Возникновение русского народного танца. Возникновение народного танца

Народный танец - это красочное, яркое творение народа, воплощающее в себе его эмоциональный и художественный образ. Народный танец может рассказать и показать всю многовековую и многообразную историю общества, в котором он зародился. Народный танец является олицетворением фантазии людей и всей глубины их чувств. Он насыщен содержанием, сюжетом, драматургической основой, пространственными рисунками и пластическими движениями, которые характерны для той или иной национальности. Народный танец является самой яркой и специфической формой отображения действительности, ведь в нем проявляются нормы поведения и взаимоотношения, этика, мораль, а также любые изменения в социальной, экономической и политической сферах. Все эти аспекты каждой из эпох отображаются в художественном творчестве народа.

Истоки

История происхождения народного танца уходит очень глубоко. Древние люди копировали движения животных, имитировали природные явления - так зародился первобытный танец, который эволюционировал в настоящий способ общения и проявления чувств. Движения подобных плясок являлись своеобразным отображением впечатления от окружающего мира. Немаловажную роль в создании народного танца как вида сыграли ритуальные мистерии, церемониальные, религиозные и этнические обряды, которые были просто насыщены хореографией. Стоит отметить, что в создание и эволюцию народного танца были вложены опыт, талант и фантазия не одного поколения. Танцевальные формы народной хореографии оттачивались как искусство временем и с каждой эпохой приобретали художественную ценность и законченность, двигаясь к совершенству.

Народный танец невозможно спутать ни с одним другим видом танца. Он передается этнически и генетически от поколения к поколению независимо от веры и национальности. Поэтому не удивительно, что под мотивы народного танца душа пускается в пляс. Каждый народ имеет танец, характерный только для него. Он отличается стилистикой исполнения, техническим наполнением, подачей, настроением, музыкой и костюмами. Все эти традиционные признаки нарабатывались столетиями и отображают многовековую историю народа.

Главная особенность народного танца как уникального явления заключается в том что, не имея конкретного автора, этот танец неизменно передается из поколения в поколения и является самой настоящей и самой узнаваемой визитной карточкой каждой национальности. Стоит отметить, что национальный характер народного танца проявляется во множестве особенностей, а именно: в музыкальной и хореографической структуре, колоритных деталях, исполнительской манере. Невзирая на свою важность, этот танец отличается довольно простой техникой исполнения и несложными фигурами и па. Они обладают более обобщенным характером и насыщены этникой.

Танец - это особый вид народного искусства.

Не поддаётся счёту сколько различных танцев бытовало на Руси и существует даже до сих пор в современной России. Они имеют самые разнообразные названия: иногда по песне, под которую танцуются, иногда по характеру празднества или события, или места где они исполнялись. Но во всех этих столь различных танцах есть что-то общее, характерное для русского народа, это широта движения, удаль и сила, весёлость и озорство, особенная жизнерадостность, мягкость, лиричность и поэтичность, сочетание скромности и простоты с большим чувством благородства и достоинства.
У русского народного танца своя многовековая история. В V-VII веках народные танцы исполнялись на лоне Природы в празднествах «народных игрищ». На их характер налагали отпечаток древние ведические представления мира.

Например, в одном старинном сказании о царстве Моравском гусляр-рассказчик упоминает о плотах на озерах, где собирались молодые люди и «водили хороводы да играли кругами». Трудно себе представить, что же за такие танцы исполнялись древними русичами на этих неустойчивых плотах.
Для древних арийцев в основе своей связанных с ведическими представлениями мироздания, танец является выражением медитаций, единения с природой, продолжением её, выражения высоких чувств любви и вечного стремления к красоте.
В древних русских обрядовых танцах, насколько можно судить, проявлялись формы мышления, свойственные ведическому представлению мира. Одухотворение природы по аналогии с живыми существами, представление о том, что за каждым предметом природы скрывается определённый дух и что каждый предмет - живой. Вера в силу слова, ритма, пластического действия, телодвижения, при помощи которых можно влиять на силу природы и вызывать определённые результаты. Гармонизация всех природных сил, понимание единства и общего проникновения всего сущего во всём мироздании.

До нашего времени дошло совсем немного, это уже довольно поздние календарные и бытовые обряды, которые в своё время естественно влияли на всё творчество русского народа.
Целью календарных обрядов было магическое воздействие на окружающий мир, землю, силы природы, вызванное стремлением предохранить себя от стихийных бедствий.
Семейные обряды связаны с событиями в жизни отдельного человека - рождением, вступлением в пору зрелости, созданием семьи, смертью.
Трудно судить какими энергетическими силами обладали древляне-русичи, как они мыслили, что чувствовали. Одно понятно, что они не были подвержены той основной болезнью человечества: деньги и власть, власть и деньги. Можно только судить о том или о другом, но, анализируя те основные постулаты и представления, как был устроен мир древлян, можно осознать, что сегодняшний мир народного танца, значительно искажён, изменён и отошёл от своих древних истоков, но некоторые (базисные истоки) всё же привнесли некий заряд в русскую культуру, что значительно отличает её от многих культур мира.

Великая русская народная хореография

Народная хореография всегда была тесно связана с жизнью и развитием общества, с его экономическим и социальным укладом, с верой, с эстетическими требованиями времени.
Каждая эпоха как в зеркале отражается в танцевальной культуре народа. Фольклор наполняет душу каждого человека гордостью за свой народ, воспитывает уважение, любовь и чувство патриотизма.
Велико многообразие русского народного танцевального искусства. Хороводы, переплясы, игровые и другие народные танцы поражают своим многообразием, богатством движений. В танце народ раскрывает свой характер, передает мысли, настроения, переживания.
Как красивы и величавы северные хороводы, как стремительны и зажигательны пляски донских или кубанских казаков! А икрящиеся, задорные уральские кадрили? Сколько же ещё всего вмещает в себя русский танец?
В дохристианской Руси были широко распространены яркие народные игрища, которые приурочивались к календарным ведическим праздникам, например: Ярилин день - праздник Солнца, Таусень - Новый год, Обжинки (Овсень) - сбор урожая, Коляда - зимний праздник и разные другие.
Многие из общих для русского народа черт характера - свободолюбие, неукротимость воли, миролюбие, страстное тяготение к искусствам, стремление к красоте, гостеприимство открытость и веселость - особенно заметно проявлялись в играх, плясках и хороводах.
Большинство русских писателей, поэтов, музыкантов, учёных-исследователей, просто культурных и образованных людей относились к русскому танцу, как и ко всему творчеству русского народа с искренним уважением и восторженностью. Стремились не только к более глубокому познанию народного творчества, но и к оценке его. Выступали против сусальной стилизации, против официальной «народности», против насильственного внедрения чужеземных обычаев. А ещё внимательно изучали, пропагандировали и, будучи плоть от плоти возросшими на национальной русской культурной почве, талантливо совершенствовали и развивали русское искусство.
Державин и Жуковский, Пушкин и Лермонтов, Гоголь и Некрасов, Тургенев и Толстой, Чехов и Достоевский, Чайковский и Бородин, Римский-Корсаков и Рахманинов, Горький и Твардовский и… (всех невозможно перечислить), все они оставили множество восторженных строк, посвящённых народному творчеству и, в частности, русскому танцу, как выразителю самого сокровенного, сердечного и душевного.
«…Бабушка не плясала, а словно рассказывала что-то. Вот она идёт тихонько, задумавшись, покачиваясь, поглядывая вокруг из-под руки, и всё её большое тело колеблется нерешительно, ноги щупают дорогу осторожно. Остановилась, вдруг испугавшись чего-то, лицо дрогнуло, нахмурилось и тотчас засияло доброй приветливой улыбкой. Откачнулась в сторону, уступая кому-то дорогу, отводя рукой кого-то; опустив голову, замерла, прислушиваясь, улыбаясь всё веселее,- и вдруг её сорвало с места, закружило вихрем, вся она стала стройней, выше ростом, и уж нельзя было глаз отвести от неё…».

Русский народ, создавший на протяжении своей многовековой трагически-прекрасной истории, великолепные былины, мудрые сказки, чудесные переплетения кружев, необыкновенные изделия из глины, потрясающе интересную и разнообразную резьбу по дереву и кости, красочную роспись по дереву, прелестную лаковую миниатюру, изумительные по красоте и оригинальности ювелирные украшения, а ещё множество богатых по содержанию и ритмически ярких лирических, героических, свадебных, игровых, плясовых песен, создал также яркую, изумительную по красоте и открытости чувств народную хореографию.
Немец Штелин (1707-1785) был известным исследователем многих областей русской культуры, а в музыке он по праву считается первым исследователем-музыковедом. Его работы являются основным материалом по искусству XVIII века в России и вот его фраза: «Во всём танцевальном искусстве Европы не сыскать такого танца, который бы мог превзойти русскую деревенскую пляску и никакой другой национальный танец в мире не сравнится по привлекательности с этой пляской!»

Плясовые и хороводные

Жили ли предки наши дома, работали ли в поле или в поселения (городах) они всегда в свободное время занимались играми, плясками, хороводами; были ли они на «побоище», они всегда воспевали родину в своих былинах. Прежние наши гусляры, вдохновители русской народной поэзии, видны доселе еще в запевалах, хороводницах и плясках. Есть люди, указывающие нам на былое действие, но нет верного указания, когда начались наши пляски и хороводы. История заключается в преданиях, а все наши народные предания говорят о былом, как о настоящем, без указаний дней и годов. Говорят, что делали наши прадеды и прапрадеды но, не упоминая, при этом, ни места действия, ни самих лиц.

Плясовые
Пляски-импровизации

Большой популярностью в народе пользовались пляски-импровизации. В них танцоры не были скованы определенной танцевальной хореографической композицией. Каждому исполнителю давалась возможность выразить себя, показать, на что он способен. Такие пляски всегда были неожиданны для зрителей, а порой и для самих исполнителей.

Среди таких танцев дошедших до нашего времени и ставших известными, но во многом уже коммерцилизованных, были следующие: «Барыня», «Веселуха», «Топотуха», «Плескач», «Вензеля», «Казачий пляс», «Городецкие ворота», «Балалайки», «Чеботуха», «Сибирская потеха», «Полянка», «Журавель», «Гусачок», «Тимоня», «Валенки», «Болтушки», «Во саду ли», «Круговая-плясовая», «Матрёшки», «Северные заковырки» и другие.
«Плясал Иван удивительно - особенно «Рыбку». Грянет хор плясовую, парень выйдет на середину круга - да и ну вертеться, прыгать, ногами топать, а потом как треснется оземь - да и представляет движения рыбки, которую выкинули из воды на сушь: и так изгибается и этак, даже каблуки к затылку подводит…».

Танцы-игры

Эти народные пляски можно назвать игровыми или танцами-играми, поскольку в них очень ярко выражено игровое начало. В своих движениях танцующий не просто подражал повадкам зверей или птиц, а старался придать им черты человеческого характера.
Без образа нет танца. Если не возникает хореографический образ, то остается только набор движений, в лучшем случае иллюстрация события. Для русского народного танца типично осмысленное отношение к событиям жизни. Конечно, танцоры пользуются элементами, имитирующими, к примеру, походку, полеты, повадки животных. Но это не просто изображение, допустим, птицы, а игра-пляска, где условием ее является «перепляс», в котором торжествуют ловкость, выдумка и мастерство в изображении.
Очень важно, чтобы созданию образа танца были подчинены все компоненты: движения и рисунки, то есть хореографическая образная пластика, музыка, костюм, цвет. При этом выразительные средства танца существуют не сами по себе, а как образное выражение мысли.

Пляс богатырей русских (Танцы русского боевого искусства)

Древнерусские системы боя (каждая из систем, насколько можно судить сегодня) имели по своему специализированному боевому танцу. Нам не известны древние достоверные названия этих боевых плясок, они менялись и трансформировались с годами. Тем не менее, во всех этих танцах были движения с одинаковым определением - «вприсядку». Присядка и плюс сумма боевых движений, применяемых в плясе, были основой боевого танца. Для «рождённых для добра» (русских воинов) боевой пляс был подобен месту сосредоточения света, для «защиты добра ото зла».
Пляска вприсядку была распространена по всей Руси. В раннем средневековье общая численность русичей не превышала и миллиона, язык был единым, а общение внутри воинского сословия был дружественным. Но рос род славянский, увеличивалась численность, появлялись особенности в языке, культуре, появлялась вариативность в способах боя, видоизменялись и единые прежде боевые танцы.

Изначально техника присядки существовала в двух проявлениях:

1. Как способ боя.
2. Как боевой танец.

Способы боя вприсядку были широко распространены среди всадников и применялись пехотинцами в столкновениях с конницей.

Бой вприсядку включал в себя четыре основных уровня:

1. Кувырки;
2. Ползунки (перемещения на корточках и четвереньках);
3. Удары и передвижения стоя;
4. Прыжки и колёса.

Кувырки применялись в основном как тактические перемещения и как способы самостраховки при падении.

Ползунки, это особый вид перемещения на нижнем уровне, из которого можно наносить удары и выполнять прыжки. Атаки оружием усиливались ударами и подсечками выполняемыми ногами. Руки, поставленные на землю, давали дополнительную опору, в них можно держать оружие и подбирать его с земли.

Удары стоя наносились преимущественно ногами, так как руки были заняты холодным или огнестрельным оружием. Именно поэтому в пляске «вприсядку» работе ногами уделяется больше внимания.

Перемещения вприсядку, смена уровней боя, уход вниз и в прыжок дополняют технику работы «в рост». В прыжках, в основном били ногами и холодным оружием. Атаковали всадника, запрыгивали на коня и спрыгивали на землю. Оказавшись на коне, умели бегать по спинам коней, нанося сабельные удары, стрелял из-за коня и из-под его брюха, умели джигитовать (вольтижировать) и совершать фланкировку (вращение оружия с атакой и защитой флангов).

В пеших схватках бой вприсядку был актуален для воина упавшего на землю, оказавшегося в одиночку против многих противников, в тесноте или в темноте. Такая манера боя требовала хорошей физической подготовки и была очень энергоемкой, поэтому её применяли, как тактический элемент боя, чередуя с экономной техникой.

Необходимые, специфические для такой манеры боя двигательные навыки и особенно выносливость, и тренированность, мужчины вырабатывали, постоянно практикуясь в плясе и бойцовских состязаниях.

Подготавливаясь боевому танцу, нередко мужчины уходили в леса из дома, иногда на несколько дней и тренировались, выдумывали новые сочетания плясовых «коленцев», неизвестные противникам.
Назначение движений в боевом плясе было как непосредственно прикладное, так и условно-боевое, развивающее, для ловкости и координации. Поскольку боевой пляс был информационным носителем боевого искусства и способом тренировки прикладных движений, что наибольшее распространение он получил в среде воинов: казаков, солдат, матросов, офицеров и пользовался большой популярностью.
Под музыку, с пляской ходили в бой. Этот обычай наших предков настолько хорошо запомнился полякам, что они экранизировали его в фильме «Огнём и мечём» по книге Сенкевича. А мы это почему-то подзабыли!
Во время гражданской войны боевая пляска продолжала жить в войсках, как у красных, так и у белых. Хорошо запомнились красноармейцам атаки полков Ижевского и Водкинского заводов, сражавшихся под красным флагом, но против большевиков. Они шли в бой под гармошку, с заброшенными за плечи винтовками а перед строем отплясывали бойцы. Трудно в это поверить, но большевики не выдерживали таких психологических плясовых атак и отступали.

Хороводы

Важность русских хороводов для нашего народа столь велика, что мы, например, кроме, пожалуй, русских народных свадеб, не знаем ничего подобного. Хороводы занимают в жизни русского народа три годовые эпохи: весну, лето и осень. В хороводах мы открываем творческую силу народной поэзии, самобытность вековых созданий. И только при этом взгляде наша русская культура ничего подобного не имеет в мире. Отнимите у русского народа лирику, романтизм, стремление к красоте - поэзию, уничтожьте его веселый открытый дух, лишите его светлых, восторженных игрищ, и наша народность останется без творчества - без жизни. Этим и отличается русская жизнь от всех других славянских поколений, да и от всего прочего мира в целом.
Первоначальное значение русского хоровода, кажется, потеряно навсегда. Мы не имеем никаких источников, указывающих прямо на время его появления на русской земле, и поэтому все предположения так и остаются предположениями.
Возле рек и озер, на лугах, рощах…, даже на пустоши и дворах - вот места где водили народные хороводы, там они и получили свои особенные названия и удержали исстари за собою это право.
Бывают хороводы праздничные, бывают повседневные, бытовые. Праздничные хороводы - самые древние: с ними сопряжено воспоминания прошлого, незапамятного народного празднества.

Русские хороводы распределены по времени года, свободным дням жизни и по сословиям. Весна и осень, два времени, в которые поселяне более всего веселились. Принимая разделение хороводов на весенние, летние и осенние, можно увидеть настоящую картину русской жизни и правильнее отследить за постепенным ходом народных обычаев.

Самобытность русского хоровода заключается в многообразии видов, в неразрывной связи его содержания с русской действительностью, в характере исполнения и бытования, в преемстве его с древними обрядами.

С обрядами хоровод связан тематизмом хореографии. Справедливо считаются самыми древними те хороводы, в которых отражается трудовая деятельность народа. Связь с трудом, бытом, интересами народа в обрядах и в хороводах сохраняется до наших дней. Современному русскому хороводу присуща также и театрализация.
Под влиянием времени и людей происходит изменение и видов хороводов. В русском народном танце наряду с игровыми хороводами, где отдельные группы исполнителей или солисты разыгрывали сюжет песни, также появляются и новые виды хороводов: «наборные», «разборные» или «разводные».
История трансформации хороводов происходит и в наши дни. Усиленная эффектная костюмизация, театрализация и стилизация, современное звуковое сопровождение, световые и видео эффекты, с одной стороны это великолепное шоу, но с другой стороны происходит выхолащивание народности, а точнее русских народных истоков. Хорошо это или плохо? Тут «палка о двух концах».
Заключение

Сохранение хотя бы того, что осталось. Но никто не говорит, что надо всем залезть в косоворотки, натянуть лапти или сапоги, но есть историческое изложение того или иного материала и есть современная интерпретация народного творчества (как сегодня говорят - «ремикс», но относящийся не только к музыке, но и к танцу).
Можно относиться к современности по-разному, но нельзя относиться к прошлому с пренебрежением. Необходимо развиваться, но надо всё же знать как было, а к культуре своего народа надо не только относится с почитанием, но и понимать, что народное творчество, это, что мы из себя представляем. Надо бы научиться понимать, что прилипло и что там внутри под этим слоем налипшего. Но как этого достичь?
Когда русская культура достойна, когда русская история достойна, то имеет смысл потратить время и обратиться, разобраться, почувствовать кто есть мы на самом деле.
Но всё же, когда вы обратитесь к изучению материалов русского народного танца, то очень сложно будет понять, а где всё же правда, а где кривда. Вы посмотрите тысячи картинок, фотографий, что-то ещё, и не найдёте ничего, что раскроет вам истоки русской народной хореографии. Обратитесь в музеи, к древним книгам в библиотеках и там будет всё то, что мы называем христианской историей, а всё древнерусское уже плотно обволокла эта липкая паутина.
Но может быть всё же мы что-то найдём в древнерусских сказках, в былинах, но и там уже много наносного, искажённого. Но пусть тогда нам подскажет сердце, что есть настоящее, а что чужеродное.

Народное творчество – это квинэссенция менталитета нации, характера, чаяний и надежд народа. Через народную песню и танец можно узнать историю и мечты народа, его надежды на будущее

Народный танец — это одно их самых древних искусств. Оно возникло из-за потребности человека выражать свое эмоциональное состояние при помощи тела. Танец отражает повседневную жизнь человека, его трудовые будни. Радостные и печальные впечатления также выражались посредством движений под определенный ритм, а позже и под музыку.

История танца

Танец возник еще на заре истории в период первобытно-общинного строя. Все важные события в жизни первобытного человека - рождение, смерть, лечение больного, выбор нового вождя племени, молитва об урожае, хорошей погоде - сопровождались танцами. Танцевальное искусство присутствовало и присутствует в культурных традициях любого человеческого сообщества, в любой этнографической группе. Постепенно танец отделился от песни и стал отдельным видом искусства.

С течением времени хореография видоизменялась, у каждого этноса появлялись свои особенности. В Древнем Египте танцевальное искусство носило, преимущественно, обрядовый характер. В античности к обрядовым танцам добавились военизированные пляски, призванные поднять дух воинов перед сражением. В Древней Греции, с развитием театрального искусства, появляется и сценический танец. Таким образом, в античный период, народные танцы можно разделить на сценические, военные, священные (религиозные, обрядовые) и общественно-бытовые. В Средние века происходит разделение на придворный и деревенский танец. Это разделение еще не имеет четких границ, и часто одни и те же движения присутствовали и в дворцовом и в фольклорном танцах.

В 17-19 веках происходит развитие бального танца и балета. Но истоки придворной и сценической хореографии лежат все-таки в народном танце. Сейчас существует множество танцевальных стилей и видов, но всех их объединяет единство музыки, ритма и движений.

Виды народного танца

Самым древним видом народного танца, существующим практически у всех этнографических групп, является . Движения его просты и заключаются в хождении по кругу под музыкальное сопровождение или пение. Форма круга, возможно, символизировала солнце. Хоровод существовал и существует и поныне у всех славянских народов. В Литве он называется корогод, в Молдавии - хора, в Болгарии, Румынии - хоро, у хорватов, богемцев, далматов - коло.

Одной из самых древних танцевальных традиций является традиция африканского континента. Особенность негритянской пляски - в преобладающем значении ритма над музыкой. Африканская культура дала материал для развития многих танцев Латинской Америки: , самба, ча-ча-ча, и многих других. Даже современные танцевальные стили - , RnB и другие - имеют в своей основе фольклорное искусство чернокожего населения земного шара.

Народный танец создал основу и для бального танца. Так, всем известный и всеми любимый произошел от старинного народного танца вольта, мазурка, ставшая королевою бала в 18-19 веках - от польских народных танцев мазур, куявяк и оберек.

Некоторые народные танцы являются визитной карточкой одной страны, как тарантелла для Италии, «Калинка», «Барыня» для России, казачок, для Украины, для Польши, для Венгрии. А другие распространились по всему миру, включая в себя национальные особенности разных регионов, как и . Стилей и видов народных танцев бесчисленное множество, но всех их объединяет одно - в них отражена летопись истории народа, его душа и характер.

Особенности народного танца

Народный танец демократичен. Чтобы выразить свои эмоции и чувства при помощи движений тела, не надо быть профессионалом: народный танец доступен всем. Фольклорная пляска носит анонимный характер, у нее нет конкретного автора. Движения и музыка передаются из поколения в поколение, видоизменяясь с течением времени.

А) XVIII век ознаменовался появлением нового государства - Российской империи. Эта эпоха связана с именем Петра I - блестящего реформатора своего времени. Произошли серьезные преобразования и в культуре. Традиции русской пляски во все времена были живы. Ее плясали при дворе, и в плоть до XX века удержалась пляска в провинции. Постепенно видоизменяется русское народное танцевальное искусство. Танец приобретает более светский характер. При дворе становятся популярные европейские танцы: французская кадриль, менуэт, полонез и другие. В I половине XVIII века центральным танцем был менуэт, который пришелся ко двору у русских исполнителей, т.к. он требовал на исполнение как раз тех черт, которые присуще русской женщине: это пластика и ее природная скромность, мягкость и выразительность танца. И лишь в народе русский танец не только сохранился, но и развивается, принимает новые разновидности. Так, в результате влияния западных салонных танцев в русском быту появляется кадриль, полька и др. Попадая в деревню, они коренным образом изменяются, приобретают типично русские местные черты, манеру и характер исполнения, лишь отдаленно напоминая своих западных собратьев. (26)

В это же время в России появился крепостной балет. Зародившийся в помещичьих усадьбах, он достиг высокого художественного уровня к концу XVIII века. Поскольку в провинции еще не было театра, крепостные труппы объективно служили просветительным целям. Богатые дворяне, наследуя бескрайние земли, владея тысячами крестьянских душ, устраивали у себя государство в миниатюре. В подражании столицам возник и крепостной театр.

Первоначально крепостные исполняли для своих господ народные пляски. Один из мемуаристов эпохи рассказывает, как, посетив помещичью усадьбу в Псковской губернии, видел такие «деревенские танцы». Танцовщицы крепостного балета, даже становясь заправскими «дансерками», бережно передавали друг другу традицию национальной пляски. Это во многом зависело от условий их жизни. Во - первых, попадая в обстановку помещичьей «балетной школы», они сохраняли связь с родным селом, с его песнями и плясками. Во - вторых, они редко отрывались совсем от своей среды, трудясь в поле и господском доме наравне с другими крепостными. В -третьих, крепостные балетные актеры лишь в редких случаях имели иностранных учителей и постановщиков. (33)

Русская национальная тема широко утвердилась в крепостных балетных театрах XVIII века. Характер представления там был более самобытен, нежели на придворной или частной сценах Москвы и Петербурга. Чаще всего самобытные танцевальные произведения, отдельные номера или интермедии - входили в оперы на русские сюжеты.

Балетная труппа графов Шереметьевых была наиболее профессиональной среди крепостных балетов. Ее актеры обучались с детства. Их отбирали от родителей и воспитывали в строгом режиме, изменяя фамилии из-за прихоти хозяина по названию драгоценных камней.

Среди танцовщиц этой группы выделялись Мавра Урузова -Бирюзова, фигурантами были Авдотья Аметистова, Матрена Жемчугова, Анна Хрусталева и др. Среди танцовщиков первые роли исполнял Василий Воробьев, вторые - Кузьма Сердоликов, Николай Мраморов. На первом месте в этой группе стоит имя Татьяны Шлыковой - Гранатовой.

Балетное искусство России с первых шагов заявило о себе как об искусстве профессиональном. Оно не знает любительского периода, как, например, во Франции, где балетные спектакли были монополией знатных придворных и семьи короля.

В России первые же спектакли исполнялись актерами, которые обучались в театральных школах, и для которых театральное выступление являлось источником существования. Они совершенствовали свое мастерство и выражали свой стиль, свою манеру сценического поведения.(8)

Будущие русские танцевальные школы зародились в недрах учебных заведений общего типа, не связанных с театром. Санкт - Петербургский шляхтский корпус, учрежденный в 1731 году, готовил русских юношей к военной и государственной службе. Их обучали многим предметам, в том числе и танцам. Они 4 раза в неделю по 4 часа занимались хореографией. Сюда в 1734 году на должность танцмейстера был приглашен Ж. Ландэ.(3)

Б) В XVIII веке русские народные танцевальные образы, народная пляска сохранялась на русской сцене.

Бережно сохраняли искусство русской народной пляски, ее сценическую выразительность драматические актеры и певцы оперного театра. Песенно - комические номера непосредственно соединялись с плясками старинного народного театра.

Русские артисты балета тоже старались сохранять традиции исполнения народного танца, хотя это было очень трудно при танцмейстерах - иностранцах в придворном императорском театре. Рано проявил свой талант русский танцовщик Тимофей Бубликов. После ухода со сцены он получил звание «придворного танцмейстера». Он преподавал крепостным артистам в труппе П.И. Шереметьева. Здесь же он ставил балеты на темы русских народных плясок. На русскую тему им был поставлен балет « Лебединская ярмарка» на музыку А.Д. Копьева. Именно Бубликову было суждено оказать большое влияние на деятельность таких русских балетмейстеров как И.И. Вальберх, И.М. Аблец, А.П. Глушковский. (9)

Интерес русского общества к хореографическому искусству увеличивался с каждым новым балетным представлением. Необходимость создания школы стала очевидной. В 1738 году было положено начало хореографического образования в России. Школа разместилась в бывшем дворце Петра I; балетмейстером был Ж. Ландэ. Достойное место в школе занимал А.А. Нестеров, он занимался еще до открытия школы у Ландэ и был первым русским балетным педагогом.

В 1777 году в Петербурге был открыт общедоступный театр. Это был первый в России коммерческий общедоступный театр, называвшийся «Вольным театром». Через несколько лет он перешел в казну и стал называться городским.

Репертуар городского театра предназначался широким кругам зрителей, но составляли мещанская драма, комические и серьезные балеты, трагедии. Театр был очень популярен у городского зрителя. Вскоре он уже не вмещал всех желающих, и в 1783 году было построено другое здание - открыт новый Каменный театр. Труппу городского театра составляют только русские артисты, и даже постановки осуществляли русские балетмейстеры. Этим общедоступный театр отличался от придворного.(27)

В 1806 году школа при Петровском театре закончила существование, на ее базе было организовано Московское императорское театральное училище.

Русская хореография во второй половине XVIII века осваивает изучение постановочных тенденций и педагогические приемы зарубежного балета. В России работает Гильфердинг, Анджиолини, Канциани. Это время знаменуется усилением тенденций в русской культуре. Они связаны с крестьянскими восстаниями, народными волнениями, которые прокатились по всей стране.

Из крепостной среды вышло много одаренных мастеров искусства. Они сыграли немалую роль в развитии провинциального театра, в формировании самобытных черт русского исполнительского мастерства.

В начале XIX века, когда крепостной балет изжил себя, многие его артисты попали на столичную императорскую сцену.

Актерское мастерство XVIII века носило гражданственно- патриотический характер. Это способствовало внесению в сценический танец пластики широких патетических интонаций. Они органично сливались с величавым и распевным жестом народного танца.(20)

В XVIII веке еще нельзя говорить о сложившейся русской школе классического танца. Но зато постепенно слагается манера актерского мастерства и огромная роль в этом процессе принадлежит народному танцу.

На исходе XVIII столетия в русский театр пришел первый крупный балетмейстер И.И. Вальберх. С его именем связана знаменательная полоса в истории хореографии. В его творчестве выразились характерные особенности искусства той поры.(4)

По мере того как надвигались события Отечественной войны, волна патриотических чувств, нарастая, охватывала многообразные проявления общественной и культурной жизни. Спектакли драматической сцены отражали подъем национального духа и часто вызывали манифестации в зрительном зале. Тогда же снискал исключительную популярность жанр дивертисментов и интермедий на народные темы.

Этот смешанный жанр включал разговорный диалог, пение, пляску. В основу дивертисмента брали незамысловатый сюжет, связанный с народным праздником, поверьем, исторической былью или современным событием. Такой сюжет позволял объединить в действии разнообразные арии и народные песни, балетные танцы и «пляски на голос русской народной песни», причем наиболее популярные переходили из одного дивертисмента в другой. Хореография занимала столь важное место, что сценаристами и постановщиками были балетмейстеры.(1)

Автором дивертисмента «Семик, или Гулянье в Марьиной роще» был танцовщик и балетмейстер И.М. Аблец. «Семик» театрализировал старинный обряд весеннего возрождения природы, сохранившийся к началу XIX века. Неподражаем в русских и цыганских плясках «Семика» и других дивертисментах был Иван Лобанов. Глушковский и Лобанов и сами сочиняли дивертисменты. В творчестве Глушковского они же заняли ведущие места. Хотя их численность не более 20.(9)

Зрелища эти, возникшие накануне Отечественной войны и достигшие расцвета в последующее десятилетие, начали приходить в упадок к концу 1820-х годов. Отдаляясь от плодотворных народных истоков, они приобретали черты карикатурности, искажали фольклор. Впоследствии оскудевший дивертисмент сделался обозначением зрелища, уводящего от насущных вопросов народной жизни.

В) С начала XIX века значение термина характерного танца стало меняться. Его называли полухарактерным, а определение характерный перешло к народному танцу. Такое значение термина закрепилось доныне. Характерный танец XIX века отличался от народного танца тем, что имел не самостоятельное, а подчиненное значение. Законы его диктовала оркестровая, затем симфоническая музыка и стилистика спектакля. Народные движения были ограничены определенным количеством pas той или иной национальности. (15)

Понятием «характерный танец» в XIX веке и начале XX века обозначали театрализованный бытовой танец в характере, как салонный, так и площадный.

Подчиняя народную пляску определенному содержанию, характерный танец отбирал наиболее значительные ее особенности и, укрупняя, видоизменяя главное, опускал не существенное. Такой отбор был закономерен. Он позволял передать в танце дух исторических эпох и конкретные обстоятельства действия денного спектакля, черты, свойственные всему народу, и отличительные черты действующего лица. Потому на основе одной и той же народной пляски можно создать несколько мало похожих друг на друга характерных танца.

Место и роль характерного танца в балете то расширялось, то сужалось, согласно эстетическим требованиям той или иной эпохи. Он мог быть действенной основой всего спектакля, мог выпадать из действия, сохраняя лишь права вставного номера.

Главной опасностью, которая подстерегала характерный танец с самого начала, была утрата народного содержания и стиля.(28)

С самого начала в характерном танце наметились две тенденции. Одна основанная на творческой близости к фольклорному первоисточнику, стремящаяся передать его смысли художественную природу; другая - украшательская, стилизаторская. Обе тенденции воздействовали на судьбу русского характерного танца в продолжении всей его дореволюционной истории, безошибочно выдавая общее состояние балетного репертуара того или иного времени..

Во второй половине XIX века характерный танец в балетном спектакле находился на втором плане. В основе своей он имел народный национальный танец, подвергавшийся значительной стилизации как в рисунке групп, так и в трактовке движений. Подобно классическому танцу, характерный кордебалет располагается симметрично, то расступаясь в ровном количестве участников по обе стороны сцены. Он также синхронно варьировал одно и то же движение, создавая из множества участников орнамент или скомпонованную группу. Нередко характерный кордебалет служил фоном для одной, двух или трех пар солистов, отражая в более простых движениях сложный рисунок танца.

Движения характерного танца стилизовались в принципах классики. Сохраняя принадлежность к национальным танцам, они смягчались, округлялись, обретали большую плавность. Абсолютная выворотность ног классических танцовщиков заменялась здесь относительной выворотностью. Носки ног вытягивались как в классическом танце, руки раскрывались и поднимались в позициях классического танца. Танцы самых непохожих народностей строились на одинаковых движениях pas de basque, battement developpe, battement jete. (3)

В некоторых случаях характерные танцы вообще принимали форму классических вариаций. При постановке китайских, японских, индийских па балетмейстеры доводили стилизацию до заимствования прыжковой техники классического танца, сохраняя характерность в постановке рук и корпуса.

Таковы были формы хореографии, ставшими канонами для русского балета второй половины XIX века. (26)

Разделы: Дополнительное образование

В статье рассматриваются проблемы сохранения и развития традиций национальной хореографической культуры. В сoвременных условиях все более осознается опасность потери богатейшего наследия народного искусства, традиций русского фольклора во всем его жанровом многообразии, в ее исторической динамике. На первое местo выступает угроза – как сохранить свою самобытность многим национальным культурам, и не раствориться в среде других. Предлагается рассмотреть возможности сохранения и развития русской народной хореографии как неотъемлемой части русской культуры.

Ключевые слова: танцевальные традиции, фольклор, жанр, региональные особенности, форма.

Танец - один из самых древнейших видов народного искусства. В нем находят отражение социальные и эстетические идеалы народа, его история, трудовая деятельность, жизненный уклад, нравы, обычаи, характер. Каждый народ хранит свои танцевальные сокровища, передавая их из поколения в поколение, накапливая и оттачивая гармонию составляющих их выразительных средств.

Искусство танца, мастерство и неповторимость оттачивались и шлифовались, ведь в танце народ мог выразить боль и радость, уважение и бесстрашие. Танец развивался вместе с человеком. Человек развивался вместе с танцем. Составляя часть ритуала, обычаев, традиционных праздников и гуляний, народный танец был и остается органичной частью этих событий. Танец позволяет создать своеобразную атмосферу, ритм общения и сам выступает как язык общения. Эта природа танца, заложенная еще при его зарождении, получая многообразные формы, остается неизменной. Красота народного танца известна издавна. Со временем искусство танца развивалось, многообразие форм и стилей было выделено в отдельные виды. Такие как: классический танец, историко-бытовой, эстрадный, бальный, модерн. Среди всего этого многообразия народный танец был и остается одним из основных видов хореографического искусства.

Народный танец - фольклорный танец, который исполняется в своей естественной среде и имеет определённые традиционные для данной местности движения, ритмы, костюмы и тому подобное.

Фольклорный танец - это стихийное проявление чувств, настроения, эмоций, выполняется в первую очередь для себя, а потом - для зрителя (общества, группы, общества).

В наши дни встает проблема принципиального характера, связанная с освоением фольклора, русского народного танца. Фольклор является ценнейшим культурным достоянием народов, которое необходимо осваивать, любить, беречь. Мы озабочены судьбой русского народного танца, как народной культурой в целом. Ведущие деятели русского хореографического искусства всегда осознавали важность сохранения и развития русского народного танца, в его традициях, в исторической динамике. Важнейшей задачей работающих в этой сфере фольклористов, балетмейстеров, искусствоведов – это сoхранить богатство традиций танцевальной культуры, бережно передать танцевальный фольклор в современных условиях.

С развитием педагогики профессиональной хореографии, в научной литературе поднимаются вопросы, связанные с обучением и воспитанием профессионального танцовщика, который способен всячески сохранять и развивать лучшие традиций национальной хореографической культуры народов России. Выявляя возможности создания целенаправленной системы освоения основных черт русского танца, я подчёркиваю, что неотъемлемой частью русской танцевальной культуры является то, что несёт в себе богатство, природные свойства, стилистические черты, связанные с культурной традицией. Образы русской хореографии – это исполнительский эталон, в который необходимо “вписываться”.

Народно-сценический танец на современном этапе можно определить, как художественно-образовательную систему, сформированную в процессе становления и развития художественной и педагогической практики профессиональной и любительской сферы хореографической деятельности. Не одно поколение педагогов, балетмейстеров, исполнителей, критиков, методистов и теоретиков тем или иным образом участвовали в формировании школы народно-сценического танца, в основу которой положено разделение выразительных средств на элементы, отбор и систематизация движений, определение эстетических и этических норм, разработки понятийного аппарата, содержания и пр.

Один из важных вопросов на современном этапе – подготовка специалистов, способных достойно сохранить и развить народно-сценическую хореографию.

Проблема исследования вытекает из противоречия между требованиями современного общества к сохранению и развитию педагогических традиций хореографического образования. Проблема традиции в образовании была впервые квалифицированно поставлена великим русским педагогом К.Д.Ушинским.

Качественное обучение специалистов, способных в перспективе решить эту задачу может быть достигнуто при условии, что организация и осуществление процесса преподавания народно-сценического танца будет происходить с опорой на ряд принципов.

Принцип научности;

Принцип системности;

Принцип преемственности;

Аксиологический принцип;

Принцип активизации.

Хореографическое образование в силу своей специфики стремится как можно полнее охватить горизонты индивидуального развития каждого начинающего артиста балета сообразно представлениям эпохи, в связи с чем хореографическое образование в России становится показательным отражением, как приоритет педагогической мысли, так и культурно – исторических реалий каждого периода своего становления. Можно утверждать, что существуют особое культурно – историческое явление – отечественная школа хореографического образования. Это явление, не только теснейшим образом взаимосвязано с культурой нации, но и поднимает ее на новые высоты, определяет существование как одного из направлений высокого искусства – классический танец, так и предъявляет жесткие требования к педагогическим условиям своего существования, развивает педагогическую науку и практику. Формируя личность будущего артиста – балета, балетмейстера или педагога, школа как хореографическая система формирует его сознание, профессиональные и личностные качества.

Проблемой сохранения традиций танцевального фольклора и его органического включения в современную хореографическую культуру заняты отделы фольклора, созданные при центрах народного творчества, выпускающие монографии, методические рекомендации на основе исследований национального хореографического творчества.

К решению задачи выпуска научно – исследовательской литературы в этой области подключены высшие учебные заведения многих стран мира. Каждый день появляется новое количество публикаций, в число которых входят кандидатские диссертации, посвященные изучению истоков танцевальной культуры народов, выявлению стабильных ее форм и тенденций, характерных для современного этапа развития народной хореографии.

В современных социально – экономических условиях создание универсального справочника, имеющего цель не только включить максимальное количество публикаций, содержащих сведения о танцевальной культуре народов России, но и сделать его удобным для специалиста, сталкивается с рядом проблем, о которых следует сказать:

• информация о выпуске того или иного издания не идет тем централизованным путем, что шла ранее;
• повсеместное введение на территориях родного языка создает трудности в использовании этой литературы в других регионах без перевода;
• результаты технического прогресса сказываются на всех сферах нашей жизни. Съемка на видеопленку хореографического произведения является наиболее современной формой его фиксации, чем описательно – графический способ. Но если это не учебный фильм, то огромный пласт информации остается “за кадром”.

Решением этих и других проблем может стать создание единой международной базы данных.

Проблема преподавания традиционной народной хореографии.

На сегодняшний день является важной темой обсуждения не только среди педагогов высших и средних учебных заведений, но и работников культуры. Это связано, прежде всего, с необходимостью направить усилия общества на сохранение культурно-воспитывающей среды и народных традиций, являющихся необходимым условием формирования полноценной духовной жизни современного человека. Решение этой проблемы поможет не только создать условия для более эффективной подготовки будущих специалистов, но и обеспечит преемственность поколений, выступающую фактором формирования национального самосознания, социального развития личности и духовного прогресса народа. Но в этом случае нужна государственная поддержка, выражающаяся в разумном планировании в области образования. Необходимо, чтобы в учебных заведениях, готовящих кадры для учреждений культуры и искусства, не только комплексно реализовывались в учебных программах занятия по изучению русского танца, областным особенностям русского костюма, праздникам и обрядам русского народа, но и отводилось достаточное количество учебных часов на изучение этих дисциплин.

Грамотному хореографу следует хорошо знать “генетический код” передачи наследственности, т.е. те музыкально-пластические мотивы, ритмоформулы, композиционные приемы, которые являются как бы квинтэссенцией национального в хореографии и могут стать живым ядром, основой нового сценического танца. Конечно, для полного успеха этого дела необходимо совмещение фольклориста и постановщика в одном лице. Но поскольку на практике это встречается далеко не всегда, актуальным становится требование” к балетмейстеру хорошо знать фольклор, а к фольклористу - специфику сцены.

Следующая проблема - это пути сценической интерпретации фольклорного танца. Их, по мнению В.И. Уральской несколько.

Первый – опыт воссоздания на сцене аутентичного образца. Скажу сразу, что аутентичность на сцене танец, конечно, теряется, но я имею в виду лишь подлинность источника образца. Эти потери танец несет, даже если его на сцене исполняют сами жители села, так как отдаленность (сцена, зал) и искусственное разделение на смотрящих и творящих разрушает характер сотворчества, изменяет процесс жизни данного танца. Есть потери и хореографические, связанные с изменением точки осмотра. Вступают в противоречие и временные законы фольклорного действия и сцены. Попытка отнести эти противоречия приводит к необходимости вмешаться в текст танца. А это уже следующий путь – сценическая обработка фольклора. Что она включает? Прежде всего, на основе законов сценической композиции уточнение рисунков танца. Так, к примеру, если танец весь исполняется в сомкнутом кругу, медленно вращающемся в одну сторону, то в условиях сцены - это будет восприниматься как утомительная монотонность и подлежит развитию, т е. изменению. Подлежит изменению и бесконечная (для сценических условии) повторность фигур в кадрили (характерная для исполнения в быту.

Современная сцена требует от русского танца новизны сценических форм, выразительных средств, актуальных тем и эстетической направленности. Но они не могут возникать у балетмейстеров без глубоких знаний природы русского танца, его фольклорных источников. Новые условия жизни, эстетические нормы повлияли на содержание танца и на взаимоотношение отдельных его форм. Значительные изменения произошли в женском танце, прежде не имевшем богатого и разнообразного лексического материала. В настоящее время огромное количество движений рук, ног, корпуса и т.д. украшает русский народный танец. Движения ног претерпели наиболее сильные изменения. Характер танцев стал более жизнерадостным.

Сегодня на мелодии современных песен профессиональные и самодеятельные хореографы сочиняют танцевальные композиции. В песнях наших дней сохранена национальная мелодика, своеобразие музыкальных оборотов. Это органически сливается с новыми темами, получает новую ритмическую организацию. Мелодии современных песен широко распространены, они являются спутниками бытовых и общественных праздников. Песен сегодня создано неизмеримо больше, чем танцев. Качество их значительно выше. Чем же объяснить, что многие танцы, созданные на определенные мелодии, быстро умирают, не получая широкого распространения. Хореографические рисунки их не утилизируются в дальнейшем и не получают лексического запаса. Думается, что одной из причин является механическое приспособление танцевальной схемы к той или иной мелодии. В этом случае ритмическая структура танцев совпадает с ритмом песен, и некогда органичный союз пластики и музыки оказывается односторонним. Выявляет себя и другая тенденция. Мелодии современных песен иллюстрируются модернизированным, “осовремененным” русским танцем. Нелепо смотрятся со сцены серебряные сапожки, пестро раскрашенные мини- юбки, причудливые головные уборы, совершенно не отвечающие эстетическим требованиям русского танцевального творчества. Балетмейстеры, сочиняя современную лексику, часто забывают о национальном характере движений, нарушают то, что делает танец красивым, а самих исполнителей - изящными и привлекательными. Много зависит от музыки современного танца, от инструментальной обработки фольклорного материала. На наш взгляд, в настоящее время хореографы, создающие свои новые произведения, находятся в зависимости от этой музыки, а она далеко не всегда подходит для сочинения хореографического произведения. Сравнивая тематику современных песен и танцев, предпочтение приходится отдавать песням. В них тематические жанровые границы очень широки. Темы любви, встречи, разлуки, расставания обретают новое звучание, новый смысл. В них запечатлен образ человека с его чувствами, переживаниями. Танец же замкнулся в круг ограниченных сюжетов, особенно, если говорить о лирике. А ведь она так же, как и лирические песни, более всего привлекает к себе зрителей и исполнителей. Создание оригинальных лирических танцевальных произведений – задача более сложная, чем создание темповых танцевальных произведений, где на помощь хореографу приходит фантазия. Вот почему необходимо обращаться к народным истокам, находить в них наиболее яркие национальные черты, определяющие характер того или иного народа, а также отличительные особенности танцев, бытующих в различных областях, краях, регионах России. А. Пермякова, художественных руководитель русского народного хора им. Пятницкого отмечает: “Если современные хореографы, работающие в сфере русского народного танца, не начнут, как корифеи прошлого, досконально изучать плясовой фольклор разных областей России, а продолжать готовить некий винегрет, да еще и “приперчив”, “посолив” его трюками, мы придем просто в никуда”.

Приходится отметить, что до сего времени встречаются еще досадные явления чрезмерной стилизации народного танца, можно сказать, когда от него остается лишь внешне эффектная, нарядная, виртуозно-техническая композиция, только по внешним признакам именуемая народным танцем. По мнению М.С. Годенко, в народные русские танцы должно входить современное веяние – ритмы и движения. Он создал определенный жанр современного русского танца. Многие специалисты в области хореографии не разделяют его концепцию, уверяют, что так не сохраняют традиционный народный фольклор. Однако большинство наших балетмейстеров стараются создавать свои танцевальные композиции на основе подлинных народных танцев и бережно относиться к стилистической интерпретации материала. Коллектив ансамбля “Березка” не преследует цель перенесения фольклора на сцену в чистом виде. Это настоящий академический хореографический ансамбль и, тем не менее, как подкупающе прекрасен образ русской девушки во всех его танцах. Сочиненный И.А. Моисеевым танец становится законченной хореографической миниатюрой. Постановщих обращается к самым различным народным традициям. Ощущение достоверности и подлинности “Подмосковной лирики” достигалось не только заимствованием движений из фольклора. Здесь были органично соблюдены и воплощены внутренние законы народной хореографии: непосредственность, живость общения партнеров, простота и четкость перестроений. В каждом движении найден свой, то насмешливый, то лирический подтекст, своя интонация.

Следует помнить, что возврат к прошлому, к традициям русского народа и его культуре не означает его копирование, механическое повторение, дословное использование. Прошлое переосмысливается, включается в контекст современности с учетом новых параметров культурного контекста, в том числе его художественно-технологических инноваций. Старые и новые танцы не только уживаются рядом, но и взаимовлияют друг на друга, творчески обогащая и развивая русский народный танец. Новое время рождает новые вкусы, направления, ритмы и пристрастия. Что бы ни происходило в жизни, каждое поколение должно знать свои корни и помнить родные истоки, иначе исчезнут духовность, патриотизм. Важно беречь и сохранять богатейшее наследие русского народного танца. Поэтому так ответственна роль балетмейстеров-педагогов, которые могут сохранить, сберечь традиционные оттенки в манере исполнения, оценить их и дать новую жизнь народной хореографии.

Список литературы

1. Балет: энциклопедия /гл.ред. Ю.Н. Григорович. – М.:Сов. энциклопедия.,1982. – 623 с.

2. Ванслов В.В. Всестороннее развитие личности и виды искусства / В.В. Ванслов. - М.: Искусство, 1963.

3. Пермякова А.Б. Опираясь на наследие, искать новое// “Балет”, литературно-критический историко-теоретический иллюстрированный журнал. М.: Ред. журн. “Балет”. – 2010. -№3,c.24.

4. Уральская В.И. Природа танца / В.И. Уральская. - М.: Совет. Россия, 1981. 24 c.