Kuwento tungkol sa symphony orchestra para sa mga bata. Mga kagiliw-giliw na katotohanan tungkol sa symphony orchestra

Ang musika ay, una sa lahat, mga tunog. Maaari silang maging malakas at tahimik, mabilis at mabagal, maindayog at hindi...

Ngunit ang bawat isa sa kanila, ang bawat tunog ng nota sa isang tiyak na paraan ay nakakaapekto sa kamalayan ng isang taong nakikinig sa musika, ang kanyang estado ng pag-iisip. At kung ito ay orkestra na musika, tiyak na hindi nito maiiwan ang sinuman na walang malasakit!

Orchestra. Mga uri ng orkestra

Ang orkestra ay isang grupo ng mga musikero na tumutugtog ng mga instrumentong pangmusika, mga gawa na sadyang idinisenyo para sa mga instrumentong ito.

At mula sa kung ano ang komposisyon na ito, ang orkestra ay may iba't ibang mga posibilidad sa musika: sa mga tuntunin ng timbre, dinamika, pagpapahayag.

Anong mga uri ng orkestra ang mayroon? Ang mga pangunahing ay:

• symphonic;
• instrumental;
• orkestra ng mga katutubong instrumento;
• hangin;
• jazz;
• pop.

Mayroon ding banda ng militar (nagpe-perform ng mga awiting militar), banda ng paaralan (na kinabibilangan ng mga mag-aaral), at iba pa.

Symphony Orchestra

Ang ganitong uri ng orkestra ay naglalaman ng mga instrumentong string, hangin at percussion.

May maliit na symphony orchestra at malaki.

Si Maly ang tumutugtog ng musika ng mga kompositor noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. Maaaring kabilang sa kanyang repertoire ang mga modernong pagkakaiba-iba. Ang isang malaking symphony orchestra ay naiiba sa isang maliit sa pamamagitan ng pagdaragdag ng higit pang mga instrumento sa komposisyon nito.

Ang komposisyon ng maliit ay kinakailangang naglalaman ng:

• violin;
• alto;
• cellos;
• double bass;
• bassoon;
• mga sungay;
• mga tubo;
• timpani;
• mga plauta;
• klarinete;
• oboe.

Kasama sa malaking isa ang mga sumusunod na tool:

• mga plauta;
• oboes;
• clarinets;
• kontrabassoon.

Sa pamamagitan ng paraan, maaari itong magsama ng hanggang 5 instrumento ng bawat pamilya. At din sa malaking orkestra mayroong:

• mga sungay;
• mga trumpeta (bass, maliit, alto);
• trombones (tenor, tenorbass);
• tubo.

At, siyempre, mga instrumentong percussion:

• timpani;
• mga kampana;
• maliit at malaking drum;
• tatsulok;
• plato;
• Indian tom-tom;
• alpa;
• piano;
• harpsichord.

Ang isang tampok ng isang maliit na orkestra ay mayroong humigit-kumulang 20 mga instrumentong kuwerdas sa loob nito, habang sa isang malaki ay may mga 60.

Ang konduktor ang namamahala sa symphony orchestra. Masining niyang binibigyang kahulugan ang gawaing isinagawa ng orkestra sa tulong ng marka - isang kumpletong notasyong pangmusika ng lahat ng bahagi ng bawat instrumento ng orkestra.

Instrumental orkestra

Ang ganitong uri ng orkestra ay naiiba sa anyo nito dahil wala itong malinaw na bilang ng mga instrumentong pangmusika ng ilang grupo. At maaari rin siyang magsagawa ng anumang musika (hindi tulad ng isang symphony orchestra, na gumaganap ng eksklusibong klasikal).

Walang mga partikular na uri ng mga instrumental na orkestra, ngunit sa kumbensyonal na mga ito ay kinabibilangan ng iba't ibang orkestra, pati na rin ang isang orkestra na gumaganap ng mga klasiko sa modernong pagproseso.

Ayon sa makasaysayang impormasyon, ang instrumental na musika ay nagsimulang aktibong umunlad sa Russia lamang sa ilalim ni Peter the Great. Siya, siyempre, ay may impluwensyang Kanluranin sa kanyang sarili, ngunit hindi na siya nasa ilalim ng gayong pagbabawal gaya noong mga unang panahon. At bago dumating sa ganoong punto na ipinagbabawal hindi lamang ang pagtugtog, kundi ang pagsunog ng mga instrumentong pangmusika. Naniniwala ang Simbahan na wala silang kaluluwa o puso, at samakatuwid ay hindi nila luwalhatiin ang Diyos. At samakatuwid ang instrumental na musika ay nabuo pangunahin sa mga karaniwang tao.

Tumutugtog sila sa isang instrumental na orkestra sa isang plauta, lira, cithara, plauta, trumpeta, oboe, tamburin, trombone, tubo, nozzle at iba pang mga instrumentong pangmusika.

Ang pinakasikat na instrumental orchestra ng ika-20 siglo ay ang Paul Mauriat Orchestra.

Siya ang konduktor, pinuno, tagapag-ayos nito. Ang kanyang orkestra ay tumugtog ng maraming sikat na musikal na mga gawa noong ika-20 siglo, pati na rin ang kanyang sariling komposisyon.

Folk Orchestra

Sa naturang orkestra, ang mga pangunahing instrumento ay folk.

Halimbawa, para sa isang Russian folk orchestra, ang pinakakaraniwan ay: domras, balalaikas, salterio, button accordions, harmonicas, zhaleika, flutes, Vladimir horns, tamburin. Gayundin, ang mga karagdagang instrumentong pangmusika para sa naturang orkestra ay isang plauta at isang oboe.

Ang isang katutubong orkestra ay unang lumitaw sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, na inorganisa ni V.V. Andreev. Ang orkestra na ito ay naglibot ng maraming at nakakuha ng malawak na katanyagan sa Russia at sa ibang bansa. At sa simula ng ika-20 siglo, nagsimulang lumitaw ang mga folk orchestra sa lahat ng dako: sa mga club, sa mga palasyo ng kultura, at iba pa.

Brass band

Ang ganitong uri ng orkestra ay nagmumungkahi na kabilang dito ang iba't ibang mga instrumento ng hangin at percussion. Dumating ito sa maliit, katamtaman at malaki.

jazz orchestra

Ang isa pang orkestra ng ganitong uri ay tinawag na jazz band.

Binubuo ito ng mga instrumentong pangmusika: saxophone, piano, banjo, gitara, percussion, trumpets, trombones, double bass, clarinets.

Sa pangkalahatan, ang jazz ay isang direksyon sa musika na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga ritmo at alamat ng Africa, pati na rin ang pagkakaisa sa Europa.

Unang lumitaw ang jazz sa katimugang Estados Unidos sa simula ng ika-20 siglo. At sa lalong madaling panahon ay kumalat sa lahat ng mga bansa sa mundo. Sa bahay, ang direksyon ng musikal na ito ay binuo at dinagdagan ng mga bagong tampok na katangian na lumitaw sa isang rehiyon o iba pa.

Sa isang pagkakataon sa America, ang mga terminong "jazz" at "popular na musika" ay may parehong semantikong kahulugan.

Ang mga orkestra ng jazz ay nagsimulang aktibong bumuo noong 1920s. At nanatili silang ganoon hanggang sa 40s.

Bilang isang patakaran, ang mga kalahok ay pumasok sa mga musikal na grupong ito nang maaga sa pagbibinata, na gumaganap ng kanilang partikular na bahagi - kabisado o mula sa mga tala.

Ang 1930s ay itinuturing na rurok ng kaluwalhatian para sa mga orkestra ng jazz. Ang mga pinuno ng pinakasikat na orkestra ng jazz noong panahong iyon ay sina: Artie Shaw, Glenn Miller, at iba pa. Ang kanilang mga musikal na gawa ay tumunog sa lahat ng dako sa oras na iyon: sa radyo, sa mga dance club at iba pa.

Sa ngayon, sikat na sikat din ang mga jazz orchestra at melodies na nakasulat sa istilong jazz.

At kahit na mayroong higit pang mga uri ng mga orkestra sa musika, tinatalakay ng artikulo ang mga pangunahing.

, cellos , double basses . Pinagsama-sama, sa mga kamay ng mga may karanasang musikero, napapailalim sa kalooban ng konduktor, bumubuo sila ng isang instrumentong pangmusika na may kakayahang ipahayag at ihatid sa mga tunog ang anumang nilalaman ng musika, anumang imahe, anumang pag-iisip. Maraming mga kumbinasyon ng mga instrumento ng orkestra ang nagbibigay ng halos hindi mauubos na hanay ng magkakaibang mga tunog - mula sa dumadagundong, nakakabingi hanggang sa halos hindi marinig, mula sa matalas na pagputol ng tainga hanggang sa malambot na malambot. At multi-storey chords ng anumang kumplikado, at patterned at sinuous plexus ng hindi magkatulad na melodic ornaments, at cobweb-thin tela, maliit na tunog na "shards", kapag, ayon sa makasagisag na pagpapahayag ng S. S. Prokofiev, "na parang ang alikabok ay pinupunasan. ang orkestra", at makapangyarihang pagkakaisa ng maraming instrumento na tumutugtog ng parehong tunog nang sabay-sabay - lahat ng ito ay napapailalim sa orkestra. Alinman sa mga orkestra na grupo - string, hangin, percussion, plucked, keyboard - ay kayang humiwalay sa iba at manguna sa sariling musikal na pagsasalaysay habang ang iba ay tahimik; ngunit lahat ng mga ito ay ganap, bahagyang o bilang mga indibidwal na kinatawan, na pinagsama sa isa pang grupo o bahagi nito, ay bumubuo ng isang kumplikadong haluang metal. Sa loob ng higit sa dalawang siglo, ang pinakamahalagang mga kaisipan ng mga kompositor, ang pinakamaliwanag na mga milestone sa kasaysayan ng sining ng mga tunog, ay konektado sa musika na ipinaglihi, isinulat, at kung minsan ay inayos pa para sa isang symphony orchestra.

Pag-aayos ng mga instrumentong pangmusika ng isang symphony orchestra.

Alam at naaalala ng lahat na mahilig sa musika ang mga pangalan ni J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartoks at iba pang masters ng symphonic, na ang symphonic na mga tula, at iba pang masters ng symphonic , mga kuwadro na gawa, pantasya, instrumental na konsiyerto na sinamahan ng isang orkestra, at panghuli, ang mga cantata, oratorio, opera at ballet ay isinulat para sa isang symphony orchestra o may kinalaman sa paglahok nito . Ang kakayahang magsulat para sa kanya ay ang pinakamataas at pinaka-kumplikadong lugar ng sining ng komposisyon ng musika, na nangangailangan ng malalim na espesyal na kaalaman, malawak na karanasan, pagsasanay, at pinaka-mahalaga - mga espesyal na kakayahan sa musika, talento, at talento.

Ang kasaysayan ng paglitaw at pag-unlad ng isang symphony orchestra ay ang kasaysayan ng unti-unting muling pagsasaayos ng luma at ang pag-imbento ng mga bagong instrumento, ang pagtaas ng komposisyon nito, ang kasaysayan ng pagpapabuti ng mga paraan kung saan ginagamit ang mga kumbinasyon ng mga instrumento, iyon ay, ang kasaysayan ng lugar na iyon ng agham pangmusika na tinatawag na orkestrasyon o instrumentasyon, at, sa wakas, ang kasaysayan ng musikang simponya, opera, oratorio. Ang lahat ng apat na terminong ito, ang apat na panig ng konsepto ng "symphony orchestra", ay malapit na nauugnay. Ang kanilang impluwensya sa isa't isa ay magkakaiba at hanggang ngayon ay magkakaiba.

Ang salitang "orchestra" sa sinaunang Greece ay nangangahulugang isang kalahating bilog na lugar sa harap ng entablado ng teatro, kung saan matatagpuan ang koro - isang kailangang-kailangan na kalahok sa mga dramatikong pagtatanghal sa panahon ng Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes. Sa paligid ng 1702, ang salitang ito ay unang nagpahiwatig ng isang maliit na espasyo na nilayon para sa isang grupo ng mga instrumentalist na kasama ng opera. Tinatawag na mga instrumental na grupo sa chamber music. Sa kalagitnaan ng siglo XVIII. ipinakilala ang isang mapagpasyang pagkakaiba para sa kasaysayan ng orkestra - isang malaking orkestra ay tutol sa maliit na silid ng musika - isang grupo. Hanggang sa panahong iyon, walang malinaw na linya ang iginuhit sa pagitan ng chamber music at orchestral music.

Ang konsepto ng "symphony orchestra" ay lumitaw sa panahon ng classicism, nang si K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart ay nanirahan at nagtrabaho. Ito ay bumangon na pagkatapos na ang mga kompositor ay nagsimulang tumpak na isulat sa mga tala ang mga pangalan ng bawat instrumento na tumutugtog ng ito o ang boses na iyon, ito o ang linyang pangmusika. Sa simula pa lamang ng ika-17 siglo. K. Monteverdi sa "Orpheus" bago ang bawat numero ay nakalista lamang ang mga instrumento na maaaring gumanap nito. Ang tanong kung sino ang dapat tumugtog kung aling linya ang nanatiling bukas. Samakatuwid, sa alinman sa 40 opera house ng kanyang katutubong Venice, ang isang pagtatanghal ng Orpheus ay maaaring iba sa isa pa. Si J. B. Lully, kompositor, biyolinista, konduktor, ay marahil ang unang nagsulat para sa isang tiyak na hanay ng mga instrumento, para sa tinatawag na "24 Violins of the King" - isang string ensemble na nabuo sa korte ng Louis XIV at pinangunahan mismo ni Lully. . Nasa kanya ang pinakamataas na boses ng string group na na-back up din ng mga obo, at ang mas mababang boses ng mga bassoon. Ang mga obo at bassoon na walang mga string, sa kaibahan sa buong komposisyon, ay lumahok sa mga gitnang seksyon ng kanyang mga komposisyon.

Sa buong ika-17 siglo at ang unang kalahati ng ika-18 siglo. nabuo ang paunang batayan ng orkestra - ang pangkat ng string. Unti-unti, idinagdag ang mga kinatawan ng pamilya ng hangin - mga plauta, obo at bassoon, at pagkatapos ay mga sungay. Ang klarinete ay pumasok sa orkestra nang maglaon dahil sa matinding di-kasakdalan nito noong panahong iyon. M. I. Glinka sa kanyang "Notes on Instrumentation" ang tawag sa tunog ng clarinet na "goose". Gayunpaman, lumilitaw ang isang grupo ng hangin na binubuo ng mga plauta, obo, clarinet at sungay (dalawa sa kabuuan) sa Prague Symphony ni Mozart, at bago iyon sa kanyang kontemporaryong Pranses, si F. Gossec. Sa Hayd's London Symphonies at ang mga unang symphony ng L. Beethoven, dalawang trumpeta ang lumitaw, gayundin ang timpani. Noong ika-19 na siglo ang grupo ng hangin sa orkestra ay higit na pinahusay. Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng musikang orkestra, isang piccolo flute, isang kontrabassoon, at tatlong trombone, na dating ginagamit lamang sa mga opera, ay nakibahagi sa finale ng ika-5 symphony ni Beethoven. Nagdagdag si R. Wagner ng isa pang tuba at dinadala ang bilang ng mga tubo sa apat. Pangunahing si Wagner ay isang operatic composer, ngunit sa parehong oras siya ay nararapat na itinuturing na isang natitirang symphonist at reformer ng symphony orchestra.

Ang pagnanais ng mga kompositor ng XIX-XX na siglo. Upang pagyamanin ang sound palette na humantong sa pagpapakilala sa orkestra ng isang bilang ng mga instrumento na may espesyal na teknikal at timbre na kakayahan.

Sa pagtatapos ng siglo XIX. ang komposisyon ng orkestra ay dinadala sa kahanga-hanga, at kung minsan sa napakalaking sukat. Kaya, ang 8th symphony ni Mahler ay hindi sinasadyang tinatawag na "the symphony of a thousand participants." Sa mga symphonic canvases at opera ng R. Strauss, maraming uri ng mga instrumento ng hangin ang lumilitaw: alto at bass flute, baritone oboe (haeckelphone), maliit na clarinet, contrabass clarinet, alto at bass pipe, atbp.

Noong XX siglo. ang orkestra ay pangunahing pinupuno ng mga instrumentong percussion. Bago ito, ang karaniwang mga miyembro ng orkestra ay 2–3 timpani, cymbals, bass at snare drums, isang tatsulok, mas madalas na isang tamburin at tom-toms, mga kampana, isang xylophone. Ngayon, ang mga kompositor ay gumagamit ng isang set ng mga orkestra na kampana na nagbibigay ng chromatic scale, ang celesta. Ipinakilala nila sa orkestra ang mga instrumentong gaya ng flexatone, kampana, Spanish castanets, isang kalansing na kahoy, isang kalansing, isang whip-cracker (ang suntok nito ay parang putok), isang sirena, wind at thunder machine, maging ang pag-awit ng nightingale. naitala sa isang espesyal na rekord (ito ay ginamit sa symphonic na tula ng Italyano na kompositor na si O. Respighi "The Pines of Rome").

Sa ikalawang kalahati ng XX siglo. Mula sa jazz hanggang sa symphony orchestra, ang mga instrumentong percussion tulad ng vibraphone, tomtoms, bongos, isang pinagsamang drum kit - na may "Charleston" ("hi-hat"), dumarating din ang maracas.

Tulad ng para sa string at wind groups, ang kanilang pagbuo noong 1920 ay karaniwang natapos. Ang orkestra kung minsan ay kinabibilangan ng mga indibidwal na kinatawan ng saxophone group (sa mga gawa ni Wiese, Ravel, Prokofiev), isang brass band (cornets nina Tchaikovsky at Stravinsky), harpsichord, domra at balalaika, gitara, mandolin, atbp. Ang mga kompositor ay lalong lumilikha ng mga gawa para sa mga bahagyang komposisyon ng isang orkestra ng symphony: para sa mga string na nag-iisa, para sa mga string at tanso, para sa isang wind group na walang mga string at pagtambulin, para sa mga string na may pagtambulin.

Mga kompositor ng ika-20 siglo magsulat ng maraming musika para sa chamber orchestra. Binubuo ito ng 15-20 string, isang woodwind bawat isa, isa o dalawang sungay, isang percussion group na may isang performer, isang alpa (sa halip na ito ay maaaring mayroong piano o harpsichord). Kasama ng mga ito, lumilitaw ang mga gawa para sa isang grupo ng mga soloista, kung saan mayroong isang kinatawan mula sa bawat iba't (o mula sa ilan sa kanila). Ganito ang mga chamber symphony at mga dula ni A. Schoenberg, A. Webern, ang suite ni Stravinsky na "The Story of a Soldier", ang mga gawa ng mga kompositor ng Sobyet - ang ating mga kontemporaryo na M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov at iba pa. Parami nang parami, ang mga may-akda ay bumaling sa mga komposisyon na hindi karaniwan, o, gaya ng sinasabi nila, emergency. Kailangan nila ng hindi pangkaraniwang, bihirang mga tunog, dahil ang papel ng timbre sa modernong musika ay tumaas nang higit kaysa dati.

Gayunpaman, upang laging magkaroon ng pagkakataon na magtanghal ng musika, parehong luma at bago, at ang pinakabago, ang komposisyon ng orkestra ng symphony ay nananatiling matatag. Ang modernong symphony orchestra ay nahahati sa isang malaking symphony orchestra (mga 100 musikero), medium (70–75), maliit (50–60). Sa batayan ng isang malaking orkestra ng symphony, posible na pumili para sa bawat gawain ng komposisyon na kinakailangan para sa pagganap nito: isa para sa "Eight Russian Folk Songs" ni A.K. » Stravinsky o ang nagniningas na Bolero ni Ravel.

Kumusta ang mga musikero sa entablado? Sa XVIII-XIX na siglo. ang mga unang violin ay nakaupo sa kaliwa ng konduktor, at ang pangalawa sa kanan, ang mga violin ay nakaupo sa likod ng mga unang violin, at ang mga cello sa likod ng pangalawa. Sa likod ng grupo ng mga string, nakaupo sila sa mga hilera: sa harap ng grupo ng woodwind, at sa likod nito ang grupo ng tanso. Ang mga double bass ay matatagpuan sa background sa kanan o kaliwa. Ang natitirang espasyo ay nakatuon sa mga alpa, celesta, piano at pagtambulin. Sa ating bansa, ang mga musikero ay nakaupo ayon sa pamamaraan na ipinakilala noong 1945 ng American conductor na si L. Stokowski. Ayon sa pamamaraang ito, ang mga cello ay inilalagay sa harapan sa halip na mga pangalawang biyolin sa kanan ng konduktor; ang dati nilang lugar ay inookupahan na ng pangalawang biyolin.

Ang isang symphony orchestra ay pinamumunuan ng isang konduktor. Pinag-iisa niya ang mga musikero ng orkestra at pinangangasiwaan ang lahat ng kanilang pagsisikap tungo sa pagsasakatuparan ng kanyang plano sa pagtatanghal sa panahon ng pag-eensayo at sa konsiyerto. Ang pagsasagawa ay batay sa isang espesyal na idinisenyong sistema ng paggalaw ng kamay. Karaniwang may hawak na baton ang konduktor sa kanyang kanang kamay. Ang pinakamahalagang papel ay ginampanan ng kanyang mukha, hitsura, ekspresyon ng mukha. Ang konduktor ay dapat na isang taong may mataas na pinag-aralan. Kailangan niya ng kaalaman sa musika ng iba't ibang panahon at istilo, mga instrumento ng orkestra at kanilang mga kakayahan, isang matalas na tainga, ang kakayahang tumagos nang malalim sa intensyon ng kompositor. Ang talento ng tagapalabas ay dapat na isama sa kanyang mga kakayahan sa organisasyon at pedagogical.

Sa buong kasaysayan nito, libu-libong taon, ang sangkatauhan ay lumikha ng mga instrumentong pangmusika at pinagsama ang mga ito sa iba't ibang kumbinasyon. Ngunit mga apat na raang taon lamang ang nakalipas nang ang mga kumbinasyong ito ng mga instrumento ay nabuo sa isang anyo na malapit na sa isang modernong orkestra.

Noong unang panahon, kapag nagsasama-sama ang mga musikero upang tumugtog, ginagamit nila ang anumang instrumento sa paligid. Kung may tatlong manlalaro sa lute, dalawa sa alpa at sa plauta, ganyan sila tumugtog. Noong unang bahagi ng ika-16 na siglo, isang panahon na kilala bilang Renaissance, ang salitang "ensemble" ay ginamit upang tumukoy sa isang grupo ng mga musikero, kung minsan ay mga mang-aawit, na nagtanghal ng musika nang magkasama o "sa isang grupo".

Karaniwang hindi tinukoy ng mga kompositor ng unang bahagi ng Renaissance kung aling instrumento ang isinulat nila sa bahagi. Nangangahulugan ito na ang mga bahagi ay maaaring i-play sa anumang magagamit na instrumento. Ngunit sa simula ng ika-17 siglo sa Italya, pinili ng kompositor na si Claudio Monteverdi kung aling mga instrumento ang dapat samahan ng kanyang opera na Orpheus (1607), at eksaktong ipinahiwatig kung aling mga instrumento ang isinulat ng mga bahagi: labinlimang violin ng iba't ibang laki, dalawang violin, apat na plauta ( dalawang malaki at dalawang daluyan), dalawang obo, dalawang kornet (maliit na kahoy na tubo), apat na trumpeta, limang trombone, isang alpa, dalawang harpsichord at tatlong maliliit na organ.

Tulad ng nakikita, " renaissance orchestra"Ang Monteverdi ay nagmukhang kung ano ang aming naisip na isang orkestra: ang mga instrumento ay nakaayos sa mga grupo, mayroong maraming nakayukong mga instrumento ng kuwerdas, isang mahusay na pagkakaiba-iba.

Sa susunod na siglo (hanggang 1700, ang panahon ni J.S. Bach), ang orkestra ay lalo pang umunlad. Ang pamilya ng violin (violin, viola, cello at bass) ay pinalitan ang mga violin, sa Baroque orchestra ang violin family ay higit na kinatawan kaysa sa mga violin sa Renaissance orchestra. Ang pamunuan ng musika sa orkestra ng Baroque ay hawak ng mga keyboard, ang mga musikero na tumutugtog ng harpsichord o kung minsan ang organ ay nagsisilbing pinuno. Nang magtrabaho si J.S. Bach sa isang orkestra, umupo siya sa organ o harpsichord at pinamunuan ang orkestra mula sa kanyang upuan.

Noong panahon ng Baroque, minsan namumuno sa isang orkestra ang isang musical conductor habang nakatayo, ngunit hindi pa ito ang conducting na alam natin ngayon. Si Jean-Baptiste Lully, na namamahala sa musika sa korte ng hari ng Pransya noong 1600s, ay ginagamit upang talunin ang ritmo para sa kanyang mga musikero na may mahabang poste sa sahig, ngunit isang araw hindi niya sinasadyang nasugatan ang kanyang binti, nabuo ang gangrene, at namatay siya!

Sa susunod na ika-19 na siglo, ang panahon ni Haydn at Beethoven, nagkaroon ng mas malalim na pagbabago sa orkestra. Ang mga nakayukong string na instrumento ay naging mas mahalaga kaysa dati, habang ang mga instrumento sa keyboard ay unti-unting lumabo. Nagsimulang magsulat ang mga kompositor para sa isang partikular na instrumentong pangmusika. Nangangahulugan ito ng pag-alam sa boses ng bawat instrumento, pag-unawa kung anong uri ng musika ang magiging mas mahusay at mas madaling tugtugin sa napiling instrumento. Ang mga kompositor ay naging mas malaya at mas malakas ang loob sa pagsasama-sama ng mga instrumento upang makabuo ng mas mayaman at mas iba't ibang mga tunog at tono.

Ang unang violinist (o accompanist) ay nagdirekta sa pagganap ng orkestra mula sa kanyang upuan, ngunit kung minsan ay kailangan niyang magbigay ng mga tagubilin na may mga kilos, at upang mas makita, gumamit muna siya ng isang ordinaryong sheet ng puting papel na pinagsama sa isang tubo. Ito ay humantong sa paglitaw ng baton ng modernong konduktor. Noong unang bahagi ng 1800s, ang mga kompositor-konduktor tulad nina Carl Maria von Weber at Felix Mendelssohn ang unang nanguna sa mga musikero mula sa isang podium sa gitna sa harap ng orkestra.

Habang palaki nang palaki ang mga orkestra, hindi lahat ng musikero ay nakakakita at nakasunod sa accompanist. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naabot ng orkestra ang laki at sukat na alam natin ngayon at nalampasan pa nga ang mga modernong. Ang ilang mga kompositor, tulad ni Berlioz, ay nagsimulang gumawa ng musika para lamang sa mga malalaking orkestra.

Ang disenyo, konstruksiyon at kalidad ng mga instrumentong pangmusika ay patuloy na napabuti, nilikha bagong mga instrumentong pangmusika na natagpuan ang kanilang lugar sa orkestra, tulad ng piccolo (piccolo) at trumpeta. Maraming mga kompositor, kabilang sina Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler at Richard Strauss, ang naging konduktor. Ang kanilang pag-eeksperimento sa orkestra (ang sining ng pamamahagi ng mga musikal na materyal sa pagitan ng mga instrumento ng isang orkestra upang gawing mas kapaki-pakinabang ang paggamit ng bawat instrumento) ay nagpakita ng daan patungo sa ika-20 siglo.

Lumayo pa si Wagner, nagdisenyo at gumawa siya ng bass trumpet ( Wagner trumpeta), pinagsasama-sama ang mga elemento ng bugle at trumpeta upang ipakilala ang isang bago, espesyal na tunog sa kanyang walang kamatayang opera na Der Ring des Nibelungen. Siya rin ang unang konduktor na tumalikod sa mga manonood upang mas makontrol ang orkestra. Sa isa sa kanyang mga symphony, sumulat si Strauss bahagi para sa alpine horn, isang instrumentong gawa sa kahoy na 12 talampakan ang haba. Ngayon ang alpine horn ay pinapalitan ng isang tubo. Nilikha ni Arnold Schoenberg ang kanyang obra na "Songs Gurre" (Gurrelieder) para sa orkestra na may 150 instrumento.

Ang ika-20 siglo ay isang siglo ng kalayaan at mga bagong eksperimento sa orkestra. Ang mga konduktor ay naging ganap na indibidwal na mga tao at ang kanilang sariling mga superstar ay bumangon sa kanila. Ang responsibilidad ay tumaas ng maraming beses, ngunit ang pagkilala din ng madla.

Ang batayan ng orkestra ay tulad noong huling bahagi ng ika-19 na siglo, at kung minsan ay nagdaragdag o nag-aalis ng mga instrumento ang mga kompositor, depende sa epekto na gusto nila. Minsan ito ay isang napakalawak na grupo ng mga instrumentong percussion o woodwinds at tanso. Ngunit ang komposisyon ng orkestra ay naging maayos at karaniwang nananatiling pare-pareho: isang malaking grupo ng mga nakayukong instrumento at maliliit na grupo ng hangin, pagtambulin, alpa at mga instrumento sa keyboard.

Pagkatapos ng maraming taon, gumagana pa rin ito!

Orchestra(mula sa Greek orchestra) - isang malaking pangkat ng mga instrumental na musikero. Hindi tulad ng mga ensemble ng kamara, sa orkestra ang ilan sa mga musikero nito ay bumubuo ng mga grupong tumutugtog nang magkakasabay, ibig sabihin, pareho silang tumutugtog ng mga bahagi.
Ang mismong ideya ng sabay-sabay na pagtugtog ng musika ng isang grupo ng mga instrumental na performer ay bumalik sa sinaunang panahon: kahit na sa sinaunang Egypt, ang maliliit na grupo ng mga musikero ay tumutugtog nang magkasama sa iba't ibang mga pista opisyal at libing.
Ang salitang "orchestra" ("orchestra") ay nagmula sa pangalan ng bilog na plataporma sa harap ng entablado sa sinaunang teatro ng Greek, na kinaroroonan ng sinaunang koro ng Greek, isang kalahok sa anumang trahedya o komedya. Sa panahon ng Renaissance at higit pa XVII siglo, ang orkestra ay binago sa isang hukay ng orkestra at, nang naaayon, ibinigay ang pangalan sa pangkat ng mga musikero na matatagpuan dito.
Mayroong maraming iba't ibang uri ng orkestra: mga orkestra ng tanso at woodwind ng militar, mga orkestra ng katutubong instrumento, mga orkestra ng string. Ang pinakamalaki sa komposisyon at ang pinakamayaman sa mga tuntunin ng mga kakayahan nito ay ang symphony orchestra.

Symphonictinatawag na orkestra, na binubuo ng ilang magkakaibang grupo ng mga instrumento - isang pamilya ng mga string, hangin at pagtambulin. Ang prinsipyo ng naturang asosasyon ay umunlad sa Europa noong XVIII siglo. Sa simula, ang symphony orchestra ay kinabibilangan ng mga grupo ng mga nakayukong instrumento, woodwind at brass na instrumento, na sinalihan ng ilang percussion musical instruments. Kasunod nito, ang komposisyon ng bawat isa sa mga pangkat na ito ay lumawak at sari-sari. Sa kasalukuyan, kabilang sa isang bilang ng mga uri ng mga orkestra ng symphony, kaugalian na makilala sa pagitan ng isang maliit at isang malaking orkestra ng symphony. Ang Maliit na Symphony Orchestra ay isang orkestra na nakararami sa klasikal na komposisyon (nagpapatugtog ng musika noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, o modernong pastiche). Binubuo ito ng 2 plauta (bihirang maliit na plauta), 2 oboe, 2 clarinet, 2 bassoon, 2 (bihirang 4) na sungay, minsan 2 trumpeta at timpani, isang string group na hindi hihigit sa 20 instrumento (5 una at 4 na segundong violin. , 4 violas, 3 cellos, 2 double basses). Kasama sa malaking symphony orchestra (BSO) ang mga obligatoryong trombone sa grupong tanso at maaaring magkaroon ng anumang komposisyon. Kadalasan ang mga instrumentong gawa sa kahoy (flute, oboe, clarinets at bassoon) ay umaabot ng hanggang 5 instrumento ng bawat pamilya (clarinets minsan higit pa) at may kasamang mga varieties (pick and alto flutes, cupid oboe at English oboe, small, alto at bass clarinets, contrabassoon). Ang grupong tanso ay maaaring magsama ng hanggang 8 sungay (kabilang ang mga espesyal na Wagner tubas), 5 trumpeta (kabilang ang maliit, alto, bass), 3-5 trombone (tenor at tenorbass) at isang tuba. Ang mga saxophone ay kadalasang ginagamit (sa isang jazz orchestra, lahat ng 4 na uri). Ang pangkat ng string ay umabot sa 60 o higit pang mga instrumento. Ang mga instrumentong percussion ay marami (bagaman ang timpani, kampana, maliit at malalaking tambol, tatsulok, cymbal at Indian tam-tom ang bumubuo sa kanilang gulugod), alpa, piano, harpsichord ay kadalasang ginagamit.
Upang ilarawan ang tunog ng orkestra, gagamitin ko ang pag-record ng huling konsiyerto ng YouTube Symphony Orchestra. Ang konsiyerto ay naganap noong 2011 sa lungsod ng Sydney ng Australia. Napanood ito nang live sa telebisyon ng milyun-milyong tao sa buong mundo. Ang YouTube Symphony ay nakatuon sa pagpapaunlad ng pagmamahal sa musika at pagpapakita ng malawak na pagkakaiba-iba ng creative ng sangkatauhan.

Kasama sa programa ng konsiyerto ang mga kilala at hindi kilalang mga gawa ng mga kilala at hindi kilalang kompositor.

Narito ang kanyang programa:

Hector Berlioz - Roman Carnival - Overture, Op. 9 (itinatampok ang Android Jones - digital artist)
Kilalanin si Maria Chiossi
Percy Grainger - Pagdating sa isang Platform Humlet mula sa isang Nutshell - Suite
Johan Sebastian Bach
Kilalanin si Paulo Calligopoulos - Electric Guitar at violin
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Wheat Dance) at Danza final (Malambo) mula sa ballet Estancia (isinagawa ni Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon sa tatlong boses, K562 (tinatampok ang Sydney Children's Choir at soprano Renee Fleming sa pamamagitan ng video)
Kilalanin ang Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (itinatampok si William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable
Kilalanin si Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfare para sa Vienna Philharmonic (tinatampok si Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker at isinagawa ni Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (espesyal na binubuo para sa YouTube Symphony Orchestra 2011)
Kilalanin si Su Chang
Felix Mendelssohn - Violin Concerto sa E minor, Op. 64 (Finale) (Itinatampok si Stefan Jackiw at isinagawa ni Ilyich Rivas)
Kilalanin si Ozgur Baskin - Violin
Colin Jacobsen at Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite para sa string orchestra (featuring Colin Jacobsen, violin, and Richard Tognetti, violin, and Kseniya Simonova - sand artist)
Kilalanin si Stepan Grytsay - Violin
Igor Stravinsky - The Firebird (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (tinatampok sina Eugene Izotov - oboe, at Andrew Mariner - clarinet)

Kasaysayan ng symphony orchestra

Ang symphony orchestra ay nabuo sa paglipas ng mga siglo. Ang pag-unlad nito sa loob ng mahabang panahon ay naganap sa kailaliman ng opera at mga ensemble ng simbahan. Ang ganitong mga koponan sa XV - XVII mga siglo ay maliit at iba-iba. Kabilang dito ang mga lute, viols, flute na may mga obo, trombone, alpa, at mga tambol. Unti-unti, nanalo sa dominanteng posisyon ang mga stringed bowed instruments. Ang mga violin ay pinalitan ng mga violin ng kanilang mas mayaman at mas malambing na tunog. Bumalik sa itaas XVIII sa. naghari na sila sa orkestra. Nagkaisa ang isang hiwalay na grupo at mga instrumento ng hangin (flute, oboes, bassoons). Mula sa orkestra ng simbahan ay lumipat sila sa symphony trumpets at timpani. Ang harpsichord ay isang kailangang-kailangan na miyembro ng instrumental ensembles.
Ang ganitong komposisyon ay karaniwan para kay J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Mula sa gitna XVIII sa. nagsimulang umunlad ang mga genre ng symphony at instrumental concerto. Ang pag-alis mula sa polyphonic na istilo ay humantong sa mga kompositor na magsikap para sa pagkakaiba-iba ng timbre, ang kaluwagan na umaawit sa mga tinig ng orkestra.
Ang mga pag-andar ng mga bagong tool ay nagbabago. Ang harpsichord, na may mahinang tunog, ay unti-unting nawawala ang nangungunang papel nito. Di-nagtagal, ganap na inabandona ito ng mga kompositor, higit na umaasa sa string at wind group. Sa pagtatapos XVIII sa. nabuo ang tinatawag na klasikal na komposisyon ng orkestra: mga 30 string, 2 flute, 2 oboes, 2 bassoons, 2 pipe, 2-3 horns at timpani. Hindi nagtagal ay sumali ang klarinete sa tanso. Sumulat si J. Haydn, W. Mozart para sa naturang komposisyon. Ganyan ang orkestra sa mga unang komposisyon ng L. Beethoven. AT XIX sa.
Ang pag-unlad ng orkestra ay pangunahing napunta sa dalawang direksyon. Sa isang banda, ang pagtaas ng komposisyon, ito ay pinayaman ng mga instrumento ng maraming uri (ang merito ng mga romantikong kompositor, lalo na sa Berlioz, Liszt, Wagner, ay mahusay dito), sa kabilang banda, ang mga panloob na kakayahan ng orkestra ay nabuo: ang mga kulay ng tunog ay naging mas malinis, mas malinaw ang texture, ang mga mapagkukunang nagpapahayag ay mas matipid (tulad ng orkestra ng Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Makabuluhang pinayaman ang orkestra palette at maraming mga kompositor ng huli XIX - unang kalahati ng XX sa. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich at iba pa).

Komposisyon ng symphony orchestra

Ang isang modernong symphony orchestra ay binubuo ng 4 na pangunahing grupo. Ang pundasyon ng orkestra ay isang string group (violin, violas, cellos, double basses). Sa karamihan ng mga kaso, ang mga string ang pangunahing tagapagdala ng melodic na simula sa orkestra. Ang bilang ng mga musikero na tumutugtog ng mga string ay humigit-kumulang 2/3 ng buong banda. Kasama sa pangkat ng mga instrumentong woodwind ang mga plauta, obo, clarinet, bassoon. Ang bawat isa sa kanila ay karaniwang may independiyenteng partido. Nagbigay sa mga nakayuko sa timbre saturation, mga dynamic na katangian at iba't ibang mga diskarte sa pagtugtog, ang mga instrumento ng hangin ay may mahusay na kapangyarihan, compact na tunog, maliwanag na makulay na kulay. Ang ikatlong pangkat ng mga instrumentong orkestra ay tanso (sungay, trumpeta, trombone, trumpeta). Nagdadala sila ng mga bagong maliliwanag na kulay sa orkestra, na nagpapayaman sa mga dinamikong kakayahan nito, na nagbibigay ng lakas at kinang sa tunog, at nagsisilbi rin bilang isang bass at ritmikong suporta.
Ang mga instrumentong percussion ay lalong nagiging mahalaga sa symphony orchestra. Ang kanilang pangunahing tungkulin ay maindayog. Bilang karagdagan, lumikha sila ng isang espesyal na background ng tunog at ingay, umakma at pinalamutian ang orkestra palette na may mga epekto ng kulay. Ayon sa likas na katangian ng tunog, ang mga tambol ay nahahati sa 2 uri: ang ilan ay may isang tiyak na pitch (timpani, kampana, xylophone, kampana, atbp.), ang iba ay walang eksaktong pitch (tatsulok, tamburin, maliit at malaking tambol, mga cymbal) . Sa mga instrumentong hindi kasama sa mga pangunahing grupo, ang papel ng alpa ang pinakamahalaga. Paminsan-minsan, kasama ng mga kompositor ang celesta, piano, saxophone, organ at iba pang mga instrumento sa orkestra.
Higit pang impormasyon tungkol sa mga instrumento ng isang symphony orchestra - string group, woodwinds, brass at percussion ay matatagpuan sa lugar.
Hindi ko maaaring balewalain ang isa pang kapaki-pakinabang na site, "Mga Bata tungkol sa Musika", na natuklasan ko sa paghahanda ng post. Hindi na kailangang matakot sa katotohanan na ito ay isang site para sa mga bata. Mayroong ilang mga medyo seryosong bagay dito, sinabi lamang sa isang mas simple, mas naiintindihan na wika. Dito link sa kanya. Siyanga pala, naglalaman din ito ng kwento tungkol sa isang symphony orchestra.

• background
• Mga genre at anyo ng orkestra
• Mannheim Chapel
• mga musikero sa korte

background

Mula noong sinaunang panahon, alam na ng mga tao ang epekto ng tunog ng mga instrumentong pangmusika sa kalooban ng tao: ang malambot ngunit malambing na pagtugtog ng alpa, lira, cithara, kemancha o tambo na plauta ay nagdulot ng kagalakan, pag-ibig o kapayapaan, at ang tunog. ng mga sungay ng hayop (halimbawa, Hebrew shofars ) o metal pipe na nag-ambag sa paglitaw ng solemne at relihiyosong damdamin. Ang mga tambol at iba pang pagtambulin, na idinagdag sa mga sungay at trumpeta, ay nakatulong upang makayanan ang takot at nagising ang pagiging agresibo at militansya. Matagal nang nabanggit na ang magkasanib na pagtugtog ng ilang katulad na mga instrumento ay nagpapabuti hindi lamang sa liwanag ng tunog, kundi pati na rin sa sikolohikal na epekto sa nakikinig - ang parehong epekto na nangyayari kapag ang isang malaking bilang ng mga tao ay kumanta ng parehong melody nang magkasama. Samakatuwid, saanman tumira ang mga tao, ang mga asosasyon ng mga musikero ay unti-unting nagsimulang lumitaw, kasama ang mga labanan o pampublikong solemne na mga kaganapan sa kanilang paglalaro: mga ritwal sa templo, kasal, libing, koronasyon, parada ng militar, mga libangan sa mga palasyo.

Ang pinakaunang nakasulat na pagbanggit ng gayong mga asosasyon ay matatagpuan sa Pentateuch ni Moses at sa Mga Awit ni David: sa simula ng ilang mga salmo ay may apela sa pinuno ng koro na may paliwanag kung aling mga instrumento ang dapat gamitin sa saliw. ito o iyon text. Mayroong mga grupo ng mga musikero sa Mesopotamia at mga pharaoh ng Egypt, sa sinaunang Tsina at India, Greece at Roma. Sa sinaunang tradisyon ng Griyego ng pagsasagawa ng mga trahedya, may mga espesyal na plataporma kung saan nakaupo ang mga musikero, na sinasabayan ang mga pagtatanghal ng mga aktor at mananayaw sa pamamagitan ng pagtugtog ng mga instrumento. Ang nasabing mga platform-elevation na "orchestra" ay tinawag. Kaya't ang patent para sa pag-imbento ng salitang "orchestra" ay nananatili sa mga sinaunang Greeks, bagaman sa katunayan ang mga orkestra ay umiral nang mas maaga.

Sa kultura ng Kanlurang Europa, ang samahan ng mga musikero bilang isang orkestra ay hindi agad nagsimulang tawagin. Noong una, noong Middle Ages at sa Renaissance, tinawag itong chapel. Ang pangalang ito ay nauugnay sa pag-aari sa isang partikular na lugar kung saan ginaganap ang musika. Ang gayong mga kapilya ay nasa unang simbahan, at pagkatapos ay korte. At mayroon ding mga kapilya sa nayon, na binubuo ng mga amateur na musikero. Ang mga kapilya na ito ay halos isang mass phenomenon. At kahit na ang antas ng mga tagapalabas ng nayon at ang kanilang mga instrumento ay hindi maihahambing sa mga propesyonal na korte at mga kapilya ng templo, hindi dapat maliitin ng isang tao ang impluwensya ng tradisyon ng nayon, at kalaunan ang urban folk instrumental na musika sa mahusay na mga kompositor at kulturang musikal ng Europa sa pangkalahatan. Ang musika ng Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti ay literal na pinataba ng mga tradisyon ng folk instrumental music-making.

Pati na rin sa mas sinaunang mga kultura, sa Europa ay walang unang dibisyon sa vocal at instrumental na musika. Simula sa unang bahagi ng Middle Ages, ang simbahang Kristiyano ay nangingibabaw sa lahat, at ang instrumental na musika sa simbahan ay nabuo bilang isang saliw, suporta para sa salita ng ebanghelyo, na palaging nangingibabaw - pagkatapos ng lahat, "sa simula ay ang Salita." Samakatuwid, ang mga unang kapilya ay parehong mga taong kumakanta at mga taong sumasabay sa mga mang-aawit.

Sa ilang mga punto, ang salitang "orchestra" ay lilitaw. Kahit na hindi sa lahat ng dako sa parehong oras. Sa Alemanya, halimbawa, ang salitang ito ay itinatag nang mas huli kaysa sa mga bansang Romansa. Sa Italya, ang orkestra ay palaging nangangahulugan ng instrumental kaysa sa vocal na bahagi ng musika. Ang salitang orkestra ay direktang hiniram mula sa tradisyong Griyego. Ang mga orkestra ng Italyano ay lumitaw sa pagliko ng ika-16-17 siglo, kasama ang pagdating ng genre ng opera. At dahil sa pambihirang kasikatan ng genre na ito, mabilis na nasakop ng salitang ito ang buong mundo. Kaya, ligtas na sabihin na ang kontemporaryong musikang orkestra ay may dalawang pinagmumulan: ang templo at ang teatro.

At sa Germany sa loob ng mahabang panahon ay pinanghawakan nila ang medieval-revival na pangalan na "chapel". Hanggang sa ika-20 siglo, maraming mga orkestra sa korte ng Aleman ang tinawag na mga kapilya. Ang isa sa mga pinaka sinaunang orkestra sa mundo ngayon ay ang Saxon State (at sa nakaraan - ang Saxon Court) Chapel sa Dresden. Ang kasaysayan nito ay bumalik sa mahigit 400 taon. Siya ay nagpakita sa korte ng Saxon Electors, na palaging pinahahalagahan ang maganda at nangunguna sa lahat ng kanilang mga kapitbahay sa bagay na ito. Nariyan pa rin ang Berlin at Weimar State Chapels, gayundin ang sikat na Meiningen Court Chapel, kung saan nagsimula si Richard Strauss bilang isang bandmaster (kasalukuyang conductor). Sa pamamagitan ng paraan, ang salitang Aleman na "kapellmeister" (chapel master) ay ginagamit pa rin ngayon ng mga musikero bilang katumbas ng salitang "conductor", ngunit mas madalas sa isang balintuna, kung minsan kahit na negatibong kahulugan (sa kahulugan ng isang craftsman, hindi artista). At noong mga panahong iyon, ang salitang ito ay binibigkas nang may paggalang, bilang pangalan ng isang kumplikadong propesyon: "ang pinuno ng isang koro o orkestra, na bumubuo rin ng musika." Totoo, sa ilang mga orkestra ng Aleman ang salitang ito ay napanatili bilang isang pagtatalaga ng posisyon - halimbawa, sa Leipzig Gewandhaus Orchestra, ang punong konduktor ay tinatawag pa ring Gewandhaus Kapellmeister.

XVII-XVIII na siglo: ang orkestra bilang dekorasyon ng korte

Ang mga orkestra ng Renaissance, at nang maglaon ay mga orkestra ng Baroque, ay kadalasang korte o eklesyastiko. Ang kanilang layunin ay upang samahan ang pagsamba o upang payapain at aliwin ang mga nasa kapangyarihan. Gayunpaman, maraming mga pyudal na pinuno ang may medyo binuo na aesthetic na kahulugan, at bukod pa, gusto nilang ipakita ang bawat isa. May nagyabang sa hukbo, isang tao - ng kakaibang arkitektura, may naglatag ng mga hardin, at may nag-iingat ng court theater o orkestra.

Ang French King na si Louis XIV, halimbawa, ay mayroong dalawang ganoong orkestra: ang Ensemble of the Royal Stables, na binubuo ng hangin at mga instrumentong percussion, at ang tinatawag na "24 Violins of the King", na pinamumunuan ng sikat na kompositor na si Jean Baptiste Lully. , na nakipagtulungan din kay Moliere at napunta sa kasaysayan bilang lumikha ng French opera at ang unang propesyonal na konduktor. Nang maglaon, ang Ingles na Haring Charles II (anak ng pinatay na si Charles I), na bumalik mula sa France sa panahon ng Pagpapanumbalik ng monarkiya noong 1660, ay lumikha din ng kanyang "24 King's Violins" sa Royal Chapel ayon sa modelong Pranses. Ang mismong Royal Chapel ay umiral mula pa noong ika-14 na siglo at umabot sa tugatog nito sa panahon ng paghahari ni Elizabeth I - ang mga organista nito sa korte ay sina William Bird at Thomas Tallis. At sa korte ni Charles II, nagsilbi ang napakatalino na Ingles na kompositor na si Henry Purcell, na pinagsama ang posisyon ng organista sa Westminster Abbey at sa Royal Chapel. Noong ika-16-17 siglo sa Inglatera mayroong isa pang tiyak na pangalan para sa isang orkestra, kadalasan ay isang maliit - "consort". Sa huling panahon ng Baroque, ang salitang "consort" ay hindi na ginagamit, at ang konsepto ng kamara, iyon ay, "kuwarto" na musika ang lumitaw sa halip.

Ang mga baroque na anyo ng libangan ay naging mas maluho sa pagtatapos ng ika-17 at simula ng ika-18 siglo. At hindi na posible na pamahalaan gamit ang isang maliit na bilang ng mga tool - gusto ng mga customer na "mas malaki at mas mahal". Bagaman, siyempre, ang lahat ay nakasalalay sa kabutihang-loob ng "illustrious patron". Kung napilitan si Bach na magsulat ng mga liham sa kanyang mga amo, na hinihikayat silang maglaan ng hindi bababa sa dalawa o tatlong violin bawat instrumental na bahagi, pagkatapos ay sa Handel, sa parehong oras, 24 oboist, 12 bassoonist, 9 horn player ang nakibahagi sa unang pagtatanghal ng "Music for the Royal Fireworks" , 9 trumpeter at 3 timpani player (i.e. 57 musikero para sa 13 iniresetang bahagi). At sa pagtatanghal ng "Messiah" ni Handel sa London noong 1784, 525 katao ang nakibahagi (bagaman ang kaganapang ito ay kabilang sa isang mas huling panahon, nang ang may-akda ng musika ay hindi na buhay). Karamihan sa mga may-akda ng baroque ay nagsulat ng mga opera, at ang theatrical opera orchestra ay palaging isang uri ng malikhaing laboratoryo para sa mga kompositor - isang lugar para sa lahat ng uri ng mga eksperimento, kabilang ang mga hindi pangkaraniwang instrumento. Kaya, halimbawa, sa simula ng ika-17 siglo, ipinakilala ni Monteverdi ang isang bahagi ng trombone sa orkestra ng kanyang opera na Orfeo, isa sa mga pinakaunang opera sa kasaysayan, upang ilarawan ang mga infernal na galit.

Mula noong panahon ng Florentine Camerata (ang pagliko ng ika-16-17 siglo), sa anumang orkestra ay mayroong isang basso continuo na bahagi, na nilalaro ng isang buong grupo ng mga musikero at naitala sa isang linya sa bass clef. Ang mga numero sa ilalim ng linya ng bass ay nagsasaad ng ilang mga harmonic na pagkakasunud-sunod - at ang mga performer ay kailangang improvise ang lahat ng musical texture at mga dekorasyon, iyon ay, lumikha ng panibago sa bawat performance. Oo, at ang komposisyon ay iba-iba depende sa kung anong mga instrumento ang nasa pagtatapon ng isang partikular na kapilya. Ang pagkakaroon ng isang instrumento sa keyboard ay obligado, kadalasan ang harpsichord, sa musika ng simbahan, ang gayong instrumento ay kadalasang ang organ; isang stringed bow - cello, viola da gamba o violone (ang nangunguna sa modernong double bass); isang stringed plucked lute o theorbo. Ngunit nangyari na sa basso continuo group ay anim o pitong tao ang sabay-sabay na tumugtog, kabilang ang ilang mga harpsichord (Purcell at Rameau ay may tatlo o apat sa kanila). Noong ika-19 na siglo, nawala ang mga keyboard at plucked na instrumento sa mga orkestra, ngunit muling lumitaw noong ika-20 siglo. At mula noong 1960s, naging posible sa isang symphony orchestra na gumamit ng halos anumang instrumento na umiiral sa mundo - halos baroque flexibility sa diskarte sa instrumentation. Kaya, maaari nating isaalang-alang na ipinanganak ng Baroque ang modernong orkestra.

Instrumentasyon, istraktura, notasyon

Ang salitang "orchestra" para sa modernong tagapakinig ay malamang na nauugnay sa mga sipi mula sa musika ng Beethoven, Tchaikovsky o Shostakovich; na may napakalaking monumental at sa parehong oras smoothed tunog, na idineposito sa aming memorya mula sa pakikinig sa modernong orkestra - live at sa mga recording. Ngunit hindi palaging ganito ang tunog ng mga orkestra. Kabilang sa maraming pagkakaiba sa pagitan ng mga sinaunang orkestra at mga modernong, ang pangunahing bagay ay ang mga instrumentong ginagamit ng mga musikero. Sa partikular, ang lahat ng mga instrumento ay tumunog na mas tahimik kaysa sa mga modernong, dahil ang mga silid kung saan ang musika ay tumutugtog (sa pangkalahatan) ay mas maliit kaysa sa mga modernong bulwagan ng konsiyerto. At walang mga sungay ng pabrika, walang mga nuclear turbine, walang panloob na combustion engine, walang supersonic na sasakyang panghimpapawid - ang pangkalahatang tunog ng buhay ng tao ay ilang beses na mas tahimik kaysa ngayon. Sinusukat pa rin ang dami nito sa pamamagitan ng natural na mga pangyayari: ang dagundong ng mga mababangis na hayop, kulog sa panahon ng bagyo, ingay ng mga talon, kaluskos ng mga nahuhulog na puno o dagundong ng pagkahulog ng bundok, gayundin ang dagundong ng mga tao sa plaza ng lungsod. sa isang makatarungang araw. Samakatuwid, ang musika ay maaaring makipagkumpitensya sa liwanag lamang sa kalikasan mismo.

Ang mga kuwerdas na binigkis sa mga instrumentong may kuwerdas ay gawa sa ox sinew (ang ngayon ay gawa sa metal), ang mga busog ay mas maliit, mas magaan at bahagyang naiiba sa hugis. Dahil dito, ang tunog ng mga kuwerdas ay "mas mainit", ngunit hindi gaanong "pinakinis" kaysa ngayon. Ang mga instrumentong Woodwind ay wala ang lahat ng mga modernong balbula at iba pang teknikal na kagamitan na nagpapahintulot sa kanila na tumugtog nang mas may kumpiyansa at tumpak. Ang mga woodwinds ng oras na iyon ay tunog ng mas indibidwal sa mga tuntunin ng mga timbre, kung minsan ay medyo wala sa tono (lahat ito ay nakasalalay sa kakayahan ng tagapalabas) at ilang beses na mas tahimik kaysa sa mga modernong. Ang mga instrumentong brass wind ay ganap na natural, iyon ay, nakakagawa lamang sila ng mga tunog ng isang natural na sukat, na kadalasan ay sapat lamang upang tumugtog ng isang maikling fanfare, ngunit hindi isang pinahabang melody. Ang balat ng hayop ay nakaunat sa ibabaw ng mga tambol at timpani (ang kasanayang ito ay umiiral pa rin ngayon, kahit na ang mga instrumentong percussion na may mga plastik na lamad ay matagal nang lumitaw).

Ang pagkakasunud-sunod ng orkestra sa pangkalahatan ay mas mababa kaysa ngayon - sa karaniwan ay kalahating tono, at minsan ay buong tono. Ngunit kahit dito ay walang iisang tuntunin: ang sistema ng tono para sa unang oktaba (ayon sa kung saan ang orkestra ay tradisyonal na nakatutok) sa korte ng Louis XIV ay 392 sa sukat ng Hertz. Sa korte ni Charles II, na-tono nila ang A mula 400 hanggang 408 hertz. Kasabay nito, ang mga organo sa mga templo ay madalas na nakatutok sa isang tono na mas mataas kaysa sa mga harpsichord na nakatayo sa mga silid ng palasyo (marahil ito ay dahil sa pag-init, dahil ang mga instrumentong kuwerdas ay tumataas sa tune mula sa tuyong init, at, sa kabilang banda, bumababa mula sa malamig; ang mga instrumento ng hangin ay kadalasang may reverse trend). Samakatuwid, sa panahon ng Bach, mayroong dalawang pangunahing sistema: ang tinatawag na kammer-ton (modernong "tuning fork" - isang salita na nagmula rito), iyon ay, "sistema ng silid", at orgel-ton, iyon ay. , "organ system" (aka "choral tone "). At ang room tuning para sa A ay 415 hertz, habang ang organ tuning ay palaging mas mataas at minsan ay umaabot sa 465 hertz. At kung ihahambing natin ang mga ito sa modernong pag-tune ng konsiyerto (440 hertz), kung gayon ang una ay magiging kalahating tono na mas mababa, at ang pangalawa ay kalahating tono na mas mataas kaysa sa modernong isa. Samakatuwid, sa ilang mga cantatas ni Bach, na isinulat para sa organ system, isinulat kaagad ng may-akda ang mga bahagi ng mga instrumento ng hangin sa transposisyon, iyon ay, kalahating hakbang na mas mataas kaysa sa bahagi ng choir at basso continuo. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang mga instrumento ng hangin, na pangunahing ginagamit sa musika ng silid ng korte, ay hindi inangkop sa mas mataas na pag-tune ng organ (ang mga flute at obo ay maaaring bahagyang mas mababa kaysa sa camertone, at samakatuwid ay mayroon ding pangatlo. - mababang camertone). tono). At kung, nang hindi nalalaman ito, ngayon ay susubukan mong maglaro ng gayong cantata nang literal mula sa mga tala, makakakuha ka ng isang cacophony na hindi nilayon ng may-akda.

Ang sitwasyong ito na may "lumulutang" na mga pormasyon ay nagpatuloy sa mundo hanggang sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig, iyon ay, hindi lamang sa iba't ibang mga bansa, kundi pati na rin sa iba't ibang mga lungsod ng parehong bansa, ang mga pormasyon ay maaaring magkaiba nang malaki sa bawat isa. Noong 1859, ginawa ng gobyerno ng Pransya ang unang pagtatangka na i-standardize ang pag-tune sa pamamagitan ng pagpapalabas ng batas na nag-aapruba sa pag-tune ng A - 435 hertz, ngunit sa ibang mga bansa ang mga tuning ay patuloy na lubhang naiiba. At noong 1955 lamang, pinagtibay ng International Organization for Standardization ang batas sa pag-tune ng konsiyerto ng 440 hertz, na may bisa pa rin ngayon.

Ang mga may-akda ng Baroque at klasikal ay nagsagawa rin ng iba pang mga operasyon sa larangan ng pag-tune, na may kaugnayan sa musika para sa mga instrumentong kuwerdas. Pinag-uusapan natin ang isang pamamaraan na tinatawag na "scordatura", iyon ay, "pag-tune ng mga string." Kasabay nito, ang ilang mga string, sabi ng mga violin o violas, ay nakatutok sa ibang, hindi tipikal na pagitan para sa instrumento. Salamat sa ito, ang kompositor ay nakakuha ng pagkakataon na gamitin, depende sa susi ng komposisyon, ang isang mas malaking bilang ng mga bukas na mga string, na humantong sa isang mas mahusay na resonance ng instrumento. Ngunit ang scordatura na ito ay madalas na naitala hindi sa totoong tunog, ngunit sa transposisyon. Samakatuwid, nang walang paunang paghahanda ng instrumento (at ang tagapalabas), ang gayong komposisyon ay imposibleng gumanap ng maayos. Ang isang sikat na halimbawa ng scordatura ay ang cycle ng violin sonatas ni Heinrich Ignaz Bieber na Rosary (Misteryo) (1676).

Sa Renaissance at sa maagang yugto ng Baroque, ang hanay ng mga mode, at kalaunan ang mga susi, kung saan ang mga kompositor ay maaaring bumuo ay limitado ng isang natural na hadlang. Ang pangalan ng hadlang na ito ay ang Pythagorean comma. Ang dakilang siyentipikong Griyego na si Pythagoras ang unang nagmungkahi ng mga instrumento sa pag-tune ayon sa isang purong ikalimang - isa sa mga unang agwat ng natural na sukat. Ngunit ito ay lumabas na kung i-tune mo ang mga may kuwerdas na instrumento sa ganitong paraan, pagkatapos ay pagkatapos na dumaan sa isang buong bilog ng fifths (apat na octaves), ang C-sharp note ay mas mataas ang tunog sa C. At mula noong sinaunang panahon, sinubukan ng mga musikero at siyentipiko na makahanap ng isang perpektong sistema ng pag-tune ng instrumento, kung saan ang natural na depekto ng natural na sukat - ang hindi pagkakapantay-pantay nito - ay maaaring pagtagumpayan, na magpapahintulot sa pantay na paggamit ng lahat ng mga tonalidad.

Ang bawat panahon ay may kanya-kanyang sistema ng kaayusan. At ang bawat isa sa mga sistema ay may sariling mga katangian, na tila hindi totoo sa ating pandinig, sanay sa tunog ng mga modernong piano. Mula noong simula ng ika-19 na siglo, ang lahat ng mga instrumento sa keyboard ay nakatutok sa isang pare-parehong sukat, na naghahati ng isang oktaba sa 12 perpektong pantay na semitone. Ang kahit na pag-tune ay isang kompromiso na napakalapit sa modernong espiritu, na nagpapahintulot na malutas ang problema ng Pythagorean comma minsan at para sa lahat, ngunit isinakripisyo ang natural na kagandahan ng tunog ng purong thirds at fifths. Ibig sabihin, wala sa mga pagitan (maliban sa oktaba) na tinutugtog ng modernong piano ang tumutugma sa natural na sukat. At sa lahat ng maraming mga sistema ng pag-tune na umiral mula noong huling bahagi ng Middle Ages, ang isang tiyak na bilang ng mga purong agwat ay napanatili, dahil sa kung saan ang lahat ng mga susi ay nakatanggap ng isang matinding indibidwal na tunog. Kahit na matapos ang pag-imbento ng magandang ugali (tingnan ang Bach's Well-Tempered Clavier), na naging posible na gamitin ang lahat ng mga susi sa harpsichord o organ, ang mga susi mismo ay nagpapanatili pa rin ng kanilang indibidwal na kulay. Samakatuwid ang paglitaw ng teorya ng affects, na pangunahing sa baroque music, ayon sa kung saan ang lahat ng musikal na paraan ng pagpapahayag - melody, harmony, ritmo, tempo, texture, at ang mismong pagpili ng tonality - ay hindi mapaghihiwalay na konektado sa mga tiyak na emosyonal na estado. Higit pa rito, ang parehong tonality ay maaaring, depende sa sistemang ginagamit sa kasalukuyan, tunog pastoral, inosente o senswal, taimtim na nagdadalamhati o nakakatakot sa demonyo.

Para sa kompositor, ang pagpili ng isang susi o isa pa ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa isang tiyak na hanay ng mga emosyon hanggang sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. Bukod dito, kung para sa Haydn D major ay parang "majestic thanksgiving, militancy", kung gayon para kay Beethoven ay parang "sakit, dalamhati o isang martsa". Iniugnay ni Haydn ang E major sa "mga pag-iisip ng kamatayan", at para kay Mozart ang ibig sabihin nito ay "solemne, kahanga-hangang transendence" (lahat ng mga epithet na ito ay mga panipi mula sa mismong mga kompositor). Samakatuwid, kabilang sa mga obligadong birtud ng mga musikero na gumaganap ng maagang musika ay isang multidimensional na sistema ng musikal at pangkalahatang kaalaman sa kultura na nagpapahintulot sa isa na makilala ang emosyonal na istraktura at "mga code" ng iba't ibang mga komposisyon ng iba't ibang mga may-akda, at sa parehong oras ang kakayahang teknikal na ipatupad. ito sa laro.

Bilang karagdagan, mayroon ding mga problema sa notasyon: ang mga kompositor ng ika-17-18 na siglo ay sadyang naitala lamang ang bahagi ng impormasyon na may kaugnayan sa paparating na pagganap ng trabaho; parirala, nuance, articulation, at lalo na ang katangi-tanging dekorasyon - isang mahalagang bahagi ng Baroque aesthetic - ang lahat ng ito ay naiwan sa malayang pagpili ng mga musikero, na sa gayon ay naging mga co-creator ng kompositor, at hindi lamang masunurin na tagapagpatupad ng kanyang kalooban. Samakatuwid, ang tunay na mahusay na pagganap ng baroque at maagang klasikal na musika sa mga sinaunang instrumento ay hindi mas mababa (kung hindi higit pa) mahirap na gawain kaysa sa virtuosic mastering ng mamaya musika sa modernong mga instrumento. Nang higit sa 60 taon na ang nakalilipas ay lumitaw ang mga unang mahilig sa pagganap sa mga sinaunang instrumento ("authenticists"), madalas silang sinalubong ng poot sa kanilang mga kasamahan. Ito ay bahagyang dahil sa pagkawalang-kilos ng mga musikero ng tradisyonal na paaralan, at bahagyang sa hindi sapat na kasanayan ng mga pioneer ng musikal na pagiging tunay. Sa mga musikal na bilog, nagkaroon ng nakakatuwang ironic na pag-uugali sa mga talunan na hindi nakahanap ng mas mabuting gamit para sa kanilang sarili kaysa mag-publish ng malungkot na pekeng bleating sa "tuyong kahoy" (woodwinds) o "rusty scrap metal" (brasswinds). At ang ganitong (tiyak na nakalulungkot) na saloobin ay nagpatuloy hanggang kamakailan, hanggang sa naging malinaw na ang antas ng pagtugtog sa mga sinaunang instrumento ay lumago nang husto sa nakalipas na mga dekada na, hindi bababa sa larangan ng baroque at maagang mga klasiko, ang mga authenticist ay matagal nang naabutan at nalampasan. mas monotonous at ponderous-sounding modernong orkestra.

Mga genre at anyo ng orkestra

Kung paanong ang salitang "orchestra" ay hindi palaging ibig sabihin kung ano ang ibig sabihin natin ngayon, kaya ang mga salitang "symphony" at "concert" ay orihinal na may bahagyang magkaibang kahulugan, at unti-unti, sa paglipas ng panahon, nakuha nila ang kanilang mga modernong kahulugan.

Konsiyerto

Ang salitang "konsiyerto" ay may ilang posibleng pinagmulan. Ang makabagong etimolohiya ay may posibilidad na isalin ang "upang magkaroon ng isang kasunduan" mula sa Italian concertare o "to sing together, praise" mula sa Latin na concinere, concino. Ang isa pang posibleng pagsasalin ay ang "dispute, competition" mula sa Latin concertare: ang mga indibidwal na performer (soloista o grupo ng mga soloista) ay nakikipagkumpitensya sa musika kasama ang isang koponan (orchestra). Sa unang bahagi ng panahon ng Baroque, ang isang vocal-instrumental work ay madalas na tinatawag na isang concerto, nang maglaon ay nakilala ito bilang isang cantata - mula sa Latin na canto, cantare ("upang kumanta"). Sa paglipas ng panahon, ang mga concerto ay naging isang purong instrumental na genre (bagaman kabilang sa mga gawa ng ika-20 siglo ay maaari ding makahanap ng isang pambihira gaya ng Concerto for Voice and Orchestra ni Reinhold Gliere). Ang panahon ng Baroque ay gumawa ng pagkakaiba sa pagitan ng solo concerto (isang instrumento at kasamang orkestra) at ang "big concerto" (concerto grosso), kung saan ang musika ay inilipat sa pagitan ng isang maliit na grupo ng mga soloista (concertino) at isang grupo na may mas maraming instrumento (ripieno). , iyon ay, "pagpupuno", "pagpupuno"). Ang mga musikero ng grupong ripieno ay tinawag na ripienists. Ang mga ripienista na ito ang naging mga nangunguna sa mga modernong manlalaro ng orkestra. Bilang ripieno, tanging mga instrumentong may kuwerdas ang kasama, gayundin ang basso continuo. At ang mga soloista ay maaaring ibang-iba: violin, cello, oboe, recorder, bassoon, viola d'amour, lute, mandolin, atbp.

Mayroong dalawang uri ng concerto grosso: concerto da chiesa ("konsiyerto ng simbahan") at concerto da camera ("konsiyerto sa silid"). Parehong ginamit dahil sa Arcangelo Corelli, na bumuo ng cycle ng 12 concerto (1714). Malaki ang impluwensya ng cycle na ito kay Handel, na nag-iwan sa amin ng dalawang concerto grosso cycle, na kinilala bilang mga obra maestra ng genre na ito. Ang mga concerto ng Brandenburg ni Bach ay nagtataglay din ng mga malinaw na katangian ng isang concerto grosso.

Ang kasagsagan ng baroque solo concerto ay nauugnay sa pangalan ni Antonio Vivaldi, na bumuo ng higit sa 500 concerto para sa iba't ibang mga instrumento na sinamahan ng mga string at basso continuo sa kanyang buhay (bagaman nagsulat din siya ng higit sa 40 mga opera, isang malaking bilang ng musika ng koro ng simbahan at instrumental symphony). Ang mga recital ay, bilang panuntunan, sa tatlong bahagi na may mga alternating tempo: mabilis - mabagal - mabilis; naging nangingibabaw ang istrukturang ito sa mga huling sample ng instrumental concerto - hanggang sa simula ng ika-21 siglo. Ang pinakasikat na paglikha ng Vivaldi ay ang cycle na "The Seasons" (1725) para sa violin at string orchestra, kung saan ang bawat concerto ay pinangungunahan ng isang tula (marahil ay sinulat mismo ni Vivaldi). Ang mga tula ay naglalarawan ng mga pangunahing mood at mga kaganapan ng isang partikular na panahon, na kung saan ay nakapaloob sa musika mismo. Ang apat na konsiyerto na ito, na bahagi ng mas malaking cycle ng 12 concerto na pinamagatang Contest of Harmony and Invention, ay itinuturing ngayon na isa sa mga unang halimbawa ng musika ng programa.

Ang tradisyong ito ay ipinagpatuloy at binuo nina Handel at Bach. Bukod dito, si Handel ay gumawa, bukod sa iba pang mga bagay, ng 16 na organ concerto, at si Bach, bilang karagdagan sa mga konsiyerto na tradisyonal noong panahong iyon para sa isa at dalawang biyolin, ay nagsulat din ng mga konsiyerto para sa harpsichord, na hanggang ngayon ay eksklusibong instrumento ng basso continuo group. . Kaya't si Bach ay maituturing na ninuno ng modernong piano concerto.

Symphony

Ang Symphony sa Greek ay nangangahulugang "consonance", "pinagsamang tunog". Sa sinaunang Griyego at medyebal na mga tradisyon, ang symphony ay tinawag na euphony of harmony (sa musikal na wika ngayon - consonance), at sa mga kamakailang panahon, ang iba't ibang mga instrumentong pangmusika ay nagsimulang tawaging symphony, tulad ng: dulcimer, wheeled lyre, spinet o virginal. At lamang sa pagliko ng XVI-XVII na siglo ang salitang "symphony" ay nagsimulang gamitin bilang pangalan ng isang komposisyon para sa mga tinig at instrumento. Ang pinakaunang mga halimbawa ng naturang mga symphony ay ang Musical Symphony ni Lodovico Grossi da Viadana (1610), ang Sacred Symphony ni Giovanni Gabrieli (1615) at ang Sacred Symphony (op. 6, 1629, at op. 10, 1649) ni Heinrich Schütz. Sa pangkalahatan, sa buong panahon ng Baroque, ang iba't ibang komposisyon, parehong eklesiastiko at sekular, ay tinatawag na symphony. Kadalasan, ang mga symphony ay bahagi ng isang mas malaking cycle. Sa pagdating ng genre ng Italian opera seria ("seryosong opera"), na pangunahing nauugnay sa pangalan ng Scarlatti, ang instrumental na pagpapakilala sa opera, na tinatawag ding overture, ay tinawag na symphony, kadalasan sa tatlong mga seksyon: mabilis - mabagal - mabilis. Iyon ay, ang "symphony" at "overture" sa loob ng mahabang panahon ay nangangahulugan ng parehong bagay. Sa pamamagitan ng paraan, sa Italian opera, ang tradisyon ng pagtawag sa overture na isang symphony ay nakaligtas hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo (tingnan ang mga unang opera ni Verdi, halimbawa, Nebuchadnezzar).

Mula noong ika-18 siglo, ang isang fashion para sa mga instrumental na multi-part symphony ay lumitaw sa buong Europa. Ginampanan nila ang isang mahalagang papel kapwa sa pampublikong buhay at sa mga serbisyo sa simbahan. Gayunpaman, ang pangunahing lugar ng pinagmulan at pagganap ng mga symphony ay ang mga ari-arian ng mga aristokrata. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo (ang panahon ng paglitaw ng unang Haydn symphony), mayroong tatlong pangunahing sentro para sa pagbuo ng mga symphony sa Europa - Milan, Vienna at Mannheim. Ito ay salamat sa mga aktibidad ng tatlong mga sentrong ito, ngunit lalo na ang Mannheim Court Chapel at ang mga kompositor nito, pati na rin ang gawa ni Joseph Haydn, na ang symphony genre ay nakaranas ng unang pamumulaklak nito sa Europa noong panahong iyon.

Mannheim Chapel

Ang kapilya, na bumangon sa ilalim ng Elector Charles III Philip sa Heidelberg, at pagkatapos ng 1720 ay patuloy na umiral sa Mannheim, ay maaaring ituring na unang prototype ng modernong orkestra. Bago pa man lumipat sa Mannheim, ang kapilya ay mas marami kaysa sa iba pa sa nakapalibot na mga pamunuan. Sa Mannheim, lalo itong lumaki, at dahil sa pakikilahok ng mga pinaka mahuhusay na musikero noong panahong iyon, ang kalidad ng pagganap ay bumuti din nang malaki. Mula noong 1741, ang koro ay pinamumunuan ng Czech violinist at kompositor na si Jan Stamitz. Ito ay mula sa oras na ito na maaari naming pag-usapan ang tungkol sa paglikha ng paaralan ng Mannheim. Ang orkestra ay may kasamang 30 string na instrumento, ipinares na mga instrumento ng hangin: dalawang plauta, dalawang obo, dalawang clarinet (noon ay bihirang bisita pa rin sa mga orkestra), dalawang bassoon, dalawa hanggang apat na sungay, dalawang trumpeta at timpani - isang malaking komposisyon para sa mga panahong iyon. Halimbawa, sa kapilya ni Prince Esterhazy, kung saan nagsilbi si Haydn ng halos 30 taon bilang isang bandmaster, sa simula ng kanyang aktibidad ang bilang ng mga musikero ay hindi lalampas sa 13-16 katao, sa Count Morzin, kung saan nagsilbi si Haydn ilang taon bago. Esterhazy at isinulat ang kanyang mga unang symphony, mayroong higit pang mga musikero. mas kaunti - doon, sa paghusga sa mga marka ng Haydn ng mga taong iyon, walang kahit na mga flute. Sa huling bahagi ng 1760s, ang Esterhazy Chapel ay lumago sa 16-18 na musikero at noong kalagitnaan ng 1780s ay umabot sa pinakamataas na bilang na 24 na musikero. At sa Mannheim mayroong 30 tao ng mga string lamang.

Ngunit ang pangunahing birtud ng Mannheim virtuosos ay hindi ang kanilang dami, ngunit ang hindi kapani-paniwalang kalidad at pagkakaugnay ng kolektibong pagganap noong panahong iyon. Si Jan Stamitz, at kasunod niya ang iba pang mga kompositor na nagsulat ng musika para sa orkestra na ito, ay natagpuan ang higit pa at mas sopistikado, hanggang ngayon ay hindi pa naririnig ang mga epekto na mula noon ay nauugnay sa pangalan ng Mannheim Chapel: isang magkasanib na pagtaas ng tunog (crescendo), paghina ng tunog (diminuendo), biglaang magkasanib na pagkagambala ng laro (pangkalahatang paghinto), pati na rin ang iba't ibang uri ng mga musical figure, tulad ng: ang Mannheim rocket (ang mabilis na pagtaas ng melody ayon sa mga tunog ng isang decomposed chord), ang Mannheim birds (mga imitasyon ng huni ng mga ibon sa solong mga sipi) o ang Mannheim culmination (paghahanda para sa isang crescendo, at pagkatapos ay sa mapagpasyang sandali ay ang pagtigil ng pagtugtog ng lahat ng mga instrumentong pang-ihip ng hangin at ang aktibong-energetic na pagtugtog ng ilang mga kuwerdas). Marami sa mga epektong ito ay natagpuan ang kanilang pangalawang buhay sa mga gawa ng mga nakababatang kontemporaryo ni Mannheim na sina Mozart at Beethoven, at ang ilan ay umiiral pa rin hanggang ngayon.

Bilang karagdagan, unti-unting natagpuan ni Stamitz at ng kanyang mga kasamahan ang perpektong uri ng isang four-movement symphony, na nagmula sa mga baroque na prototype ng sonata ng simbahan at chamber sonata, pati na rin ang Italian opera overture. Dumating si Haydn sa parehong apat na bahagi na cycle bilang resulta ng kanyang maraming taon ng mga eksperimento. Ang batang Mozart ay bumisita sa Mannheim noong 1777 at labis na humanga sa musika at pagtugtog ng orkestra na narinig niya doon. Kasama si Christian Cannabih, na namuno sa orkestra pagkatapos ng pagkamatay ni Stamitz, nagkaroon ng personal na pagkakaibigan si Mozart mula noong kanyang pagbisita sa Mannheim.

mga musikero sa korte

Ang posisyon ng mga musikero ng korte, na binayaran ng suweldo, ay napakahusay sa oras na iyon, ngunit, siyempre, ito ay nag-oobliga ng marami. Nagtrabaho sila nang husto at kailangang tuparin ang anumang musikal na kapritso ng kanilang mga panginoon. Maaari silang kunin ng alas-tres o alas-kuwatro ng umaga at sabihin na gusto ng may-ari ng entertainment music - upang makinig sa ilang uri ng harana. Ang mga mahihirap na musikero ay kailangang pumunta sa bulwagan, maglagay ng mga lampara at maglaro. Kadalasan ang mga musikero ay nagtatrabaho ng pitong araw sa isang linggo - ang mga konsepto tulad ng rate ng produksyon o ang 8-oras na araw ng pagtatrabaho, siyempre, ay hindi umiiral para sa kanila (ayon sa mga modernong pamantayan, ang isang musikero ng orkestra ay hindi maaaring gumana nang higit sa 6 na oras sa isang araw, pagdating sa rehearsals para sa isang concert o theatrical performance). Kinailangan naming maglaro buong araw, kaya buong araw kaming naglaro. Gayunpaman, ang mga may-ari, na mahilig sa musika, ay madalas na nauunawaan na ang isang musikero ay hindi maaaring maglaro ng maraming oras nang walang pahinga - kailangan niya ng parehong pagkain at pahinga.

Haydn at Prince Esterhazy Chapel

Ayon sa alamat, si Haydn, na sumulat ng sikat na Farewell Symphony, ay nagpahiwatig sa kanyang master na si Esterhazy tungkol sa ipinangako ngunit nakalimutang pahinga. Sa pagtatapos nito, tumayo ang lahat ng mga musikero, pinatay ang mga kandila at umalis - medyo naiintindihan ang pahiwatig. At naunawaan sila ng may-ari at hinayaan silang magbakasyon - na nagsasalita tungkol sa kanya bilang isang taong may pananaw at pagkamapagpatawa. Kahit na ito ay isang kathang-isip, ito ay kapansin-pansing naghahatid ng diwa ng panahong iyon - sa ibang mga panahon, ang gayong mga alusyon sa mga pagkakamali ng mga awtoridad ay maaaring magdulot ng malaking halaga sa kompositor.

Dahil ang mga patron ni Haydn ay medyo edukado at sensitibo sa musika, maaasahan niya ang katotohanan na alinman sa kanyang mga eksperimento - ito man ay isang symphony sa anim o pitong paggalaw o ilang hindi kapani-paniwalang komplikasyon ng tonal sa tinatawag na developmental episode - ay hindi. natanggap nang may pagkondena. Tila kahit na ang kabaligtaran: ang mas kumplikado at hindi pangkaraniwang anyo ay, mas nagustuhan nila ito.
Gayunpaman, si Haydn ang naging unang namumukod-tanging kompositor na nagpalaya sa kanyang sarili mula sa tila komportable, ngunit sa pangkalahatan ay mapang-alipin na pag-iral ng courtier. Nang mamatay si Nikolaus Esterházy, binuwag ng kanyang tagapagmana ang orkestra, bagama't pinanatili niya ang titulo ni Haydn at ang (binawasan) na suweldo ng bandmaster. Kaya, hindi sinasadyang tumanggap si Haydn ng isang walang tiyak na bakasyon at, sinamantala ang imbitasyon ng impresario na si Johann Peter Salomon, nagpunta sa London sa medyo advanced na edad. Doon talaga siya gumawa ng bagong orchestral style. Ang kanyang musika ay naging mas solid at mas simple. Kinansela ang mga eksperimento. Ito ay dahil sa pangangailangang pangkomersiyo: nalaman niya na ang pangkalahatang publikong Ingles ay hindi gaanong pinag-aralan kaysa sa mga sopistikadong tagapakinig sa Esterhazy estate - para sa kanya, kailangan mong sumulat ng mas maikli, mas malinaw at mas maikli. Habang ang bawat symphony na isinulat ni Esterhazy ay natatangi, ang London symphony ay pareho ang uri. Ang lahat ng mga ito ay eksklusibo na isinulat sa apat na bahagi (sa oras na iyon ito ang pinakakaraniwang anyo ng symphony, na ganap nang ginagamit ng mga kompositor ng Mannheim school at Mozart): ang obligadong sonata allegro sa unang bahagi, ang humigit-kumulang mabagal na pangalawang bahagi, ang minuto at ang mabilis na pagtatapos. Ang uri ng orkestra at anyo ng musika, pati na rin ang uri ng teknikal na pag-unlad ng mga tema na ginamit sa mga huling symphony ni Haydn, ay naging isang modelo para sa Beethoven.

Huling bahagi ng ika-18 - ika-19 na siglo: ang Viennese school at Beethoven

Nagkataon na nabuhay si Haydn kay Mozart, na 24 taong mas bata sa kanya, at natagpuan ang simula ng karera ni Beethoven. Nagtrabaho si Haydn sa halos buong buhay niya sa Hungary ngayon, at sa pagtatapos ng kanyang buhay ay nagkaroon ng mabagyong tagumpay sa London, si Mozart ay mula sa Salzburg, at si Beethoven ay isang Fleming na ipinanganak sa Bonn. Ngunit ang mga malikhaing landas ng lahat ng tatlong higante ng musika ay konektado sa lungsod, na sa panahon ng paghahari ni Empress Maria Theresa, at pagkatapos ay ang kanyang anak na si Emperor Joseph II, kinuha ang posisyon ng musikal na kabisera ng mundo - kasama ang Vienna. Kaya, ang gawain nina Haydn, Mozart at Beethoven ay bumaba sa kasaysayan bilang ang "Viennese classical style". Totoo, dapat tandaan na ang mga may-akda mismo ay hindi itinuturing ang kanilang sarili na "mga klasiko", at itinuturing ni Beethoven ang kanyang sarili na isang rebolusyonaryo, isang pioneer at maging isang subverter ng mga tradisyon. Ang mismong konsepto ng "classical style" ay isang imbensyon ng mas huling panahon (kalagitnaan ng ika-19 na siglo). Ang mga pangunahing tampok ng istilong ito ay ang magkatugma na pagkakaisa ng anyo at nilalaman, ang balanse ng tunog sa kawalan ng mga labis na baroque at ang sinaunang pagkakatugma ng mga arkitekto ng musika.

Ang mga symphony ni Haydn sa London, ang mga huling symphony ni Mozart at lahat ng mga symphony ni Beethoven ay itinuturing na pinakamataas na tagumpay ng istilong klasikal ng Viennese sa larangan ng musikang orkestra. Sa huling mga symphony nina Haydn at Mozart, ang musical lexicon at syntax ng classical na istilo ay sa wakas ay naitatag, gayundin ang komposisyon ng orkestra, na nag-kristal na sa paaralan ng Mannheim at itinuturing pa rin na klasiko: isang string group (nahahati sa una at pangalawang violin, violas, cellos at double bass), isang pares na komposisyon na woodwinds - karaniwang dalawang plauta, dalawang obo, dalawang bassoon. Gayunpaman, simula sa mga huling gawa ng Mozart, ang mga clarinet ay matatag ding pumasok sa orkestra at itinatag ang kanilang mga sarili. Ang hilig ni Mozart sa clarinet ay higit na nag-ambag sa malawakang pamamahagi ng instrumento na ito bilang bahagi ng wind group ng orkestra. Narinig ni Mozart ang mga clarinet noong 1778 sa Mannheim sa mga symphony ni Stamitz at humahangang sumulat sa isang liham sa kanyang ama: "Oh, kung mayroon lang tayong mga clarinet!" - ibig sabihin ay "sa amin" ang Salzburg Court Chapel, na nagpakilala ng mga clarinet noong 1804 lamang. Dapat pansinin, gayunpaman, na noong 1769 ay regular nang ginagamit ang mga clarinet sa mga princely-archbishopric na bandang militar.

Dalawang sungay ang karaniwang idinaragdag sa nabanggit na mga woodwinds, at kung minsan ay dalawang trumpeta at timpani, na dumating sa symphonic music mula sa militar. Ngunit ang mga instrumentong ito ay ginamit lamang sa mga symphony, ang mga susi kung saan pinapayagan ang paggamit ng mga natural na tubo, na umiral lamang sa ilang mga tuning, kadalasan sa D o C major; minsan ginagamit din ang mga trumpeta sa mga symphony na nakasulat sa G major, ngunit hindi kailanman timpani. Isang halimbawa ng naturang simponya na may mga trumpeta ngunit walang timpani ay ang Symphony No. 32 ni Mozart. Ang bahagi ng timpani ay idinagdag sa marka ng isang hindi kilalang tao at itinuturing na hindi totoo. Maaaring ipagpalagay na ang hindi pagkagusto ng mga may-akda noong ika-18 siglo para sa G major na may kaugnayan sa timpani ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na para sa Baroque timpani (na-tono hindi ng maginhawang modernong pedal, ngunit sa pamamagitan ng mga manu-manong tension screws), ang musika ay tradisyonal na nakasulat, na binubuo lamang ng dalawang nota - ang tonic (1 -th degree of tonality) at dominants (5th degree of tonality), na tinawag upang suportahan ang mga pipe na tumutugtog ng mga note na ito, ngunit ang pangunahing nota ng key G major sa itaas na oktaba sa timpani tunog masyadong matalim, at sa ibaba - masyadong muffled. Kaya naman, naiwasan ang timpani sa G major dahil sa kanilang dissonance.

Ang lahat ng iba pang mga instrumento ay itinuturing na katanggap-tanggap lamang sa mga opera at ballet, at ang ilan sa mga ito ay tumutunog kahit sa simbahan (halimbawa, mga trombone at basset horn sa Requiem, trombone, basset horn at piccolo sa The Magic Flute, percussion "Janissary" na musika sa "The Abduction from seraglio" o mandolin sa "Don Giovanni" ni Mozart, basset horn at alpa sa ballet ni Beethoven na "The Works of Prometheus").

Ang basso continuo ay unti-unting nawalan ng gamit, unang nawala mula sa orkestra na musika ngunit nananatili ng ilang oras sa opera upang samahan ang mga recitatives (tingnan ang The Marriage of Figaro, All Women Do It, at Don Giovanni ni Mozart, ngunit pagkatapos din - sa simula ng ika-19 siglo, sa ilang comic opera nina Rossini at Donizetti).

Kung si Haydn ay bumaba sa kasaysayan bilang ang pinakadakilang imbentor ng symphonic music, kung gayon si Mozart ay nag-eksperimento nang higit pa sa orkestra sa kanyang mga opera kaysa sa kanyang mga symphony. Ang huli ay hindi maihahambing na mas mahigpit sa kanilang pagsunod sa mga pamantayan ng panahong iyon. Bagaman mayroong, siyempre, mga pagbubukod: halimbawa, sa Prague o Paris symphony ay walang minuet, iyon ay, binubuo lamang sila ng tatlong bahagi. Mayroong kahit isang one-movement symphony No. 32 sa G major (gayunpaman, ito ay binuo sa modelo ng Italian overture sa tatlong seksyon, mabilis - mabagal - mabilis, iyon ay, tumutugma ito sa mas matanda, pre-Haydnian norms) . Ngunit sa kabilang banda, kasing dami ng apat na sungay ang kasangkot sa symphony na ito (sa pamamagitan ng paraan, sa Symphony No. 25 sa G minor, gayundin sa opera Idomeneo). Ang mga clarinet ay ipinakilala sa Symphony No. 39 (nabanggit na ang pagmamahal ni Mozart sa mga instrumentong ito), ngunit wala ang mga tradisyonal na obo. At mayroon ding Symphony No. 40 sa dalawang bersyon - may mga clarinet at walang clarinet.

Sa mga tuntunin ng pormal na mga parameter, gumagalaw si Mozart sa karamihan ng kanyang mga symphony ayon sa mga pakana ng Mannheim at Haydnian - siyempre, pinalalim at pinipino ang mga ito gamit ang kapangyarihan ng kanyang henyo, ngunit nang hindi binabago ang anumang bagay na mahalaga sa antas ng mga istruktura o komposisyon. Gayunpaman, sa mga huling taon ng kanyang buhay, sinimulan ni Mozart na pag-aralan nang detalyado at malalim ang gawain ng mga dakilang polyphonist ng nakaraan - sina Handel at Bach. Dahil dito, ang texture ng kanyang musika ay lalong pinayaman ng iba't ibang uri ng polyphonic tricks. Ang isang napakatalino na halimbawa ng kumbinasyon ng isang homophonic warehouse na tipikal ng isang symphony ng huling bahagi ng ika-18 siglo na may isang Bach-type fugue ay ang huling, ika-41 na symphony na "Jupiter" ni Mozart. Sinisimulan nito ang muling pagkabuhay ng polyphony bilang pinakamahalagang paraan ng pag-unlad sa symphonic genre. Totoo, sinundan ni Mozart ang landas na nauna sa kanya ng iba: ang mga finale ng dalawang symphony ni Michael Haydn, No. 39 (1788) at 41 (1789), walang alinlangan na kilala ni Mozart, ay isinulat din sa anyo ng isang fugue.

Espesyal ang papel ni Beethoven sa pagbuo ng orkestra. Ang kanyang musika ay isang napakalaking kumbinasyon ng dalawang panahon: klasikal at romantiko. Kung sa First Symphony (1800) si Beethoven ay isang tapat na estudyante at tagasunod ni Haydn, at sa ballet na The Creations of Prometheus (1801) siya ang kahalili ng mga tradisyon ng Gluck, pagkatapos ay sa Third, Heroic Symphony (1804) doon. ay isang pangwakas at hindi na mababawi na muling pag-iisip ng Haydn-Mozart na tradisyon sa isang mas modernong susi. Ang Ikalawang Symphony (1802) sa panlabas ay sumusunod pa rin sa mga klasikal na pattern, ngunit mayroon itong maraming mga inobasyon, at ang pangunahing isa ay ang pagpapalit ng tradisyonal na minuet ng isang rough-peasant scherzo ("joke" sa Italyano). Simula noon, ang mga minuet ay hindi na natagpuan sa mga symphony ni Beethoven, maliban sa ironically nostalgic na paggamit ng salitang "minuet" sa pamagat ng ikatlong kilusan ng Eighth Symphony - "Sa tempo ng minuet" (sa pamamagitan ng ang oras na ang Eighth ay binubuo - 1812 - ang mga minuto ay nawala na sa paggamit sa lahat ng dako, at si Beethoven dito ay malinaw na ginagamit ang reference na ito sa genre bilang isang tanda ng "isang matamis ngunit malayong nakaraan"). Ngunit din ang kasaganaan ng mga dynamic na kaibahan, at ang sinasadyang paglipat ng pangunahing tema ng unang paggalaw sa mga cellos at double basses, habang ang mga violin ay gumaganap ng isang hindi pangkaraniwang papel para sa kanila bilang mga accompanist, at ang madalas na paghihiwalay ng mga function ng cellos at double basses (iyon ay, ang pagpapalaya ng mga double bass bilang isang independiyenteng boses), at pinalawig, ang pagbuo ng mga codas sa mga sukdulang bahagi (na halos nagiging pangalawang pag-unlad) ay lahat ng mga bakas ng bagong istilo, na natagpuan ang nakamamanghang pag-unlad nito sa susunod, ang Ikatlong Symphony.

Kasabay nito, ang Ikalawang Symphony ay nagtataglay ng simula ng halos lahat ng mga kasunod na symphony ni Beethoven, lalo na ang Ikatlo at Ikaanim, pati na rin ang Ikasiyam. Sa panimula sa unang bahagi ng Pangalawa, mayroong isang D-minor na motif na dalawang patak na katulad ng pangunahing tema ng unang bahagi ng Ikasiyam, at ang nag-uugnay na bahagi ng pangwakas ng Pangalawa ay halos isang sketch ng "Ode to Joy" mula sa finale ng parehong Ninth, kahit na may magkaparehong instrumento.

Ang Third Symphony ay pareho ang pinakamahaba at ang pinaka-kumplikado sa lahat ng mga symphony na isinulat sa ngayon, kapwa sa mga tuntunin ng musikal na wika at ang pinaka-masinsinang pag-aaral ng materyal. Naglalaman ito ng mga dynamic na contrast na hindi pa nagagawa para sa mga panahong iyon (mula sa tatlong piano hanggang tatlong fortes!) at isang hindi pa naganap, kahit na kung ihahambing sa Mozart, ay gumagana sa "cellular transformation" ng orihinal na mga motibo, na hindi lamang naroroon sa bawat indibidwal na paggalaw, ngunit, kumbaga, ay tumatagos sa buong apat na bahaging ikot, na lumilikha ng isang pakiramdam ng iisa at hindi mahahati na salaysay. Ang Heroic Symphony ay hindi na isang maayos na pagkakasunud-sunod ng magkakaibang mga bahagi ng isang instrumental cycle, ngunit isang ganap na bagong genre, sa katunayan, ang unang symphony-nobela sa kasaysayan ng musika!

Ang paggamit ni Beethoven ng orkestra ay hindi lamang birtuoso, itinutulak nito ang mga instrumentalista sa limitasyon, at kadalasang lumalampas sa naiisip na mga teknikal na limitasyon ng bawat instrumento. Ang tanyag na parirala ni Beethoven, na hinarap kay Ignaz Schuppanzig, violinist at pinuno ng Count Lichnowsky Quartet, ang unang tagapalabas ng maraming Beethoven quartets, bilang tugon sa kanyang kritikal na pahayag tungkol sa "imposible" ng isang sipi ng Beethoven, ay kapansin-pansing nailalarawan ang saloobin ng kompositor sa mga teknikal na problema sa musika: "Ano ang pakialam ko sa kanyang kapus-palad na biyolin, kapag ang Espiritu ay nagsasalita sa akin?!" Ang ideya sa musika ay palaging nauuna, at pagkatapos lamang nito ay dapat magkaroon ng mga paraan upang maipatupad ito. Ngunit sa parehong oras, alam na alam ni Beethoven ang mga posibilidad ng orkestra sa kanyang panahon. Sa pamamagitan ng paraan, ang malawak na pinanghahawakan na opinyon tungkol sa mga negatibong kahihinatnan ng pagkabingi ni Beethoven, na di-umano'y makikita sa kanyang mga susunod na komposisyon at samakatuwid ay nagbibigay-katwiran sa mga susunod na panghihimasok sa kanyang mga marka sa anyo ng iba't ibang mga retoke, ay isang gawa-gawa lamang. Ito ay sapat na upang makinig sa isang mahusay na pagganap ng kanyang mga late symphony o quartets sa mga tunay na instrumento upang matiyak na sila ay walang mga bahid, ngunit lamang ng isang mataas na idealistic, walang kompromiso saloobin sa kanilang sining, batay sa isang detalyadong kaalaman sa mga instrumento ng kanilang panahon. at ang kanilang mga kakayahan. Kung si Beethoven ay may modernong orkestra na may mga modernong teknikal na kakayahan sa kanyang pagtatapon, tiyak na siya ay sumulat sa isang ganap na naiibang paraan.

Sa mga tuntunin ng instrumento, sa kanyang unang apat na symphony, si Beethoven ay nananatiling tapat sa mga pamantayan ng mga huling symphony ni Haydn at Mozart. Bagama't ang Heroic Symphony ay gumagamit ng tatlong sungay sa halip na ang tradisyonal na dalawa, o ang bihirang ngunit tradisyonal na tinatanggap na apat. Iyon ay, pinag-uusapan ni Beethoven ang napakasagradong prinsipyo ng pagsunod sa anumang mga tradisyon: kailangan niya ng ikatlong sungay na boses sa orkestra - at ipinakilala niya ito.

At nasa Fifth Symphony (1808), ipinakilala ni Beethoven sa finale ang mga instrumento ng isang military (o theatrical) orchestra - isang piccolo flute, contrabassoon at trombones. Sa pamamagitan ng paraan, isang taon bago ang Beethoven, ang Swedish composer na si Joachim Nicholas Eggert ay gumamit ng mga trombone sa kanyang Symphony sa E-flat major (1807), at sa lahat ng tatlong bahagi, at hindi lamang sa finale, gaya ng ginawa ni Beethoven. Kaya sa kaso ng trombones, ang palad ay hindi para sa mahusay na kompositor, ngunit para sa kanyang hindi gaanong sikat na kasamahan.

Ang Sixth Symphony (Pastoral) ay ang unang siklo ng programa sa kasaysayan ng symphony, kung saan hindi lamang ang symphony mismo, kundi pati na rin ang bawat bahagi, ay nauuna sa isang paglalarawan ng ilang uri ng panloob na programa - isang paglalarawan ng mga damdamin ng isang naninirahan sa lungsod na bumabagsak sa kalikasan. Sa totoo lang, hindi na bago ang mga paglalarawan ng kalikasan sa musika mula noong panahon ng Baroque. Ngunit, hindi tulad ng Vivaldi's The Seasons at iba pang mga barok na halimbawa ng programa ng musika, si Beethoven ay hindi nakikitungo sa tunog na pagsulat bilang isang pagtatapos sa sarili nito. Ang Sixth Symphony, sa kanyang sariling mga salita, ay "sa halip isang pagpapahayag ng mga damdamin kaysa sa isang pagpipinta." Ang pastoral symphony ay ang tanging isa sa gawain ni Beethoven kung saan nilalabag ang apat na bahaging symphonic cycle: ang scherzo ay sinusundan nang walang pagkaantala ng ikaapat na kilusan, libre sa anyo, na pinamagatang The Thunderstorm, at pagkatapos nito, nang walang pagkagambala, ang pangwakas. sumusunod. Kaya, mayroong limang paggalaw sa symphony na ito.

Ang diskarte ni Beethoven sa orkestrasyon ng symphony na ito ay lubhang kawili-wili: sa una at pangalawang paggalaw, mahigpit na ginagamit lamang niya ang mga string, woodwinds at dalawang sungay. Sa scherzo, dalawang trumpeta ang konektado sa kanila, sa The Thunderstorm, ang timpani, isang piccolo flute at dalawang trombone ay nagsanib, at sa finale, ang timpani at piccolo ay tumahimik muli, at ang mga trumpeta at trombone ay tumigil sa pagganap ng kanilang tradisyonal na fanfare function. at sumanib sa pangkalahatang wind choir ng pantheistic doxology.

Ang paghantong ng eksperimento ni Beethoven sa larangan ng orkestra ay ang Ninth Symphony: sa pagtatapos nito, hindi lamang ang mga nabanggit na trombone, piccolo flute at contrabassoon ang ginagamit, kundi pati na rin ang isang buong set ng "Turkish" percussion - isang bass drum, isang cymbal at isang tatsulok, at higit sa lahat - ang koro at mga soloista! Sa pamamagitan ng paraan, ang mga trombone sa finale ng Ninth ay madalas na ginagamit bilang isang amplification ng choral part, at ito ay isang sanggunian sa tradisyon ng simbahan at sekular na musika ng oratorio, lalo na sa Haydnian-Mozartian repraksyon nito (tingnan ang " Creation of the World" o "The Seasons" ng Haydn, Mass before minor o Mozart's Requiem), na nangangahulugan na ang symphony na ito ay isang pagsasanib ng genre ng symphony at spiritual oratorio, na isinulat lamang sa isang patula, sekular na teksto ni Schiller. Ang isa pang pangunahing pormal na pagbabago ng Ninth Symphony ay ang muling pagsasaayos ng mabagal na paggalaw at ang scherzo. Ang ikasiyam na scherzo, na nasa pangalawang puwesto, ay hindi na gumaganap ng papel ng isang masayang contrast na nagtatakda ng finale, ngunit nagiging isang malupit at ganap na "militarista" na pagpapatuloy ng trahedya na unang bahagi. At ang mabagal na ikatlong kilusan ay nagiging sentro ng pilosopikal ng simponya, na nahuhulog nang tumpak sa zone ng gintong seksyon - ang una, ngunit hindi nangangahulugang ang huling kaso sa kasaysayan ng symphonic na musika.

Sa Ninth Symphony (1824), si Beethoven ay tumalon sa isang bagong panahon. Kasabay nito ang panahon ng pinakamalubhang pagbabagong panlipunan - kasama ang huling paglipat mula sa Enlightenment tungo sa isang bagong panahon ng industriya, ang unang pangyayari na naganap 11 taon bago ang katapusan ng nakaraang siglo; isang kaganapan na nasaksihan ng lahat ng tatlong kinatawan ng Viennese classical na paaralan. Pinag-uusapan natin, siyempre, ang tungkol sa Rebolusyong Pranses.