Paano gumuhit ng pandekorasyon na itim at puti na buhay pa rin sa maraming paraan. Still life checkerboard stylization

Tulad ng ibang genre ng photography, ang buhay pa rin ay imposible nang walang komposisyon. Bukod dito, ang buhay pa rin ay eksaktong genre kung saan ang komposisyon ay gumaganap ng isang pangunahing papel at nangangailangan ng pinakamalapit na atensyon mula sa photographer. Pagkatapos ng lahat, ang isang reportage frame ay maaaring mapatawad kung ang may-akda ay nakakuha ng isang magandang sandali. At mga larawan sa bahay - napansin mo ba kung paano naaantig ang mga ina kapag nakita nila ang kanilang anak sa isang larawan, kahit na isang pangkaraniwan? Hindi malamang na maghintay tayo para sa parehong indulhensiya mula sa madla sa pamamagitan ng pagkuha ng isang orange na may bote. Upang magkaroon ng positibong epekto, kailangan mong subukan. At, siyempre, dapat kang magsimula sa komposisyon ng inilaan na frame.

Sa relatibong pagsasalita, ang komposisyon sa isang still life ay isang maayos na kumbinasyon at interaksyon ng mga bagay sa frame. Sa pamamagitan ng komposisyon, palagi mong maipapakita sa manonood ang lahat ng gusto mo, lumikha ng mood, maghatid ng ideya, at magkuwento pa.

Ang komposisyon sa buhay na buhay ay maaaring kondisyon na nahahati sa ilang mga uri:

• geometriko
  
• spatial
  
• kulay

geometric na komposisyon

Hindi lihim na ang lahat ng mga bagay ay may geometric (o malapit sa geometric) na hugis. Hindi rin lihim na karaniwan para sa isang tao na iugnay ang bawat pigura sa isang bagay na katangian niya. Kaya, halimbawa, ang mga sulok ay hindi sinasadya na nauugnay sa mga payo. Kapag tumingin ka sa isang parisukat o isang parihaba sa mahabang panahon, mayroong isang pakiramdam ng katatagan (marahil dahil ang ating subconscious mind ay gumuhit ng isang matatag na gusali). At ang bilog ay lumilikha ng isang pakiramdam ng kaginhawahan at nakapapawi. Ito ay nagkakahalaga ng pag-alala na ang mga pahalang na linya (isang taong nakahiga) ay mas kalmado kaysa sa mga patayong linya (isang taong nakatayo). Tulad ng para sa mga diagonal, ang mga pataas na linya - humahantong mula sa ibabang kaliwang sulok hanggang sa kanang itaas - ay mukhang mas matindi kaysa sa mga pababang: nagbabasa pa rin kami mula kaliwa hanggang kanan, at ang aming mga mata ay kailangang "umakyat" sa larawan upang makarating sa napakataas. Ngunit mayroong isang tiyak na kahulugan ng tagumpay na nakatago dito, hindi ba?! Ang mga pababang linya, mula sa kaliwang sulok sa itaas hanggang sa kanang ibaba, sa kabaligtaran, ay tradisyonal na nauugnay sa pagpapahinga, kalungkutan, o kahit na pagtanggi.

Ang lahat ng maliliit na trick na ito ay maaari at dapat gamitin para sa iyong sariling mga layunin - upang maihatid ang konsepto, ang ideya ng larawan.

Paglalaan ng espasyo

Kung may pangangailangan na i-highlight ang isang tiyak na bagay sa isang buhay na buhay, na itinalaga dito ang papel ng kalaban, dito maaari ka ring maglaro sa isang spatial na komposisyon. Halimbawa, ilagay ang pangunahing bagay sa harapan, sa harap ng lahat ng iba pa. O ayusin ang ilaw upang ang nangungunang elemento ay mas maliwanag, at ang mga bagay na nasa likod at harap nito ay mas mahina. At magagawa mo ito nang mas matalino - magsindi ng insenso o maglabas ng usok ng sigarilyo, kaya gumuhit ng aerial perspective sa frame: ang pangunahing atensyon ay itutuon sa mga bagay sa harap, dahil ang malalayo ay malulunod sa isang romantikong ulap.

Maaari ka ring maglaro sa mga teknikal na aspeto ng camera: kung gusto mong ipakita ang bawat bagay nang detalyado, kabilang ang backdrop o mga kurtina, dapat gawin ang pagbaril nang nakasara ang aperture. Ngunit kung mahalagang i-highlight ang anumang bagay, dapat buksan ang siwang hangga't maaari. Ang mga posibilidad ng optika ay hindi rin dapat balewalain: sa mga frame na kinunan gamit ang mga wide-angle na lente, ang mga bagay ay malakas na baluktot, at mas malapit ang isang bagay sa camera, mas malaki ang lilitaw na may kaugnayan sa malayo. Sa kabaligtaran, ang mas mahabang focal length ay "nagtitipon" ng pananaw, ang espasyo ay nagiging mas patag.

Komposisyon ng kulay

Kung ang pagkuha ng litrato ay ginawa sa b/w, ang kaalaman tungkol sa mga katangian ng pagkakalantad ng kulay ay hindi magiging kapaki-pakinabang sa amin. Ngunit kung ang gawaing larawan ay binalak sa kulay, ang lugar na ito ng pananaliksik ay hindi dapat balewalain. Kung ibinaling natin ang ating mga mata sa sikolohiya ng kulay, makikita natin na ang bawat isa sa mga kulay ay may, bilang karagdagan sa orihinal nitong kulay, ng sarili nitong semantic load. Ang mga maiinit na kulay (orange, dilaw, pula, terakota) ay nagpapaalala sa atin ng tag-araw, araw, init. Ito ang unang asosasyon na lumitaw kapag tumitingin sa isang larawang nalutas sa mga tono na ito. Bilang karagdagan, mula sa kurso ng pagpipinta, maaari mong malaman na ang mga naturang bagay ay tila mas malapit sa paningin. Ano ang hindi masasabi tungkol sa malamig na mga kulay: asul, berde, rosas, lila - ang mga kulay na ito ay bahagyang inilipat ang bagay mula sa viewer, at kadalasang nauugnay sa taglamig, malamig, tubig.

Mahalagang tandaan ang tungkol sa kaibahan, kung minsan maaari mong laruin ito, ngunit madalas na hindi pinag-isipan na mga kumbinasyon ng kulay ay nagtataboy o nakakainis sa kahulugan ng buong produksyon. Kung magpasya kang kunan ng larawan ang isang pipino laban sa isang orange na background, isaalang-alang kung ang background ay kukuha ng pansin sa sarili nito. At ito ba talaga ang gusto mong makamit? Kailangan mo ring tandaan na ang anumang bagay ay may kakayahang magpakita o sumipsip ng mga kulay ng mga kalapit na bagay, at kahit na ang dalawang bagay na may parehong kulay sa parehong background ay maaaring magkaiba nang tumpak dahil sa pagkakaiba sa kanilang mga texture.

Ang saturation ng kulay ay mayroon ding epekto sa manonood: ang mga komposisyon sa malambot na mga kulay ng pastel ay lilikha ng isang pakiramdam ng kapayapaan at galimgim, habang ang maliwanag, marangya na mga kulay, sa kabaligtaran, ay angkop para sa pag-akit ng pansin, paghahatid ng pagpapahayag, pagiging matibay. Iyon ang dahilan kung bakit ang mga maliliwanag na kulay ay mahal na mahal ng mga photographer sa pag-advertise, habang ang art photography ay kadalasang nakakaakit sa isang mahinahon at mahinahong tono.

Siyempre, ang anumang komposisyon sa kabuuan ay dapat na sumunod sa pangkalahatang kulay, ang batas sa loob ng larawan - kung hindi man ito ay mahuhulog. Iyon ang dahilan kung bakit dapat kang mag-ingat sa mga kaibahan ng kulay, maaari silang magkaroon ng malubhang epekto - kapwa upang gawing mas kawili-wili ang gawain, at upang sirain ito sa pamamagitan ng paglalagay ng mga hindi kinakailangang accent.

Itim at puti

Sa kabila ng kawalan ng kulay, ang black and white still life ay may sariling mga batas, at ang kaibahan ay gumaganap din ng mahalagang papel dito. Ang kulay mismo sa kasong ito ay pinalitan ng isang tono - ibang laro, ngunit mayroon din itong mga panuntunan!

Tiyak na napansin mo na ang mga babaeng sobra sa timbang ay bihirang magsuot ng puti. Ang katotohanan ay ang puting kulay ay tila mas matingkad kaysa sa itim. Sa isang itim at puti na litrato, ang mata ay unang kumukuha ng pinakamaliwanag na mga spot at pagkatapos lamang ay lumipat sa mga madilim. Maraming mga visual na trick ang binuo sa epekto na ito: kung titingnan mo ang isang sheet na may pantay na itim at puting guhit, tiyak na tila mas malawak ang mga puting guhit. Dapat mong palaging isaalang-alang ang panuntunang ito kapag nagtatanghal ng isang komposisyon, at isaalang-alang din na ang isang maliwanag na puting bagay, nasa harapan man o nasa background, ay tiyak na magiging pangunahing isa sa komposisyon na ito, at ang mata. mahuhulog muna sa lahat dito.

mga kaibahan

Gaya ng nabanggit na, may espesyal na papel ang mga contrast. Umiiral sa loob ng parehong komposisyon sa larawan, maaari nilang i-highlight ang mga bagay o, sa kabaligtaran, itago ang mga ito. Ang gawa, na binuo sa halos hindi kapansin-pansing pagbabagu-bago ng liwanag at anino na walang mga spot na tumutuon sa atensyon ng manonood, ay tila monotonous, monotonous, inexpressive. Ang mga matalim na kaibahan ay lumilikha ng tensyon, dynamics.

Rule of thirds

Siyempre, kapag pinag-uusapan ang komposisyon, hindi mabibigo ang isa na banggitin ang panuntunan ng mga ikatlo. Sa pamamagitan ng pagguhit ng apat na linya sa iyong isip sa pamamagitan ng frame - dalawa ang paghahati nito sa tatlong pantay na bahagi nang pahalang, at dalawang iginuhit nang patayo - maaari mong kalkulahin ang pinaka-epektibong mga lugar ng frame: sila ay nasa mga intersection point ng apat na linya sa bawat isa. Sa mga zone na ito ay pinakamahusay na ilagay ang pangunahing bagay ng komposisyon.

Sa katunayan, ang panuntunan ng ikatlo ay isang pinasimpleng tuntunin ng gintong ratio, na medyo mas mahirap makuha. Upang gawin ito, ang frame ay dapat nahahati sa walong bahagi nang pahalang at patayo. At pagkatapos ay gumuhit mula sa kanan at kaliwa, pati na rin mula sa ibaba at itaas, mga linya sa layo na 3/8. Sa intersection ng mga linyang ito, magkakaroon ng mga punto ng gintong seksyon. Ngunit ang paghahati sa tatlong bahagi ay mas maginhawa kaysa sa walong bahagi, kaya mas madalas itong ginagamit sa komposisyon: ang pagkakaiba ay hindi gaanong kapansin-pansin sa manonood, at ang pagkakaisa sa frame, napapailalim sa alinman sa mga patakarang ito, ay halata naman.

Ritmo

Ang ritmo, iyon ay, ang pag-uulit ng pareho o katulad na mga linya, ay isang napakalakas na tool sa komposisyon na nagpapahintulot sa iyo na manipulahin ang tingin ng manonood. Sa "landas" ng mga alternating na bagay ay maaaring dalhin nang napakalayo. Ngunit huwag lumampas ito - maaaring patayin ng ritmo ang buong komposisyon, pag-alis nito ng dynamics at ginagawa itong monotonous.

Mga panloob na komunikasyon

Kapag lumilikha ng isang produksyon para sa pagkuha ng litrato, kinakailangan upang matiyak na mayroong koneksyon sa pagitan ng mga bagay sa frame. Ang mga bagay ay maaaring konektado sa pamamagitan ng hugis (itlog at sibuyas), sa pamamagitan ng kulay (kamatis at pulang paminta), sa pamamagitan ng kahulugan (mansanas at cinnamon sticks). Ang mga bagay ay dapat na kinakailangang makipag-usap, maakit ang manonood, inilipat ang kanyang tingin mula sa isang bagay sa isang still life patungo sa isa pa. Ang diskarte na ito ay nagbibigay ng integridad sa komposisyon, ginagawa itong kawili-wili, nauunawaan at sa parehong oras ay misteryoso - hindi kinakailangan na ibunyag ang lahat ng mga panloob na koneksyon nang sabay-sabay, ang pinaka-kawili-wili ay maaaring maitago sa loob ng komposisyon o maitago mula sa manonood. , halimbawa, na may liwanag.

Maaaring pag-usapan ng isang tao ang tungkol sa komposisyon nang walang hanggan, ngunit ang pangunahing bagay kung saan itinayo ang isang still life (bilang, sa katunayan, photography sa anumang iba pang genre) ay ang ideya, balangkas at kaluluwa ng larawan. At ang komposisyon ay ang parehong tool sa mga kamay ng photographer bilang ang camera mismo. Tandaan ang gusto mong iparating sa manonood! At gamitin ang lahat ng magagamit na mga diskarte sa komposisyon para sa iyong sariling mga layunin.

Ang isang black and white still life ay maaaring ipinta sa iba't ibang paraan. Maaari itong magmukhang isang karaniwang sketch ng lapis o isang kawili-wiling paglalarawan ng mga spot o titik. Ngayon ay pag-uusapan natin ang tungkol sa iba't ibang mga diskarte na madali mong ulitin sa bahay.

Batik-batik na pattern

Itim at puti pa rin buhay ay pinaka-madalas na ginawa pandekorasyon. Bakit? Oo, dahil napakabait niya. Ang isang makatotohanang imahe, na walang kulay, ay maaaring magmukhang angkop kung ito ay isang larawan, ilustrasyon, o katulad na bagay, na may maraming detalye. Ang isang makatotohanang buhay pa rin ay hindi masyadong kawili-wiling isaalang-alang. Samakatuwid, mas gusto ng maraming mga artista ang mga pandekorasyon na gawa. Ang buhay pa rin na itim at puti ay iginuhit nang napakasimple. Una kailangan mong bumuo ng isang komposisyon. Maaari kang gumuhit mula sa kalikasan, na magiging mas madali, o makabuo ng isang setting sa iyong imahinasyon. Sa aming kaso, mayroong isang pitsel at isang mangkok ng mansanas sa mesa. Isang busog at tela ang nakasabit sa dingding. Kapag ang lahat ng ito ay natagpuan ang isang angkop na lugar sa sheet, at ang mga detalye ay nagawa, maaari kang magpatuloy sa paghahati ng mga bagay sa mga bahagi. Bukod dito, ito ay dapat gawin hindi sa isang magulong paraan, ngunit malinaw na nag-iisip nang mabuti upang ang mga puting bahagi ay katabi ng mga itim at hindi isa sa mga bagay ang nawala.

pagguhit ng linya

Ang buhay pa rin na itim at puti ay maaaring ipinta sa iba't ibang mga diskarte. Isa na rito ang larawan ng isang guhit gamit ang mga linya. Upang gumuhit ng gayong larawan, kailangan mong kumuha ng mga bagay na may malinaw na tinukoy na texture. Kung hindi ito ang kaso, kung gayon ang kaluwagan ay kailangang maimbento. Kailangan mong simulan ang pagguhit ng isang black and white still life sa pamamagitan ng pagbuo ng isang komposisyon. Una, binabalangkas namin ang lahat ng mga item. Sa aming kaso, ito ay isang tabo na may mga bulaklak, mansanas at isang kahoy na mesa. Matapos ang lahat ng mga item ay nakuha ang kanilang lugar, sinimulan naming gawin ang hugis, at pagkatapos ay ang mga detalye. Ang huling aksyon ay ang larawan ng invoice. Ang mug ay nakakakuha ng mga pahalang na guhit, bulaklak at mansanas - isang cut-off na hangganan. Tiyaking ipakita ang texture ng talahanayan. Maipapayo na pagsamahin ang mga pahalang at patayong linya sa isang still life upang ang mga bagay ay hindi magsanib, ngunit tumayo laban sa isa't isa.

Pagguhit mula sa mga titik

Ang larawang ito ay magmumukhang isang itim at puting graphic. Ang still life ay binubuo ng mga titik na maayos na nagiging mga salita at maging mga pangungusap. Paano gumuhit ng tulad ng isang orihinal na pandekorasyon na komposisyon? Una kailangan mong gumuhit ng sketch. Balangkas ang tasa at ang pahayagan na nasa likuran. Pagkatapos nito, kailangan mong hatiin ang pagguhit sa pamamagitan ng mga tono. Halimbawa, ang kape sa isang mug ay dapat na ang pinaka-puspos ng tono, ang pangalawang lugar ay inookupahan ng isang bumabagsak na anino, at ang pangatlo ay sa iyo. Kaya, posible na hatiin ang buong sketch na may mga linya. Pagkatapos nito, kung tiwala ka sa iyong mga kakayahan, maaari kang magpinta sa ibabaw ng pagguhit gamit ang isang gel pen, at kung nag-aalala ka na ang isang bagay ay hindi gagana, gumawa muna ng isang underpainting ng mga titik gamit ang isang lapis. Totoo, sa kasong ito, ang mga titik ay kailangang bilugan ng tinta. Ang gel pen ay hindi gumuhit ng mabuti sa isang lapis. Ang mga titik ay dapat na superimposed ayon sa hugis ng mga bagay. At siguraduhing maglaro sa taas at lapad. Ang isang salita ay maaaring napakakitid, at isa pang dalawa o tatlong beses na mas malaki. Maaari mong i-encrypt ang ilang mga parirala sa naturang larawan, o maaari kang magsulat ng mga arbitrary na salita.

Ang salitang "still life" ay mula sa French na pariralang "nature morte" at nangangahulugang mortified o dead nature. Ngunit tila sa akin na ang kakanyahan ng anyo ng sining na ito ay mas mahusay na naihatid ng English expression na "still life" - "still, frozen life." Sa katunayan, sa kaibuturan nito, ang isang still life ay hindi hihigit sa isang nakuhang piraso ng buhay.

Nangongolekta ng materyal para sa artikulong ito, nakatagpo ako ng ilang mga paghihirap. Sa unang tingin, ang pagbaril ng still life ay madali. Maglagay ng tasa sa mesa, magdagdag ng ilang detalye dito, itakda ang ilaw at i-click ang shutter para sa iyong sarili. Ang mga modelo ng larawan ay palaging nasa kamay, walang limitasyong oras para sa pagbaril. Maginhawa at minimal na gastos. Kaya naman mahal na mahal ng mga baguhang photographer ang genre na ito. At ang ilan ay nakakamit ng napaka-kagiliw-giliw na mga resulta. Pumunta sa anumang photographic site, piliin ang naaangkop na seksyon at humanga sa mga talagang chic na larawan. Ngunit lumilipas ang oras, at maraming tanong ang lumitaw: "Bakit ito kukunan? Sino ang nangangailangan nito? Ano ang makukuha ko dito?" Hindi nakakahanap ng mga sagot sa mga tanong na ito, maraming tao ang lumipat sa wedding, baby o animal photography, na nagbibigay ng kaunting kita. Ang buhay pa rin ay hindi nagtatamasa ng espesyal na paggalang sa mga masters ng photography. Hindi ito kumikitang negosyo. Kung may maidudulot man, ito ay aesthetic satisfaction lamang. At panaka-nakang nagsu-shoot sila ng mga still life, kumbaga, para mahasa ang kanilang kakayahan.

Ngunit may iilan na nakakakita sa isang still life, isang bagay na higit pa sa isang magandang larawan. Ito ay sa mga masters ng still life na iniaalay ko ang aking artikulo.

Inaamin ko, sa una gusto kong gumawa ng isang seleksyon ng mga gawa ng mga photographer na gusto ko at kung sino ang may karapatang sumakop sa mga unang lugar sa mga rating sa iba't ibang mga site ng photography. At pagkatapos ay lumitaw ang tanong: "bakit?" Alam ng lahat kung paano gamitin ang Internet, karamihan sa kanila ay nag-aral ng mga site ng larawan nang higit sa isang beses, pamilyar sila sa pinakamahusay na mga gawa, at ang impormasyon tungkol sa photographer na interesado sila ay palaging matatagpuan gamit ang isang search engine. Napagpasyahan kong sabihin sa iyo ang tungkol sa mga Espesyal na Photographer, ang mga taong ang trabaho ay nagpapabaligtad sa mga kinikilalang canon, na talagang nagdala ng isang bagong bagay sa still life photography, na pinamamahalaang makakita ng isang bagay na hindi pangkaraniwang sa mga ordinaryong bagay. Maaari mong iugnay ang kanilang trabaho sa iba't ibang paraan: humanga o, sa kabaligtaran, hindi tanggapin. Ngunit, tiyak, ang kanilang trabaho ay hindi maaaring mag-iwan ng sinuman na walang malasakit.

1. Cara Barer

Si Kara Barer (1956), isang photographer mula sa USA, ay pumili ng isang paksa para sa pagbaril - isang libro. Pagbabago nito, lumikha siya ng mga kamangha-manghang mga eskultura ng libro, na kanyang kinukunan ng larawan. Maaari mong tingnan ang kanyang mga larawan nang walang katapusan. Pagkatapos ng lahat, ang bawat naturang iskultura ng libro ay may tiyak na kahulugan, at hindi maliwanag.

2. Guido Mocafico

Ang Swiss photographer na si Guido Mocafico (1962) ay hindi limitado sa isang paksa sa kanyang trabaho. Interesado siya sa iba't ibang bagay.

Ngunit kahit na kumuha ng isang solong item, nakakakuha siya ng kamangha-manghang trabaho. Sikat sa kanyang seryeng "Movement" ("Movement"). Tila ang mga mekanismo ng orasan ay kinuha lamang, ngunit ang bawat isa, kung titingnang mabuti, ay may sariling katangian.

Sa buhay pa, tulad ng alam mo, ang "walang buhay na kalikasan" ay tinanggal. Sa kanyang "Snakes" series, nilabag ni Guido Mocafico ang panuntunang ito at kinuha ang isang buhay na nilalang bilang paksa ng isang still life. Ang mga nakapulupot na ahas ay lumikha ng isang kamangha-manghang, maliwanag at natatanging larawan.

Ngunit ang photographer ay lumilikha din ng mga tradisyonal na still lifes, na kinukunan ang mga ito sa istilong Dutch, at gumagamit ng tunay na "mga bagay na walang buhay" bilang props.

3. Carl Kleiner

Ang Swedish photographer na si Karl Kleiner (1983) ay gumagamit ng pinaka-ordinaryong mga bagay para sa kanyang buhay pa, na binubuo ang mga ito sa mga kakaibang larawan. Ang mga larawan ni Karl Kleiner ay makulay, graphic at eksperimental. Ang kanyang imahinasyon ay walang hangganan, gumagamit siya ng ganap na magkakaibang mga materyales, mula sa papel hanggang sa mga itlog. Ang lahat, tulad ng sinasabi nila, ay napupunta sa trabaho.

4. Charles Grogg

Ang mga still life ni American Charles Grogg ay gawa sa itim at puti. Ang photographer para sa pagbaril ay gumagamit din ng mga ordinaryong gamit sa bahay na magagamit sa bawat tahanan. Ngunit ang pag-eksperimento sa kanilang pag-aayos at pagsasama-sama ng mga ito sa hindi pangkaraniwang mga kumbinasyon, ang photographer ay lumilikha ng tunay na kamangha-manghang mga larawan.

5. Chema Madoz

Sigurado ako na pamilyar sa marami ang gawa ni Chem Madoz (1958), isang photographer mula sa Spain. Ang kanyang itim at puti ay nabubuhay pa, na isinagawa sa isang surrealistic na istilo, walang iniwan na walang malasakit. Kahanga-hanga ang kakaibang pananaw ng photographer sa mga ordinaryong bagay. Ang mga akda ni Madoza ay puno ng hindi lamang katatawanan, kundi pati na rin ang malalim na kahulugang pilosopikal.
Ang photographer mismo ang nagsabi na ang kanyang mga litrato ay ginawa nang walang anumang digital processing.

6. Martin Klimas

Sa mga gawa ni Martin Klimas (1971), isang photographer mula sa Germany, wala ring photoshop. Maikli lang, o mas maikli, super-ikli, bilis ng shutter. Ang kanyang espesyal na binuo na pamamaraan ay nagpapahintulot sa iyo na makuha ang isang natatanging sandali na hindi nakikita ng mata ng tao. Kinunan ni Martin Klimas ang kanyang mga buhay pa sa kumpletong kadiliman. Sa tulong ng isang espesyal na aparato, sa sandaling masira ang isang bagay, ang isang flash ay naka-on para sa isang bahagi ng isang segundo. At nakunan ng camera ang Miracle. Narito mayroon ka lamang isang plorera na may mga bulaklak!

7. John Chervinsky

Amerikanong si John Chervinsky (1961) - isang siyentipiko na nagtatrabaho sa larangan ng inilapat na pisika. At ang kanyang still lifes ay pinaghalong agham at sining. Dito hindi mo mauunawaan: alinman sa isang buhay na buhay, o isang aklat-aralin sa pisika. Kapag lumilikha ng kanyang still lifes, ginagamit ni John Chervinsky ang mga batas ng physics, na nakakakuha ng hindi kapani-paniwalang kawili-wiling resulta.

8. Daniel Gordon

Daniel Gordon (1980), American photographer, hindi nababahala sa mga isyung pang-agham. Kapag kumukuha ng litrato ng mga buhay pa, pinili niya ang ibang landas. Nagpi-print ito ng mga larawang may kulay na na-download mula sa Internet sa isang printer, nilulukot ang mga piraso ng papel na ito, at pagkatapos ay binabalot sa mga ito ang iba't ibang bagay. Ito ay lumiliko na parang mga eskultura sa papel. Maliwanag, maganda, orihinal.

9. Andrew B. Myers

Still lifes ni Andrew Myers (1987), isang photographer mula sa Canada, ay hindi maaaring malito sa sinumang iba pa - sila ay palaging nakikilala. Isang simpleng banayad, mahinahon na background, maraming walang laman na espasyo, na lumilikha ng pakiramdam ng kapunuan ng imahe na may liwanag at hangin. Kadalasan, upang lumikha ng mga still life, gumagamit siya ng mga bagay mula sa 70s at 80s. Ang kanyang mga gawa ay graphic, naka-istilong at pukawin ang isang tiyak na nostalgia.

10. Regina DeLuiseRegina DeLuise

Si Regina DeLuise (1959), isang photographer mula sa USA, ay hindi gumagamit ng SLR upang lumikha ng kanyang trabaho. Pumili siya ng ibang paraan - nag-print siya ng mga negatibo mula sa pelikula sa espesyal na basahan na papel. Ang kanyang mala-tula na imahe ay naglalaman ng isang malawak na hanay ng mga tono at maraming mga texture. Ang mga buhay pa rin ay napakalambot at patula. Kamangha-manghang paglalaro ng liwanag at mga anino.

11. Bohchang Koo

Si Bohchang Koo (1953), photographer sa South Korea, ay mas gusto ang puti. Ang mga still life na nilikha niya - puti sa puti - ay kamangha-mangha lamang. Ang mga ito ay hindi lamang maganda, ngunit nagdadala din ng isang tiyak na kahulugan - ang pangangalaga ng sinaunang kultura ng Korea. Pagkatapos ng lahat, ang photographer ay espesyal na naglalakbay sa mundo, naghahanap ng mga bagay ng kultural na pamana ng kanyang bansa sa mga museo.

12. Chen Wei

Si Chen Wei (1980), isang Chinese photographer, sa kabilang banda, ay nakahanap ng inspirasyon para sa kanyang trabaho malapit sa bahay. Nagtatampok ng mga kakaibang espasyo, eksena, at bagay, gumagamit siya ng mga props na itinapon sa mga landfill ng iba.

13. Alejandra Laviada

Si Alejandra Laviada, isang photographer mula sa Mexico, ay gumagamit ng mga wasak at abandonadong gusali para sa kanyang pagkuha ng litrato, na lumilikha ng mga still life mula sa mga bagay na matatagpuan doon. Ang kanyang still lifes ay nagsasabi ng mga totoong kwento tungkol sa mga taong nakatira sa mga gusaling ito at gumamit ng mga bagay na hindi na kailangan.

Sa aming mga klase sa pagpipinta, ang espesyal na atensyon ay binabayaran sa mga still life, made in pandekorasyon na pamamaraan ng pagpipinta.

Ang pandekorasyon na pagpipinta ay isang magkakaibang at malawak na paksa. Sa binuo ng aming mga guro, mayroong isang serye ng mga aralin sa pag-aaral ng mga pandekorasyon na pamamaraan para sa pagtatrabaho sa mga pintura. Para sa mga halimbawa, ang mga espesyal na still life ay inihanda, kung saan maaari mong malinaw na ipakita ang iba't ibang mga diskarte at tampok ng pandekorasyon na istilo.

Ang layunin ng gawain ay isang pandekorasyon na buhay pa rin.

• Matutong maglarawan ng mga bagay gamit ang paraan ng pandekorasyon na pagpipinta.
• Kabisaduhin ang mga kasanayan sa pagbabago, paghahati at pag-aayos ng mga bulaklak sa hugis.
• Subukan ang iba't ibang mga diskarte sa pagpipinta ng dekorasyon.

Mayroong malawak na paniniwala na ang mga istilong pampalamuti sa larawan ay hindi akma sa akademikong kurikulum at salungat sa mga pangunahing panuntunan sa larawan. Sa katunayan, ito ay isang malalim na maling kuru-kuro. Ang lahat ng mga pamamaraan at prinsipyo ng istilong pandekorasyon ay direktang dumadaloy mula sa programang pang-akademiko at ang karagdagang pag-unlad nito at ang patuloy na ebolusyon ng lahat ng sining sa akademya.

Sa unang sulyap, ang simplistic na pagmomodelo at ang kakulangan ng isang makatotohanang larawan ay maaaring magpakita ng hindi tamang larawan. Ang pandekorasyon na pagpapatupad ng trabaho ay nagdudulot ng marami pang iba, mas kumplikadong mga gawain.

Ang pandekorasyon na pagpipinta ay nagsasangkot ng isang malalim na pag-aaral ng lokal na kulay, ang komposisyon ng mga spot ng kulay, ang paghahanap para sa mga nagpapahayag na accent at mga nakamamanghang spatial na solusyon.

Ang artist ay kinakailangan upang ihatid ang imahe, ang impresyon ng isang tunay na modelo nang malinaw hangga't maaari, gamit ang isang minimum na paraan. Kinakailangang ipakita ang dami ng bagay, materyal, texture, nang hindi gumagamit ng klasikal na pagmomolde. Ang halaga ng pag-aaral ng hugis ng isang bagay ay tumataas, ito ay kinakailangan upang pumili at magmodelo ng isang inilarawan sa pangkinaugalian na imahe na naglilipat ng bagay mula sa isang makatotohanang imahe patungo sa kulay na eroplano.

Sa pandekorasyon na pagpipinta, ang linya ay nakakakuha ng higit na kahalagahan, na nagiging isang ganap na kalahok sa larawan at, kasama ang kulay at tono, ay nakikilahok sa pagbuo ng pangkalahatang komposisyon. Ang pagpapalit ng kapal at pagpapahayag ng linya ay mas malinaw na binibigyang diin ang dami at plasticity ng bagay.

Gayundin, ang isang mahusay na pagkakaiba-iba ay maaaring magdala ng pagbabago sa hugis at dalas ng paglalapat ng isang stroke, na agad na nagiging ibabaw ng canvas sa isang pandekorasyon na panel o mosaic.

Sa unang yugto ng kakilala sa mga posibilidad ng pandekorasyon na pagpipinta, inirerekumenda namin ang pagpipinta ng isang serye ng mga still lifes, dahil sa buhay pa ay posible na pumili ng mga kumbinasyon ng mga bagay at tela upang malinaw na ipakita ang mga diskarte ng estilo ng pandekorasyon.

Mga uri ng pandekorasyon na buhay pa rin.

Mayroong ilang mga karaniwang pamamaraan na napatunayan ang kanilang mga sarili sa pagsasanay at sa proseso ng pag-aaral. Ang mga pangalan ay pinili nang may kondisyon, dahil sa modernong pagpipinta ay walang malinaw, internasyonal na pag-uuri ng mga estilo at pare-parehong mga pangalan.

Pagpipinta mula sa mga scrap. Ang lahat ng mga kumbinasyon ng kulay sa teknolohiyang ito ay inilalarawan bilang magkahiwalay na mga segment, na nagbibigay-diin sa istraktura ng mga bagay at nagpapakita ng kanilang pinaka-nagpapahayag na mga katangian. Ang mga purong kulay at planar space mapping ay kadalasang ginagamit.

Pagpinta na may malinaw na tinukoy na balangkas. Upang mapahusay ang mga relasyon sa anyo at kulay, ang tinatawag na "paraan ng stained glass" ay ginagamit, kapag ang lahat ng mga bagay at mga punto ng repraksyon ng form ay nakabalangkas na may itim o madilim na mga linya, na lumilikha ng malinaw na mga balangkas at mga hangganan sa pagitan ng mga kulay. Ang mga gawang ginawa sa pamamaraang ito ay napakaganda at maliwanag.

Ang iba pang mga pandekorasyon na pamamaraan ay batay sa mga kumbinasyon ng mga purong kulay, iba't ibang uri ng mga pagbabago sa stroke, ang paggamit ng isang palette na kutsilyo, malawak na mga brush at iba pang mga tool. Hindi pinapayagan ng format ng artikulo ang paglalarawan ng bawat pamamaraan at paraan ng paglalagay ng pintura. Maaari kang matuto nang higit pa sa pamamagitan ng pagbisita sa aming mga klase.

Ang mga mag-aaral ay nagsasagawa ng decorative still life sa isang art school ayon sa sumusunod na pamamaraan:

1. Pag-aayos ng mga bagay sa isang sheet.
2. Pagbabago (form stylization).
3. Overlay o tirintas ng mga silhouette sa isa't isa.
4. Pagpuno ng mga silhouette na may texture at pandekorasyon na mga solusyon.

Tulad ng alam mo, ang still life ay isang produksyon ng mga walang buhay na bagay. Sa easel painting, ang mga still life ay pininturahan ayon sa kaugalian: nililok nila ang dami ng mga bagay, naghahatid ng chiaroscuro, linear at aerial na pananaw, espasyo ... Sa isang pandekorasyon na buhay pa rin, ito ay nagiging hindi mahalaga. Ang anyo ng mga itinatanghal na bagay ay nagiging patag at may kondisyon. Wala si Chiaroscuro. Sa halip, ang bawat silweta ay ginawang dekorasyon.

Sa pagbabago ng form kailangan mong huminto nang hiwalay. Ang kakanyahan nito ay namamalagi sa pagbabago ng orihinal na anyo ng bagay sa isang kondisyon. Iyon ay, ang pagguhit ay pinasimple, pinagkaitan ng mga hindi kinakailangang detalye. Ang form ay nabawasan sa isang kondisyon na geometriko, iyon ay, ito ay batay sa mga simpleng geometric na hugis (bilog, parihaba, tatsulok ...). Halimbawa, ang isang pitsel ay maaaring binubuo ng isang bilog at isang silindro, at ang itaas at ibaba ay maaaring kumpletuhin ng mga bilog o ellipse. Kaya, tanging ang katangian ng bagay ang nananatili. Dapat makilala siya. At ang mga contour ay mababago na at dadalhin sa isang karaniwang istilo.

Nagpapatong o nagtitirintas na mga silhouette ay isang pamamaraan sa sining ng dekorasyon at disenyo. Ang pagpapataw ng mga silhouette sa isa't isa ay nauunawaan sa pamamagitan ng kahulugan - ito ay kapag ang mga bagay ay nakakubli sa isa't isa at ang imahe ay nagiging, bilang ito ay, multi-layered. Ngunit ang paghabi ay mas kumplikado. Halimbawa, kapag ang isang bahagi ng isang garapon ay natatakpan ng isang mansanas, kung gayon ang mga magkasalubong na bahagi ng pitsel at ang mansanas ay maaaring ipakita ng artist sa isang ganap na naiibang kulay. Ang mga bagay ay nagiging parang "transparent" at ang mga intersecting na bahagi nito ay makikita ng manonood. Ang mga silhouette ng mga bagay ay magkakaugnay sa isang masalimuot na paraan na sa huli, kung minsan ay mahirap na makilala ang mga ito. At ito ay nagbibigay sa pandekorasyon na gawain ng isang espesyal na apela.

Pagpuno sa mga contour ng mga bagay na may isang texture- ay hindi partikular na mahirap. Maaari kang mag-spray ng pintura, maaari kang maglagay ng pintura na may magulong mga stroke, atbp. Ngunit ang pagpuno ng silweta na may pandekorasyon na solusyon ay mas mahirap. Ang artista ay may isang uri ng "adorno", bagaman ang salitang ito ay hindi angkop dito. Gamit ang "ornament" na ito ay pinunan niya ang silweta. Ang "ornament" na ito ay nilikha batay sa generatrix. Ang bumubuong linya ay isang linya na bumubuo sa balangkas ng isang bagay. Halimbawa, ang tabas ng isang Greek amphora ay magiging maganda ang hubog. Samakatuwid, ang panloob na dekorasyon ng silweta ay ibabatay sa mga hubog na linya sa katulad na paraan. Ang mga hiwalay na bahagi ng naturang dekorasyon ng mga bagay, pati na rin ang mga bagay mismo, ay maaaring itrintas. Gayundin, sa pagitan ng mga ito maaari mong laktawan ang literal na palamuti. Samakatuwid, ang gayong dekorasyon ay hindi lamang pagpuno ng mga silhouette na may lamang texture o pangkulay. Ito ay isang mas kumplikadong proseso. Ngunit mas kamangha-manghang, kung saan nakabatay ang kakanyahan ng isang pandekorasyon na buhay pa rin.