Kasaysayan ng teatro ng Sobyet 20 30 Teatro sa USSR
Ang malikhaing pagsasama-sama ng mga artistikong intelihente sa isang karaniwang plataporma para sa pagtatayo ng sosyalismo ay nag-ambag sa isang mas malalim na pagmuni-muni sa lahat ng mga genre ng sining ng katotohanan ng Sobyet, ang tema ng Rebolusyon, ang pag-unlad ng Russian at klasikal na pamana ng mundo.
Ang paglikha ng Unyon ng mga Manunulat, Unyon ng mga kompositor, Unyon ng mga Artista ay nag-institutionalize sa proseso ng pagsasama-sama ng ideolohikal ng artistikong intelihente.
Sa pamamagitan ng isang resolusyon ng Central Executive Committee at ng Konseho ng People's Commissars ng USSR noong Enero 17, 1936, upang "mas mahusay na matugunan ang mga pangangailangan ng populasyon sa larangan ng sining sa Union of Soviet Socialist Republics," ang Komite para sa Sining sa ilalim ng Konseho ng People's Commissars ng USSR ay nabuo.
Nagpatotoo ito sa kagyat na pangangailangan para sa isang mas kongkreto at kwalipikadong pamumuno sa pagbuo ng multifaceted na sining ng Sobyet. Ang teatro sa USSR ay naging isang mas malakas na kadahilanan sa komunistang edukasyon at paliwanag ng masa, na nagpakilala sa kanila sa mataas na kultura. Kung noong 1914 mayroong 153 na mga sinehan sa Tsarist Russia, pagkatapos noong Enero 1, 1938 ay mayroong 702 sa kanila. Ang bilang ng mga drama, opera at ballet na mga sinehan ay higit sa doble. Ang mga teatro ng batang "manonood, mga teatro para sa mga bata, kolektibong sakahan at mga teatro ng sakahan ng estado ay lumitaw at matatag na pumasok sa buhay. mga wika ng mga mamamayan ng ating bansa. Noong 1937 lamang, 135,516 na pagtatanghal ang ibinigay (isang average na 200 bawat teatro) , na pinanood ng 67,189,900 na manonood.
Lubos na pinahahalagahan ng gobyerno ng Sobyet ang marangal na gawain ng mga masters ng sining. Sa pamamagitan ng isang utos ng Central Executive Committee ng USSR noong Setyembre 6, 1936, itinatag ang honorary title ng People's Artist ng USSR. Kabilang sa mga iginawad ang pamagat na ito ay mga sikat na kinatawan ng makatotohanang sining ng Russia ng mas matandang henerasyon: K. S. Stanislavsky, Vl. I. Nemirovich-Danchenko, V. I. Kachalov, I. M. Moskvin, E. P. Korchagina-Aleksandrovskaya, M. M. Blumen-tal-Tamarpna, A. V. Nezhdanova at mga aktor ng henerasyon na lumaki sa ilalim ng kapangyarihan ng Sobyet, tulad ng BV Shchukin, mga kinatawan ng theatrical art bago, sosyalistang mga bansa M. Litvipenko-Wolgemut, P. Saksagansky, A. Vasadze, A. Khorava, K. Baiseitov. Ang Order of Lenin ay iginawad noong 1937 sa Moscow Art Academic Theatre. M. Gorky, State Academic Bolshoi Theater ng USSR. Kasabay nito, ang mga nangungunang aktor at direktor ng mga sinehan na ito ay ginawaran ng mga order at medalya.
Ang sining sa teatro ay nagsumikap na mapalapit sa mga hinihingi at mithiin ng milyun-milyong ordinaryong manggagawa. Noong Pebrero 1933, sa pamamagitan ng utos ng Konseho ng People's Commissars ng USSR, isang kumpetisyon ang inihayag para sa pinakamahusay na paglalaro ng Sobyet. Ang mga propesyonal na playwright, inhinyero, manggagawa ay nagpadala ng humigit-kumulang 1,200 dula sa kompetisyon. Ang premyo ay iginawad sa mga dulang "Wonderful Alloy" ni V. Kirshon, "Death of the Squadron" ni A. Korneichuk, "Fighters" ni B. Romashov, "Watchmaker and Chicken" ni I. Kocherga. Sumulat si A. Korneichuk ng isang dula tungkol sa intelektwal na Sobyet na "Platon Krechet". Ang mga larawan ng lumang Bolshevik Berest, na isinagawa ni V. Toporkov sa Moscow at N. Simonov sa Leningrad, at lalo na ang siruhano ng Sobyet na si Krechet, na ginanap ng artist ng Moscow Art Theater B. Dobronravov, ay ang pinakadakilang tagumpay ng teatro ng Sobyet. .
Noong 1937, ang Moscow Art Theater sa Moscow at ang Lenin Komsomol Theater sa Leningrad ay nagtanghal ng isang kawili-wiling produksyon ng dula ni N. Virta na Earth.
Sa Theater of Revolution noong 1930s, ipinakita sa madla ang isang uri ng trilogy tungkol sa isang lalaking Sobyet ng isang batang playwright na si N. Pogodin. Kasunod ng mga dulang "My Friend" at "The Poem of the Axe", na sumasalamin sa kalunos-lunos ng mga bagong gusali ng limang taong plano, ang teatro ay nagtanghal ng "After the Ball" - isang dula tungkol sa isang kolektibong nayon ng sakahan, kung saan Gumawa si M. Babanova ng magandang liriko na imahe ng Masha.
Noong 1933, sa ilalim ng pamumuno ni A. Tairov, ang Chamber Theatre ay pinamamahalaang lumikha ng isang pagganap ng mahusay na rebolusyonaryong pathos at makabagong anyo - "The Optimistic Tragedy" ni Vs. Vishnevsky.
Ang pag-usbong ng pag-iibigan ng Sobyet ay ang paggawa ng dulang Vs. Vishnevsky "Ang Huling, Resolute" sa Teatro. Araw. Meyerhold. Nakamit ni N. Bogolyubov ang mahusay na kahanga-hangang kapangyarihan sa anyo ng isang mortal na sugatang bayani-marino.
Noong taglagas ng 1936, nang ang mga Espanyol ay nakikipaglaban sa mga pasistang rebelde at mga interbensyonistang Italo-German, ang dula ni A. Afinogenov na "Salut, Spain!" At ang playwright, at ang teatro, at ang madla, tila, nabuhay nang may isang hininga, nagdusa mula sa isang sakit. Nang, sa pagtatapos ng dula, ang Espanyol na ina (aktres na si S. Birman) ay yumuyuko sa kanyang pinatay na anak na babae, ang buong bulwagan ay tumayo nang sabay-sabay at, kasama ng mga artista, ay umawit ng awit ng Republika ng Espanya. Sa pamamagitan ng ika-20 anibersaryo ng Great October Revolution, ang teatro ng Sobyet sa unang pagkakataon ay bumaling sa imahe ni V. I. Lenin. Ang unang pagtatangka na ipakita ang imahe ng pinuno ng rebolusyon ay isinagawa sa mga pagtatanghal ng "The Man with a Gun" ni N. Pogodin sa Theater. Evg. Vakhtangov, "On the Banks of the Neva" ni K. Trenev sa Maly Theater at "Pravda" ni A. Korneichuk sa Theater of Revolution.
Ang Moscow Art Theatre, na isang halimbawa ng mataas na kasanayan, malalim na ideolohiya at pagbabago, ay itinanghal si Anna Karenina sa unang pagkakataon noong 1937. Maingat na pinapanatili ang mga sikolohikal na linya ng nobela ni Tolstoy, Vl. I. Nemirovich-Danchenko at V. G. Sakhnovsky ay lumikha ng isang napakatalino na pagganap. Ang panlipunang kahulugan ng trahedyang ito ay ipinahayag ng inspiradong paglalaro ng mga aktor ng batang henerasyon ng Moscow Art Theater: N. II. Khmelev at A.K. Tarasova.
Ang mga pagtatanghal ng Teatro Evg. Ang "Yegor Bulychov at iba pa" ni Vakhtangov ay inilunsad noong 30s ng isang buong serye ng mga paggawa ng Gorky sa lahat ng mga sinehan ng bansa. Ang imahe ni Yegor Bulychov, na nilikha ni B.V. Shchukin, ay isa sa pinakamataas na tagumpay ng sining ng teatro ng Sobyet.
Noong 1935, isang mahuhusay na direktor at artista na si N.P. Akimov, isang walang pagod na naghahanap ng isang bagong genre ng komedya sa sining, ay dumating sa Leningrad Comedy Theater. Sa kanyang mga produksyon, mula sa klasikal hanggang sa modernong komedya at mga engkanto, ang talento ng maraming mahuhusay na aktor ay ipinahayag - B. Tenin, S. Filippov, E. Junger, L. Sukharevskaya, E. Garin at iba pa.
Ang saloobin sa mahusay na pamana ng kultura ng mundo, sa partikular, ay malinaw na ipinahayag sa mga paggawa ni Shakespeare sa yugto ng Sobyet. Walang isang bansa sa mundo, kabilang ang tinubuang-bayan ni Shakespeare, ayon sa patotoo ng mga British mismo, ang maaaring magyabang ng gayong kasaganaan ng mga paggawa ng mga gawa ng mahusay na manunulat ng dula. Ang pagganap na "Twelfth Night" sa Moscow Art Theater II, na itinanghal ni I. N. Bersenev, ay lubos na pinahahalagahan ng madla. Ang trahedya ng "Othello" ay malalim at orihinal na inihayag ng mga sinehan sa iba't ibang wika ng mga mamamayang Sobyet. Ang imahe ng Othello ay nilikha nina A. Ostuzhev at A. Khorava, A. Vag-arshyan at R. Nersesyan. Ang "King Lear" na may partisipasyon ng S. M. Mikhoels ay itinanghal ng State Jewish Theater. "Romeo at Juliet" - isang pagtatanghal na itinanghal ni A. Popov sa Moscow Theater of the Revolution noong Abril 1935, ay nakatuon sa Leninist Komsomol. Sa kahanga-hangang laro ng M.I. Babanova at A.F. Astangov, ang kapangyarihan ng dakilang hindi mapawi na pag-ibig ay sumalungat sa obscurantism at kalupitan. Ang tunay na rurok ng pagganap ni Shakespeare ay ang ballet na Romeo at Juliet (komposer S. S. Prokofiev) kasama ang mahusay na kontemporaryong ballerina na si Galina Ulanova sa pamagat na papel. Ito ay isang tunay na pagdiriwang ng kulturang Sobyet, isang malaking kontribusyon sa kaban ng sining ng mundo.
Tamang ipinagmamalaki ng sining ng Sobyet ang mga teatro ng mga bata nito - isang bago at makabuluhang kababalaghan sa buhay kultural ng bansa. Noong 1936, ang Central Children's Theatre ay binuksan sa Moscow. Sa pagtatapos ng 1930s, higit sa 70 mga sinehan para sa mga bata ang nalikha sa bansa.
Noong 1930s ang mga teatro sa paligid ay binago. Kasunod ng halimbawa ng mga teatro ng Voronezh, Rybinsk, Arkhangelsk, Novosibirsk, ang mga permanenteng tropa ay matagumpay na nilikha sa ibang mga lungsod, at noong 1936 ang seasonality system ay tinanggal at ang pagbabayad para sa malikhaing gawain ng aktor ay na-streamline. Ito ay makabuluhang itinaas ang pangkalahatang antas ng kultura ng teatro, bilang ebedensya ng matagumpay na mga paglilibot sa mga peripheral na teatro sa Moscow.
Ang bilang ng mga kolektibong farm at state farm theater ay lumalaki: mula 23 noong 1934 hanggang 208 sa simula ng 1937. Ang mga artista ng Maly Theatre ay lumikha ng kanilang sariling sangay sa nayon ng Zametchin. Teatro. Evg. Tinangkilik ni Vakhtangov ang youth collective farm at state farm theater ng rehiyon ng Gorky. Ang teatro ng kabataan na ito sa loob lamang ng 10 buwan noong 1934 ay nagpakita ng 138 na pagtatanghal sa 90 kolektibong bukid ng rehiyon at sa parehong oras ay nag-publish ng isang live na pahayagan na "Lightning", na nangampanya gamit ang isang ditty, isang kanta, isang poster. Ang unang collective-farm theater ng rehiyon ng Smolensk ay nagpakita ng 702 na pagtatanghal (14 na dula) at nagdaos ng 350 debate sa mga pagtatanghal sa mga kolektibong bukid at sakahan ng estado.
Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba
Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.
Nai-post sa http:// www. allbest. en/
Ang pag-unlad ng teatro ng Sobyet noong 20-30s. ika-20 siglo
PANIMULA
Kabanata 1. Ang mga pangunahing milestone sa kasaysayan ng teatro ng Sobyet sa post-rebolusyonaryong panahon
1.1 Nangunguna sa mga malikhaing uso sa pag-unlad ng teatro ng Sobyet noong 1920s at 30s
1.2 Theatrical innovation at ang papel nito sa pag-unlad ng sining ng Sobyet
1.3 Isang bagong manonood ng teatro ng Sobyet: ang mga problema sa pag-angkop sa luma at paghahanda ng isang bagong repertoire
Kabanata 2
2.1 Sobyet teatro sa ideolohikal na sistema ng bagong pamahalaan: tungkulin at mga gawain
2.2 Lunacharsky bilang isang theorist at ideologist ng Soviet theater
2.3 Pampulitika na censorship ng theatrical repertoire
KONGKLUSYON
LISTAHAN NG MGA GINAMIT NA PINAGMULAN AT LITERATURA
PANIMULA
Ang mga unang post-rebolusyonaryong dekada ay naging napakahalagang panahon para sa pagbuo ng bagong teatro ng Sobyet. Ang istrukturang panlipunan at pampulitika ng lipunan ay lubhang nagbago. Kultura at sining - teatro, panitikan, pagpipinta, arkitektura - sensitibong tumugon sa mga pagbabago sa istrukturang panlipunan. Lumitaw ang mga bagong uso, istilo at direksyon. Noong 1920s, umunlad ang avant-garde. Ang mga natitirang direktor na V. E. Meyerhold, A. Ya. Tairov, E. B. Vakhtangov ay gumawa ng kanilang mga malikhaing pagtuklas sa mga bagong yugto ng St. Petersburg at Moscow. Ipinagpatuloy ng mga teatro ng Alexandrinsky at Maly ang mga tradisyon ng drama ng Russia. Ang mga paghahanap na naaayon sa sikolohikal na teatro ay napunta sa Moscow Art Theater sa ilalim ng direksyon ni K.S. Stanislavsky. Sa pagtatapos ng 1920s at simula ng 1930s. natapos na ang panahong ito. Nagkaroon ng panahon ng totalitarianism kasama ang ideological press nito at kabuuang censorship. Gayunpaman, noong 1930s Ang teatro sa Unyong Sobyet ay nagpatuloy ng isang aktibong malikhaing buhay, ang mga mahuhusay na direktor at aktor ay lumitaw, ang mga kagiliw-giliw na orihinal na pagtatanghal ay itinanghal sa mahalaga, moderno at klasikal na mga paksa.
Kaugnayan. Ang pag-aaral ng kultural na buhay ng lipunan, makakakuha ng isang ideya ng pangkalahatang makasaysayang background ng panahon na pinag-aaralan, bakas ang mga pagbabago sa lipunan at pampulitika na naganap sa mga unang dekada ng pagbuo ng bagong kapangyarihan ng Sobyet. Ang teatro sa ilalim ng impluwensya ng mga rebolusyonaryong kaganapan ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago. Ang sining ng teatro ay nagsimulang magsilbi sa mga interes at pangangailangan ng bagong pamahalaan, nagiging isa pang kasangkapan ng edukasyong pang-ideolohiyang masa. Sa modernong lipunan, ang mga katulad na sitwasyon ay maaaring mangyari kapag pinasakop ng pamahalaan ang mga elemento ng espirituwal na kultura, kung saan pinalaganap nito ang ideolohiyang kailangan nito, at sinusubukang lumikha ng mga panlipunang pananaw na kailangan nito. Dahil dito, ang mga proseso ng relasyon sa pagitan ng pulitika at kultura ay hindi nawala ang kanilang kaugnayan bago ang nayon.
Ang layunin ng pangwakas na gawaing kwalipikado: upang isaalang-alang ang mga unang dekada ng pagkakaroon at pag-unlad ng teatro ng Sobyet sa isang makasaysayang pananaw.
Upang makamit ang layuning ito, kinakailangan upang malutas ang mga sumusunod na gawain:
ipakita ang pag-unlad ng teatro ng Sobyet noong 1920s-1930s. Sa loob ng balangkas ng pangkalahatang proseso ng kasaysayan at sosyo-politikal na mga penomena na naganap sa tinukoy na panahon sa ating bansa;
tandaan ang mga tampok ng 1920s bilang isang panahon ng malubhang pag-unlad sa sining ng teatro;
isaalang-alang at kilalanin ang pigura ni A. Lunacharsky bilang isang nangungunang pigura at teorista ng kultura ng panahong ito;
bakas ang kaugnayan sa pagitan ng sining at ideolohiya, gayundin alamin kung anong mga uso ang lumitaw sa kasaysayan ng teatro noong 1930s na may kaugnayan sa censorship ng political press.
Layunin ng pag-aaral: Teatro ng Sobyet bilang isa sa mga pangunahing bahagi ng kulturang Ruso sa panahong ito.
Paksa ng pag-aaral: ang pag-unlad ng sining ng teatro ng Sobyet sa unang pagkakataon sa mga post-rebolusyonaryong dekada sa ilalim ng mga kondisyon ng isang bagong sistemang pampulitika, sa ilalim ng impluwensya ng ideolohiya at censorship.
Ang metodolohikal na batayan ng gawain ay ang prinsipyo ng historicism, historical-comparative at historical-systemic approach, pati na rin ang prinsipyo ng objectivity, na nagpapahintulot sa amin na pag-aralan at isaalang-alang ang lahat ng uri ng mga kadahilanan na nakakaimpluwensya sa pag-unlad ng Sobyet na teatro sa sa panahong ito, at upang isaalang-alang ang sitwasyon sa isang tiyak na makasaysayang sitwasyon. Sa gawaing ito, ginagamit namin hindi lamang ang mga pamamaraan na katangian ng makasaysayang agham, kundi pati na rin ang isang interdisciplinary na diskarte na nagbibigay-daan sa amin upang ilapat ang mga pamamaraan at diskarte sa pagsasaliksik ng isang bilang ng iba pang mga humanidad, katulad ng pag-aaral sa kultura, kasaysayan ng sining, pag-aaral sa teatro, antropolohiya sa kasaysayan at kultura. , agham pampulitika, sikolohiyang panlipunan.
Ang pagiging bago ng siyentipiko ng pag-aaral ay tinutukoy ng pangangailangang pag-aralan at gawing pangkalahatan ang isang malawak na hanay ng mga publikasyon sa kasaysayan ng teatro ng Sobyet na inilathala sa mga nakaraang dekada sa Russia at sa ibang bansa.
Ang kronolohikal na balangkas ng pag-aaral ay sumasaklaw sa panahon mula 1917 hanggang 1941. Ang mas mababang limitasyon ay tinutukoy sa pamamagitan ng pagliko, mga rebolusyonaryong kaganapan. Noong Nobyembre 1917 isang utos ang inilabas sa paglipat ng mga sinehan sa pagpapakilala ng Arts Department ng People's Commissariat for Education, mula sa sandaling iyon nagsimula ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng sining ng teatro ng Sobyet. Tinukoy namin ang pinakamataas na limitasyon bilang punto ng pagbabago para sa kasaysayan ng Russia noong 1941.
Ang saklaw ng teritoryo ng gawaing ito ay sumasaklaw sa mga hangganan ng RSFSR sa loob ng 1920-30s.
Pagsusuri ng pinagmulan. Ang mga sumusunod na uri ng mga mapagkukunan ay ginamit sa gawain: mga gawaing pambatasan (mga dekreto, atbp.), pamamahayag, mga mapagkukunan ng personal na pinagmulan, mga peryodiko.
Ang pinakamahalagang makasaysayang dokumento ng anumang lipunan ay ang batas na ganap na kumokontrol sa mga aktibidad ng estado at pampublikong organisasyon. Ang mga gawaing pambatasan ay nangangailangan ng masusing at layunin na pagsusuri, ang kanilang pag-aaral ay nangangailangan ng ilang mga pamamaraan upang lubos na maihayag ang nilalaman, kahulugan at mga tampok. Ang pamamaraan ng pagsusuri sa pangkalahatan ay ganito: una, ito ay kinakailangan upang subukang buuin muli ang proseso ng paglikha ng batas na ito; pangalawa, pag-aralan ang nilalaman ng kilos; pangatlo, tingnan ang praktikal na aplikasyon, ang pagpapatupad ng batas.
Sa panahong ito, lalo na tumaas ang bilang ng mga opisyal na dokumentasyon. Ang mga Bolshevik, na nagbibigay pugay sa Rebolusyong Pranses, sa kanilang paraan ay nagsimulang tumawag ng mga dokumento na inisyu ng kataas-taasang kapangyarihan, mga deklarasyon, mga utos. Ngunit ang mga deklarasyon sa lalong madaling panahon ay tumigil sa paglabas, at ang mga kautusan ay naging pangunahing dokumento ng pambatasan ng pamahalaang Sobyet. Kasama rin sa panahong ito ang mga resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks at ng Central Committee ng Communist Party of the Soviet Union.
Ang pinakamahalaga para sa amin ay ang mga nai-publish na mga dokumento sa ilalim ng direksyon ni A. Z. Yufit, na naglalaman ng pinakamahalagang mapagkukunan sa kasaysayan ng teatro ng Sobyet. Ang isang mahalagang mapagkukunan ay isang koleksyon din ng mga dokumento sa pampulitikang censorship ng Sobyet.
Ang pamamahayag, tulad ng alam natin, ay nagpapahayag ng opinyon ng isang partikular na pangkat ng lipunan. Mayroong isang medyo kondisyonal na pag-uuri ng mga gawaing pamamahayag: mga gawang pamamahayag ng may-akda; pamamahayag ng mga kilusang popular na masa; mga proyekto ng mga reporma at konstitusyon ng estado. Iuugnay namin ang mga gawa ni A. V. Lunacharsky sa mga gawa ng may-akda, ngunit dapat itong isipin na siya, bilang isang kinatawan ng mga awtoridad, ay hindi maaaring lampasan ang mga bagay na may kaugnayan sa mga reporma ng estado. A. V. Lunacharsky, na nagbibigay ng mga pampublikong lektura sa mga tao at naglathala ng maraming artikulo, ipinaliwanag ang patakarang pangkultura ng Narompros, kung saan siya ay kinatawan.
Dapat pansinin na si A. V. Lunacharsky ay nag-iwan ng isang napakahalagang pamana sa panitikan, na nagsusulat ng isang malaking bilang ng mga artikulo, sanaysay at libro sa iba't ibang mga isyu ng pag-unlad ng kultura at sining ng Sobyet. Gagamitin natin ang ilan sa mga ito sa ating pag-aaral. Ang paglalathala ng mga naturang artikulo, memoir, lektura, at teoretikal na pag-aaral ay isang napakahalagang mapagkukunan na nagbibigay-daan sa isa na suriin ang kakanyahan ng mga pananaw ni Anatoly Vasilyevich at subaybayan ang pagbuo ng kanyang mga ideya tungkol sa pag-unlad ng proseso ng teatro sa Soviet Russia. Sa mga gawa na nakatuon sa teatro A.V. Lumilitaw si Lunacharsky bilang isang tunay na connoisseur at connoisseur ng theatrical art. Ginawa niya ang lahat upang mapanatili at maipasa sa kanyang mga inapo ang mga nagawa ng kultura ng mundo.
Ang mga gawa ng mga manggagawa sa teatro noong panahong iyon ay bumubuo ng isang malawak na materyal para sa pag-aaral. Ang mga pinagmumulan ng personal na pinagmulan ay tumutulong sa pagtatatag ng interpersonal, komunikasyong mga koneksyon. Kabilang dito ang mga talaarawan, pribadong sulat (epistolary source), memoir-autobiographies, memoir - "modernong kwento", sanaysay, confession. Kapag pinag-aaralan ang mga naturang mapagkukunan, dapat isaisip na sila ay napaka-subjective, nakatuon sa hinaharap, kaya ang kanilang mga may-akda ay nagsusumikap na magbigay ng kahalagahan sa kanilang pigura, upang pagandahin ang kanilang mga aktibidad, madalas sa pamamagitan ng pagpili lamang ng kumikitang impormasyon. Isasama namin ang mga memoir ng kritiko ng teatro ng Sobyet at teorista na si P.A. Markov sa mga naturang gawa.
Nagsisilbi ang periodical press upang bumuo ng opinyon ng publiko at magbigay ng puna, at ang paraan upang makamit ang layunin ay ang pagpapakalat ng impormasyon. Mayroong tatlong uri ng genre na ito: mga pahayagan, magasin, mga publikasyong nakabatay sa oras ng mga siyentipikong lipunan. Sa gawaing ito, pangunahing gagamitin namin ang mga log. Noong 1921-1927. nagkaroon ng malaking pagtaas sa theatrical journalism. Kailanman sa kasaysayan ng ating bansa ay nagkaroon ng napakaraming peryodiko na nakatuon sa sining ng pagtatanghal. Dapat pansinin na ang theatrical press ay inabandona ang anyo ng publikasyon ng pahayagan. Mula noong 1923 mga magasin lamang ang nailathala, ngunit sila ay nagsilbing mga pahayagan. Ang nai-publish na materyal sa isang isyu ng journal ay hindi mababa sa mga tuntunin ng pagiging impormasyon sa lingguhang dami ng mga materyales sa pahayagan. Ang mga magasin ay nahahati sa mga publikasyon ng mga institusyong Sobyet na namamahala sa mga sinehan (isang pangkat ng mga opisyal na peryodiko), intra-theater, unyon ng manggagawa at pribadong publikasyon.
Ang paggamit ng materyal na ito ay nagpapahintulot sa iyo na mas ganap na isawsaw ang iyong sarili sa paksa at isaalang-alang ito nang mas detalyado, dahil. ang bawat artikulo ay karaniwang nakatuon sa isang makitid na aspeto ng pagkamalikhain, isang hiwalay na produksyon o koneksyon ng isang taong malikhain na may mga kontemporaryong uso sa sining o iba pang mga cultural figure.
Dito kinakailangan ding banggitin ang journal na "Bulletin of the Theatre" (1919-1921, ang opisyal na organ ng TEO), sa mga pahina kung saan ang mga isyu ng teorya ng theatrical art, pati na rin ang mga isyu ng estado sa pamamahala. ng mga sinehan, ay tinalakay.
Historiograpikong pagsusuri. Historiography ng mga gawa sa pagbuo ng teatro ng Sobyet noong 1920-1930s. napakalawak. Kabilang dito ang isang bilang ng mga pag-aaral ng mga sikat na istoryador, kritiko sa teatro, biographer, pati na rin ang malaking halaga ng mga memoir at panitikan sa kasaysayan ng sining. Sa gawaing ito, hahatiin natin ang historiography sa Sobyet, modernong Ruso at dayuhan.
Dapat tandaan na ang historiography ng Sobyet, na nakatuon sa kultural na aspeto ng post-rebolusyonaryong panahon, ay bahagyang namumulitika, na nangangailangan ng mambabasa na maging maingat kapag nakikita ang mga pagtatasa ng mga katotohanang ipinakita at ang kahalagahan ng mga kaganapan sa buhay teatro. . Ngunit, siyempre, isasaalang-alang at pag-aralan natin ang mayamang materyal na naipon ng mga mananaliksik ng Sobyet. Ang malaking pansin sa historiograpiya ng Sobyet ay binayaran sa mga paggawa, personalidad, at mga pangunahing kaganapan sa mundo ng teatro, kung saan ipinakita ng mga mananaliksik ang buhay panlipunan noong panahong iyon. Sa pamamagitan ng pag-aaral ng gayong mga gawa, makakakuha ang isang tao ng isang medyo malinaw na ideya kung paano namuhay ang mga tao sa bagong nabuong estado, kung ano ang nag-aalala sa kanila, kung ano ang kanilang interesado. Unti-unti sa relasyon ng ideolohiya at kultura. Ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng mga gawa na nagpapakita kung paano naiimpluwensyahan ng kapangyarihan, sa tulong ng mga mekanismong pang-ekonomiya at pampulitika, ang paraan ng pag-iisip at pananaw ng mga pinaka-matalino at edukadong mga tao, na palaging napipilitang "tumingin sa likod" sa "linya ng partido" at isaalang-alang ito sa kanilang mga akda, dito natin mapapangalanan ang mga gawa ng isang kilalang tao na kritiko ng teatro ng Sobyet na si A. Z. Yufit at kritiko sa teatro na si D. I. Zolotnitsky. Bilang isang resulta, maaari nating sabihin na ang mga gawa na inilathala sa panahon ng Sobyet sa pag-unlad ng teatro at ang pakikipag-ugnayan nito sa mga awtoridad ay napakarami at ang pinakamahalaga para sa mga mananaliksik ng isyung ito. Sinasalamin nila ang mga realidad sa teatro noong 1920-1930s nang tumpak at detalyado hangga't maaari.
Sa nakalipas na mga dekada, nagkaroon ng malaking interes sa pambansang kasaysayan at kultura. Ang modernong makasaysayang agham ay nakikilala sa pamamagitan ng iba't ibang mga diskarte at pagtatasa, ang paggamit ng isang pluralistic methodological na batayan. Sa yugtong ito, mayroong napakalawak na hanay ng mga suliranin sa pananaliksik. Dapat pansinin na ang ilang mga tampok ng historiography ng Sobyet ay napanatili, na may malaking diin sa aspetong pampulitika ng problema at pag-unlad ng ekonomiya. Ang proseso ng teatro ay dapat suriin sa konteksto ng pag-unlad ng kultura at sining sa pangkalahatan. Kapag pinag-aaralan ang panahon ng pagbuo ng teatro ng Sobyet, dapat isaalang-alang ng isa ang kahalagahan ng mga konsepto at uso na pangunahing sa panahon. Samakatuwid, maraming pansin ang binabayaran sa mga pangunahing kaganapan sa kasaysayan at kultura at mga uso sa panahong sinusuri. Sa panahon ng post-Soviet, ang pag-aaral ng impluwensya ng pulitika at ideolohiya sa sining ay naging laganap.
Sa pangkalahatan, ang mga gawa na isinulat ng mga modernong mananaliksik na Ruso ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng isang malawak na base ng mapagkukunan batay sa mga opisyal na dokumento, periodical at memoir, na naging posible upang mapalawak ang empirical na kaalaman tungkol sa unang bahagi ng kasaysayan ng Sobyet. Ang mga gawaing ito ay lubos na layunin at isinasaalang-alang ang isang malawak na aspeto ng buhay kultural ng lipunang Sobyet.
Siyempre, hindi natin maaaring balewalain ang dayuhang historiograpiya. Ang mga dayuhang mananaliksik ay nagpakita ng malaking interes sa pag-unlad ng ating bansa sa mga post-rebolusyonaryong dekada.Sa kanyang trabaho, ang Propesor ng Unibersidad ng Marburg S. Plaggenborg ay hindi nagsusuri ng mga pagbabago sa ekonomiya at pulitika, ngunit ang pananaw sa mundo at paraan ng pamumuhay ng mga tao. Pinag-aaralan ng German researcher na si M. Rolfa ang pagbuo ng mga pamantayang pangkultura ng Sobyet sa pamamagitan ng mga mass holidays. Binibigyang-kahulugan niya ang mga ito bilang mga channel-konduktor ng makapangyarihang mga ideya, bilang isang paraan ng pagmamanipula sa isip ng mga tao at kasabay nito bilang isang paraan ng komunikasyon, ang pag-unlad nito ay pinadali ng mga aktibidad ng mga eksperto, ang una sa kanila ay si A.V. Lunacharsky. Ang Amerikanong istoryador na si S. Fitzpatrick ay nagpapakita ng likas na katangian ng sistema ng Sobyet, ang mga problema ng pampublikong damdamin sa iba't ibang panlipunang strata ng populasyon. Ang kultura at pampulitikang mga kondisyon ng 20s, ang saloobin ng kapangyarihan sa mga kultural na figure ay nasuri sa mga gawa ni K. Aimermacher, R. Pipes, N. Tumarkin. Karaniwan, ang mga gawaing ito ay kumplikado, dito sa pangkalahatan ay isinasaalang-alang ang rebolusyonaryong kasaysayan, kultura, pampublikong kalagayan at pananaw sa mundo ng lipunang Sobyet. Ang dayuhang historiography ay nagkaroon ng malaking epekto sa karagdagang pag-unlad ng domestic science.
Pagbubuod ng historiographic na pagsusuri na ipinakita sa pag-aaral, nararapat na tandaan na ang problema ng pag-unlad ng teatro ng Sobyet sa sandaling ito ay pinag-aralan nang may sapat na detalye sa mga gawa ng Sobyet, modernong Ruso at dayuhang mananaliksik. Kailangan ding bigyang pansin ang malawak na hanay ng mga akda sa iba't ibang aspeto ng buhay kultural. Sa mga gawa ng karamihan sa mga may-akda, ang sosyo-kultural at pampulitikang interaksyon ng sining at kapangyarihan ay isinasaalang-alang, kung saan ang kultura ay isang anyo ng pagkabalisa at propaganda. Sa iba pang mga pag-aaral, pinag-aaralan ang mga tanong ng kalikasan ng kasaysayan ng sining, at marami ring mga gawa na nakatuon sa mga indibidwal na ang mga aktibidad ay direktang nauugnay sa teatro ng Sobyet.
Ang gawaing ito ay binubuo ng dalawang kabanata, panimula, konklusyon, listahan ng mga sanggunian at siyentipikong panitikan.
Sa unang kabanata, sa magkakasunod na pagkakasunud-sunod, ang isang pangkalahatang pangkalahatang-ideya ng pag-unlad ng teatro ng Sobyet sa panahong ito ay ibinigay, ang mga pangunahing pangalan at kaganapan ay pinangalanan, ang mga makabagong uso sa teatro ay isinasaalang-alang at ang mga malikhaing direksyon na binuo ng mga direktor at mga manggagawa sa teatro ay inilarawan, at ang mga pagkakaiba sa pagitan ng bagong Sobyet na madla at ang mga kinakailangan nito para sa sining ay ipinahayag.
Sa ikalawang kabanata, binibigyang-pansin natin ang pinakamahalagang paksa sa kasaysayan ng impluwensya ng ideolohiya sa kultura ng Sobyet sa pangkalahatan at sa teatro sa partikular. Dito ay bumaling tayo sa iconic na pigura ng A.V. Lunacharsky para sa panahon at isinasaalang-alang ang isyu ng political censorship ng theatrical repertoire.
1.1. Nangunguna sa mga malikhaing uso sa pag-unlad ng teatro ng Sobyetsa1920?1930?itlog.
Ang rebolusyon ng 1917 ay ganap na nagbago sa buong paraan ng pamumuhay sa Russia, ganap na magkakaibang mga uso ang lumitaw sa pag-unlad ng sining sa pangkalahatan at, siyempre, sa teatro din. Nang walang pagmamalabis, ang pagkakataong ito ang simula ng isang bagong yugto sa buhay teatro ng ating bansa.
Napagtanto ng mga pinunong pampulitika ng estado ng Sobyet ang kahalagahan ng pag-unlad ng kultura sa bagong nabuong bansa. Tulad ng para sa theatrical sphere, ang lahat dito ay inayos paminsan-minsan pagkatapos ng Rebolusyon: noong Nobyembre 9, 1917, isang utos ang inilabas ng Konseho ng People's Commissars sa paglipat ng lahat ng mga teatro ng Russia sa departamento ng sining ng Komisyon ng Estado para sa Edukasyon, na hindi nagtagal ay naging People's Commissariat for Education. Pinili ng gobyerno ng Sobyet ang "landas ng organisasyon, may layunin na impluwensya sa sining ng teatro ng mga katawan ng estado ng pampublikong edukasyon." Tinukoy ng Dekreto ang kahalagahan ng sining sa teatro bilang isa sa pinakamahalagang salik sa "pag-aalaga ng komunista at kaliwanagan ng mga tao." Pansinin na pagkatapos ng Oktubre 1917, ang V.I. Paulit-ulit na binisita ni Lenin ang Bolshoi, Maly at Art Theaters.
Noong Enero 1918, itinatag ang Theater Department ng People's Commissariat of Education, na responsable para sa pangkalahatang pamamahala ng teatro sa RSFSR.
Pagkalipas ng dalawang taon, noong Agosto 26, 1919, nilagdaan ni V.I. Lenin ang isa pang utos - "Sa pag-iisa ng negosyo sa teatro", na inihayag ang kumpletong nasyonalisasyon ng mga sinehan. Ang ganitong mga aksyon ay naaayon sa mga pandaigdigang plano na ilipat ang lahat ng mga negosyo sa bansa, kabilang ang mga sangkot sa larangan ng kultura at paglilibang, sa pagmamay-ari ng estado. Sa unang pagkakataon sa kasaysayan ng ating bansa, hindi na umiral ang mga pribadong sinehan. May mga kalamangan at kahinaan sa hindi pangkaraniwang bagay na ito. Ang pangunahing kawalan ay ang pag-asa ng malikhaing pag-iisip ng mga direktor at ang repertoire sa desisyon ng pamumuno at sa mga ideolohikal na saloobin na higit na kinokontrol ang sining. Totoo, ang kalakaran na ito ay naging maliwanag nang kaunti mamaya, habang noong 1920s ang teatro ay malayang umuunlad pa rin, ang mga makabagong paghahanap ay nagaganap, ganap na orihinal na mga produksyon ang isinasagawa, at iba't ibang mga uso sa sining - realismo - natagpuan ang kanilang lugar sa iba't ibang yugto. sa gawain ng mga direktor. , constructivism, simbolismo, atbp.
Pagkatapos ng Rebolusyon, ang pinakamalaking, nangungunang mga sinehan ay nakatanggap ng katayuan ng mga akademikong sinehan (ang Bolshoi at Maly Theatres, ang Moscow Art Theater, ang Alexandrinsky Theater, atbp.). Ngayon sila ay direktang nasasakupan ng komisyoner ng edukasyon ng mga tao, natamasa nila ang malawak na mga karapatan sa sining at isang kalamangan sa pagpopondo, bagaman, ayon sa komisar ng edukasyon ng mga tao, kakaunti ang ginugol sa mga akademikong teatro, 1/5 lamang ng ginastos sa ilalim ang tsar. Noong 1919, ang Maly Theatre sa Moscow ay naging akademiko, noong 1920 ang Moscow Art Theater (MKhT) at Alexandrinsky, na pinalitan ng pangalan na Petrograd State Academic Drama Theater. Noong 1920s, sa kabila ng mahirap na panahon ng pagbuo ng estado, ang pinakamahirap na sitwasyon sa ekonomiya at pampulitika sa bansa, nagsimulang magbukas ang mga bagong sinehan, na nagpapahiwatig ng malikhaing aktibidad sa mundo ng teatro. "Ang teatro ay naging pinaka-matatag na elemento ng buhay kultural ng Russia. Nanatili ang mga sinehan sa kanilang lugar, at walang nagnakaw o sumisira sa kanila. Ang mga artista ay nagsasama-sama at nagtatrabaho doon, at patuloy nilang ginagawa ito; ang mga tradisyon ng mga subsidyo ng estado ay nanatiling may bisa. Lumalabas na higit sa apatnapung pagtatanghal ang ibinibigay sa Petrograd araw-araw, natagpuan namin ang tungkol sa parehong bagay sa Moscow, "isinulat ng manunulat ng science fiction ng Ingles na si G. Wells, na bumisita sa ating bansa noong panahong iyon. Kaya, sa Moscow lamang sa paglipas ng mga taon lumitaw ang 3rd Studio ng Moscow Art Theater (1920), na kalaunan ay pinalitan ng pangalan na Theater. Vakhtangov; Theater of the Revolution (1922), na noon ay naging Theater. Mayakovsky; Teatro. MGSPS (1922), ngayon - ang Mossovet Theatre. Ang Bolshoi Drama Theater (1919) at ang Theater of Young Spectators (1922), na umiiral pa rin hanggang ngayon, ay binuksan sa Petrograd. Disyembre 22, 1917 Binuksan ang Belarusian Soviet Theatre sa Minsk, sa pagtatapos ng 1917. ang unang teatro ng Uzbek ay nilikha sa Ferghana, at nangyari ito sa buong bansa. Ang mga teatro ay nilikha sa mga autonomous na republika at rehiyon. Noong Nobyembre 7, 1918, binuksan ang unang teatro ng mga bata. Ang tagapag-ayos at pinuno nito ay si Natalia Sats, na kalaunan ay tumanggap ng titulong People's Artist ng RSFSR. Siya ang punong direktor ng isang natatanging teatro ng musika ng mga bata na umiiral pa rin hanggang ngayon.
Bilang karagdagan sa mga propesyonal na sinehan, ang mga amateur na sinehan ay nagsimulang aktibong umunlad. Kaya, noong 1923, isang teatro na tinatawag na Blue Blouse ang binuksan sa Moscow, ang nagtatag ay si Boris Yuzhanin, isang mamamahayag at cultural figure. Ang teatro na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga artista ay hindi nagbago sa mga costume para sa bawat pagganap, ngunit gumanap sa lahat ng oras sa parehong asul na blusa. Bilang karagdagan, sila mismo ang sumulat ng mga liriko para sa mga skit at kanta na kanilang ginawa. Ang estilo na ito ay nakakuha ng napakalaking katanyagan. Sa pagtatapos ng 1920s, mayroong halos isang libong tulad ng mga grupo sa Soviet Russia. Marami sa kanila ay nagtatrabaho ng mga hindi propesyonal na aktor. Karaniwan, inilaan nila ang kanilang mga aktibidad sa paglikha ng mga pagtatanghal at mga programa na nakatuon sa tema ng pagbuo ng isang batang estado ng Sobyet. Gayundin sa ikalawang kalahati ng 1920s, lumitaw ang mga unang sinehan ng kabataang nagtatrabaho - "mga tram", batay sa kung saan ipinanganak ang mga Teatro ng Lenin Komsomol.
Sa III Kongreso ng RCP(b) noong 1923, napagpasyahan na "itaas sa praktikal na anyo ang usapin ng paggamit ng teatro para sa sistematikong propaganda ng masa ng pakikibaka para sa komunismo." Ang mga cultural at theatrical figure, na tumutupad sa "order ng estado" at kumikilos sa diwa ng panahon, aktibong binuo ang direksyon ng areal mass theater na may mga elemento ng agitation at mystery style. Ang mga manggagawa sa teatro na tumanggap sa rebolusyon ay naghahanap ng mga bagong anyo ng palabas sa teatro. Sa gayon ay isinilang ang teatro ng aksyong masa.
Ang bagong sining sa teatro ay nangangailangan ng isang ganap na naiibang diskarte sa pagtatanghal ng isang pagtatanghal, na-update na imahe at mga paraan ng pagpapahayag. Sa oras na ito, nagsimulang lumitaw ang mga pagtatanghal na ipinakita hindi sa mga ordinaryong yugto, ngunit sa mga kalye, mga istadyum, na naging posible upang gawing mas malaki ang madla. Gayundin, ginawang posible ng bagong istilo na isali ang mga manonood mismo sa aksyon, upang maakit sila sa kung ano ang nangyayari, upang makiramay sila sa mga ideya at kaganapan.
Ang isang matingkad na halimbawa ng gayong mga salamin ay ang "The Capture of the Winter Palace" - isang pagtatanghal na naganap sa ikatlong anibersaryo ng Rebolusyon noong Nobyembre 7, 1920 sa Petrograd. Ito ay isang napakagandang malakihang pagtatanghal na nagkuwento tungkol sa mga kamakailang rebolusyonaryong araw, na nawala na sa kasaysayan (dir. A. Kugel, N. Petrov, N. Evreinov). Ang palabas na ito ay hindi lamang naglalaro ng mga makasaysayang kaganapan sa isang teatrikal na anyo, ito ay inilaan upang pukawin ang isang tugon mula sa madla at ganap na tiyak na mga damdamin - isang panloob na pagtaas, empatiya, isang pag-agos ng pagkamakabayan at pananampalataya sa magandang kinabukasan ng bagong Soviet Russia. Ito ay kagiliw-giliw na ang pagtatanghal ay ipinakita sa Palace Square, kung saan aktwal na naganap ang mga kaganapan noong 1917. Isang hindi pangkaraniwang bilang ng mga artista, mga extra, mga musikero ang nakibahagi sa pagtatanghal - sampung libong tao lamang, at isang daang libong manonood, isang rekord para sa panahong iyon, ang nakakita nito. Panahon iyon ng digmaang sibil, at “ang propaganda at politikal na teatro ay aktibong lumahok sa karaniwang pakikibaka ng mga tao para sa isang bago, maligayang buhay.
Bilang karagdagan, sa genre na ito ay itinanghal sa Petrograd "The Action of the International" (1919), "The Mystery of Emancipated Labor", "Towards the World Commune" (lahat - 1920); sa Moscow - "Pantomime of the Great Revolution" (1918); sa Voronezh - "Papuri sa Rebolusyon" (1918); sa Irkutsk - "The Struggle of Labor and Capital" (1921) at iba pa. Maging ang mga pamagat ng mga mass theatrical na pagtatanghal na ito ay nagsasalita ng kanilang napapanahong nilalaman, makabagong nilalaman, batayan ng plot at anyo.
Kabilang sa mga bagong orihinal na kahanga-hangang anyo, dapat ding banggitin ang "mga teatro ng kultong Prolet, mga teatro ng mga sundalo, mga sinehan ng agitasyon, Live na Pahayagan - hindi ito isang kumpletong listahan ng mga pangkat ng teatro na lumitaw sa mga taong iyon."
DI. Sumulat si Zolotnitsky: “... ang mga nasabing teatro ay nakabuo ng mahahalagang karaniwang tampok ng sining ng masa sa kanilang panahon. Dito, malaki ang ibig sabihin ng mga eksperimento sa improvisasyon, paghahanda sa sarili ng mga dula at buong programa, agarang pagtugon sa mga tanong at kaganapan sa araw na ito, sadyang direktang impluwensya, hangganan ng primitiveness, isang pagpupugay sa "laro", entablado, at sirko sa kalye. Ang teatro ng mga panahon ng "komunismo sa digmaan" ay kusang gumuhit ng mga nagpapahayag na paraan sa daloy ng katutubong sining at sa malawak na kamay ay ibinalik ang nilikha sa mga tao.
Dapat pansinin na hindi lamang ang istraktura ng organisasyon ng mga sinehan at ang kanilang subordination ng estado ay nagbago. Ang isang buong bagong madla ay lumitaw. Nagsimulang dumalo ang mga pagtatanghal sa teatro ng mga dati nang nakakita lamang ng mga pagtatanghal sa kalye at mga fair booth. Ito ay mga ordinaryong manggagawa, magsasaka na nanirahan sa mga lungsod, sundalo at mandaragat. Bilang karagdagan, kahit na sa panahon ng Digmaang Sibil, ang buong grupo ng teatro at ilan sa mga pinakamalaking aktor ay naglakbay sa mga club ng manggagawa, sa mga nayon, sa mga harapan, na pinasikat ang sining na ito sa karaniwang populasyon, na ilang taon na ang nakalilipas ay elitista.
Sa pangkalahatan, ang panahong ito sa sining at sa partikular na teatro ay napakahirap. Sa kabila ng hitsura na ang sining ay ganap na nagsimula sa isang "bagong track", nagsimulang aktibong gumanap ang mga pag-andar ng isang pampulitika at panlipunang tagapagsalita, na gumagana sa ganap na bago, may-katuturang mga paksa na kawili-wili sa mass audience, mayroon ding mga retrograde na mood. Ang pananaw na ito sa mga bagay ay aktibong sinusuportahan ng teatro na panitikan ng panahon ng Sobyet. Ang mga hindi angkop na tema at mga plot ay nakalimutan, ang sining ay kumuha ng bagong landas. Ngunit sa katunayan, kapwa ang madla, at ang mga direktor, at ang mga ideologist ng teatro noong mga taong iyon ay ang parehong mga tao na nanirahan sa Imperyo ng Russia bago ang 1917. At hindi nila lahat ay maaaring baguhin ang kanilang mga pananaw, interes at paniniwala sa parehong oras . Ang mga artista (bilang, sa katunayan, ang buong populasyon ng bansa) ay kumuha ng magkasalungat na posisyon ng mga tagasuporta at kalaban ng rebolusyon. Hindi lahat ng mga nanatili sa Unyong Sobyet kaagad at walang kondisyong tinanggap ang binagong istruktura ng estado at ang na-update na konsepto ng pag-unlad ng kultura. Marami sa kanila ang naghangad na magpatuloy sa tradisyonal na landas. Hindi sila handa na isuko ang kanilang mga pananaw at konsepto. Sa kabilang banda, "ang kaguluhan ng isang panlipunang eksperimento na naglalayong bumuo ng isang bagong lipunan ay sinamahan ng masining na kaguluhan ng eksperimentong sining, ang pagtanggi sa kultural na karanasan ng nakaraan."
Sinabi ni D.I. Zolotnitsky: "Hindi kaagad at hindi biglaan, ang pagtagumpayan ng mga kasanayan sa nakaraan at ang mga paghihirap ng mga panlabas na kondisyon ng buhay, ang mga taong may pagkamalikhain, matanda at bata, kinikilala at hindi kinikilala, ay pumunta sa panig ng gobyerno ng Sobyet. Natukoy nila ang kanilang lugar sa bagong buhay hindi sa pamamagitan ng mga talumpati at deklarasyon, ngunit higit sa lahat sa pamamagitan ng pagkamalikhain. Ang The Twelve ni Blok, Mayakovsky's at Meyerhold's Mystery Buff, ang larawan ni Altman na si Leniniana ay kabilang sa mga unang tunay na halaga ng rebolusyonaryong sining.
Ang V. E. Meyerhold ay kabilang sa mga pigura ng teatro ng Sobyet na masigasig na tinanggap ang pagbabago sa sitwasyong sosyo-politikal at nakita nito ang mga paraan upang mai-renew ang sining. Noong 1920, ang Theater ng RSFSR First ay binuksan sa Moscow, na pinamunuan ng direktor na ito. Ang isa sa mga pinakamahusay na pagtatanghal ng teatro na ito ay ang "Mystery Buff" batay sa dula ni V. Mayakovsky, na naglalaman ng parehong kasalukuyang rebolusyonaryong tema at ang aesthetic na paghahanap para sa isang bagong theatrical art. Nangunguna sa "kaliwang harapan" ng sining, V.E. Inilathala ni Meyerhold ang isang buong programa na tinatawag na "Theatrical October", kung saan ipinahayag niya "ang kumpletong pagkawasak ng lumang sining at ang paglikha ng isang bagong sining sa mga guho nito." Theatrical figure P.A. Sumulat si Markov tungkol dito: "Ang inihayag na "Theatrical October" ay nagkaroon ng kapana-panabik at hindi mapaglabanan na epekto sa amin. Sa loob nito nakakita kami ng outlet para sa lahat ng hindi malinaw na paghahanap. Para sa lahat ng hindi pagkakapare-pareho ng slogan na ito, naglalaman ito ng maraming bagay na tumutugma sa panahon, panahon, kabayanihan ng mga taong nagtagumpay sa gutom, lamig, pagkasira sa kanilang trabaho, at halos hindi namin napansin ang pagpapasimple ng pagiging kumplikado ng mga gawaing nakapaloob dito. slogan.
Ito ay medyo kabalintunaan na si Meyerhold ang naging ideologist ng direksyon na ito, dahil bago ang Rebolusyon ay nakatuon siya sa pag-aaral ng mga tradisyon ng nakaraan at sa klasikal na teatro sa pangkalahatan. Kasabay nito, siya ay naging isang huwarang pigura kung paano "nagsilang" ang isang bagong makasaysayang panahon ng mga bagong artista na handa para sa lahat ng uri ng mga malikhaing eksperimento at pagbabago, ito ay pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre na nilikha niya ang kanyang pinakamahusay na mga makabagong produksyon. .
Ang mga makabagong ideya ng direktor ay natagpuan ang pagpapahayag ng entablado sa loob ng balangkas ng mga aktibidad ng Teatro ng RSFSR1 na nilikha niya. Sa sikat na entablado na ito, itinatanghal ang iba't ibang mga bagong dula sa mga paksang isyu, kabilang ang sa fashionable at topical na genre ng "performance-rally". Interesado din si Meyerhold sa mga klasikal na gawa ng panitikan, mga manunulat ng dula at tulad ng The Government Inspector ni N. Gogol at iba pa. Likas na eksperimento, nagtrabaho siya nang may ganap na magkakaibang paraan ng pagpapahayag. Sa kanyang mga produksyon, mayroong isang lugar para sa mga kombensiyon sa entablado, kataka-taka, eccentricity, biomechanics, at, sa parehong oras, mga klasikal na theatrical techniques. Ang pagsira sa mga hangganan sa pagitan ng manonood at ng entablado, ng madla at ng mga aktor, madalas niyang inilipat ang bahagi ng aksyon nang direkta sa auditorium. Bilang karagdagan, si Meyerhold ay kabilang sa mga kalaban ng tradisyunal na "eksena ng kahon". Bilang karagdagan sa mga paraan ng scenography at costume, ang direktor ay gumamit ng mga frame ng pelikula na ganap na hindi karaniwan para sa mga oras na iyon, na ipinakita sa "backdrop", pati na rin. bilang mga hindi pangkaraniwang elemento ng konstruktivist.
Noong kalagitnaan ng 20s, nagsimula ang pagbuo ng isang bagong drama ng Sobyet, na may napakaseryosong epekto sa pag-unlad ng lahat ng theatrical art sa kabuuan. Kabilang sa mga pangunahing kaganapan sa panahong ito, maaari nating banggitin ang pangunahin ng dulang "Storm" batay sa dula ni V. N. Bill-Belotserkovsky sa Teatro. MGSPS, produksyon ng "Lyubov Yarovaya" ni K.A. Trenev sa Maly Theatre, pati na rin ang "The Break" ng playwright na si B. A. Lavrenev sa Theater. E. B. Vakhtangov at sa Bolshoi Drama Theater. Gayundin, ang dula na "Armored Train 14-69" ni V.V. Ivanov sa entablado ng Moscow Art Theater ay naging matunog. Kasabay nito, sa kabila ng maraming kamakailang mga uso, isang mahalagang lugar sa repertoire ng mga sinehan ang ibinigay sa mga klasiko. Sa mga akademikong sinehan, ang mga nangungunang direktor ay gumawa ng mga kagiliw-giliw na pagtatangka sa isang bagong pagbabasa ng mga pre-rebolusyonaryong dula (halimbawa, "Hot Heart" ni A.N. Ostrovsky sa Moscow Art Theater). Ang mga tagasuporta ng "kaliwa" na sining ay bumaling din sa mga klasikal na paksa (napansin namin ang "The Forest" ni A. N. Ostrovsky at "The Government Inspector" ni N. V. Gogol sa Meyerhold Theater).
Isa sa mga pinaka mahuhusay na direktor ng panahon ng A.Ya. Itinaguyod ni Tairov ang repraksyon ng mga paksang tema sa paggawa ng mga dula ng mga mahuhusay na klasiko noong nakalipas na mga siglo. Malayo sa pulitika at alien ang direktor sa hilig na pamumulitika ang sining. Kahit na sa mga taong ito ng mga eksperimento at bagong uso, nagtrabaho siya nang may mahusay na tagumpay sa genre ng isang trahedya na pagganap - itinanghal niya ang isang landmark na produksyon ng Phaedra (1922) batay sa isang dula ni Racine batay sa isang sinaunang alamat. Interesado din si Tairov sa genre ng harlequinade ("Zhirofle-Zhiroflya" ni C. Lecoq, 1922). Mula sa isang konseptwal na pananaw, hinangad ng direktor na pagsamahin ang lahat ng mga elemento ng sining ng pagganap (mga salita, musika, pantomime, sayaw, disenyo ng larawan), iyon ay, sa tinatawag na "synthetic theater". Inihambing ni Tairov ang kanyang masining na programa sa parehong "conventional theater" at naturalistic na teatro ni Meyerhold.
Noong Pebrero 1922, nagsimula ang pag-iral ng teatro-studio sa ilalim ng direksyon ni E. B. Vakhtangov. Sa panahon ng NEP, ang mga teatro, na naglalayong makaakit ng bagong madla (ang tinatawag na "Nepmen"), ay naghangad na magtanghal ng mga dula ng "light genre" - mga fairy tale at vaudeville. Sa ugat na ito, si Vakhtangov ay nagtanghal ng isang dula batay sa engkanto ni Gozzi na "Princess Turandot", na naging walang kamatayan, kung saan ang matalim na panlipunang pangungutya ay nakatago sa likod ng panlabas na kagaanan at komedya ng mga sitwasyon. Naalala ng aktor at direktor na si Yu. A. Zavadsky: "Ayon sa plano ni Vakhtangov, ang dula na "Princess Turandot" ay una sa lahat na tinutugunan sa malalim na kakanyahan ng tao ng manonood. Siya ay may dakilang kapangyarihang nagpapatibay sa buhay. Iyon ang dahilan kung bakit ang lahat ng nakakita sa mga pagtatanghal ng Turandot sa unang pagkakataon ay pananatilihin ang mga ito sa kanilang alaala bilang isang mahalagang kaganapan, bilang isang bagay na pagkatapos ay iba ang pagtingin ng isang tao sa kanyang sarili at sa iba, nabubuhay nang iba.
"Kung nais ng isang artista na lumikha ng 'bago', upang lumikha pagkatapos nito, ang Rebolusyon, ay dumating, kung gayon dapat siyang lumikha ng 'kasama' kasama ang mga Tao," sabi ni Vakhtangov.
Noong 1926, ang premiere ng dula ni Trenev na Love Yarovaya ay naganap sa Moscow Maly Theatre, na naging napakapopular sa mga sumunod na dekada. Isinalaysay ng pagtatanghal na ito ang tungkol sa isa sa mga yugto ng katatapos na digmaang sibil, tungkol sa katapangan at kabayanihan ng mga tao.
Noong Oktubre 1926, ang premiere ng dula ni M. Ang "Mga Araw ng Turbins" ni A. Bulgakov, ang direktor ng produksyon ay si K.S. Stanislavsky, ang direktor - I. Ya. Sudakov. Ang dula ay pumukaw sa galit ng mga kritiko, na nakita dito ang katwiran ng mga Puti. "Ang talas at kawalang-kilos ng karamihan sa mga pagsusuri noon ng Days of the Turbins ay bahagyang dahil sa katotohanan na ang Artistic Theater ay karaniwang itinuturing ng mga kritiko ng "kaliwang harapan" bilang isang teatro na "burges", "dayuhan sa rebolusyon." ”.
Sa unang post-rebolusyonaryong dekada, ang pangunahing tuntunin na nagtatakda ng tagumpay ng madla at ng mga awtoridad. Kasabay nito, ito ay isang oras (ang tanging dekada sa buong pagkakaroon ng USSR) kung saan ang ganap na magkakaibang mga estilo at direksyon ay magkakasamang umiral sa mga yugto. Halimbawa, sa panahong ito lamang makikita sa iba't ibang yugto ang "futuristic politicized na "performance-rallies" ni Meyerhold, ang pino, mariin na asocial psychologism ni Tairov, ang "fantastic realism" ni Vakhtangov, at mga eksperimento ng batang N. Sats na may mga pagtatanghal para sa mga bata, at patula. teatro sa Bibliya Habima ixcentric FEKS. Ito ay isang tunay na kahanga-hangang panahon para sa mga pigura ng sining sa teatro.
Kaayon, mayroon ding tradisyonal na direksyon, na nai-broadcast ng Moscow Art Theater, ang Maly Theatre, Alexandrinsky. Noong kalagitnaan ng 1920s, ang Moscow Art Theater ay naging pinaka-maimpluwensyang teatro kasama ang sikolohiya ng dula sa entablado ("Hot Heart" ni A.N. Ostrovsky, "Days of the Turbins" ni M.A. Bulgakov, 1926,
Crazy Day, o The Marriage of Figaro ni Beaumarchais, 1927). Ang ikalawang henerasyon ng mga aktor ng Moscow Art Theater ay malakas na nagpahayag sa sarili nito: A.K. Tarasova, O.N. Androvskaya, K.N. Elanskaya, A.P. Zueva, N.P. Batalov, N.P. Khmelev, B.G. Dobronravov, B.N. Livanov, A.N. Gribov, M.M. Yashin at iba pa.Pagbuo batay sa pamamaraan ng sosyalistang realismo, ipinagpatuloy ng teatro ng Sobyet ang pinakamahusay na mga tradisyon ng rebolusyonaryong makatotohanang sining. Ngunit ang mga teatro na ito ay umunlad din sa diwa ng modernidad at nagtanghal ng mga pagtatanghal sa mga sikat na bagong istilo - rebolusyonaryo at satirical - sa kanilang repertoire, ngunit ito ay mas mahirap para sa mga teatro na ito sa panahon ng diin sa pagbabago kaysa bago ang Rebolusyon. Ang isang mahalagang papel sa pag-unlad ng sining ng teatro ng Sobyet ay patuloy na ginampanan ng sistemang Stanislavsky, na nilikha bago ang 1917, na idinisenyo upang ganap na isawsaw ang aktor sa kung ano ang nangyayari, upang makamit ang sikolohikal na pagiging tunay.
Ang susunod na panahon sa kasaysayan ng teatro ng Russian Soviet ay nagsimula noong 1932. Binuksan ito ng resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks "Sa muling pagsasaayos ng mga organisasyong pampanitikan at artistikong." Ang oras ng mga malikhaing paghahanap at masining na mga eksperimento ay tila sa nakaraan. Ngunit sa parehong oras, ang mga mahuhusay na direktor at artista ay patuloy na nagtatrabaho sa mga sinehan ng Sobyet, na, sa kabila ng censorship at pampulitikang kontrol sa sining, patuloy na lumikha ng mga kagiliw-giliw na produksyon at bumuo ng theatrical art. Ang problema ngayon ay ang ideolohiya ay makabuluhang pinaliit ang mga hangganan ng kung ano ang "pinahihintulutan" - mga paksa, mga larawan, mga gawa na maaaring gamitin, at mga opsyon para sa pagbibigay-kahulugan sa mga ito. Ang pag-apruba ng mga artistikong konseho at awtoridad ay tumanggap ng mga pagtatanghal ng isang makatotohanang direksyon. Kung ano ang ilang taon na ang nakalilipas ay napansin nang malakas ng parehong mga kritiko at manonood - simbolismo, konstruktibismo, minimalism - ngayon ay nahatulan para sa pagkahilig, pormalismo. Gayunpaman, ang teatro ng unang kalahati ng 30s ay humanga sa pagkakaiba-iba ng artistikong nito, ang tapang ng mga desisyon ng direktor, ang tunay na pamumulaklak ng pag-arte, kung saan ang mga sikat na master at kabataan, napaka-magkakaibang artista ay nakikipagkumpitensya.
Noong 1930s, ang teatro ng Sobyet ay makabuluhang pinayaman ang repertoire nito sa pamamagitan ng pagsasama ng mga dramatikong gawa ng mga klasikong Ruso at Kanlurang Europa. Noon ay nilikha ang mga pagtatanghal na nagdala ng katanyagan sa teatro ng Sobyet bilang pinakamalalim na tagapagsalin ng gawa ng mahusay na manunulat ng Ingles na si Shakespeare: Romeo at Juliet sa Revolution Theater (1934), Othello sa Maly Theater, King Lear sa GOSET ( 1935), Macbeth ". Gayundin, ang panahong ito ay minarkahan ng isang mass appeal ng mga sinehan sa pigura ni M. Gorky, na hindi gaanong kawili-wili sa mga direktor bago ang Rebolusyon. Ang kumbinasyon ng socio - pampulitika at personal - emosyonal na mga tema ay tiyak na mapapahamak sa tagumpay. Kasabay nito, nagtataglay sila, bilang karagdagan sa mga katangiang kinakailangan mula sa punto ng view ng ideolohiya, mga kahanga-hangang artistikong merito. Ang nasabing mga dula ay "Egor Bulychov and Others", "Vassa Zheleznova", "Enemies".
Mahalagang maunawaan na sa panahong ito, lumitaw ang isang kriterya na hindi pa umiiral noon para sa pagsusuri ng anumang gawa ng sining: ideological-thematic. Kaugnay nito, maaalala natin ang gayong kababalaghan sa teatro ng Sobyet noong 1930s bilang mga pagtatanghal ng mga "Leninians", kung saan lumitaw si V. Lenin hindi bilang isang tunay na tao, ngunit bilang isang uri ng epikong makasaysayang karakter. Ang ganitong mga produksyon ay gumanap sa halip na panlipunan at pampulitika na mga tungkulin, bagaman maaari silang maging kawili-wili, puno at malikhain. Kabilang dito ang "A Man with a Gun" (Vakhtangov Theatre), kung saan ginampanan ng kahanga-hangang aktor na si B. Shchukin ang papel ni Lenin, pati na rin ang "Pravda" sa Theater of the Revolution, si M. Strauch ay gumanap bilang si Lenin.
1930s pa rin. medyo tragically sumasalamin sa Russian kultura. Maraming mga mahuhusay na tao, kabilang ang mga pigura ng teatro ng Russia, ay pinigilan. Ngunit ang pag-unlad ng teatro ay hindi tumigil, lumitaw ang mga bagong talento na, hindi katulad ng mga kinatawan ng mas matandang henerasyon, alam kung paano mamuhay sa mga bagong kondisyong pampulitika at pinamamahalaang "maneuvre", na naglalaman ng kanilang sariling mga malikhaing ideya at kumikilos sa loob ng balangkas ng censorship. . Noong 1930s, lumitaw ang mga bagong pangalan ng direktoryo sa nangungunang mga yugto ng teatro sa Leningrad at Moscow: A. Popov, Yu. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Knebel, at iba pa.
Bilang karagdagan, ang mga may talento, edukado, orihinal na mga direktor ay nagtrabaho sa ibang mga lungsod ng Unyong Sobyet. Ang antas ng edukasyon ay lumago sa lahat ng dako, mga pampublikong aklatan, paaralan, at, siyempre, nagsimulang lumitaw ang mga teatro.
Ang 1920s at 1930s ay nagbigay sa bansa ng bagong henerasyon ng mga aktor. Ito ang mga artista ng "bagong pormasyon" na pinag-aralan noong panahon ng Sobyet. Hindi na nila kailangang muling matuto mula sa mga lumang stereotype, organikong naramdaman nila ang kanilang sarili sa mga pagtatanghal ng bago, modernong repertoire. Sa Moscow Art Theater, kasama ang mga luminaries tulad ng O. Knipper-Chekhova, V. Kachalov, L. Leonidov, I. Moskvin, M. Tarkhanov, N. Khmelev, B. Dobronravov, O. Androvskaya, A. Tarasova ay inihayag ang kanilang sarili , K. Elanskaya, M. Prudkinidr. Ang mga aktor at direktor ng Moscow Art Theatre School - I. Bersenev, S. Birman, S. Giatsintova - ay nagtrabaho nang may mahusay na tagumpay sa Moscow Theater ng Lenin Komsomol (dating TRAM). Ang mga artista ng mas lumang henerasyon na A. Yablochkina, V. Massalitinova, V. Ryzhova, A. Ostuzhev, P. Sadovsky ay nagpatuloy sa kanilang malikhaing aktibidad sa Maly Theatre; sa tabi nila, isang kilalang lugar ang inookupahan ng mga batang aktor: V. Pashennaya, E. Gogoleva, M. Zharov, N. Annenkov, M. Tsarev, I. Ilyinsky (isa sa mga pinakasikat na aktor ng panahong ito, na nagsimula sa Meyerhold).
Sa dating Alexandrinsky Theatre, na noong 1937 ay pinangalanang A. Pushkin, ang pinakamataas na antas ng creative ay pinananatili pa rin salamat sa mga sikat na matandang masters tulad ng E. Korchagina-Aleksandrovskaya, B. Gorin-Goryainov, Yu. Yuriev, I. Pevtsov. Kasama nila, lumitaw ang mga bagong talento sa entablado - N. Rashevskaya, E. Karyakina, E. Wolf-Israel, N. Cherkasov. Sa entablado ng Vakhtangov Theatre makikita ang mga mahuhusay na aktor tulad ng B. Shchukin, A. Orochko, Ts. Mansurova. Hindi sila mababa sa kanila sa mga tuntunin ng antas ng pagiging malikhain ng mga tropa sa teatro. Moscow City Council (dating MGSPS at MOSPS), kung saan nilalaro ni V. Maretskaya, N. Mordvinov, O. Abdulov, Theater of the Revolution, Theater. Meyerhold (M. Babanova, M. Astangov, D. Orlov, Yu. Glizer, S. Martinson, E. Garin ay nagtrabaho dito). Karamihan sa mga pangalang ito ay nakasulat sa kasaysayan ng teatro ngayon at kasama sa mga encyclopedia.
Tandaan natin ang isang quantitative indicator: noong kalagitnaan ng 1930s, ang bilang ng mga aktor sa USSR ay tumaas ng limang beses kumpara noong 1918. Ang katotohanang ito ay nagmumungkahi na ang bilang ng mga sinehan (at mga bokasyonal na paaralan) ay patuloy na lumalaki, ang mga bagong drama at musikal na mga sinehan ay binuksan sa lahat ng mga lungsod ng bansa, na napakapopular sa lahat ng bahagi ng populasyon ng bansa. Ang teatro ay umunlad, pinayaman ng mga bagong anyo at ideya. Ang mga pambihirang direktor ay nagtanghal ng magagandang pagtatanghal, ang mga mahuhusay na aktor ng panahon ay lumitaw sa entablado.
1.2 Theatrical innovation at ang papel nito sa pag-unlad ng sining ng Sobyet
Ang Rebolusyong Oktubre ay nagdulot ng inspirasyon at pananampalataya sa isang tunay na hinaharap, na nag-aalis ng mga hadlang sa lipunan sa edukasyon, kultura, at malikhaing pagpapahayag ng sarili. Ang sining ay napuno ng mga bagong mithiin at mga bagong paksa. Ang rebolusyonaryong pakikibaka, digmaang sibil, pagbabago sa istrukturang panlipunan, buhay publiko, simula ng isang ganap na naiibang yugto ng kasaysayan, ang pagbuo ng uri ng personalidad na "Sobyet" ang naging pangunahing tema sa sining.
Ang mga creative intelligentsia ng Russia, sa karamihan, ay napagtanto ang mga kaganapan noong 1917 bilang simula ng isang bagong panahon hindi lamang sa kasaysayan ng bansa, kundi pati na rin sa sining: "Binaliktad ni Lenin ang buong bansa - tulad ng ginagawa ko. sa aking mga kuwadro na gawa”45, isinulat ni Marc Chagall noon ay commissar pa rin para sa sining sa People's Commissariat for Education Lunacharsky.
Paano nakita ng mga lumikha nito ang landas ng bagong sining ng teatro? Halimbawa, masigasig, ngunit sa diwa ng panahon - ang direktor at teorista na si Zavadsky ay nagsalita tungkol dito: "Tinitingnan namin ang aming paligid - ang buhay ay mabilis na umuunlad, ang mga magagandang katangian ng isang bagong, Sobyet na tao ay umuusbong. Ngunit sa tabi ng kagandahang ito ay nabubuhay ang pangit: kabastusan, kayabangan, panunuhol, dudes, speculators, magnanakaw, taong-bayan at bulgar na mga taong nanlalait sa ating buhay. At hindi namin nais na magtiis sa kanilang pag-iral! Ang ating debosyon sa dakilang super-task ay nag-oobliga sa atin na hindi magkasundo. Itaas at purihin ang liwanag, bastusin ang dilim, bumagsak dito nang may pagnanasa kay Gogol. Tandaan ang kanyang mga salita tungkol sa ating mga dakilang satirista?
"Ang walang awa na kapangyarihan ng kanilang panunuya ay sinindihan ng apoy ng liriko na galit." Oo, galit, apoy, inspirasyon - lahat ng mga pagpapakitang ito ng klasikal na pagkamalikhain ng Russia - ay dapat na ang ating lakas ngayon, ang ating sandata militar. "Ngayon ang mga salitang ito ay tila sa atin. mapagpanggap, masyadong agitational, exaggeratedly maapoy. Ngunit sa katotohanan, ang sining ng teatro noong 1920s at unang bahagi ng 1930s ay tunay na napuno ng sigasig na ito, ang pagnanais na lumikha ng mga bagong mithiin, upang ipakita kung paano nagbabago ang buhay sa bansa para sa mas mahusay, upang ipakita sa entablado ang isang nabago, mas perpektong moral na tao.
Mula sa isang konseptwal na pananaw, ito ay walang alinlangan na isang pagbabago, dahil. Ang pre-rebolusyonaryong teatro (pati na rin ang panitikan) ay higit na nakatuon sa panloob na mundo ng isang tao, ang globo ng mga personal na relasyon at nakatuon sa pang-araw-araw at mga paksang pampamilya. Kasabay nito, at sa loob ng balangkas ng mga naturang paksa, posible na hawakan ang pinakamataas at pandaigdigang mga isyu sa buhay, ngunit ang teatro ng Sobyet ay nangangailangan ng bahagyang naiibang pagpili ng mga plot at diskarte sa pagpapatupad.
Tungkol saan ito? Ang ideolohiya ay nag-broadcast ng mga bagong halaga na aktibong (kabilang ang sa pamamagitan ng mga theatrical productions) na ipinakilala sa lipunan at "itinanim" sa mga taong Sobyet. Ang personal ay nagsimulang ituring na pangalawa at hindi gaanong mahalaga kung ihahambing sa kolektibo. Kailangang ibigay ng isang tao ang lahat ng kanyang lakas sa pagtatayo ng isang bagong estado. At ang teatro, una batay sa taos-pusong paniniwala sa ideyang ito ng mga cultural figure, at pagkatapos ay sa isang mahigpit na setting ng pulitika, ay nag-alok sa manonood ng ideyang ito sa iba't ibang estilo at produksyon. Walang alinlangan, “itinuring ng estado ng manggagawa at magsasaka ang teatro bilang isang mahalagang lugar para sa edukasyon ng mga tao. Nakita ng Partidong Bolshevik ang teatro bilang konduktor ng impluwensya nito sa masa. Ang pagtatayo ng isang bagong kultura ay naging isang bagay ng pambansang alalahanin."
Bilang karagdagan, ang pagbabago ng buhay ng estado at lipunan, lahat ng pampulitika at panlipunang katotohanan ay nangangailangan din ng isang bagong diskarte sa pagtatanghal ng mga klasikal na gawa, na masigasig na tinanggap ng mga modernong direktor.
Malinaw na pagkatapos ng Rebolusyon, ang teatro ay nagpunta sa maraming paraan sa iba't ibang landas kaysa sa iminungkahing nakaraang pag-unlad nito. Gayunpaman, mahalagang maunawaan na ang paglipat sa "mga bagong track" ay naganap nang unti-unti, kahit na may mga hindi mapakali na mga eksperimento at innovator sa mga direktor na napagtanto ang panahong ito bilang isang tunay na hininga ng sariwang hangin, na nagpapahintulot sa kanila na lumikha ng mga pagtatanghal hanggang ngayon. hindi nakikitang mga istilo at anyo.
Ngunit hindi ito palaging nangyari. Maraming mga figure ang hindi kaagad, ngunit unti-unting naunawaan na ang mga bagong tema, mga plot ay dapat na katawanin sa teatro, dapat lumitaw ang mga bagong genre. Sa paggalugad sa unang bahagi ng kasaysayan ng teatro ng Sobyet, isinulat ni Zolotnitsky: "Isang pag-alis mula sa makasaysayang katotohanan na ipakita ang bagay na parang bawat solong teatro, bawat solong teatro na tao ay masigasig na tinanggap ang rebolusyon, agad na naunawaan at natanto na ang auditorium ay naging iba-iba at iba na ang requirements para may dala siyang sining. Ang landas ng mga lumang teatro sa rebolusyon ay paikot-ikot, ang mga teatro na ito ay napuno ng mga ideya ng sosyalismo sa ilalim lamang ng impluwensya ng mahirap na karanasan sa buhay, sa huling pagsusuri lamang, at hindi kaagad at hindi biglaan.
Kasabay nito, mahalagang maunawaan (na hindi palaging sumasalamin sa mga "tagabuo" ng rebolusyonaryong teatro) na ang tradisyonalismo ay hindi dapat sumalungat sa pagbabago, bilang isang bagay na lipas na, dayuhan sa bagong sining ng Sobyet at walang karapatan. sa yugto ng buhay. Sa katunayan, ang mga tradisyon ng nakaraan, na nilikha sa loob ng higit sa dalawang siglo ng pagkakaroon ng isang propesyonal na teatro ng Russia, ay kailangang mapanatili, na nakakuha ng ilang iba pang mga tampok at istilo. Naunawaan ito ng mga nangunguna sa panahon gaya nina K. Stanislavsky at A. Lunacharsky at ang kanilang mga pinaka-perspicacious na kontemporaryo. Ang kabuuang pagkawasak ng luma ay hindi katanggap-tanggap para sa sining, kung saan ang lahat ng mga pagbabago ay palaging lumalaki sa pundasyon ng karanasan at tradisyon. "Kami ay nagtatrabaho nang sistematiko, kami ay gumagawa sa paraang ang proletaryado ay hindi magtapon sa amin ng isang kapintasan sa kalaunan na kami ay sumira at nawasak ang napakalaking halaga nang hindi tinatanong ito sa isang sandali kung kailan, sa ilalim ng lahat ng mga kondisyon ng kanyang buhay, ito. hindi makapagpahayag ng sarili nitong paghatol tungkol sa kanila. Kami ay gumagawa sa paraang hindi makompromiso ang paparating na proletaryong sining, itinaas ito sa pamamagitan ng opisyal na pagtangkilik.
Sa mga unang post-rebolusyonaryong taon, maraming ginawa si A. Lunacharsky upang mapanatili ang mga imperyal na sinehan - ang Moscow Art Theater, Alexandrinsky, Bolshoi, Mariinsky, bagaman marami ang naniniwala na ang lahat ng luma ay dapat sirain, dahil. Ang sining ng "salon" na ipinakita sa mga yugtong ito ay hindi makakahanap ng lugar para sa sarili nito sa bagong katotohanan. Ang pambihirang talino, edukasyon at awtoridad ni A. Lunacharsky ay nakatulong upang maiwasan ang hindi maibabalik na pag-unlad ng mga kaganapan. Siya ay lubos na nakakumbinsi at, tulad ng ipinakita ng kasaysayan ng susunod na siglo, ganap na wastong ipinaliwanag kung bakit sa magandang bagong mundo kinakailangan upang makahanap ng isang lugar para sa mga teatro na umiral bago ang 1917. "Ang mga kinatawan ng mga manggagawa ay madalas na lumapit sa akin na may iba't ibang mga kahilingan sa teatro. Tov. Malamang na nagulat si Bukharin sa katotohanang hindi man lang hiniling ng mga manggagawa sa akin na dagdagan ang pag-access sa kanila para sa rebolusyonaryong teatro, ngunit sa kabilang banda, madalas silang humihingi ng opera at ... ballet. Baka magalit si Kasamang Bukharin dito? Medyo ikinagagalit ako nito. Alam ko na ang propaganda at pagkabalisa ay nagpapatuloy tulad ng dati, ngunit kung kukunin mo ang iyong buong buhay sa propaganda at pagkabalisa, kung gayon ito ay magiging boring. Alam ko na ang mga nakakatakot na iyak na maririnig kung minsan ay magiging mas madalas: "narinig, pagod, usapan."
Gayundin sa kanyang mga kaisipan, na direktang nauugnay sa panahon ng interes sa atin, isinulat ni A. Lunacharsky: mga teatro sa kanilang lumang craftsmanship; hindi napapanahon, una, dahil ang posisyon sa pangangailangang magtayo ng higit pang proletaryong kultura batay sa asimilasyon ng mga kultural na tagumpay ng nakaraan ay tinanggap na ngayon ng lahat; pangalawa, dahil, tulad ng makikita sa mga sumusunod, ang mga teatro sa pangkalahatan ay nagsisimula nang bumaling tungo sa panlipunang realismo, na nagpapakilala sa marami kung gaano kahalaga na mapanatili ang pinakamahusay na mga sentro ng theatrical realism hanggang sa ating panahon; at pangatlo, at sa wakas, dahil ako mismo, na labis na nakipaglaban para sa pangangalaga ng mga sinehang ito, ay nalaman na ngayon ay napakaliit na ng preserbasyon, at dumating na ang panahon na ang mga akademikong sinehan na ito ay dapat sumulong.
Naisip ni Zavadsky sa parehong ugat: "Ginagabayan ng mga gawain sa hinaharap, dapat nating pagtagumpayan ang haka-haka, maling pagsalungat ng mga tunay na tradisyon at pagbabago. May mga tradisyon at tradisyon. May mga tradisyon na naging panghihiram ng handicraft taun-taon, paulit-ulit na stereotype, mga desisyon sa entablado, mga diskarte, mga cliché na nawalan ng ugnayan sa buhay, at may mga tradisyon na ating pinoprotektahan at pinarangalan bilang isang sagradong relay race. Ang tradisyon ay, parang kahapon ng ating sining, ang pagbabago ay isang kilusan patungo sa bukas nito. Ang kahapon ng teatro ng Sobyet ay hindi lamang Stanislavsky, ito ay Pushkin at Gogol, ito ay Shchepkin at Ostrovsky, ito ay Tolstoy, Chekhov at Gorky. Ito ang lahat ng advanced, ang pinakamahusay sa aming panitikan, musika, teatro, ito ay mahusay na sining ng Russia.
Bilang resulta, ang tradisyonal na teatro ay napanatili ang posisyon nito (bagaman ito ay dumanas ng maraming pag-atake mula sa mga tagasunod ng "pagsira sa lumang mundo"). Kasabay nito, ang mga makabagong ideya noong 1920s ay mas aktibong binuo kaysa dati. Bilang resulta, kung pag-uusapan natin ang sining ng teatro noong 1920s-1930s, at, higit sa buong mundo, tungkol sa kulturang sining ng panahong iyon, dalawang nangungunang uso ang maaaring makilala: tradisyonalismo at avant-garde.
Sa kasaysayan ng kultura, ang oras na ito (hindi lamang sa ating bansa) ay itinuturing na tiyak bilang isang panahon ng iba't ibang mga malikhaing paghahanap, ang sagisag sa pagpipinta, musika, teatro ng mga hindi inaasahang at tila walang katotohanan na mga ideya at isang hindi pangkaraniwang pamumulaklak ng mga orihinal na ideya at pantasya. Bilang karagdagan, ang 1920s ay minarkahan ng isang tunay na pakikibaka ng iba't ibang mga estilo at uso sa teatro, na ang bawat isa ay nakamit ang mga seryosong tagumpay sa sining at nagpakita ng isang bilang ng mga mahuhusay na produksyon.
...Mga Katulad na Dokumento
Nangunguna sa mga malikhaing uso sa pag-unlad ng teatro ng Sobyet noong 1920s-1930s. Ang impluwensya ng sosyo-politikal na kaisipan sa pag-unlad ng sining sa teatro noong 1920s-30s. Lunacharsky A.V. bilang isang teorista at ideologo ng teatro ng Sobyet. Political censorship ng repertoire.
thesis, idinagdag noong 04/30/2017
Ang pag-unlad ng iba't ibang anyo ng sining ng teatro sa Japan. Mga tampok ng mga pagtatanghal sa teatro Noo. Mga katangian ng Kabuki theater, na isang synthesis ng pag-awit, musika, sayaw at drama. Mga heroic at love performance ng Kathakali theater.
pagtatanghal, idinagdag noong 04/10/2014
Makasaysayang mga kondisyon at pangunahing yugto sa pagbuo ng theatrical art sa Russia sa ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo, ang mga pangunahing problema nito at mga paraan upang malutas ang mga ito. Ang pagsilang ng isang bagong theatrical aesthetic noong 1950–1980 at mga tendensya ng pag-unlad nito sa post-Soviet period.
term paper, idinagdag noong 09/02/2009
Ang pagkakaiba-iba ng genre at mga anyo ng sining sa teatro sa Japan. Mga katangian at tampok ng papet na teatro na Bunraku. Ang simbolismo ng mga imahe ng Kabuki theater, shamisen music ay mahalagang bahagi nito. Pagbabago ng isang tao sa mga pagtatanghal ng No theater, mga maskara.
pagtatanghal, idinagdag noong 04/11/2012
Pagbuo ng isang pambansang propesyonal na teatro. Theater repertoire: mula sa interludes hanggang sa mga drama. Mga dula mula sa repertoire ng mga teatro sa lungsod. Iba't ibang anyo at genre. Mahirap na landas ng propesyonalisasyon ng teatro at ang pagpapakilala ng sining na ito sa isipan ng mga tao.
abstract, idinagdag 05/28/2012
Ang pinagmulan ng teatro ng Russia. Ang unang katibayan ng mga buffoon. Pagbuo ng orihinal na sining ng buffoon ng Russia. Teatro ng panahon ng sentimentalismo. Dibisyon ng teatro sa dalawang tropa. Teatro ng Russia noong panahon ng post-Soviet. Kasaysayan ng Maly Theatre.
pagtatanghal, idinagdag noong 12/09/2012
Pagsusuri ng pagkakatulad at pagkakaiba sa pag-unlad ng sining sa teatro sa Germany at Russia sa simula ng ika-20 siglo. Pag-aaral ng mga contact ng Russian-German sa larangan ng drama theatre. Pagkamalikhain ng mga cultural figure sa panahong ito. Theatrical expressionism at mga tampok nito.
thesis, idinagdag noong 10/18/2013
Ang pagbuo ng teatro ng Sinaunang Greece bilang isang institusyong panlipunan, ang mga tungkulin nito sa lipunan. Ang organisasyon ng theatrical action, ang paggamit ng pinakamahusay na mga nagawa ng epiko at lyrics ng Hellas, ang mga bayani ng sinaunang trahedya. Pilosopikal, pampulitika na mga problema ang batayan ng teatro.
abstract, idinagdag 04/22/2011
Ang lugar ng teatro sa pampublikong buhay ng Russia noong ika-19 na siglo. Ang pagtatanghal ng "Inspector General" ni Gogol noong 1836, ang kahalagahan nito para sa kapalaran ng yugto ng Russia. Ang interbensyon ng teatro sa buhay, ang pagnanais na maimpluwensyahan ang solusyon ng mga pangkasalukuyan na problema sa lipunan. Matinding pang-aapi sa censorship.
pagtatanghal, idinagdag noong 05/24/2012
Theater of Ancient Greece, mga tampok ng mga dramatikong genre ng panahong ito. Ang pagka-orihinal ng teatro ng Roma at ang Middle Ages. Ang Renaissance: isang bagong yugto sa pag-unlad ng teatro sa mundo, mga makabagong tampok ng teatro ng ika-17, ika-19 at ika-20 siglo, ang sagisag ng mga tradisyon ng mga nakaraang panahon.
1. Panimula.
2. "Mga pagdiriwang, pagdiriwang, pagdiriwang ng masa,
amateur theatrical movements noong 1920s at 1930s.
3. Konklusyon
4. bibliograpiya
Panimula.
Sa pagtatapos ng 1920s, ang bansang Sobyet ay lumipat mula sa panahon ng pagbawi hanggang sa muling pagtatayo ng pambansang ekonomiya. Nagsimula ang mga taon ng unang limang taong plano, ang mga taon ng malawakang konstruksyon ng sosyalismo.
Ang dekada thirties ay minarkahan ng malaking pagtaas sa antas ng kultura ng mga manggagawa sa ating bansa. Matagumpay na naisakatuparan ang rebolusyong pangkultura. Milyun-milyong tao ang naging mulat na tagabuo ng isang bagong buhay. Daan-daang libo ang sumugod sa mga paaralan, pabrika, unibersidad. Ang paglahok ng masa sa sining at pisikal na edukasyon, ang sports ay nakakuha ng isang hindi pa nagagawang sukat.
Ang mga pagdiriwang ng masa, ang mga pagtatanghal sa teatro ay lumilitaw na ngayon bilang isa sa pinakamahalagang anyo ng ideolohikal at pampulitikang organisasyon at self-organization ng masa, bilang instrumento sa pagtitipon ng mga pwersa, bilang. pagpapakita ng enerhiya, pagkamalikhain at inisyatiba ng mga manggagawa. Tumagos sa ilalim ng shell ng isang rebolusyonaryong holiday labor, ang sosyalistang kamalayan ay bumubuo ng istraktura nito, nagbibigay nito
isang malinaw at tumpak na oryentasyong panlipunan at sa parehong oras ay nagpapalakas ng sarili nitong aktibong papel sa buhay ng lipunan, patuloy na pinagkadalubhasaan ang kamalayan ng masa, pag-oorganisa sa kanila para sa pagtatayo ng isang komunistang lipunan.
Sa parehong mga taon, ang pagpapatuloy sa pagitan ng iba't ibang bahagi ng sosyalistang kasiyahan at mga lumang katutubong pagdiriwang, tradisyon, at kaugalian ay mas tiyak na nahayag. Kaya, mula sa kalagitnaan ng 1920s, ang mga mass festivities ng mga manggagawa ay nagsimulang isagawa sa lahat ng dako. Ang tradisyunal na katutubong anyo ng libangan na ito ay nagbibigay-kasiyahan sa pangangailangan para sa komunikasyong masa, para sa paggamit ng libreng oras sa isang kapaligiran ng kasiyahan at kagalakan.Ang mga relasyong sosyalista, sosyalistang buhay ay nakakaimpluwensya sa mga anyo ng mga katutubong pagdiriwang, punan ang mga ito ng bagong nilalaman.
Ang mga mass festivities, na may organisadong mga aktibidad sa paglalaro, lahat ng uri ng pagtatanghal, sayaw, atbp., ay nagiging isang pinagsamang anyo ng kultural na libangan para sa mga manggagawa
Mga pagdiriwang, pagdiriwang, pagdiriwang ng masa,
amateur theatrical na paggalaw ng 20-30s.
Ang isang karaniwang uri ng katutubong pagdiriwang sa mga taong iyon ay
at ang tinatawag na themed festivities. Sa mga pagdiriwang na ito, ang disenyo ng parke o istadyum at karamihan sa mga kaganapang pangkultura (mga eksibisyon, mga pag-uusap, mga pelikula, mga artistikong pagtatanghal) ay napapailalim sa pangunahing tema ng holiday, maging ito ay Araw ng Aklat. Araw ng Sinehan, Araw ng Teknolohiya. Araw ng mga Athlete.
Ang mga pista opisyal ng mga propesyon ay malawak na patok - malawakang pagdiriwang ng mga manggagawa ng mga pabrika at pabrika; dinaluhan sila hindi lamang ng mga manggagawa at empleyado ng mga negosyo, kundi pati na rin ng mga miyembro ng kanilang pamilya.
Sa pinakadulo simula ng 1930s, ang mga theatrical rally ay napakapopular. Sa Central Park of Culture and Recreation lamang. A. M. Gorky noong tag-araw ng 1931, tatlumpu't dalawang ganoong rali ang ginanap. Pagbuo at pagpapayaman sa mga tradisyon ng mga pampulitikang rali ng mga unang taon ng rebolusyon, ang theatrical rally ay isang bagong anyo ng malawakang pampulitika
pagkabalisa. Pinagsama-samang mga koro at orkestra, mga grupo ng mga master ng artistikong salita na ginanap dito. Isang espesyal na disenyo ang inihanda para sa naturang rally, ang iba't ibang uri ng sining ay dinagdagan ang mga militanteng propaganda na talumpati ng mga tagapagsalita. Higit sa isang beses ang pinakamahahalagang kaganapang pampulitika ng mga taong iyon ay agad na naaninag sa mga theatrical rally sa mga berdeng sinehan ng mga parke at istadyum.
Noong 1930s, naging laganap ang mga mass musical festival, kabilang ang mga song festival. Kaya, sa huling bahagi ng 1920s at 1930s, ang mga music olympiad ay ginaganap taun-taon sa Leningrad.
Noong 1930s, sistematikong idinaos ang mga republikang pagsusuri ng mga amateur na pagtatanghal. Ang unang All-Union Olympiad ng amateur art, na ginanap noong tag-araw ng 1932 sa Central Park of Culture and Leisure sa Moscow, ay minarkahan ang simula ng magagandang pista opisyal ng pagsusuri ng mga katutubong talento. Nagtapos ang pagsusuri sa isang napakagandang pagdiriwang ng musikal, kung saan mahigit limang libong tao mula sa amateur choral at musical group ang nakibahagi.
Maraming mga parke ang nagdaraos ng isang araw ng musika bawat taon.
Sa tag-araw ng 1935, ang kapanganakan ng karnabal ng Sobyet bilang isang independiyenteng anyo ng isang mass theatrical festival ay nagsimula.
Ang mga elemento ng karnabal (mga maskara, kasuotan), lalo na ng isang satirical na kalikasan, ay malawakang ginagamit sa mga mass performance at kasiyahan mula sa mga unang taon ng kapangyarihan ng Sobyet; nagkaroon pa nga ng katagang "political carnival". Ngunit pagkatapos ito ay mas katulad ng mga buhay na larawan, at hindi isang karnabal sa wastong kahulugan ng salita. Ang pagiging tiyak ng anumang karnabal ay nakasalalay sa direkta, masayahin at aktibong partisipasyon ng masa sa iba't ibang laro, biro, at libangan.
Ang mga karnabal ay mabilis na nakakuha ng pagkilala sa mga kabataan. Mula noong 1935, ginanap ang mga ito sa maraming lungsod at rehiyon ng ating bansa, na nagpapakita ng matalinong pag-imbento at katalinuhan ng kanilang mga organizer at kalahok.
Noong 1930s, umunlad ang mga pagdiriwang ng palakasan sa iba't ibang uri sa mga istadyum, parke, at mga parisukat. Ang mga pagtatanghal at kompetisyon ng pisikal na kultura ay naging mahalagang bahagi ng maraming iba pang mga pista opisyal. Sa kanilang pagiging masayahin at nakakahawang kasiglahan, nag-ambag sila sa karagdagang pag-unlad ng Sobyet
pangmasang isports.
Simula noong 1931, sa loob ng ilang taon, taun-taon sa Araw
kultura at libangan, isang malaking winter parade-holiday ang ginanap.
kung saan ang parehong mga sundalo ng Pulang Hukbo at mga sibilyan ay lumahok
Magdala ng makabuluhang pagbabagong-buhay sa mga pagdiriwang ng taglamig
pagpapanumbalik mula sa simula ng 30s ng New Year tree holiday, na hindi ipinagdiriwang noong 20s.
Walang uliran sa inspirasyon, ang pakiramdam ng pambansang pagmamataas ay ang mga pista opisyal na niluluwalhati ang mga pagsasamantala ng mga piloto ng falcon, ang mga unang bayani ng Unyong Sobyet, ang mga Chelyuskinites.
Ang isang espesyal na lugar sa mga taon ng unang limang taong plano ay inookupahan ng mga mass dramatization at theatrical performances sa mga parke at stadium.
Ang monumental na pagtatanghal ng "Open front", ginawa sa
XVI Congress of the RCP (6) noong 1930, ayon sa likas na katangian ng script at interpretasyon ng direktor, ay nagpatuloy sa linya ng mga pagtatanghal ng Leningrad ng mga unang taon ng rebolusyon. Puno ito ng paksang pampulitika na materyal at aktibong nag-ambag sa pagpapakilos ng masa para sa pagpapatupad ng mga desisyon ng 16th Congress ng All-Union Communist Party of Bolsheviks sa pagtatayo ng sosyalismo sa ating bansa.
Noong 1920s, isang bagong uri ng mga pagtatanghal sa teatro ang lumitaw at nakatanggap ng malawakang laganap. asul na blusa. Sa una, ang "Blue Blouse" ay ang pangalan ng Moscow circle ng Institute of Journalism (organisador at pinuno - B. Yuzhanin), na ang mga miyembro ay gumanap sa mga asul na blusang. Ang mga unang pagtatanghal ng bilog na ito ay nagdulot ng pagkalito, ngunit din ng interes. Nagtanghal sila sa maliit, kung nagkataon
nagtipon ng mga madla at sa halip na ang karaniwang hindi kumplikadong mga taludtod, hindi malinaw na mga kanta, sila ay kumanta at nagsalita sa mga paksang panlipunan at pampulitika.
Noong 1924, ang Blue Blouse ay nasa ilalim ng hurisdiksyon ng Moscow City Council of Trade Unions (L1GSPS). Di-nagtagal, labinlimang higit pang mga grupo ang bumangon, at noong 1928 mayroon nang mga pitong libo sa kanila sa bansa. Ang pangalan ng Moscow collective ay inilipat sa buong kilusan. Ang mga asul na blusang ginanap sa mga pulang sulok, mga club. Mga bahay ng kultura, sa mga pabrika sa magkahiwalay na pahinga, atbp. Ang kanilang mga programa ay sumasalamin sa buhay pampulitika ng bansa, kasama nila ang mga materyales na binuo sa mga tema (industriyal at domestic).
Ang mga pagtatanghal ng "Sinel blouse" ay may kasamang panimula at
panghuling parada, oratorio, pampanitikan at masining
montages, review, feuilletons, skits, interludes, ditties,
mga numero ng choral at sayaw. Sa mga talumpati ng mga asul na blusa:
pinagsamang kabayanihan, kalunos-lunos, pangungutya at katatawanan. Ginamit ang mga anyo ng kolektibong pagbigkas, mga numero ng palakasan. Sa loob nito, ang disenyo ay nakikilala sa pamamagitan ng matinding conciseness. Ang programa ay nagpatuloy nang walang pagkaantala, sa isang malinaw na ritmo at mabilis na bilis.
Ang Moscow "Blue Blouse" sa ilalim ng direksyon ni B. Shakhet, tulad ng iba pang katulad na mga grupo, ay naaakit sa kanyang spontaneity, kabataan sigasig, pag-uugali, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na propesyonalismo. Iba't ibang malikhaing tradisyon ang pinagsama-sama dito sa isang masalimuot na paraan: sa isang banda, ang impluwensya ng katutubong teatro (booth, lubok, pagbabalatkayo, mga laro), sa kabilang banda, mga teknik at porma na nagmumula sa mga kasiyahan ng rebolusyon. Ang "Blue Blouse" ay naiimpluwensyahan din ng propesyonal na yugto.
Ang mga grupong "Blue Blouse", na nagbibigay ng mga pagtatanghal sa buong Union, ay nag-ambag sa paglitaw ng mga bagong katulad na grupo, parehong baguhan at propesyonal ("Smychka" - Moscow, "Stroyka" - Leningrad, "Nut" - Baku, "Vintik" - Tbilisi , " Sa tool ng makina "-Kharkov, atbp.). Ang mga grupo ng Blue Blouse ay naglibot sa mga nagtatrabahong club sa Germany, Poland, Scandinavia,
Tsina at naimpluwensyahan ang gumaganang rebolusyonaryong teatro sa ibang bansa (lalo na ang Aleman).
Noong 1926, sa ikasiyam na anibersaryo ng Rebolusyong Oktubre,
ang mga koponan ng Blue Blouse ay itinanghal ang rebolusyonaryong kababalaghan nina V. Mayakovsky at O. Brik Radio-Oktubre.
Mga batang manunulat, makata, manunulat ng dula-N. Aduev, A. Ardov, V. Guss, V. Lebedev-Kumach; mga aktor, direktor-M. Garkavy, E. Darsky, K-Koreneva, L. Mirov, B. Tenin, N. Foregger, B. Shahet; mga kompositor na si M. Blanter, S. Katz, K. Listov, Yu. Milyutin, D. Pokrass at iba pa.
Ngunit sa unang bahagi ng 1930s, dahil sa ang katunayan na ang dami
ang paglago ng mga bilog ay hindi sinamahan ng kanilang malikhaing paglago, ang mga kolektibo ay nagsimulang magsara sa isang makitid na bilog ng ilang mga pamamaraan, upang lumayo mula sa topicality; nagsimulang umulit ang tema. Ang "Blue Blouse" bilang isang mass amateur art ay nakaranas ng krisis.
Sa sandaling nasa propesyonal na yugto, ang isang bilang ng mga koponan ay nagpropesyonal at unti-unting nawalan ng pakikipag-ugnayan sa kapaligiran ng kabataan na nagsilang sa kanila. Ang natitira ay unti-unting naglaho.
Ang "Blue Blouse" ay pinalitan ng TRAMs-Theaters ng nagtatrabaho
kabataan. Lumitaw ang mga teatro at bilog ng tram noong huling bahagi ng 1920s. 30s sa maraming lungsod - Tula, Grozny, Vladivostok. Voronezh, Minsk, Ufa, atbp. Sa Moscow, bilang karagdagan sa Central Theatre of Working Youth, mayroong isang bilang ng mga
mga rehiyonal na TAM.
Ang kilusang Tramov, ayon sa mga pinuno nito, ay ang taliba ng amateur na pagganap, "isang espesyal, mas mataas na anyo ng amateur art", isang uri ng pagpapakita ng "aktibidad ng uring manggagawa at kabataan nito sa harap ng sining sa ilalim ng diktadura. ng proletaryado." Ang TRAM ay isang uri ng pinagsamang sining, higit sa lahat ay nakikibahagi sa kultura ng pang-araw-araw na buhay, pag-aayos ng mga gabi, kasiyahan, at mga demonstrasyon. Ang gawain ng mga TRAM ay nakita hindi sa edukasyon ng mga aktor, ngunit sa pagbuo ng mga manggagawang masa, mga organisador ng paglilibang, libangan, at libangan. Samakatuwid, ang mga teorista ng kilusang Tram ay tumanggi na gumamit ng mga tradisyon sa teatro, mula sa pag-aaral sa mga modernong master ng entablado.
tinanggihan ang mga umiiral na sistema ng teatro. Ang unang kumperensya ng mga TRLM ay nagpasya na huwag gumamit ng mga klasikal na piraso ng repertoire na isinulat para sa "mga propesyonal na sinehan". Ang mga klasikal na dula, ayon sa mga Tramovites, ay hindi angkop, dahil ang nilalaman nito ay hindi tumutugma sa nilalaman ng gawain ng Komsomol.
Sa isang pagsusuri ng pagganap ng Leningrad TRAM "The Pensive Maple" O. Litovsky ay sumulat:
"Marami kaming pinag-uusapan tungkol sa teatro, na gaganap ng isang namumukod-tanging papel sa buong sistema ng aming gawaing agitasyon at propaganda, tungkol sa teatro - isang kalahok sa sosyalistang konstruksyon. Ang TRAM ay ang unang teatro na hindi umaalis sa realidad sa pulitika sa loob ng isang minuto. Ang TRAM ay pampulitika sa pamamagitan at sa pamamagitan ng, at ito ay hindi para sa wala na siya ay tinatawag na artistikong agitprop ng Komsomol... TRAM, skillfully kumagat sa kapal ng Sobyet modernidad, hindi natatakot na itaas ang theatrically talamak ideological mga problema, naglalagay ng isang dulo sa hindi napatunayan, ngunit, sa kasamaang-palad, napaka-pangkaraniwan (at hindi lamang sa mga theatrical figure) assertion tungkol sa non-stage na pulitika sa teatro ...
Ang TRAM ay tumatagal ng mga elemento ng simple (at samakatuwid ay madaling maunawaan), walang muwang na amateur na teatro at itinataas ang mga ito sa taas ng tunay na sining. Sabay-sabay na ginagamit ng TRAM ang buong arsenal ng mga paraan ng pagtatanghal sa teatro, na humihiram mula sa ilang "kapitbahay" na genre (sirko, sinehan)."
Ang mga Tramovites ay halos palaging tinatanggihan ang nangungunang papel ng drama, itinuturing nila ang dula bilang isang semi-tapos na produkto, isang script framework. Ang mga drama ay isinulat nang sama-sama, magkasama, at sa wakas ay natapos ng isa sa mga miyembro ng bilog. Ang mga dula ay batay sa mga talakayan, naglalarawan ng isa o isa pang drama sa buhay; ang pagtatanghal ay nagpatuloy sa debate na nangyayari sa buhay, at ang manonood ay kasangkot sa aksyon bilang aktibong kalahok dito.
Ngunit ang paglikha ng magagandang pagtatanghal ay isang bahagi lamang ng aktibidad ng mga TRAM. Ang kabilang panig ay ang gawain sa maliliit na anyo. Ang kumbinasyong ito ay tipikal para sa mga TRAM. Palagi nilang pinananatili ang isang masiglang koneksyon sa entablado, na may "live na pahayagan" at "blue blouse" na pagtatanghal.
Noong kalagitnaan ng 1930s, ang krisis sa kilusang tram ay nagsimulang magpakita mismo ng mas at mas malinaw. Unti-unting nawala ang bumubuo sa kagandahan ng TRAA "1a, - sigla, saya, gaan. Ang mga pagtatanghal ay nagsimulang ulitin ang isa't isa, ang mga pamamaraan ay naulit.
kadalasan sa kumikilos na data (pangunahing panlabas) ng mga o
iba pang Tramovskh performers... Ang mga banggaan ng plot ng mga performance ni Tramov ay unti-unting na-stack out...»
Kasunod ng Leningrad TRAM, nagsimula silang makaranas ng isang krisis
maraming mga sinehan ng mga kabataang nagtatrabaho. At sa lalong madaling panahon ang kilusan ng tram
nabubuhay sa sarili.
Ang mga pangunahing kasiyahan at theatrical na pagtatanghal noong 1920s at 1930s ay tinukoy ang maraming natatanging katangian ng mga mass festivities, pagtatanghal, konsiyerto at festival ng Sobyet. Ang pangunahin sa mga tampok na ito ay: rebolusyonaryong nilalaman at kaugnayan sa pulitika, napakalaking saklaw, malawakang paglahok ng libu-libong kalahok mula sa Pulang Hukbo at mga lupon ng sining at pisikal na kultura ng mga manggagawa, ang paglahok ng manonood sa
pagtatanghal sa teatro.
Siyempre, mayroon ding mga pagkukulang sa organisasyon ng mga bagong pagdiriwang at pagtatanghal ng masa: ang kakulangan ng karanasan at tradisyon na apektado, at ang ilang mga eksperimento na isinasagawa sa paghahanap ng bago ay hindi palaging matagumpay. Ngunit, walang alinlangan, sa pangkalahatan, ang mga pista opisyal at pagtatanghal na ito ay isang mahusay na tagumpay sa pagpapalapit ng sining sa mga tao, na kinasasangkutan ng masa sa aktibong libangan sa kultura. Sa mga bulwagan ng teatro, sa mga parisukat, kung saan nilalaro ang mga magarang panoorin, emosyonal na nagkakaisa ang mga tao, at sa pagkakaisang ito ay isang makapangyarihang rebolusyonaryo.
salpok. Ang pakiramdam ng sama-samang kapangyarihan, unang ipinahayag sa mga tao
sa rebolusyonaryong praktika, nakatanggap ng bagong buhay sa mga mass festivities at performances. Dahil dito, mula sa kailaliman ng alamat, ang aktibidad na katangian ng mga tao patungo sa katotohanan ay tila nauuna, na pagkatapos ay naging pinakamahalagang katangian ng parehong baguhan at propesyonal.
teatro ng Sobyet.
Konklusyon.
Ang agitational-political amateur theater na may mala-paskil na kalupitan ay nabuo ng panahon at tumutugma sa diwa ng mga tao; ang mga anyong entablado ng teatro na ito ay malapit at naa-access sa rebolusyonaryong masa. Ito ang nagpaliwanag ng malaking interes sa mga pagdiriwang ng masa ng Sobyet at mga anyo ng amateur propaganda theater sa bahagi ng mga progresibong artista sa Kanluran. Kaya, isinagawa ni Erwin Piscator ang kanyang mga pampulitikang pagtatanghal sa Germany noong 1920s, gamit ang karanasan ng unang rebolusyonaryong pagsasadula at kasiyahan ng Sobyet.
Ang mga mass festivities, labor festivities, theatrical performances, mass movements of amateur art noong 20-30s ay mga anyo ng proletaryong sining sa nilalaman, na pinamunuan ng ideolohikal at pampulitikang gilid nito laban sa kapitalismo, laban sa imperyalismo at reaksyon, laban sa lahat ng anyo ng pang-aapi at pagsasamantala, sa Kasabay nito, ipinahayag nila ang emosyonal, sikolohikal, kultural, pang-araw-araw at iba pang pangangailangan ng mga manggagawa at tumutugma sa mga gawain ng pagbuo at karagdagang pag-unlad ng isang sosyalistang lipunan.
Ang tagumpay ng Rebolusyong Oktubre ay minarkahan ang simula ng mga mapagpasyang pagbabago sa lahat ng mga lugar ng buhay ng Russia. Isang napakalaking masa ng mga manggagawang sakim na nag-abot ng kaalaman, kultura, at sining. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang natural na kurso ng mga kaganapan sa unang lugar bukod sa iba pang mga anyo ng sining ay dumating sa teatro. Dahil siya ay umapela sa isang malaking masa ng mga manonood at, hindi tulad ng panitikan, ay hindi nangangailangan ng karunungang bumasa't sumulat, gayunpaman sa oras na iyon milyun-milyong tao ang hindi magsulat o magbasa. Bilang karagdagan, ang mga ideya na ipinakilala ng teatro sa masa ay naging anyo ng isang maliwanag at kaakit-akit na palabas, at ginawa nitong maunawaan, naa-access at kanais-nais para sa lahat ang sining ng pagtatanghal.
Mula sa mga unang araw ng rebolusyon, ang kabataang publiko ng mga Sobyet ay nagpakita ng pagmamalasakit para sa pangangalaga at pagpapaunlad ng sining sa teatro. Noong Nobyembre 22, 1917, ang gobyerno ay naglabas ng isang utos sa paglipat ng lahat ng mga sinehan ng bansa, ang pagpapakilala ng mga pampublikong katawan ng edukasyon. Noong 1918, isang departamento ng teatro ang inayos, sa ilalim ng pangalan (TEO ng People's Commissariat for Education), na ipinagkatiwala sa pangkalahatang pamumuno. Upang pahalagahan ang makasaysayang kahalagahan ng mga kaganapang ito. Sapat na para maalala. Na sa tsarist Russia ang panlalawigan at pribadong mga sinehan ay ipinakilala ng Ministri ng Panloob. Sa madaling salita, ang pulisya ay may ganap na kontrol, at ang mga teatro ng imperyal, kasama ang mga kuwadra at iba pang serbisyo ng hukuman, ay nasa ilalim ng ministeryo ng hukuman. Ngayon ang mga teatro ay inilagay sa isang par sa mga paaralan, unibersidad at iba pang institusyon na nilikha para sa kaliwanagan at edukasyon ng mga tao.
Ang amateur art movement ay nakakuha ng engrande na saklaw. Sa buong bansa, mula sa Moscow, Petrograd hanggang sa pinakamaliit, pinakamalayong lungsod, nayon, sa mga yunit ng militar sa harap at likuran, sa mga pabrika at pabrika, libu-libong mga amateur na teatro at mga bilog ng drama ang sumisibol sa club, kung saan milyon-milyong ng mga taong nagtatrabaho ay unang ipinakilala sa artistikong kultura, binuo ang kanilang pagkamalikhain. Maraming mga figure sa teatro ang umalis sa hanay ng mga amateur na pagtatanghal. Ang mga pintuan ng mga sinehan ay nagbukas ng malawak para sa lahat ng mga segment ng populasyon - ang mga pagtatanghal ay idineklara na libre, ang karamihan sa mga tiket ay ipinamahagi sa pamamagitan ng mga pampublikong organisasyon. Ang mga organ sa teatro ay nagsimulang linisin ang boulevard ng parlor, tabloid, mga anti-artistic na dula. Ang kanilang lugar ay inookupahan ng klasikal na dramaturhiya. Mga Dula: Griboedov, Gorky, Ostrovsky, Shakespeare, Schiller, atbp.
Ang isang tunay na kaganapan ay ang dulang "Sheep Spring" ni Lope de Vega, na itinanghal ng direktor na si Mardanov, na itinanghal noong Mayo 1, 1919 sa Kyiv. Ang pangunahing katangian ng pagtatanghal na ito ay ang mga tao. Mapagmahal sa kapayapaan, masayahin, ngunit kakila-kilabot sa isang makatarungang galit, na maaaring durugin ang lahat sa landas nito. At nang ang kabangisan ng kumander ay umapaw sa tasa ng pasensya, nang ang walang takot, ang babaeng Espanyol na si Laurencia (V. Yureneva) ay tumawag sa mga tao na maghimagsik, ang mga armadong magsasaka ay lumusob sa kastilyo at pinatay ang kinasusuklaman na mang-aapi. Sa pagtatapos, na may isang matagumpay na sigaw, ang mga matagumpay na magsasaka ay lumapit sa rampa, at ang mga manonood, pagkabangon mula sa kanilang mga upuan, ay sumalubong sa kanila sa pag-awit ng Internationale. Naulit ito ng 42 na magkakasunod na gabi.
Noong 1919, binuksan ang Bolshoi Drama Theatre sa lungsod ng Petrograd, na kalaunan ay pinangalanan sa kahanga-hangang manunulat na si Maxim Gorky. Sa paglikha nito ay kinuha ang isang aktibong bahagi: Gorky, Lunacharsky. I-block. Ang teatro ay binuksan ni Schiller's Don Carlos na may malaking tagumpay. Madalas. Bago magsimula ang pagtatanghal, nagsalita si A. Blok, na siyang tagapangulo ng lupon ng direktor ng teatro na ito. Ang Moscow Art Theatre at ang Maly Theatre ay nagtamasa ng mahusay na tagumpay sa mga manggagawa, at sa mga taong ito ay nakatanggap sila ng mataas na titulo - "Academic".
Ang isa sa mga uri ng bagong sining ay ang agitational theater, na pinagsasama ang militanteng aktibidad sa pulitika sa likod ng mahalagang kahusayan at kakayahang makita noon. Ang unang PROFESSIONAL na gawain ng dramaturgy ng Sobyet ay "Misteryo - Buff". Isang dula na nagpapahayag ng kabayanihan ng rebolusyon at pinapatay ang mga kaaway nito sa pamamagitan ng satirical na pagtawa.
Ang bagong panahon ng teatro ng Russia ay nagsimula noong 1932 sa resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks "Sa muling pagsasaayos ng mga organisasyong pampanitikan at artistikong". Ang pamamaraan ng sosyalistang realismo ay kinilala bilang pangunahing pamamaraan sa sining. Ang oras para sa mga eksperimento sa sining ay tapos na, bagaman hindi ito nangangahulugan na ang mga sumunod na taon ay hindi nagdala ng mga bagong tagumpay at tagumpay sa pag-unlad ng sining ng teatro. Kaya lang na ang "teritoryo" ng pinahihintulutang sining ay lumiit, ang mga pagtatanghal ng ilang mga artistikong uso ay naaprubahan - bilang isang panuntunan, mga makatotohanan. At lumitaw ang isang karagdagang pamantayan sa pagsusuri: ideological-thematic. Kaya, halimbawa, sa entablado ng teatro ng Russia, mula noong kalagitnaan ng 1930s, ang mga pagtatanghal ng tinatawag na. "Leninians", kung saan ang imahe ni V. Lenin ay dinala sa entablado ("Taong may baril" sa sinehan. Vakhtangov, sa papel ni Lenin - Boris Vasilyevich Shchukin; "Katotohanan" sa Theatre of Revolution, sa papel ni Lenin - Maxim Maksimvich Shtraukh, atbp.). Halos tiyak na mapapahamak sa tagumpay ang anumang mga pagtatanghal batay sa mga dula ng "tagapagtatag ng sosyalistang realismo" na si M. Gorky. Hindi ito nangangahulugan na ang bawat pagganap na pinapanatili ng ideolohiya ay masama, ang mga pamantayang pangsining lamang (at kung minsan ay tagumpay ng madla) sa pagtatasa ng estado ng mga pagtatanghal ay tumigil na maging mapagpasyahan.
Para sa maraming mga numero sa teatro ng Russia, ang 1930s (at ang ikalawang kalahati ng 1940s, nang nagpatuloy ang ideolohikal na pulitika) ay naging trahedya. Gayunpaman, ang teatro ng Russia ay patuloy na umunlad. Lumitaw ang mga bagong pangalan ng direktor: Andrey Popov, Yuri Alexandrovich Zavadsky, Ruben Simonov, Boris Zakhava, Nikolai Okhlopkov, Maria Knebel, Vasily Sakhnovsky, Boris Sushkevich, at iba pa. Ang mga pangalang ito ay pangunahing nauugnay sa Moscow at Leningrad at sa nagdidirekta na paaralan ng nangungunang bansa mga sinehan.
Mayroon ding bagong henerasyon ng mga artista. Sa Moscow Art Theater, kasama ang mga luminaries tulad nina Olga Leonardovna Knipper-Chekhova, Vasily Ivanovich Kachalov, Leonid Maksimovich Leonidov, Ivan Ivanovich Moskvin, Mikhail Mikhailovich Tarkhanov, Nikolai Pavlovich Khmelev, Boris Georgievich Dobronravov, Olga Nikolaevna na may tiwala sa Androvskaya at iba pa. Ang Moscow Theatre Actor at direktor ng Moscow Art Theatre School - Ivan Nikolayevich Bersenev, Serafim Birman, Sofya Giatsintova - matagumpay na nagtatrabaho sa Lenin Komsomol (dating TRAM). Sa Maly Theatre, kasama ang mas lumang henerasyon ng mga aktor na sina Alexandra Alexandrovna Yablochkina, Varvara Osipovna Massalitinova, Alexander Alekseevich Ostuzhev, Provom Mikhailovich Sadovsky at iba pa, isang kilalang lugar ang inookupahan ng mga bagong aktor na nakakuha ng katanyagan noong panahon ng Sobyet: Vera Nikolaevna Pashennaya, Elena Nikolaevna Gogoleva, Nikolai Alexandrovich Annenkov, Mikhail Ivanovich Zharov, Mikhail Ivanovich Tsarev, Igor Vladimirovich Ilyinsky (na lumipat dito pagkatapos ng pahinga kasama si Meyerhold). Sa dating Alexandrinsky Theatre (na pinangalanang A. Pushkin noong 1937), ang mga sikat na matandang masters - Ekaterina Pavlovna Korchagina-Aleksandrovskaya, Vara Arkadyevna Michurina-Samoilova, Yuri Mikhailovich Yuryev at iba pa ay pumunta sa entablado kasama ang mga batang aktor - Nikolai Konstantinovich Simonov, Boris Andreevich Babochkin, Nikolai Konstantinovich Cherkasov at iba pa. Sa teatro. Matagumpay na gumana si Vakhtangov sina Boris Vasilievich Shchukin, Anna Alekseevna Orochko, Tsetsiliya Mansurova at iba pa. Ang Konseho ng Lungsod ng Moscow (dating MGSPS at MOSPS) ay bumuo ng isang malakas na tropa, na binubuo pangunahin ng mga mag-aaral ni Y. Zavadsky - Vera Petrovna Maretskaya, Rostislav Yanovich Plyatt, Osip Abdulov at iba pa. marami ring aktor ng Theater of the Revolution at Meyerhold Theater: Maria Ivanovna Babanova, Maxim Maksimovich Straukh, Judith Samoilovna Glizer at iba pa.
Sa panahon ng Great Patriotic War, ang mga teatro ng Russia ay pangunahing bumaling sa makabayan na tema. Mga dulang isinulat sa panahong ito (“Invasion” ni L. Leonov, “Front” ni A. Korneichuk, “A guy from our city” at “Russian people” ni K. Simonov) at mga dula ng makasaysayang at makabayan na tema (“Peter I " ISANG Tolstoy, "Field Marshal Kutuzov" V. Solovyov at iba pa). Ang tagumpay ng mga pagtatanghal sa teatro sa panahong ito ay pinabulaanan ang bisa ng karaniwang pananalitang "Kapag nagsasalita ang mga baril, ang mga muse ay tahimik." Ito ay lalong maliwanag sa kinubkob na Leningrad. Ang City Theater (mamaya - ang Komissarzhevskaya Theatre) at ang Musical Comedy Theater, na nagtrabaho dito sa buong blockade, ay nagtipon ng buong bulwagan ng mga manonood, sa kabila ng kakulangan ng pag-init, at madalas na liwanag, pambobomba at paghihimay, at nakamamatay na gutom.
Ang panahon ng 1941-1945 ay may isa pang kinahinatnan para sa buhay teatro ng Russia at ng Unyong Sobyet: isang makabuluhang pagtaas sa antas ng artistikong mga teatro sa probinsiya. Ang paglisan ng mga sinehan sa Moscow at Leningrad at ang kanilang gawain sa paligid ay nagbigay ng bagong buhay sa mga lokal na sinehan, na nag-ambag sa pagsasama-sama ng sining sa entablado at pagpapalitan ng malikhaing karanasan. Khaichenko G.A., Mga pahina ng kasaysayan ng teatro ng Sobyet, M., 1983, p. 269
Gayunpaman, pagkatapos ng digmaan, ang makabayang pagsulong ng sining ng teatro noong panahon ng digmaan ay bumagsak. Ang Dekreto ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party of Bolsheviks noong Agosto 26, 1946 "Sa repertoire ng mga teatro ng drama at mga hakbang upang mapabuti ito" ay nagpahigpit sa kontrol ng ideolohiya at censorship. Ang sining ng Russia sa pangkalahatan at ang teatro sa partikular ay dumaan sa isang krisis na nauugnay sa isang krisis sa lipunan.
Ang teatro ay sumasalamin sa estado ng lipunan, at ang isang bagong yugto ng pagtaas ng yugto ng Russia ay bunga din ng mga pagbabago sa lipunan: ang pagkakalantad ng kulto ng personalidad (1956) at ang pagpapahina ng ideolohikal na pulitika, ang tinatawag. "tunawin".
Pagsasaayos ng teatro ng Russia noong 1950-1980 nagsimula sa pagdidirek. Ang isang bagong theatrical aesthetics ay muling nabuo sa Moscow at Leningrad.
Sa Leningrad, ang prosesong ito ay nagpatuloy nang hindi gaanong maliwanag, hindi sa isang rebolusyonaryong paraan kundi sa isang ebolusyonaryong paraan. Ito ay nauugnay sa pangalan ni G. Tovstonogov, na mula 1949 ay namuno sa Leningrad Theater. Lenin Komsomol, at noong 1956 ay naging artistikong direktor ng BDT. Ang isang kahanga-hangang tropa (Evgeny Alekseevich Lebedev, Kirill Yuryevich Lavrov, Sergey Yuryevich Yursky, Oleg Valerianovich Basilashvili, Tatyana Vasilyevna Doronina, at iba pa), napakatalino na pagtatanghal, at mahusay na mga kasanayan sa organisasyon ng direktor ay ginawa ang BDT na isa sa mga pinakamahusay na sinehan. Ang natitirang mga sinehan ng Leningrad noong 1950s-1980s ay mukhang mas maputla laban sa background nito, bagaman sila ay aktibong naghahanap ng mga bagong nagpapahayag na paraan (mga direktor na si Igor Petrovich Vladimirov, Gennady Mikhailovich Oporkov, Efim Mikhailovich Padve, Zinovy Korogodsky at iba pa). Kasabay nito, ang kapalaran ng maraming mga direktor ng Leningrad ng susunod na henerasyon - Lev Abramovich Dodin, Kama Mironovich Ginkas at iba pa - ay naging nakakagulat na paradoxical.
Ang isang mahusay na kontribusyon sa pagbuo ng Russian theatrical art ay ginawa ng maraming aktor ng Leningrad: Nikolai Konstantinovich Simonov, Yuri Vladimirovich Tolubeev, Bruno Arturovich Freindlikh, Olga Yakovlevna Lebzak at iba pa (Pushkin Theatre); Dmitry Dmitrievich Barkov, Georgy Stepanovich Zhzhenov, Alisa Freindlikh, Mikhail Boyarsky, Irina Mazurkevich at iba pa (Lensovet Theatre); Roman Borisovich Gromadsky, Era Ziganshina, Vladimir Tykke at iba pa (Lenin Komsomol Theatre); Stanislav Landgraf, Yuri Ovsyanko, Vladimir Osobik at iba pa (Komissarzhevskaya Theatre); Elena Junger, Sergey Nikolaevich Filippov, Mikhail Svetin at iba pa (Comedy Theatre) at iba pa.
Sa Moscow, ang pagbuo ng isang bagong theatrical aesthetics ay naganap nang mas mabilis at malinaw. Dito, una sa lahat, dapat na banggitin ang pangalan ni Anatoly Vasilievich Efros, na hindi naging banner ng anumang theatrical revolution, kahit na ang bawat isa sa kanyang mga pagtatanghal ay pumukaw ng malaking interes mula sa mga kritiko at manonood. Nang mamuno sa Central Children's Theatre noong 1954, nag-rally si Efros ng isang grupo ng mga mahuhusay na kabataan sa paligid niya - Oleg Nikolaevich Efremov, Oleg Pavlovich Tabakov, Lev Konstantinovich Durov, at iba pa. Dito, ang artistikong programa ay higit na nabuo, na humantong sa pagbubukas ng Sovremennik Theater noong 1958. Ito ay minarkahan ang simula ng isang bagong panahon sa eksena ng Russia. Ang pag-renew ng mga aesthetics ng makatotohanang sikolohikal na teatro ay pinagsama sa Sovremennik sa paghahanap para sa mga bagong paraan ng artistikong pagpapahayag. Ang batang tropa - Oleg Efremov, Oleg Tabakov, Evgeny Evstigneev, Igor Kvasha, Galina Volchek at iba pa ay nagtrabaho nang may pagnanasa sa mga pagtatanghal. Napakalaki ng pagkilala ng madla sa bagong teatro, mga pila para sa mga tiket mula sa gabi - tulad ng para sa mga tiket sa Moscow Art Theater sa mga unang taon ng pagkakaroon nito.
Gayunpaman, sa kaibahan sa sitwasyon ng Leningrad, ang isang bilang ng mga kagiliw-giliw na aesthetics ng direktoryo na may binibigkas na sariling katangian ay lumitaw sa Moscow. Nikolai Pavlovich Okhlopkov sa teatro. Gumawa si Mayakovsky ng isang heroic-romantic na tema. Pagkatapos ng kanyang kamatayan, si Andrei Alexandrovich Goncharov, isang master ng kaakit-akit na mga desisyon sa teatro, ay pumalit bilang direktor. Ang mga tradisyon ng matingkad na theatrical conventionality ni Vakhtangov ay binuo ni Ruben Nikolaevich Simonov. Sa Central Theatre ng Red Army (ngayon ay Central Academic Theater ng Russian Army), ang mga tradisyon ng sikolohikal na teatro ay napanatili nina Andrey Alekseevich Popov at Boris Aleksandrovich Lvov-Anokhin (na kalaunan ay pinamumunuan ang Stanislavsky Theater at nagtatanghal ng marami sa Maly Theatre). Nagtatrabaho sa iba't ibang mga sinehan, pinanatili ni Efros ang pinakamataas na awtoridad sa sining sa loob ng ilang dekada. Sa teatro ng Satire, kinuha ni Mark Zakharov ang kanyang pormasyon, kalaunan ay isinama ang kanyang aesthetics sa Teatro. Lenin Komsomol. Noong 1970s, ang tagumpay ay sinamahan ng mga debut ng mga direktor na sina Anatoly Vasiliev at Boris Morozov. Ngunit marahil ang pinakamaingay na teatro ng Russia noong 1970s at 1980s ay ang Moscow Taganka Theater at ang direktor nito na si Yuri Lyubimov.
Sa panahong ito, maraming henerasyon ng mga kahanga-hangang aktor ang nabuo sa Moscow, na kabilang sa iba't ibang paaralan, nagtataglay ng mataas na propesyonalismo at isang maliwanag na personalidad. Totoo, sa loob ng maraming taon ang sitwasyon sa tropa ng Moscow Art Theatre ay malungkot - ang maalamat na "MKhAT old men" ay patuloy na nagniningning sa entablado, ngunit ang pag-renew ng tropa ay nagsimulang maganap noong 1970, nang ang teatro pinamumunuan ni Efremov. Ang mga kilalang aktor ay dumating dito, na nabuo sa iba't ibang mga sinehan, ngunit nagtagumpay na lumikha ng isang bagong kahanga-hangang grupo: Evgeny Alexandrovich Evstigneev, Alexander Kalyagin, Innokenty Smoktunovsky, Elena Vasilyeva, Anastasia Vertinskaya, Andrey Myagkov, Georgy Burkov, Yuri Bogatyrev, Oleg Tabakov. Sa Maly Theatre sa tabi ni Mikhail Tsarev, Boris Babochkin, Elena Gogoleva, lumitaw ang isang bagong henerasyon ng mga aktor: Eleonora Bystritskaya, Rufina Nifontova, V. Kenigson, Nikita Podgorny mamaya - Vitaly at Yuri Solomin, atbp. Sa Vakhtangov Theater, mga bagong henerasyon ng mga aktor, na nagsisimula sa walang kamatayang "Princess Turandot" ay kasama sa repertoire: Nikolai Gritsenko, Mikhail Ulyanov, Yuri Yakovlev, Vladimir Etush, Vasily Lanovoy at iba pa. Faina Ranevskaya, Nina Drobysheva, Igor Kostolevsky, Georgy Taratorkin, Maria Terekhova, Vera Talyzina, at iba pa. Ang isang buong konstelasyon ng mga bituin sa teatro at sinehan ay gumaganap sa Theater of Satire: Alexander Shirvindt, Andrei Mironov, Spartak Mishulin, Vera Vasilyeva, Olga Aroseva, Tatyana Vasilyeva, Tatyana Peltzer, na kalaunan, kasunod ni Mark Zakharov, ay lumipat sa ang Lenin Komsomol Theater. Sa tropa na ito mayroong maraming mga high-profile acting names: Evgeny Leonov, Oleg Yankovsky, Alexander Abdulov, Alexander Zbruev, Inna Churikova, Nikolai Karachentsev, Tatyana Dogileva at iba pa. Sa Sovremennik, ang mga aktor ay idinagdag sa core ng tropa, na ang mga pangalan ay nagiging hindi gaanong sikat: Maria Neelova, Liya Akhedzhakova, Valentin Gaft, Elena Yakovleva at iba pa. Sa Teatro sa Malaya Bronnaya, kung saan nagliwanag sina Lydia Sukharevskaya at Boris Tenin noong unang bahagi ng 1960s, naglalaro sina Lev Durov, Mikhail Kozakov, Gennady Saifullin at iba pa Efros sa mga pagtatanghal. Teatro na pinangalanang Stanislavsky "Nakatatanda na anak na babae ng isang binata" (tinanghal ni A.Vasiliev) at Cyrano de Bergerac (tinanghal ni B. Morozov) nakilala ang mga pangalan ni Albert Filozov, Emmanuil Vitorgan, Alla Balter. Ang mga pagkakakilanlan ni Lyubov Polishchuk, Yevgeny Gerchakov at iba pa ay ipinahayag sa Hermitage Theater sa ilalim ng direksyon ni M. Levitin. Ang mga talento nina Armen Dzhigarkhanyan, Svetlana Nemolyaeva, Natalia Gundareva, Alexander Fatyushin at iba pa ay nabuo at pinalakas sa Mayakovsky Theater. mga idolo ng hindi bababa sa dalawang henerasyon ng mga manonood Lyubimov aktor ng Taganka Theater ay naging: Vladimir Vysotsky, Valery Zolotukhin, N. Gubenko, Zinaida Slavina, Leonid Filatov, Mikhail Politseymako, Inna Ulyanova at iba pa.
Sa isang banda, ang mga tagumpay sa teatro ng mga teatro ng Russia noong 1960s at 1980s ay hindi madaling makamit. Kadalasan, ang pinakamahusay na mga pagtatanghal ay napunta sa madla na may malaking kahirapan, at kahit na pinagbawalan dahil sa mga pagsasaalang-alang sa ideolohiya, at mga pagtatanghal ng karaniwan, ngunit pinananatili sa ideolohiya, ay nakatanggap ng mga parangal at premyo. Sa kabilang banda, ang semi-opisyal na katayuan ng "oposisyon" na teatro ay halos palaging nagbibigay sa mga pagtatanghal nito ng karagdagang "kabisera ng madla": sa una ay nakatanggap sila ng mas malaking pagkakataon na magtagumpay at itinuturing na mga malikhaing tagumpay (kadalasan anuman ang tunay na antas ng sining). Ito ay pinatunayan ng kasaysayan ng Taganka Theatre: ang anumang pagtatanghal ng unang panahon ng "Lubimov" sa liberal na kapaligiran ay itinuturing na napakatalino, ang propesyonal na pagpuna sa mga pagkukulang ay madalas na itinuturing na isang langib. Ang alegorya, alusyon, mga alusyon sa modernong katotohanan ay naghari sa yugto ng Russia noong panahong iyon - ito ang susi sa tagumpay ng madla. Kasabay nito, hindi dapat kalimutan ng isa na sa sitwasyong panlipunan ng mga sinehan ng estado, ang lahat ng mga eksperimento sa teatro (kabilang ang mga pampulitika) ay pinondohan ng estado. Noong unang bahagi ng 1980s, isang bagong gusali ng teatro na may modernong teknikal na kagamitan ang itinayo para sa semi-disgrasyadong Taganka. Kadalasan, ang mga pamantayang pampulitika at panlipunan sa pagsusuri ng mga pagtatanghal ay kadalasang nahihigitan ang mga masining - kapwa sa opisyal at impormal na pagsusuri. Ang isang balanse, sapat na saloobin sa mga pagtatanghal ng panahong iyon ay halos imposible. Kakaunti lang ang nakaintindi noon. http://scit.boom.ru/music/teatr/Russiu_teatr.htm
