Pagpipinta ng ika-20 siglo - isang bagong wika ng sining - pagtatanghal sa Moscow Art Theater. Pagpipinta ng ika-20 siglo - isang bagong wika ng sining - pagtatanghal sa MHK horizontal-ribbon form ng mga bintana; patag na bubong para sa

Mga Seksyon: MHK at IZO

klase: 11

Uri ng aralin: pinagsama-sama

Form ng aralin: aralin - pagpapabuti ng kaalaman, ang pagbuo ng isang bagong pangitain ng problema.

Mga layunin:

• Ang pagbuo ng aesthetic na pagkamaramdamin sa mga ideya tungkol sa mga makasaysayang tradisyon at mga halaga ng artistikong kultura sa Russian at dayuhang pagpipinta sa pagliko ng ika-19 - ika-20 siglo.
• Pag-unlad at pagbuo ng konsepto ng "dialogue sa pagitan ng manonood at ng artist" batay sa mga gawa ni V. Kandinsky.
• Edukasyon ng emosyonal na globo ng mga mag-aaral.

• Upang ibunyag at gawing pangkalahatan ang mga pangunahing direksyon ng artistikong uso sa pagpipinta sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo;
• Upang bumuo ng isang holistic, multifaceted, na puno ng iba't ibang mga indibidwal na tampok artistikong larawan ng panahon;

Kagamitan: computer, projector, demonstration board.

Visual range: e pygraph sa pisara, presentasyon - slide show sa paksa ng aralin.

Slide show: O. Renoir "Swing", Paul Gauguin ""Vision pagkatapos ng sermon, o ang pakikibaka ni Jacob sa Anghel", E. Munch "The Scream", V. Borisov - Musatov "Reservoir", A. Matisse "Red Room" , S. Dali " Swans na inilalarawan sa mga elepante", P. Picasso "Avignon girls", V. Kandinsky "Cow", "Mga talahanayan ng mga kulay"

Plano ng aralin:

I. Pansamahang sandali. Paglalahad ng paksa at mga gawain ng gawain sa aralin.

II. Pangunahing bahagi. Pag-uulit, pag-uuri, paglalahat ng materyal na sakop.

III. Pagkuha ng bagong kaalaman, batay sa pagsusuri ng materyal na sakop, kakilala sa kilusang "Cubism", "Abstractionism".

IV. Pagbubuod ng aralin, takdang-aralin.

Sa panahon ng mga klase

Gusto kong simulan ang aralin sa mga salita ng artist na si Henri Matisse: "Ang lumikha ay upang ipahayag kung ano ang nasa iyo."

ako. Ngayon ang aming gawain ay upang lumikha ng isang tiyak na larawan ng isang panahon sa kasaysayan ng pictorial art, ang pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, isang panahon na puno ng mga malikhaing pakikipagsapalaran, mga eksperimento na ganap na nagbago sa ideya ng pagpipinta at ang papel ng artista dito. Sa panahong ito, kapag ang isang bagong avant-garde trend sa sining ay ipinanganak, at, sa kasamaang-palad, hindi pa rin lubos na nauunawaan ng marami, at hindi nararapat, na nagiging sanhi ng pagtanggi. Sa simula ng aralin, tutukuyin natin ang hanay ng mga tanong na dapat nating makuhang kasagutan sa panahon ng aralin.

Isinasabit ko ang mga tanong na ito sa harap mo sa mga papel upang, sa panahon ng aralin, palagi mong makita ang mga ito at magpasya para sa iyong sarili sa kanilang mga sagot.

1. Anong direksyong masining ang masasabing simula ng avant-garde?

2. Sa anong artistikong kasalukuyang nagsisimula ang pambihirang tagumpay sa pamamagitan ng visual na realidad sa mundo ng bagong realidad?

3. Paano nagbabago ang paksa ng artist at bakit?

4. Bakit nagbabago ang terminong "naglalarawan" sa terminong "ipahayag"?

II. Una, tukuyin natin kung paano mo naiintindihan ang terminong "avant-garde", "avant-garde".

Ang Avant-garde, avant-gardism ay isang pangkalahatang pangalan para sa mga agos sa mundo na lumitaw sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging bago, lakas ng loob, pang-eksperimentong direksyon sa sining.

Maglakad tayo ngayon sa eksibisyon ng sining, kung saan pinipili ang bawat gawa upang ito ay isang milestone sa direksyon ng avant-garde.

1. Ang unang pagpipinta ng Pranses na pintor na si O. Renoir. Pamilyar kami sa gawain ng artist na ito, at ang direksyong ito sa sining. Ano ang naaalala mo?

Impresyonismo. Pagpipinta ng "Swing".

Ah, ngayon, gusto kong suriin mo, medyo naiiba, ang gawaing ito. Isipin kung ano ang magbabago sa pamamaraan ng pagsulat ng artist kung ang artist ay sumulat sa naturang paksa sa isang klasikal na paraan?

Ang mga damit ng isang lalaki at isang babae ay isusulat na may mga bulaklak na walang batik, damo, dahon ay isusulat nang mas maingat. Ang kakaiba ng pagsulat ng Impresyonista ay ang paglalarawan ng totoong mundo sa pamamagitan ng paglalaro ng liwanag at anino, ang paghahati ng kulay sa spectra.

Nagbibigay ito ng impresyon ng gawain na "mamadali", nang walang detalyadong pag-aaral. Sa ganitong paraan, ang paraan ng pagsulat ng klasikal na direksyon ay naiiba sa mga impresyonista.

Maaari lamang idagdag ng isa na ang desisyon ng mga Impresyonista na magpinta tulad ng nakikita ko, at hindi bilang tinatanggap, ay nagiging panimulang punto para sa pag-alis mula sa realismo mula sa balangkas sa pagpipinta. At kung titingnan natin ngayon ang unang tanong na ibinigay sa simula ng aralin, malinaw na ang sagot.

Ang simula ng kilusang avant-garde ay impresyonismo. Isang kalakaran kung saan ang kalikasan ay inilalarawan habang nakikita ito ng mata, at ang higit na kahusayan ng pananaw ng may-akda sa katumpakan ng pagpaparami ng nakikitang mundo ay naobserbahan na. Ito ang unang maliit na hakbang sa isang bagong direksyon, ito ang simula nito.

2. Paul Gauguin "Vision pagkatapos ng sermon, o ang pakikibaka ni Jacob sa Anghel."

Magpasya tayo sa masining na direksyon ng larawang ito.

Si Paul Gauguin ay inuri bilang isang post-impressionist na pintor.

Mga Post-Impresyonista, mas lumayo pa sila. Tumanggi silang sabihin na kung ano lamang ang nakikita ng mata sa isang naibigay na sandali ay umiiral. Si Paul Gauguin ay aktibong nagtatrabaho sa kung paano maunawaan ang mga batas kung saan nilikha ang mga sensasyon ng tao. Sa madaling salita, upang mahanap ang hangganan sa pagitan ng katotohanan at unreality, halimbawa, ang imahe ng isang tao at ang kanyang mga sensasyon. At ito ang di-nakikitang mundo, ang hindi totoong mundo. Ito ay malinaw na nakikita sa larawan. Ipinakita niya ang hangganan sa pagitan ng katotohanan (ang mga parokyano ng Breton) at ang kanilang pangitain (si Jacob at ang Anghel).

Bumaling tayo sa ating mga katanungan. Ang pangalawang tanong ay nasagot na. Sa masining na kilusan ng post-impressionism, ang tunay at ang hindi kapani-paniwala ay pinagsama, at na isang pambihirang tagumpay sa "mundo ng bagong katotohanan" ay ipinapakita”.

3. E. Munch "Scream". Ang larawang ito ay pamilyar na sa atin. Pamilyar din kami sa direksyon nito.

Expressionism, na nangangahulugang pagpapahayag.

Kung pagpapahayag, ano ang ipinahahayag ng pintor sa ekspresyonismo?

Ang mga emosyon ng tao, sa kasong ito ay negatibo: takot, sakit, kahihiyan, kawalan ng pag-asa.

Ang mga emosyon ba ng tao ang tunay na mundo o ang mundo ay hindi nakikita ng mata ng tao? Ang mga damdamin ng tao, iba't ibang mga ito, ang lakas ay maaaring lumitaw sa atin bilang isang uri ng katotohanan? Pagkatapos ng lahat, ang aming buong aralin ay batay sa isang pag-unawa sa katotohanan at hindi katotohanan.

Bilang isang katotohanan, malamang na hindi.

Upang gawin ito, nagsimula silang gumamit ng mga bagong pamamaraan, na batay sa pagpapapangit ng form. Ang pamamaraan na ito ay ginamit ni E. Munch noong nais niyang ihatid ang damdamin ng isang taong takot na takot sa kamatayan sa canvas. Anong uri ng mundo ang nagiging show expressionism?

Ang Expressionism ay ang "hindi nakikita" na mundo, kung saan ang pangunahing bagay ay ang mga damdamin ng tao.

At paano mo ipapaliwanag ang terminong "expression" kaugnay ng expressionism?

Malamang, ang mga emosyon ng tao ay maaari lamang ipahayag, hindi ilarawan.

Bakit nagsisimula silang bigyang-pansin ang isang mahirap na kababalaghan bilang mga emosyon?

Marahil sila ay interesado sa panloob na mundo ng tao.

Ang lugar ng kapanganakan ng expressionism, kung naaalala mo, ay ang Alemanya noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Marahas na pamumulaklak ng teknolohiya, industriya laban sa background ng pagkasira ng mga kultural na pundasyon. Ang pagsupil sa indibidwal, hindi kailanman naging isang tao na kasing liit noon, ang pagnanais ng kaluluwa, ang sigaw nito para sa tulong - ito ang pangunahing emosyonal na nangingibabaw ng ekspresyonismo.

3. V.Borisov - Musatov "Reservoir".

Ang kalakaran ng simbolismo, ang mga tampok nito: itinutulak ng mga artista ang imahe ng kalikasan sa background, ang pangunahing bagay para sa kanila ay ang kanilang ideya ng mundo ng kanilang mga pantasya, ang kanilang hindi nakikitang mundo. Ang konsepto ng "simbolo" ay ipinakilala bilang isang kinatawan ng isang bagong katotohanan. Ang bagong katotohanan ay isang representasyon lamang, bilang isang pantasya, samakatuwid ito ay pinahihintulutan na magbago, maaari lamang itong magpaalala ng isang tunay na bagay. At ang simbolo ay hindi kailangang maging katulad ng isang bagay mula sa totoong mundo. Maaari itong magkatulad sa kondisyon, at, dahil dito, inilalarawan nang may kondisyon.

Konklusyon: ang ideya ng pakikipag-ugnay ng dalawang mundo - ang nakikita at ang bagong katotohanan, kung saan ang bagong katotohanan ay isang simbolo ng nakikitang mundo.

4. A. Matisse "Red Room".

Ang pagpipinta ng Pranses na artist na si Henri Matisse, "Red Room", sa unang tingin, ay hindi karaniwan. Subukan nating maunawaan ang mga tampok nito. Hindi pangkaraniwang mga kulay, planar na imahe. Sa palagay mo, saang direksyon ito nakasulat?

Fauvism. (ligaw). Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang bukas na kulay, kakulangan ng lakas ng tunog. Ipinagpatuloy ng mga artista ang mga eksperimento na may kulay, lakas ng tunog, sa kondisyong imahe ng isang bagay sa eroplano ng larawan, inabandona ang ilusyon na pagpaparami ng tatlong-dimensional na espasyo, na tumutuon sa mga pandekorasyon na katangian ng ibabaw ng larawan.

Lahat ng sinabi ay tama. Ito ay nananatiling magdagdag ng kaunti na ang terminong "Fauvism" ay lumilitaw salamat sa kritiko na si Louis Vauxcelles.

5. P. Picasso "Avignon girls".

Anong direksyon ng avant-garde ang kinakatawan nito?

Tandaan ang mga salita ni P. Cezanne: “Lahat ng bagay sa kalikasan ay hinuhubog sa anyo ng bola, kono at silindro. Dapat tayong matutong magsulat sa mga simpleng figure na ito. Kung matututo kang makabisado ang mga pormang ito, gagawin mo ang anumang gusto mo” (MHK, grade 11, may-akda L. Rapatskaya, p. 110). Ngunit nasa isip ni P. Cezanne na ang mga pangunahing anyo na ito ay dapat isaisip bilang prinsipyo ng pag-oorganisa ng larawan. Gayunpaman, literal na kinuha ni Picasso at ng kanyang mga kaibigan ang payo. Ang hitsura ng pangalan ng trend na ito ay nauugnay sa kritiko ng sining na si Louis Vaucelles, na tinawag ang mga bagong pagpipinta ng Braque na "cubic quirks".

Samakatuwid, siyempre, naunawaan nating lahat kung anong uri ng kurso ang pinag-uusapan natin ngayon.

Ano ang masasabi tungkol sa cubism, tungkol sa mga tampok nito sa pagsulat?

Ito ay batay sa mga eksperimento sa pagbuo ng mga three-dimensional na bagay sa isang eroplano. Pagbuo ng isang bagong anyo ng sining bilang resulta ng isang geometric na pagsusuri ng bagay at espasyo.Konklusyon mga mag-aaral at guro: Mga eksperimento sa anyo.

6. S. Dali "Swans inilalarawan sa mga elepante". Pag-usapan natin ang larawang ito, batay sa nalalaman natin tungkol sa surrealismo. Ang larawan ay naiintindihan para sa kanyang pamamaraan ng pagsulat. Ang may-akda ay si Salvador Dali, ang kasalukuyang ay surrealismo.

Surrealismo. Super realism, kung saan ang pinagmulan ng inspirasyon ay nasa subconscious ng tao, batay sa teorya ni Z. Freud. Ang isang kilalang kinatawan ay si S. Dali. hindi makatwiran na kahulugan. Ang bawat kalikasan (swan, elepante, puno) sa larawan ay ganap na totoo. Ngunit ang kanilang buhay na magkasama sa canvas ay isang ganap na kahangalan.

Saan tayo dumating? Sa itinatanghal na mundo ng mga ilusyon, sa sariling uniberso ng artista, na ipinakita niya sa amin.

III. Guro: Batay sa ilang mga gawa ng sining, nasubaybayan namin ang lohika ng pag-unlad ng avant-garde, mula sa impresyonismo hanggang sa surrealismo. Ang pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay panahon ng mga pambihirang pagtuklas sa larangan ng sining, panahon ng mga natatanging eksperimento, panahon ng bagong pag-unawa sa pintor bilang isang tao sa pagpipinta. Gusto kong bigyang-diin na ang pag-unlad na ito ay hindi linear. Pinili ng bawat artista kung ano ang mas katanggap-tanggap sa kanya. Pagkatapos ng lahat, ang mga artista ay hindi na nakalarawan sa mga canvases, ipinahayag nila ang kanilang mga ideya, mga saloobin, pantasya, iyong uniberso. Ang pagpili ng direksyon ay ganap na nakasalalay sa ideyang kanyang naisip. Nang tanungin si P. Picasso kung saang direksyon niya ipipinta ang susunod na larawan, humigit-kumulang siyang sumagot: "Sa isa na pinakamahusay na nagpapahayag ng aking ideya." Ang larawan ay tumigil sa paglalarawan, ang larawan ay nagsimulang ipahayag ang ideya ng artist. Ang pintor ay unti-unting nagiging isang manlilikha at ang paglikha ng isang larawan ay isang gawa ng paglikha. Ang nakikitang mundo na ginamit ng mga pintor ng nakalipas na mga siglo ay hindi na nagbibigay-inspirasyon. Ang mga artista ay nagsimulang maging inspirasyon ng "ibang" mundo, na hindi nakikita, ngunit ito ay laging nabubuhay nang hindi mapaghihiwalay sa tabi natin. Ang mundo ng ating mga damdamin, mga karanasan, mga pantasya. Kung iisipin mo kung paano mapalawak ang mundo ng mga imahe na maaaring ilipat ng pintor sa canvas. Pagkatapos ng lahat, ang nilikha ng artista ay limitado lamang sa kanyang personal na imahinasyon. Samakatuwid, nagbabago ang papel ng artista, hindi na siya isang copyist ng mundo, "na nilikha ng Kataas-taasang Diyos", siya mismo ang lumikha - ang lumikha ng kanyang mga uniberso. Sinabi ni Malevich, "Ako ang simula ng lahat, dahil ang mga mundo ay nilikha sa aking isip." Ang mundo na nilikha ng Diyos ay hindi interesante sa kanila, higit pa, sila mismo ay nakadarama bilang mga Diyos - mga lumikha. At kung ito ay mga daigdig na nilikha mismo ng mga tagalikha - ang mga artista, kung gayon ang mga batas ng sansinukob ay magkakaroon lamang ng mga nilikha mismo ng artist. Ngunit dito, maraming mga paghihirap ang lilitaw, una sa lahat, sa pag-unawa sa ideya ng mundo na nilikha ng artist. Ito, sa mas malawak na lawak, ay nagtataboy sa madla mula sa mga avant-garde na artista, na nakasanayan nang makakita ng isang partikular na balangkas ng panitikan sa bawat larawan. Ang pagtagos sa ideya, pag-unawa sa pagpapahayag nito sa larawan ay isang mahirap ngunit kawili-wiling gawain. Gusto kong banggitin ang isang pahayag: “Dapat kumplikado ang larawan. Kapag tiningnan mo siya, ikaw mismo ay nagiging kumplikado. Kapag umakyat ka sa isang hagdan, hindi ang hagdan ang nag-aangat sa iyo, ngunit ang pagsisikap na iyong inilagay." Siyempre, kailangan mong gumawa ng emosyonal, intelektwal na pagsisikap upang gawing malinaw ang larawan. Ngunit, mayroon ding magandang interes dito!

Pero pag-isipan pa natin. Ang mga larawang iyon sa mga kuwadro na gawa ng artista, halimbawa, si Salvador Dali, na ipinakita niya sa atin, ay magiging isang katotohanan? Pagkatapos ng lahat, paano niya mismo gagawa ang mga ito? Nagpinta ba siya ng isang larawan, na inihatid sa manonood ang kanyang hindi nakikitang mundo ng pantasya? Pagkatapos ng lahat, ang imahe na nilikha ng artist sa simula sa mundo ng kanyang mga pantasya, nakikita niya mismo ang mga ito, na parang may isang mag-aaral sa loob. At ano ang nakikita natin sa kanyang ipinintang larawan. Realidad o kopya nito?

Isang kopya, eksakto, ko-pi-yu!

sila ay magiging mga kopya lamang, kahit na mga pantasya ng kanilang sariling mga mundo, ngunit kopya pa rin. Ngunit kung ang isang artista ay isang tagalikha, tulad ng pagkakaintindi ng mga avant-gardist sa kanilang sarili, at ang mundong kanyang nilikha ay dapat na totoo lamang, hindi isang kopya. Ngunit ano ba talaga ang magagawa ng artist mismo? Subukan nating alamin ito gamit ang isang halimbawa.

Pagpinta ni M. Saryan "Still Life".

Ano ang ipinapakita dito?

Mga ubas, saging, peras.

Kung ubas, saging, peras, tikman natin.

Ang mga bata ay dumating sa konklusyon na ito ay hindi maaaring gawin, dahil. ito ay larawan lamang ng prutas.

Nangangahulugan ito na nakikita lamang natin ang isang imahe, o isang kopya ng mga tunay na bagay. Ngunit hindi ito akma sa ideya ng mga avant-garde artist tungkol sa kanilang tungkulin bilang mga tagalikha.

Kung ang imahe ay isang kopya, kung gayon ano ang totoo dito? Tingnan mo kung ano ang hawak ko sa aking mga kamay? (pagpaparami sa isang frame). Ang mga bata ay dapat magkaroon ng konklusyon na:

Ang totoo ay kung ano ang hawak ko sa aking mga kamay, isang canvas, at mga pintura dito ..., i.e. ang larawan mismo, na maaaring hawakan, ay parang isang tunay na bagay. Ang tunay na realidad ay wala sa larawan ng prutas sa larawan, kundi sa larawan mismo.

Ano pa ang totoo sa larawan? Bukod sa canvas, ano pa ang nakikita natin?

Ang mga bata ay dapat magkaroon ng konklusyon

Mga pintura na kasalukuyang naglalarawan ng mga prutas.

Ang isang bagong lohika ng avant-gardism ay umuusbong: "Kung ang mga kulay lamang ay totoo sa isang larawan, kung gayon kinakailangan na ilarawan ang buhay ng mga kulay na ito sa canvas!"

Samakatuwid, ano ang konklusyon?

Ang larawan sa pagpipinta ay nagsimulang maunawaan bilang isang materyal na bagay sa isang tunay na kapaligiran. Ang mga pintura lamang ang materyal, samakatuwid, kung ano ang ipapakita sa isang materyal na bagay (larawan) ay hindi napakahalaga (mga pintura lamang ang mahalaga), samakatuwid ang mga artista ay tumanggi na maglarawan ng anuman maliban sa mga pintura sa canvas. Ngunit paano maunawaan ang ideya ng artist? Pagkatapos ng lahat, ang ideya ay palaging nauuna, at pagkatapos lamang ang lahat ng iba pa ... At muli isang mahalagang pag-unawa ang iniharap - isang dialogue sa pagitan ng manonood at ng artist. Tandaan natin ang mga salitang: Kapag umakyat ka sa hagdan, hindi siya ang bumubuhat sa iyo, kundi ang pagsisikap na ginagawa mo. Pagkatapos ng lahat, ang hagdanan ay ang aming antas ng intelektwal, na hindi maaaring mapalawak nang walang pagsisikap. Pag-isipan mo. Ang mga gawa ng avant-garde ay hindi madaling maunawaan, ngunit ito ang nakakaakit sa kanila sa kanilang sarili.

Ang larawan ay huminto upang ilarawan ang anumang katotohanan, ito ay naging katotohanan mismo. Samakatuwid, nakikita namin ang isang frame, isang canvas, mga pintura. "Nakikita mo ang nakikita mo" - Ang larawan bilang isang katotohanan.

At ngayon tingnan natin ang kahulugan ng abstractionism sa screen:

Ang abstractionism (lat. abstractio - pagtanggal, distraction) ay isang direksyon ng hindi matalinghagang sining na tinalikuran ang paglalarawan ng mga anyong malapit sa realidad sa pagpipinta at eskultura. Ang isa sa mga layunin ng abstractionism ay upang makamit ang "harmonization", ang paglikha ng ilang mga kumbinasyon ng kulay at geometric na mga hugis upang pukawin ang iba't ibang mga asosasyon sa contemplator, bagaman ang ilang mga painting ay mukhang isang simpleng tuldok sa gitna ng canvas. Mga Tagapagtatag: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov.

Sa screen ay isang pagpipinta ni V. Kandinsky "Cow".

Praktikal na gawain "Dialogue between viewer and artist". Ang talahanayan 1 ay ipinamahagi na may simbolikong-sikolohikal na diksyunaryo, batay sa akdang "Sa Espirituwal na Sining" ni V. Kandinsky

(Ang larawan ay nagdudulot ng pagkalito, sorpresa sa hindi maintindihan).

Ngayon ay haharapin natin ang mga ganitong katanungan sa ating sarili: "tungkol saan?", At "paano?"

Ngunit una, kaunti tungkol sa talambuhay ng artist.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (Disyembre 4 (16), 1866, Moscow - Disyembre 13, 1944, France) - isang pambihirang pintor ng Russia, graphic artist at fine art theorist, isa sa mga tagapagtatag ng abstractionism. Isa siya sa mga tagapagtatag ng grupong Blue Rider, isang guro ng Bauhaus.

Ipinanganak sa Moscow, natanggap niya ang kanyang pangunahing musikal at artistikong edukasyon sa Odessa nang lumipat ang pamilya doon noong 1871. Ipinagpalagay ng mga magulang ang propesyon ng isang abogado para sa kanilang anak na si Vasily Vasilyevich na mahusay na nagtapos mula sa Faculty of Law ng Moscow State University. Sa edad na 30, nagpasya siyang maging isang artista; nangyari ito sa ilalim ng impluwensya ng impresyonistang eksibisyon sa Moscow noong 1895 at ang pagpipinta na "Haystacks" ni Claude Monet. Noong 1896 lumipat siya sa Munich, kung saan nakilala niya ang mga German Expressionist. Matapos ang pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig, bumalik siya sa Moscow, ngunit, hindi sumasang-ayon sa saloobin patungo sa sining sa Soviet Russia, noong 1921 muli siyang umalis patungong Alemanya. Sa mga nagdaang taon nakatira siya sa France, sa mga suburb ng Paris.

Isa sa mga mahahalagang tanong na nag-aalala sa artist: "Ano ang dapat palitan ng bagay?". Ang layunin ng mundo sa mga gawa ng artist ay pa rin, sa ilang mga lawak, napanatili. Laging mayroong tiyak sa pamamagitan ng balangkas, tulad ng isang maliit na subtext na kailangang mahanap. Ngunit ang pangunahing bagay sa mga gawa ng artist ay ang kanyang mga pangunahing elemento, na nakakaganyak, ayon sa artist, "mga vibrations ng kaluluwa." Ito ay: ang synthesis ng pintura, kulay, mga anyo na binuo ayon sa mga batas ng komposisyon, kung saan ang objectivity (isang tao, isang ulap, isang puno) ay tinawag niya ang tunay na lasa ng komposisyon.

Subukan nating ilapat ang aming mga susi - mga pahiwatig, una sa larawan, kung saan napanatili pa rin ang nakalarawang elemento na "Baka".

Mga resulta sa dulo.

Konklusyon: Kailangan nating ibuod ang ating gawain at sagutin ang tanong ng aralin: "Anong uri ng malikhaing paghahanap ang nailalarawan sa pamamagitan ng pagpipinta sa pagpasok ng ika-19 - ika-20 siglo" Saan nagsimula ang malikhaing paghahanap na ito?

Ang avant-garde na direksyon sa sining ay nagsisimula sa impresyonismo.

Post-impressionism, simbolismo - isang kilusan patungo sa simula ng pag-unawa ng mga artista sa hindi nakikitang mundo.

Nagsisimula nang maging interesado ang mga artista sa mundo ng mga emosyon ng tao, mga pantasya, lumilikha sila at nagpapahayag ng kanilang sariling mga mundo ng bagong katotohanan sa canvas. Lumilitaw ang mga abstract na kuwadro. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng abstract painting ay ang pagpipinta ni V. Kandinsky.

Sa una ay sinabi na ang lahat ng mga teorya ng iyong pananaw ay tinatanggap, huwag mahiya at matakot na sabihin kung ano ang mali. Ang mga canvases ni V. Kandinsky, gaano karaming mga manonood, napakaraming interpretasyon. Samakatuwid, kami, masyadong, dapat talagang subukan.

“Baka".

• - Puti - Katahimikan, katahimikan, ang simula. Ngunit dito, hindi purong puti, puti - rosas. Ang kulay ay nailalarawan bilang simula ng isang bagong puwersa, enerhiya (koneksyon sa pula).
• Ngunit mayroon pa ring mga red-orange spot, na higit na binibigyang diin ang unang pangangatwiran.
• Dilaw - kulay kahel - makalupa, makatao, aktibo, malusog na tao (babae).
• Sa itaas ay madilim na asul. Nagiging sanhi ng maraming kontrobersya sa interpretasyon. Dumating sila sa konklusyon - tungkol sa mga damdamin ng tao - kalungkutan, ("ang babae ay malungkot. Ang strip ay dilaw-kahel, na nangangahulugang ang kalungkutan ay malapit nang mawala). Maraming kalungkutan at pananabik sa buhay.
• Berde - kapayapaan, kasama ang pagdaragdag ng dilaw - ang kalungkutan ay pinalitan ng kagalakan ng kabataan, ang enerhiya ng hinaharap na buhay
• Ang puting kulay ng mga damit ay isang simbolo ng simula, sa halip ay isang bagong buhay.
• Itim na kulay - kamatayan, pagkatapos ay darating ang buhay (batang babae na puti).

Sa di kalayuan, ang mga puting pader ng mga gusali, katulad ng mga templo (maliit na domes), o mga monasteryo. Ang kumbinasyon ng itim - asul at puti, bilang pagsusumite sa iisang batas: namamatay at muling pagsilang. Puting kulay bilang simbolo ng kadalisayan, kawalang-hanggan.

Ang mga larawang ito ay tila lumaki sa isang baka. Ang baka ang pinagmumulan ng batas ng buhay at muling pagsilang.

Sa pagtatapos ng trabaho, para sa paghahambing, binasa ko ang interpretasyon ng pagpipinta, na kinuha sa magazine na Art, No. 1, 2010. Ang mga lalaki ay masaya sa kanilang trabaho.

Musika ng larawan. Kulay puti - wala pang mga tunog, ngunit ang orkestra ay handa na ... Ang tuba ay nagsimulang tumugtog nang tahimik, na may lumalaking ritmo ng tambol. Pumasok ang cello at double bass. Ang plauta ay dahan-dahan at malungkot, ang biyolin ay umaalingawngaw. Isang maikling paghinto, tulad ng isang malalim na paghinga. Ang himig ay paulit-ulit na may kaunting pagbabago, dahil "hindi ka makapasok sa ilog ng dalawang beses"...

Ang sentral na posisyon ng konsepto ni Kandinsky ay maaaring isaalang-alang ang pahayag tungkol sa dalawang mga kadahilanan na tumutukoy sa sikolohikal na epekto ng kulay: "init-lamig" at "kadiliman-kadiliman". Bilang resulta, maraming posibleng "tunog" ng mga kulay ang ipinanganak.
1. Saloobin - dilaw - asul. Ang dilaw ay "gumagalaw" patungo sa manonood, at asul - palayo sa kanya. Dilaw, pulang orange - mga ideya ng kagalakan, pagdiriwang, kayamanan. Kung idinagdag mo ang asul sa dilaw (gawin itong mas malamig, dahil ang asul ay isang malamig na kulay), ang pintura ay magiging berde. Ipinanganak masakit na sensasyon ng hypersensitivity(parang isang taong naiirita na nakikialam). Ang matinding dilaw na pintura ay nag-aalala sa isang tao, mga pricks, nakakaapekto sa kaluluwa. Kung pinalamig mo ang dilaw, pagkatapos ay nakakaapekto ito sa isang fit ng maliwanag na kabaliwan. Inihambing ng artist ang kulay na ito sa nakakabaliw na pag-aaksaya ng mga kulay ng huling taglagas. Ang dilaw ay makalupa, wala itong lalim.

2. Bughaw. "Sky Paint" - tawag sa walang katapusan. Ang paggalaw mula sa tao patungo sa gitna. Malalim na asul - kapayapaan, ibinaba sa itim - kalungkutan. Banayad na asul - kawalang-interes, kawalang-interes.

Berde - dilaw at asul na mga kulay ay paralisado sa loob nito - kapayapaan: ni kagalakan o kalungkutan, walang kibo. Kung magdagdag ka ng berde dilaw, bumabata ang berde , mas masaya. At, sa kabaligtaran, kasama ang asul - kabigatan, pag-iisip. Kapag kumikislap (nagdaragdag ng puti) o nagpapadilim (itim), ang berde ay "nagpapanatili ng pangunahing katangian ng kawalang-interes at kapayapaan" (p. 48). Pinapaganda ng puti ang aspetong "kawalang-interes", habang pinahuhusay ng itim ang aspetong "kalmado".

Puti para sa Kandinsky - isang simbolo ng mundo, kung saan nawala ang lahat ng mga kulay, lahat ng materyal na katangian at sangkap. Napakataas ng mundong ito sa tao na walang kahit isang tunog na nanggagaling doon. Ang puti ay isang mahusay na katahimikan, isang malamig, walang katapusang pader, isang musical pause, isang pansamantalang ngunit hindi pangwakas na konklusyon. Ang katahimikang ito ay hindi patay, ngunit puno ng mga posibilidad at maaaring maunawaan bilang "wala" na nauuna sa simula at pagsilang.

Ang itim- "wala" na walang mga posibilidad, walang patay, walang hanggang katahimikan na walang hinaharap, kumpletong paghinto at pag-unlad. Sinundan ito ng pagsilang ng isang bagong mundo. Itim ang wakas, isang apoy na napatay, isang bagay na hindi gumagalaw, tulad ng isang bangkay, ang katahimikan ng katawan pagkatapos ng kamatayan, ang pinakawalang tunog na pintura.

Ang mga puting damit ay nagpapahayag ng purong kagalakan at malinis na kadalisayan, habang ang mga itim na damit ay nagpapahayag ng pinakadakila, pinakamalalim na kalungkutan at kamatayan. Nakahanap ang puti at itim (tulad ng dilaw at asul) ng balanse sa pagitan nila sa kulay abo. Ito rin ay walang tunog at hindi gumagalaw na pintura. Tinawag ni Kandinsky ang grey " hindi mapakali na katahimikan". Lalo na itong nag-aalala madilim na kulay-abo, na kung saan ay kumikilos nang higit na hindi mapakali at nakasusuffocate.

Pula. Masigla, mahalaga, hindi mapakali na kulay. Nagpapahayag ng matapang na kapanahunan, lakas, enerhiya, determinasyon, tagumpay, kagalakan (lalo na ang mapusyaw na pula)

Cinnabar - pantay na nag-aalab na simbuyo ng damdamin, lakas ng tiwala sa sarili, "apoy" sa loob mismo. Isang kulay na lalong minamahal ng mga tao. Ang pagpapalalim ng pula ay humahantong sa pagbawas sa aktibidad nito. Ngunit may nananatiling isang panloob na incandescence, isang premonisyon ng hinaharap na aktibidad.

Violet. Masakit na tunog, isang bagay na pinatay at malungkot, at nauugnay sa tunog ng bassoon at plauta

Orange - kalubhaan ng pula.

At inihambing din ni V. Kandinsky ang kulay sa tunog ng mga instrumentong pangmusika. Ang dilaw na kulay ay ang tunog ng trumpeta, ang mapusyaw na asul ay ang plauta, ang madilim na asul ay ang cello, ang malalim na asul ay ang organ, ang berde ay ang midtones ng byolin; pula - katuwaan; Violet - bassoon at plauta;

Upang gamitin ang preview ng mga presentasyon, lumikha ng Google account (account) at mag-sign in: https://accounts.google.com

Mga slide caption:

Ang mga pangunahing direksyon ng pag-unlad ng pagpipinta ng ika-20 siglo

Pangkalahatang katangian Ang ika-20 siglo ay minarkahan ng isang pambihirang iba't ibang mga artistikong uso sa visual arts, na hindi maaaring pagsamahin ng alinmang istilo. Ang pagpipinta ng ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang istilo at uso, ang paghahanap ng mga bagong paraan sa sining.

Mga direksyon sa fine arts Fauvism (Henri Matisse); Kubismo (Pablo Picasso); Surrealismo (Salvador Dali); Abstractionism (Wasily Kandinsky); Suprematism (Kazimir Malevich); Analyticism (Pavel Filonov).

Fauvism Isa sa mga unang masining na paggalaw noong ika-20 siglo ay ang Fauvism (wildness). Ang Fauvism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang eroplano ng mga imahe, makapal na linya, isang kumbinasyon ng dilaw at berdeng mga kulay. Sa una, ang Fauvism ay itinuturing na isang dayuhan na sining, sa kalaunan ay natagpuan ng mga mananaliksik sa kanila ang isang uri ng malikhaing pamamaraan.

A. Matisse "Sayaw", 1910. Ang balangkas ng pagpipinta na Matisse ay inspirasyon ng mga katutubong sayaw na kanyang nakita. Ang isa pang bersyon - "Sayaw" - ay isinulat sa ilalim ng impluwensya ng Greek vase painting. Ang pangunahing nagpapahayag na paraan ng canvas ay isang kumbinasyon ng kaiklian ng pictorial na paraan na may malaking sukat. "Sayaw" ay nakasulat sa tatlong kulay lamang. Ang kalangitan ay inilalarawan sa asul, ang mga katawan ng mananayaw ay kulay rosas, at ang burol ay inilalarawan sa berde. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang sayaw, isang bilog na sayaw ng limang hubad na tao sa tuktok ng burol.

Ang Cubism Picasso Ang Cubism ay isang masining na kilusan batay sa mga pyramidal na istruktura, mga geometric na katawan. Ang kubismo ay dumaan sa ilang yugto ng pag-unlad nito: - analytical cubism; - gawa ng tao cubism; Ang mga pangunahing pigura ng cubism ay sina Georges Braque, Pablo Picasso.

Georges Braque (1882 - 1963) Violin and Palette, 1910. Si J. Braque ay isang kinatawan ng analytical cubism. Noong 1908 nag-organisa siya ng isang eksibisyon sa Paris. Ang kanyang pangunahing pamamaraan ay ang pagpapataw ng isang imahe sa isa pa - ang versatility ng larawan. Ang pag-decipher sa intensyon ng may-akda ay napakahirap para sa mga manonood.

Pablo Picasso (1881 - 1973) Ang pagpipinta ni Picasso na Les Maidens of Avignon, na humamon sa isang masasamang lipunan, ay nagdulot ng tunay na galit.

Still life with a straw chair, 1912 Ang pagpipinta ay nabibilang sa synthetic cubism, gamit ang iba't ibang bagay mula sa totoong buhay.

P. Picasso "Portrait of Vollard", 1910

Surrealism Ang surrealism ay super-reality. Ito ay opisyal na bumangon noong 1924. Sa gawain ng mga surrealist, ang mga pantasya, pangarap, pangarap at alaala ay nakakuha ng espesyal na kahalagahan. Pinagsama ng mga surrealist painting ang realidad at unreality. Ang mga pangunahing pamamaraan ng mga surrealist ay ang kataka-taka, kabalintunaan, kabalintunaan. Mga Kinatawan - Max Ernst, Rene Magritte, Salvador Dali.

Max Ernst. Oedipus the King, 1922.

Rene Magritte Ang Therapist, 1937

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931

Abstractionism Ang Abstractionism ay kabilang sa Russian avant-garde. Ang pangunahing prinsipyo ng abstractionism ay ang kaalaman sa espasyo at ang abstractness ng kung ano ang nakasulat. Ang kinatawan ng abstract art ay si Wassily Kandinsky (1866 - 1944).

abstractismo

V. Kandinsky "Komposisyon 6", 1913

V. Kandinsky. "Dominant Curve", 1936

Suprematism Ang suprematismo ay ang pinakamataas na antas ng sining. Ang tagapagtatag at, marahil, ang isa lamang sa mga numero nito ay si Kazimir Malevich. Ang mga pangunahing bahagi ng Suprematism ay kulay at mga geometric na hugis. Ang suprematism ay masalimuot sa pag-unawa nito at ang persepsyon nito ay ganap na nakasalalay sa imahinasyon ng isang tao.

Suprematism ni Malevich "Pag-aani ng Rye", 1912

"Black Square", 1913

"Babaeng Magsasaka", 1932

Mga tanong at gawain Pangkatin. 1. Bumuo ng mga pangunahing prinsipyo ng iyong direksyon. 2. Subukang lumikha ng isang gawa sa pagpipinta na nababagay sa iyong direksyon. 3. Maghanda ng magkakaugnay na sagot tungkol sa paksa ng iyong pagpipinta.

Constructivism Isa sa mga istilo ay Constructivism - ang pamamaraang avant-garde ng Sobyet sa sining, arkitektura, potograpiya at pandekorasyon at inilapat na sining, na binuo noong 1920s at unang kalahati ng 1930s. Ang isa sa mga istilo ay Constructivism - ang pamamaraang avant-garde ng Sobyet sa sining, arkitektura, potograpiya at pandekorasyon at inilapat na sining, na binuo noong 1920s at unang kalahati ng 1930s.

Avant-gardism Ang Avant-garde (fr. Avant-garde "vanguard") ay isang pangkalahatang pangalan para sa mga uso sa European art na lumitaw sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, na ipinahayag sa isang polemical-combat form. Ang avant-garde ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pang-eksperimentong diskarte sa artistikong pagkamalikhain na higit pa sa klasikal na aesthetics, gamit ang orihinal, makabagong paraan ng pagpapahayag, na binibigyang-diin ng simbolismo ng mga artistikong larawan. Ang Avant-garde (fr. Avant-garde "vanguard") ay isang pangkalahatang pangalan para sa mga uso sa European na sining na lumitaw sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, na ipinahayag sa isang polemical-combat form. Ang avant-garde ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pang-eksperimentong diskarte sa artistikong pagkamalikhain na higit pa sa klasikal na aesthetics, gamit ang orihinal, makabagong paraan ng pagpapahayag, na binibigyang-diin ng simbolismo ng mga artistikong larawan. Ang konsepto ng avant-garde ay higit sa lahat eclectical sa kakanyahan nito. Ang terminong ito ay tumutukoy sa isang bilang ng mga paaralan at mga uso sa sining, kung minsan ay mayroong isang diametrically opposed ideological na batayan. Ang konsepto ng avant-garde ay higit sa lahat eclectical sa kakanyahan nito. Ang terminong ito ay tumutukoy sa isang bilang ng mga paaralan at mga uso sa sining, kung minsan ay mayroong isang diametrically opposed ideological na batayan.

Mga Kinakailangan Ang mga kinakailangan para sa paglitaw ng mga usong avant-garde sa sining at panitikan ng Europa ay maaaring ituring na isang pangkalahatang kalakaran tungo sa muling pag-iisip ng mga karaniwang pagpapahalagang pangkultura sa Europa. Ang huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglitaw ng mga bagong pilosopikal na gawa na muling pag-iisip sa moral at kultural na aspeto ng sibilisasyon. Ang mga kinakailangan para sa paglitaw ng mga usong avant-garde sa sining at panitikan ng Europa ay maaaring ituring na isang pangkalahatang kalakaran patungo sa muling pag-iisip ng mga karaniwang halaga ng kulturang Europeo. Ang huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglitaw ng mga bagong pilosopikal na gawa na muling pag-iisip sa moral at kultural na aspeto ng sibilisasyon. Bilang karagdagan, ang pag-unlad ng pang-agham at teknolohikal na pag-unlad ay nagtulak lamang sa sangkatauhan na baguhin ang pang-unawa sa mga halaga ng sibilisasyon, ang lugar ng tao sa kalikasan at lipunan, aesthetic at moral at etikal na mga halaga. Bilang karagdagan, ang pag-unlad ng pang-agham at teknolohikal na pag-unlad ay nagtulak lamang sa sangkatauhan na baguhin ang pang-unawa sa mga halaga ng sibilisasyon, ang lugar ng tao sa kalikasan at lipunan, aesthetic at moral at etikal na mga halaga.

Musika ng Russia Ang musika ng ika-20 siglo ay isang pangkalahatang pagtatalaga para sa isang pangkat ng mga uso sa sining ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ika-20 siglo, sa partikular na Modernismo, kumikilos sa ilalim ng motto ng modernidad, pagbabago. Kasama rin sa mga agos na ito ang Expressionism, Constructivism, Neoclassicism, pati na rin ang Dodecaphony, electronic music, atbp. Musika ng ika-20 siglo sa kabuuan - isang kolektibong imahe Musika ng ika-20 siglo - ang pangkalahatang pagtatalaga ng isang pangkat ng mga uso sa sining ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ika-20 siglo, sa partikular na Modernismo, kumikilos sa ilalim ng motto ng modernidad, pagbabago. Kasama rin sa mga agos na ito ang Expressionism, Constructivism, Neoclassicism, pati na rin ang Dodecaphony, electronic music, atbp. Musika ng ika-20 siglo sa kabuuan - isang kolektibong imahe

Mga Kinatawan Ang isang kapansin-pansing kinatawan ng modernong teatro ay ang Lenkom Theatre. Alam ng lahat ang teatro na ito ngayon - mula sa mga Muscovites at mga bisita hanggang sa mga mahilig sa teatro. Ang ganitong teatro ay hindi maaaring balewalain, dahil ito ay isang teatro ng mga bituin. Ang isang kilalang kinatawan ng modernong teatro ay ang Lenkom Theatre. Alam ng lahat ang teatro na ito ngayon - mula sa mga Muscovites at mga bisita hanggang sa mga mahilig sa teatro. Ang ganitong teatro ay hindi maaaring balewalain, dahil ito ay isang teatro ng mga bituin.

Teatro ng ika-20 siglo Lumitaw ang mga bagong sinehan sa Moscow. Doon na sina Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass at marami pang iba pang mga natitirang pigura ng sining ng Sobyet sa hinaharap ay gumawa ng kanilang mga unang hakbang sa yugto. Lumitaw ang mga bagong sinehan sa Moscow. Doon na sina Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass at marami pang iba pang mga natitirang pigura ng sining ng Sobyet sa hinaharap ay gumawa ng kanilang mga unang hakbang sa yugto.

Sinematograpiya Ang sinematograpiya bilang isang anyo ng sining ay naiiba sa iba sa sintetikong katangian nito. Pinagsasama nito ang mga aesthetic na katangian ng panitikan, teatro, sining, litrato, musika, mga tagumpay sa optika, mekanika, kimika, pisyolohiya. Ang katanyagan ng sinehan ay nakasalalay sa taglay nitong kumbinasyon at iba't ibang paraan ng pagpapahayag. Ang sinehan, na nagmula sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, ay bumangon sa ilalim ng impluwensya ng mga pangangailangan ng lipunan upang maunawaan ang kasaysayan, buhay at aktibidad nito, at binuo alinsunod sa kultura ng ika-20 siglo, samakatuwid ang mga istilo at uso nito ay tumutugma. sa mga pangunahing istilo ng sining noong ika-20 siglo. Ang cinematography bilang isang anyo ng sining ay naiiba sa iba sa sintetikong katangian nito. Pinagsasama nito ang mga aesthetic na katangian ng panitikan, teatro, sining, litrato, musika, mga tagumpay sa optika, mekanika, kimika, pisyolohiya. Ang katanyagan ng sinehan ay nakasalalay sa taglay nitong kumbinasyon at iba't ibang paraan ng pagpapahayag. Ang sinehan, na nagmula sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, ay bumangon sa ilalim ng impluwensya ng mga pangangailangan ng lipunan upang maunawaan ang kasaysayan, buhay at aktibidad nito, at binuo alinsunod sa kultura ng ika-20 siglo, samakatuwid ang mga istilo at uso nito ay tumutugma. sa mga pangunahing istilo ng sining noong ika-20 siglo.

Natitirang mga kinatawan Sa mga unang dekada pagkatapos ng pagsisimula nito, ang sinehan bilang isang anyo ng sining ay nakakuha lamang ng katanyagan nito. Noong 1920s, ang sinehan ay naging hindi lamang isang sikat at naka-istilong anyo ng sining, kundi isang industriya ng pelikula: maraming mga studio ng pelikula at isang network ng pamamahagi ng pelikula ang nabuo. Sa oras na ito, ang mga obra maestra ng maaga, hanggang ngayon ay tahimik na mga pelikula ay nilikha - "Battleship Potemkin" ni S. Eisenstein, "The Big Parade" ni K Vidor kasama si Ch. Chaplin, "Greed" ni E. Stroheim. Ang gawain ng mga direktor na D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev ay nahuhubog nang tumpak sa oras na ito. Ang ikatlong dekada ng ika-20 siglo ay pumasok sa kasaysayan ng sinehan bilang simula ng panahon ng tunog sinehan, na ginagawang mas malaki pa. Ang US ay nangingibabaw sa pandaigdigang industriya ng pelikula. Ang mga adaptasyon ng komersyal na pelikula ng mga musikal sa Broadway ay napakapopular sa panahong ito. Ngunit ang mga tunay na gawa ng sining ay nilikha din: "New Times" ni Ch. Chaplin, "The Grapes of Wrath" ni J. Ford, "Our Daily Bread" ni K-Vidor. Sa USSR, ang mga obra maestra ng Russian cinema na "Merry Fellows", "Volga-Volga" at "Circus" ni G. Aleksandrov, "Chapaev" ng magkapatid na Vasiliev at iba pa ay inilabas sa mga screen. Sa mga unang dekada pagkatapos ng pagsisimula nito, ang sinehan bilang isang anyo ng sining ay nakakuha lamang ng katanyagan nito. Noong 1920s, ang sinehan ay naging hindi lamang isang sikat at naka-istilong anyo ng sining, kundi isang industriya ng pelikula: maraming mga studio ng pelikula at isang network ng pamamahagi ng pelikula ang nabuo. Sa oras na ito, ang mga obra maestra ng maaga, hanggang ngayon ay tahimik na mga pelikula ay nilikha - "Battleship Potemkin" ni S. Eisenstein, "The Big Parade" ni K Vidor kasama si Ch. Chaplin, "Greed" ni E. Stroheim. Ang gawain ng mga direktor na D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev ay nahuhubog nang tumpak sa oras na ito. Ang ikatlong dekada ng ika-20 siglo ay pumasok sa kasaysayan ng sinehan bilang simula ng panahon ng tunog sinehan, na ginagawang mas malaki pa. Ang US ay nangingibabaw sa pandaigdigang industriya ng pelikula. Ang mga adaptasyon ng komersyal na pelikula ng mga musikal sa Broadway ay napakapopular sa panahong ito. Ngunit ang mga tunay na gawa ng sining ay nilikha din: "New Times" ni Ch. Chaplin, "The Grapes of Wrath" ni J. Ford, "Our Daily Bread" ni K-Vidor. Sa USSR, ang mga obra maestra ng Russian cinema na "Jolly Fellows", "Volga-Volga" at "Circus" ni G. Aleksandrov, "Chapaev" ng mga kapatid na Vasiliev at iba pa ay inilabas sa mga screen.

slide 2

Paglalarawan ng slide:

slide 3

Paglalarawan ng slide:

slide 4

Paglalarawan ng slide:

slide 5

Paglalarawan ng slide:

slide 6

Paglalarawan ng slide:

Slide 7

Paglalarawan ng slide:

Slide 8

Paglalarawan ng slide:

Slide 9

Paglalarawan ng slide:

Slide 10

Paglalarawan ng slide:

slide 11

Paglalarawan ng slide:

slide 12

Paglalarawan ng slide:

slide 13

Paglalarawan ng slide:

Slide 14

Paglalarawan ng slide:

slide 15

Paglalarawan ng slide:

slide 16

Paglalarawan ng slide:

Slide 17

Paglalarawan ng slide:

Slide 18

Paglalarawan ng slide:

Slide 19

Paglalarawan ng slide:

Slide 20

Paglalarawan ng slide:

slide 21

Paglalarawan ng slide:

slide 22

Paglalarawan ng slide:

slide 23

Paglalarawan ng slide:

slide 24

Paglalarawan ng slide:

Slide 25

Paglalarawan ng slide:

slide 26

Paglalarawan ng slide:

Slide 27

Paglalarawan ng slide:

Slide 28

Paglalarawan ng slide:

Slide 29

Paglalarawan ng slide:

slide 30

Paglalarawan ng slide:

Slide 31

Paglalarawan ng slide:

slide 32

Paglalarawan ng slide:

Slide 33

Paglalarawan ng slide:

slide 34

Paglalarawan ng slide:

Slide 35

Paglalarawan ng slide:

Paglalarawan ng slide:

Net-art (Net Art - mula sa English net - network, art - art) Ang pinakabagong anyo ng sining, modernong mga kasanayan sa sining, na umuunlad sa mga network ng computer, lalo na, sa Internet. Ang mga mananaliksik nito sa Russia, na nag-aambag sa pag-unlad nito, O. Lyalina, A. Shulgin, ay naniniwala na ang kakanyahan ng Net-art ay bumaba sa paglikha ng komunikasyon at mga malikhaing espasyo sa Web, na nagbibigay ng kumpletong kalayaan ng pagiging network sa lahat. Samakatuwid, ang kakanyahan ng Net-art. hindi representasyon, ngunit komunikasyon, at ang orihinal nitong art unit ay isang elektronikong mensahe. Net-art (Net Art - mula sa English net - network, art - art) Ang pinakabagong anyo ng sining, modernong mga kasanayan sa sining, na umuunlad sa mga network ng computer, lalo na, sa Internet. Ang mga mananaliksik nito sa Russia, na nag-aambag sa pag-unlad nito, O. Lyalina, A. Shulgin, ay naniniwala na ang kakanyahan ng Net-art ay bumaba sa paglikha ng komunikasyon at mga malikhaing espasyo sa Web, na nagbibigay ng kumpletong kalayaan ng pagiging network sa lahat. Samakatuwid, ang kakanyahan ng Net-art. hindi representasyon, ngunit komunikasyon, at ang orihinal nitong art unit ay isang elektronikong mensahe.

Paglalarawan ng slide:

(eng. Op-art - isang pinaikling bersyon ng optical art - optical art) - isang masining na paggalaw ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, gamit ang iba't ibang mga visual na ilusyon batay sa mga tampok ng pang-unawa ng flat at spatial figure. Ang kasalukuyang ay nagpapatuloy sa rationalistic line of technicism (modernism). Ito ay bumalik sa tinatawag na "geometric" abstract art, na kinakatawan ni V. Vasarely (mula 1930 hanggang 1997 ay nagtrabaho siya sa France) - ang nagtatag ng op art. Ang mga posibilidad ng Op-art ay nakahanap ng ilang aplikasyon sa mga pang-industriyang graphics, poster, at sining ng disenyo. (eng. Op-art - isang pinaikling bersyon ng optical art - optical art) - isang masining na paggalaw ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, gamit ang iba't ibang mga visual na ilusyon batay sa mga tampok ng pang-unawa ng flat at spatial figure. Ang kasalukuyang ay nagpapatuloy sa rasyonalistikong linya ng technicism (modernismo). Ito ay bumalik sa tinatawag na "geometric" abstract art, na kinakatawan ni V. Vasarely (mula 1930 hanggang 1997 ay nagtrabaho siya sa France) - ang nagtatag ng op art. Ang mga posibilidad ng Op-art ay nakahanap ng ilang aplikasyon sa mga pang-industriyang graphics, poster, at sining ng disenyo.

Paglalarawan ng slide:

(graffiti - sa arkeolohiya, anumang mga guhit o titik na scratched sa anumang ibabaw, mula sa Italian graffiare - scratch) Ito ang pagtatalaga ng mga subculture na gawa, na higit sa lahat ay malalaking format na mga imahe sa mga dingding ng mga pampublikong gusali, istruktura, transportasyon, na ginawa gamit ang iba't ibang mga uri ng spray gun, aerosol paint cans. (graffiti - sa arkeolohiya, anumang mga guhit o titik na scratched sa anumang ibabaw, mula sa Italian graffiare - scratch) Ito ang pagtatalaga ng mga subculture na gawa, na higit sa lahat ay malalaking format na mga imahe sa mga dingding ng mga pampublikong gusali, istruktura, transportasyon, na ginawa gamit ang iba't ibang mga uri ng spray gun, aerosol paint cans.

Slide 42

Paglalarawan ng slide:

slide 43

Paglalarawan ng slide:

Paglalarawan ng slide:

(mula sa English land art - earthen art), isang direksyon sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-20 siglo, batay sa paggamit ng isang tunay na tanawin bilang pangunahing masining na materyal at bagay. Ang mga artista ay naghuhukay ng mga kanal, lumikha ng mga kakaibang tambak ng mga bato, nagpinta ng mga bato, na pumipili ng karaniwang mga desyerto na lugar para sa kanilang mga aksyon - malinis at ligaw na mga landscape, sa gayon, tulad ng, nagsusumikap na ibalik ang sining sa kalikasan. (mula sa English land art - earthen art), isang direksyon sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-20 siglo, batay sa paggamit ng isang tunay na tanawin bilang pangunahing masining na materyal at bagay. Ang mga artista ay naghuhukay ng mga kanal, lumikha ng mga kakaibang tambak ng mga bato, nagpinta ng mga bato, na pumipili ng karaniwang mga desyerto na lugar para sa kanilang mga aksyon - malinis at ligaw na mga landscape, sa gayon, tulad ng, nagsusumikap na ibalik ang sining sa kalikasan.

Paglalarawan ng slide:

(minimal art - Ingles: minimal art) - artist. daloy na nagmumula sa kaunting pagbabago ng mga materyales na ginamit sa proseso ng pagkamalikhain, pagiging simple at pagkakapareho ng mga anyo, monochrome, malikhain. pagpipigil sa sarili ng artista. (minimal art - Ingles: minimal art) - artist. daloy na nagmumula sa kaunting pagbabago ng mga materyales na ginamit sa proseso ng pagkamalikhain, pagiging simple at pagkakapareho ng mga anyo, monochrome, malikhain. pagpipigil sa sarili ng artista. Ang minimalism ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa subjectivity, representasyon, ilusyonismo. Tinatanggihan ang klasiko pagkamalikhain at tradisyon. masining materyales, ang mga minimalist ay gumagamit ng pang-industriya at natural na materyales ng simpleng geometriko. mga hugis at neutral na kulay (itim, kulay abo), maliit na volume, serial, conveyor na mga pamamaraan ng pang-industriyang produksyon ay ginagamit.

Slide 48

Ang sining ng ika-20 siglo ay multifaceted at hindi maliwanag. Nagulat, nagulat, nabihag. Upang maunawaan ito, kailangan mo munang maunawaan ang mga pangunahing direksyon nito.

Ang Constructivism ay isang avant-garde trend sa fine arts, photography, at cinema na lumabas noong 1920s at 1930s.

Ito ay naiiba sa iba sa kalubhaan ng mga linya, conciseness at solidity ng imahe.

Ang avant-gardism ay isang pang-eksperimentong uso na lumitaw sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Ito ay higit pa sa klasikal na aesthetics at nakikilala sa pamamagitan ng simbolismo.

Ang konsepto ng "avant-gardism" ay eclectic. Kabilang dito ang ilang paaralan sa buong mundo, na maaaring ibang-iba sa bawat isa.

Ang mga kinakailangan para sa paglitaw ng avant-garde ay kinabibilangan ng muling pag-iisip ng mga pangunahing halaga ng buhay ng mga tao sa Europa, pati na rin ang paglitaw ng mga bagong pilosopikal na treatise at ang aktibong pag-unlad ng siyentipiko at teknolohikal na pag-unlad.

Ang musika ng ika-20 siglo ay halos ganap na nagpahayag ng Modernismo at Innovation. Modernity, drive, expressionism - iyon ang nagtulak sa paglikha ng mga bagong direksyon.

At kung sa simula ng ika-20 siglo ang pangunahing diin ay sa klasikal na musika, pagkatapos ay sa pagtatapos ng 50s ang mga tao ay nagsimulang magtaas ng isang mabigat na kurtina at lumikha ng isang bagay na maaaring mabaligtad ang lipunan. Sa batayan ng rebolusyong pangmusika, nagsimulang lumitaw ang mga unang subkultura.

Mabilis ding umunlad ang teatro. Nagsimula na ang mga musical performance. Sa kabila ng mga modernong uso, ang madla, gayunpaman, ay hindi nagtaksil sa mga klasiko. Ang muling pagkabuhay ng teatro ay nagsimula sa katapusan ng ika-20 siglo pagkatapos ng pagtatapos ng matagal na Cold War.

Ang cinematography noong panahong iyon ay kapansin-pansin sa syntheticity at generalization nito. Sa kabila ng pagtatangka na i-synthesize ang photography, teatro, musika, etnisidad, aesthetics at maging ang mga eksaktong agham, sa pangkalahatan, iilan lamang sa mga kuwadro na gawa, karamihan ay kinunan pagkatapos ng 80s, ang nararapat pansin.

Marahil ang dahilan nito ay ang matinding sitwasyong pampulitika, gayundin ang krisis sa ekonomiya. Imposibleng hindi maalala ang mga figure ng sinehan noong ika-20 siglo bilang Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Marlon Brando, Clark Gable, Grace Kelly at Charlie Chaplin.

Ang photography noong ika-20 siglo ay nakaranas lamang ng mga ups and downs. Sa una, ang mundo ay nasakop ng Polaroid na may instant development ng mga litrato. Ngunit pagkatapos ng Japan ang pumalit, sa pagtatapos ng siglo, ang mga tao ay ipinakilala sa sining ng color photography, sepia, pati na rin ang mga unang elektronikong programa para sa pagproseso ng mga frame.

Tulad ng makikita mo, ang sining ng ika-20 siglo ay hindi maliwanag. Sa isang banda, ang pag-unlad nito ay lubhang nahadlangan ng digmaan at ng pandaigdigang sitwasyong pampulitika. Sa kabilang banda, ito ang katapusan ng huling siglo na matatawag na duyan, ang panimulang punto ng lahat ng modernong kasaganaan ng malikhaing.