Pagsubok sa pagpipinta ng gouache. Pagkakasunod-sunod ng pagguhit mula sa pinakamalaki hanggang sa pinakamaliit, mula sa pangkalahatan hanggang sa partikular

Ang pagsasagawa ng isang pagpipinta, dapat kang sumunod sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod. Karaniwan, ang isang artista ay nagsisimulang magtrabaho sa isang pagpipinta o pagpipinta sa dingding sa pamamagitan ng paggawa ng ilang maliliit na sketch, kung saan siya ay nagkonkreto ng kanyang ideya. Para sa parehong layunin, maaari siyang magsagawa ng mga sketch mula sa kalikasan.

Pagkatapos ay iginuhit ng artist ang hinaharap na larawan. Maaari siyang gumamit ng lapis, uling o likidong diluted na pintura at isang manipis na brush para dito. Posibleng gawin ang tinatawag na "tracing paper" o "cardboard" sa kaso kapag ang pagguhit ay kailangang ilipat sa ilang ibabaw. Minsan nilalaktawan ng mga artista ang yugtong ito ng trabaho at agad na nagsimulang magpinta gamit ang mga pintura nang walang paunang pagguhit.

Mayroong maraming mga paraan upang maglagay ng pintura sa isang eroplano. Mas gusto ng ilang artista na gumamit ng glazing technique: maglagay ng manipis na transparent na mga layer sa ibabaw ng pinatuyong layer ng pintura. Ang iba ay nakakamit ang nais na solusyon sa kulay sa isang amerikana, habang ang iba ay gumagamit ng hiwalay na mga stroke.

Ang isang artista ay maaaring sabay na magtrabaho sa pagguhit, komposisyon, pag-sculpting ng mga form, paglilipat ng espasyo at pangkulay. Kaya nagustuhan ni P. Cezanne na magtrabaho, lalo na kapag pininturahan niya ang kanyang mga landscape o still lifes from nature.

104. P. CESANNE. Sa gubat

Gayunpaman, ang landas na ito ay hindi magagamit sa lahat. Dapat kang magkaroon ng isang mahusay na visual na memorya, tumpak na pagguhit, komposisyon na pag-iisip, isang hindi nagkakamali na kahulugan ng kulay.

Mas gusto ng karamihan sa mga artista na magtrabaho mula sa pangkalahatan hanggang sa partikular, unti-unting inilalapat ang pangunahing kulay ng mga bagay at sinusunod ang pagmomodelo ng lakas ng tunog. Pagkatapos ay pinipino nila ang mga nuances ng kulay, mga reflection ng kulay, ang pangkalahatang kulay ng larawan. Sa huling yugto, muli silang nagpapatuloy sa paglalahat. Para sa kapakanan ng pagkamit ng integridad ng trabaho, maaari mong alisin ang mga hindi kinakailangang detalye, pahinain ang mga kaibahan, i-highlight ang pangunahing bagay. Ganito ang gustung-gusto ng kahanga-hangang artista na si A. A. Ivanov na magtrabaho. Marami siyang ginawang paghahanda bago likhain ang pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Maraming pictorial sketch na ipinakita sa tabi ng pagpipinta na ito sa Tretyakov Gallery ay tumutulong upang masubaybayan ang malikhaing paghahanap ng may-akda.

105. A. A. IVANOV Pagpapakita ni Kristo sa Bayan

106. A. A. IVANOV Pinuno ni Juan Bautista. Pag-aaral para sa pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao"

Para sa mga layuning pang-edukasyon, mas mahusay na magtrabaho sa isang larawang komposisyon nang sunud-sunod. Upang matutunan ang ilan sa mga lihim at misteryo ng pagpipinta, ang mga pahayag ng mga master, na inilagay sa dulo ng aklat na ito, ay makakatulong sa iyo.

Inihahatid ng mga artista-pintor ang kagandahan ng mundo sa kanilang paligid sa tulong ng mga pintura. Maaari kang pumili ng anumang base: canvas, papel, karton, board, dingding, atbp. Ang base ay karaniwang primed na may mga espesyal na compound. Gumagamit ang mga pintor ng iba't ibang mga pintura: gouache, watercolor, tempera, langis, atbp. Ang mga pintura ay inilalapat sa base na may mga bilog at patag na brush na may iba't ibang kapal. Minsan ang isang palette na kutsilyo, isang kutsilyo, isang basahan ay ginagamit para dito, naglalagay pa sila ng pintura gamit ang isang daliri, ngunit mas mahusay pa rin na lumikha ng mga kuwadro na gawa sa tulong ng mga espesyal na tool, at hindi sa mga improvised na paraan. Ang pamamaraan ng pagsulat, ang mga tampok nito ay higit na nakasalalay sa mga katangian ng mga pintura, solvents, mga tool.

107. Watercolor, gouache at oil paint

108 a. watercolor b. gouache c. mantikilya

Hanggang sa katapusan ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo, ang mga artist at apprentice ay naghanda ng mga pintura sa kanilang sarili, kadalasang ipinagkatiwala sa mga mag-aaral na dumurog ng mga bato upang maging pulbos at hinaluan ito ng pandikit, langis o isang itlog. Sa pang-industriya na produksyon ng mga pintura, ang paleta ng kulay ay naging mas magkakaibang.

Ang mga pintura para sa pagpipinta ay may mga espesyal na pangalan. Kadalasan ang mga pangalang ito ay nagsasabi sa amin kung anong kemikal o natural na mga elemento (mineral, halaman) ang gawa sa kanila. Ang batayan ng lahat ng mga pintura ay pigment (pinong lupa na may kulay na pulbos). Kadalasan ang pangalan ng mga pintura ay nagmula sa kung anong uri ng panali ang ginagamit upang ihanda ang mga ito. Halimbawa, ang mga pintura ng langis ay batay sa linseed o ilang iba pang langis. Ang mga malagkit na pintura ay watercolor, gouache, tempera. Noong unang panahon, ang egg tempera ay ginawa mula sa pula ng itlog ng manok.

Saan magsisimula ang pagguhit? Ang tanong na ito ay madalas itanong ng mga baguhang artista kapag nagsimula silang magtrabaho. Gayunpaman, ang mga nakaranasang draftsmen ay matagal nang alam ang sagot dito, dahil sa klasikal na paaralan ng sining ay may isang kahanga-hangang prinsipyo ng paggawa ng trabaho. Dapat kang gumuhit o magsulat mula sa pangkalahatan hanggang sa partikular, mula sa pinakamalaki hanggang sa pinakamaliit.

Upang malinaw na maunawaan ito, sapat na tandaan kung paano gumuhit ang mga bata. Kadalasan ang isang bata ay tumutuon sa detalyadong pagguhit ng isang bagay nang hindi iniisip ang laki nito o kung paano ito umaangkop sa kapaligiran. Ang mga bata ay maaaring gumuhit ng isang maliit na pigura sa isang malaking sheet. Ito ay nangyayari na ang iginuhit na bagay ay nasa isang lugar sa sulok ng sheet, at may walang laman na espasyo sa paligid. Ang mga bata, dahil sa kanilang edad, ay hindi nakikita ang buong sheet sa kabuuan, kaya't iginuhit nila ang lahat nang hiwalay.

May katulad na nangyayari kapag nagsimulang mag-drawing o magpinta ang mga aspiring artist. Nais kong ihatid ang lahat ng kagandahan ng isang solong detalye, iguhit ito nang detalyado, nang hindi iniisip ang pagkakaisa ng larawan, tungkol sa kung paano dapat ipailalim ang detalyeng ito sa kapaligiran. Ngunit kapag tiningnan mo ang "matapat" na fragment na ginawa mula sa malayo, lumalayo mula sa easel, makikita mo na ang lahat ay hindi maganda tulad ng tila malapit. Ang detalye mismo ay maaaring naging isang tagumpay, gayunpaman, hindi ito magkasya sa natitirang bahagi ng pagguhit, kaya sa pangkalahatan ang lahat ay naging baluktot. Tingnan natin ito sa isang halimbawa.

Ipagpalagay na ang isang artista ay nagpinta ng isang larawan. At nagsimula siyang magtrabaho kaagad sa pagguhit ng mata, nakalimutan ang lahat ng iba pa. Susunod, iginuhit ang ilong, labi, buong mukha at mga balangkas ng ulo. Pagkatapos ay kinukumpleto niya ang buong larawan. Iyon ay, sinimulan ko ang pagguhit gamit ang mata, at nagtapos sa buong silweta ng ulo (tingnan ang ilustrasyon). Bilang isang resulta, ang mata mismo ay lumabas, ngunit lumipat sa gilid. Ganun din ang nangyari sa ilong at labi. Samakatuwid, ang larawan ay lumabas hindi lamang hindi magkatulad, ngunit baluktot din.

Ngunit bakit ito nangyari? Dahil ang artist ay nagsimulang gumuhit ng maliliit na bagay, at pagkatapos ay natapos sa malalaking anyo. Ibig sabihin, nagtrabaho siya mula sa pinakamaliit hanggang sa pinakamalaki. Ngunit kung nagsimula siyang magtrabaho kasama ang mga contours ng ulo, ang hugis-itlog ng mukha (ibig sabihin, mula sa isang malaki), at pagkatapos ay lumipat sa ilong, labi, mata (mas maliit) - ang error sa itaas ay hindi mangyayari ( mas tiyak, ang posibilidad na ito ay magiging mas kaunti). Pagkatapos ng lahat, na binalangkas ang batayan ng malalaking form, mas madaling magpasok ng maliliit na detalye dito. Mas madaling ihambing ang mga distansya at sukat. At kung magsisimula ka sa maliliit na bagay, nang hindi tinukoy ang malalaking silhouette, pagkatapos ay magiging napakahirap na magkasya ang isa sa isa. Samakatuwid, ginagamit ng mga artista ang pagkakasunud-sunod ng pagguhit mula sa pinakamalaki hanggang sa pinakamaliit. At kahit na ang pamamaraang ito mismo ay hindi ginagarantiyahan ang tagumpay, ito ay lubos na nakakatulong sa trabaho. Ngunit hindi ba posible na gumuhit sa paraang gusto mo? Sa anumang pagkakasunud-sunod? Ang mga mahuhusay na master na may mahusay na karanasan ay maaaring magsimulang gumuhit mula sa puntong "A" at tapusin sa puntong "B" nang hindi iniisip ang pagkakasunod-sunod. Lahat ay gumagana para sa kanila na nasa isang intuitive na antas, dahil mayroon silang malawak na karanasan sa likod nila. Ngunit sa karamihan ng mga kaso, inirerekumenda na simulan ang trabaho hindi sa mga trifle, ngunit sa pangkalahatan, malalaking masa, tinitingnan ang buong larawan. Pagkatapos ng lahat, ang mga mahusay na master, kahit na nilalabag nila ang mga klasikal na yugto ng pagguhit, nakikita pa rin ang buong larawan sa kanilang isipan, hindi sa mga fragment.

Ang pagtingin sa kabuuan sa maliliit na detalye ay napakahalaga para sa maraming dahilan. Isa na rito ang kakayahang mag-generalize. Kung walang generalization imposibleng isipin ang pagguhit o pagpipinta. Ang paglalahat ay hindi lamang isang paraan upang gawing mas madali ang mga bagay. Sa pamamagitan ng generalization, ang mga artist ay lumikha ng ilusyon na ang isang pagpipinta o pagguhit ay maaaring mabuhay. Kunin, halimbawa, ang isang palumpon ng mga bulaklak. Kung sinimulan mo itong isulat mula sa magkahiwalay na mga petals, at patuloy na magtrabaho kasama ang isang detalyadong liham hanggang sa dulo, kung gayon ang pagpipinta ay hindi lamang maaaring maglaman ng mga pagkakamali, ngunit hindi gaanong nagpapahayag, "tuyo". Gayunpaman, kung ang artist ay nagsimulang magtrabaho kasama ang malalaking masa, pangkalahatan at pagsasama-sama ng mga bulaklak sa mga grupo, at pagkatapos ay ipininta ang mga indibidwal na bulaklak nang detalyado, kung gayon ang ganitong pagkakasunud-sunod ay makakatulong na hindi malito sa mga lilim, upang makita ang pangunahing bagay, upang pasiglahin ang pagpipinta. Pasiglahin ang epekto ng pagpili, kapag ang artist ay nag-generalize ng pangalawang at nagha-highlight sa pangunahing bagay. Ang kapitbahayan ng detalyado at pangkalahatan ay lumilikha ng isang ilusyon kung saan ang itinatanghal na pananaw ay tila nabubuhay.

Ang ganitong pagpili ay nangangailangan mula sa isang tao ng kakayahang makita ang malaking larawan, ang kakayahang magbayad ng pansin sa pangunahing bagay, hindi mag-focus sa mga trifles. Kapag ang isang artista ay may mata sa bagay na ito, siya ay mas mahusay na matukoy kung ano ang kailangang pangkalahatan at kung paano ito gagawin. Sa pagtingin sa larawan mula sa anggulong ito, mas tumpak na matukoy ng artist ang mga proporsyon, mas mahusay na makita ang mga relasyon sa kulay at tono.

Mga pagsusulit sa pagpipinta ng ika-4 na baitang 2nd palapag.

1. Alin sa mga kulay na ito ang hindi "mainit":

A) dilaw

B) pula;

B) kahel

D) asul

2. Aling kahulugan ang pinakamahusay na tumutugma sa konsepto ng "aerial perspective":

A) ang sining ng paglalarawan ng tatlong-dimensional na espasyo sa isang eroplano;

B) pagbabago sa laki ng mga bagay depende sa kanilang distansya mula sa punto ng pagmamasid;

C) isang pagbabago sa kulay ng isang bagay depende sa distansya nito mula sa punto ng pagmamasid;

D) proporsyonal na pagbabago ng mga bagay.

3 . Ang mga pangunahing kulay ay...

A) pula, lila, berde;

B) pula, asul, dilaw;

B) dilaw, asul, berde;

D) dilaw, asul, kahel.

4. Ang magkakatugma na kumbinasyon, pagkakabit, pagkakaugnay ng tonal ng iba't ibang kulay sa isang larawan ay tinatawag na:

A) lokal na kulay

B) kulay

B) sa kaibahan

5. Ang pagsasagawa ng pagpipinta, dapat kang sumunod sa sumusunod na pagkakasunud-sunod:

A) mula sa pangkalahatan hanggang sa tiyak;

B) mula sa malamig hanggang mainit;

C) mula sa liwanag hanggang sa dilim.

6. Anong uri ng pag-iilaw ang hindi nagpapakita ng hugis, dami at texture ng mga itinatanghal na bagay.

A) kontrobersya

B) pangharap

B) panig

7. Anong anyo ng pagpipinta ang maaaring maghatid ng dami ng mga bagay sa espasyo, ang kanilang kaugnayan sa kapaligiran.

A) abstract

B) pampalamuti

B) makatotohanan

8. Anong yugto ang maaaring mapabayaan kapag nagsusulat ng isang panandaliang pag-aaral ng ulo.

A) paghubog

B) mga relasyon sa kulay-tonal

B) gawaing detalye

9. Sumulat ng buhay, sumulat nang malinaw, i.e. upang ganap at nakakumbinsi na ihatid ang katotohanan ay:

A) pagpipinta

B) pagguhit

B) DPI

10 . Ang gawaing ginawa mula sa kalikasan ay:

Ang pag-aaral

B) sketch

11. Kapag nagsasagawa ng pag-aaral ng ulo, aling anggulo ang pinaka-kapaki-pakinabang para sa paghahatid ng lakas ng tunog:

A) fas

B) profile

B) tatlong quarter

12. Ilang itinatag na sistema ng mga pamamaraan ng pagtatrabaho na binuo ng iba't ibang pambansang paaralan.

A) pamamaraan ng pagpipinta

B) mga materyales sa pagpipinta ng gouache

13. Ang pagguhit sa ilalim ng pagpipinta ng gouache ay karaniwang ginagawa

A) karbon

B) panulat ng felt-tip

B) lapis

14. Ang mga magkakatugmang estado, pagkakabit, pagkakaugnay ng tonal ng iba't ibang kulay sa isang larawan ay:

A) kulay

B) kagaanan

B) monochrome

15. Ang pangunahing kulay ng bagay nang hindi isinasaalang-alang ang mga panlabas na impluwensya ay:

A) reflex

B) lokal na kulay

B) semitone

16. Ang mga pangunahing gawain ng makatotohanang pagpipinta:

A) sumulat nang malinaw, kaakit-akit

B) sumulat sa mga relasyon

c) gumamit ng mas maraming kulay

17. Alin sa mga sumusunod na thinner ang ginagamit sa pagpipinta ng gouache:

A) tubig

B) turpentine

B) acetone

18. Kung ang artist ay naglalarawan lamang ng mga seascape, kung gayon ang mga ito ay tinatawag na:

A) Mga Marina

B) "Svetlana"

B) Elena

19. Ang superimposition ng isang layer ng pintura sa isa pa ay tinatawag na:

A) magpakinang

B) lahat ng prima

B) hilaw

20. Aling kulay ang hindi chromatic:

A) pula

B) puti

B) asul

D) asul

21. Sa itim, ang kulay abo ay lumilitaw na mas magaan, at sa puti, ito ay lumilitaw na mas madilim. Ang kababalaghang ito ay tinatawag na:

A) magaan na kaibahan

B) kulay

B) kaibahan ng kulay

22. Pagpipinta ng isang kumplikadong plastic form - ang pinuno ng sitter ay dapat na batay sa kaalaman:

A) ang anatomical na istraktura ng bungo

B) kasaysayan ng sining

B) linear na pananaw

23. Ang pamamaraan ng larawan, kung saan ang kulay ng bawat detalye ng produksyon ay kinuha kaagad nang buong puwersa, sa isang layer, ay tinatawag na:

A) magpakinang

B) hilaw

B) "alaprima"

MGA SAGOT SA PAGSUSULIT SA PAGPIPINTA

Ang sangay ng PFR para sa lungsod ng Sevastopol ay nakakakuha ng atensyon ng mga employer: ang huling araw para sa pagtanggap ng buwanang mga ulat sa form SZV-M para sa Nobyembre - Disyembre 17, 2018(mula noong Disyembre 15 at 16 ay mga araw na walang pasok). Bilang karagdagan, sa Enero 2019, ang mga employer na nagsusumite ng mga ulat sa papel ay magkakaroon lamang ng 5 araw upang magsumite ng impormasyon para sa Disyembre 2018 - mula Enero 9 hanggang Enero 15.

Mga pinuno, panagutin ang inyong mga tungkulin! Mahalagang maunawaan na ang pag-index ng mga pensiyon para sa mga mamamayan na huminto sa pagtatrabaho ay nakasalalay sa napapanahong impormasyon na isinumite sa FIU. Sumunod sa dalawang alituntunin: ang katumpakan ng impormasyon at ang deadline para sa pagsusumite.

Ipinapaalala rin namin sa iyo na sa 2019, kailangan ding mag-ulat ng mga policyholder tungkol sa karanasan sa insurance ng kanilang mga empleyado sa form SZV-STAGE. Ito ay kinakailangan upang magtagumpay sa paghahatid ng impormasyon tungkol sa karanasan hanggang Marso 1 kasama. Kung hindi pinansin ng employer ang mga deadline ng pag-uulat, ilalapat sa kanya ang mga pinansiyal na parusa.
Ang form ng SZV-STAZH ay sumasalamin sa impormasyon tungkol sa panahon ng trabaho sa taon ng kalendaryo, kabilang ang mga panahon ng aktibidad ng isang empleyado na may mga espesyal na kondisyon sa pagtatrabaho na nagbibigay ng karapatan sa maagang pagreretiro.

Upang maghanda ng impormasyon, maaari mong gamitin ang software na naka-post sa opisyal na website ng PFR sa seksyong "Para sa Mga Employer", sa subsection na "Mga Libreng programa, form at protocol".

Pagpinta ng mga kulay ng sining

Pagpipinta ng sining ng kulay Ang pagpipinta ay isang uri ng pinong sining kung saan ang kulay ay gumaganap ng malaking papel.

Ang pagpipinta ay tumutukoy sa mga gawa ng sining na ginawa gamit ang mga pintura na inilapat sa ilang matigas na ibabaw.

Ang pagpipinta ay nangangahulugan ng pagsulat ng buhay, pagsulat ng matingkad, iyon ay, ganap at nakakumbinsi na ihatid ang katotohanan.

Ayon sa praktikal na layunin nito, ang pagpipinta ay nahahati sa monumental, easel, icon painting, miniature, theatrical at decorative painting, atbp.

Ang bawat isa sa mga uri ng pagpipinta ay may sariling mga detalye. Nalalapat ito sa parehong teknikal na pagganap at artistic-figurative na mga gawain.

Ang mga larawan ng pagpipinta ay napakalinaw at maliwanag. Gumagawa ang mga artista ng mga canvases gamit ang mga pictorial at plastic na paraan. Ginagamit nila ang mga posibilidad ng pagguhit at komposisyon, ngunit ang pangunahing paraan ng pagpapahayag sa pagpipinta ay kulay.

Nagagawang makuha ng pagpipinta ang masalimuot na mundo ng mga damdamin at karakter ng tao, ihatid ang mga pinakamadaling pagbabago sa kalikasan, walang hanggang mga ideyang pilosopikal at kamangha-manghang mga imahe. Ang pagkakumpleto ng mga phenomena na sakop ng pagpipinta ay makikita sa mga likas na genre nito.

Ang kasaysayan ng pagpipinta ay nagsisimula sa mga batong inukit ng primitive na tao.

Napakalaking espirituwal na kayamanan ay naipon sa kurso ng pag-unlad nito.

Ang sinaunang icon ng Russia, na naglalaman ng ideya ng Diyos, ay parehong isang dambana at isang halimbawa ng pagpipinta na naghahatid hindi sa lupa, ngunit banal na kagandahan. Ang kulay ng mga icon ay kumbensyonal at pandekorasyon. Ang layunin ng icon ay hindi upang ihatid ang katotohanan, ngunit ang banal na ideya kung saan ang pagpipinta ay naghahanap ng isang perpekto.

Sa Renaissance, ang tao ay naging sukatan ng lahat ng bagay at ang bayani ng mga pagpipinta. Ang imahe ng Madonna ay ang ideal ng makalupang pagiging perpekto. Ang mga artista ay nagsimulang magpinta ng mga makatotohanang canvases.

Ang pamamaraan ng pagpipinta ay patuloy na napabuti. Parami nang parami ang magkakaibang paksa ang nakaakit ng mga pintor. Ang lahat ng ito ay humantong sa paglitaw ng mga genre noong ika-17 siglo.

Ang isa sa mga pinaka sinaunang genre ay ang portrait. Ang mga magagandang larawan na ginawa sa pamamaraan ng pagpipinta ng waks ay natagpuan sa bayan ng Faiyum. Ang mga ito ay nilikha sa sinaunang Egypt noong ika-1-3 siglo AD. Ang mga larawan ng Faiyum ay kapansin-pansin para sa kanilang matingkad na imahe ng buhay, volumetric na liwanag at shade modeling ng mga form.

Ang mga kapansin-pansing pintor ng larawan ng Russia ay sina F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, V. Serov at iba pa.

Ang mga kakaibang larawan ng mga bagay, ang kanilang tahimik na buhay ay inilalarawan ng mga artista sa isang still life. Ang genre na ito ay lumitaw noong ika-17 siglo. Ang sikat na Dutch still lifes ay naghahatid ng kagalakan ng pagiging, sa pagtingin sa kanila, tila nararamdaman mo ang lasa ng mga tunay na prutas, isda, at inumin. Tila kumakanta sila ng isang himno sa materyal na mundo.

Sa Russia, ang mga masters ng buhay pa rin ay sina P. Konchalovsky, I. Mashkov, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan at iba pa.

Ang mga larawan, kung saan ang pangunahing bagay ay ang imahe ng kalikasan, ay nagsimula ring likhain sa Holland noong ika-17 siglo. Ang genre ng landscape ay hindi lamang nagsasalita ng walang katapusang pagkakaiba-iba at kagandahan ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon, sa iba't ibang klimatiko na kondisyon, sa ilalim ng sikat ng araw at liwanag ng buwan, ngunit nagbibigay din ng mga damdamin at mood. Ikumpara ang mga tanawin ng K. Corot, Van Gogh, P. Cezanne at ikaw

K. KORO. Tulay sa Nantes makikita mo na ang alinman sa mga ito ay batay sa tunay na kalikasan, ngunit sa parehong oras, iba't ibang mga imahe lumitaw, dahil

VAN GOGH. Patlang ng trigo at mga cypress. Fragment

P. CESANNE. Bahay ng magsasaka. Mga kastanyas sa Jas de Bouffan

F. VASILIEV. basang parang

ang pangunahing bagay ay ang sariling katangian ng artist. Hindi siya palaging nagpinta tulad ng sa kalikasan, ngunit ipinapahiwatig ang kanyang panloob na estado sa pagpipinta, kaya ang bawat artist ay may sariling paboritong kumbinasyon ng kulay, diskarte, at indibidwal na saloobin sa kulay.

I. Ang Levitan ay maaaring tawaging isang mang-aawit ng kalikasang Ruso. Ang mga kahanga-hangang pintor ng landscape ng Russia ay sina F. Vasiliev, V. Polenov, A. Savrasov, I. Shishkin at iba pa.

Kung ang artist ay naglalarawan lamang ng mga seascape, kung gayon sila ay tinatawag na "marinas", sila ay bumubuo ng isang malayang genre. Ang mga pagpipinta ni I. Aivazovsky ay isang matingkad na halimbawa ng genre na ito.

Ang ilang mga artista ay itinalaga ang lahat ng kanilang pagkamalikhain sa paglalarawan ng mga hayop at ibon. Lumilikha sila ng mga gawa ng animalistic genre. Ang mga pintor ay bihirang pumili nito, ngunit ang mga graphic artist at sculptor ay mahilig gumuhit at mag-sculpt ng iba't ibang hayop at kanilang mga anak (A. Laptev, V. Vatagin, E. Charushin).

Ang mga kaganapan sa nakaraan, mga kuwento sa Bibliya at mga epikong panahon ay nagbibigay-inspirasyon sa mga artista na lumikha ng mga pagpipinta ng makasaysayang genre - ito ay, bilang isang panuntunan, mga canvases na may mga multi-figured na komposisyon, makatotohanan ang kulay. Ang gawain ni V. Surikov ay isang matingkad na halimbawa ng makasaysayang pagpipinta.

Si V. Vasnetsov ay nagpinta ng maraming mga pagpipinta batay sa mga engkanto at epikong kwento. Ang mga pagpipinta batay sa mga alamat ay nabibilang sa mythological genre (ill. 15).

Hindi lamang ang mga makabuluhang kaganapan sa kabayanihan, kundi pati na rin ang pang-araw-araw na gawain ng mga tao, ang ordinaryong buhay ay maaaring ilarawan sa canvas. Ang ganitong mga pagpipinta ay mga gawa ng pang-araw-araw na genre, kung minsan sila ay tinatawag na mga canvases ng pagpipinta ng genre, halimbawa, mga pagpipinta ng mga artistang Ruso: A. Venetsianov, P. Fedotov, V. Perov, G. Myasoedov, B. Kustodiev.

Sa makasaysayang at pang-araw-araw na mga genre, ang pagkakaugnay ng mga character ay mahalaga, at ang makasagisag na solusyon ay nilikha sa kalakhan sa tulong ng kulay.

Una, tinitingnan natin ang balangkas ng larawan, kung ano ang inilalarawan, sino ang bayani, kung kailan ito, at pagkatapos ay isinasaalang-alang natin kung paano ito isinulat, kung paano inilalarawan ng artist ito o ang bagay na iyon, kung paano niya inilalapat ang pintura (glazing, alla prima), anong kulay ang pipiliin niya. Ito ay ang pagpili ng kulay na tumutukoy sa mood ng larawan, ang emosyonal na epekto nito. pangkulay

ang mga canvases ay maaaring maging masaya at malungkot, mahinahon at nakakagambala, mahiwaga at malinaw.

Subukang maunawaan ang intensyon ng artist, ang pangunahing ideya ng trabaho. Hindi madaling maging isang literate na manonood. Kailangan mong matutunan ang wika ng pagpipinta at patuloy na bumuo ng iyong pang-unawa, artistikong panlasa, emosyonalidad.

Pamilyar ka na sa mga genre ng fine art noong elementarya, kaya isang maikling pangkalahatang-ideya lamang ng mga ito ang ibinigay dito. Kung gusto mong matuto nang higit pa tungkol sa mga ito, maaari kang tumingin sa "Concise Dictionary of Artistic Terms", na isang mahalagang bahagi ng training kit na ito, o sumangguni sa espesyal na literatura, gaya ng nakasaad sa dulo ng textbook.

Ang artist ay lumikha ng isang natatanging mundo na may pictorial ay nangangahulugan na sorpresa at pleases sa amin, ginagawa sa amin mag-alala at nagbibigay ng pagkain sa isip, introduces sa amin ang mga lihim at misteryo ng craftsmanship.

Maaaring hubugin ng kulay ang hugis ng isang bagay, ilarawan ang kagandahan ng nakapaligid na mundo, ipahayag ang mga damdamin, mood, at isang tiyak na emosyonal na estado.

Ang kulay ay maaaring perceived sa iba't ibang paraan, ang kulay ay maaaring isipin at idinisenyo. Dapat mong pag-aralan ang mga pangunahing kaalaman ng agham ng kulay, makilala sa pagitan ng mga konsepto ng "kulay" at "pintura". Ang kinakailangang kulay para sa pagpipinta ay karaniwang nakakamit sa pamamagitan ng paghahalo ng mga pintura sa isang palette. Pagkatapos ay ginagawang kulay ng artist ang pintura sa eroplano ng pagpipinta, na lumilikha ng isang pagkakasunud-sunod ng kulay - pangkulay.

Ang salitang "kulay" ay isa, ngunit tumutukoy sa maraming mga katangian ng proseso ng pagpipinta, kaya ang kulay ay nararapat na batayan ng sining na ito.

Mga Praktikal na Tip

Pagkatapos ay iginuhit ng artist ang hinaharap na larawan. Maaari siyang gumamit ng lapis, uling o likidong diluted na pintura at isang manipis na brush para dito. Posibleng gumawa ng tinatawag na "tracing paper" o "cardboard" sa kaso kung kailan ang pagguhit ay kailangang isalin sa

ilang ibabaw. Minsan nilalaktawan ng mga artista ang yugtong ito ng trabaho at agad na nagsimulang magpinta gamit ang mga pintura nang walang paunang pagguhit.

Mayroong maraming mga paraan upang maglagay ng pintura sa isang eroplano. Mas gusto ng ilang artista na gumamit ng glazing technique: maglagay ng manipis na transparent na mga layer sa ibabaw ng pinatuyong layer ng pintura. Ang iba ay nakamit kaagad ang nais na solusyon sa kulay sa isang patong, at iba pa

hiwalay na stroke ang ginagamit.

Mas gusto ng karamihan sa mga artista na magtrabaho mula sa pangkalahatan hanggang sa partikular, unti-unting inilalapat ang pangunahing kulay ng mga bagay at sinusunod ang pagmomodelo ng lakas ng tunog. Pagkatapos ay pinipino nila ang mga nuances ng kulay, mga reflection ng kulay, ang pangkalahatang kulay ng larawan. Sa huling yugto, muli silang nagpapatuloy sa paglalahat. Para sa kapakanan ng pagkamit ng integridad ng trabaho, maaari mong alisin ang mga hindi kinakailangang detalye, pahinain ang mga kaibahan, i-highlight ang pangunahing bagay. Ganito ang gustung-gusto ng kahanga-hangang artista na si A. A. Ivanov na magtrabaho. Gumugol siya ng maraming gawaing paghahanda bago likhain ang pagpipinta na "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao." Maraming pictorial sketch na ipinakita sa tabi ng pagpipinta na ito sa Tretyakov Gallery ay tumutulong upang masubaybayan ang malikhaing paghahanap ng may-akda.

Inihahatid ng mga artista-pintor ang kagandahan ng mundo sa kanilang paligid sa tulong ng mga pintura. Maaari kang pumili ng anumang base: canvas, papel, karton, board, dingding, atbp. Ang base ay karaniwang primed na may mga espesyal na compound. Gumagamit ang mga pintor ng iba't ibang mga pintura: gouache, watercolor, oil tempera, atbp. Inilapat ba ang mga pintura sa mga base? bilog at patag na mga brush na may iba't ibang kapal. Minsan gumagamit sila ng isang palette na kutsilyo, isang basahan para dito, naglalagay pa sila ng pintura gamit ang isang daliri, ngunit mas mahusay na lumikha ng mga kuwadro na gawa sa tulong ng mga espesyal na tool, at hindi sa mga improvised na paraan. Ang pamamaraan ng pagsulat, ang mga tampok nito ay higit na nakasalalay sa mga katangian ng mga pintura, solvents, mga tool.

Ang mga pintura para sa pagpipinta ay may mga espesyal na pangalan. Kadalasan ang mga pangalang ito ay nagsasabi sa amin kung anong kemikal o natural na mga elemento (mineral, halaman) ang gawa sa kanila. Ang batayan ng lahat ng mga pintura ay pigment (pinong lupa na may kulay na pulbos). Kadalasan ang pangalan ng mga pintura ay nagmula sa kung anong uri ng panali ang ginagamit upang ihanda ang mga ito. Halimbawa, para sa mga pintura ng langis, ang linseed o ilang iba pang langis ay nagsisilbing batayan. Ang mga malagkit na pintura ay watercolor, gouache, tempera. Noong unang panahon, ang egg tempera ay ginawa mula sa pula ng itlog ng manok.

Watercolor, gouache at oil paint

Pagpinta gamit ang mga watercolor at gouache na pintura

Bago mo simulan ang iyong mga takdang-aralin sa pagpipinta, ipinapayo namin sa iyo na ihanda ang mga sumusunod na supply:

Ang lahat ng mga pintura, maliban sa langis, ay natunaw ng tubig. Kailangan itong baguhin nang madalas sa panahon ng operasyon.

Ito ay pinaka-maginhawa upang paghaluin ang mga pintura sa isang palette. Nagmumula ito sa iba't ibang mga hugis at mula sa iba't ibang mga materyales. Para sa layuning ito, inirerekumenda na gumamit ng isang puting platito at plastik o isang blangko na sheet ng makapal na papel.

Magsuot ng apron o bathrobe upang protektahan ang iyong mga damit mula sa hindi sinasadyang tinta. Sa mesa o upuan kung saan tatayo ang mga pintura, kinakailangang maglagay ng oilcloth.

pagpipinta ng langis

Para sa pagpipinta ng langis, ginagamit ang mga espesyal na thinner.

Mga brush Napakahalaga na laging panatilihin

linisin ang mga brush at banlawan ang mga ito bago simulan ang trabaho gamit ang bagong pintura.

Basahan Labis na pintura at tubig mula sa mga brush

maaaring tanggalin gamit ang isang tela.

Mga praktikal na gawain

Buhay pa rin ang taglagas(watercolor, grisaille)

1. Pagpapatupad ng pagguhit. Matapos mahanap ang komposisyon, ang isang pagguhit ay ginawa kung saan ang lahat ng mga detalye ay napakatumpak na naihatid. Ang pagguhit ay dapat gawin sa manipis na mga linya upang hindi sila magpakita sa pamamagitan ng watercolor. Kung sa panahon ng paghahanda sa trabaho ang pagguhit ay naging marumi, na may maraming mga pagwawasto, kung gayon para sa kulay na trabaho maaari itong ilipat sa pamamagitan ng salamin sa bintana sa isang bagong sheet.

2. Ang unang pagtula ng tono. Kapag nagsimulang magsulat, huwag madala sa mga detalye, subukang gawing pangkalahatan ang buong ibabaw ng sheet. Tandaan na walang puting pintura sa watercolor, kaya ang kaputian ng sheet ay ang pinakamagaan na tono sa trabaho. Ang isang mas madilim na tono ay inilapat sa ibabaw ng pinatuyong layer ng pintura sa pamamagitan ng glazing (sa pamamagitan ng paglalagay ng pintura sa ibabaw ng pinatuyong layer) upang gawin ang mga pangunahing masa. Mag-ingat ka. Ang pagpipinta ng watercolor ay halos hindi pinahihintulutan ang mga pagwawasto. Kung kailangan mo humina ang isang bagay sa tono, pagkatapos ay subukang banlawan ang lugar na ito ng malinis na tubig at isulat itong muli. Ang mga detalye ng imahe ay unti-unting ginagawa gamit ang isang manipis na brush sa ibabaw ng isang tuyong layer ng pintura.

3. Pagkumpleto ng trabaho. Ang natapos na trabaho, na ginawa sa watercolor, ay mukhang

Still life na may mga kagamitan sa tsaa (watercolor)

1. Paggawa ng isang guhit na may manipis na mga linya: iguhit ang mga hindi nakikitang bahagi ng mga bagay, balangkasin ang mga hangganan ng liwanag at anino.

2. Una, ang pangunahing kulay ng teaware at draperies ay inilapat, na nagmamasid sa mga pagbabago sa kulay ng tonal sa liwanag at sa lilim.

3. Pagkumpleto ng trabaho. Ang paraan ng glazing ay nakakamit ang impresyon ng materyalidad ng mga keramika at mga kurtina. Ang puting papel ay ginagamit para sa mga highlight sa mga pinggan. Gumuhit sila ng mga detalye, gawing pangkalahatan ang scheme ng kulay ng buhay pa rin upang makamit ang integridad.

Still life "Artist's World" (gouache)

1. Paggawa ng isang detalyadong pagguhit ng isang still life.

2. Ang unang pagtula ng mga lokal na kulay ng mga bagay at draperies. Ang kulay ay iginuhit sa palette gamit ang puti.

3. Pagkumpleto: elaborasyon at pagpipino ng mga detalye liwanag sa dilim at madilim sa liwanag. Pinapayagan ka ng gouache na gumawa ng mga pagbabago sa trabaho. Kung ang isang bagay ay hindi gumana, maaari kang mag-overlap ng isang kulay sa isa pa.

Landscape "Spring Morning" (watercolor, basa)