimismo.

Mga direksyon sa sining:

♦ impresyonismo (Monet, Degas, Renoir) - pansin sa paghahatid ng liwanag, kayamanan ng kulay, sa dynamics ng mundo, mga larawan mula sa kalikasan;

♦ post-impressionism (Van Gogh, Gauguin) - subjectivism, mistisismo sa pagpapakita ng realidad, na nagpapakita ng mga dissonance ng lungsod;

♦ simbolismo - isang pagpapakita ng kakaiba, mystical, pangit, mood ng mapanglaw.

Ang ikalabing walong siglo sa Kanlurang Europa ay ang huling yugto ng mahabang transisyon mula sa pyudalismo tungo sa kapitalismo. Sa kalagitnaan ng siglo, natapos ang proseso ng primitive na akumulasyon ng kapital, isang pakikibaka ang isinagawa sa lahat ng larangan ng panlipunang kamalayan, at isang rebolusyonaryong sitwasyon ang huminog. Nang maglaon, humantong ito sa pangingibabaw ng mga klasikal na anyo ng maunlad na kapitalismo. Sa paglipas ng isang siglo, isang napakalaking pagkasira ng lahat ng mga pundasyon ng lipunan at estado, mga konsepto at pamantayan para sa pagsusuri sa lumang lipunan ay isinagawa. Bumangon ang isang sibilisadong lipunan, lumitaw ang isang peryodiko na pamamahayag, nabuo ang mga partidong pampulitika, nagpapatuloy ang isang pakikibaka para sa pagpapalaya ng tao mula sa mga tanikala ng isang pyudal-relihiyosong pananaw sa mundo.

Sa visual arts, tumaas ang kahalagahan ng direktang makatotohanang paglalarawan ng buhay. Lumawak ang globo ng sining, naging aktibong tagapagsalita ito para sa mga ideya sa pagpapalaya, napuno ng topicality, fighting spirit, tinuligsa ang mga bisyo at kahangalan hindi lamang pyudal, kundi pati na rin ang umuusbong na lipunang burges. Iniharap din nito ang isang bagong positibong ideyal ng isang hindi nababalot na personalidad ng isang tao, malaya sa mga hierarchical na ideya, pagbuo ng mga indibidwal na kakayahan at sa parehong oras ay pinagkalooban ng isang marangal na pakiramdam ng pagkamamamayan. Ang sining ay naging pambansa, umapela hindi lamang sa bilog ng mga pinong connoisseurs, ngunit sa isang malawak na demokratikong kapaligiran.

Ang mga pangunahing uso sa panlipunan at ideolohikal na pag-unlad ng Kanlurang Europa noong ika-18 siglo ay nagpakita ng kanilang mga sarili nang hindi pantay sa iba't ibang mga bansa. Kung sa Inglatera ang rebolusyong pang-industriya na naganap sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ay pinagsama ang kompromiso sa pagitan ng burgesya at ng maharlika, kung gayon sa France ang anti-pyudal na kilusan ay may mas malawak na katangian at naghahanda ng isang burgis na rebolusyon. Karaniwan sa lahat ng mga bansa ang krisis ng pyudalismo, ang ideolohiya nito, ang pagbuo ng isang malawak na kilusang panlipunan - ang Enlightenment, kasama ang kulto nito sa pangunahing hindi nagalaw na Kalikasan at ang Isip na nagpoprotekta dito, kasama ang pagpuna nito sa modernong tiwaling sibilisasyon at pangarap. ng pagkakasundo ng mapagkawanggawa na kalikasan at isang bagong demokratikong sibilisasyong nakakaakit patungo sa natural na kalagayan.

Ang ikalabing walong siglo ay ang edad ng Dahilan, ang lahat-nagwawasak ng pag-aalinlangan at kabalintunaan, ang edad ng mga pilosopo, sosyologo, ekonomista; ang eksaktong natural na agham, heograpiya, arkeolohiya, kasaysayan, at materyalistikong pilosopiya, na konektado sa teknolohiya, ay binuo. Invading ang mental na buhay ng panahon, ang siyentipikong kaalaman ay lumikha ng pundasyon para sa tumpak na pagmamasid at pagsusuri ng katotohanan para sa sining. Ipinahayag ng mga Enlighteners ang layunin ng sining na tularan ang kalikasan, ngunit inutusan, pinabuting kalikasan (Didero, A. Pope), na nilinis ng katwiran mula sa mga mapaminsalang epekto ng isang sibilisasyong gawa ng tao na nilikha ng isang absolutistang rehimen, hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, katamaran at karangyaan. Ang rasyonalismo ng pilosopikal at aesthetic na pag-iisip ng ika-18 siglo, gayunpaman, ay hindi pinigilan ang pagiging bago at katapatan ng pakiramdam, ngunit nagbunga ng isang pagsusumikap para sa proporsyonalidad, biyaya, at maayos na pagkakumpleto ng mga artistikong phenomena ng sining, mula sa mga arkitektural na grupo hanggang sa. Applied Art. Ang mga enlighteners ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa buhay at sining sa pakiramdam - ang pokus ng pinakamarangal na adhikain ng sangkatauhan, isang pakiramdam na naghahangad ng may layunin na pagkilos, na naglalaman ng puwersa na nagbabago sa buhay, isang pakiramdam na may kakayahang buhayin ang mga primordial na birtud ng isang "likas na tao" ( Defoe, Rousseau, Mercier), pagsunod sa mga likas na batas. kalikasan.

Ang aphorism ni Rousseau na "Ang isang tao ay mahusay lamang sa kanyang mga damdamin" ay nagpahayag ng isa sa mga kahanga-hangang aspeto ng buhay panlipunan noong ika-18 siglo, na nagbunga ng isang malalim, pinong sikolohikal na pagsusuri sa isang makatotohanang larawan at genre, ang liriko na tanawin ay puno ng tula ng damdamin (Gainsborough, Watteau, Bernay, Robert) "lyrical novel", " poems in prose" (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), naabot nito ang pinakamataas na pagpapahayag nito sa pagtaas ng musika (Handel , Bach, Gluck, Haydn, Mozart, Italian opera composers). Sa isang banda, ang "maliit na tao" ay naging mga bayani ng mga artistikong gawa ng pagpipinta, mga graphic, panitikan at teatro noong ika-18 siglo - ang mga tao, tulad ng iba, ay inilagay sa karaniwang mga kondisyon ng panahon, hindi nasira ng kasaganaan at mga pribilehiyo, napapailalim sa ordinaryong natural na paggalaw ng kaluluwa, kontento sa katamtamang kaligayahan. Hinangaan ng mga artista at manunulat ang kanilang katapatan, walang muwang na kamadalian ng kaluluwa, malapit sa kalikasan. Sa kabilang banda, ang pokus ay nasa ideyal ng isang pinalaya na sibilisadong intelektwal na tao, na nabuo ng kultura ng paliwanag, ang pagsusuri ng kanyang indibidwal na sikolohiya, magkasalungat na mga estado ng kaisipan at damdamin sa kanilang mga banayad na nuances, hindi inaasahang mga impulses at mapanimdim na mood.

Ang talamak na pagmamasid, isang pinong kultura ng pag-iisip at pakiramdam ay katangian ng lahat ng artistikong genre ng ika-18 siglo. Hinangad ng mga artista na makuha ang mga sitwasyon sa pang-araw-araw na buhay na may iba't ibang kulay, orihinal na mga indibidwal na larawan, na nakatuon sa mga nakakaaliw na salaysay at nakakabighaning panoorin, matalas na magkasalungat na aksyon, mga dramatikong intriga at komedya na mga plot, sopistikadong katawa-tawa, buffoonery, magagandang pastoral, magiting na kasiyahan.

Ang mga bagong problema ay iniharap din sa arkitektura. Ang kahalagahan ng pagtatayo ng simbahan ay nabawasan, at ang papel ng sibil na arkitektura ay tumaas, napakasimple, na-update, napalaya mula sa labis na kahanga-hanga. Sa ilang mga bansa (France, Russia, bahagyang Alemanya) ang mga problema sa pagpaplano ng mga lungsod sa hinaharap ay nalutas. Ang mga utopia ng arkitektura ay isinilang (mga graphic na landscape ng arkitektura - Giovanni Battista Piranesi at ang tinatawag na "arkitekturang papel"). Naging katangian ang uri ng pribado, karaniwang intimate residential building at urban ensembles ng mga pampublikong gusali. Kasabay nito, sa sining ng ika-18 siglo, kung ihahambing sa mga nakaraang panahon, ang sintetikong pang-unawa at pagkakumpleto ng saklaw ng buhay ay nabawasan. Ang dating koneksyon ng monumental na pagpipinta at iskultura sa arkitektura ay nasira, ang mga tampok ng easel painting at decorativeness ay tumindi sa kanila. Ang paksa ng isang espesyal na kulto ay ang sining ng pang-araw-araw na buhay, mga pandekorasyon na anyo. Kasabay nito, ang pakikipag-ugnayan at pagpapayaman sa isa't isa ng iba't ibang uri ng sining ay tumaas, ang mga tagumpay na nakuha ng isang uri ng sining ay mas malayang ginagamit ng iba. Kaya, ang impluwensya ng teatro sa pagpipinta at musika ay napakabunga.

Ang sining noong ika-18 siglo ay dumaan sa dalawang yugto. Ang una ay tumagal hanggang 1740–1760. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagbabago ng mga late na baroque form sa pandekorasyon na istilong rococo. Ang pagka-orihinal ng sining ng unang kalahati ng ika-18 siglo - sa isang kumbinasyon ng nakakatawa at mapanukso na pag-aalinlangan at pagiging sopistikado. Ang sining na ito, sa isang banda, ay pino, sinusuri ang mga nuances ng mga damdamin at mood, nagsusumikap para sa matikas na pagpapalagayang-loob, pinigilan ang lyricism, sa kabilang banda, nakakaakit patungo sa "pilosopiya ng kasiyahan", patungo sa kamangha-manghang mga imahe ng Silangan - Arabo, Intsik, Persian. Kasabay ng Rococo, isang makatotohanang kalakaran ang nabuo - para sa ilang mga masters ay nakakuha ito ng isang matalas na akusatory character (Hogarth, Swift). Ang pakikibaka ng mga artistikong uso sa loob ng mga pambansang paaralan ay hayagang ipinakita. Ang ikalawang yugto ay nauugnay sa pagpapalalim ng mga kontradiksyon sa ideolohiya, paglago ng kamalayan sa sarili, ang pampulitikang aktibidad ng burgesya at ng masa. Sa pagliko ng 1760s-1770s. Ang Royal Academy sa France ay sumalungat sa Rococo art at sinubukang buhayin ang seremonyal, idealizing na istilo ng akademikong sining noong huling bahagi ng ika-17 siglo. Ang galante at mythological genre ay nagbigay daan sa makasaysayang genre na may mga plot na hiniram mula sa kasaysayan ng Roma. Sila ay tinawag na bigyang-diin ang kadakilaan ng monarkiya, na nawalan ng awtoridad, alinsunod sa reaksyunaryong interpretasyon ng mga ideya ng "naliwanagan na absolutismo."

Ang mga kinatawan ng advanced na pag-iisip ay bumaling sa pamana ng sinaunang panahon. Sa France, binuksan ng comte de Caylus ang siyentipikong panahon ng pananaliksik sa lugar na ito ("Collection of Antiquities", 7 volume, 1752-1767). Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, hinikayat ng Aleman na arkeologo at mananalaysay ng sining na si Winckelmann (History of the Art of Antiquity, 1764) ang mga artista na bumalik sa "ang marangal na pagiging simple at kalmado na kadakilaan ng sinaunang sining, na nagdadala sa sarili ng isang salamin ng kalayaan ng ang mga Griyego at Romano noong panahon ng republika." Ang pilosopong Pranses na si Diderot ay nakahanap ng mga pakana sa sinaunang kasaysayan na tumutuligsa sa mga maniniil at nanawagan para sa isang pag-aalsa laban sa kanila. Ang klasisismo ay bumangon, na kung saan ay naiiba ang dekorasyon ng Rococo sa natural na pagiging simple, ang subjective na arbitrariness ng mga hilig - kaalaman sa mga batas ng totoong mundo, isang pakiramdam ng proporsyon, maharlika ng pag-iisip at mga gawa. Unang pinag-aralan ng mga artista ang sinaunang sining ng Greek sa mga bagong tuklas na monumento. Ang pagpapahayag ng isang perpekto, maayos na lipunan, ang primacy ng tungkulin kaysa sa pakiramdam, ang mga pathos ng katwiran ay karaniwang mga tampok ng klasisismo ng ika-17 at ika-18 na siglo. Gayunpaman, ang klasisismo ng ika-17 siglo, na bumangon sa batayan ng pambansang pagkakaisa, ay nabuo sa mga kondisyon ng pag-unlad ng marangal na lipunan. Ang klasisismo noong ika-18 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang anti-pyudal na rebolusyonaryong oryentasyon. Nilalayon nitong pag-isahin ang mga progresibong pwersa ng bansa para labanan ang absolutismo. Sa labas ng France, ang klasisismo ay walang rebolusyonaryong katangian na mayroon ito noong mga unang taon ng Rebolusyong Pranses.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Naka-host sa http://www.allbest.ru

Ika-18 siglo ay ang huling makasaysayang yugto ng mahabang panahon ng transisyon mula sa pyudalismo tungo sa kapitalismo. Ang nilalaman ng prosesong pangkasaysayan ay ang paggigiit ng dominasyon ng mga klasikal na anyo ng binuong burges-kapitalistang lipunan at ang kultura nito. Ang prosesong ito ay naganap sa iba't ibang paraan sa iba't ibang bansa.

Sa Inglatera, ang rebolusyong pang-industriya, ang paglipat sa industriya ng makinang kapitalista. Sa France, paghahanda para sa klasikal na burges na rebolusyon, napalaya mula sa relihiyosong shell sa pagpapahayag ng kanilang pampulitika at panlipunang mga mithiin. Ngunit, sa kabila ng mga pambansang detalye ng rebolusyong pampulitika at pangkultura ng mga indibidwal na bansa, ang mga pangunahing tampok ng kanilang pagkakapareho ay binubuo sa krisis ng pyudalismo at ideolohiya nito at sa pagbuo ng progresibong ideolohiya ng mga enlighteners. Ika-18 siglo - ang edad ng katwiran, ang edad ng kaliwanagan, ang edad ng mga pilosopo, sosyologo, ekonomista. Isang bagong panahon ang darating, isang bagong kultura ang nabubuo. Dahilan at Enlightenment ang naging pangunahing slogan ng panahon. Maging ang absolutismo, na nagbibigay-daan sa mga pangangailangan ng panahon, ay naliwanagan. Sa Austria at Prussia, ginagamit ng mga monarko ang mga ideya ng Enlightenment upang palakasin ang sentralisadong sistema ng pamahalaan. Ang paglikha ng isang pinag-isang sistema ng edukasyon ay isinasagawa, ang pag-unlad ng mga agham at sining ay hinihikayat - sa loob ng ilang mga limitasyon.

PILOSOPIYA

Sa lahat ng mga bansa sa Europa, ang pag-unlad ng kultura sa siglong XVIII. sa isang paraan o iba pang naganap sa ilalim ng tanda ng mga ideya ng Enlightenment. Ang isang paaralan ng klasikal na German idealist na pilosopiya (Kant, Fichte) ay nagkakaroon ng hugis sa Germany. Sa Italya, isinasagawa ni Giambattista Vico ang dialectization ng pilosopiya ng modernong panahon. Sa Inglatera, ang pilosopiya ni Berkeley ay nagbibigay ng isang teoretikal na pundasyon para sa relihiyosong pananaw sa mundo, at ang pag-aalinlangan ni Hume ay gumaganap ng papel ng isang teoretikal na pundasyon para sa utilitarian at makatuwirang pananaw sa mundo ng burgesya. Ngunit ang pinakamaraming detatsment ng mga enlightener, na nagniningning na may maliliwanag na talento, ay nabuo sa France: mula dito, na may tatak ng French henyo, na ang mga ideya ng Enlightenment ay kumalat sa buong Europa.

Si Charles Louis Montesquieu (1689-1755) sa kanyang mga akda na "Persian Letters" (1721), "On the Spirit of Laws" (1748) ay sumasalungat sa pyudalismo at walang limitasyong monarkiya.

Tinutukoy ni Montesquieu ang tatlong anyo ng kapangyarihan ng estado: despotismo, na nakabatay sa takot; isang monarkiya batay sa "prinsipyo ng karangalan" isang republika, kung saan ang populasyon ay inspirasyon ng pinakamataas na civic virtue - patriotism. Ang mga pampulitikang pananaw ni Montesquieu, lalo na ang kanyang doktrina ng paghihiwalay ng mga kapangyarihang pambatas, ehekutibo at hudisyal sa pagitan ng mga independiyente, ngunit pagkontrol sa bawat isa, ay hindi lamang progresibo noong ika-18 siglo, ngunit lubhang nauugnay din sa modernong sitwasyong pampulitika sa Russia.

Si Voltaire (1694-1778) ay ang pinakakilalang pinuno ng katamtamang pakpak ng French Enlightenment. Ang kanyang napakalaking talento ay napakita sa iba't ibang pampanitikan, pilosopikal, at makasaysayang mga akdang may napakatalino na anyo, puspos ng pagkamuhi sa pyudal na estado at panatisismo sa relihiyon. Sa kanyang mga pilosopikal na gawa, ang pinakamahalaga ay ang "Philosophical Letters", "Fundamentals of Newton's Philosophy" at "Philosophical Dictionary". Ang impluwensya ng mga ideya ni Voltaire sa labas ng France, kabilang ang Russia, ay napakahusay. Ang mga anti-clerical na gawa ni Voltaire ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng malayang pag-iisip ng Russia noong ika-18 siglo.

Isang bagong yugto sa pag-unlad ng French Enlightenment ng XVIII na siglo. ay ang aktibidad ni Jean-Jacques Rousseau (1712-1778), ang ideologist ng rebolusyonaryong petiburgesya. Ang kanyang mga ideya, na ipinahayag sa mga akdang "On the Causes of Inequality", "On the Social Contract, or the Principles of Political Law", atbp., Kasunod nito, sa panahon ng Great French Revolution ng 1789-1794. makabuluhang impluwensya sa mga Jacobin, na nagpahayag kay Rousseau na kanilang hinalinhan sa ideolohiya. Ang kanyang mga gawa ay puno ng pagkamuhi sa mga mapang-api, marubdob na pagpuna sa kontemporaryong sistemang panlipunan at pampulitika, hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, at pangit na edukasyon. Tinuligsa niya ang mapagkunwari na moralidad, laban sa interes ng mga tao, huwad na sining at opisyal na agham.

Ang pinakamahalagang kalakaran sa pilosopiya ng paliwanag ay kinakatawan ng materyalistikong paaralan. Ang nagpasimula nito ay ang manggagamot na si Julien Ofre Lametrie (1709-1751), ang may-akda ng mga gawaing medikal at pilosopikal. Ang matapang na ateismo ng La Mettrie ay nagdulot ng galit ng mga reaksyunaryo at sekular na reaksyunaryo. Ang pilosopo ay napilitang tumakas sa France at namatay sa pagkatapon.

Ang karagdagang pag-unlad ng materyalismong Pranses ay nauugnay sa mga aktibidad nina Denis Diderot (1713-1784), Etienne Bonn Condillac (1710-1780) at Paul Holbach (1723-1789). Ang kasagsagan ng aktibidad ng mga materyalistang Pranses ay nagsimula noong 50-60s. Ika-18 siglo at malapit na nauugnay sa paglalathala ng "Encyclopedia of Sciences, Arts and Crafts" sa 33 volume, na naging ideolohikal na pokus ng buong kampo ng mga enlighteners.

Ika-18 siglo nailalarawan sa pamamagitan ng sabay-sabay na pag-unlad ng agham at teknolohiya. Ang ekonomiyang pampulitika ay naging isang siyentipikong disiplina salamat kay Adam Smith at sa mga physiocrats ng Pransya. Ang agham ay lalong konektado sa produksyon, teknolohiya, at mabilis na umuunlad. Si Lavoisier, tulad ni Lomonosov sa Russia, ay naglatag ng mga pundasyon ng kimika bilang isang modernong agham. Nililikha ang mga bagong makina, inihahanda ang paglipat sa panahon ng industriyal.

Noong siglo XVIII. Ang mga bagong sangay ng pisika ay masinsinang umuunlad - ang doktrina ng init, kuryente, magnetismo. Ang pananaliksik sa kemikal ay malawakang binuo. Ang mga biological science ay umuunlad - anatomy, physiology, embryology. Ang mga tagumpay ni K. Linnaeus - (1707-1778) sa pag-uuri ng bagong makatotohanang materyal na naipon ng botany at zoology, ang pag-unlad ng paleontology ay hindi maiiwasang itinaas ang tanong ng ebolusyon ng organikong mundo. Ang pinakamalaking kinatawan ng ebolusyonismo noong ika-18 siglo, ang Pranses na siyentipiko na si J.L. Buffon (1707 - 1788), ay lumikha ng isang napakagandang "Natural History". Ang mga pagsulong sa heolohiya ay nagbigay ng saganang materyal sa pag-unlad ng crust ng lupa. Malaki ang kahalagahan nito para sa pagbuo ng mga cosmogonic hypotheses na iniharap sa kalagitnaan ng siglo nina Buffon at Kant (1724 - 1804), at sa pagtatapos ng siglo - ni PS Laplace (1749 - 1827).

Sapat na para sabihin na sa France ay maraming institusyong pang-agham at pang-edukasyon - ang Academy of Sciences, ang Royal College, ang School of Military Engineers, ang Paris Observatory, atbp. Ang mga akademya at unibersidad ay bumubuo sa maraming probinsya. Ang mga siyentipikong papel, journal, siyentipikong tala ay nai-publish, at mayroong aktibong pagpapalitan ng mga resulta ng pananaliksik. Ngunit hindi lahat ay maayos dito. Tinatanggihan bilang kahangalan ang "ipinahayag ng Diyos" na larawan ng kalikasan, maraming natural na siyentipiko ang sumali sa paglikha ng isang hindi karaniwan na "teorya ng kalikasan." Ang mga aklat tulad ng Fabritius' Theology of Water, Boissy's The Creator of Nature, Dergel's Astronomical Theology, atbp., ay napakapopular noong panahong iyon, kung saan ang mga pagtatangka na palakasin ang teismo sa kapinsalaan ng mga natural na pagtuklas sa siyensiya laban sa backdrop ng krisis ng orthodox nagpatuloy ang relihiyon.

Ang kaisipang panlipunan ng Kanlurang Europa ay patuloy na umuunlad sa ilalim ng tanda ng mga ideya sa paliwanag. Ang kapangyarihan ng katwiran ay pinagtitibay, at ang pagpuna sa mga pagkiling sa uri at eklesiastikal na obscurantism ay malawakang ipinakalat. Malaki ang kahalagahan ng pagpapalitan ng mga ideyang pilosopikal, siyentipiko, at aesthetic sa pagitan ng mga bansa. Ang Pranses ay nagiging wika ng internasyonal na komunikasyon sa mga naliwanagang saray ng lipunan. Sa karamihan ng mga bansa, lumilitaw ang isang intelihente upang kumatawan sa mga interes ng mga hindi karapat-dapat na uri, na nag-aambag sa pagbuo ng isang mas malawak na ideya ng pagkakaisa ng kultura ng lipunan ng tao.

PANITIKAN AT MUSIKA

Noong siglo XVIII. isang proseso ng mapagpasyang pagbabago sa ratio ng mga uri at genre ng sining ay nagsisimula, na natapos sa susunod na siglo. Ang proporsyon ng panitikan at musika ay lumalaki, na umaabot sa yugto ng artistikong kapanahunan na nakuha ng pagpipinta noong ika-16-17 siglo. Ang panitikan at musika ay unti-unting nagsisimulang maging nangungunang mga anyo ng sining. Ang pagpupuno sa bawat isa, natutugunan nila ang mga pangangailangan ng oras sa aesthetic na kamalayan ng buhay, ang paggalaw at pagbuo nito.

Ang prosa ay umuunlad bilang isang genre na naglalayong ipakita ang kapalaran ng isang indibidwal sa kumplikadong pag-unlad nito sa paglipas ng panahon, sa masalimuot na relasyon sa panlipunang kapaligiran, o pagguhit ng isang malawak na larawan ng buhay at kaugalian ng panahon, paglutas ng mga pangunahing katanungan tungkol sa lugar. at papel ng isang tao sa lipunan. Gayon, sa kabila ng pagkakaiba sa sulat-kamay at istilo, ang Lame Demon ni Lesage, ang Manon Lescaut ni Prevost, ang Candide ni Voltaire, ang mga picaresque na nobela ni Fielding, ang Sentimental Journey ni Stern, ang The Sorrows of Young Werther ni Goethe, at ang Wilhelm Meister ni Goethe. Ang genre ng nobela, na nagbibigay ng isang unibersal na larawan ng mundo, ay umuunlad lalo na mabunga.

Ang pangangailangan para sa isang patula, emosyonal na holistic na pagpapahayag ng espirituwal na mundo ng isang tao, ang pagsisiwalat ng kanyang agarang pananaw sa mundo at pananaw sa mundo sa pag-unlad, mga kontradiksyon at integridad ay paunang natukoy ang pag-usbong ng musika bilang isang malayang anyo ng sining. Paglikha noong siglo XVIII. Ang Bach, Mozart, Gluck, Haydn ng mga musikal na anyo tulad ng fugue, symphony, sonata, ay nagsiwalat ng kakayahan ng musika na ihatid ang mga pinaka banayad na nuances at ang proseso ng pagiging mga karanasan ng tao.

makabuluhan noong ika-18 siglo. tagumpay sa theatrical art, dramaturgy, malapit na nauugnay sa panitikan. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-alis mula sa mga tradisyon ng klasisismo tungo sa makatotohanan at bago ang romantikong mga malikhaing direksyon. Ang isang katangian ng kultura sa panahong ito ay isang malapit na pag-aaral ng mga pangunahing isyu ng aesthetics ng teatro, ang likas na katangian ng pag-arte, at ang saklaw ng panlipunan at pang-edukasyon na papel ng theatrical art.

SINING AT ARKITEKTURA

Ika-18 siglo - ang edad ng larawan, ngunit nasa isang bagong yugto na sa pag-unlad ng kultura. Mga master ng ika-18 siglo lumikha ng isang sining na pino, pinag-iba, pinag-aaralan ang pinakamagandang nuances ng mga damdamin at mood. Magiliw na pagpapalagayang-loob, pinipigilang liriko, magalang na walang awa na pagmamasid sa pagsusuri - ito ang mga artistikong katangian ng mga larawan ng Latour, Gainsborough, Houdon. Ang kakayahang ihatid ang mga pinaka banayad na lilim ng kalooban, upang mapansin ang katangian ay nagpapakilala sa mga magagaling na kasiyahan at mga eksena sa genre ng Watteau, Fragonard, ang mga katamtaman na pang-araw-araw na motif ni Chardin, ang mga urban landscape ni Guardi. Ang mga katangiang ito ng artistikong pang-unawa sa buhay ay unang iginiit sa sining na may ganitong pagkakapare-pareho, ngunit sa halaga ng isang bahagyang pagkawala ng mga artistikong pananakop ng nakaraan.

Ang pagpipinta ay nawawala ang unibersal na kapunuan ng espirituwal na buhay ng isang tao, na kasama ni Rubens, Poussin, Rembrandt, Velasquez.

Ang hanay ng mga aesthetic na pangangailangan ng XVIII na siglo. pinaka-ganap na inihayag sa visual na sining, arkitektura, panitikan at musika. Ang problema ng tiyak na bigat ng sining at arkitektura sa masining na kultura ng sangkatauhan ay ipapakita sa lahat ng katalinuhan nito lamang sa panahon ng pag-usbong ng kapitalismo.

Ang pagbuo ng isang bagong kultura ay lubhang hindi pantay sa iba't ibang bansa. Halimbawa, sa Italya, na pinagkaitan ng pambansang pagkakaisa, ang pag-unlad ng mga tradisyon ng ika-17 siglo ay nagpapatuloy. Noong ika-18 siglo ng France nagsisimula sa malungkot at mapangarapin na sining ng Watteau at nagtatapos sa mga rebolusyonaryong kalunos-lunos ng mga pagpipinta ni David, na nakakuha ng mulat na oryentasyong sibiko.

Sa Espanya, ang gawain ng batang Goya ay sumasalungat sa klasisismo na may marubdob na interes sa maliwanag, katangiang nagpapahayag ng mga aspeto ng buhay at inaasahan ang paglipat ng sining sa makatotohanang romantikismo noong ika-19 na siglo.

Noong siglo XVIII. ang arkitektura ng simbahan ay nabawasan at ang dami ng sibil na konstruksyon ay tumataas. Ang arkitektura ay nailalarawan sa pamamagitan ng late na istilong baroque - mas dynamic na kumplikado, decoratively overloaded, hindi gaanong marangal at monumental. Ang klasikong direksyon ay sumasailalim din sa karagdagang pag-unlad. Sa France, ang isang bilang ng mga makikinang na solusyon sa ensemble ay nilikha (Place de la Concorde sa Paris), na kumakatawan sa isang muling pag-iisip sa diwa ng klasisismo ng mga prinsipyo ng pagpaplano ng isang urban ensemble. May interes sa isang mas matalik na interpretasyon ng imahe ng arkitektura ng isang hiwalay na mansyon, mas komportable, eleganteng. Ito ay humahantong sa pagdaragdag ng mga prinsipyo ng rococo art, mas kilalang-kilala kaysa baroque. Ang Rococo sa arkitektura ay nagpakita ng sarili nito pangunahin sa larangan ng dekorasyon, flat, light, whimsical, whimsical, refined.

Ang pagpinta at eskultura sa istilong Rococo ay puro pandekorasyon at inihain, kasama ng mga sining at sining, para sa panloob na disenyo. Ang Rococo art, mas kilalang-kilala, na idinisenyo upang palamutihan ang oras ng paglilibang ng isang pribadong tao na sensitibo sa "elegante", na nagtataglay ng isang katangi-tanging panlasa, tinutukoy ang paglikha ng isang estilo ng pagpipinta na naiiba sa mga lilim ng mood, sa mga subtleties ng balangkas, komposisyon , kulay at ritmo. Iniwasan ng sining ng Rococo na bumaling sa mga dramatikong plot, sa kaalaman ng realidad at tuwirang naging hedonistic sa kalikasan, sa lalong madaling panahon ay bumagsak sa walang pag-iisip na mababaw na sining ng mga kinatawan ng bahaging iyon ng lipunan na nagpahayag ng motto ni Louis XV: "Pagkatapos natin - kahit isang baha. ."

Sining noong ika-18 siglo nagtatapos sa isang engrandeng epiko - ang gawa ng dakilang Kastila na si Francis Goya. Ito ay pinagsama sa tradisyon ng pagpipinta ng Espanyol, kasama ang buhay ng bansa, ngunit sa parehong oras, sa trabaho ni Goya ang lahat ay nabaling sa sangkatauhan at kasaysayan, ang lahat ay nabubuhay sa isang kapaligiran ng unibersal na trahedya at unibersal na kagalakan. Si Goya ay naging isang mahusay na pintor na noong ika-18 siglo, nang ipininta niya ang parehong mga katutubong eksena na kumikinang sa kagalakan ng buhay at mapagmataas na mga temperamental na larawan. Sa pinakadulo ng siglo XIX. Gumawa si Goya ng isang serye ng mga ukit na "Caprichos", kung saan binuksan niya ng matapang na kamay sa mundo ang mga kalaliman kung saan hindi sila naglakas-loob na tingnan, na tila isang implikasyon ng kultura ng ika-18 siglo, kung saan sila ay nagsalita sa isang bulong. Ngunit ang siklo na ito ay isang paalam din sa ika-18 siglo. Ang gawain ng Goya, pati na rin ang pagpipinta ni David, ay nagbubukas ng kasaysayan ng sining noong ika-19 at ika-20 siglo.

KONGKLUSYON

Kaliwanagan ng sining ng kultura ng Kanlurang Europa

I-summarize natin. Sining ng ikalabing walong siglo. Kung ihahambing sa iba pang mga panahon, ang isang mahusay na integridad ng estilista ay katangian: sa iba't ibang mga pambansang paaralan at mga istilo ng artistikong mahahanap ang mga tampok na pinag-isa. Ginagawa ng sining na ito ang paglipat mula sa rasyonalismo tungo sa sensasyonalismo, mula sa kahanga-hanga hanggang sa direktang ibinigay, tao.

Ang pinakamahalagang resulta ng pagkamalikhain ng tao mismo ay ang mundo ng kultura. Sa loob nito, ang isang partikular na mahalagang lugar ay kabilang sa estado at mga sistema ng mga batas, industriya, agham, moralidad at sistema ng edukasyon, sining. At kahit na kung minsan ang mga resulta ng pagkamalikhain ng tao ay nasuri nang negatibo (Rousseau), sa pangkalahatan, ang kultura ng siglong XVIII. Optimistiko. Ito ay pinangungunahan ng paniniwala na ang paglitaw ng lipunan at kultura ay isang paborableng salik para sa sangkatauhan. Bukod dito, ito ay kultura na isang uri ng pamantayan para sa pagtukoy sa mga yugto ng progresibong pag-unlad ng lipunan ng tao (Herder).

Naka-host sa Allbest.ru

Mga Katulad na Dokumento

Ang Larawan ng Tao sa Pampublikong Kamalayan ng mga Europeo noong ika-18 Siglo. Pag-unlad ng mga ideya ng "likas na tao". Ang teorya ng natural na edukasyon Zh.Zh. Rousseau. Ang kahulugan ng kalungkutan sa siglong XVIII, ang mga konsepto ng pag-ibig at pagkakaibigan. Ang pag-unlad ng edukasyon, sining, natural na agham.

abstract, idinagdag 09/10/2009


Isinasaalang-alang ang pag-unlad ng panitikan at sining ng Kanlurang Europa noong ika-19 na siglo. Pagkilala sa mga pangunahing direksyon ng artistikong pagkamalikhain. Ang pag-aaral ng mga pundasyon ng classicism, romanticism, realism. Mga bagong uso sa kultura ng Kanlurang Europa sa pagtatapos ng ika-19 na siglo.

term paper, idinagdag noong 08/09/2014


Ang mga pangunahing tampok ng kultura ng Kanlurang Europa sa modernong panahon. Mga tampok ng kultura at agham ng Europa noong siglo XVII. Mga mahahalagang nangingibabaw ng kultura ng European Enlightenment noong ika-18 siglo. Ang pinakamahalagang mga uso sa kultura ng siglong XIX. Mga yugto ng artistikong kultura ng XIX na siglo.

abstract, idinagdag noong 12/24/2010


Mga kinakailangan para sa pag-unlad at mga pangunahing tampok ng kultura ng Russia noong ika-18 siglo. Mga direksyon ng pagbuo ng globo ng edukasyon at edukasyon, panitikan, arkitektura at pagpipinta. Mga natitirang kinatawan ng mga usong ito at isang pagtatasa ng kanilang mga pangunahing tagumpay noong ika-18 siglo.

pagtatanghal, idinagdag noong 05/20/2012


Mga problema ng kultura sa mga gawa ng mga tagapagturo ng siglo XVIII. Kultura ng Kanlurang Europa noong siglo XVIII. (Edukasyon). Ang pag-unlad ng agham sa Panahon ng Enlightenment. Mga alamat, alamat at kultura ng Sinaunang Silangan. Ang "The Tale of Bygone Years" ay isang natatanging monumento ng sinaunang kultura ng Russia.

pagsubok, idinagdag noong 07/18/2008


Kultura ng panahon ng mga reporma ni Pedro. Mga tampok ng Edad ng Enlightenment ng Russia noong ika-18 siglo, kabilang ang pag-unlad ng panlipunang pag-iisip, pilosopiya, panitikan at kulturang masining at ang impluwensya nito sa modernong kultura. Makasaysayang larawan ng Novikov N.I.

abstract, idinagdag noong 12/18/2010


Pagpapasiya ng mga kadahilanan ng pagbuo ng pambansang kultura ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Ang pag-unlad ng pampanitikan na wikang Ruso, pambansang panitikan, agham, pagpipinta at iskultura sa Russia. Arkitektura ng arkitektura ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo.

pagtatanghal, idinagdag noong 09/19/2014


France bilang hegemon ng espirituwal na buhay ng Europa noong ika-18 siglo. Kronolohikal at teritoryal na balangkas ng Enlightenment. Ang ebolusyon ng mga ideyang pilosopikal ng mga enlightener at ang kanilang sagisag sa sining. Ang impluwensya ng Enlightenment sa pag-unlad ng sining ng teatro.

term paper, idinagdag noong 03/31/2013


Pangkalahatang mga katangian at ang pinakamahalagang katangian ng kultura ng Russia noong ika-18 siglo. Ang mga pangunahing tampok ng kultura ng Russia noong XIX - unang bahagi ng XX siglo: "ginintuang" at "pilak" na edad. Mga makabuluhang tagumpay at problema sa pag-unlad ng kultura ng Belarus noong ika-18 siglo - maaga. XX siglo.

abstract, idinagdag noong 12/24/2010


Mga salik na nakaimpluwensya sa pag-unlad ng kultura sa panahon ng paghahari ni Peter I. Mga bagong phenomena sa kultura (teatro, musika, panitikan) ng panahon ng Petrine. Enlightenment at paaralan sa unang quarter ng ika-18 siglo. Pag-unlad ng agham. Socio-political at economic life.