Walang muwang na sining - mga artista sa katapusan ng linggo. Walang muwang na sining sa pagpipinta: mga tampok ng istilo, artist, painting Naive art: mga painting at artist

walang muwang na sining (naive art) ay isa sa mga lugar ng primitivism, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang walang muwang na pagiging simple ng pamamaraan, isang anti-akademikong diskarte sa pagpipinta, isang sariwang hitsura at isang orihinal na paraan ng pagguhit. Hindi nakilala at sa simula ay inuusig dahil sa "barbaric" na saloobin nito sa mga canon ng pagpipinta, ang sining na walang muwang sa kalaunan ay nakaligtas at kinuha ang nararapat na lugar nito sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Sa mga gawa ng mga artista na nagtatrabaho sa genre na ito, ang mga pang-araw-araw na eksena na may kaugnayan sa pagkain ay madalas na naroroon, na, siyempre, ay hindi maaaring maging interesado sa aming pampakay na site.

Dapat sabihin na ang mga ugat ng genre " walang muwang na sining bumalik sa malayong ambon ng panahon. Ang mga unang halimbawa ng walang muwang na sining ay maaaring ituring na mga rock painting na matatagpuan sa mga kuweba ng South Africa. (Sigurado kami na ang mga guhit ng sinaunang mangangaso ay mas malamang na makita ng iba bilang isang menu, at hindi bilang isang pagpipinta 🙂).

Nang maglaon, ang mga Greeks, na natuklasan ang mga estatwa ng Scythian ng "mga babaeng bato" sa hilaga ng Black Sea, ay itinuturing din silang primitive na "barbarismo" dahil sa paglabag sa mga proporsyon ng katawan, na sa sinaunang kultura ng Greek ay nailalarawan ang pagkakaisa at kagandahan. Tandaan kahit man lang ang "gintong seksyon" ng Polikleitos.
Gayunpaman, ang "katumpakan" ng klasikal na sining ay patuloy na napapailalim sa mga partisan na pag-atake ng katutubong sining. At kaya, pagkatapos ng pagbagsak ng pamamahala ng Roma sa karamihan sa mga bansang European, ang sining, na gumawa ng isang taktika, ay nagbago ng kurso mula sa pagiging perpekto patungo sa paghahanap para sa pagpapahayag. Sa papel ng isang paraan upang makamit ang layuning ito, ang pagka-orihinal at pagka-orihinal ng dating outcast at tagalabas, na itinuturing na walang muwang na sining, ay angkop na angkop.
Kasabay nito, hindi maaaring balewalain ang katotohanan na ang mga namumukod-tanging artista ng "art naive" ay hindi kailanman makakatanggap ng pagkilala sa mundo kung ang mga European artist tulad nina Pablo Picasso, Henri Matisse, Joan Miro, Max Ernst at iba pa ay hindi interesado sa kanilang mga ideya at istilo. Sinuportahan nila ito pag-aalsa laban sa romantisismo ng klasisismo».
Sa paghahanap ng "ikalimang elemento" ng sining, sila, tulad ng mga medieval na alchemist, ay sinubukang gumana nang hindi makatwiran na may himala at misteryo, paghahalo ng avant-garde at ligaw na natural na primordialness sa kanilang mga pagpipinta, na lumago mula sa mga bituka ng nawawalang "primitive" na mundo ng Africa, gayundin ang Central at South America.
Kilalang-kilala na pinag-aralan ni Pablo Picasso ang istilong Aprikano ng "primitive art" nang detalyado, pinag-aralan ang mga tunay na maskara at eskultura na dinala mula doon upang maunawaan ang malikhaing subconscious na prinsipyo ng "itim na kontinente" at isama ito sa kanyang mga gawa. Na higit na tinutukoy ang kanyang lagda na walang simetriko na istilo. Kahit na, gumagamit siya ng mga diskarte sa disproportion.
Ang larawan ng pioneer na Espanyol na pintor na ito ay katangi-tanging ginawa ng isang Colombian artist na siya mismo ay tinawag na " Picasso ng South America«.

Dating ilustrador Fernando Botero Angulo (ipinanganak 1932) sumikat pagkatapos manalo ng unang premyo sa "Exhibition of Colombian Artists" noong 1959. Binuksan nito ang mga pintuan sa Europa para sa kanya, kung saan nagsimula ang matarik na karera ng orihinal na artista at iskultor na ito, na ang trabaho ay naimpluwensyahan ng maraming apologist para sa walang muwang na sining. Upang makita ito, maihahambing ng isa ang kanyang mga pagpipinta sa ilan sa kanyang mga kontemporaryong sining na walang muwang na mga kasamahan. Upang hindi magambala sa temang "grocery", kunin natin ang isa sa mga paboritong paksa ni Botero - mga piknik.

Isa sa mga pinakalumang primitive artist, ang pinuno ng Croatian naive art ay si Ivan Generalic (1914-1992). Ang kakulangan ng propesyonal na pagsasanay, pinagmulan ng magsasaka at ang tema sa kanayunan ng mga kuwadro na gawa ay hindi pumigil sa kanya na magkaroon ng pagkilala sa buong Europa mula noong 1953. Ang buhay magsasaka ay lumilitaw sa kanyang mga gawa na parang nakikita mula sa loob, na nagbibigay sa kanila ng kamangha-manghang pagpapahayag, pagiging bago at kamadalian.

Ang larawan, kung saan ang isang lolo na Croatian ay nagpapastol ng mga baka sa ilalim ng Eiffel Tower, ay maaaring ituring na isang lihim na ngiti na naka-address sa Parisian beau monde, kailangan lamang tingnan ang larawan ng may-akda: isang maliit na pampagana ng sausage, tinapay at mga sibuyas na inilatag sa isang dumi ng tao; isang pitaka sa isang tabla na sahig, nakasuot ng isang basag na amerikana ng balat ng tupa ... Ang generalich ay hindi mapagpanggap at matalino sa buhay. Ang Pranses na nobelang si Marcel Arlin ay sumulat tungkol sa kanya: “Siya ay isinilang sa lupa. Siya ay may karunungan at alindog. Hindi niya kailangan ng mga guro."

Maraming mga artista ng modernong "muwang na sining" ang tila hindi nakaligtas sa kagandahan ng mga gawa ng kanilang mga nauna. Ngunit, sa parehong oras, sa kamadalian ng masining na pagpapahayag na likas sa sining naive, ipinakilala nila ang mga elemento ng "kulturang panlipunan" na hindi alam ng mga Kanlurang Europeo. Bilang halimbawa, narito ang ilang pandekorasyon na genre ng mga eksena ng Belarusian artist Elena Narkevich na nandayuhan sa Espanya maraming taon na ang nakararaan. Ang kanyang mga pagpipinta ay isang balintuna na muling pagtatayo ng isang ideyal na mundo, isang hindi malilimutang karaniwang nakaraan, na kilala sa lahat ng mga residente ng dating CIS. Ang mga ito ay umaapaw sa nostalgic vibes ng nawawalang panahon ng sosyalistang realismo na may mga amoy ng kusina, kung saan ang Russian salad ay inihanda at ang mga maybahay ay abala sa pag-asam ng mga panauhin, kung saan ang mga dacha ay pinapalitan ang mga bahay sa bansa, at ang mga piknik ay tinatawag na outing sa kalikasan.

At kahit na ang mga gawa ni Elena Narkevich ay naglalaman ng karamihan sa mga pormal na tampok ng genre na "naive art", tulad ng mga pagbaluktot sa mga geometric na aspeto, hindi nilinis na mga kulay sa mga compositional na eroplano, pinalaking proporsyon ng mga figure at iba pang mga marker ng musmos na sining, ngunit ang mga eksperto ay nag-uugnay sa mga naturang gawa sa pseudo-naive na sining o" artipisyal na walang muwang, - kapag ang artista ay gumagawa sa paraang gayahin. (Ang isa pang tampok ng walang muwang na sining - ang sinasadyang "pagkabata" ng imahe - ay dinala sa komersyal na pagiging perpekto ng artist Evgenia Gapcinskaya ).

Sa paraang katulad ng paraan ni Elena Narkevich, isang pintor mula sa Donetsk ang nagpinta ng kanyang mga pintura - Angela Jerich . Napag-usapan na namin ang tungkol sa trabaho niya.

Ang panloob na mundo ng mga guhit ni Angela Jericho ay minsan ay inihahambing sa mahika ng pagpapakita ng mga karakter sa mga pelikula ni Fellini. Ang artista ay nagtagumpay sa kabalintunaan at, sa parehong oras, napaka mapagmahal, "mga paglalarawan ng isang nakalipas na panahon" ng sosyalistang realismo. Bilang karagdagan dito, si Angela ay may matikas na imahinasyon at maaaring makuha ang "magandang sandali" ng buhay sa paraang Pushkin.

Tungkol sa kanyang kasamahan sa "art-naive workshop", isang artista sa Moscow Vladimir Lyubarov, nag usap din kami. Isang serye ng kanyang mga gawa na pinamagatang " mga kumakain”, bagaman ito ay nakalulugod sa mata na may nakakain na buhay pa rin, ngunit hindi niya iniisa-isa ang "gastronomic reality" na ito nang mag-isa. Ito ay isang dahilan lamang upang ipakita ang buhay ng mga karakter nito, ang kanilang mga karakter at damdamin. . Makikita mo rin doon ang nakakatawa at sincere niyang mga painting. (O sa kanyang personal na website www.lubarov.ru).

Kung tumakas si Lyubarov mula sa sibilisasyon patungo sa nayon upang maipinta ang kanyang mga kuwadro na gawa doon at makisali sa subsistence farming, kung gayon ang "naive artist" Valentin Gubarev lumipat mula sa Nizhny Novgorod patungong Minsk. (Para bang upang makabawi sa pagkawala mula sa paglipat ni Elena Narkevich 🙂).

Mga pagpipinta ni Valentin Gubarev, tungkol sa kung saan mayroon silang hindi kapani-paniwalang kaakit-akit na kapangyarihan at kagandahan. Maging ang mga taong malayo sa sining ay emosyonal at positibong tumutugon sa kanila. Sa kanyang mga gawa ay namamalagi ang isang tiyak na pagiging simple at kabalintunaan, kalokohan at kalungkutan, malalim na pilosopiya at katatawanan. Sa kanyang mga pagpipinta mayroong maraming mga aktor, mga detalye at mga bagay, tulad ng sa balkonahe ng isang limang palapag na gusali ng panel, na puno ng mga bagay ng ilang henerasyon ng mga residente. Ngunit, tulad ng tumpak na napansin ng mga connoisseurs ng kanyang mga pagpipinta: "maraming bagay, ngunit walang labis." Para sa kanyang pagkahilig sa pinong detalye ng mga pagpipinta, tinawag siyang " Belarusian Brueghel". Ihambing para sa iyong sarili - sa kaliwa ay Brueghel sa orihinal, at sa kanan ay isa sa daan-daang katulad na mga pagpipinta ni Gubarev. (Nga pala, gamit ang mga miniature sa alahas, inilarawan ni Brueghel ang 118 kasabihan mula sa Scandinavian folklore sa kanyang pagpipinta).

Sa pangkalahatan, ang paglitaw ng primitivism ay sanhi, sa isang banda, sa pamamagitan ng pagtanggi sa modernong buhay sa kalunsuran at pag-usbong ng kulturang masa, at sa kabilang banda, ng isang hamon sa sopistikadong elite na sining. Sinikap ng mga primitivista na lapitan ang kadalisayan, emosyonalidad at hindi komplikadong kalinawan ng kamalayan ng mga tao o mga bata. Naantig ang mga usong ito sa maraming artista ng Europa, Amerika at Russia.

Imposibleng hindi banggitin ang maliwanag na kinatawan ng sining ng walang muwang at primitivism sa pagliko ng ika-19-20 siglo, ang Pranses na artista. Henri Rousseau . Ang kanyang mga pagpipinta ay karaniwang mahirap ilarawan sa mga salita dahil sa kaguluhan ng pantasya at walang kapantay na paraan ng pagguhit. Nagsimula siyang makisali sa pagpipinta na nasa hustong gulang na, nang walang naaangkop na edukasyon. Madalas siyang nagpinta ng mga kakaibang gubat na hindi pa niya nakita sa kanyang buhay. Hindi pinapansin ang maraming mga paninisi na "ang isang bata ay maaaring gumuhit ng ganoon," si Rousseau ay sumunod sa landas ng kanyang bokasyon. Bilang resulta, ang kanyang pagpupursige ay naging Archimedean lever na nagpabaligtad sa mundo ng fine art: kinilala ang henyo ni Henri Rousseau, at isang bagong henerasyon ng mga artista ang humarang sa baton mula sa kanya.

Ang mga tampok ng primitivism ay likas din sa gawain ng mga dakilang pintor ng Pransya, Paul Gauguin at Henri Matisse. Tingnan na lang ang "Tahitian women with mango" ni Gauguin o ang mabagyong "Joy of Life" ni Matisse: isang pagsalakay sa kalikasan ay puspusan na. (Hindi nakakagulat na si Matisse ay isang Fauvist).

Ang Russia ay may sariling mga grupo ng mga tagasunod ng estilo ng walang muwang na sining. Kabilang sa mga ito ang mga miyembro ng mga malikhaing komunidad na "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov), "Donkey Tail" (M. F. Larionov, N. S. Goncharova, M. Z. Shagal) at iba pa.

Ang isa sa mga henyo ng primitivism ay nararapat Niko Pirosmani . Ang self-taught artist na ito mula sa isang maliit na Georgian village ay nabuhay sa isang pulubi na kita sa pagbebenta ng gatas. Madalas niyang ibigay ang kanyang mga painting sa mga bumibili o ibinibigay sa mga reseller sa pag-asang kumita ng kaunti. Masasayang kapistahan, mga eksena ng buhay magsasaka, kalikasan - ito ang mga tema na nagbigay inspirasyon kay Pirosmani. Ang lahat ng mga piknik at pista opisyal sa kanyang mga pagpipinta ay may mga katangiang pambansang katangian. Ang kalungkutan at pagkalito ng isang nugget artist sa pagmamadali at pagmamadali ng urban philistinism ay nagiging pilosopikal na pagmumuni-muni sa kanyang mga canvases tungkol sa lugar ng isang tao (at isang buhay na nilalang sa pangkalahatan) sa mundo, at ang kanyang mga kapistahan at kapistahan ay nagsasalita ng mga sandali ng kagalakan sa pag-iral sa lupa.

Maaari tayong magpatuloy sa pagbibigay ng mga halimbawa, ngunit kahit na mula sa isang maliit na digression, ang multikultural na kababalaghan ng walang muwang na sining ay nagiging halata. Ito ay maaaring kumpirmahin ng daan-daang mga museo at mga gallery, kung saan ang mga kuwadro na gawa ng "walang muwang na mga artista" ay itinatago. O ang halaga ng mga benta ng walang muwang na sining, na kinakalkula sa daan-daang milyong dolyar.

Ang genre ng primitivism ay naging matibay at madaling ibagay, tulad ng lahat ng pinakasimpleng kalikasan. Ang walang muwang na sining ay binuo hindi salamat sa mga akademikong "artipisyal" na agham (ang mga sining naive artist ay madalas na walang edukasyon), ngunit sa kabila, dahil ang kapaligiran para sa pagsilang at tirahan ng musmos na sining ay malalim na natural, hindi naa-access ng mga siyentipiko at kritiko, mga phenomena kung saan naghahari ang makapangyarihang henyo ng Tao.

Sa kaso ng mga gawa ng genre walang muwang na sining, lubos kaming sumasang-ayon sa pagpapahayag ni Louis Aragon: “ Ito ay walang muwang na isaalang-alang ang mga larawang ito na walang muwang.»

walang muwang na sining

Noong ika-20 siglo parami nang parami ang atensyon ay nagsimulang makaakit ng isang kababalaghan na hindi kailanman itinuturing na sining. Ito ay gawa ng mga baguhang artista, o ang tinatawag. mga artista sa katapusan ng linggo. Ang kanilang gawain ay tinatawag na naivism o primitivism. Ang unang walang muwang na sineseryoso ay isang French customs officer Henri Rousseau(1844 - 1910), na nakatuon sa kanyang sarili sa pagpipinta sa pagreretiro. Ang kanyang mga pagpipinta ay naglalarawan ng mga kaganapan sa pang-araw-araw na buhay, pagkatapos ay puno ng mga pantasyang imahe ng malalayong lupain, disyerto at tropikal na kagubatan. Hindi tulad ng maraming mamaya na mga naivist, si Rousseau ay walang muwang, naniniwala siya sa kanyang bokasyon at pininturahan ang kanyang mga kuwadro na gawa ng malamya, walang magawa at nakakatawang mga pigura ng tao at hayop nang walang anumang pagdududa.

Wala rin siyang pakialam sa kinabukasan. Ngunit ang mga kumbinasyon ng kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa ay maganda, at ang pagiging simple at immediacy ay nagbibigay sa kanila ng mahusay na kagandahan. Napansin na ito sa simula ng siglo ng mga cubist, sa pamumuno ni Picasso, sila ang unang sumuporta sa naivism.

Ang isa pang kilalang naivist na hindi kailanman nakatanggap ng pagkilala sa kanyang buhay ay isang Georgian Niko Pirosmanashvili (1862 – 1918).

Sa mga pagpipinta ng self-taught na artist na ito, nakikita natin ang mga hayop, mga tanawin, ang buhay ng mga ordinaryong tao: trabaho, maligaya na kapistahan, makatarungang mga eksena, atbp. Ang lakas ng mga likha ni Pirosmanashvili ay isang kahanga-hangang hanay ng mga kulay at isang binibigkas na pambansang pagkakakilanlan ng Georgian.

Museo ng Naive Art sa Paris

Karamihan sa mga naivist ay mga taong nakatira sa malalayong sulok, sa maliliit na bayan o nayon at pinagkaitan ng pagkakataong mag-aral ng pagpipinta, ngunit puno ng pagnanais na lumikha. Kahit na sa mga teknikal na walang magawa na mga gawa ng mga naivist, ang pagiging bago ng damdamin ay napanatili, kung saan ang mataas na sining ay naghahangad, samakatuwid ang naivism ay nakakaakit din ng mga propesyonal na artista.

Kapansin-pansin ang kapalaran ng naivism sa Amerika. Naroon na noong ika-19 na siglo. siya ay sineseryoso at ang mga gawa ng mga naivist ay tinipon para sa mga koleksyon ng museo. Mayroong ilang mga paaralan ng sining sa Amerika, ang mga mahusay na sentro ng sining ng Europa ay malayo, ngunit hindi pinahina ng mga tao ang pagnanais para sa kagandahan at ang pagnanais na makuha ang kanilang kapaligiran sa buhay sa sining. Ang output ay ang sining ng mga amateurs.

Nakita mo na siguro ang mga painting ng mga artistang ito. Parang bata ang gumuhit sa kanila. Sa katunayan, ang kanilang mga may-akda - mga matatanda - ay hindi mga propesyonal. Sa pagpipinta, ang walang muwang na sining ay nagmula sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa una, hindi ito sineseryoso, at talagang hindi itinuturing na sining. Ngunit sa paglipas ng panahon, ang saloobin sa istilong ito ay kapansin-pansing nagbago.

Kilalanin ang "Naive"

Kaya, ano ang tinatawag na walang muwang na sining? Sa pagpipinta, ang terminong ito ay nagpapahiwatig ng isang espesyal na istilo ng artistikong, ang gawain ng mga katutubong master at itinuro sa sarili, na pinapanatili ang pagiging bago at pagiging madali sa paningin ng mundo sa paligid. Ang kahulugan na ito ay ibinigay ng Encyclopedia of Arts. Gayunpaman, naroroon din ito sa iskultura, arkitektura, graphics.

Naive art (o "naive", gaya ng madalas na tawag dito) - ang direksyon ay hindi na bago. Noong ika-17 siglo sa Europa, nilikha ng mga hindi propesyonal na artista ang kanilang "primitive" na mga obra maestra. Gayunpaman, walang nagseryoso sa mga larawang ito. Ang walang muwang na sining ay lumitaw bilang isang independiyenteng istilong masining sa simula lamang ng ika-20 siglo.

Nakaugalian na hanapin ang mga ugat ng "walang muwang" sa pagpipinta ng icon. Siguradong nakita mo na ang gayong mga icon sa ilang simbahan sa lalawigan ng kanayunan: ang mga ito ay hindi katimbang, primitive, hindi matukoy, ngunit hindi kapani-paniwalang taos-puso. Ang mga tampok ng walang muwang na sining ay maaari ding matagpuan sa tinatawag na mga figure - sculptural na mga imahe sa mga relihiyosong tema. Nakaugalian na mag-install ng gayong mga estatwa malapit sa mga simbahan at simbahang Katoliko (tingnan ang larawan).

Pareho ba ang walang muwang na sining at primitivism? Sa puntos na ito, ang mga art historian ay may tatlong magkakaibang opinyon:

Oo, ito ay magkaparehong mga konsepto.
Ang walang muwang na sining ay isa sa mga direksyon ng primitivism.
Ito ay iba't ibang mga konsepto. Kung ang "walang muwang" ay gawain ng mga hindi propesyonal at amateur, kung gayon ang primitivism ay isang pinasimple, inilarawan sa pangkinaugalian na gawain ng mga propesyonal na masters.

Ang mga pangunahing tampok ng estilo

Ang walang muwang na sining ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa masining na kultura ng maraming mga bansa at mga tao. Subukan nating i-highlight ang pinakamahalagang katangian ng artistikong istilong ito. Una sa lahat, kasama nila ang:

kakulangan ng propesyonal (akademikong) kasanayan sa pagguhit;
liwanag ng mga kulay at mga imahe;
kakulangan ng linear na pananaw;
flatness ng imahe;
pinasimple na ritmo;
binibigkas na mga contour ng mga bagay;
generalization ng mga form;
pagiging simple ng mga teknikal na pamamaraan.

Dapat pansinin na ang mga gawa ng walang muwang na sining ay magkakaiba sa kanilang indibidwal na istilo. Gayunpaman, halos lahat sa kanila ay maasahin sa mabuti at nagpapatibay sa buhay sa espiritu.

Heograpiya ng walang muwang na sining

Karamihan sa mga sikat na artista ay mga ordinaryong tao na naninirahan sa mga nayon o maliliit na bayan. Bilang isang tuntunin, kumikita sila sa pamamagitan ng pisikal na paggawa, at lumilikha sila sa kanilang libreng oras. Kadalasan ang hilig sa pagguhit ay nagigising sa pagtanda o katandaan.

Ang walang muwang na sining ay nagmula sa France, ngunit pagkatapos ay nakakuha ng hindi pa naganap na katanyagan sa buong karagatan - sa Estados Unidos. Kahit na sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang mga walang muwang na pagpipinta sa bansang ito ay nakolekta para sa museo at pribadong koleksyon. Sa Russia, ang direksyon na ito ay nagsimulang seryosong umunlad lamang noong 80-90s ng huling siglo.

Ang pakikipag-usap tungkol sa walang muwang na sining, hindi mabibigo ang isa na banggitin ang tinatawag na paaralan ng Khlebinsky. Ito ay isang kondisyong pangalan para sa ilang henerasyon ng mga artistang magsasaka mula sa nayon ng Hlebine, sa hilagang Croatia. Kakatwa, ang akademikong artista na si Krsto Hegedusic (1901-1975) ay nakatayo sa pinagmulan ng paaralan ng Chlebinsk (Podravsk). Ginawa ng mga masters nito ang pamamaraan ng pagpipinta sa salamin. Ang pagpipinta ng Khlebinsky ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga motif mula sa pang-araw-araw na buhay sa nayon.

Ang mga pangunahing museo ng "naiva"

"Ang walang muwang ay isang estado ng pag-iisip" (Alexander Fomin).

Sa lahat ng museo ng walang muwang na sining sa mundo, tatlo ang dapat i-highlight: Paris, Moscow at Zagreb.

Mula noong 1985, sa paanan ng burol ng Montmarte, sa gusali ng dating merkado ng tela, ang Paris Museum of Primitivism ay tumatakbo. Utang nito ang pinagmulan at pagkakaroon nito sa French publisher na si Max Fourni. Salamat sa mga pagsisikap ng huli, ang core ng kasalukuyang koleksyon ay binuo, na ngayon ay may higit sa 600 mga kuwadro na gawa.

Ang Moscow Museum of Naive Art ay umiral mula noong 1998. Ito ay matatagpuan sa isang lumang batong mansyon sa address: Union Avenue, 15 a. Ngayon ang museo ay may mga 1500 na gawa. Dahil walang sapat na espasyo sa isang maliit na gusali, halos bawat buwan ay nagbabago ang mga eksposisyon.

Ang kabisera ng Croatian na Zagreb ay mayroon ding sariling museo ng "walang muwang" at primitivism. Ito ay matatagpuan sa Upper City, sa Mark Square. Itinatampok sa mga eksibisyon nito ang mga gawa ng dalawampung Croatian artist, lalo na sina Ivan Generalic at Ivan Rabuzin.

Ang isa pang kakaibang halimbawa ng "walang muwang" ay matatagpuan sa hilagang Romania. Ito ang tinatawag na "Merry Cemetery" sa nayon ng Sepyntsa. Dito makikita ang daan-daang makukulay na lapida na may mga tekstong patula at orihinal na mga guhit.

Walang muwang na sining: mga kuwadro na gawa at mga artista

Sa heograpiya, sa pagbuo ng "walang muwang" at primitivism, tatlong rehiyon ang maaaring makilala: ang USA, Kanlurang Europa at ang Balkan. Ang pinakatanyag na kinatawan ng walang muwang na sining sa pagpipinta ay mga artista ng ikalawang kalahati ng ika-19 at ika-20 siglo, kabilang ang:

Henri Rousseau (France).
Ivan Lackovich-Kroata (Croatia).
Ivan Rabuzin (Croatia).
Maria Primachenko (Ukraine).
Lola Moses (USA).
Norval Morisseau (Canada).
Ekaterina Medvedeva (Russia).
Valery Eremenko (Russia).
Mihai Dascalu (Romania).
Radi Nedelchev (Bulgaria).
Stacy Lovejoy (USA).
Sasha Putrya (Ukraine).

Tingnan natin ang gawain ng mga nabanggit na "naive" masters.

Ang nagtatag ng walang muwang na sining sa pagpipinta ay si Henri Rousseau, isang opisyal ng customs na, pagkatapos ng kanyang pagreretiro, nagpasya na italaga ang kanyang sarili sa sining. Pinalamutian niya ang kanyang mga canvases ng malamya na mga pigura ng tao at nakakatawang maliliit na hayop, hindi talaga nag-aalala tungkol sa pananaw. Ang unang nagpahalaga sa gawain ni Rousseau ay ang kanyang kontemporaryong Picasso. At si Paul Gauguin, nang makita ang mga pintura ni Henri, ay bumulalas: "Ito ang katotohanan at ang hinaharap, ito ay tunay na pagpipinta!"

Ivan Lackovich-Croata

Si Lackovich-Kroata ay isa sa mga estudyante ni Hegedusic. Bilang karagdagan sa pagpipinta, nasangkot din siya sa mga aktibidad na panlipunan at pampulitika, naging aktibong bahagi sa pakikibaka ng Croatian para sa kalayaan noong unang bahagi ng 90s, ay dalawang beses na nahalal sa parliyamento ng Croatian. Sa kanyang mga canvases, madalas na inilalarawan ni Ivan Latskovich ang mga still life, mga eksena mula sa buhay nayon, at mga detalyadong landscape.

Si Ivan Rabuzin ay isa pang Croatian artist, at isa pang kilalang kinatawan ng musmos na sining sa pagpipinta. Ang kanyang mga pintura ay madalas na tinatawag na makalangit. Ang kritiko ng sining na si Anatoly Yakovsky ay iginawad kay Rabuzin ang kanyang sarili na may pamagat na "ang pinakadakilang walang muwang na artista sa lahat ng panahon at mga tao." Ang mga tanawin ni Ivan Rabuzin ay naglalaman ng kadalisayan, extraterrestrial na kagandahan at pagkakaisa. Halos lahat ng kanyang mga painting ay pinalamutian ng mga kakaibang puno at kamangha-manghang mga bulaklak. Bukod dito, ang lahat ng mga bagay sa mga canvases ng Rabuzin, kung sila ay mga burol, kagubatan o ulap, ay may posibilidad sa isang tiyak na sphericity.

Maria Primachenko

Ang napakatalino na Ukrainian artist na si Maria Primachenko ay ipinanganak at nanirahan sa buong buhay niya sa maliit na nayon ng Bolotnya malapit sa Kyiv. Nagsimula siyang gumuhit sa edad na 17, nagpinta sa mga kubo ng kapitbahay. Napansin ang talento ni Maria noong late 30s. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa Paris, Montreal, Prague, Warsaw at iba pang mga lungsod. Sa buong buhay niya, ang artista ay lumikha ng hindi bababa sa 650 mga pagpipinta. Sa gitna ng gawa ni Maria Primachenko ay ang mga mahiwagang bulaklak at hindi makatotohanang mga hayop na inimbento niya.

Moses Anna Mary

Si Lola Moses ay isang sikat na artistang Amerikano, isang kinikilalang internasyonal na icon ng walang muwang na sining. Nabuhay siya ng 101 taon, nag-iwan ng daan-daang maliwanag, makulay at masasayang mga painting. Ang kakaiba ni Lola Moses ay nagsimula siyang magpinta sa edad na 76. Ang artista ay naging sikat lamang noong huling bahagi ng 1930s, nang aksidenteng nakita ng isang kilalang kolektor mula sa New York ang isa sa kanyang mga guhit sa isang window ng parmasya.

Ang mga pangunahing paksa sa mga pagpipinta ni Anna Mary Moses ay mga pastoral sa kanayunan, araw-araw na mga eksena mula sa buhay ng mga magsasaka, mga tanawin ng taglamig. Ang pinakamalawak na gawain ng artista ay inilarawan ng isa sa mga kritiko sa sumusunod na parirala:

"Ang apela ng kanyang mga kuwadro na gawa ay ang mga ito ay naglalarawan ng isang pamumuhay na gustong paniwalaan ng mga Amerikano na umiiral, ngunit wala na iyon."

Norval Morisseau

Si Norval Morisseau ay isang Canadian Native American primitive artist. Ipinanganak sa tribong Ojibwa malapit sa Ontario. Isinulat niya ang tungkol sa kanyang sarili tulad ng sumusunod: "Ako ay likas na artista. Lumaki ako sa mga kwento at alamat ng aking mga tao - at iginuhit ko ang mga alamat na ito. At iyon, sa pangkalahatan, ay nagsasabi ng lahat.

Isang kawili-wiling katotohanan mula sa talambuhay ng artista: noong 1972, sa panahon ng sunog sa isang hotel sa lungsod ng Vancouver, si Norval Morisseau ay nakatanggap ng malubhang pagkasunog. Sa sandaling iyon, ayon mismo kay Norval, nagpakita sa kanya si Hesukristo. Kasunod nito, siya ay naging isang bagong gabay na bituin sa kanyang trabaho. Nagsisimula ang artist na aktibong gumuhit ng mga character sa bibliya, nakakagulat na hinabi ang mga ito sa canvas ng tradisyonal na mga motif ng Indian.

Ekaterina Medvedeva

Si Ekaterina Medvedeva ay isang self-taught artist mula sa nayon ng Golubino, Belgorod Region, isa sa mga pinakamaliwanag na kinatawan ng modernong Russian na "naive". Una niyang kinuha ang isang brush noong 1976, at noong unang bahagi ng 80s, ang mga tala tungkol sa "bagong talento ng katutubong" ay nagsimulang lumitaw sa Moscow press. Sa oras na iyon, nagtrabaho si Katya Medvedeva bilang isang ordinaryong nars sa isang nursing home. Noong 1984, ang mga gawa ng artist ay nagpunta sa isang eksibisyon sa Nice, kung saan sila ay gumawa ng splash.

Valery Eremenko

Ang isa pang mahuhusay na primitive artist mula sa Russia ay si Valery Eremenko. Ipinanganak sa Semipalatinsk (Kazakhstan), nag-aral sa Tashkent, ngayon ay nakatira at nagtatrabaho sa Kaluga. Ang artist ay may higit sa isang dosenang iba't ibang mga eksibisyon sa kanyang account, ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa Kaluga Museum of Fine Arts, ang Moscow Museum of Naive Art, at pinananatili rin sa maraming pribadong koleksyon. Ang mga pintura ni Valery Eremenko ay maliwanag, tumbalik at hindi kapani-paniwalang masigla.

Mihai Daskalu

Mahalaga, hindi sopistikado at napaka-makatas na mga plot - ito ang mga pangunahing tampok sa gawain ng Romanian naive artist na si Mihai Dascalu. Ang mga pangunahing tauhan ng kanyang mga pagpipinta ay mga tao. Dito sila sumasayaw, kumakanta, naglalaro ng baraha, pumitas ng kabute, nag-aaway at umiibig... Sa pangkalahatan, namumuhay sila ng buong makamundong buhay. Sa pamamagitan ng kanyang mga canvases, tila sinusubukan ng artist na ito na ihatid sa amin ang isang kaisipan: ang lahat ng kagandahan ay nasa buhay mismo.

Ang mga puno ay pinagkalooban ng espesyal na simbolismo sa mga gawa ni Mihai Dascalu. Ang mga ito ay naroroon sa halos lahat ng kanyang mga pintura. Alinman sa anyo ng pangunahing mga numero ng balangkas, pagkatapos ay bilang isang background. Ang puno sa gawain ng Daskalu, sa katunayan, ay sumisimbolo sa buhay ng tao.

Radi Nedelchev

Ang pangunahing bagay sa gawain ng Bulgarian artist na si Radi Nedelchev ay ang kalsada. Alinman ito ay isang ordinaryong rural primer, na tinutubuan ng knotweed, o isang batong simento ng isang sinaunang lungsod, o isang halos hindi kapansin-pansing landas kung saan ang mga mangangaso ay pumunta sa mala-niyebe na distansya.

Si Radi Nedelchev ay isang kinikilalang master sa mundo ng walang muwang na sining. Ang kanyang mga canvases ay malawak na kilala sa kabila ng katamtamang Bulgaria. Nag-aral si Nedelchev sa paaralan ng pagpipinta sa lungsod ng Ruse, at pagkatapos ay nagpunta sa Switzerland para sa pagkilala sa Europa, kung saan ginanap niya ang kanyang solo na eksibisyon. Para sa kapakanan ni Nedelchev, siya ang naging unang Bulgarian artist na ang mga pagpipinta ay natapos sa Paris Museum of Primitive Art. Ang mga gawa ng may-akda ay bumisita sa dose-dosenang mga pangunahing lungsod sa Europa at sa mundo.

Stacy Lovejoy

Ang kontemporaryong Amerikanong artista na si Stacey Lovejoy ay nakakuha ng pagkilala para sa kanyang kakaibang istilo, kung saan ang mga tampok ng "naive", abstractionism at futurism ay pinaghalo sa isang maliwanag at nakamamanghang cocktail. Ang lahat ng kanyang mga gawa ay, sa katunayan, isang salamin ng totoong mundo sa ilang uri ng abstract na salamin.

Sasha Putrya

Si Alexandra Putria ay isang natatanging artista mula sa Poltava. Nagsimula siyang gumuhit sa edad na tatlo, na tila inaasahan ang kanyang maagang pag-alis sa buhay. Namatay si Sasha sa edad na labing-isang mula sa leukemia, nag-iwan ng 46 na album na may mga guhit na lapis at watercolor, sketch, cartoons. Ang kanyang maraming mga gawa ay kinabibilangan ng mga anthropomorphic na hayop, mga fairy-tale na character, pati na rin ang mga bayani ng mga sikat na Indian na pelikula.

Sa wakas…

Ang sining na ito ay tinatawag na walang muwang. Ngunit kung maingat mong basahin ang mga gawa ng mga kilalang kinatawan ng estilo, isang natural na tanong ang lumitaw: ang kanilang mga may-akda ba ay walang muwang? Pagkatapos ng lahat, ang "walang muwang" sa kasong ito ay hindi nangangahulugang "hangal" o "mangmang" sa lahat. Ang mga artistang ito ay hindi lang alam kung paano, at ayaw nilang gumuhit ayon sa karaniwang tinatanggap na mga canon. Inilalarawan nila ang mundo sa paraang nararamdaman nila. Ito ang kagandahan at halaga ng kanilang mga ipininta.

"Ang pagnanais na magpinta gamit ang mga pintura ng langis ay ipinanganak sa akin. Hindi ko pa sila pininturahan noon: at pagkatapos ay nagpasya akong gumawa ng isang eksperimento at kinopya ang isang larawan mula sa aking sarili sa canvas, "isinulat ng Tula nobleman na si Andrei Bolotov sa kanyang talaarawan noong taglagas ng 1763. Mahigit dalawa't kalahating siglo na ang lumipas, at ang "paghanap ng pagpipinta gamit ang mga pintura" ay patuloy na nagtagumpay sa ating mga kapanahon. Ang mga taong hindi pa nakahawak ng lapis at brush sa kanilang mga kamay ay biglang nahuli ng hindi mapaglabanan na pagkahilig sa sining.

Ang paglitaw ng isang bagong direksyon

Ang walang muwang na sining ng ika-20 - unang bahagi ng ika-21 siglo ay kapansin-pansing naiiba sa primitive na sining ng mga nakaraang siglo. Ang mga dahilan para dito, kakaiba, ay nakasalalay sa pag-unlad ng "pang-agham" na sining. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang mga nangungunang European masters ay lubos na nakakaalam ng "pagkapagod" ng kanilang kontemporaryong kultura. Sinikap nilang gumuhit ng sigla mula sa mabagsik, primitive na mundo na umiral sa nakaraan o napanatili pa rin sa malalayong sulok ng planeta. Si Paul Gauguin ay isa sa mga unang sumunod sa landas na ito. Tinalikuran ang mga pakinabang ng mahinang sibilisasyong Europeo, sinubukan ng artista na itumbas ang "primitive" na buhay at "primitive" na pagkamalikhain, nais niyang madama ang isang tao na may dugo ng isang ganid sa kanyang mga ugat. "Dito, malapit sa aking kubo, sa ganap na katahimikan, nangangarap ako ng marahas na pagkakaisa sa mga amoy ng kalikasan na nakalalasing sa akin," isinulat ni Gauguin tungkol sa kanyang pananatili sa Tahiti.

Maraming mga masters ng simula ng huling siglo ang dumaan sa isang pagkahilig para sa primitive: Nakolekta ni Henri Matisse ang eskultura ng Africa, nakuha ni Pablo Picasso at nag-hang sa isang kahanga-hangang lugar sa kanyang studio ng isang larawan ni Henri Rousseau, si Mikhail Larionov sa Target na eksibisyon ay nagpakita sa publiko. mga palatandaan ng handicraft, gawa ni Niko Pirosmanashvili at mga guhit ng mga bata.

Mula noong 1910s, nagkaroon ng pagkakataon ang mga primitive artist na ipakita ang kanilang mga gawa kasabay ng gawain ng mga propesyonal na masters. Bilang isang resulta, isang kapansin-pansing pagbabago ang naganap sa primitive: natanto niya ang kanyang sariling artistikong halaga, tumigil na maging isang kababalaghan ng peripheral na kultura. Ang pagiging simple ng primitive ay nagiging higit at higit na haka-haka. Inamin ni Rousseau ilang sandali bago ang kanyang kamatayan: "Napanatili ko ang aking kawalang-muwang ... Ngayon ay hindi ko na mababago ang aking paraan ng pagsusulat, na nakuha sa pamamagitan ng pagsusumikap."

Sa sandaling ito, ang walang muwang na sining ay lumitaw bilang isang espesyal na artistikong kababalaghan, naiiba sa primitive. Kadalasan, ang gawain ng mga walang muwang na artista ay tinukoy bilang hindi propesyonal na sining, na itinatampok ang kakulangan ng artistikong pagsasanay ng akademikong modelo. Ngunit ito ay malinaw na hindi sapat upang maunawaan ang pagkakaiba nito mula sa dilettantism at craftsmanship. Inilipat ng "walang muwang" ang pagtuon mula sa resulta patungo sa mga panloob na sanhi. Ito ay hindi lamang "hindi pinag-aralan", ngunit din "simple-hearted", "sopistikadong" - isang direkta, undifferentiated, hindi alam reflections kahulugan ng katotohanan.

Mga natatanging tampok

Ang taong nagtuturo sa sarili, sa paghahanap ng pagpapahayag ng sarili, ay hindi sinasadya na lumiliko sa mga anyo ng pagkamalikhain ng mga bata - sa contouring, flattened space, decorativeness bilang pangunahing elemento ng bagong mundo na kanyang nilikha. Ang isang may sapat na gulang ay hindi maaaring gumuhit tulad ng isang bata, ngunit maaari niyang direktang madama ang kapaligiran sa isang parang bata. Ang isang natatanging tampok ng walang muwang na sining ay namamalagi hindi sa mga likha ng artist, ngunit sa kanyang isip. Ang larawan at ang mundong inilalarawan dito ay nararamdaman ng may-akda bilang isang katotohanan kung saan siya mismo ay umiiral. Ngunit hindi gaanong totoo para sa artista at sa kanyang pananaw: "Ang gusto kong isulat ay palaging nasa akin. Nakikita ko ang lahat ng ito sa canvas nang sabay-sabay. Ang mga item ay agad na humihingi ng canvas, handa na pareho sa kulay at hugis. Kapag nagtatrabaho ako, tinatapos ko ang lahat ng mga bagay hanggang sa maramdaman ko sa ilalim ng brush na sila ay buhay at gumagalaw: mga hayop, pigura, tubig, halaman, prutas at lahat ng kalikasan ”(E. A. Volkova).

Ang mga prototype ng mga itinatanghal na bagay ay umiiral sa imahinasyon ng may-akda sa anyo ng materialized, ngunit walang buhay na mga multo. At tanging sa proseso ng pagkumpleto ng larawan ay ang kanilang animation. Ang buhay na ito na nilikha sa canvas ay ang pagsilang ng isang bagong alamat.

// pichugin2

Ang isang walang muwang na artista ay hindi naglalarawan kung ano ang kanyang nakikita kundi kung ano ang kanyang nalalaman. Ang pagnanais na ihatid ang kanyang mga ideya tungkol sa mga bagay, mga tao, sa mundo, upang maipakita ang pinakamahalagang sandali sa daloy ng buhay nang hindi sinasadya na humahantong sa master sa schematization at kalinawan - isang estado kung kailan nagiging mas simple ang mga bagay, mas makabuluhan sila.

Isang lawa na may mga itik, trabaho sa bukid at sa hardin, paglalaba ng mga damit, isang demonstrasyon sa pulitika, isang piging sa kasal. Sa unang tingin, ang mundo ay ordinaryo, ordinaryo, kahit medyo boring. Ngunit tingnan natin ang mga simpleng eksenang ito. Sa kanila, ang kuwento ay hindi tungkol sa pang-araw-araw na buhay kundi tungkol sa pagiging: tungkol sa buhay at kamatayan, mabuti at masama, pag-ibig at poot, paggawa at pagdiriwang. Ang imahe ng isang partikular na episode ay nakikita dito hindi bilang isang pagsasaayos ng sandali, ngunit bilang isang nakapagpapatibay na kuwento para sa lahat ng oras. Ang artist ay awkwardly writes out ang mga detalye, hindi maaaring paghiwalayin ang pangunahing mula sa pangalawang, ngunit sa likod ng kawalan ng kakayahan na ito ay may isang sistema ng worldview na ganap na sweeps aside ang random, ang panandalian. Ang kawalan ng karanasan ay nagiging insight: gustong sabihin ang tungkol sa partikular, ang walang muwang na artista ay nagsasalita tungkol sa hindi nagbabago, walang hanggang umiiral, hindi natitinag.

Kabalintunaang pinagsasama ng walang muwang na sining ang hindi inaasahan ng mga masining na pagpapasya at ang pagkahumaling sa isang limitadong hanay ng mga paksa at mga plot, na sumipi sa sandaling natagpuang mga diskarte. Ang sining na ito ay batay sa mga paulit-ulit na elemento na tumutugma sa unibersal na mga ideya ng tao, tipikal na mga formula, archetypes: espasyo, simula at wakas, tinubuang-bayan (nawalang paraiso), kasaganaan, holiday, bayani, pag-ibig, ninong.

Batayan sa mitolohiya

Sa mitolohiyang pag-iisip, ang kakanyahan at pinagmulan ng kababalaghan ay magkapareho sa bawat isa. Sa kanyang paglalakbay sa kailaliman ng mito, ang walang muwang na artista ay dumating sa archetype ng simula. Pakiramdam niya ay malapit siya sa unang taong muling nakatuklas sa mundo. Ang mga bagay, hayop at tao ay lumilitaw sa kanyang mga canvases sa isang bago, hindi nakikilalang anyo. Tulad ni Adan, na nagbibigay ng mga pangalan sa lahat ng bagay na umiiral, ang walang muwang na pintor ay nagbibigay ng bagong kahulugan sa karaniwan. Ang tema ng makalangit na kaligayahan ay malapit at naiintindihan sa kanya. Ang idyll ay nauunawaan ng artist bilang ang orihinal na estado na ibinigay sa isang tao mula sa kapanganakan. Ang walang muwang na sining ay tila nagbabalik sa atin sa pagkabata ng sangkatauhan, sa maligayang kamangmangan.

Ngunit hindi gaanong karaniwan ang tema ng taglagas. Ang katanyagan ng balangkas ng "pagpapaalis mula sa paraiso" ay nagpapatotoo sa pagkakaroon ng isang uri ng koneksyon sa pamilya sa pagitan ng alamat ng mga unang tao at ang kapalaran ng walang muwang na artista, ang kanyang saloobin, ang kanyang espirituwal na kasaysayan. Outcasts, lumpens ng paraiso - Adan at Eba - acutely pakiramdam ang pagkawala ng kaligayahan at ang kanilang hindi pagkakasundo sa katotohanan. Malapit sila sa walang muwang na artista. Pagkatapos ng lahat, alam niya ang parehong katahimikan ng bata, at ang euphoria ng paglikha, at ang kapaitan ng pagkatapon. Ang walang muwang na sining ay malinaw na nagpapakita ng kontradiksyon sa pagitan ng pagnanais ng artista na malaman at ipaliwanag ang mundo at ang pagnanais na magdala ng pagkakaisa dito, upang muling buhayin ang nawalang integridad.

Ang pakiramdam ng "paraiso na nawala", na kadalasang napakalakas sa walang muwang na sining, ay nagpapalala sa pakiramdam ng artist ng personal na kawalan ng kapanatagan. Bilang isang resulta, ang pigura ng isang nagtatanggol na bayani ay madalas na lumilitaw sa mga canvases. Sa tradisyonal na alamat, ang imahe ng bayani ay nagpapakilala sa tagumpay ng harmonic na prinsipyo sa kaguluhan.

Sa mga gawa ng mga walang muwang na artista, ang hitsura ng nagwagi, na kilala mula sa mga sikat na kopya - sina Ilya Muromets at Anika ang mandirigma, Suvorov at ang mananakop ng Caucasus, Heneral Yermolov - nakuha ang mga tampok ng bayani ng digmaang sibil na Chapaev at Marshal Zhukov. Ang lahat ng mga ito ay isang interpretasyon ng imahe ng manlalaban ng ahas, na naka-imbak sa kalaliman ng genetic memory, at bumalik sa iconography ng St. George slaying ang dragon.

Ang kabaligtaran ng warrior-defender ay ang cultural hero-demiurge. Bukod dito, sa kasong ito, ang diin ay inililipat mula sa panlabas na pagkilos patungo sa panloob na pag-igting ng kalooban at espiritu. Ang papel ng demiurge ay maaaring gampanan ng isang mythological character, halimbawa, Bacchus, na nagturo sa mga tao kung paano gumawa ng alak, o isang kilalang makasaysayang figure - Ivan the Terrible, Peter I o Lenin, na nagpapakilala sa ideya ng isang autocrat, ang nagtatag ng isang estado, o, na tumutukoy sa mythological overtones, isang progenitor.

Ngunit ang imahe ng makata ay lalong popular sa walang muwang na sining. Kadalasan, ang parehong pamamaraan ng komposisyon ay ginagamit: ang isang nakaupo na pigura ay inilalarawan na may isang piraso ng papel at isang panulat o isang libro ng tula sa kanyang mga kamay. Ang unibersal na pamamaraan na ito ay nagsisilbing isang pormula para sa patula na inspirasyon, at ang sutana na amerikana, lionfish, hussar mentic o kosovorotka ay kumikilos bilang mga "makasaysayang" mga detalye, na nagpapatunay sa malalim na pagiging tunay ng kung ano ang nangyayari. Ang makata ay napapaligiran ng mga tauhan ng kanyang mga tula, ang espasyo ng mundong kanyang nilikha. Ang imaheng ito ay lalong malapit sa walang muwang na artista, dahil palagi niyang nakikita ang kanyang sarili sa uniberso ng larawan sa tabi ng kanyang mga bayani, paulit-ulit na nararanasan ang inspirasyon ng lumikha.

Ang ideolohiyang Sobyet ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa gawain ng maraming walang muwang na mga artista. Itinayo ayon sa mga mitolohiyang modelo, nabuo ang mga imahe ng "simula ng isang bagong panahon" at "mga pinuno ng mga tao", pinalitan ang isang live na folk holiday ng mga ritwal ng Sobyet: mga opisyal na demonstrasyon, mga solemne na pagpupulong at mga seremonya, mga parangal sa mga nangungunang manggagawa at ang gaya ng.

Ngunit sa ilalim ng brush ng isang walang muwang na artista, ang mga itinatanghal na mga eksena ay nagiging isang bagay na higit pa sa mga guhit ng "Soviet way of life." Ang isang larawan ng isang "collective" na tao ay binuo mula sa maraming mga painting, kung saan ang personal ay malabo, itinulak sa background. Ang sukat ng mga figure at ang higpit ng mga poses ay nagbibigay-diin sa distansya sa pagitan ng mga pinuno at ng karamihan. Bilang isang resulta, ang isang pakiramdam ng kawalan ng kalayaan at artificiality ng kung ano ang nangyayari ay malinaw na lumilitaw sa pamamagitan ng panlabas na canvas. Ang pakikipag-ugnay sa katapatan ng walang muwang na sining, mga multo sa ideolohiya, laban sa kalooban ng mga may-akda, ay nagiging mga karakter sa teatro ng walang katotohanan.

// pichugin

Ang kakanyahan ng kawalang-muwang

Sa walang muwang na sining, palaging may yugto ng pagkopya sa modelo. Ang pagkopya ay maaaring isang yugto sa proseso ng pagiging indibidwal na istilo ng isang artista o isang nakakamalay na independiyenteng pamamaraan. Halimbawa, madalas itong nangyayari kapag lumilikha ng isang larawan mula sa isang larawan. Ang isang walang muwang na artista ay walang pagkamahiyain sa harap ng isang "mataas" na pamantayan. Sa pagtingin sa trabaho, siya ay nakuha ng karanasan, at ang pakiramdam na ito ay nagbabago sa kopya.

Hindi napahiya sa pagiging kumplikado ng gawain, si Alexei Pichugin ay gumaganap ng "The Last Day of Pompeii" at "Morning of the Streltsy Execution" sa isang pininturahan na kahoy na relief. Medyo tumpak na sumusunod sa pangkalahatang mga balangkas ng komposisyon, ang Pichugin ay nagpapantasya nang detalyado. Sa The Last Day of Pompeii, ang nakataas na helmet ng Roman sa ulo ng isang mandirigma na may dalang matandang lalaki ay ginawang isang bilog na sumbrero. Sa "The Morning of the Streltsy Execution", ang board para sa mga utos na malapit sa pagpapatupad ay nagsisimulang maging katulad ng isang paaralan - na may puting teksto sa isang itim na background (Si Surikov ay may kulay ng hindi pininturahan na kahoy, at walang teksto). Ngunit ang pinakamahalaga, ang pangkalahatang kulay ng mga gawa ay tiyak na nagbabago. Ito ay hindi na isang madilim na umaga ng taglagas sa Red Square at hindi isang gabi sa timog, na iluminado ng mga kislap ng umaagos na lava. Ang mga kulay ay nagiging napakaliwanag at eleganteng na sumasalungat sila sa drama ng mga plot at binabago ang panloob na kahulugan ng mga gawa. Ang mga trahedya ng bayan sa pagsasalin ni Aleksey Pichugin ay medyo nakapagpapaalaala sa mga kasiyahan sa fairground.

Ang "creative inferiority complex" ng master, na isa sa mga kaakit-akit na aspeto ng "lumang" primitive, ay maikli ang buhay sa mga araw na ito. Mabilis na nadiskubre ng mga artista na ang kanilang hindi gaanong mahusay na mga nilikha ay may sariling kagandahan. Ang hindi sinasadyang mga salarin para dito ay mga istoryador ng sining, kolektor, at media. Sa ganitong diwa, kabalintunaan, ang mga eksibisyon ng walang muwang na sining ay gumaganap ng isang mapanirang papel. Iilan lang ang namamahala, tulad ni Rousseau, na "panatilihin ang kanilang kawalang-muwang." Minsan ang mga walang muwang kahapon - sinasadya o hindi sinasadya - nagsimula sa landas ng paglinang ng kanilang sariling pamamaraan, nagsimulang mag-istilo para sa kanilang sarili, ngunit mas madalas, iginuhit sa hindi maiiwasang mga elemento ng merkado ng sining, nahulog sila sa mga bisig ng kulturang masa, malawak na parang mga pintuan. .

Si Anna Silivonchik ay ipinanganak noong 1980 sa lungsod ng Gomel. Mula 1992 hanggang 1999 Nag-aral sa Republican Lyceum of Arts (Minsk, Belarus). 1999-2007 - pagsasanay sa Belarusian State Academy of Arts, departamento ng easel painting sa Minsk. Mula noong 1999 - pakikilahok sa mga eksibisyon sa rehiyon at republika. Diploma ng 4th Tashkent International Biennale of Contemporary Art (2007).

Kasalukuyang nakatira at nagtatrabaho sa Minsk.

Sa mga batang Belarusian na pintor, siya ay nararapat na itinuturing na isang maliwanag na indibidwal para sa kanyang hindi pangkaraniwang orihinal na istilo ng may-akda, na lumikha ng isang espesyal na mundo ng mga imahe. Ang pinagmulan ng mga aesthetic na alituntunin ni Anna ay dapat hanapin sa kamangha-manghang pagiging totoo ni M. Chagall, ang walang muwang na sining ng mga primitivist noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo, at, siyempre, sa katutubong sining at sining at alamat.

Gumagana si Anna sa tradisyonal na pamamaraan ng pagpipinta ng langis, ngunit patuloy na nag-eksperimento sa iba't ibang mga visual na paraan, gamit ang texture at pattern ng canvas, na partikular na pinipili niya para sa bawat trabaho. Ang isang napaka banayad na kahulugan ng kulay at pagiging maalalahanin ng linya, ang masusing trabaho sa mga detalye ay nakakatulong upang maipahayag ang isang tiyak na mood nang napakatumpak.

Dapat tayong magbigay pugay: ang mga gawa ng artista ay puno ng isang mahusay na dami ng banayad na katatawanan at nagbibigay sa madla ng isang malakas na emosyonal na singil, na kapansin-pansin sa kanilang metaporikal na kalikasan, na nagbubunga ng maraming hindi inaasahang mga asosasyon.

Ang mga gawa ay nasa Museum of Modern Art sa Minsk, Belarus, at sa mga pribadong koleksyon sa Russia at sa ibang bansa.

artnow.ru