Mga sikat na French Renaissance Artist. French renaissance painting

Kahit noong Daang Taon na Digmaan, nagsimula ang proseso ng pagbuo ng bansang Pranses, ang pagsilang ng pambansang estado ng Pransya. Ang pampulitikang pag-iisa ng bansa ay natapos pangunahin sa ilalim ni Louis XI. Sa kalagitnaan ng siglo XV. tumutukoy din sa simula ng Renaissance ng Pransya, sa mga unang yugto ay malapit pa ring nauugnay sa sining ng Gothic. Ang mga kampanya ng mga haring Pranses sa Italya ay nagpakilala sa mga artistang Pranses sa sining ng Italyano, at mula sa katapusan ng ika-15 siglo. isang mapagpasyang pahinga sa tradisyon ng Gothic ay nagsisimula, ang sining ng Italyano ay muling pinag-isipan na may kaugnayan sa sarili nitong mga pambansang gawain. Ang French Renaissance ay may katangian ng kultura ng korte. (Ang katutubong karakter ay pinaka-kita sa French Renaissance literature, higit sa lahat sa gawa ni François Rabelais, kasama ang kanyang full-blooded imagery, tipikal na Gallic wit at cheerfulness.)

Tulad ng sa sining ng Netherland, ang mga makatotohanang tendensya ay naobserbahan pangunahin sa maliit na larawan ng parehong teolohiko at sekular na mga aklat. Ang unang pangunahing pintor ng French Renaissance ay si Jean Fouquet (circa 1420-1481), pintor ng korte nina Charles VII at Louis XI. Parehong sa mga portrait (portrait ni Charles VII, bandang 1445), at sa mga relihiyosong komposisyon (diptych mula kay Melun), ang kabuuan ng pagsulat ay pinagsama sa monumentality sa interpretasyon ng imahe. Ang monumentalidad na ito ay nilikha sa pamamagitan ng paghabol sa mga anyo, ang paghihiwalay at integridad ng silweta, ang static na postura, at ang laconicism ng kulay. Sa katunayan, ang Madonna ng Melen diptych ay ipininta sa dalawang kulay lamang - maliwanag na pula at asul (ang modelo para dito ay ang minamahal ni Charles VII - isang katotohanang imposible sa sining ng medieval). Ang parehong kaliwanagan ng komposisyon at katumpakan ng pagguhit, ang sonority ng kulay ay katangian ng maraming mga miniature ng Fouquet (Boccaccio. "Buhay J. Fouquet. Larawan ni Charles VII. Fragment, sikat na lalaki AT babae", Paris, Louvre circa 1458). Ang mga patlang ng mga manuskrito ay puno ng imahe ng modernong Fouquet ng karamihan, ang mga tanawin ng kanyang katutubong Touraine.

J. Fouquet. Larawan ni Charles VII. Fragment. Paris, Louvre

Ang mga unang yugto ng Renaissance plastic art ay konektado din sa tinubuang-bayan ng Fouquet - ang lungsod ng Tours. Lumilitaw ang mga motif ng Antique at Renaissance sa mga relief ni Michel Colombe (1430/31-1512). Ang kanyang mga lapida ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matalinong pagtanggap ng kamatayan, kaayon ng mood ng archaic at classical na sinaunang stelae (ang libingan ni Duke Francis II ng Brittany at ng kanyang asawang si Marguerite de Foix, 1502-1507, Nantes, Cathedral).

Mula noong simula ng ika-16 na siglo, ang France ang naging pinakamalaking absolutistang estado sa Kanlurang Europa. Nagiging sentro ng kultura ang korte, lalo na sa ilalim ni Francis I, isang art connoisseur, patron ni Leonardo. Ang mga Italyano na mannerist na sina Rosso at Primaticcio, na inimbitahan ng kapatid ng hari na si Margherita ng Navarre, ay ang mga nagtatag ng paaralang Fontainebleau ("Fontebleau ang bagong Roma," isinulat ni Vasari). Ang kastilyo sa Fontainebleau, maraming kastilyo sa kahabaan ng mga ilog ng Loire at Cher (Blois, Chambord, Chenonceau), ang muling pagsasaayos ng lumang palasyo ng Louvre (arkitekto na si Pierre Lescaut at iskultor na si Jean Goujon) ay ang unang katibayan ng paglaya mula sa tradisyon ng Gothic at paggamit. ng mga anyo ng Renaissance sa arkitektura (ang Louvre ay unang ginamit na sinaunang sistema ng kaayusan). At kahit na ang mga kastilyo sa Loire ay panlabas na katulad pa rin sa mga medieval sa kanilang mga detalye (moats, donjons, drawbridges), ang kanilang panloob na palamuti ay Renaissance, kahit na sa halip Manneristic. Ang Fonteblo Castle kasama ang pagpipinta nito, ornamental molding, round sculpture ay katibayan ng tagumpay ng kulturang Italyano sa anyo, antigo sa plot at puro Gallic ang espiritu.

J. Clouet. Larawan ni Francis I. Paris, Louvre

Ang ika-16 na siglo ay ang oras ng napakatalino na pamumulaklak ng larawan ng Pransya, kapwa sa pagpipinta at sa lapis (Italian pencil, sanguine, watercolor). Sa genre na ito, ang pintor na si Jean Clouet (circa 1485/88-1541), ang pintor ng korte ni Francis I, ay naging lalong sikat, na ang entourage, pati na rin ang hari mismo, ay na-immortal niya sa kanyang portrait gallery. Maliit sa laki, maingat na pininturahan, ang mga larawan ni Clouet ay nagbibigay ng impresyon ng pagiging multifaceted sa characterization, seremonyal sa anyo. Sa kakayahang mapansin ang pinakamahalagang bagay sa modelo, nang hindi pinapahirapan ito at pinapanatili ang pagiging kumplikado nito, ang kanyang anak na si Francois Clouet (circa 1516-1572), ang pinakamahalagang Pranses na pintor ng ika-16 na siglo, ay nagpatuloy pa. Ang mga kulay ni Clouet ay nakapagpapaalaala sa mga mahahalagang enamel sa kanilang intensity at kadalisayan (portrait ni Elisabeth ng Austria, circa 1571). Nakuha ni Clouet ang buong korte ng Pransya noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo sa pambihirang kasanayan sa mga larawan ng lapis, sanguine, at watercolor. (larawan ni Henry II, Mary Stuart, atbp.).

Ang tagumpay ng Renaissance worldview sa French plastic art ay nauugnay sa pangalan ni Jean Goujon (circa 1510-1566/68), na ang pinakasikat na gawa ay ang mga relief ng Fountain of the Innocents sa Paris (ang bahagi ng arkitektura ay Pierre Lescaut; 1547-1549). Ang mga magaan, payat na pigura, na ang mga tiklop ng damit ay sinasabayan ng mga jet ng tubig mula sa mga pitsel, ay binibigyang-kahulugan ng kamangha-manghang musika, na puno ng tula, hinabol at hinahasa at laconic at pinigilan ang anyo. Ang pakiramdam ng proporsyon, kagandahang-loob, pagkakaisa, kahusayan ng panlasa ay mula ngayon ay palaging nauugnay sa sining ng Pranses.

Sa gawa ng nakababatang kontemporaryong si Germain Pilon ni Goujon (1535-1590), sa halip na mga larawang perpektong maganda, maayos na malinaw, konkreto-buhay, dramatiko, madilim-mataas na mga imahe ang lumilitaw (tingnan ang kanyang mga lapida). Ang kayamanan ng kanyang plastik na wika ay nagsisilbi ng isang malamig na pagsusuri, na umaabot sa punto ng kalupitan sa paglalarawan, kung saan ito ay matatagpuan lamang na kahalintulad sa Holbein. Ang pagpapahayag ng dramatikong sining ni Pilon ay tipikal ng huling Renaissance at nagpapatotoo sa nalalapit na pagtatapos ng Renaissance sa France.

J. Goujon. Mga nimpa. Relief ng Fountain of the Innocents sa Paris. Bato

Ang mga tampok ng krisis ng mga artistikong mithiin ng Renaissance ay lalo na malinaw na ipinakita sa mannerism, na nahuhubog sa pagtatapos ng Renaissance (mula sa maniera - isang pamamaraan, o sa halip, manierismo - pagpapanggap, mannerism), - isang malinaw na imitasyon , na parang pangalawang istilo, kasama ang lahat ng virtuosity ng technique at refinement ng mga form, aestheticization image, hyperbolization ng mga indibidwal na detalye, minsan kahit na ipinahayag sa pamagat ng trabaho, bilang, halimbawa, sa Parmigianino's "Madonna with a Long Neck" , pagmamalabis ng mga damdamin, paglabag sa pagkakaisa ng mga proporsyon, balanse ng mga anyo - kawalan ng pagkakaisa, pagpapapangit, na sa kanyang sarili ay dayuhan sa likas na katangian ng sining ng Renaissance ng Italya.

Ang mannerism ay karaniwang nahahati sa maaga at mature. Maagang Mannerism - nakasentro sa Florence. Ito ang gawain ng mga gurong tulad nina J. Pontormo, D. Rosso, A. de Volterra, J. Romano. Ang mga mural ng huli sa Palazzo del Te sa Mantua ay puno ng hindi inaasahang, halos nakakatakot na mga epekto, ang komposisyon ay overloaded, ang balanse ay nabalisa, ang mga paggalaw ay labis at nanginginig - ngunit ang lahat ay theatrical at mababaw, malamig na kaawa-awa at hindi. hawakan ang puso (tingnan ang fresco na "The Death of the Giants", halimbawa ).

Ang mature mannerism ay mas elegante, pino at maharlika. Ang mga sentro nito ay Parma at Bologna (Primaticcio, mula noong 1531 ang pinuno ng paaralang Fonteblo sa France), Rome at Florence (Bronzino, isang estudyante ng Pontormo; D. Vasari; iskultor at mag-aalahas na si B. Cellini), gayundin si Parma ( nabanggit na ni Parmigianino, ang kanyang mga Madonna ay palaging inilalarawan na may mga pahabang katawan at maliliit na ulo, na may marupok, manipis na mga daliri, may magalang, mapagpanggap na paggalaw, palaging malamig ang kulay at malamig sa imahe).

Ang mannerism ay limitado sa Italya, kumalat ito sa Espanya, Alemanya, Netherlands, France, na nakakaimpluwensya sa kanilang pagpipinta at lalo na sa inilapat na sining, kung saan ang walang pigil na imahinasyon ng mga Mannerista ay nakatagpo ng matabang lupa at isang malawak na larangan ng aktibidad.

Ang Renaissance ay isang makabuluhang yugto sa pag-unlad ng kulturang Pranses. Sa panahong ito, mabilis na umuunlad ang relasyong burges sa bansa at lumalakas ang kapangyarihang monarkiya. Ang relihiyosong ideolohiya ng Middle Ages ay unti-unting itinutulak sa background ng isang humanistic na pananaw sa mundo. Ang sekular na sining ay nagsimulang maglaro ng isang mahalagang papel sa buhay kultural ng France. Ang pagiging totoo ng sining ng Pransya, ang koneksyon sa kaalamang pang-agham, ang pag-apila sa mga ideya at larawan ng sinaunang panahon ay inilalapit ito sa Italyano. Kasabay nito, ang Renaissance sa France ay may kakaibang hitsura, kung saan ang Renaissance humanism ay pinagsama sa mga elemento ng trahedya, na ipinanganak ng mga kontradiksyon ng kasalukuyang sitwasyon sa bansa.

Bilang resulta ng maraming pagkatalo ng France noong Daang Taon na Digmaan sa England, na tumagal mula 1337 hanggang 1453, naghari ang pyudal na anarkiya sa bansa. Ang mga magsasaka, na dinudurog ng hindi mabata na buwis at mga kalupitan ng mga mananakop, ay bumangon upang labanan ang kanilang mga nang-aapi. Sa partikular na puwersa, ang kilusang pagpapalaya ay sumiklab sa sandaling ang mga tropang British, na nakuha ang hilaga ng France, ay nagtungo sa Orleans. Ang damdaming makabayan ay nagresulta sa pagganap ng mga magsasaka at kabalyerong Pranses, na pinamumunuan ni Joan of Arc, laban sa mga tropang Ingles. Nanalo ang mga rebelde ng ilang makikinang na tagumpay. Ang kilusan ay hindi huminto kahit na nahuli si Joan of Arc at, sa lihim na pagsang-ayon ng ang haring Pranses na si Charles VII, na sinunog ng mga simbahan sa tulos.

Bunga ng mahabang pakikibaka ng mga mamamayan laban sa mga dayuhang mananakop, napalaya ang France. Ginamit ng monarkiya ang tagumpay na ito para sa sarili nitong mga layunin, habang ang posisyon ng mga matagumpay na tao ay nanatiling mahirap pa rin.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XV. salamat sa pagsisikap ni Louis XI, naging magkaisa ang France sa pulitika. Ang ekonomiya ng bansa ay umunlad, ang agham at edukasyon ay bumuti, ang mga relasyon sa kalakalan ay itinatag sa ibang mga estado, at lalo na sa Italya, kung saan ang kultura ay tumagos sa France. Noong 1470, binuksan ang isang palimbagan sa Paris, na, kasama ng iba pang mga libro, ay nagsimulang mag-print ng mga gawa ng mga humanistang Italyano.

Ang sining ng miniature ng libro ay umuunlad, kung saan ang mga mystical at relihiyosong mga imahe ay pinalitan ng mga makatotohanang ideya tungkol sa mundo sa paligid. Sa korte ng Duke ng Burgundy, ang mga mahuhusay na artista na nabanggit sa itaas, ang mga kapatid na Limburg, ay nagtatrabaho. Ang mga sikat na Dutch masters ay nagtrabaho sa Burgundy (mga pintor na van Eyck brothers, sculptor Sluter), kaya sa lalawigang ito ang impluwensya ng Dutch Renaissance ay kapansin-pansin sa sining ng mga French masters, habang sa ibang mga probinsya, halimbawa sa Provence, ang impluwensya ng Italyano. Tumaas ang Renaissance.

Ang isa sa pinakamalaking kinatawan ng French Renaissance ay ang artist na si Anguerrand Charonton, na nagtrabaho sa Provence, na nagpinta ng mga monumental at compositionally complex na mga canvases, kung saan, sa kabila ng mga relihiyosong tema, ang interes sa tao at ang katotohanan na nakapaligid sa kanya ay malinaw na ipinahayag ("Madonna ng Awa”, “Koronasyon ni Maria” , 1453). Bagaman ang mga pintura ni Charonton ay kapansin-pansin sa kanilang pandekorasyon na epekto (pinong mga linya, pinagsama sa isang kakaibang palamuti, simetriya ng komposisyon), ngunit isang mahalagang lugar sa mga ito ay inookupahan ng mga detalyadong pang-araw-araw na eksena, mga tanawin, at mga pigura ng tao. Sa mukha ng mga santo at ni Maria, mababasa ng manonood ang mga damdamin at kaisipang nagmamay-ari sa kanila, maraming natutunan tungkol sa katangian ng mga tauhan.

Ang parehong interes sa landscape, sa maingat na paglipat ng lahat ng mga detalye ng komposisyon, ay nakikilala ang mga altarpieces ng isa pang artist mula sa Provence - Nicolas Froment ("The Resurrection of Lazarus", "The Burning Bush", 1476).

Ang mga tampok ng bago sa sining ng Pransya ay lalo na malinaw na ipinakita sa gawain ng mga artista ng paaralan ng Loire, na nagtrabaho sa gitnang bahagi ng France (sa lambak ng Ilog Loire). Maraming mga kinatawan ng paaralang ito ang nanirahan sa lungsod ng Tours, kung saan noong ika-15 siglo. ay ang tirahan ng haring Pranses. Ang isang residente ng Tours ay isa sa mga pinakamahalagang pintor ng panahong ito, si Jean Fouquet.

Isa sa mga pinakasikat na artista sa huling bahagi ng XV siglo. ay si Jean Clouet the Elder, na kilala rin bilang Master of Moulin. Bago ang 1475 nagtrabaho siya sa Brussels at pagkatapos ay lumipat sa Moulins. Sa paligid ng 1498-1499 Ginawa ni Jean Clouet the Elder ang kanyang pinakamahalagang gawain - isang triptych para sa Moulin Cathedral, sa gitnang pakpak kung saan ipinakita ang eksenang "Our Lady in Glory", at sa gilid - mga larawan ng mga customer na may mga patron santo.

Ang gitnang bahagi ay naglalarawan sa Madonna at Bata, kung saan ang ulo ng mga anghel ay may hawak na korona. Malamang, si Clouet ay ginawang modelo para sa imahe ni Mary ng isang babaeng Pranses, marupok at maganda. Kasabay nito, ang abstractness ng intensyon ng may-akda, mga pandekorasyon na epekto (konsentrikong mga bilog sa paligid ni Maria, mga anghel na bumubuo ng isang garland sa mga gilid ng canvas) ay nagbibigay sa trabaho ng ilang pagkakahawig sa Gothic art.

Malaking interes ang mga magagandang tanawin na inilalagay ni Jean Clouet the Elder sa mga komposisyon na may mga relihiyosong tema. Sa tabi ng mga pigura ng mga santo sa mga gawang ito ay mga portrait na larawan ng mga customer. Halimbawa, sa canvas na "Nativity" (1480), sa kanan ni Maria, makikita mo ang chancellor Rolen na manalangin na nakatiklop ang kanyang mga kamay.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XV. Nagtrabaho din si Simon Marmion sa France, na nagsagawa ng maraming komposisyon at miniature ng altar, kung saan ang kanyang pinakatanyag na gawa ay mga guhit para sa Great French Chronicles, at Jean Bourdichon, isang pintor ng portrait at miniaturist na lumikha ng mga magagandang miniature para sa Oras ni Anna ng Breton.

Ang pinakamalaking pintor sa panahong ito ay si Jean Perreal, na namuno sa paaralan ng pagpipinta ng Lyon. Siya ay hindi lamang isang pintor, ngunit isa ring manunulat, arkitekto, at matematiko. Ang katanyagan niya ay lumampas sa France at kumalat sa England, Germany, Italy. Naglingkod si Perreal kasama sina Haring Charles VIII at Francis I, sa Lyon ay hawak niya ang posisyon ng isang dalubhasa sa konstruksiyon. Ang ilan sa kanyang mga gawa sa larawan ay napanatili, kabilang ang isang larawan ni Mary Tudor (1514), Louis XII, Charles VIII. Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Perreal ay ang kaakit-akit at patula na Girl with a Flower. Kawili-wili din ang kanyang mga kuwadro na gawa ng katedral sa Puy, kung saan, kasama ang mga relihiyoso at sinaunang mga imahe, ang artist ay naglagay ng mga larawan ng mga humanistang Pranses, kasama ng mga ito ang imahe ni Erasmus ng Rotterdam ay namumukod-tangi.

Sa simula ng siglo XVI. Ang France ang pinakamalaki (ayon sa lugar at populasyon) na estado sa Kanlurang Europa. Sa oras na ito, medyo naibsan ang posisyon ng mga magsasaka, at lumitaw ang mga unang kapitalistang anyo ng produksyon. Ngunit ang burgesya ng Pransya ay hindi pa umabot sa antas na kumuha ng mga posisyon ng kapangyarihan sa bansa, tulad ng nangyari sa mga lungsod ng Italya noong XIV-XV na siglo.

Ang panahong ito ay minarkahan hindi lamang ng mga pagbabago sa ekonomiya at pulitika ng France, kundi pati na rin ng malawak na pagpapakalat ng mga ideyang humanistic ng Renaissance, na lubos na kinakatawan sa panitikan, sa mga akda ni Ronsard, Rabelais, Montaigne, Du Bellay. Ang Montaigne, halimbawa, ay itinuturing na sining ang pangunahing paraan ng pagtuturo sa isang tao.

Tulad ng sa Alemanya, ang pag-unlad ng sining ay malapit na nauugnay sa kilusang reporma laban sa Simbahang Katoliko. Ang kilusang ito ay dinaluhan ng mga magsasaka, na hindi nasisiyahan sa kanilang posisyon, gayundin ng mga nakabababang uri sa lunsod at ng burgesya. Matapos ang mahabang pakikibaka, napigilan ito, napanatili ng Katolisismo ang posisyon nito. Kahit na ang Repormasyon ay may kaunting impluwensya lamang sa sining, ang mga ideya nito ay tumagos sa kapaligiran ng mga humanist artist. Maraming Pranses na pintor at iskultor ang mga Protestante.

Ang mga sentro ng kultura ng Renaissance ay ang mga lungsod tulad ng Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, Lyon. Malaki ang papel ni Haring Francis I sa pagpapalaganap ng mga ideya sa Renaissance, na nag-aanyaya sa mga Pranses na artista, makata, at siyentipiko sa kanyang hukuman. Sa loob ng maraming taon, nagtrabaho sina Leonardo da Vinci at Andrea del Sarto sa korte ng hari. Sa paligid ng kapatid na babae ni Francis, si Margherita ng Navarre, na nakikibahagi sa mga aktibidad sa panitikan, nagkaisa ang mga makata at humanist na manunulat, na nagsusulong ng mga bagong pananaw sa sining at sa kaayusan ng mundo. Noong 1530s sa Fontainebleau, itinatag ng mga mannerist ng Italyano ang isang paaralan ng sekular na pagpipinta, na may malaking epekto sa pag-unlad ng French fine art.

Isang mahalagang lugar sa pagpipinta ng France sa unang kalahati ng siglo XVI. sinakop ang sining ng mga artista na inimbitahan mula sa Italya upang ipinta ang palasyo ng hari sa Fontainebleau, Giovanni Battista Rosso, Niccolò del Abbate at Francesco Primaticcio. Ang gitnang lugar sa kanilang mga fresco ay inookupahan ng mga mythological, allegorical at historical na mga paksa, na kinabibilangan ng mga larawan ng mga hubad na babaeng figure, na hindi natagpuan sa mga kuwadro na gawa ng mga French masters noong panahong iyon. Ang pino at eleganteng, bagama't medyo magalang, ang sining ng mga Italyano ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming Pranses na pintor, na nagbigay ng direksyon na tinatawag na Fontainebleau school.

Ang malaking interes ay ang portrait art ng panahong ito. Ipinagpatuloy ng mga pintor ng larawan ng Pransya ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga master ng ika-15 siglo, at higit sa lahat sina Jean Fouquet at Jean Clouet the Elder.

Ang mga larawan ay laganap hindi lamang sa korte, ang mga larawang lapis ay nagsilbing modernong mga larawan sa maraming pamilyang Pranses. Ang mga guhit na ito ay madalas na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang virtuosity ng pagganap at pagiging maaasahan sa paglilipat ng mga katangian ng pagkatao ng tao.

Ang mga larawan ng lapis ay sikat sa ibang mga bansa sa Europa, halimbawa, sa Alemanya at Netherlands, ngunit doon nila ginampanan ang papel ng isang sketch na nauna sa larawang larawan, at sa France ang gayong mga gawa ay naging isang malayang genre.

Ang pinakadakilang French portraitist ng panahong ito ay si Jean Clouet the Younger.

Si Cornel de Lyon, na nagtrabaho sa Lyon, ay isang mahusay na pintor ng portrait, na nagpinta ng banayad at espiritwal na imahe ng babae ("Portrait of Beatrice Pacheco", 1545; "Portrait of Queen Claude"), na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang halos maliit na execution at fine glazing at matingkad na kulay.

Ang mga simple at taos-pusong larawan ng mga bata at lalaki ni Corneille de Lyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng kakayahang ipakita ang lalim ng panloob na mundo ng modelo, ang pagiging totoo at pagiging natural ng mga pose at kilos ("Portrait of a Boy", "Portrait of an Unknown Lalaking may Itim na Balbas”).

Mula sa kalagitnaan ng siglo XVI. Ang mga mahuhusay na masters ng pencil portrait ay nagtrabaho sa France: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, na nagpatuloy sa mga tradisyon ng sikat na Francois Clouet. Ang mga mahuhusay na pintor ng portrait na nagtrabaho sa graphic technique ay ang magkapatid na Etienne at Pierre Dumoustier.

Ang pagsilang ng Renaissance sa France

Ang kultura ng Renaissance ng Pransya ay isinilang at binuo sa panahon ng pagkumpleto ng pag-iisa ng kaharian, ang pag-unlad ng kalakalan, ang pagbabagong-anyo ng Paris sa isang sentrong pampulitika at kultura, kung saan ang pinaka-liblib at malayong mga lalawigan ay naakit.

Ang muling pagkabuhay ng sinaunang kultura ay nagtamasa ng malaking atensyon at suporta mula sa maharlikang bahay at mayamang maharlika. Ang pagtangkilik ng bagong henerasyon ng mga pinaka-edukadong tao ay ibinigay ni Reyna Anne ng Brittany at Haring Francis I, na higit sa isang beses ay inalis ang mapaghiganti na espada ng simbahan mula sa kanila, ay isang mapagbigay na patron at mabuting kaibigan. Si Anne ng Brittany ay lumikha ng isang uri ng bilog na pampanitikan, ang mga tradisyon na kung saan ay binuo sa mga aktibidad ng mas sikat na bilog ng nag-iisa at mahal na mahal na kapatid na babae ng hari, si Margaret ng Navarre, na palaging tinatangkilik ang pagtangkilik ni Francis. Ang isa sa mga embahador ng Italya, na nasa korte ni Francis I, ay nagsabi na "ang hari ay gumugol ng higit sa isang taon sa alahas, muwebles, pagtatayo ng mga kastilyo, paglalatag ng mga hardin."

Panitikan

Mga tula

Ang nagtatag ng bagong Pranses na tula ay si Clement Marot, ang pinaka-talentadong makata ng mga dekada na iyon. Bumalik si Maro mula sa Italya, na malubhang nasugatan sa Labanan ng Pavia. Isang pilay at naghihikahos na pilay, siya ay itinapon sa bilangguan sa isang pagtuligsa at siya ay pinatay kung hindi dahil sa pamamagitan ni Margarita. Nag-aral siya ng sinaunang pilosopiya, napakalapit sa korte ng hari at sa bilog na pampanitikan ni Margaret ng Navarre. Siya ay naging may-akda ng maraming mga epigram at kanta. Ang malayang pag-iisip na mga gawa ay hindi walang kabuluhan para sa makata. Dalawang beses siyang tumakas sa France. Ang mga huling araw ng makata ay natapos sa Turin, at idinagdag ng Sorbonne ang marami sa kanyang mga tula sa ipinagbabawal na listahan. Sa kanyang trabaho, hinangad ni Maro na madaig ang impluwensyang Italyano, upang bigyan ang mga tula ng pambansang lasa, "Gallic brilliance".

Naroon din ang paaralan ng tula sa Lyon. Ang mga kinatawan nito ay hindi sumailalim sa matinding pag-uusig. Ang makata na si Louise Labe ay kabilang sa paaralan ng Lyon.

Ang isang makabuluhang kababalaghan para sa panitikang Pranses ay ang gawa ni Marguerite ng Navarre, na nagmamay-ari ng malaking bilang ng mga akdang patula na sumasalamin sa espirituwal na paghahanap ng kanyang panahon. Ang pangunahing pamana ng Margarita ay isang koleksyon ng 72 maikling kwento na tinatawag na "Heptameron", ibig sabihin, "Pitong Araw". Marahil, ang pangunahing bahagi ng gawaing ito ay isinulat sa pagitan ng at 1547, sa panahon na si Margaret ay napakalayo sa mga pag-aalala ng korte ng Paris, mula sa "malaking" pulitika ng kanyang kapatid, na nalubog sa "maliit" na pulitika ng kanyang maliit. kaharian at sa mga gawaing pampamilya. Ayon sa mga kontemporaryo, binubuo niya ang kanyang mga maikling kwento, naglalakbay sa paligid ng kanyang mga lupain sa isang stretcher. Ang "Heptameron" ni Margaret ng Navarre ay nagpapakita ng kamalayan sa mga kalunos-lunos na kontradiksyon sa pagitan ng mga mithiin ng tao at totoong buhay.

Pamagat ng edisyon ng pangalawang aklat ng "Gargantua at Pantagruel", Lyon, 1571.

tuluyan

Marahil ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ng French Renaissance ay ang aklat ni Francois Rabelais na Gargantua at Pantagruel. Si Rabelais ay isang matalinong tao, at ang kanyang talento ay lalo na kitang-kita sa pagsulat. Maraming naglakbay si Rabelais, alam ang mga kaugalian ng mga magsasaka, artisan, monghe, at maharlika. Siya ay isang eksperto sa karaniwang wika. Sa kanyang kapansin-pansin at nag-iisang nobela, nagbigay siya ng isang napakatalino na pangungutya sa mga tao sa kanyang panahon.

Kasama nito, ang panitikan ng French Renaissance ay sumisipsip ng pinakamahusay na mga halimbawa ng oral folk art. Sinasalamin nito ang mga katangiang likas sa talento at mapagmahal sa kalayaan ng mga Pranses: ang kanilang masayang disposisyon, katapangan, masipag at banayad na katatawanan.

Pilolohiya

Noong ika-16 na siglo, inilatag ang mga pundasyon ng wikang pampanitikan ng Pranses at mataas na istilo. Noong 1549, inilathala ng makatang Pranses na si Joashen du Bellay ang isang manifesto ng programa na "Proteksyon at pagluwalhati ng wikang Pranses." Ang sanaysay na ito ay pinabulaanan ang pahayag na diumano'y mga sinaunang wika lamang ang maaaring magsama ng matataas na patula na mga mithiin sa isang karapat-dapat na anyo, at ito ay pinagtatalunan na sa isang pagkakataon ang mga sinaunang wika ay magaspang at hindi maunlad, ngunit ito ay ang pagpapabuti ng tula at panitikan na gumawa sa kanila kung ano ang naging . Kaya ito ay sa wikang Pranses, ito ay kinakailangan lamang upang bumuo at mapabuti ito. Si Du Bellay ay naging isang uri ng sentro para sa pag-iisa ng kanyang mga katulad na pag-iisip at mga kaibigan. Si Pierre de Ronsard, na miyembro nito, ay nakaisip ng pangalang Pleiades. Ang pangalan ay hindi pinili ng pagkakataon: ang pangkat ng pitong sinaunang Griyego na trahedya na makata ay tinawag din na pareho. Ronsard sa salitang ito ay nagsasaad ng pitong mala-tula na luminaries sa pampanitikan na kalangitan ng France, ito ay isang uri ng French poetic school of life. Kasama dito sina Pierre de Ronsard, Joashen Du Bellay, Jean Antoine de Baif, Remy Bello. Inabandona nila ang pamana ng Middle Ages, muling iniisip ang kanilang saloobin sa sinaunang panahon. Nasa ilalim na ni Haring Henry II, ang Pleiades ay tumanggap ng pagkilala mula sa korte, at si Ronsard ay naging isang makata sa korte. Nagtanghal siya sa iba't ibang genre - ode, sonnets, pastoral, impromptu.

Pilosopiya

Ang pilosopikong kaisipan sa France noong panahong iyon ay pinakamahusay na kinakatawan ni Pierre de la Ramais, isang kritiko ng iskolastikong Aristotelianism. Ang thesis ni Rame na "Lahat ng sinabi ni Aristotle ay mali" ang naging simula ng isang bagong pilosopiyang Europeo. Sinalungat ni Ramet ang mga iskolastikong pangangatwiran na napunit mula sa buhay na may ideya ng isang lohikal na tunog, pamamaraan na nakatuon sa kasanayan, na tinawag niyang sining ng pag-imbento. Ang paraan ng paglikha ng pamamaraan ay upang magsilbi bilang isang bagong lohika, ang mga simula kung saan binuo ni Rame sa kanyang akdang "Dialectics". Siya ay isa sa mga pinakadakilang mathematicians ng kanyang panahon at ang may-akda ng isang malaking generalizing trabaho, A Course sa Mathematics.

Ang Bonaventure Deperier ay isa sa mga pinaka orihinal na pigura ng Renaissance. Siya ay isang philologist at tagasalin, at nagsilbi bilang kalihim ni Margaret ng Navarre. Noong 1537 siya ay hindi nagpapakilalang naglathala ng isang libro ng mga satirical na dialogue, The Cymbal of the World. Ang aklat ay idineklarang erehe at ipinagbawal. Si Deperier ay idineklara na "isang tumalikod sa matuwid na pananampalataya", siya ay tinanggal mula sa korte ni Margaret ng Navarre. Dahil dito, ang pag-uusig ay nagbunsod sa kanya upang magpakamatay.

Isang kontemporaryo ni Deperier, si Etienne Dole, ang nagtanggol sa mga kapus-palad na ipinadala sa stake sa mga paratang ng pagiging konektado sa masasamang espiritu. Sa pag-aakalang ang kaalaman sa mga sanhi ay ang pinakamataas na kabutihan, ang Dole mismo ay naghinuha na ang lahat ng bagay na umiiral ay hindi lumitaw sa pamamagitan ng mas mataas na kalooban, ngunit sa pamamagitan ng "mga dahilan ng pagpapatakbo na kinakailangan para dito." Sa loob ng ilang panahon, ang pagtangkilik ng mga marangal at mayayamang indibidwal ang nagligtas kay Dole mula sa Inkisisyon. Gayunpaman, noong 1546 siya ay inakusahan ng pagsalungat sa doktrinang Kristiyano ng imortalidad ng kaluluwa sa kanyang pagsasalin ng Plato. Si Dole ay hinatulan at sinunog sa tulos. Ang kapalaran ng may-akda ay ibinahagi ng lahat ng kanyang mga libro.

Humanismo

Guillaume Bude

Isa sa mga namumukod-tanging humanistang Pranses ay si Jacques Lefebvre d "Etaples. Siya ay isang napaka-edukadong tao: isang encyclopedist, philologist at pilosopo, teologo, mathematician, astronomer. Siya ay nag-aral sa Florence at naging tagapagtatag ng isang paaralan ng mga mathematician at cosmographer sa France. Sa pagtatapos ng ika-15 - ang simula ng ika-16 na siglo d "Naglathala si Etaple ng mga komento sa mga gawa ni Aristotle, na minarkahan ng pagnanais na tingnan muli ang awtoridad na pinabanal ng tradisyon ng hari ng mga pilosopo. Noong 1512, naglathala siya ng komentaryo sa Pauline Epistles, kung saan binibigyang-katwiran niya ang pangangailangan para sa isang kritikal na pagsusuri sa mga sinulat ng mga ama ng doktrinang Kristiyano. Isinalin niya ang Bibliya sa Pranses (hanggang sa panahong iyon ay umiral lamang ito sa Latin), ngunit ang pagsasaling ito ay hinatulan ng Sorbonne bilang erehe. Sa katunayan, isang mapangarapin at tahimik na humanist, si Lefebvre d "Etaple ay natakot sa mga kahihinatnan ng kanyang sariling mga ideya nang mapagtanto niya kung ano ang maaaring humantong sa mga ito sa pagsasanay.

Sa paligid ng d "Etaples, ang mga mag-aaral, mga tagasuporta ng Kristiyanismo, na nag-aral ng mga teksto ng ebanghelyo, ay pinagsama-sama, kung saan ang philologist na si Guillaume Bude, na naging isa sa mga pinuno ng kilusang humanist sa France, ay partikular na nakilala. Isang tao ng pinakamalawak na pananaw. , gumawa siya ng malaking kontribusyon sa pag-aaral ng matematika, natural na agham, sining, pilosopiya, Romano at Griyegong philology. Ang kanyang akda na "Remarks on 24 books of Pandekt" ay minarkahan ang simula ng isang philological analysis ng mga pinagmumulan ng batas Romano. Sa gawa "On the asse and its parts" ang ideya ng dalawang kultura - sinaunang at Kristiyano ay nabuo. Nangangalaga sa kaluwalhatian ng France, ginawa niyang pananagutan ang pagkawala nito sa mga pinuno at maimpluwensyang tao. Sinulat pa niya ang aklat "Mga Tagubilin sa Soberano". Salamat kay Bude, isang aklatan ang nilikha sa Fontainebleau, nang maglaon ay inilipat ito sa Paris, at ito ang naging batayan ng Pambansang Aklatan ng Pransya. Si Bude ay maraming nakipag-usap at seryoso kay Haring Francis, na, sa ilalim ng itinatag ng kanyang impluwensya ang Royal College sa Paris - College de France... Doon sila naging mga guro matuto ng Greek, Latin at Hebrew.

Ang panahon ng pag-unlad ng humanismo sa France ay maikli, at ang mga landas nito sa lalong madaling panahon ay naging matinik. Ang reaksyon ng Katoliko ay tumindi sa Europa. Mula sa kalagitnaan ng 30s ng ika-16 na siglo, ang Sorbonne, na natakot sa mga tagumpay ng humanismo, ay sumalungat sa mga kinatawan nito. Nagbabago rin ang saloobin ng maharlikang kapangyarihan ng Pransya at ng hukuman sa mga humanista. Mula sa isang patroness, ang kapangyarihan ng hari ay nagiging isang mang-uusig ng malayang pag-iisip. Ang mga biktima ng pag-uusig ay mga pangunahing humanistang Pranses - Bonaventure Deperier, Etienne Dolet, Clement Marot.

Teatro

Hindi umabot sa antas ng Italy, Spain at England ang French Renaissance theater. Si Etienne Jodel ay naging direktor ng unang trahedya ng Pransya sa "klasikal", iyon ay, antigong istilo. Ang trahedyang ito ay tinawag na "Captured Cleopatra".

Arkitektura

Ang arkitektura ng maagang Renaissance sa France ay naimpluwensyahan ng Italya. Ang pagbuo ng mga tradisyon ng Gothic, ang mga arkitekto ng Pransya ay lumikha ng isang bagong uri ng mga istrukturang arkitektura: ang kastilyo ni Francis I sa Blois, ang mga kastilyo ng Azay-le-Rideau, Chenonceau, Chambord. Sa panahong ito, malawakang ginagamit ang iba't ibang dekorasyon ng mga gusali. Ang tugatog ng arkitektura ng Renaissance ay ang pagtatayo ng bagong royal palace ng Louvre. Ito ay itinayo ng arkitekto na si Pierre Lescaut at iskultor na si Jean Goujon. Natanggap ni Goujon ang kanyang paunang edukasyon sa sining sa France. Pagkatapos ay naglakbay siya ng maraming sa paligid ng Italya, kung saan nag-aral siya ng sinaunang iskultura. Sa kanyang pagbabalik sa France, inukit niya ang kanyang unang sikat na obra - isang estatwa na kilala bilang "Diana". Ito ay isang uri ng larawan ni Diane de Poitiers, Duchess ng Valentois. Pinalamutian ng estatwa ang Castle of Anet. Si Diana ay inilalarawang hubad at nakahiga na may busog sa kanyang kamay, nakasandal sa leeg ng isang usa. Ang kanyang buhok ay nakolekta sa mga tirintas, kung saan ang mga mahalagang bato ay hinabi, sa tabi niya ay isang aso. Nagustuhan ng hari ang eskultura na ito kaya ipinagkatiwala niya kay Goujon ang iba pang mga sculptural na gawa sa kastilyo ng Anet. Pinalamutian din ni Goujon ng mga estatwa ang Ecutan Castle, ang Carnavalet Hotel sa Paris, ang Paris City Hall, kung saan ang Twelve Months ay inukit ng master, pagkatapos ay ang Saint-Antoine gate na may apat na kahanga-hangang bas-relief na "Seine", "Marne", Nakatawag pansin ang "Oise." at "Venus na umuusbong mula sa mga alon". Ang lahat ng mga gawang ito ay nasa Louvre na ngayon. Para sa Franciscan church, nililok ni Goujon ang bas-relief na "Descent from the Cross", at sa wakas, ang "Fountain of the Nymphs" sa Paris ay kabilang sa kanyang trabaho. Ang fountain na ito ay itinuturing pa rin na pinakamahusay na gawa ng arkitektura ng Pransya.

sining

Ang humanistic na interes sa tao ay nagpakita rin ng sarili sa sining, lalo na sa larawan. Ang solemne na pagpapahayag ng mga mukha at ang kamahalan ng mga pose sa mga larawan ni Jean Clouet ay pinagsama sa talas ng mga indibidwal na katangian. Interesante din ang mga portrait ni Francois Clouet.

Ang agham

Bernard Palissy

Ang mga problema ng natural na agham ay binuo ni Bernard Palissy. Siya ay isang kilalang chemist at nakatuklas ng isang paraan para sa paggawa ng colored glazed ceramics. Mataas ang mga nagawa sa larangan ng matematika. Ang theorem ni Francois Vieta, ang pinaka mahuhusay na mathematician na nabuhay noong mga panahong iyon, ay pinag-aaralan pa rin sa mga paaralan ngayon. Sa larangan ng medisina, malaki ang papel ni Ambroise Paré, na ginawang siyentipikong disiplina ang operasyon.

Gallery

Panitikan

Bobkova, M. S. French Renaissance: Aklat sa Pagbasa ng Maagang Makabagong Kasaysayan. Moscow, 2006.

Mga link

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Naka-host sa http://www.allbest.ru/

Plan

Panimula

Kultura ng Renaissance

Kultura ng Renaissance sa France

Pagpipinta ng French Renaissance:

Ang buhay at gawain ni François Clouet

Ang buhay at gawain ni François Clouet the Younger

Ang buhay at gawain ni Jean Fouquet

Listahan ng ginamit na panitikan

Panimula

Renaissance - isang panahon sa kasaysayan ng kultura ng Europa noong ika-13-16 na siglo, na minarkahan ang pagsisimula ng Bagong Panahon.

Renaissance - isang panahon sa kasaysayan ng kultura at sining, na sumasalamin sa simula ng paglipat mula sa pyudalismo tungo sa kapitalismo. Sa mga klasikal na anyo, ang Renaissance ay nagkaroon ng hugis sa Kanlurang Europa, pangunahin sa Italya, ngunit ang mga katulad na proseso ay naganap sa Silangang Europa at Asya. Sa bawat bansa, ang ganitong uri ng kultura ay may kanya-kanyang katangian na nauugnay sa mga katangiang etniko nito, tiyak na tradisyon, at impluwensya ng iba pang pambansang kultura. Ang muling pagbabangon ay nauugnay sa proseso ng pagbuo ng sekular na kultura, kamalayang makatao. Sa ilalim ng katulad na mga kondisyon, ang mga katulad na proseso ay nabuo sa sining, pilosopiya, agham, moralidad, sikolohiyang panlipunan at ideolohiya. Ang mga Italian humanist noong ika-15 siglo ay ginagabayan ng muling pagkabuhay ng sinaunang kultura, ang pananaw sa mundo at mga prinsipyo ng aesthetic na kinikilala bilang isang perpektong karapat-dapat na tularan. Sa ibang mga bansa, ang gayong oryentasyon patungo sa sinaunang pamana ay maaaring hindi, ngunit ang kakanyahan ng proseso ng pagpapalaya ng tao at ang paggigiit ng lakas, katalinuhan, kagandahan, kalayaan ng indibidwal, ang pagkakaisa ng tao at kalikasan ay katangian ng lahat ng kultura ng uri ng Renaissance.

Sa pag-unlad ng kultura ng Renaissance, ang mga sumusunod na yugto ay nakikilala: Maagang Renaissance, na ang mga kinatawan ay sina Petrarch, Boccaccio, Donatello, Botticelli, Giotto at iba pa; Ang High Renaissance, na kinakatawan ni Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, François Rabelais, at ang Late Renaissance, nang ang krisis ng humanismo ay nahayag (Shakespeare, Cervantes). Ang pangunahing katangian ng Renaissance ay ang integridad at versatility sa pag-unawa sa tao, buhay at kultura. Ang matalim na pagtaas sa awtoridad ng sining ay hindi humantong sa pagsalungat nito sa agham at sining, ngunit nakita bilang katumbas at pantay na mga karapatan ng iba't ibang anyo ng aktibidad ng tao. Sa panahong ito, umabot sa mataas na antas ang inilapat na sining at arkitektura, na pinagsama ang artistikong pagkamalikhain sa teknikal na disenyo at craft. Ang kakaiba ng sining ng Renaissance ay mayroon itong binibigkas na demokratiko at makatotohanang katangian, sa gitna nito ay ang tao at kalikasan. Naabot ng mga artista ang isang malawak na saklaw ng katotohanan at nagagawang ipakita nang totoo ang mga pangunahing uso sa kanilang panahon. Naghahanap sila ng pinaka-epektibong paraan at paraan upang mabuo ang kayamanan at iba't ibang mga pagpapakita ng totoong mundo. Ang kagandahan, pagkakaisa, biyaya ay itinuturing na mga pag-aari ng totoong mundo.

Kultura ng Renaissance

Sa iba't ibang mga bansa, ang kultura ng Renaissance ay umuunlad sa iba't ibang mga rate. Sa Italya, ang Renaissance ay nauugnay sa XIV-XVI na siglo, sa ibang mga bansa - sa XV-XVI na siglo. Ang pinakamataas na punto sa pag-unlad ng kultura ng Renaissance ay nahuhulog sa ika-16 na siglo - ang High, o Classical, Renaissance, nang ang Renaissance ay kumalat sa ibang mga bansa sa Europa.

Pinag-iisa ng mga ideya ng humanismo ang kultura ng iba't ibang mamamayang Europeo. Ang prinsipyo ng humanismo, i.e. ang pinakamataas na kultural at moral na pag-unlad ng mga kakayahan ng tao, pinaka-ganap na nagpapahayag ng pangunahing pokus ng kulturang European noong XIV-XVI na siglo. Ang mga ideya ng humanismo ay kumukuha ng lahat ng strata ng lipunan - mga bilog ng mangangalakal, mga larangan ng relihiyon, ang masa. Ang isang bagong sekular na intelihente ay umuusbong. Pinagtitibay ng humanismo ang paniniwala sa walang limitasyong mga posibilidad ng tao. Salamat sa mga humanista, kalayaan sa paghatol, pagsasarili sa kaugnayan sa mga awtoridad, at isang matapang na kritikal na espiritu ay dumating sa espirituwal na kultura. Ang personalidad, makapangyarihan at maganda, ay nagiging sentro ng ideolohikal na globo. Ang isang mahalagang katangian ng kultura ng Renaissance ay ang apela sa sinaunang pamana. Ang sinaunang ideyal ng tao ay nabuhay muli, ang pag-unawa sa kagandahan bilang pagkakatugma at sukat, ang makatotohanang wika ng mga plastik na sining, sa kaibahan sa simbolismo ng medieval. Ang mga artista, eskultor at makata ng Renaissance ay naaakit ng mga paksa ng sinaunang mitolohiya at kasaysayan, sinaunang wika - Latin at Griyego. Ang pag-imbento ng paglilimbag ay may mahalagang papel sa pagpapalaganap ng sinaunang pamana.

Ang kultura ng Renaissance ay naiimpluwensyahan ng medieval na kultura na may mahabang kasaysayan at malakas na tradisyon, ngunit pinuna ng mga humanist ang kultura ng Middle Ages, isinasaalang-alang ito na barbaric; sa Renaissance, isang malaking bilang ng mga sulatin ang lumitaw laban sa simbahan at sa mga ministro nito. Kasabay nito, ang Renaissance ay hindi isang ganap na sekular na kultura. Ang ilang mga figure ay nais na ipagkasundo ang Kristiyanismo sa sinaunang panahon o lumikha ng isang bago, pinag-isang relihiyon, muling pag-isipan ito. Ang sining ng Renaissance ay isang uri ng synthesis ng sinaunang pisikal na kagandahan at espirituwal na Kristiyano. Sa pagtatapos ng siglo XV. sa France, ang mga stable renaissance trend ay itinatag sa panitikan, pagpipinta, iskultura, atbp. Karamihan sa mga mananaliksik ng Pransya ay tumutukoy sa pagkumpleto ng Renaissance sa France sa 70-80 taon. XVI siglo, isinasaalang-alang ang pagtatapos ng siglo XVI. bilang transisyon mula sa Renaissance sa pamamagitan ng Mannerism tungo sa Baroque at kalaunan ay Classicism.

Kultura ng Renaissance saFrance

Ang unang bahagi ng French Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng sinaunang pamana, na lumalalim bilang kultural na pakikipag-ugnayan sa Italya.

Mula sa katapusan ng siglo XV. Ang mga Italyano na manunulat, artista, historiographer, philologist ay dumating sa France: ang makata na si Fausto Andrenini, ang Greek scientist na si John Laskaris, ang philologist na si Julius Caesar Slapiger, ang mga artist na sina Benvenutto Cellini, Leonardo da Vinci. Salamat sa biyaya ng istilo, ang gawa ni Pavel Emin na "10 libro tungkol sa mga gawa ng mga Frank" ay nagsilbing halimbawa para sa mga nakababatang henerasyon ng mga humanistang Pranses.

Ang mga kabataang lalaki mula sa marangal at mayayamang pamilya ay naghangad sa Italya upang makita ang yaman ng kulturang Italyano. Naipakita ito sa katangian ng Renaissance ng Pransya, lalo na sa paunang yugto nito, na nagbibigay ito ng isang kapansin-pansing maharlika at marangal na imprint, na makikita sa asimilasyon ng mga marangal na pamilya, una sa lahat, ng mga panlabas na elemento ng kultura ng Italyano. Renaissance at ang malawak na pagtangkilik ng French royal court. Ang pagtangkilik ng umuusbong na French intelligentsia ay ibinigay ni Anna ng Brittany, Francis I; ang mga tradisyon ng bilog na pampanitikan ni Anna ng Brittany ay kasunod na ipinagpatuloy ni Marguerite ng Navarre, na umakit kay Rabelais, Lefevre d'Etal, batang Calvin, Clemmann, Marot, Bonaventure, atbp.

Gayunpaman, walang dahilan upang bawasan ang mga detalye ng French Renaissance lamang sa aristokrasya, gayundin upang makuha lamang ang genesis nito mula sa mga impluwensyang Italyano. Ang kultura ng French Renaissance ay lumago, una sa lahat, sa sarili nitong lupa. Ang batayan ng pinagmulan nito ay ang pagkumpleto ng pampulitikang pag-iisa ng bansa, ang pagbuo ng panloob na merkado at ang unti-unting pagbabago ng Paris sa isang pang-ekonomiya, pampulitika at kultural na sentro, kung saan ang pinaka-liblib na mga rehiyon ay naakit. Ang pagtatapos ng Hundred Years War, na naging sanhi ng paglago ng pambansang kamalayan, ay nagsilbing isang malakas na insentibo para sa pag-unlad ng kulturang Pranses.

Ang pag-unlad ng kulturang makatao ay magiging imposible nang hindi itinataas ang pangkalahatang antas ng edukasyon. Ang karunungang bumasa't sumulat ng populasyon, lalo na ang populasyon sa lunsod, ay pinatunayan ng isang malaking bilang ng mga sulat-kamay na libro. Ang isang kilalang lugar sa kanila (maliban sa Bibliya at mga koleksyon ng medieval fablios) ay inookupahan ng mga manuskrito na katulad ng uri ng Italian humanistic short story (“Great example of new short stories” ni Nicola de Troy, “100 new short stories”, pinagsasama ang impluwensya ng "Decameron" ni Boccaccio sa mga tradisyon ng katutubong kultura ng Middle Ages), na nagbubukas ng isang bagong direksyon sa katutubong panitikan ng French Renaissance. Ang paglaganap ng paglilimbag ay nag-ambag din sa pag-unlad ng kultura sa France.

Pagpipinta ng French Renaissance

Ang pinakadakilang French portraitist ng panahong ito ay si Jean Clouet the Younger.

Ang buhay at gawain ni François Clouet

revival art painting french

Si François Clouet ay ipinanganak noong mga 1516 sa Tours. Nag-aral siya sa kanyang ama, si Jean Clouet the Younger, na tumulong sa kanya sa pagtupad sa mga utos. Pagkamatay ng kanyang ama, minana niya ang kanyang posisyon bilang pintor sa korte sa hari.

Kahit na ang impluwensya ni Jean Clouet the Younger, pati na rin ang mga Italian masters, ay kapansin-pansin sa gawain ni Francois Clouet, ang kanyang artistikong istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng pagka-orihinal at maliwanag na personalidad nito.

Ang isa sa pinakamagagandang gawa ni François Clouet ay ang pagpipinta na "The Bathing Woman" (c. 1571), na, sa paraan ng pagpapatupad nito, ay medyo katulad ng painting ng Fontainebleau school. Kasabay nito, hindi tulad ng mga mythological compositions ng paaralang ito, ito ay nakahilig sa portrait genre. Ang ilang mga istoryador ng sining ay naniniwala na ang pagpipinta ay naglalarawan kay Diana Poitier, habang ang iba ay naniniwala na ito ang minamahal ni Charles IX, Marie Touchet. Ang komposisyon ay naglalaman ng mga elemento ng genre: ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang babae sa isang paliguan, sa tabi kung saan nakatayo ang isang bata at isang nars na may isang sanggol sa kanyang mga bisig; sa background ay isang maid na nagpapainit ng tubig na pampaligo. Kasabay nito, salamat sa isang espesyal na pagtatayo ng komposisyon at isang malinaw na larawan sa interpretasyon ng imahe ng isang batang babae na tumitingin sa manonood na may malamig na ngiti ng isang napakatalino na sekular na ginang, ang canvas ay hindi nagbibigay ng impresyon ng isang ordinaryong araw-araw. eksena.

Ang kahanga-hangang kasanayan ni François Clouet ay nahayag sa kanyang larawang gawa. Ang kanyang mga unang larawan sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa mga gawa ng kanyang ama, si Jean Clouet the Younger. Sa mas mature na mga gawa, ang orihinal na paraan ng French master ay nararamdaman. Bagaman sa karamihan ng mga larawang ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kadakilaan at kataimtiman, ang kinang ng mga aksesorya at ang karangyaan ng mga kasuutan at mga kurtina ay hindi pumipigil sa artist na ipakita sa manonood ang malinaw na mga indibidwal na katangian ng kanyang mga modelo.

Nakaligtas ang ilang larawan ni Charles IX ni François Clouet. Sa isang maagang larawan ng lapis noong 1559, inilarawan ng artist ang isang binatilyong nasisiyahan sa sarili, na mahalaga na tumitingin sa manonood. Ang pagguhit ng 1561 ay kumakatawan sa isang sarado, bahagyang pinipigilan na binata, nakadamit ng buong damit. Ang isang kaakit-akit na larawan, na isinagawa noong 1566, ay nagpapakita sa manonood na si Charles IX sa buong paglaki. Sa isang marupok na pigura at isang maputlang mukha, napansin ng artista ang mga pangunahing tampok ng kanyang karakter: pag-aalinlangan, kawalan ng kalooban, pagkamayamutin, makasarili na katigasan ng ulo.

Isa sa mga pinaka-kahanga-hangang gawa ng Pranses na sining ng siglo XVI. naging isang kaakit-akit na larawan ni Elisabeth ng Austria, na isinulat ni François Clouet noong mga 1571. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang kabataang babae sa isang napakagandang damit na pinalamutian ng mga kumikinang na alahas. Ang kanyang magandang mukha ay ibinaling sa manonood, at ang mga nagpapahayag na madilim na mga mata ay mukhang maingat at hindi makapaniwala. Ang kayamanan at pagkakaisa ng kulay ay ginagawa ang canvas na isang tunay na obra maestra ng French painting.

Sa ibang paraan, nakasulat ang isang matalik na larawan, kung saan ipinakita ni Francois Clouet ang kanyang kaibigan, ang parmasyutiko na si Pierre Kute (1562). Inilagay ng artista ang bayani sa kanyang karaniwang kapaligiran sa opisina, malapit sa mesa kung saan nakahiga ang herbarium. Kung ikukumpara sa nakaraang trabaho, ang larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mas pinigilan na scheme ng kulay, na binuo sa isang kumbinasyon ng ginintuang, berde at itim na kulay.

Ang malaking interes ay ang mga larawan ng lapis ni Francois Clouet, kung saan ang larawan ni Jeanne d "Albret ay namumukod-tangi, na kumakatawan sa isang matikas na batang babae, kung saan ang mga mata ng manonood ay maaaring magkaroon ng isang malakas at mapagpasyang karakter.

Sa panahon mula 1550 hanggang 1560, lumikha si Francois Clouet ng maraming mga graphic na portrait, kabilang ang magagandang mga guhit na naglalarawan sa maliit na Francis II, isang masigla at kaakit-akit na batang babae na si Marguerite ng Valois, Mary Stuart, Gaspard Coligny, Henry II. Kahit na ang ilang mga imahe ay medyo idealized, ang pangunahing tampok ng mga portrait ay ang kanilang pagiging totoo at katotohanan. Gumagamit ang artist ng iba't ibang mga diskarte: sanguine, watercolor, maliliit at magaan na stroke.

Namatay si Francois Clouet noong 1572 sa Paris. Malaki ang impluwensya ng kanyang sining sa mga kontemporaryong artista at graphic artist, pati na rin sa mga French masters ng mga susunod na henerasyon.

Ang buhay at gawain ni François Clouet the Younger

Si Jean Clouet the Younger, anak ni Jean Clouet the Elder, ay ipinanganak noong mga 1485. Ama at naging kanyang unang guro ng pagpipinta. Mayroong kaunting impormasyon tungkol sa buhay ng artista, alam lamang na mula noong 1516. Si Jean Clouet the Younger ay nagtrabaho sa Tours, at mula 1529 sa Paris, kung saan hawak niya ang posisyon ng pintor ng korte.

Ang mga larawan ni Jean Clouet the Younger ay kahanga-hangang tunay at totoo. Ito ang mga larawan ng lapis ng mga courtier: Diane Poitiers, Guillaume Goufier, Anna Montmorency. Ipininta ng pintor ang ilan sa mga kasama ng hari nang higit sa isang beses: tatlong larawan ni Gaio de Genuillac, isang kalahok sa Labanan ng Marignano, na ginawa noong 1516, 1525 at 1526, dalawang larawan ng Marshal Brissac, na itinayo noong 1531 at 1537, ang nakaligtas. hanggang ngayon. Ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga larawan ng lapis ay ang imahe ng Count d "Etan (c. 1519), kung saan ang pagnanais ng master na tumagos sa kailaliman ng panloob na mundo ng isang tao ay kapansin-pansin. Ang larawan ni Erasmus ng Rotterdam (1520) ay kapansin-pansin din , nakakagulat na mahalaga at espirituwal.

Si Jean Clouet the Younger ay pinagkadalubhasaan hindi lamang ang lapis, kundi pati na rin ang brush. Ito ay pinatunayan ng ilang mga canvases na nakaligtas hanggang ngayon. Kabilang sa mga ito ay isang larawan ng Dauphin Francis (c. 1519), Duke Claude of Guise (c. 1525), Louis de Cleves (1530).

Ang mga imahe ay medyo idealized sa mga solemne seremonyal portrait ng maliit na Charlotte ng France (c. 1520) at Francis I sa kabayo (1540). isang simple at mahigpit na larawan ng isang hindi kilalang tao na may dami ng Petrarch sa kanyang kamay.

Ang ilang mga mananaliksik ay naniniwala na ang larawan ni Francis I, na kasalukuyang nakatago sa Louvre, ay kabilang sa brush ni Jean Clouet the Younger. Ang bersyon na ito ay nakumpirma ng isang pagguhit na ginawa ng artist, bagaman posible na siya ay nagsilbi bilang isang modelo para sa isa sa mga mag-aaral ni Jean Clouet the Younger (halimbawa, ang kanyang anak na si Francois Clouet) upang lumikha ng isang kaakit-akit na larawan ng hari.

Ang larawan ng Louvre ni Francis I ay pinagsama ang solemnity, decorativeness at ang pagnanais na ipakita ang mga indibidwal na tampok ng modelo - ang king-knight, bilang Francis ay tinawag ng kanyang mga kontemporaryo. Ang karilagan ng background at ang mayamang kasuotan ng hari, ang kinang ng mga accessories - lahat ng ito ay nagbibigay ng kaningningan ng larawan, ngunit hindi natatabunan ang magkakaibang hanay ng mga damdamin ng tao at mga katangian ng karakter na mababasa sa mga mata ni Francis: panlilinlang, walang kabuluhan, ambisyon, katapangan. Ang larawan ay nagpakita ng kakayahan sa pagmamasid ng pintor, ang kanyang kakayahang tumpak at totoo na mapansin ang kakaibang bagay na iyon na nagpapakilala sa isang tao mula sa iba.

Si Jean Clouet the Younger ay namatay noong 1541. Ang kanyang gawa (lalo na ang mga guhit) ay may malaking impluwensya sa maraming mga mag-aaral at tagasunod, kung saan marahil ang pinaka-talino ay ang kanyang anak na si Francois Clouet, na si Ronsard sa kanyang "Elegy to Jean" (tinawag ng mga kapanahon ni Jean ang lahat ng tao. kinatawan ng pamilya Clouet) na tinatawag na "ang karangalan ng ating France."

Ang buhay at gawain ni Jean Fouquet

Si Jean Fouquet ay ipinanganak noong mga 1420 sa Tours sa pamilya ng isang pari. Nag-aral siya ng pagpipinta sa Paris at, posibleng, sa Nantes. Nagtrabaho siya sa Tours bilang pintor ng korte kay King Charles VII, pagkatapos ay Louis XI. Mayroon siyang malaking pagawaan kung saan ang mga utos ng korte ng hari ay isinasagawa.

Sa loob ng maraming taon, nanirahan si Fouquet sa Italya, sa Roma, kung saan nakilala niya ang gawain ng mga masters ng Italyano. Ngunit, sa kabila ng katotohanan na sa kanyang mga gawa, lalo na sa mga maaga, ang impluwensya ng sining ng Italyano at Dutch ay kapansin-pansin, mabilis na binuo ng artist ang kanyang sariling, natatanging istilo.

Ang sining ni Fouquet ay ipinakita nang malinaw sa genre ng portrait. Ang mga larawan ni Charles VII at ng kanyang mga ministro na nilikha ng artista ay makatotohanan at makatotohanan, hindi naglalaman ng pambobola o ideyalisasyon. Kahit na ang paraan ng pagpapatupad ng mga gawang ito sa maraming paraan ay kahawig ng mga pintura ng mga pintor ng Dutch, ang mga larawan ng Fouquet ay mas monumental at makabuluhan.

Kadalasan, inilarawan ni Fouquet ang kanyang mga modelo sa mga sandali ng panalangin, kaya ang mga bayani ng kanyang mga gawa ay tila nalubog sa kanilang sariling mga pag-iisip, tila hindi nila napapansin ang mga nangyayari sa kanilang paligid o ng mga manonood. Ang kanyang mga larawan ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng seremonyal na karangyaan at karangyaan ng mga accessory, ang mga imahe sa mga ito ay karaniwan, prosaic at gothically static.

Sa larawan ni Charles VII (c. 1445) mayroong isang inskripsiyon: "Ang pinakamatagumpay na hari ng France." Ngunit inilarawan ni Fouquet ang hari nang lubos na mapagkakatiwalaan at totoo na ganap na walang mga indikasyon ng kanyang tagumpay: ang larawan ay nagpapakita ng isang mahina at pangit na tao, na sa hitsura ay walang kabayanihan. Nakikita ng manonood sa kanyang harapan ang isang egoist na busog sa buhay at pagod sa libangan na may maliliit na mata, malaking ilong at mataba na labi.

Tulad ng totoo at kahit na walang awa ay ang larawan ng isa sa mga pinaka-maimpluwensyang courtier ng hari, Juvenel des Yurzen (c. 1460). Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang matabang lalaki na may namamaga ang mukha at may mapang-asar na hitsura. Makatotohanan din ang larawan ni Louis XI. Ang artista ay hindi naghangad na kahit papaano ay pagandahin ang kanyang mga modelo, inilarawan niya ang mga ito nang eksakto kung paano sila sa buhay. Kinumpirma ito ng maraming mga guhit na lapis na nauna sa mga larawang larawan.

Ang obra maestra ni Fouquet ay isang diptych na isinulat noong mga 1450, isang bahagi nito ay naglalarawan kay Etienne Chevalier kasama si St. Si Stephen, at sa kabilang banda - ang Madonna kasama ang sanggol na si Jesus. Si Maria ay tumatama sa kanyang kagandahang-loob at kalmadong kagandahan. Ang maputlang katawan ng Madonna at Child, ang kulay-abo-asul na damit at ermine na damit ni Maria ay lubos na naiiba sa maliwanag na pulang pigura ng maliliit na anghel na nakapalibot sa trono. Ang mga malinaw na linya, laconic at mahigpit na pangkulay ng larawan ay nagbibigay sa imahe ng solemnity at expressiveness.

Ang mga imahe ng ikalawang bahagi ng diptych ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong mahigpit na kalinawan at panloob na lalim. Ang kanyang mga karakter ay nag-iisip at kalmado, ang kanilang mga hitsura ay nagpapakita ng maliwanag na mga katangian ng karakter. Si Stefan ay nakatayo nang malaya at simple, na inilalarawan bilang isang tunay na tao, hindi isang santo. Nakapatong ang kanyang kamay sa balikat ng bahagyang nakagapos na si Etienne Chevalier, na kinakatawan ng pintor sa sandali ng panalangin. Ang Chevalier ay isang nasa katanghaliang-gulang na lalaki na may kulubot na mukha, baluktot na ilong at isang matigas na tingin sa kanyang maliliit na mata. Ito na siguro ang itsura niya sa totoong buhay. Tulad ng larawan kasama ang Madonna, ang bahaging ito ng diptych ay nakikilala sa pamamagitan ng integridad ng komposisyon, ang kayamanan at sonoridad ng kulay, batay sa pula, ginintuang at lila.

Ang isang malaking lugar sa gawain ng Fouquet ay inookupahan ng mga miniature. Ang mga gawang ito ng artista ay halos kapareho sa mga gawa ng magkapatid na Limburg, ngunit mas makatotohanan ang mga ito sa paglalarawan ng mundo sa kanilang paligid.

Gumawa si Fouquet ng magagandang ilustrasyon para sa "Great French Chronicles" (late 1450s), Etienne Chevalier's Book of Hours (1452-1460), Boccaccio's "Novels" (c. 1460), "Jewish Antiquities" ni Josephus Flavius (c. 1470 ). Sa mga miniature na naglalarawan ng relihiyon, antigong mga eksena o buhay Italyano, ang mga kontemporaryong lungsod ng Pransya na may tahimik na mga kalye at malalaking parisukat, mga parang, burol, mga pampang ng ilog ng magandang tinubuang-bayan ng pintor, ang mga kahanga-hangang monumento ng arkitektura ng France ay hinuhulaan ng artist, kabilang ang Notre Dame Cathedral, Saint-Chapelle.

Ang mga miniature ay halos palaging nagtatampok ng mga pigura ng tao. Nagustuhan ni Fouquet na ilarawan ang mga eksena ng buhay magsasaka, lunsod at korte, mga yugto ng mga labanan ng kamakailang natapos na digmaan. Sa ilang mga miniature, makikita mo ang mga larawan ng mga kontemporaryo ng artist ("Representasyon ng Our Lady ni Etienne Chevalier").

Si Fouquet ay isang mahuhusay na tagapagtala, ang kanyang mga gawa ay naglalarawan ng mga makasaysayang kaganapan na may kamangha-manghang katumpakan, detalye at katotohanan. Ganito ang miniature na "The Trial of the Duke of Alençon in 1458", na kumakatawan sa higit sa dalawang daang karakter sa isang sheet. Sa kabila ng malaking bilang ng mga numero, ang imahe ay hindi nagsasama, at ang komposisyon ay nananatiling malutong at malinaw. Ang mga karakter sa harapan ay tila lalo na buhay at natural - ang mga taong-bayan na dumating upang tumitig sa hukom, ang mga guwardiya ay pinipigilan ang panggigipit ng karamihan. Ang solusyon sa kulay ay napakatagumpay: ang gitnang bahagi ng komposisyon ay na-highlight ng asul na background ng karpet, na sumasaklaw sa lugar ng paghatol. Ang iba pang mga karpet na may magagandang burloloy, tapiserya at halaman ay binibigyang diin ang pagpapahayag ng miniature at binibigyan ito ng isang espesyal na kagandahan.

Ang mga gawa ni Fouquet ay nagpapatotoo sa kakayahan ng kanilang may-akda na mahusay na maghatid ng espasyo. Halimbawa, ang kanyang miniature na "St. Martin" (Etienne Chevalier's Book of Hours) ay inilalarawan ang tulay, pilapil, mga bahay at mga tulay nang tumpak at mapagkakatiwalaan na madaling ibalik ang hitsura ng Paris sa panahon ng paghahari ni Charles VII.

Marami sa mga miniature ni Fouquet ay nakikilala sa pamamagitan ng banayad na liriko, na nilikha salamat sa patula at kalmadong tanawin (ang sheet na "Nalaman ni David ang pagkamatay ni Saul" mula sa "Mga Antiquities ng mga Hudyo").

Namatay si Fouquet sa pagitan ng 1477-1481. Napakasikat sa kanyang buhay, ang artista ay mabilis na nakalimutan ng kanyang mga kababayan. Ang kanyang sining ay nakatanggap ng isang karapat-dapat na pagpapahalaga pagkalipas lamang ng maraming taon, sa pagtatapos ng ika-19 na siglo.

Wkonklusyon

Ang sining sa panahon ng renaissance ay ang pangunahing anyo ng espirituwal na aktibidad. Halos walang mga taong walang malasakit sa sining. Ang mga masining na gawa ay lubos na nagpapahayag ng parehong ideyal ng maayos na mundo at ang lugar ng tao dito. Ang lahat ng anyo ng sining ay napapailalim sa gawaing ito sa iba't ibang antas.

Ang mga mithiin ng Renaissance ay lubos na ipinahayag sa pamamagitan ng arkitektura, eskultura, pagpipinta, at pagpipinta sa panahong ito ay nauuna, na nagtutulak sa arkitektura sa isang tabi. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang pagpipinta ay nagkaroon ng mas maraming pagkakataon upang ipakita ang totoong mundo, ang kagandahan, kayamanan at pagkakaiba-iba nito.

Ang isang katangian ng kultura ng Renaissance ay ang malapit na koneksyon sa pagitan ng agham at sining. Ang mga artista, na naghahangad na lubos na maipakita ang lahat ng mga likas na anyo, ay bumaling sa kaalamang pang-agham. Isang bagong sistema ng artistikong pananaw ng mundo ay binuo. Ang mga artista ng Renaissance ay bumuo ng mga prinsipyo ng linear na pananaw. Nakatulong ang pagtuklas na ito na palawakin ang hanay ng mga itinatanghal na phenomena, upang maisama ang landscape at arkitektura sa kaakit-akit na espasyo, na ginagawang isang uri ng bintana ang larawan sa mundo. Ang kumbinasyon ng isang siyentipiko at isang artista sa isang malikhaing tao ay posible lamang sa Renaissance. Sa Renaissance, ang mga bagong istilo at uso ay isinilang at binuo, na higit na tumutukoy kapwa sa pag-usbong ng modernong kultura at sa karagdagang pag-unlad nito.

MULA SAlistahan ng ginamit na panitikan

1) Gurevich P.S. Kulturolohiya: Teksbuk. - M., 1996.

3) Kulturolohiya / ed. Radugina A.A. - M., 1996.

4) Ang sining ng unang bahagi ng Renaissance. - M.: Sining, 1980. - 257 p.

5) Kasaysayan ng sining: Renaissance. - M.: AST, 2003. - 503 p.

6) Yaylenko E. V. Italian Renaissance. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 p.

7) Yaylenko E. V. Italian Renaissance. - M.: OLMA-PRESS, 2005. - 128 p.

8) Livshits N.A. Sining ng Pranses noong ika-15-18 siglo L., 1967.

9) Petrusevich N.B. Sining ng France 15-16 siglo. M., 1973.

10) Kamenskaya T.D. Novoselskaya I.N. French drawing 15-16 century. L., 1969.

Naka-host sa Allbest.ru

Mga Katulad na Dokumento

Mga tampok ng Renaissance. Ang pagsilang ng kultura ng Renaissance sa Netherlands. Ang gawa nina Pieter Brueghel at Jan van Eyck. Portrait technique ni Francois Clouet. Ang gawain ng mga masters ng paaralan ng Fontainebleau. Mga natatanging tampok ng artistikong kultura ng Northern Renaissance.

term paper, idinagdag noong 09/30/2015

Pangkalahatang katangian ng Renaissance, ang mga natatanging tampok nito. Ang mga pangunahing panahon at tao ng Renaissance. Ang pag-unlad ng sistema ng kaalaman, ang pilosopiya ng Renaissance. Mga katangian ng mga obra maestra ng artistikong kultura ng panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng sining ng Renaissance.

malikhaing gawain, idinagdag noong 05/17/2010

Periodization ng Renaissance at ang mga katangian nito. Ang kakaiba ng materyal na kultura ng Renaissance. Ang likas na katangian ng paggawa ng mga bagay ng materyal na kultura. Ang mga pangunahing tampok ng estilo, artistikong hitsura ng panahon. Mga tampok na katangian ng materyal na kultura.

term paper, idinagdag noong 04/25/2012

Ang pag-unlad ng artistikong kultura ng Renaissance sa Italya. Ang landas ng buhay at gawain ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo Buonarroti. Pagkamalikhain ng mga dakilang masters ng huling Renaissance - Palladio, Veronese, Tintoretto. Sining ng Mataas na Renaissance.

abstract, idinagdag noong 03/13/2011

Socio-economic background, espirituwal na pinagmulan at katangian ng kultura ng Renaissance. Ang pag-unlad ng kulturang Italyano sa panahon ng Proto-Renaissance, Early, High at Late Renaissance. Mga tampok ng panahon ng Renaissance sa mga estado ng Slavic.

abstract, idinagdag noong 05/09/2011

Pagtukoy sa antas ng impluwensya ng Middle Ages sa kultura ng Renaissance. Pagsusuri ng mga pangunahing yugto sa pag-unlad ng artistikong kultura ng Renaissance. Mga natatanging katangian ng Renaissance sa iba't ibang bansa sa Kanlurang Europa. Mga tampok ng kultura ng Belarusian Renaissance.

term paper, idinagdag noong 04/23/2011

Renaissance bilang isang panahon sa kasaysayan ng Europa. Ang kasaysayan ng paglitaw ng hindi pangkaraniwang bagay na ito, mga tampok ng maagang Renaissance. Ang kasagsagan ng Renaissance sa Netherlands, Germany at France. Sining ng Northern Renaissance, agham, pilosopiya at panitikan. Arkitektura at musika.

pagtatanghal, idinagdag noong 12/15/2014

Kronolohikal na balangkas ng Renaissance, ang mga natatanging tampok nito. Ang sekular na katangian ng kultura at ang interes nito sa tao at sa kanyang mga gawain. Mga yugto ng pag-unlad ng Renaissance, mga tampok ng pagpapakita nito sa Russia. Ang muling pagkabuhay ng pagpipinta, agham at pananaw sa mundo.

pagtatanghal, idinagdag noong 10/24/2015

Humanismo bilang isang ideolohiya ng Renaissance. Mga pagpapakita ng humanismo sa iba't ibang panahon. Mga natatanging katangian ng Renaissance. Malikhaing aktibidad ng makatang Italyano na si Francesco Petrarca. Erasmus ng Rotterdam - ang pinakamalaking siyentipiko ng Northern Renaissance.

pagtatanghal, idinagdag noong 10/12/2016

Ang problema ng Renaissance sa modernong pag-aaral sa kultura. Ang mga pangunahing tampok ng Renaissance. Ang likas na katangian ng kultura ng Renaissance. Humanismo ng Renaissance. Malayang pag-iisip at sekular na indibidwalismo. Agham ng Renaissance. Ang doktrina ng lipunan at ng estado.

Noong ika-15 siglo, sa isang masalimuot na makasaysayang sitwasyon, na nailalarawan sa pyudal na pagkapira-piraso at mga kondisyon ng Daang Taon na Digmaan (1337-1453), naganap ang mga pagbabago sa larangan ng French fine art, na unti-unting nakakuha ng sekular na karakter.

Ang diwa ng Gothic, gayunpaman, ay tumagos nang malalim sa kamalayan ng mga tao, at ang mga panlasa batay sa nakaugat na tradisyon ng Gothic ay nabago nang napakabagal. Hanggang sa katapusan ng siglo XVI. Ang arkitektura ng medieval ay patuloy na nabubuhay nang magkakasama

at mga anyo ng Renaissance, at maging sa eskultura at pagpipinta ng mga elemento ng Gothic ay napanatili.

Marahil ang unang uri ng sining, kung saan ang mga makatotohanang tendensya ay nagpakita ng kanilang mga sarili sa ganap na lawak, ay ang maliit na libro. Sa mga ilustrasyon ng mga salmo, ebanghelyo, aklat ng mga oras, makasaysayang mga talaan na makikita natin ang isang bagong saloobin sa mundo sa paligid natin at ang paglipat mula sa kumbensiyonal tungo sa makatotohanang paglalarawan. Ang malapit na atensyon sa kalikasan, ang pagnanais na pag-aralan at tularan ito ay humantong sa mga bagong pamamaraan sa paglilipat ng realidad: ang mga bagay at mga pigura ng tao ay naglalagay ng mga anino, ang malalawak na espasyo ay napupunta sa malayo, ang mga bagay ay lumiliit at nagiging malabo habang sila ay lumalayo. Sa kauna-unahang pagkakataon, sinimulan ng mga artista na ihatid ang liwanag at kapaligiran ng hangin at ang mga mekanika ng paggalaw ng katawan ng tao. Ganap na bagong mga hangarin sa sining ng Pransya noong ika-XV na siglo. ipinakita ang kanilang mga sarili sa gawain ng mga artista na nagtrabaho sa Tours, ang tirahan ng hari, ang pangunahing sentro ng kultura ng France noong panahong iyon. Ang Touraine ay tinawag na French Tuscany, at isang bagong istilo ng French Renaissance art ang isinilang dito.

Isa sa pinakamahalagang Pranses na artista noong ika-15 siglo ay nanirahan at nagtrabaho sa Tours. -Jean Fouquet(1420-1477/81).

Si Fouquet ang unang Pranses na pintor na ang gawa ay nagpakita ng malinaw na interes sa pagkatao ng tao at ang paglipat ng pagkakahawig ng larawan. Sa loob ng balangkas ng komposisyon ng altar ng Gothic, ang Melun Diptych ay isang ganap na obra maestra, sa kaliwang pakpak kung saan ang donor (customer ng imahe ng altar) na si Etienne Chevalier at ang patron na si Saint Stephen ay inilalarawan, sa kanan - ang Madonna at Bata. . Ang mga nagpapahayag na mga figure ng donor at ang santo sa isang tatlong-kapat na pagliko ay sumasakop sa halos buong eroplano ng larawan at, sa kabila ng ilang mga asetiko na imahe, ay hindi mukhang hiwalay at hindi makalupa. Ang espasyo sa likod ng kanilang mga figure ay minarkahan ng lalim, at ang mga mukha ay sa pamamagitan ng natural na carnation. Ang marmol na kaputian ng walang dugong mukha ng Madonna at ang katawan ng sanggol, sa kabaligtaran, ay tumingkad nang husto laban sa ganap na patag na background ng isang marangyang trono na sinusuportahan ng nagniningas na pula at maliwanag na asul na mga pigura ng mga seraphim at kerubin. Kasabay nito, ang isang mataas na ahit na noo, isang maliit na bibig, puting balat, isang mahigpit na iginuhit na baywang, isang pose at isang kulay-abo-asul na damit na may isang ermine mantle ay mga katangian ng hitsura ng isang babae ng korte noong panahong iyon, lalo na mula noong ang imahe ng Madonna ay hindi walang larawang pagkakahawig sa minamahal ni Charles VII, Agnes Sorel. Ang ganitong kaibahan ng seremonyal, sagradong sandali at pang-araw-araw na katotohanan ay katulad ng mga pamamaraan na ginamit ni Jan van Eyck sa kanyang mga pagpipinta sa altar (tingnan ang color inc.).

Ang lumalagong relasyon sa kalakalan sa Italya, at pagkatapos ay ang mga kampanyang Italyano ng mga haring Pranses na sina Charles VIII at Francis I, ay nagbukas ng daan para sa malawakang pagtagos ng kultura ng Renaissance ng Italya sa France. Ang kakaiba ng French humanism ay tinutukoy ng koneksyon nito sa kapaligiran ng korte. Ito ay hindi isang kultura ng burgher, tulad ng sa Netherlands, ngunit isang korte, at ang pagtangkilik ni Francis I sa sining ay nagbigay dito ng isang maharlikang kulay. Sa France, ang pinaka-binuo ay nauugnay sa isang sekular na pananaw sa mundo. sensationalism - pang-unawa sa pamamagitan ng sensasyon. Sa sining, siya ay lubos na kinakatawan paaralan ng Fontainebleau at mga makata "Pleiades", Naakit ni Francis I sa kanyang korte ang pinaka-napaliwanagan na mga tao ng France, mga makata, mga artista, mga siyentipiko. Isang tagahanga ng sining ng Italyano, inimbitahan niya ang mga sikat na artista mula sa Italya, na, kahit na wala silang makabuluhang epekto sa sining ng Pransya, tiyak na nag-ambag sa pagtagumpayan ng mga tradisyon ng medieval dito. Sa korte ni Francis I, ginugol ng dakilang Leonardo da Vinci ang huling tatlong taon ng kanyang buhay.

Ang pinakakumpleto at matingkad na mga ideya ng French Renaissance ay nakapaloob sa panitikan. Mayroong isang bilog na pampanitikan sa palasyo ng hari. Ang kapatid ng hari na si Margherita ng Navarre, na siya rin ay isang natatanging manunulat (isinulat niya ang sikat na Heptameron, na isinulat bilang paggaya sa Decameron ni Boccaccio), ay nagtipon sa paligid ng kanyang mga humanist na manunulat at makata, kung saan ang mga gawa ay lalong malinaw ang mga bagong ideya at adhikain. Ito ay sina Rabelais, Ronsard, Montaigne, na ang mga gawa, walang alinlangan, ay nag-ambag sa pagbabago ng lipunan sa isang bagong paraan.

Francois Rabelais(1494-1553) ay ang pinakadakilang kinatawan ng French Renaissance, ang kanyang nobelang "Gargantua at Pantagruel" ay gumanap ng parehong papel sa kultura ng France bilang "Divine Comedy" ni Dante sa Italy, i.e. malaki ang naiambag sa mabilis na pag-unlad ng mga ideyang makatao na katangian ng Renaissance.

Ang balangkas ay kinuha ni Rabelais mula sa katutubong panitikan, lalo na mula sa aklat na "Mahusay at napakahalagang mga salaysay tungkol sa dakila at malaking higanteng Gargantua." Ginawang higante ni Rabelais ang mga bayani, na pinagkalooban sila ng lawak ng kaluluwa at saklaw, na, gaya ng karaniwang pinaniniwalaan, ay likas sa malalaking tao; ang katawa-tawa, magaspang na katutubong katatawanan ang naging batayan ng istilo ng pagsulat ni Rabelais. Ang nobela mismo ay isang tunay na manifesto ng French Renaissance.

Ito ay isang masigasig na himno sa mga bagong ideya sa larangan ng edukasyon, kung saan ang mga taong lumikha ng isang bagong kultura ay may malaking kahalagahan, dahil tinawag itong ihanda ang isang tao mula sa maagang pagkabata para sa pang-unawa ng kulturang ito. Si Rabelais, na umaasa sa pedagogical practice ng mga Italian humanist, ay naglagay ng dalawang prinsipyo sa batayan ng pampublikong edukasyon: una, ang isang tao ay dapat tumanggap hindi lamang ng kaalaman, kundi pati na rin ang pisikal na edukasyon, at pangalawa, ang iba't ibang mga disiplina ay dapat na kahalili sa sistema ng edukasyon - humanitarian at natural sciences.siyentipiko, interspersed with rest. Sa pagdedeklara ng programang ito, sinalakay ni Rabelais ang mga iskolastiko at teologo sa lahat ng kapangyarihan ng kanyang walang pigil na panunuya bilang kuta ng ideolohiya ng lumang mundo.

Ang imahe ni Pantagruel, na nagpapakilala sa huwarang monarko at huwarang tao, sa isang tiyak na lawak ay sumasalamin sa mga birtud na walang alinlangan na taglay ng naliwanagang mga monarko na sina Francis I at Henry II. sa parehong oras ginawang posible upang maimpluwensyahan ang mga panlasa. Kahit na ang makata na si Ronsard ay lumikha ng mga gawa kung saan, niluluwalhati ang bahay ni Valois, nanawagan siya sa hari na gabayan sa buhay at mga gawa ng matataas na prinsipyo at mga birtud.

Sa pagkamalikhain Pierre de Ronsard(1524-1585) at mga humanist na manunulat, na nagkaisa sa bilog na pampanitikan na "Pleiades" ("Pitong Bituin"), ang mga tula ng Renaissance ng Pransya ay umabot sa rurok nito. Ang Pleiades ay binubuo ng pitong manunulat na tiyak na lumabag sa mga tradisyon ng panitikang medyebal, nakita ang pinagmulan ng perpektong kagandahan sa sinaunang at modernong Italyano na mga tula, at ipinagtanggol ang mga karapatan ng pambansang wikang Pranses. Ang pinakamahalagang malikhaing pamana ng Pleiades ay ang mga liriko, kung saan ang mga makata, ang una sa kanila ay si Ronsard, ay nagpakita ng kanilang talento nang may kahanga-hangang ningning. Sa Anthem ng France, ipinahayag niya:

Nabihag sa edad na dalawampu't isang walang malasakit na kagandahan, naisipan kong ibuhos ang aking taos-pusong init sa taludtod, Ngunit, sang-ayon sa damdamin ng wikang Pranses, nakita ko kung gaano ito bastos, malabo, at pangit. Pagkatapos para sa France, para sa aking sariling wika, nagsimula akong magtrabaho nang matapang at mahigpit:

Ako ay nagparami, muling nabuhay, nag-imbento ng mga salita,

At ang nilikha ay niluwalhati ng bulung-bulungan.

Ako, na nag-aral ng mga sinaunang tao, ay nagbukas ng aking daan,

Nagbigay siya ng kaayusan sa mga parirala, pagkakaiba-iba sa pantig,

Natagpuan ko ang pagkakasunud-sunod ng mga tula - at sa pamamagitan ng kalooban ng mga muse,

Tulad ng Romano at Griyego, naging dakila ang Pranses.

Sa mga odes ng Ronsard, isang matahimik, paganong pakiramdam ng kalikasan ang tunog:

Ipinapadala ko sa iyo ang mga linyang ito, Libreng pastulan, bukid,

Kayo, mga kuweba, batis, Groves, tamad na ilog,

Ikaw, na nahuhulog mula sa matarik, ipinapadala ko ang padyak sa tabi ng batis

Susi ng bundok. Aking kanta.

Sa sonnets 1, pinayaman ni Ronsard ang French na tula gamit ang isang bagong metro, na kilala bilang linya ng Ronsard:

Burahin mo, aking pahina, gamit ang isang walang awa na kamay ang Enamel ng tagsibol na nagpalamuti sa hardin, Sira ang buong bahay, ibuhos dito ang halimuyak ng Bulaklak at mga halamang namumulaklak sa ibabaw ng ilog.

Bigyan mo ako ng lira! Itutugunan ko ang mga kuwerdas sa paraang, Upang pahinain ang di-nakikitang lason, Na sumunog sa akin ng isang tingin, Hindi mapaghihiwalay na naghahari sa akin.

Tinta, papel - mag-stock tayo lahat! Sa isang daang sheet, hindi nasisira tulad ng isang brilyante, nais kong makuha ang aking pagkahilo,

At ang tahimik kong natutunaw sa aking puso - Ang aking dalamhati, ang aking piping kalungkutan - Ang mga susunod na henerasyon ay magsasalo.

Sa ilalim ni Francis I, nagsimula ang pagtatayo sa buong France. Mga arkitekto ng Pranses noong ika-16 na siglo lumikha ng orihinal na bersyon ng pambansang arkitektura ng Renaissance. Ang pagbabalik sa mga sinaunang anyo ng arkitektura at ang karanasan ng Italya, hindi nila pinabayaan ang pag-imbento ng kanilang mga ninuno. Ang kumbinasyon ng mga tradisyunal na matarik na bubong na may mga bintanang lucarne (isang pagbubukas ng bintana sa bubong ng attic) at matataas na mga tsimenea, mga spire, mga tore na may pagpoproseso ng pagkakasunud-sunod ng mga dingding ay naging katangian. Ang lumang kastilyo, na gawa sa tinabas na limestone na sinamahan ng ladrilyo, ay kinuha bilang batayan, at itinayong muli sa isang bagong paraan sa mga arkitektural na anyo ng matataas na klasiko. Ang dating polygonal na plano ay napanatili sa kastilyo, ang mga pader ng kuta ay binuwag, at ang mga harapan ng mga gusali ay nakaharap sa paligid, ngunit ang isa ay maaaring makapasok sa loob ng kastilyo sa pamamagitan ng mabibigat na pintuan na may mga tore. Ang patayong aspirasyon ng gusali ay pinalambot ng malawak na paggamit ng entablature, isang malaking bilang ng mga pinahabang bintana; ang karaniwang palamuti ng Gothic ay pinalitan ng mga medalyon, pilasters, dahon ng acanthus, nakoronahan na mga salamander - ang sagisag ni Francis I.

Maraming katulad na kastilyo ang itinayo noong unang kalahati ng ika-16 na siglo. sa Loire Valley, sa mga maharlikang tirahan. Ito ang mga kastilyo ng Blois, Chambord, Cheverny, Amboise, Chenonceau. Ang pinakamahalagang yugto ng kulturang Pranses ay nauugnay sa pagtatayo ng kastilyo sa Fontainebleau.

Soneto - isang matibay na anyo ng versification, na binubuo ng dalawang quatrains at dalawang tertiary lines.

Castle ng Fontainebleau. Arch. J. Lebreton. France

Sa ikalawang kalahati ng kanyang paghahari, inilipat ni Francis I ang sentro ng aktibidad ng konstruksiyon na mas malapit sa Paris, sa makasaysayang rehiyon ng Ile de France. Ang kastilyo, na lumalago sa loob ng maraming siglo, ay isang medyo magulong gusali, ang arkitekto ay nagsagawa ng muling paggawa nito noong 1528. Jules Lebreton. Kasunod nito, ang kastilyo ay muling itinayo nang maraming beses, ngunit ang mga pangunahing bahagi nito, na itinayo sa ilalim ni Francis I, ay napanatili. Ito ang tinatawag na Oval Court, na napapaligiran ng mga apartment ng hari, kasama ang sikat na ballroom (gallery ng Henry II).

Ang isang gallery ay nakakabit sa kanila, na kung saan ay tinatawag na gallery ng Francis I, na may isang gilid na bumubuo sa patyo ng Pinagmulan, na bumubukas sa isang malawak na pond, at ang isa pa - ang patyo ng Diana na may mga bulaklak na kama at isang eskultura ni Diana sa ang gitna. Ang pangunahing gusali, na patayo sa gallery, ay isinara ang parehong mga courtyard na ito at nakaharap sa courtyard ng White Horse - isang lugar ng mga kasiyahan at mga paligsahan. Sinasalamin nito ang mga tampok na karaniwan sa arkitektura ng French Renaissance na naging mapagpasyahan para sa lahat ng kaayusan ng kaayusan: square masonry at rustication cladding, pagpapalit ng mga bilog na tore na may mga rectangular ledge ng pader - mga pagpapakita 1 na may paglalaan ng sentro sa kahabaan ng harapan, sahig-by-palapag na dibisyon ng mga cornice sa pamamagitan ng mga pahalang.

Inilipat sa Fontainebleau ang pinakamayamang aklatan ng hari, isang koleksyon ng mga antigo, mga obra maestra nina Raphael at Leonardo da Vinci. Para sa dekorasyon ng mga interior chamber, inimbitahan ni Francis I ang mga Italian mannerist artist na sina Rosso, Primaticcio, Cellini. Nakakita sila ng mga tagasunod sa mga Pranses na artista na bumubuo sa tinatawag na Paaralan ng Fontainebleau.

Ang pinakamalaking kinatawan ng Mannerism na nagtrabaho sa Fontainebleau ay ang Florentine artist na si Giovanni Baggista di Jacopo, na binansagan para sa kulay ng kanyang buhok. Rosso Fiorentino(1493-1541) - pula ang buhok na Florentine. Follower ni Andrea del

1 Rizalit(mula sa Italian risalita - ledge) - isang bahagi ng gusali na nakausli lampas sa pangunahing linya ng harapan.

Rosso Fiorenpshno. Francis I Gallery. Fontainebleau Castle

Sarto at Michelangelo, lumikha si Rosso ng kanyang sariling istilo, na nailalarawan sa matinding pagpapahayag, na binuo sa isang kumbinasyon ng mga pinahabang figure, matalim na kaibahan, matalim na anggulo. Ang istilong ito higit sa lahat ay tumutugma sa aristokratikong diwa ng French humanism, ang nangingibabaw na mga ideya tungkol sa kagandahan, kung saan napanatili ang "Gothic curve" at allegoricalness.

Ang pangunahing gawain ng Rosso sa Fontainebleau, at ang tanging nabubuhay, ay ang disenyo ng gallery ng Francis I. Oak parquet, kisame, mga panel, na umaabot sa gitna ng dingding sa "French na paraan", ay ginawa ayon sa mga guhit ni Rosso ng mga cabinetmaker. Ang itaas na bahagi ng mga dingding ay pininturahan ng mga fresco na naka-frame ng pandekorasyon na iskultura. Ang kakaibang pahabang mga pigura sa mga ito ay tila naka-flatten dahil sa napakaliwanag na mga kulay at ang paliko-liko, magkakaugnay na mga linya ng komposisyon. Ang pakiramdam ng incorporeality ng mga figure na ito ay pinahusay ng kalapitan sa isang three-dimensional, halos bilog, plaster sculpture na may maraming detalye: cartouches 1 , garlands, human figures. Ang ganitong magkatugma na kumbinasyon ng "paraang Pranses" sa arkitektura, spatial na pagpipinta at three-dimensional na makatotohanang iskultura, na hindi pa ginagamit kahit saan dati, ay ang malikhaing imbensyon ni Rosso mismo. Ang gallery ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo, nagdulot ng maraming imitasyon at naging "progenitor" ng mga sikat na gallery ng Louvre at Versailles, na pinalamutian na sa istilong Baroque.

Inanyayahan na tulungan si Rosso, ang artista mula sa Bologna Francesco Primaticcio (1504-1570), pagkatapos ng pagkamatay ng master, ay naging diktador ng artistikong panlasa ng paaralan ng Fontainebleau. Pinalitan ni Primaticcio ang emphasized expressiveness ni Rosso ng mabagal at matamlay na mannerism, na nagtatag ng bagong canon ng kagandahan, pinagsasama ang pagkababae at panlalaking katangian. Si Diana, isang dalagang diyosa, matangkad, balingkinitan, ang naging paborito niyang karakter. Ang pinakamagandang imahe niya ay itinuturing na Louvre

1 Cartouche - palamuti sa anyo ng isang kalasag o isang kalahating nakatiklop na scroll.

"Diana the Huntress", na nauugnay sa personalidad ng sikat na kagandahan at pinakamakapangyarihang paborito ni Henry II, Diana de Poitiers.

Ang napaka katangian ng kultura ng korte ng Pransya ay ang pagsasanib ng tula at pagpipinta, na nag-iiba sa parehong balangkas.

Ang isang halimbawa ay ang maikling kuwento na "The Carriage" ni Margaret ng Navarre, na naglalarawan kung paano siya sumakay sa mga parang, tinatamasa ang rural landscape, nakikipag-usap sa mga ordinaryong tao na nagtatrabaho sa bukid. Tatlong marangal na babae na lumabas mula sa kagubatan ay nagreklamo tungkol sa kanilang pagdurusa sa pag-ibig. Napakatalino ng kanilang kwento, napakaretorika ang mga pagbubuhos at sinasabayan ng saganang luha na natatakpan ng ulap ang langit at bumuhos ang malakas na ulan sa lupa, na nakakagambala sa elegiac na paglalakad na ito.

Ang parehong eksena ay inilalarawan sa isang magandang ukit Bernard Solomon, at ginamit ni Primaticcio sa pagdekorasyon sa ballroom ni Henry P. Dito, ang kahanga-hangang dekorasyon ng Primaticcio ay umabot sa pinakamataas na rurok nito. Hindi lamang siya bumaling sa mga balangkas mula sa Metamorphoses ni Ovid, na umaalingawngaw sa maaliwalas na magagandang pigura ng babae, kundi pati na rin sa mga bucolic na eksena kung saan ang mga magagandang peizan at peisan ay kumakatawan sa idyll ng paggawa ng magsasaka.

Kapag nagdidisenyo ng ballroom, iniwan ng artist ang iskultura, pinalitan ito ng mga ginintuang baguette, na nagpalakas sa papel ng pagpipinta at nagpakilala ng higit na geometricity at higpit sa disenyo ng bulwagan.

Ang mga tampok na istilo ng paaralang Fontainebleau ay malinaw na nakikita sa pagpipinta ng mga interior ng palasyo at sa iskultura na nakabalangkas sa mga nakamamanghang canvases. Una, ang kagustuhan ay ibinigay sa makasaysayang, mitolohiya at alegorikal na mga paksa. Ngunit pati na rin ang mga pana-panahong eksena ng paggawa ng magsasaka, na karaniwan sa mga lumang French miniature, ay naging uso. Pangalawa, sinimulan nilang ilarawan ang mga hubad na babaeng figure, na hanggang sa oras na iyon ay hindi natagpuan sa mga gawa ng mga Pranses na artista. Kasabay nito, ang mga kaakit-akit na imahe ay binigyan ng isang katangi-tanging, sadyang sekular na karakter, ganap na wala sa init ng tao, dahil sa hindi katimbang na mga "serpentine figure". Pangatlo, ang maliwanag, halos transparent na maputlang rosas, mala-bughaw-asul, maputlang berdeng mga tono, na naaayon sa manneristic na mga ideya ng pino, pino, ethereal, marupok na kagandahan, ay naging paboritong kulay.

Si Zhyan ay isang kilalang kinatawan ng istilong Fontainebleau sa French plastic art. Goujon(1510-1568). Ang kanyang pinaka-inspiradong gawa ay ang nilikha niya sa mga sinaunang anyo kasama Pierre Lescaut(1515-1578) "The Fountain of the Innocents". Para sa fountain, gumawa si Goujon ng mga relief ng mga nymph, na ang mga pinahabang nababaluktot na figure ay nakasulat sa makitid na mga slab na pinahabang paitaas. Ang kanilang walang timbang at kaaya-ayang paggalaw ay sinasabayan ng magaan na mga tunika, na parang umaagos na tubig. Ang mga figure na ito - isang uri ng simbolo ng panlasa ng panahon - ay nauugnay sa mga imahe ng tula ng Ron-Sarov:

Nakilala ko ang isang dryad sa bukid noong tagsibol. Siya ay nasa isang simpleng damit, sa gitna ng mga bulaklak, Hawak ang isang bouquet na may pabaya na mga daliri, Isang malaking bulaklak ang dumaan sa aking harapan ...

Ang pangalan ng Goujon ay nauugnay sa sculptural na dekorasyon ng western facade ng Louvre, na itinayo ni Pierre Lescaut at itinuturing na pinakamataas na tagumpay ng French Renaissance architecture. Ang eskultura ay puro sa frame ng mga bintana ng ikatlong palapag at sa mga projection. Ang mga alegorya na pigura ng digmaan at kapayapaan ay nakabalangkas sa mga pabilog na bintana sa itaas ng mga pasukan, pinalamutian ng mga relief na larawan ng mga diyos, nakadena na mga alipin at may pakpak na mga henyo na may hawak na kalasag ang itaas na bahagi ng mga risalits.

J. Goujon. Mga nimpa. Fountain ng inosente. Paris

Dinisenyo din ni Goujon ang mga interior ng palasyo: ang diyosa na si Diana, mga faun at favness, usa at aso ay naging bahagi ng marangyang palamuti ng Hagdanan ni Henry II; sa Swedish Hall, gumawa si Goujon ng isang plataporma na sinusuportahan ng mga caryatids, katulad ng mga estatwa ng Athenian Erechtheion.

Ang aesthetic ideals ng Goujon ay natukoy ang kakaiba ng kanyang trabaho, na binubuo sa katotohanan na hindi siya nag-sculpt ng isang solong larawan, na nagdidirekta sa lahat ng kanyang talento sa paglikha ng isang pangkalahatan, perpektong magandang imahe.

Kasabay ng pag-unlad ng arkitektura, pagpipinta at eskultura sa XV-XVI siglo. Ang makabuluhang tagumpay ay nakakamit sa pamamagitan ng sining at sining.

Ang sining ng paggawa ng enamel, na lumitaw sa timog ng France, sa Limoges, noong ika-12 siglo, ay umabot sa isang mataas na antas ng pagiging perpekto. Ngunit kung mas maaga ang paggawa ng mga pininturahan na enamel ay nagsilbi sa mga pangangailangan ng simbahan, ngayon ang mga ito ay pangunahing mga produkto para sa mga sekular na layunin.

Ang pambihirang pagka-orihinal ay nailalarawan sa mga nilikha noong ika-16 na siglo. mga gamit sa lupa. Ang pinakamahalagang lugar sa larangan ng paggawa ng faience ng panahong iyon ay inookupahan ng Bernard Palissy(1510-1590), na lumikha ng faience, na tinawag niyang "country clay". Mula sa earthenware na ito, gumawa siya ng malalaking pinggan, plato, tasa, napakalaki at mabigat, ganap na tinakpan ang mga ito ng mga relief na larawan ng mga butiki, ahas, ulang, snails, butterflies, dahon, shell, na matatagpuan sa isang asul o kayumanggi na background. Ang mga produktong palissy, na may edad na sa makatas na kayumanggi, berde, kulay-abo, asul at puting kulay, ay hindi pangkaraniwang pampalamuti.

Gayunpaman, ang kulturang artistikong Pranses ng siglo XVI. ay hindi limitado lamang sa maligaya at masayang muling pagbabangon ng sinaunang panahon. Kaayon nito, nagkaroon ng muling pagkabuhay ng medyebal na tradisyon, na hindi kailanman ganap na naantala. Sa ikalawang kalahati ng siglo XVI. ang takbo ng Gothic sa sining ng French Renaissance ay nakakakuha ng momentum at naipakita sa isang kakaibang paraan sa gawain ng iskultor. Germaine Pilon(1535-1605), na bumaling sa lapida ng simbahan

noah plastic. Ang kanyang pananaw sa mundo ay naaayon sa medieval na pananabik para sa kabilang buhay, na makikita sa Gothic na "Dances of Death" - mga fresco sa mga dingding ng mga sementeryo ng Pransya. Ang kamatayan ay lumitaw doon sa nakakatakot na realismo ng isang buhay na balangkas at hinarap ang isang lalaki sa isang madilim na tula ni Clément Moreau:

Ang espiritu ay parang apoy, at ang katawan ay parang tatak,

Ngunit ang espiritu ay napunit sa langit, at ang katawan ay nagiging alabok.

Ito ay isang madilim, mapoot na piitan,

Kung saan ang bihag na espiritu ay malungkot tungkol sa maliwanag na taas.

Ang mga gawa ni Pilon ay nakikilala sa pamamagitan ng maharlikang kapurihan, ngunit ang mga ideya sa medieval tungkol sa kabutihan ay higit na nasakop ang ideyal ng Renaissance kadakilaan, samakatuwid, sa kanyang malikhaing paraan, ang naturalismo ay kasama ng mga sinaunang mithiin. Kaya, sa lapida ni Valentina Balbiani, siya ay inilalarawan sa takip ng sarcophagus sa isang kahanga-hangang balabal, na may isang maliit na aso, at ang bas-relief sa sarcophagus na may nakakasuklam na realismo ay nagpakita sa kanya na nakahiga sa isang kabaong, hubad at nabulok, halos parang balangkas. Sa lapida nina Henry II at Catherine de Medici sa simbahan ng abbey ng Saint-Denis, sa tuktok ng kapilya ng libingan, ipinakita sila sa mga damit ng hari, nakaluhod, at sa ibaba, sa ilalim ng vault nito, sila ay hubad, wala ang kanilang dating karangyaan, tulad ng mga labi ng ilang pulubi. Ang mga makatotohanang ito, nang walang anumang pagpapaganda, ang mga larawang ito ay repleksyon ng madilim na kalagayang likas sa buong Kanluraning daigdig sa panahon ng Kontra-Repormasyon.