Sining ng musikal ng romantisismo. Ang Kultura ng Musikal ng Romantisismo: Estetika, Tema, Genre at Wikang Musikal

Sa kanyang kulto ng katwiran. Ang paglitaw nito ay dahil sa iba't ibang dahilan. Ang pinakamahalaga sa kanila - pagkabigo sa mga resulta ng Rebolusyong Pranses na hindi nagbigay-katwiran sa mga pag-asa na inilagay dito.

Para sa isang romantikong pananaw sa mundo nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalim na salungatan sa pagitan ng katotohanan at panaginip. Ang realidad ay mababa at hindi espiritwal, ito ay natatakpan ng diwa ng philistinism, philistinism at karapat-dapat lamang sa pagtanggi. Ang panaginip ay isang bagay na maganda, perpekto, ngunit hindi maabot at hindi kayang unawain ng isip.

Inihambing ng Romantisismo ang prosa ng buhay sa magandang kaharian ng espiritu, "ang buhay ng puso." Naniniwala ang mga Romantiko na ang mga damdamin ay bumubuo ng isang mas malalim na layer ng kaluluwa kaysa sa isip. Ayon kay Wagner, "Ang artista ay lumiliko sa pakiramdam, hindi sa pangangatwiran." Sinabi ni Schumann: "Ang isip ay nagkakamali, ang mga pandama ay hindi kailanman." Ito ay hindi nagkataon na ang musika ay idineklara ang perpektong anyo ng sining, na, dahil sa pagiging tiyak nito, pinaka-ganap na nagpapahayag ng mga paggalaw ng kaluluwa. Eksakto nanguna ang musika sa panahon ng romantikismo sa sistema ng sining.

Kung sa panitikan at pagpipinta ang romantikong direksyon ay karaniwang nakumpleto ang pag-unlad nito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kung gayon ang buhay ng musikal na romantisismo sa Europa ay mas mahaba. Ang musical romanticism bilang isang trend ay lumitaw sa simula ng ika-19 na siglo at umunlad na may malapit na koneksyon sa iba't ibang uso sa panitikan, pagpipinta at teatro. Ang unang yugto ng musical romanticism ay kinakatawan ng gawa ni E. T. A. Hoffmann, N. Paganini,; ang susunod na yugto (1830-50s) - pagkamalikhain,. Ang huling yugto ng Romantisismo ay umaabot hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo.

Bilang pangunahing problema ng romantikong musika na iniharap problema sa pagkatao, at sa isang bagong liwanag - sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay laging malungkot. Ang tema ng kalungkutan ay marahil ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Kadalasan, ang ideya ng isang taong malikhain ay nauugnay dito: ang isang tao ay nag-iisa kapag siya ay tiyak na isang pambihirang, likas na matalino na tao. Ang artista, makata, musikero ay ang mga paboritong karakter sa mga akda ng mga romantiko ("The Poet's Love" ni Schumann, na may subtitle na "An Episode from the Life of an Artist", ang symphonic poem ni Liszt na "Tasso").

Ang malalim na interes sa personalidad ng tao na likas sa romantikong musika ay ipinahayag sa pamamayani ng personal na tono. Ang pagsisiwalat ng personal na drama ay kadalasang nakukuha mula sa mga romantiko pahiwatig ng sariling talambuhay na nagdala ng espesyal na katapatan sa musika. Kaya, halimbawa, marami ang konektado sa kuwento ng kanyang pag-ibig kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay mariing idiniin ni Wagner.

Ang atensyon sa mga damdamin ay humahantong sa isang pagbabago sa mga genre - ang nangingibabaw position acquires lyrics kung saan nangingibabaw ang mga larawan ng pag-ibig.

Madalas na magkakaugnay sa tema ng "lyrical confession" tema ng kalikasan. Sumasalamin sa estado ng pag-iisip ng isang tao, ito ay karaniwang kulay ng isang pakiramdam ng kawalan ng pagkakaisa. Ang pagbuo ng genre at lyrical-epic symphonism ay malapit na konektado sa mga imahe ng kalikasan (isa sa mga unang gawa ay ang "mahusay" na symphony ni Schubert sa C-dur).

Ang tunay na pagtuklas ng mga romantikong kompositor ay tema ng pantasya. Ang musika sa unang pagkakataon ay natutong magsama ng mga kamangha-manghang-kamangha-manghang mga imahe sa pamamagitan ng purong musikal na paraan. Sa mga opera noong ika-17 - ika-18 na siglo, ang mga "hindi makalupa" na mga karakter (tulad ng, halimbawa, ang Reyna ng Gabi mula sa) ay nagsasalita ng "pangkalahatang tinatanggap" na wikang pangmusika, na namumukod-tangi sa mga totoong tao. Natutunan ng mga romantikong kompositor na ihatid ang mundo ng pantasiya bilang isang bagay na ganap na tiyak (sa tulong ng mga hindi pangkaraniwang orkestra at maharmonya na mga kulay). Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang "Wolf Gulch Scene" sa The Magic Shooter.

Ang mataas na katangian ng musical romanticism ay ang interes sa katutubong sining. Tulad ng mga romantikong makata, na nagpayaman at nag-update ng wikang pampanitikan sa kapinsalaan ng alamat, ang mga musikero ay malawak na bumaling sa pambansang alamat - mga awiting bayan, balad, epiko (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, at iba pa). Naglalagay ng mga larawan ng pambansang panitikan, kasaysayan, katutubong kalikasan, umasa sila sa mga intonasyon at ritmo ng pambansang alamat, na binuhay ang mga lumang diatonic na mode. Sa ilalim ng impluwensya ng alamat, ang nilalaman ng musika sa Europa ay nagbago nang malaki.

Ang mga bagong tema at larawan ay nangangailangan ng pagbuo ng mga romantiko bagong paraan ng musikal na wika at ang mga prinsipyo ng paghubog, indibidwalisasyon ng melody at ang pagpapakilala ng mga intonasyon ng pagsasalita, pagpapalawak ng timbre at harmonic palette ng musika ( natural na frets, makulay na paghahambing ng mayor at menor, atbp.).

Dahil ang pokus ng mga romantiko ay hindi na sangkatauhan sa kabuuan, ngunit isang tiyak na tao na may kakaibang pakiramdam, ayon sa pagkakabanggit at sa paraan ng pagpapahayag, ang pangkalahatan ay lalong nagbibigay daan sa indibidwal, indibidwal na natatangi. Ang bahagi ng mga pangkalahatang intonasyon sa melody, karaniwang ginagamit na mga pagkakasunud-sunod ng chord sa pagkakatugma, mga tipikal na pattern sa texture ay bumababa - lahat ng mga paraan na ito ay ginagawang indibidwal. Sa orkestra, ang prinsipyo ng mga grupo ng ensemble ay nagbigay daan sa soloing ng halos lahat ng mga tinig ng orkestra.

Ang pinakamahalagang punto aesthetics musical romanticism noon ang ideya ng art synthesis, na natagpuan ang pinakamatingkad na ekspresyon nito sa loob at sa loob musika ng programa Berlioz, Schumann, Liszt.

Pranses romantikismo

Isang masining na kilusan na lumitaw noong huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. una sa panitikan (Germany, Great Britain, ibang mga bansa sa Europa at Amerika), pagkatapos ay sa musika at iba pang sining. Ang konsepto ng "romanticism" ay nagmula sa epithet na "romantic"; bago ang ika-18 siglo itinuro niya ang ilang mga tampok ng mga akdang pampanitikan na nakasulat sa mga wikang Romansa (iyon ay, hindi sa mga wika ng klasikal na sinaunang panahon). Ito ay mga romansa (Spanish romance), pati na rin ang mga tula at nobela tungkol sa mga kabalyero. Sa con. Ika-18 siglo Ang "romantikong" ay mas malawak na nauunawaan: hindi lamang bilang adventurous, nakakaaliw, kundi pati na rin bilang sinaunang, orihinal na katutubong, malayo, walang muwang, hindi kapani-paniwala, espirituwal na kahanga-hanga, makamulto, gayundin kamangha-mangha, nakakatakot. “Ni-romanticize ng mga romantiko ang lahat ng nagustuhan nila mula sa kamakailan at malayong nakaraan,” isinulat ni F. Blume. Nakikita nila ang gawa nina Dante at W. Shakespeare, P. Calderon at M. Cervantes, J. S. Bach at J. W. Goethe bilang "kanilang sarili", halos noong unang panahon; naaakit din sila sa tula ni Dr. Silangan at medieval minnesingers. Batay sa mga tampok na nabanggit sa itaas, tinawag ni F. Schiller ang kanyang "Maid of Orleans" na isang "romantikong trahedya", at sa mga larawan ng Mignon at ng Harper ay nakita niya ang pagiging romantiko ng "Years of Wilhelm Meister's Teachings" ni Goethe.

Ang Romantisismo bilang isang terminong pampanitikan ay unang lumitaw sa Novalis, bilang isang terminong pangmusika sa E. T. A. Hoffmann. Gayunpaman, sa nilalaman nito ay hindi masyadong naiiba sa kaukulang epithet. Ang Romantisismo ay hindi kailanman isang malinaw na tinukoy na programa o istilo; ito ay isang malawak na hanay ng mga ideolohikal at aesthetic na mga uso, kung saan ang makasaysayang sitwasyon, ang bansa, ang mga interes ng artist ay lumikha ng ilang mga accent, tinutukoy ang iba't ibang mga layunin at paraan. Gayunpaman, ang romantikong sining ng iba't ibang pormasyon ay mayroon ding mahahalagang karaniwang tampok tungkol sa parehong posisyon at istilo ng ideolohiya.

Ang pagkakaroon ng minana ng marami sa mga progresibong katangian nito mula sa Enlightenment, ang romantikismo ay kasabay na nauugnay sa malalim na pagkabigo kapwa sa mismong kaliwanagan at sa mga tagumpay ng buong bagong sibilisasyon sa kabuuan. Para sa mga unang romantiko, na hindi pa nakakaalam ng mga resulta ng Rebolusyong Pranses, ang pangkalahatang proseso ng rasyonalisasyon ng buhay, ang pagpapasakop nito sa isang karaniwang matino na "dahilan" at walang kaluluwang praktikal, ay nakakabigo. Sa hinaharap, lalo na sa mga taon ng Imperyo at Pagpapanumbalik, ang panlipunang kahulugan ng posisyon ng mga romantiko - ang kanilang anti-bourgeoisness - ay naging mas malinaw na binalangkas. Ayon kay F. Engels, “ang mga institusyong panlipunan at pampulitika na itinatag sa pamamagitan ng tagumpay ng katwiran ay naging isang masama, mapait na nakakabigo na karikatura ng makikinang na mga pangako ng mga tagapagpaliwanag” (Marx K. at Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, p. 387).

Sa gawain ng Romantics, ang pagpapanibago ng pagkatao, ang paninindigan ng espirituwal na lakas at kagandahan nito, ay pinagsama sa paglalantad ng kaharian ng mga philistine; ganap na tao, malikhain ay laban sa pangkaraniwan, hindi gaanong mahalaga, nababad sa kawalang-kabuluhan, walang kabuluhan, maliit na pagkalkula. Sa panahon nina Hoffmann at J. Byron, V. Hugo at George Sand, H. Heine at R. Schumann, ang panlipunang kritisismo sa daigdig ng burges ay naging isa sa mga pangunahing elemento ng romantikismo. Sa paghahanap ng mga mapagkukunan ng espirituwal na pag-renew, ang mga romantiko ay kadalasang nag-idealize ng nakaraan at sinubukang huminga ng bagong buhay sa mga relihiyosong alamat. Kaya, ipinanganak ang isang kontradiksyon sa pagitan ng pangkalahatang progresibong oryentasyon ng romantisismo at ng mga konserbatibong tendensya na lumitaw sa sarili nitong channel. Sa gawain ng mga romantikong musikero, ang mga uso na ito ay hindi gumaganap ng isang kapansin-pansing papel; sila ay nagpakita ng kanilang mga sarili pangunahin sa pampanitikan at patula na mga motif ng ilang mga gawa, gayunpaman, sa musikal na interpretasyon ng naturang mga motif, ang buhay, tunay na prinsipyo ng tao ay kadalasang nahihigitan.

Ang musikal na romantikismo, na nagpakita mismo sa ikalawang dekada ng ika-19 na siglo, ay isang makasaysayang bagong kababalaghan at, sa parehong oras, nagsiwalat ng malalim na sunud-sunod na ugnayan sa mga musikal na klasiko. Ang gawain ng mga natitirang kompositor noong nakaraang panahon (kabilang hindi lamang ang mga klasikong Viennese, kundi pati na rin ang musika noong ika-16 at ika-17 siglo) ay nagsilbing suporta para sa paglilinang ng isang mataas na ranggo ng sining. Ang ganitong uri ng sining ang naging modelo ng mga romantiko; ayon kay Schumann, "tanging ang dalisay na mapagkukunang ito lamang ang makapagpapalusog sa mga puwersa ng bagong sining" ("On Music and Musicians", vol. 1, M., 1975, p. 140). At ito ay nauunawaan: tanging ang mataas at perpekto lamang ang matagumpay na sasalungat sa musikal na walang ginagawang usapan ng sekular na salon, ang kagila-gilalas na kagalingan ng entablado at yugto ng opera, at ang walang malasakit na tradisyonalismo ng mga artisan na musikero.

Ang mga musikal na klasiko ng panahon ng post-Bach ay nagsilbing batayan para sa musikal na romanticism na may kaugnayan sa kanilang nilalaman. Simula sa C. F. E. Bach, ang elemento ng pakiramdam na higit at mas malayang ipinakita ang sarili sa loob nito, pinagkadalubhasaan ng musika ang mga bagong paraan na naging posible upang maipahayag ang parehong lakas at kahinahunan ng emosyonal na buhay, lyricism sa indibidwal na bersyon nito. Ang mga adhikaing ito ay naging sanhi ng maraming musikero sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo na nauugnay. kasama ang kilusang pampanitikan ng Sturm und Drang. Ang saloobin ni Hoffmann kay K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart, at lalo na kay L. Beethoven, bilang mga artista ng isang romantikong bodega, ay natural. Ang nasabing mga pagtatasa ay sumasalamin hindi lamang isang predilection para sa romantikong perception, ngunit pati na rin ang pansin sa mga tampok ng "pre-romanticism" na talagang likas sa mga pangunahing kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Ang romantikong musikal ay inihanda din sa kasaysayan ng naunang kilusan para sa romantikong pampanitikan sa Alemanya sa mga romantikong "Jenian" at "Heidelberg" (W. G. Wackenroder, Novalis, magkapatid na F. at A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim , C. Brentano, at iba pa), mula sa manunulat na si Jean Paul, na malapit sa kanila, nang maglaon ay mula sa Hoffmann, sa Great Britain, mula sa mga makata ng tinatawag na. Ang "paaralan ng lawa" (W. Wordsworth, S. T. Coleridge, at iba pa) ay ganap nang nabuo ang mga pangkalahatang prinsipyo ng romantikismo, na pagkatapos ay binibigyang kahulugan at binuo sa musika sa kanilang sariling paraan. Sa hinaharap, ang musikal na romanticism ay makabuluhang naiimpluwensyahan ng mga manunulat tulad ng Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz at iba pa.

Ang pinakamahalagang bahagi ng pagkamalikhain ng mga romantikong musikero ay kinabibilangan ng mga lyrics, pantasiya, katutubong at pambansang orihinal, natural, katangian.

Ang pinakamahalagang kahalagahan ng lyrics sa romantikong. sining, lalo na sa musika, ay pangunahing pinatunayan niya. theorists R. Para sa kanila, ang "romantiko" ay una sa lahat "musika" (ang pinaka-kagalang-galang na lugar ay ibinigay sa hierarchy ng sining sa musika), dahil ang pakiramdam ay naghahari sa musika, at samakatuwid ang gawain ng isang romantikong artista ay nakakahanap ng pinakamataas. layunin sa loob nito. Samakatuwid, musika ang lyrics. Sa abstract na pilosopikal na aspeto, ayon sa teorya ng lit. R., nagbibigay-daan sa isang tao na sumanib sa "kaluluwa ng mundo", sa "uniberso"; sa aspeto ng konkretong buhay, ang musika sa likas na katangian nito ay ang antipode ng prosa. katotohanan, ito ay ang tinig ng puso, na may kakayahang magsabi nang may pinakamataas na pagkakumpleto tungkol sa isang tao, sa kanyang espirituwal na kayamanan, tungkol sa kanyang buhay at mga mithiin. Kaya naman sa larangan ng lyrics ng muses. R. nabibilang sa pinakamaliwanag na salita. Ang lyricism, immediacy at expression, individualization ng lyricism na nakamit ng mga romantikong musikero ay bago. mga pahayag, ang paglipat ng sikolohikal. ang pagbuo ng isang pakiramdam na puno ng mga bagong mahalagang detalye sa lahat ng mga yugto nito.

Fiction bilang kaibahan sa prosa. Ang katotohanan ay katulad ng lyrics at madalas, lalo na sa musika, ay kaakibat ng huli. Sa sarili nito, ang pantasya ay nagpapakita ng iba't ibang mga aspeto na pantay na mahalaga para sa R. Ito ay gumaganap bilang kalayaan ng imahinasyon, isang libreng paglalaro ng pag-iisip at pakiramdam, at sa parehong oras. bilang kalayaan ng kaalaman, matapang na nagmamadali sa mundo ng "kakaiba", kahanga-hanga, hindi kilala, na parang sa pagsuway sa pagiging praktiko ng pilistiko, kahabag-habag na "bait". Ang pantasya ay isa ring uri ng romantikong kagandahan. Kasabay nito, ginagawang posible ng science fiction sa isang hindi direktang anyo (at, samakatuwid, na may pinakamataas na artistikong generalization) na banggain ang maganda at pangit, ang mabuti at ang masama. Sa sining. Malaki ang naging kontribusyon ni R. sa pag-unlad ng tunggalian na ito.

Ang interes ng mga romantiko sa buhay "sa labas" ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa pangkalahatang konsepto ng mga konsepto tulad ng katutubong at pambansang pagkakakilanlan, natural, katangian. Ito ay isang pagnanais na muling likhain ang pagiging tunay, primacy, integridad na nawala sa nakapaligid na katotohanan; samakatuwid ang interes sa kasaysayan, sa alamat, ang kulto ng kalikasan, ay binibigyang kahulugan bilang primordial, bilang ang pinakakumpleto at hindi binaluktot na sagisag ng "kaluluwa ng mundo." Para sa isang romantiko, ang kalikasan ay isang kanlungan mula sa mga problema ng sibilisasyon; ito ay umaaliw at nagpapagaling sa isang taong hindi mapakali. Malaki ang kontribusyon ng Romantics sa kaalaman, sa sining. muling pagkabuhay ng mga tao tula at musika ng mga nakaraang panahon, gayundin ang mga "malayong" bansa. Ayon kay T. Mann, ang R. ay “isang pananabik para sa nakaraan at kasabay nito ay isang makatotohanang pagkilala sa karapatan sa pagka-orihinal sa likod ng lahat ng bagay na talagang umiral na may sariling lokal na kulay at sariling kapaligiran” (Sobr. soch. , v. 10 , M., 1961, p. 322), nagsimula sa UK noong ika-18 siglo. koleksyon ng pambansa ang alamat ay ipinagpatuloy noong ika-19 na siglo. W. Scott; sa Germany, ang mga romantiko ang unang nangongolekta at nagsapubliko ng mga kayamanan ng mga bunk bed. pagkamalikhain ng kanyang bansa (koleksiyon nina L. Arnim at K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children's and Family Tales" ni kapatid na Grimm), na may malaking kahalagahan para sa musika. Ang pagnanais para sa isang tapat na paghahatid ng pambansang-nat. sining. estilo ("lokal na kulay") - isang karaniwang katangian ng mga romantikong musikero mula sa iba't ibang bansa at paaralan. Ang parehong ay maaaring sinabi tungkol sa musika. tanawin. Nilikha sa lugar na ito ng mga kompositor 18 - maaga. ika-19 na siglo nahihigitan ng mga romantiko. Sa musika ang sagisag ng kalikasan, naabot ni R. ang isang hindi kilalang matalinghagang konkreto; inihain ito ng mga bagong tuklas na expresses. paraan ng musika, pangunahin ang harmonic at orkestra (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

Ang "Katangian" ay nakakaakit ng mga romantiko sa ilang mga kaso bilang orihinal, integral, orihinal, sa iba pa - bilang kakaiba, sira-sira, karikatura. Upang mapansin ang katangian, upang ilantad ito, ay nangangahulugan na masira ang leveling gray na tabing ng ordinaryong pang-unawa at hawakan ang tunay, kakaibang makulay at namumula na buhay. Sa pagsusumikap para sa layuning ito, isang tipikal para sa mga romantikong art-in ang naiilawan. at musika. portraiture. Ang ganitong pag-aangkin ay madalas na nauugnay sa pagpuna ng artist at humantong sa paglikha ng mga parodic at nakakagulat na mga larawan. Mula kina Jean Paul at Hoffmann, ang pagkahilig sa isang katangiang portrait sketch ay ipinadala kay Schumann at Wagner. Sa Russia, hindi walang impluwensya ng romantiko. mga tradisyon ng musika. portraiture na binuo sa mga kompositor nat. makatotohanan. mga paaralan - mula sa A. S. Dargomyzhsky hanggang M. P. Mussorgsky at N. A. Rimsky-Korsakov.

Si R. ay bumuo ng mga elemento ng dialectics sa interpretasyon at pagpapakita ng mundo, at sa bagay na ito ay malapit sa kontemporaryong kanya. klasiko pilosopiya. Sa suit, ang pag-unawa sa relasyon sa pagitan ng indibidwal at ng pangkalahatan ay pinahusay. Ayon kay F. Schlegel, romantiko. Ang tula ay "unibersal", ito ay "naglalaman ng lahat ng patula, mula sa pinakadakilang sistema ng sining, na muling kinabibilangan ng buong sistema, sa isang buntong-hininga, sa isang halik, habang ipinapahayag nila ang kanilang sarili sa walang sining na kanta ng isang bata" ("Fr. Schlegels Jugendschriften", hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Walang limitasyong iba't-ibang may nakatagong ext. pagkakaisa - iyon ang pinahahalagahan ng mga romantiko, halimbawa. sa Don Quixote ni Cervantes; Tinawag ni F. Schlegel ang motley fabric ng nobelang ito na "musika ng buhay" (ibid., p. 316). Ito ay isang nobela na may "open horizons" - mga tala A. Schlegel; ayon sa kanyang obserbasyon, si Cervantes ay gumagamit ng "walang katapusang pagkakaiba-iba", "parang siya ay isang sopistikadong musikero" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Ang ganitong sining. posisyon ay bumubuo ng espesyal na pansin bilang sa otd. mga impression, at ang kanilang mga koneksyon, sa paglikha ng isang karaniwang konsepto. Sa musika nang direkta. ang pagbubuhos ng pakiramdam ay nagiging pilosopiko, ang tanawin, sayaw, eksena sa genre, larawan ay nababalot ng liriko at humahantong sa mga generalisasyon. R. ay nagpapakita ng isang espesyal na interes sa proseso ng buhay, sa tinatawag ni N. Ya. Berkovsky na "direktang daloy ng buhay" ("Romanticism in Germany", Leningrad, 1973, p. 31); nalalapat din ito sa musika. Karaniwan para sa mga romantikong musikero na magsikap para sa walang katapusang pagbabago ng orihinal na kaisipan, para sa "walang katapusang" pag-unlad.

Dahil nakita ni R. sa lahat ng mga claim ang isang solong kahulugan at isang solong kabanata. Ang layunin ay upang pagsamahin ang mahiwagang kakanyahan ng buhay, ang ideya ng pagbubuo ng sining ay nakakuha ng isang bagong kahulugan. “Ang aesthetics ng isang art ay ang aesthetics ng isa pa; ang materyal lamang ang naiiba,” ang sabi ni Schumann (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87). Ngunit ang kumbinasyon ng "iba't ibang mga materyales" ay nagpapataas ng kahanga-hangang kapangyarihan ng artistikong kabuuan. Sa malalim at organikong pagsasanib ng musika sa tula, sa teatro, sa pagpipinta, ang mga bagong posibilidad ay nabuksan para sa sining. Sa larangan ng instr. musika, ang prinsipyo ng programmability ay nakakakuha ng isang mahalagang papel, ibig sabihin, pagsasama pareho sa ideya ng kompositor at sa proseso ng perceiving music, lit. at iba pang asosasyon.

Ang R. ay lalong malawak na kinakatawan sa musika ng Germany at Austria. Sa isang maagang yugto - ang gawain ni F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; karagdagang sa pamamagitan ng Leipzig paaralan, lalo na sa pamamagitan ng F. Mendelssohn-Bartholdy at R. Schumann; sa 2nd floor. ika-19 na siglo - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. Sa France, lumitaw na si R. sa mga opera nina A. Boildieu at F. Aubert, pagkatapos ay sa isang mas binuo at orihinal na anyo ni Berlioz. Romantiko sa Italy kapansin-pansing makikita ang mga tendensya kina G. Rossini at G. Verdi. Karaniwang European halaga na natanggap ang gawain ng Polish computer. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, Italyano. - N. Paganini (ang gawain ni Liszt at Paganini ay din ang sumikat ng romantikong pagganap), Aleman. - J. Meyerbeer.

Sa ilalim ng mga kondisyon ng pambansa Ang mga paaralang R. ay nanatiling magkapareho at sa parehong oras ay nagpakita ng isang kapansin-pansing pagka-orihinal sa mga ideya, plot, paboritong genre, at gayundin sa istilo.

Noong 30s. natagpuan ang mga nilalang. hindi pagkakasundo sa pagitan niya. at Pranses mga paaralan. Mayroong iba't ibang mga ideya tungkol sa pinahihintulutang sukatan ng pangkakanyahan. pagbabago; kontrobersyal din ang tanong ng admissibility ng aesthetic. mga kompromiso ng artista upang masiyahan ang panlasa ng "maramihan". Ang antagonist ng inobasyon ni Berlioz ay si Mendelssohn, na matatag na ipinagtanggol ang mga pamantayan ng isang katamtamang istilong "classic-romantic". Si Schumann, na masigasig na nagtanggol kina Berlioz at Liszt, gayunpaman ay hindi tinanggap kung ano ang tila sa kanya ang sukdulan ng mga Pranses. mga paaralan; mas pinili niya ang higit na balanseng Chopin kaysa sa may-akda ng Fantastic Symphony, lubhang mataas ang posisyon ni Mendelssohn at A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett, at iba pang malapit sa kompositor na ito. Pinuna ni Schumann si Meyerbeer nang may pambihirang talas, pagkakita sa kanyang kamangha-manghang teatricality, tanging demagogy at ang paghahangad ng tagumpay. Sina Heine at Berlioz, sa kabaligtaran, ay pinahahalagahan ang dinamikong "Huguenots" ng may-akda. musika dramaturhiya. Si Wagner ay nagiging kritikal Ang mga motibo ni Schumann, gayunpaman, sa kanyang trabaho ay malayo siya sa mga pamantayan ng isang katamtamang romantiko. estilo; pagsunod (hindi tulad ng Meyerbeer) sa mahigpit na pamantayan ng aesthetic. pagpili, sinusundan niya ang landas ng matapang na mga reporma. Lahat ng R. ika-19 na siglo bilang isang pagsalungat sa paaralan ng Leipzig, ang tinatawag na. Bagong German o Weimar na paaralan; Ang Liszt ay naging sentro nito sa kanyang mga taon sa Weimar (1849-61), ang mga tagasunod ay sina R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff, at iba pa. mga drama ng uri ng Wagnerian, at iba pang mga radikal na binagong uri ng bagong musika. demanda. Mula noong 1859, ang mga ideya ng bagong paaralang Aleman ay kinakatawan ng "General German Ferein" at ang journal na nilikha noong 1834 ni Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym mula noong 1844 ay idinirek ni K. F. Brendel. Sa kabilang kampo, kasama ang kritiko na si E. Hanslik, ang biyolinista at kompositor na si J. Joachim, at iba pa, ay si J. Brahms; ang huli ay hindi nagsusumikap para sa kontrobersya at ipinagtanggol ang kanyang mga prinsipyo sa pagkamalikhain lamang (noong 1860, nag-iisang inilagay ni Brahms ang kanyang lagda sa ilalim ng isang polemikong artikulo - isang kolektibong pananalita laban sa ilang mga ideya ng "Weimarites", na inilathala sa magasin ng Berlin na "Echo" ). Ano ang mga kritiko ay hilig upang isaalang-alang ang konserbatismo sa gawain ng Brahms, sa katunayan, ay isang buhay at orihinal na sining, kung saan ang romantikong. ang tradisyon ay na-update, nakakaranas ng isang bagong malakas na impluwensya ng klasiko. musika ng nakaraan. Ang mga prospect ng landas na ito ay ipinakita sa pamamagitan ng pag-unlad ng Europa. sunod na musika. mga dekada (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev at iba pa). Sa parehong sukat, ang mga pananaw ng "Weimarites" ay naging promising. Sa hinaharap, ang mga hindi pagkakaunawaan sa pagitan ng dalawang paaralan ay naging lipas na sa kasaysayan.

Dahil sa mainstream ng R. nagkaroon ng matagumpay na paghahanap para sa nat. pagiging tunay, panlipunan at sikolohikal. katotohanan, ang mga mithiin ng kilusang ito ay malapit na nauugnay sa ideolohiya ng realismo. Ang ganitong mga koneksyon ay maliwanag, halimbawa, sa mga opera ng Verdi at Bizet. Ang parehong kumplikado ay tipikal para sa isang bilang ng nat. musika mga paaralan noong ika-19 na siglo Sa Russian romantikong musika. Ang mga elemento ay malinaw na kinakatawan ng M. I. Glinka at A. S. Dargomyzhsky, sa ika-2 kalahati. ika-19 na siglo - mula sa mga kompositor ng The Mighty Handful at mula sa P. I. Tchaikovsky, kalaunan mula sa S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Sa ilalim ng malakas na impluwensya ni R. nabuo ang mga batang muse. mga kultura ng Poland, Czech Republic, Hungary, Norway, Denmark, Finland (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius at iba pa), pati na rin ang Espanyol. musika 2nd floor. 19 - magmakaawa. ika-20 siglo (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Mga muse. R. aktibong nag-ambag sa pagbuo ng chamber vocal lyrics at opera. Alinsunod sa mga mithiin ni R. sa wok reform. musika ch. ginagampanan ang papel sa pamamagitan ng pagpapalalim ng synthesis ng art-in. Wok. ang himig ay sensitibong tumutugon sa pagpapahayag ng patula. salita, nagiging mas detalyado at indibidwal. Tool ang partido ay nawawalan ng katangian ng neutral na "saliw" at lalong puspos ng matalinghagang nilalaman. Sa gawa ni Schubert, Schumann, Franz, Wolf, ang isang landas ay maaaring masubaybayan mula sa isang kantang binuo ng balangkas hanggang sa "musika. tula." Sa wok. genre, ang papel na ginagampanan ng balad, monologo, eksena, tula ay tumataas; mga kanta sa pl. ang mga kaso ay pinagsama sa mga cycle. Sa romantiko opera, na binuo noong dec. direksyon, ang koneksyon sa pagitan ng musika, salita, teatro ay patuloy na tumataas. mga aksyon. Ang layuning ito ay pinaglilingkuran ng: sistema ng mga muse. mga katangian at leitmotif, ang pagbuo ng mga intonasyon ng pagsasalita, ang pagsasama ng lohika ng musika. at entablado pag-unlad, ang paggamit ng mayamang pagkakataon simponiko. orkestra (ang mga marka ng Wagner ay nabibilang sa pinakamataas na tagumpay ng operatic symphony).

Sa instr. musika, ang mga romantikong kompositor ay lalong madaling kapitan ng FP. miniature. Ang isang maikling pag-play ay nagiging isang pag-aayos ng sandali, na kanais-nais para sa isang romantikong artista: isang mabilis na sketch ng isang mood, isang tanawin, isang katangian na imahe. Pinahahalagahan at iniuugnay nito. pagiging simple, malapit sa mahahalagang pinagmumulan ng musika - sa kanta, sayaw, ang kakayahang makuha ang sariwa, orihinal na lasa. Mga sikat na uri ng romantikong. maikling piraso: "awit na walang mga salita", nocturne, prelude, waltz, mazurka, pati na rin ang mga piraso na may mga pangalan ng programa. Sa instr. miniature nakakamit mataas na nilalaman, relief imagery; na may isang compact form, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang maliwanag na expression. As in wok. lyrics, dito may tendency na magkaisa otd. gumaganap sa mga cycle (Chopin - Preludes, Schumann - "Mga Eksena ng Bata", Liszt - "Mga Taon ng Paglalagalag", atbp.); sa ilang mga kaso, ito ay mga cycle ng isang "through" na istraktura, kung saan sa pagitan ng mga indibidwal na sila ay medyo independyente. ang mga dula ay lumitaw diff. uri ng intonasyon. komunikasyon (Schumann - "Butterflies", "Carnival", "Kreisleriana"). Ang ganitong mga "sa pamamagitan" na mga siklo ay nagbibigay na ng ilang ideya sa mga pangunahing tendensya ng romantikismo. interpretasyon ng isang malaking instr. mga form. Sa isang banda, binibigyang-diin nito ang kaibahan, ang pagkakaiba-iba ng indibidwal. episodes naman, napapatibay ang pagkakaisa ng kabuuan. Sa ilalim ng tanda ng mga tendensiyang ito, isang bagong pagkamalikhain ang ibinigay. interpretasyon ng klasiko sonata at sonata cycle; ang parehong mga hangarin ay tumutukoy sa lohika ng isang bahagi na "libre" na mga anyo, kung saan ang mga tampok ng isang sonata allegro, isang sonata cycle, at pagkakaiba-iba ay karaniwang pinagsama. Ang mga "Libre" na form ay lalong maginhawa para sa musika ng programa. Sa kanilang pag-unlad, sa pagpapapanatag ng genre ng isang bahagi na "symphony. mga tula" Napakaganda ng merito ni Liszt. Ang nakabubuo na prinsipyong pinagbabatayan ng mga tula ni Liszt - ang malayang pagbabago ng isang tema (monothematism) - ay lumilikha ng isang pagpapahayag. contrasts at sa parehong oras ay tinitiyak ang maximum na pagkakaisa ng buong komposisyon (Preludes, Tasso, atbp.).

Sa istilo ng musika R. ang pinakamahalagang papel ay ginagampanan ng modal at harmonic na paraan. Ang paghahanap para sa bagong pagpapahayag ay nauugnay sa dalawang parallel at madalas na magkakaugnay na mga proseso: sa pagpapalakas ng functional at dynamic. mga gilid ng harmonies at may amplification ng harmonic. pagiging makulay. Ang una sa mga prosesong ito ay ang pagtaas ng saturation ng mga chord na may mga pagbabago at dissonance, na nagpalala sa kanilang kawalang-tatag, na nagpapataas ng tensyon na nangangailangan ng paglutas sa mga harmonika sa hinaharap. paggalaw. Ang ganitong mga katangian ng pagkakaisa ay pinakamahusay na nagpahayag ng "languor" na tipikal ng R., ang daloy ng "walang katapusan" na pagbuo ng mga damdamin, na kung saan ay katawanin na may partikular na pagkakumpleto sa "Tristan" ni Wagner. Ang mga makukulay na epekto ay lumitaw na sa paggamit ng mga posibilidad ng major-minor modal system (Schubert). Bago, napaka-magkakaibang kulay. shades ay nakuha mula sa tinatawag na. natural na mga mode, sa tulong kung saan binigyang-diin si Nar. o archaic. ang kalikasan ng musika; isang mahalagang papel - lalo na sa science fiction - ay itinalaga sa mga frets na may whole-tone at "tone-semitone" na kaliskis. Ang mga makukulay na katangian ay natagpuan din sa isang chromatically complicated, dissonant chord, at sa puntong ito na malinaw na naantig ang mga prosesong nabanggit sa itaas. Nakamit din ang mga sariwang sound effect sa pamamagitan ng decomp. paghahambing ng mga chord o mode sa loob ng diatonic. sukat.

Sa romantiko melodic acted the following ch. tendencies: sa istraktura - ang pagnanais para sa lawak at pagpapatuloy ng pag-unlad, at bahagyang para sa "pagiging bukas" ng anyo; sa ritmo - pagtagumpayan ng mga tradisyon. sukatan ng regularidad. accent at anumang awtomatiko pag-uulit; sa intonasyon. komposisyon - nagdedetalye, pinupuno ng pagpapahayag hindi lamang ang mga paunang motibo, kundi pati na rin ang buong melodic. pagguhit. Ang ideal ni Wagner ng "walang katapusang himig" ay kasama ang lahat ng mga usong ito. Ang sining ng mga pinakadakilang melodista noong ika-19 na siglo ay konektado din sa kanila. Chopin at Tchaikovsky. Mga muse. R. lubos na pinayaman, naisa-isa ang mga paraan ng pagtatanghal (texture), na ginagawa silang isa sa pinakamahalagang elemento ng mga muse. koleksyon ng imahe. Ang parehong naaangkop sa paggamit ng instr. mga komposisyon, lalo na ang symphonic. orkestra. R. nabuo ang kulay. ang paraan ng orkestra at ang dramaturhiya ng orc. pag-unlad sa taas na hindi alam ng musika ng mga nakaraang panahon.

Huling musika. R. (huling ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo) ay nagbigay pa rin ng "mayaman na mga punla", at kabilang sa mga pinakamalaking kahalili nito ang romantikong. Ipinahayag pa rin ng tradisyon ang mga ideya ng progresibo, makatao. mga claim (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

Ang bagong pagkamalikhain ay nauugnay sa pagpapalakas at husay na pagbabago ng mga hilig ni R. mga tagumpay sa musika. Nililinang ang bagong detalyadong koleksyon ng imahe - kapwa sa saklaw ng mga panlabas na impression (impressionistic brilliance) at sa napakahusay na banayad na paghahatid ng mga damdamin (Debussy, Ravel, Scriabin). Ang mga posibilidad ng musika ay lumalawak. pagiging matalinhaga (R. Strauss). Ang pagpipino, sa isang banda, at pagtaas ng pagpapahayag, sa kabilang banda, ay lumikha ng mas malawak na sukat ng emosyonal na pagpapahayag ng musika (Scriabin, Mahler). Kasabay nito, sa huling bahagi ng R., na malapit na nauugnay sa mga bagong uso sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. (impressionism, expressionism), ang mga sintomas ng krisis ay lumalaki. Sa simula. ika-20 siglo Ang ebolusyon ni R. ay nagpapakita ng hypertrophy ng subjective na prinsipyo, isang unti-unting pagkabulok ng refinement sa pagiging amorphous at immobility. Isang polemically matalim na reaksyon sa mga tampok na ito ng krisis ay ang muse. anti-romanticism noong 10-20s (I. F. Stravinsky, batang S. S. Prokofiev, mga kompositor ng Pranses na "Anim", atbp.); ang huli na R. ay sumasalungat sa pagnanais para sa kawalang-kinikilingan sa nilalaman, para sa kalinawan ng anyo; isang bagong alon ng "classicism" ang lumitaw, ang kulto ng mga lumang masters, ch. arr. panahon bago ang Beethoven. Kalagitnaan ng ika-20 siglo nagpakita, gayunpaman, ang posibilidad na mabuhay ng pinakamahalagang tradisyon ng R. Sa kabila ng mga mapanirang tendensya na tumindi sa Kanluraning musika, napanatili ni R. ang espirituwal na batayan nito at, pinayaman ng bagong estilista. mga elemento, ay binuo ng marami. mga kilalang kompositor noong ika-20 siglo. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok at iba pa).

Panitikan: Asmus V., Musical Aesthetics ng Philosophical Romanticism, "SM", 1934, No 1; Nef K., History of Western European Music, isinalin mula sa French. In-edit ni B. V. Asafiev. Moscow, 1938. Sollertinsky I., Romanticism, its general and musical aesthetics, sa kanyang aklat: Historical etudes, L., 1956, vol. 1, 1963; Zhitomirsky D., Mga Tala sa Musical Romanticism (Chopin at Schumann), "SM", 1960, No 2; kanyang sariling, Schumann at Romanticism, sa kanyang aklat: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Romantikong awit noong ika-19 na siglo, M., 1966; Konen, V., History of Foreign Music, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problems of classical harmony, M., 1972 (ch. 9 - Sa makasaysayang pag-unlad ng classical harmony noong ika-19 na siglo at simula ng ika-20 siglo); Skrebkov S., Mga masining na prinsipyo ng mga istilo ng musika, M., 1973; Musical aesthetics ng France noong ika-19 na siglo. Comp. mga text, intro. artikulo at intro. mga sanaysay ni E. F. Bronfin, M., 1974 (Monuments of musical and aesthetic thought); Musika ng Austria at Alemanya noong ika-19 na siglo, aklat. 1, M., 1975; Druskin M., History of foreign music, vol. 4, M., 1976.

D. V. Zhitomirsky

Ang ideological at artistikong direksyon, na binuo sa lahat ng mga bansa ng Europa at Hilaga. America sa con. 18 - 1st floor. ika-19 na siglo Ipinahayag ni R. ang kawalang-kasiyahan ng burges na lipunan. mga pagbabago, na sinasalungat ang sarili sa klasisismo at kaliwanagan. Nabanggit ni F. Engels na "... ang mga institusyong panlipunan at pampulitika na itinatag ng "tagumpay ng katwiran" ay naging isang masama, mapait na nakakabigo na karikatura ng mga makikinang na pangako ng mga nagpapaliwanag." Ang pagpuna sa bagong paraan ng pamumuhay, na binalangkas sa mainstream ng kaliwanagan sa mga sentimentalist, ay mas maliwanag sa mga romantiko. Ang mundo ay tila sa kanila ay sadyang hindi makatwiran, puno ng misteryoso, hindi maintindihan at pagalit na mga tao. pagkatao. Para sa mga romantiko, ang mataas na hangarin ay hindi tugma sa labas ng mundo, at ang hindi pagkakasundo sa katotohanan ay naging halos ang pangunahing isa. tampok R. Lowlands at kabastusan ng totoong mundo R. sumasalungat sa relihiyon, kalikasan, kasaysayan, hindi kapani-paniwala. at kakaiba. mga globo, adv. pagkamalikhain, ngunit higit sa lahat - ang panloob na buhay ng tao. Ang mga representasyon tungkol sa kanyang R. lubhang pinayaman. Kung ang antiquity ay ang ideal ng classicism, kung gayon si R. ay ginagabayan ng sining ng Middle Ages at modernong panahon, na isinasaalang-alang sina A. Dante, W. Shakespeare, at J. W. Goethe bilang kanyang mga nauna. Iginiit ni R. ang sining, hindi ibinigay ng mga modelo, ngunit nilikha ng malayang kalooban ng artista, na sumasalamin sa kanyang panloob na mundo. Hindi tinatanggap ang nakapaligid na katotohanan, talagang alam ito ni R. nang mas malalim at mas ganap kaysa klasiko. Ang pinakamataas na sining para kay R. ay musika, bilang sagisag ng malayang elemento ng buhay. Nakamit niya ang mahusay na tagumpay sa panahong iyon. Ang R. ay panahon din ng hindi pangkaraniwang mabilis at makabuluhang pag-unlad ng balete. Ang mga unang hakbang ng isang romantikong ang mga ballet ay ginawa sa England, Italy, Russia (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky at iba pa). Gayunpaman, ang R. pinaka-ganap at pare-parehong kinuha hugis sa French. teatro ng ballet, na ang impluwensya ay makikita sa ibang mga bansa. Isa sa mga kinakailangan para dito ay ang mataas na pag-unlad ng klasikal na teknolohiya sa France noong panahong iyon. sayaw, lalo na ang mga babae. Malinaw na romantiko. Ang mga tendensya ay nagpakita ng kanilang mga sarili sa mga ballet ng F. Taglioni ("La Sylphide", 1832, atbp.), Kung saan ang aksyon ay kadalasang nagbubukas nang magkatulad sa tunay at kamangha-manghang mga mundo. Pinalaya ng pantasya ang sayaw mula sa pangangailangan para sa mga pribadong pang-araw-araw na katwiran, nagbukas ng saklaw para sa paggamit ng naipon na pamamaraan at sa karagdagang pag-unlad nito upang maihayag ang mahahalagang katangian ng mga karakter na inilalarawan sa sayaw. Sa sayaw ng babae, na nauna sa ballet ni R., ang mga pagtalon ay ipinakilala nang higit pa at mas malawak, ang sayaw sa pointe na sapatos, atbp., ay lumitaw. , na perpektong tumugma sa hitsura ng hindi makalupa na mga nilalang - mga jeep, sylph. Sa balete R. nangibabaw sa sayaw. Mga bagong compositional form ng classical sayaw, ang papel ng unison corps de ballet na babaeng sayaw ay tumaas nang husto. Nabuo ang ensemble, duet at solo dances. Ang papel ng nangungunang ballerina ay tumaas, simula sa M. Taglioni. Isang tunika ang lumitaw bilang isang permanenteng kasuutan para sa isang mananayaw. Ang papel ng musika ay tumaas, madalas bago ang pambansang koponan. Nagsimula ang symphony ng mga sayaw. mga aksyon. Ang rurok ng pagmamahalan. ballet - "Giselle" (1841), na itinanghal nina J. Coralli at J. Perrot. Ang gawa ni Perrault ay minarkahan ng isang bagong yugto sa ballet R. Ang pagtatanghal ngayon ay umaasa nang husto sa lit. ang orihinal na pinagmulan ("Esmeralda" ayon kay Hugo, "Corsair" ayon kay Byron, atbp.), at ayon dito, ang sayaw ay higit na isinadula, ang papel ng mga epektibong komposisyon (pas d "aksyon) ay tumaas, ang sayaw na alamat ay ginamit nang mas malawak. Ang mga katulad na hangarin ay nagpakita ng kanilang mga sarili sa gawain ng mga pinaka-kilalang petsa Ballet dancer sa Agosto Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya ay dumating pasulong.

Romantikong uri. pagganap, na itinatag sa mga ballet ng Taglioni, Perrot, Bournonville, ay patuloy na umiral hanggang sa wakas. ika-19 na siglo Gayunpaman, ang panloob na istraktura ng mga pagtatanghal na ito, lalo na sa gawain ng mga ballet. M. I. Petipa, binago.

Ang pagnanais para sa isang romantikong muling pagbabangon. Ang ballet sa orihinal nitong anyo ay nagpakita ng sarili sa gawain ng ilang mga master ng ballet noong ika-20 siglo. Ibinigay ni M. M. Fokin si R. sa ballet ng mga bagong tampok ng impresyonismo.

Ballet. Encyclopedia, SE, 1981

Ang romantikong pananaw sa mundo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalim na salungatan sa pagitan ng katotohanan at mga pangarap. Ang realidad ay mababa at walang kaluluwa, ito ay natatakpan ng diwa ng philistinism, philistinism at karapat-dapat lamang sa pagtanggi. Ang panaginip ay isang bagay na maganda, perpekto, ngunit hindi maabot at hindi kayang unawain ng isip.

Inihambing ng Romantisismo ang prosa ng buhay sa magandang kaharian ng espiritu, "ang buhay ng puso." Naniniwala ang mga Romantiko na ang mga damdamin ay bumubuo ng isang mas malalim na layer ng kaluluwa kaysa sa isip. Ayon kay Wagner, "ang artista ay nag-apela sa pakiramdam, hindi sa pangangatwiran." At sinabi ni Schumann: "ang isip ay nagkakamali, damdamin - hindi kailanman." Ito ay hindi nagkataon na ang musika ay idineklara ang perpektong anyo ng sining, na, dahil sa pagiging tiyak nito, pinaka-ganap na nagpapahayag ng mga paggalaw ng kaluluwa. Ang musika sa panahon ng romantikismo ang nangunguna sa sistema ng sining.
Kung sa panitikan at pagpipinta ang romantikong direksyon ay karaniwang nakumpleto ang pag-unlad nito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kung gayon ang buhay ng musikal na romantisismo sa Europa ay mas mahaba. Ang musical romanticism bilang isang trend ay lumitaw sa simula ng ika-19 na siglo at umunlad na may malapit na koneksyon sa iba't ibang uso sa panitikan, pagpipinta at teatro. Ang unang yugto ng musical romanticism ay kinakatawan ng gawa ni F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; ang kasunod na yugto (1830-50s) - ang gawain ni F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi.

Ang huling yugto ng Romantisismo ay umaabot hanggang sa katapusan ng ika-19 na siglo.

Ang problema ng personalidad ay inilalagay bilang pangunahing problema ng romantikong musika, at sa isang bagong liwanag - sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay laging malungkot. Ang tema ng kalungkutan ay marahil ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Kadalasan, ang ideya ng isang taong malikhain ay nauugnay dito: ang isang tao ay nag-iisa kapag siya ay tiyak na isang pambihirang, likas na matalino na tao. Ang artista, makata, musikero ay ang mga paboritong karakter sa mga gawa ng mga romantiko (Schumann's Love of the Poet, Berlioz's Fantastic Symphony na may subtitle nito - "An Episode from the Artist's Life", ang symphonic poem ni Liszt na "Tasso").
Ang malalim na interes sa personalidad ng tao na likas sa romantikong musika ay ipinahayag sa pamamayani ng isang personal na tono dito. Ang paghahayag ng isang personal na drama ay madalas na nakakuha ng isang katangian ng autobiography sa mga romantiko, na nagdala ng isang espesyal na katapatan sa musika. Kaya, halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ay konektado sa kuwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay mariing idiniin ni Wagner.

Ang pansin sa mga damdamin ay humahantong sa isang pagbabago sa mga genre - ang mga lyrics ay nakakuha ng isang nangingibabaw na posisyon, kung saan ang mga imahe ng pag-ibig ay nangingibabaw.

Ang tema ng kalikasan ay madalas na magkakaugnay sa tema ng "lyrical confession". Sumasalamin sa estado ng pag-iisip ng isang tao, ito ay karaniwang kulay ng isang pakiramdam ng kawalan ng pagkakaisa. Ang pagbuo ng genre at lyrical-epic symphonism ay malapit na konektado sa mga imahe ng kalikasan (isa sa mga unang gawa ay ang "mahusay" na symphony ni Schubert sa C-dur).
Ang tunay na pagtuklas ng mga romantikong kompositor ay ang tema ng pantasya. Ang musika sa unang pagkakataon ay natutong magsama ng mga kamangha-manghang-kamangha-manghang mga imahe sa pamamagitan ng purong musikal na paraan. Sa mga opera noong ika-17 at ika-18 na siglo, ang mga "hindi makalupa" na mga karakter (tulad ng Reyna ng Gabi mula sa "Magic Flute ni Mozart") ay nagsalita ng "pangkalahatang tinatanggap" na wikang musikal, na bahagyang namumukod-tangi mula sa background ng mga totoong tao. Natutunan ng mga romantikong kompositor na ihatid ang mundo ng pantasiya bilang isang bagay na ganap na tiyak (sa tulong ng mga hindi pangkaraniwang orkestra at maharmonya na mga kulay).
Ang interes sa katutubong sining ay lubos na katangian ng musical romanticism. Tulad ng mga romantikong makata, na nagpayaman at nag-update ng wikang pampanitikan sa kapinsalaan ng alamat, ang mga musikero ay malawak na bumaling sa pambansang alamat - mga awiting bayan, balad, epiko. Sa ilalim ng impluwensya ng alamat, ang nilalaman ng musika sa Europa ay nagbago nang malaki.
Ang pinakamahalagang sandali sa aesthetics ng musical romanticism ay ang ideya ng isang synthesis ng sining, na natagpuan ang pinakamatingkad na pagpapahayag nito sa operatic work ni Wagner at sa programa ng musika ng Berlioz, Schumann, at Liszt.

Hector Berlioz. "Nakamamanghang symphony" - 1. Mga pangarap, hilig...

Ang nilalaman ng symphony ay nauugnay sa minamahal ni Berlioz, ang Ingles na aktres na si Harriet Smithson. Noong 1847, sa isang paglilibot sa Russia, inialay ng may-akda ang "Fantastic Symphony" kay Emperor Nicholas I.

Robert Schumann - "Sa ningning ...", "Nasalubong ko ang tingin .."

Mula sa vocal cycle na "Pag-ibig ng Makata"
Robert Schumann Heinrich Heine "Sa ningning ng mainit na araw ng Mayo"
Robert Schumann - Heinrich "Nasalubong ko ang hitsura ng iyong mga mata"

Robert Schumann. "Mga kamangha-manghang dula".

Schumann Fantasiestucke, op. 12 bahagi 1: hindi. 1 Des Abend at hindi. 2 Aufschwung

Sheet. Symphonic na tula na "Orpheus"

Frederic Chopin - Prelude No. 4 sa E minor

Frederic Chopin - Nocturne No 20 sa C - matalas na menor de edad

Naghanda si Schubert ng daan para sa maraming bagong genre ng musika - impromptu, musical moments, song cycles, lyric-dramatic symphony. Ngunit sa anumang genre na isinulat ni Schubert - tradisyonal o nilikha niya - kahit saan siya ay lilitaw bilang isang kompositor ng isang bagong panahon, ang panahon ng romantikismo.

Romantikong panahon

Ang Romantikong panahon sa musika ay tumagal ng humigit-kumulang mula 1830s hanggang 1910s. Sa ilang lawak, ang salitang "romantikong" ay isang label lamang, isang konsepto na hindi maaaring matukoy nang husto, gaya ng marami pang iba. Marami sa mga akda na binanggit sa lahat ng mga kabanata ng aming aklat nang walang pagbubukod ay maaaring marapat na tawaging "romantiko".

Ang pangunahing pagkakaiba ng panahong ito mula sa iba ay ang mga kompositor ng panahong iyon ay nagbigay ng higit na pansin sa mga damdamin at pang-unawa ng musika, sinusubukang ipahayag ang mga emosyonal na karanasan sa tulong nito. Dito sila naiiba sa mga kompositor ng klasikal na panahon, kung saan ang pinakamahalagang bagay sa musika ay ang anyo at sinubukang sundin ang ilang mga patakaran para sa pagbuo ng komposisyon.

Kasabay nito, ang mga elemento ng romantikismo ay makikita sa ilang kompositor ng klasikal na panahon, at ang mga elemento ng klasiko ay makikita sa mga kompositor ng romantikong panahon. Kaya lahat ng napag-usapan natin sa itaas ay hindi isang mahirap na tuntunin, ngunit isang pangkalahatang katangian lamang.

Ang kasaysayan ay hindi tumigil, at ang lahat ng mga tao ay biglang hindi naging mga romantiko, na interesado lamang sa kanilang mga emosyonal na karanasan. Ito ang panahon ng pagsilang ng sosyalismo, reporma sa postal at ang pagtatatag ng Salvation Army. Kasabay nito, natuklasan ang mga bitamina at radium, itinayo ang Suez Canal; Dinisenyo ni Daimler ang unang kotse, at ang magkapatid na Wright ang gumawa ng unang paglipad. Inimbento ni Marconi ang radyo sa pamamagitan ng matagumpay na pagpapadala ng wireless na mensahe isang milya at kalahati ang layo. Naupo si Reyna Victoria sa trono ng Great Britain nang mas mahaba kaysa sa ibang monarkang Ingles. Ang pagdausdos ng ginto ay nag-udyok sa libu-libong tao na maglakbay sa Amerika.

Sa pag-flip sa aming libro, mapapansin mo na ito ang pinakamalaki sa lahat ng mga kabanata nito, kung saan hindi bababa sa tatlumpu't pitong kompositor ang nabanggit. Marami sa kanila ang sabay na nanirahan at nagtrabaho sa iba't ibang bansa. Samakatuwid, hinati namin ang kabanatang ito sa tatlong seksyon: "Mga Maagang Romantika", "Mga Pambansang Kompositor" at "Mga Huling Romantika".

Tulad ng malamang na nahulaan mo na, ang dibisyong ito ay hindi rin inaangkin na ganap na tumpak. Gayunpaman, umaasa kami na makakatulong ito upang mapanatiling pare-pareho ang salaysay, bagama't hindi palaging nasa kronolohikong pagkakasunud-sunod.

Ito ang mga kompositor na naging isang uri ng tulay sa pagitan ng klasikal na panahon at sa panahon ng huling romantikismo. Marami sa kanila ay nagtrabaho kasabay ng mga "classics", at nagkaroon ng malaking impluwensya sina Mozart at Beethoven sa kanilang trabaho. Kasabay nito, marami sa kanila ang gumawa ng kanilang personal na kontribusyon sa pag-unlad ng klasikal na musika.

Ang aming unang kompositor ng Romantic period ay isang tunay na bituin ng kanyang panahon. Sa kanyang mga pagtatanghal, ipinakita niya ang mga kababalaghan ng violin virtuosity at nagsagawa ng hindi kapani-paniwalang mga trick. Tulad ng virtuoso rock guitarist na si Jimi Hendrix, na ipinanganak makalipas ang isang daan at animnapung taon, Niccolo Paganini walang paltos na hinahangaan ang madla sa kanyang madamdaming pagganap.

Maaaring tugtugin ni Paganini ang buong piyesa sa dalawang kuwerdas ng biyolin sa halip na apat. Minsan

Sinadya pa niyang maputol ang mga string sa kalagitnaan ng pagtatanghal, pagkatapos ay matingkad pa rin niyang tinapos ang trabaho sa maingay na palakpakan ng publiko.

Bilang isang bata, si Paganini ay nakatuon lamang sa musika. Gayunpaman, pinarusahan pa siya ng kanyang ama dahil sa hindi sapat na pag-eehersisyo sa pamamagitan ng hindi pagbibigay sa kanya ng pagkain o tubig.

Bilang isang may sapat na gulang, si Paganini ay tumugtog ng biyolin nang napaka birtuoso na nabalitaan na siya mismo ay nakipagkasunduan sa diyablo, dahil walang mortal ang maaaring tumugtog nang napakaganda. Matapos ang pagkamatay ng musikero, ang simbahan sa una ay tumanggi pa na ilibing siya sa kanilang sariling lupain.

Si Paganini, walang alinlangan, mismo ay naunawaan ang lahat ng mga benepisyo ng kanyang mga pampublikong talumpati, na nagsasabi:

"Ang pangit ko, pero kapag naririnig ako ng mga babae na naglalaro, gumagapang sila sa paa ko."

Ang istilo at istruktura ng mga komposisyong pangmusika ay patuloy na umunlad kapwa sa mga instrumental na komposisyon at sa opera. Sa Germany, nanguna ang avant-garde ng opera Carl Maria von Weber, bagama't nabuhay siya sa mga taon na hindi iniuugnay ng marami sa romantikong panahon.

Masasabing para sa mga Webers, ang opera ay isang gawaing pampamilya, at si Carl ay malawakang naglakbay kasama ang kumpanya ng opera ng kanyang ama noong bata pa siya. Ang kanyang opera Libreng Shooter (Magic Shooter) pumasok sa kasaysayan ng musika dahil sa mga katutubong motif ang ginamit dito.

Maya-maya, malalaman mo na ang gayong pamamaraan ay itinuturing na isang katangian ng romantikong panahon.

Sumulat din si Weber ng ilang mga clarinet concerto, kung saan siya ay higit na kilala ngayon.

Ang Italya ay ang lugar ng kapanganakan ng opera, at sa mukha Gioacchino Antonio Rossini Ang mga Italyano ay mapalad na nakahanap ng bagong bayani ng ganitong genre. Sumulat siya ng mga opera ng parehong komiks at trahedya na nilalaman na may pantay na tagumpay.

Isa si Rossini sa mga kompositor na mabilis mag-compose, at karaniwang inaabot lang siya ng ilang linggo para magsulat ng opera. Sa kasagsagan ng kanyang katanyagan, minsan niyang sinabi:

"Bigyan mo ako ng laundry bill at itatakda ko ito sa musika."

Sabi nila Barbero ng Seville Nag-compose si Rossini sa loob lamang ng labintatlong araw. Ang ganitong mabilis na bilis ng trabaho ay humantong sa katotohanan na ang kanyang mga bagong opera ay patuloy na itinanghal sa lahat ng mga sinehan sa Italya. Ngunit hindi niya palaging tinatrato ng mabuti ang mga gumaganap ng kanyang mga komposisyon at minsan ay nagsalita pa ng masama tungkol sa kanila:

"Napakagandang opera kung walang mang-aawit dito!"

Ngunit sa edad na tatlumpu't pito, biglang huminto si Rossini sa pagsusulat ng mga opera at sa nakalipas na halos apat na dekada ng kanyang buhay, mula sa mga pangunahing gawa, nilikha lamang niya Stabat mater.

Hanggang ngayon, hindi pa ganap na malinaw kung ano ang ginabayan niya sa paggawa ng ganoong desisyon, gayunpaman, sa oras na iyon ay may malaking halaga na ang naipon sa kanyang bank account - mga royalty mula sa mga produksyon.

Bilang karagdagan sa musika, si Rossini ay nagkaroon ng pagkahilig sa culinary arts, at marami pang mga pagkaing ipinangalan sa kanya kaysa sa iba pang mga kompositor. Maaari ka ring mag-ayos ng buong hapunan, na kinabibilangan ng Rossini Salad, Rossini Omelet, at Rossini Tournedo. (Ang mga turnedo ay mga piraso ng karne na pinirito sa mga mumo ng tinapay, na inihahain kasama ng pâté at truffle.)

Franz Schubert, na nabuhay lamang ng tatlumpu't isang taon, na sa edad na labimpito ay itinatag ang kanyang sarili bilang isang mahuhusay na kompositor. Sa kanyang maikling buhay, sumulat siya ng kabuuang mahigit anim na raang kanta, siyam na symphony, labing-isang opera at humigit-kumulang apat na raang iba pang mga gawa. Noong 1815 lamang, gumawa siya ng isang daan at apatnapu't apat na kanta, dalawang misa, isang symphony at ilang iba pang mga gawa.

Noong 1823 nagkasakit siya ng syphilis, at pagkalipas ng limang taon, noong 1828, namatay siya sa typhoid fever. Isang taon bago nito, dumalo siya sa libing ng kanyang idolo na si Ludwig van Beethoven.

Kapansin-pansin na si Schubert ay isa sa mga unang pangunahing kompositor na sumikat salamat sa pagganap ng mga gawa ng ibang tao. Siya mismo ay nagbigay lamang ng isang malaking konsiyerto sa taon ng kanyang kamatayan, at kahit na pagkatapos ay nalampasan siya ng pagganap ni Paganini, na dumating sa Vienna nang halos parehong oras. Kaya't ang kawawang Schubert ay hindi kailanman nakakuha ng paggalang na nararapat sa kanyang buhay.

Isa sa mga pinakadakilang misteryo ni Schubert ay Symphony No. 8, kilala sa pangalan Hindi natapos. Dalawang bahagi lamang ang isinulat niya, at pagkatapos ay tumigil sa paggawa. Walang nakakaalam kung bakit niya ginawa ito, ngunit ang symphony na ito ay isa pa rin sa kanyang pinakasikat na mga gawa.

Hector Berlioz ay ipinanganak sa pamilya ng isang doktor, kaya't siya, hindi tulad ng maraming iba pang mga kompositor na binanggit sa aming aklat, ay hindi nakatanggap ng isang ganap na edukasyon sa musika.

Sa una, nagpasya siyang sundan ang mga yapak ng kanyang ama at maging isang doktor, kung saan nagpunta siya sa Paris, ngunit doon nagsimula siyang gumugol ng mas maraming oras sa opera. Sa kalaunan ay nagpasya siyang ituloy ang musika, na labis na ikinalungkot ng kanyang mga magulang.

Ang imahe ni Berlioz ay maaaring mukhang karikatura sa mga taong malayo sa pagsusulat

anumang mga kompositor ay ipinakita: napaka-nerbiyos at magagalitin, pabigla-bigla, na may matalim na pagbabago sa mood at, siyempre, hindi pangkaraniwang romantiko sa mga relasyon sa hindi kabaro. Minsan ay inatake niya ang kanyang dating kasintahan na may baril sa kanyang kamay at binantaang lasunin siya; isa pang hinabol niya, nakasuot ng pambabae.

Ngunit ang pangunahing paksa ng mga romantikong adhikain ni Berlioz ay ang aktres na si Harriet Smithson, na kalaunan ay nagdusa mula sa isang matinding pagkasira ng nerbiyos - tila, may utang siya sa kanila nang malaki kay Berlioz mismo. Una niya itong nakita noong 1827, ngunit nakilala niya ito nang personal noong 1832 lamang. Noong una, tinanggihan ni Smithson si Berlioz, at siya, na gustong makamit ang katumbasan, ay sumulat kamangha-manghang symphony. Noong 1833, nagpakasal pa rin sila, ngunit, tulad ng inaasahan, pagkalipas ng ilang taon, umibig si Berlioz sa ibang babae.

Tulad ng para sa musika, mahal ni Berlioz ang saklaw. Kunin, halimbawa, ang kanyang Requiem, isinulat para sa isang malaking orkestra at koro, gayundin sa apat na brass band na inilagay sa bawat sulok ng entablado. Ang ganitong predilection para sa malalaking anyo ay hindi gaanong nag-ambag sa kanyang posthumous na katanyagan. Ang pagsasagawa ng kanyang mga gawa sa anyo kung saan siya naglihi sa mga ito ay maaaring maging napakamahal, at kung minsan ay imposible pa. Ngunit ang gayong mga hadlang ay hindi nag-abala sa kanya, at nagpatuloy siya sa pag-compose ng musika sa lahat ng hilig na kaya niya. Minsan sinabi niya:

"Ang bawat kompositor ay pamilyar sa sakit at kawalan ng pag-asa na nagmumula sa kawalan ng sapat na oras upang isulat kung ano ang kanyang naisip."

Ang sinumang mag-aaral na magbabasa ng aklat na ito ay dapat na inggit sa mga taong tulad nito Felix Mendelsohn, sa mga taong sumikat sa pagkabata.

Tulad ng nakikita natin mula sa maraming mga halimbawa, ito ay malayo mula sa hindi pangkaraniwan sa mundo ng klasikal na musika.

Gayunpaman, nagtagumpay si Mendelssohn hindi lamang sa musika; isa siya sa ilang mga tao na namamahala upang makamit ang isang magandang resulta sa lahat ng kanilang gagawin - sa pagpipinta, tula, palakasan, wika.

Hindi naging mahirap para kay Mendelssohn na makabisado ang lahat ng ito.

Mapalad si Mendelssohn - ipinanganak siya sa isang mayamang pamilya at lumaki sa malikhaing kapaligiran ng mga artistikong bilog ng Berlin. Noong bata pa siya, marami siyang nakilalang magagaling na artista at musikero na bumisita sa kanyang mga magulang.

Ginawa ni Mendelssohn ang kanyang unang pampublikong pagpapakita sa edad na siyam, at noong siya ay labing-anim na siya ay naka-compose na String octet. Makalipas ang isang taon, sumulat siya ng isang overture sa dula ni Shakespeare Isang panaginip sa isang gabi ng tag-araw. Ngunit nilikha niya ang natitirang bahagi ng musika para sa komedya na ito pagkatapos lamang ng labimpitong taon (kabilang ang sikat Marso ng kasal, na madalas pa ring ginaganap sa mga kasalan).

Matagumpay din na umunlad ang personal na buhay ni Mendelssohn: sa paglipas ng mga taon ng isang mahaba at pangmatagalang kasal, siya at ang kanyang asawa ay nagkaroon ng limang anak.

Siya ay nagtrabaho at naglakbay nang marami, kabilang ang sa Scotland, tungkol sa mga naninirahan kung saan hindi niya masyadong sinasang-ayunan:

"... wala [sila] gumawa kundi whisky, fog at masamang panahon."

Ngunit hindi ito naging hadlang sa pagsulat ng dalawang kahanga-hangang gawa na nakatuon sa Scotland. Labintatlong taon matapos ang unang paglalakbay Scottish Symphony; ang basehan Mga Overture ng Hebrides Humiga ang Scottish melodies. Ang Mendelssohn ay konektado din sa Great Britain ng kanyang oratorio Elijah, na unang itinanghal sa Birmingham noong 1846. Nakilala pa niya si Queen Victoria at binigyan ng music lessons si Prince Albert.

Namatay si Mendelssohn sa isang stroke sa medyo murang edad - sa tatlumpu't walo. Siyempre, masasabing hindi niya iniligtas ang kanyang sarili at labis na pinaghirapan ang kanyang sarili mula sa labis na trabaho, ngunit sa isang malaking lawak ang kanyang kamatayan ay pinabilis ng pagkamatay ng kanyang pinakamamahal na kapatid na si Fanny, na isa ring mahuhusay na musikero.

Bago sa amin ay isa pang romantiko sa utak ng buto. Kung saan Frederic Chopin siya rin ay nakikilala sa pamamagitan ng isang madamdaming debosyon sa isang instrumento, at ito ay isang malaking pambihira para sa mga kompositor na binanggit sa aming aklat.

Ang sabihin na mahal ni Chopin ang piano ay isang maliit na pahayag. Hinangaan niya ito, inilaan niya ang kanyang buong buhay sa pagbuo ng mga komposisyon ng piano at pagpapabuti ng mga diskarte sa pagtugtog nito. Parang walang ibang instrumento para sa kanya, maliban na lang siguro bilang saliw sa mga orkestra na komposisyon.

Si Chopin ay ipinanganak noong 1810 sa Warsaw; ang kanyang ama ay Pranses sa kapanganakan, at ang kanyang ina ay Polish. Si Frederick ay nagsimulang gumanap sa edad na pito, at ang kanyang mga unang komposisyon ay nagsimula noong parehong panahon. Dapat kong sabihin na ang kanyang natatanging tampok ay palaging hangarin sa hinaharap.

Kasunod nito, naging sikat si Chopin sa Paris, kung saan nagsimula siyang magbigay ng mga aralin sa musika sa mga mayayamang tao, salamat sa kung saan siya mismo ay naging mayaman. Palagi niyang maingat na sinusubaybayan ang kanyang hitsura at tinitiyak na ang kanyang wardrobe ay naaayon sa pinakabagong fashion.

Bilang isang kompositor, si Chopin ay maparaan at maselan. Hindi niya pinahintulutan ang kanyang sarili na maging pabaya, ang bawat gawain ay ginawa niya sa pagiging perpekto. Hindi nakakagulat na ang pag-compose ng musika ay isang masakit na proseso para sa kanya.

Sa kabuuan, gumawa siya ng isang daan at animnapu't siyam na solong gawa para sa piano.

Sa Paris, umibig si Chopin kay Amandine Aurora Lucile Dupin, isang kilalang manunulat na Pranses na may magarbong pangalan, na mas kilala sa pseudonym na George Sand. Siya ay isang medyo kapansin-pansing tao: madalas siyang matagpuan sa mga lansangan ng Paris na naglalakad sa paligid na nakasuot ng damit na panlalaki at naninigarilyo, na ikinagulat niya ng magalang na publiko. Ang pag-iibigan sa pagitan nina Chopin at George Sand ay nagpatuloy ng mabagyo at nauwi sa isang masakit na pahinga.

Tulad ng ilang iba pang mga kompositor ng Romantic na panahon, si Chopin ay hindi nabuhay nang matagal - namatay siya sa tuberculosis sa edad na tatlumpu't siyam, ilang sandali matapos ang kanyang pahinga sa George Sand.

Robert Schumann- isa pang kompositor na nabuhay ng isang maikli at kapana-panabik na buhay, kahit na sa kanyang kaso ang lahat ay napapanahong may isang patas na dami ng kabaliwan. Kasalukuyang gumagana para sa piano, mga kanta at chamber music ni Schumann ay kilala.

Si Schumann ay isang napakatalino na kompositor, ngunit sa kanyang buhay siya ay nasa anino ng kanyang asawa Clara Schumann, makikinang na piyanista noong panahong iyon. Bilang isang kompositor, hindi siya gaanong kilala, bagaman nagsulat din siya ng medyo kawili-wiling musika.

Si Robert Schumann mismo ay hindi maaaring gumanap bilang isang pianist dahil sa isang pinsala sa kamay, at mahirap para sa kanya na manirahan sa tabi ng isang babae na sumikat sa larangang ito.

Ang kompositor ay nagdusa mula sa syphilis at isang nervous breakdown; minsan sinubukan pa niyang magpakamatay sa pamamagitan ng pagtapon ng sarili sa Rhine. Siya ay nailigtas at inilagay sa isang psychiatric hospital, kung saan siya namatay pagkalipas ng dalawang taon.

Pragmatically tinatrato ni Schumann ang sining. Ang sumusunod na pahayag ay kilala:

"Para mag-compose, kailangan mo lang makabuo ng melody na hindi naisip ng iba."

Kung si Paganini ay matatawag na hari ng mga violinist-performer, kung gayon sa mga romantikong pianista ang titulong ito ay nararapat na kabilang sa Franz Liszt. Siya rin ay nakikibahagi sa mga aktibidad sa pagtuturo at walang sawang gumanap ng mga gawa ng iba pang mga kompositor, lalo na si Wagner, na tatalakayin mamaya.

Ang mga komposisyon ng piano ni Liszt ay napakahirap itanghal, ngunit sumulat siya ayon sa kanyang diskarte sa pagtugtog, alam na alam na walang sinuman ang tumutugtog ng mga ito nang mas mahusay kaysa sa kanya.

Bilang karagdagan, isinulat ni Liszt sa piano ang mga gawa ng iba pang mga kompositor: Beethoven, Berlioz, Rossini at Schubert. Sa ilalim ng kanyang mga daliri, nakakuha sila ng kakaibang pagka-orihinal at nagsimulang tumunog sa isang bagong paraan. Isinasaalang-alang na ang mga ito ay orihinal na isinulat para sa orkestra, nananatili itong humanga sa husay ng musikero, na nakakagulat na muling ginawa ang mga ito sa isang instrumento.

Si Liszt ay isang tunay na bituin sa kanyang panahon; isang daang taon bago ang pag-imbento ng rock and roll, pinangunahan niya ang isang buhay na karapat-dapat sa sinumang musikero ng rock, kabilang ang iba't ibang mga relasyon sa pag-ibig. Kahit na ang desisyon na kumuha ng mga banal na utos ay hindi naging hadlang sa kanya sa pagsisimula ng isang relasyon.

Pinasikat din ni Liszt ang mga pagtatanghal gamit ang piano at orkestra, isang genre na nagpapatuloy hanggang ngayon. Gusto niyang mahuli ang mga hinahangaang sulyap ng mga tagahanga at makinig sa masigasig na iyak ng mga manonood na pinapanood ang kanyang mga daliri na lumilipad sa mga susi. Kaya pinihit niya ang piano para masundan ng audience ang pagtugtog ng pianist. Bago iyon, nakatalikod sila sa audience.

Alam ng pangkalahatang publiko Georges Bizet bilang tagalikha ng opera Carmen ngunit ang listahang inilathala sa dulo ng aming aklat ay may kasamang isa pa sa kanyang mga gawa, Au Fond du Temple Saint(o kilala bilang Duet nina Nadir at Zurgi) mula sa opera Mga Naghahanap ng Perlas. Ito ay palagiang nasa tuktok ng mga chart mula noong nagsimula kaming mag-compile ng listahan ng mga pinakasikat na kanta sa mga tagapakinig ng Classic FM noong 1996.

Si Bizet ay isa pang child prodigy na nagpakita ng kanyang pambihirang kakayahan sa musika bilang isang bata. Isinulat niya ang kanyang unang symphony sa edad na labing pito. Totoo, namatay din siya nang maaga, sa edad na tatlumpu't anim, idinagdag sa listahan ng mga hindi napapanahong mga henyo.

Sa kabila ng kanyang talento, hindi kailanman nakamit ni Bizet ang tunay na pagkilala sa kanyang buhay. Opera mga naghahanap ng perlas ay itinanghal na may magkahalong tagumpay, at ang premiere Carmen at ganap na natapos sa kabiguan - hindi ito tinanggap ng naka-istilong publiko noong panahong iyon. Pinapaboran ng mga kritiko at tunay na connoisseurs ng musika Carmen nasakop lamang pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor. Simula noon, itinanghal na ito sa lahat ng nangungunang mga opera house sa mundo.

Narito ang isa pang lubhang malabo na kahulugan. Hindi lamang lahat ng Romantikong kompositor, kundi pati na rin, sa ilang lawak, maraming mga kinatawan ng Baroque at ang Klasikal na panahon ay maaaring matawag na "Nasyonalista".

Gayunpaman, sa seksyong ito ay ililista namin ang labing-apat na nangungunang kompositor ng Romantikong panahon, na ang mga gawa ay nakasulat sa isang estilo na kahit na ang mga tagapakinig na hindi masyadong pamilyar sa klasikal na musika ay maaaring sabihin kung saan ito o ang master na iyon ay nagmula.

Minsan ang mga kompositor na ito ay nauuri bilang kabilang sa isa o ibang pambansang paaralan ng musika, bagaman ang pamamaraang ito ay hindi ganap na tama.

Karaniwan, kapag ginamit ang salitang "paaralan", ang isang silid-aralan ay ipinakita kung saan ang mga bata, sa ilalim ng patnubay ng isang guro, ay gumaganap ng parehong gawain.

Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga kompositor, sila ay pinagsama ng isang karaniwang direksyon, at bawat isa ay sumunod sa kanilang sariling landas, sinusubukan na makahanap ng kanilang sariling, natatanging paraan ng pagpapahayag ng musika.

Kung ang musikang klasikal ng Russia ay may nagtatag na ama, kung gayon, walang duda, Mikhail Ivanovich Glinka. Ang mga nasyonalistang musikero ay tiyak na nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na gumagamit sila ng mga katutubong melodies sa kanilang mga gawa. Ipinakilala si Glinka sa mga awiting Ruso ng kanyang lola.

Hindi tulad ng maraming iba pang mahuhusay na kompositor na madalas na binabanggit sa mga pahina ng aming libro, si Glinka ay nagsimulang seryosong mag-aral ng musika sa medyo huli na edad - sa kanyang unang bahagi ng twenties. Noong una, nagsilbi siya bilang isang opisyal sa Ministry of Railways.

Nang magpasya si Glinka na baguhin ang kanyang karera, nagpunta siya sa Italya, kung saan gumanap siya bilang isang pianist. Doon niya nabuo ang malalim na pagmamahal sa opera. Pagbalik sa bahay, binubuo niya ang kanyang unang opera Buhay para sa hari. Agad na kinilala siya ng publiko bilang pinakamahusay na kontemporaryong kompositor ng Russia. Ang kanyang pangalawang opera Ruslan at Ludmila, ay hindi kasing-matagumpay, bagama't mas mahusay itong tumayo sa pagsubok ng panahon.

Alexander Porfiryevich Borodin ay kabilang sa mga kompositor na, bilang karagdagan sa musika, ay aktibong kasangkot sa iba pang mga aktibidad. Tulad ng para sa Borodin, sinimulan niya ang kanyang karera bilang isang siyentipiko - isang chemist. Ang kanyang unang komposisyon ay tinawag na "Sa aksyon ng ethyl iodide sa hydrobenzamide at amarin", at siyempre hindi mo ito maririnig sa Classic FM, dahil ito ay isang gawaing pang-agham na walang kinalaman sa musika.

Si Borodin ay ang iligal na anak ng isang prinsipe ng Georgia; Kinuha niya ang kanyang pag-ibig para sa musika at interes sa sining sa pangkalahatan mula sa kanyang ina, pinapanatili ang mga ito habang buhay.

Dahil sa patuloy na pagtatrabaho, nagawa niyang mag-publish lamang ng halos dalawampung gawa, na kinabibilangan ng mga symphony, kanta at chamber music.

Kasama nina Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cui at Mahinhin na Mussorgsky Si Borodin ay miyembro ng Mighty Handful musical community. Ang tagumpay ng lahat ng mga kompositor na ito ay higit na kapansin-pansin dahil lahat sila ay may iba pang mga hangarin maliban sa musika.

Dito, naiiba sila sa karamihan ng iba pang mga kompositor na binanggit sa aklat na ito.

Ang pinakasikat na gawain ng Borodin - Mga sayaw ng Polovtsian mula sa kanyang opera Prinsipe Igor. Dapat itong banggitin na siya mismo ay hindi nakatapos nito (bagaman siya ay nagtrabaho dito sa loob ng labing pitong taon). Ang opera ay nakumpleto ng kanyang kaibigan na si Rimsky - Korsakov, kung kanino tatalakayin natin nang mas detalyado sa ibang pagkakataon.

Ayon sa aming opinyon, Mahinhin na Petrovich Mussorgsky ay ang pinaka-imbento at maimpluwensyang mga kompositor ng "Mighty Handful", bagaman siya, bilang isang hindi pangkaraniwang tao, ay hindi nakatakas sa isa o dalawang bisyo na likas sa maraming mga kinatawan ng mga malikhaing propesyon.

Umalis sa hukbo, nakakuha ng trabaho si Mussorgsky sa serbisyo sibil. Sa kanyang kabataan, gustung-gusto niya, tulad ng sinasabi nila, na maglakad-lakad, nakikilala siya sa pagiging impresyon, at sa pagtatapos ng kanyang buhay ay nagdusa siya sa alkoholismo. Para sa kadahilanang ito, siya ay madalas na itinatanghal na may gusot na buhok at isang hindi natural na pulang ilong.

Madalas na hindi natapos ni Mussorgsky ang kanyang mga gawa, at ginawa ito ng kanyang mga kaibigan para sa kanya - kung minsan ay hindi sa paraang nais niya, kaya ngayon hindi kami sigurado kung ano ang orihinal na intensyon ng may-akda. Orkestrasyon ng opera Boris Godunov muling ginawa ang Rimsky-Korsakov, pati na rin ang sikat na "larawang musikal" Gabi sa Kalbong Bundok(ginamit sa Disney movie pantasya). Orkestrasyon sa Mga larawan mula sa eksibisyon isinulat ni Maurice Ravel, at sa bersyong ito ay kilala sila sa ating panahon.

Sa kabila ng katotohanan na si Mussorgsky ay nagmula sa isang mayamang pamilya at may mahusay na talento bilang isang pianista at kompositor, namatay siya sa edad na apatnapu't dalawa lamang mula sa alkoholismo.

Mga magulang Nikolai Rimsky-Korsakov pinangarap ng kanilang anak na maglingkod sa hukbong-dagat, at natupad niya ang kanilang mga inaasahan. Ngunit, nang maglingkod nang maraming taon sa Navy at gumawa ng maraming paglalakbay sa dagat, siya ay naging isang kompositor at guro ng musika, na walang alinlangan na naging sorpresa sa kanyang pamilya. Upang sabihin ang katotohanan, si Rimsky-Korsakov ay palaging interesado sa musika, at kahit na nagsimulang mag-compose Symphony No. 1, nang ang kanyang barko ay nakadaong sa industriyal na lugar ng Gravesend sa bukana ng Thames. Ito ay marahil ang isa sa hindi gaanong romantikong mga lugar upang bumuo ng musikang binanggit sa aklat na ito.

Bilang karagdagan sa katotohanan na natapos at binago ni Rimsky-Korsakov ang ilan sa mga komposisyon ni Mussorgsky, siya mismo ang lumikha ng labinlimang opera sa mga tema mula sa buhay ng Russia, kahit na ang impluwensya ng mga kakaibang bansa ay nararamdaman din sa kanyang mga gawa. Halimbawa, Scheherazade base sa kwento mula sa Thousand and One Nights.

Si Rimsky-Korsakov ay lalong mahusay sa pagpapakita ng kagandahan ng tunog ng buong orkestra. Binigyang-pansin niya ito sa kanyang mga aktibidad sa pagtuturo at sa gayon ay naimpluwensyahan ang maraming kompositor na Ruso na nagtrabaho pagkatapos niya, lalo na si Stravinsky.

Peter Ilyich Tchaikovsky gumamit din ng Russian folk melodies sa kanyang mga komposisyon, ngunit, hindi tulad ng iba pang Russian national composers, pinoproseso niya ang mga ito sa kanyang sariling paraan, bilang, sa katunayan, ang musikal na pamana ng buong Europa.

Ang personal na buhay ni Tchaikovsky, na nababalot ng iba't ibang mga lihim (may mga laganap na tsismis tungkol sa kanyang mga hilig sa homosexual), ay hindi madali. Siya mismo ang nagsabi:

"Ito ay talagang isang bagay na mababaliw kung ito ay hindi para sa musika!"

Bilang isang bata, siya ay impressionable, at bilang isang may sapat na gulang, siya ay madaling kapitan ng mga bouts ng mapanglaw at kahit depression. Higit sa isang beses ay naisipan niyang magpakamatay. Sa kanyang kabataan, nag-aral siya ng abogasya at nagtrabaho sandali sa Ministri ng Hustisya, ngunit sa lalong madaling panahon ay umalis sa serbisyo upang italaga ang kanyang sarili sa musika. Sa edad na tatlumpu't pito, hindi inaasahang nagpakasal siya, ngunit ang kanyang kasal ay naging isang tunay na pagdurusa para sa kanyang sarili at sa kanyang asawa. Sa huli, ang kanyang asawa ay napunta sa isang psychiatric hospital, kung saan siya namatay. Si Tchaikovsky mismo ay nagdusa din ng mahabang panahon mula sa isang breakup na naganap dalawang buwan lamang pagkatapos ng kasal.

Ang mga unang gawa ni Tchaikovsky ay hindi kinilala ng pangkalahatang publiko, at nagdulot ito sa kanya ng maraming pagdurusa. Nakapagtataka, marami sa mga gawang ito, kabilang ang Konsiyerto para sa biyolin at orkestra at Piano Concerto No. 1, sa ay kasalukuyang napakapopular. Pagre-record Piano Concerto No. 1 sa pangkalahatan ay naging unang recording ng klasikal na musika na ginawaran ng katayuan ng "Golden Disc" para sa pagbebenta ng isang milyong kopya.

Sumulat si Tchaikovsky ng sampung opera, kabilang ang Eugene Onegin, at musika para sa mga ballet tulad ng Nutcracker, Sleeping Beauty at Swan Lake. Ang pakikinig sa musikang ito, agad mong napagtanto ang lahat ng kadakilaan ng talento ni Tchaikovsky, na nagawang lumikha ng isang lubos na magkatugma at kapana-panabik na melody. Ang kanyang mga ballet ay madalas pa ring itinatanghal sa mga yugto ng mundo at pumukaw sa walang pagbabago na paghanga ng publiko. Para sa parehong dahilan, ang mga musikal na parirala mula sa kanyang mga symphony at concerto ay kilala kahit na sa mga hindi pamilyar sa klasikal na musika.

Sa loob ng maraming taon, nasiyahan si Tchaikovsky sa pabor ng isang mayamang balo na nagngangalang Nadezhda von Meck, na nagpadala sa kanya ng malaking halaga ng pera sa kondisyon na hindi sila magkikita nang personal. Posible na sa isang personal na pagpupulong ay hindi nila makilala ang isa't isa.

Ang mga pangyayari sa pagkamatay ng kompositor ay hindi pa rin lubos na malinaw. Ayon sa opisyal na konklusyon, namatay si Tchaikovsky sa kolera: uminom siya ng tubig na nahawaan ng virus. Ngunit mayroong isang bersyon ayon sa kung saan siya mismo ay nagpakamatay, sa takot na ang kanyang mga homosexual na relasyon ay maisapubliko.

Kung si Glinka ay itinuturing na ama ng musikang klasikal ng Russia, kung gayon ang parehong papel sa musikang klasikal ng Czech ay nilalaro ni Bedrich Smetana.

Ang Smetana ay palaging inspirasyon ng katutubong kultura ng Czech at ang likas na katangian ng kanyang katutubong bansa. Lalo na itong nararamdaman sa kanyang ikot ng mga symphonic poems. Aking inang bayan, na inabot ng walong taon ang pagsulat ni Smetana.

Sa kasalukuyan, ang pinakasikat na gawain ng siklong ito ay Vltava, nakatuon sa isa sa pinakamalaking ilog ng Czech na dumadaloy sa Prague.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Bedřich Smetana ay nagkasakit ng malubha (malamang na may syphilis), naging bingi at nawalan ng malay. Namatay siya sa edad na animnapung taong gulang.

Naimpluwensyahan ng kanyang musika ang susunod na kompositor sa aming listahan, si Antonín Dvořák, na ang mga komposisyon ay kinikilala nang higit pa sa Czech Republic.

Antonin Dvorak ay isang tunay na pambansang bayani ng Czech na masigasig na nagmamahal sa kanyang tinubuang-bayan. Gumanti at sumamba sa kanya ang kanyang mga kababayan.

Ang mga gawa ng Dvorak ay malawak na isinulong ni Brahms (na tatalakayin sa ibang pagkakataon). Unti-unti, nakilala ang pangalan ni Dvorak sa buong mundo. Kaya, halimbawa, nakakuha siya ng mga tagahanga sa England, kung saan gumanap siya sa imbitasyon ng Royal Philharmonic Society, pati na rin sa mga pagdiriwang sa Birmingham at Leeds.

Pagkatapos nito, nagpasya si Dvorak na pumunta sa Estados Unidos, kung saan noong 1890s ay inalok siya ng posisyon ng konduktor ng National Conservatory sa New York, na hawak niya sa loob ng tatlong taon. Lubos na na-miss ni Dvorak ang kanyang tinubuang-bayan, ngunit hindi tumigil na maging interesado sa lokal na musika. Ang kanyang mga impresyon ay makikita sa kanya Symphony No. 9, pinangalanan Mula sa Bagong Daigdig.

Sa huli, nagpasya si Dvorak na umuwi at ginugol ang mga huling taon ng kanyang buhay sa Prague, sa pagtuturo.

Bilang karagdagan sa musika, interesado si Dvorak sa mga tren at barko, at ito ang kanyang hilig na, tila, ay nag-ambag sa kanyang pagsang-ayon na bisitahin ang Estados Unidos, kahit na ang malaking bayad na inaalok sa kanya ay maaari ring gumanap ng isang mapagpasyang papel.

d Kasama rin sa mga kinatawan ng pambansang Czech music school Josef Suk, Leos Janacek at Boguslav Martin.

Norwegian Edvard Grieg nabibilang sa lupon ng mga kompositor na masigasig na nagmamahal sa kanilang tinubuang-bayan. At ang inang bayan ay tumugon sa kanya bilang ganti. Sa Norway, ang kanyang mga komposisyon ay napakapopular pa rin. Ngunit ang lahat ay maaaring magkaiba, dahil ang pamilya Grieg ay talagang nagmula sa Scottish - ang kanyang lolo sa tuhod ay lumipat sa Scandinavia pagkatapos ng pagkatalo sa labanan sa British malapit sa Culloden.

Pinakamaganda sa lahat, gumawa si Grieg ng mga gawa ng maliliit na genre, gaya ng Mga dulang liriko para sa piano. Ngunit ang kanyang pinakasikat na konsiyerto ay Konsiyerto ng piano, na may kahanga-hangang panimula, kung saan ang mga tunog ng piano ay tila umuulan sa ilalim ng timpani tremolo.

d Kasama rin sa mga kinatawan ng Scandinavian national music school Carl Nielsen at Johan Svendsen.

Sa kabila ng katotohanan na ang klasikal na musika ay isinulat din sa Espanya noong ika-19 na siglo, walang maraming kompositor na naninirahan doon na nakamit ang katanyagan sa mundo. Isa sa mga exception ay Isaac Albeniz, sa kanyang kabataan ay hindi siya nakikilala sa pamamagitan ng isang masuwaying disposisyon.

Sabi nila, natutong tumugtog ng piano si Albeniz sa edad na isang taon. Pagkalipas ng tatlong taon, nagtanghal siya sa publiko, at sa edad na walong nagsimula siyang maglibot. Sa edad na labinlimang, nagawa niyang bisitahin ang Argentina, Cuba, USA at England.

Si Albeniz ay lalong matagumpay sa improvisasyon: maaari siyang makabuo ng ilang uri ng melody sa mabilisang at agad na matalo ito sa ilang mga bersyon. Ipinakita rin niya ang mga kababalaghan ng pagiging dalubhasa sa instrumento - tumugtog siya, nakatayo nang nakatalikod sa kanya. To top it off, nagbibihis siya bilang isang musketeer sa bawat oras, na nagdaragdag sa panoorin ng kanyang mga pagtatanghal.

Sa pagtanda, siya ay tumira nang kaunti at namangha sa mga manonood hindi na sa kanyang mapangahas na pag-uugali, ngunit sa kanyang mga komposisyon. Siya ay lalong sikat sa kanyang ikot ng mga piyesa ng piano. Iberia. Salamat sa kanyang tagumpay, inilabas ng kompositor na ito ang Espanya mula sa mga anino at naakit dito ang atensyon ng komunidad ng musikal sa mundo.

d Albéniz ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming iba pang mga kompositor ng pambansang paaralan ng Espanya, kabilang ang Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla at Heitora Villa - Lobosa(na Brazilian).

Arthur Sullivan kilala ngayon. Ngunit hindi siya tinatrato ng kasaysayan nang patas, dahil ngayon ay malayo sa pinakamaganda sa kanyang mga gawa ang naaalala. Noong 1870s nagsimula siyang makipagtulungan sa makata at librettist na si W. S. Gilbert. Magkasama silang sumulat ng ilang comic operettas: Pagsubok ng Jury, Pirates of Penzance, Her Majesty's Frigate Pinafore, Princess Ida, The Mikado, Yeoman the Guard iba pa.

Sa kabila ng malaking tagumpay ng kanilang magkasanib na gawain, ang dalawang may-akda ay hindi masyadong nagkakasundo sa isa't isa, at sa huli, pagkatapos ng marahas na pag-aaway, sila ay tumigil sa pakikipag-usap nang buo. Ang mga pag-aaway na ito, gayunpaman, ay walang laman.

Kaya, halimbawa, ang isa sa kanila ay nag-aalala sa isang bagong karpet sa Savoy Theater ng London, kung saan ang kanilang mga operetta ay karaniwang itinanghal.

Pinangarap ni Sullivan na maging sikat bilang isang seryosong kompositor, ngunit sa ngayon ang kanyang mga gawa, na hindi kabilang sa genre ng operetta, ay nakalimutan na.

Gayunpaman, nagsulat siya ng isang opera Ivanhoe medyo kawili-wili Symphony sa E minor at anthem "Pasulong, hukbo ni Kristo!"- marahil ang kanyang pinakamadalas na gumanap na trabaho.

d Kasama rin sa mga kinatawan ng English National School of Music Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanford at George Butterworth.

Ang French analogue ng Gilbert at Sullivan operettas ay maaaring tawaging mga gawa Jacques Offenbach, isang lalaking talagang may sense of humor. Ipinanganak siya sa Cologne at kung minsan ay nilagdaan bilang "O. mula sa Cologne” (“O. de Cologne” ay parang “cologne”).

Noong 1858, namangha si Offenbach sa mga Parisian kaya-kaya mula sa isang operetta Orpheus sa impiyerno; sa isang pinong publiko, ang gayong mga sayaw ng mga karaniwang tao ay tila ligaw at malaswa, gayunpaman, ang operetta mismo ay itinuturing na iskandalo.

Sa pamamagitan ng paraan, kung ang pangalang ito ay tila pamilyar sa iyo, ito ay nagkakahalaga ng pag-alala na sina Peri, Monteverdi at Gluck ay nagsulat ng musika para sa mitolohiya ng Orpheus sa mga nakaraang siglo. Ang bersyon ni Offenbach ay satirical, inilaan para sa libangan, at samakatuwid ay may kasamang napakawalang halaga na mga eksena. Gayunpaman, sa kabila ng unang impresyon, ang publiko sa kalaunan ay umibig sa operetta, kaya't si Offenbach mismo ay halos walang dahilan upang pagsisihan ang kanyang isinulat.

Ang seryosong opera ay kilala sa iba pa niyang mga gawa. Mga Kuwento ni Hoffmann kung saan ito tunog Barcarole.

Leo Delibes ay hindi gaanong maimpluwensyang kompositor kaysa kay Offenbach, kahit na ngayon ay isa lamang sa kanyang mga opera ang naaalala - Lakme, kung saan ang sikat bulaklak duo, ginagamit sa maraming screensaver at patalastas sa telebisyon.

Kabilang sa mga kakilala ni Delibes ay ang mga mahuhusay na musikero gaya nina Berlioz at Bizet, kung saan nakatrabaho niya bilang direktor ng koro ng Lyric Theater sa Paris.

d Kasama rin sa mga kinatawan ng French national school of music Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lub at Jules Massenet, opera mga Thai na, kasama ang intermezzo Mga pagninilay (Pagninilay), sikat sa maraming kontemporaryong biyolinista.

Ang aming huling dalawang pambansang kompositor - ang pag-iibigan - ay mag-ama, bagaman ang pagkakaiba ng edad sa pagitan nila (dalawampu't isang taon) ay hindi masyadong malaki para sa kasaysayan. Johann Strauss Senior itinuturing na "ama ng waltz". Siya ay isang mahusay na biyolinista at pinamunuan ang isang orkestra na gumanap sa buong Europa at nakatanggap ng solidong pera para dito.

Gayunpaman, ang pamagat ng "hari ng waltz" ay nararapat na pagmamay-ari ng kanyang anak, na tinawag ding Johann Strauss. Ayaw ng kanyang ama na maging biyolinista siya, ngunit ang nakababatang Johann ay nagtalaga ng kanyang buhay sa musika at nag-organisa ng kanyang sariling orkestra, na katunggali ng kanyang ama. Ang nakababatang Strauss ay may mahusay na katalinuhan sa negosyo, salamat sa kung saan pinamamahalaang niyang palakasin ang kanyang posisyon sa pananalapi.

Kabuuan Johann Strauss - anak nagsulat ng isang daan at animnapu't walong waltz, kabilang ang pinakasikat sa kanila - Sa magandang asul na Danube. Sa huli, kasing dami ng anim na orkestra ang pinangalanan sa Strauss, na ang isa ay pinamunuan ng kapatid ni Johann, ang nakababatang Joseph, at ang isa pa ng kanyang isa pang kapatid, si Eduard (bawat isa sa kanila ay binubuo ng halos tatlong daang komposisyon).

Ang mga waltz at polkas ni Johann ay tunay na hit sa mga Viennese coffee house, at ang kanyang magaan at masiglang istilo ay naging pamantayan ng dance music sa buong Europa.

Itinuturing pa rin ng ilang mahilig sa klasikal na musika ang mga komposisyon ng Strauss na masyadong bulgar at walang kabuluhan. Huwag maniwala sa kanila at huwag sumuko sa kanilang mga provokasyon! Ang pamilyang ito ay nakapagsulat ng tunay na dakilang mga gawa, nakapagpapasigla at hindi malilimutan sa mahabang panahon kaagad pagkatapos ng unang pakikinig.

Marami sa mga kompositor ng panahong ito ang nagpatuloy sa pagsulat ng musika nang maayos hanggang sa ika-20 siglo. Gayunpaman, pinag-uusapan natin sila dito, at hindi sa susunod na kabanata, sa kadahilanang tiyak na ang diwa ng romantikismo ang malakas sa kanilang musika.

Dapat pansinin na ang ilan sa kanila ay nagpapanatili ng malapit na ugnayan at maging ang pakikipagkaibigan sa mga kompositor na binanggit sa mga subsection na "Early Romantics" at "Nationalists".

Bilang karagdagan, dapat itong isipin na sa panahong ito sa iba't ibang mga bansa sa Europa mayroong napakaraming mahuhusay na kompositor na ang anumang dibisyon sa kanila ayon sa anumang prinsipyo ay magiging ganap na arbitrary. Kung sa iba't ibang panitikan na nakatuon sa klasikal na panahon at sa panahon ng baroque, humigit-kumulang sa parehong time frame ang binanggit, kung gayon ang romantikong panahon ay tinukoy nang iba sa lahat ng dako. Tila ang hangganan sa pagitan ng pagtatapos ng romantikong panahon at simula ng ika-20 siglo sa musika ay napakalabo.

Ang nangungunang kompositor ng ika-19 na siglong Italya ay walang alinlangan Giuseppe Verdi. Ang lalaking ito na may makapal na bigote at kilay, na tumitingin sa amin ng nagniningning na mga mata, ay tumayo sa ulo at balikat higit sa lahat ng iba pang kompositor ng opera.

Ang lahat ng mga komposisyon ni Verdi ay literal na umaapaw sa maliwanag, di malilimutang mga melodies. Sa kabuuan, sumulat siya ng dalawampu't anim na opera, karamihan sa mga ito ay regular na itinanghal hanggang sa araw na ito. Kabilang sa mga ito ang pinakasikat at pinakanamumukod-tanging mga gawa ng operatic art sa lahat ng panahon.

Ang musika ni Verdi ay lubos na pinahahalagahan kahit noong nabubuhay pa ang kompositor. sa premiere Hades Ang mga manonood ay nagbigay ng napakatagal na standing ovation na ang mga artista ay kailangang yumuko ng hanggang tatlumpu't dalawang beses.

Si Verdi ay isang mayamang tao, ngunit hindi mailigtas ng pera ang parehong asawa at dalawang anak ng kompositor mula sa maagang pagkamatay, kaya may mga kalunus-lunos na sandali sa kanyang buhay. Ipinamana niya ang kanyang kayamanan sa isang kanlungan para sa mga matatandang musikero na itinayo sa ilalim ng kanyang direksyon sa Milan. Itinuring mismo ni Verdi ang paglikha ng isang kanlungan, at hindi musika, ang kanyang pinakamalaking tagumpay.

Sa kabila ng katotohanan na ang pangalan ni Verdi ay pangunahing nauugnay sa mga opera, na nagsasalita tungkol sa kanya, imposibleng hindi banggitin Requiem, na kung saan ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na halimbawa ng choral music. Ito ay puno ng drama, at ang ilang mga tampok ng opera ay dumaan dito.

Ang aming susunod na kompositor ay hindi nangangahulugang ang pinaka-kaakit-akit na tao. Sa pangkalahatan, ito ang pinaka-iskandalo at kontrobersyal na pigura sa lahat ng nabanggit sa aming aklat. Kung gagawa tayo ng isang listahan batay lamang sa mga katangian ng personalidad, kung gayon Richard Wagner hinding-hindi ito tatamaan. Gayunpaman, tayo ay ginagabayan lamang ng mga pamantayan sa musika, at ang kasaysayan ng klasikal na musika ay hindi maiisip kung wala ang taong ito.

Hindi maikakaila ang talento ni Wagner. Mula sa - sa ilalim ng kanyang panulat ay nagmula ang ilan sa mga pinaka makabuluhan at kahanga-hangang komposisyon ng musika sa buong panahon ng romantikismo - lalo na para sa opera. Kasabay nito, siya ay binabanggit bilang isang anti-Semite, racist, red tape, ang huling manlilinlang at maging isang magnanakaw na hindi nag-atubiling kunin ang lahat ng kailangan niya, at mga bastos na tao nang walang pagsisisi. Si Wagner ay may labis na pagpapahalaga sa sarili, at naniniwala siya na ang kanyang henyo ay nagtaas sa kanya kaysa sa lahat ng ibang tao.

Si Wagner ay naaalala para sa kanyang mga opera. Dinala ng kompositor na ito ang German opera sa isang bagong antas, at bagama't ipinanganak siya sa parehong oras bilang Verdi, ang kanyang musika ay ibang-iba sa mga komposisyon ng Italyano noong panahong iyon.

Ang isa sa mga inobasyon ni Wagner ay ang bawat pangunahing tauhan ay binigyan ng kanyang sariling tema ng musika, na paulit-ulit sa tuwing nagsimula siyang gumanap ng isang mahalagang papel sa entablado.

Ngayon ay tila maliwanag, ngunit sa oras na iyon ang ideyang ito ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon.

Ang pinakamalaking tagumpay ni Wagner ay ang cycle Singsing ng Nibelung, na binubuo ng apat na opera: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried at Kamatayan ng mga diyos. Karaniwang inilalagay ang mga ito sa apat na magkakasunod na gabi, at sa kabuuan ay tumatagal sila ng mga labinlimang oras. Ang mga opera na ito lamang ay sapat na upang luwalhatiin ang kanilang kompositor. Sa kabila ng lahat ng kalabuan ni Wagner bilang isang tao, dapat itong kilalanin na siya ay isang natatanging kompositor.

Ang isang natatanging tampok ng mga opera ni Wagner ay ang kanilang tagal. Ang kanyang huling opera parsifal tumatagal ng mahigit apat na oras.

Minsan ay sinabi ng konduktor na si David Randolph tungkol sa kanya:

"Ito ang uri ng opera na nagsisimula sa alas-sais, at kapag tiningnan mo ang iyong relo pagkatapos ng tatlong oras, lumalabas na 6:20."

Isang buhay Anton Bruckner bilang isang kompositor, ito ay isang aral kung paano huwag sumuko at ipilit ang iyong sarili. Siya ay nagsasanay ng labindalawang oras sa isang araw, itinalaga ang lahat ng kanyang oras sa trabaho (siya ay isang organista) at maraming natutunan sa musika sa kanyang sarili, na natapos na ang pag-master ng mga kasanayan sa pagsulat sa pamamagitan ng pagsusulatan sa isang medyo mature na edad - sa tatlumpu't pito.

Ngayon, ang mga symphony ni Bruckner ay madalas na naaalala, kung saan isinulat niya ang kabuuang siyam na piraso. Sa mga oras na siya ay kinuha ng mga pagdududa tungkol sa kanyang kakayahang mabuhay bilang isang musikero, ngunit nakamit pa rin niya ang pagkilala, kahit na sa pagtatapos ng kanyang buhay. Matapos itong maisakatuparan Symphony No. 1 sa wakas ay pinuri ng mga kritiko ang kompositor, na noong panahong iyon ay nasa apatnapu't apat na taong gulang na.

Johannes Brahms wala ni isa sa mga kompositor na isinilang, wika nga, na may hawak na pilak na wand. Sa oras ng kanyang kapanganakan, ang pamilya ay nawalan ng dating kayamanan at halos hindi na nakakamit. Bilang isang tinedyer, siya ay nabubuhay sa pamamagitan ng paglalaro sa mga bahay-aliwan ng kanyang bayang sinilangan sa Hamburg. Sa oras na si Brahms ay naging isang may sapat na gulang, siya, walang alinlangan, ay nakilala sa malayo sa mga pinakakaakit-akit na bahagi ng buhay.

Ang musika ni Brahms ay na-promote ng kanyang kaibigan, si Robert Schumann. Pagkatapos ng kamatayan ni Schumann, naging malapit si Brahms kay Clara Schumann at sa kalaunan ay nahulog pa sa kanya. Hindi alam kung anong uri ng relasyon ang mayroon sila, kahit na ang pakiramdam para sa kanya ay malamang na gumanap ng ilang papel sa kanyang relasyon sa ibang mga babae - hindi niya ibinigay ang kanyang puso sa sinuman sa kanila.

Bilang isang tao, si Brahms ay medyo hindi mapigilan at magagalitin, ngunit sinabi ng kanyang mga kaibigan na may lambot sa kanya, kahit na hindi niya ito palaging ipinapakita sa mga nakapaligid sa kanya. Isang araw, pauwi mula sa isang party, sinabi niya:

"Kung hindi ko sinaktan ang sinuman, humihingi ako ng tawad sa kanila."

Hindi sana nanalo si Brahms sa kompetisyon para sa pinaka-sunod sa moda at eleganteng bihis na kompositor. Hindi niya nagustuhan ang pagbili ng mga bagong damit at madalas na nakasuot ng parehong baggy, patched na pantalon, halos palaging masyadong maikli para sa kanya. Sa isang pagtatanghal, halos malaglag ang kanyang pantalon. Sa isa pang pagkakataon kinailangan niyang tanggalin ang kanyang kurbata at gamitin ito sa halip na sinturon.

Ang istilo ng musikal ni Brahms ay lubhang naimpluwensyahan ni Haydn, Mozart at Beethoven, at sinasabi pa nga ng ilang istoryador ng musika na sumulat siya sa diwa ng klasisismo, sa panahong iyon ay wala na sa uso. Kasabay nito, nagmamay-ari din siya ng ilang mga bagong ideya. Lalo siyang naging matagumpay sa pagbuo ng maliliit na piraso ng musika at pag-uulit ng mga ito sa kabuuan ng trabaho - ang tinatawag ng mga kompositor na isang "repeating motif".

Ang Opera Brahms ay hindi sumulat, ngunit sinubukan niya ang kanyang sarili sa halos lahat ng iba pang mga genre ng klasikal na musika. Samakatuwid, maaari siyang tawaging isa sa mga pinakadakilang kompositor na binanggit sa aming libro, isang tunay na higante ng klasikal na musika. Siya mismo ang nagsabi nito tungkol sa kanyang trabaho:

"Hindi mahirap mag-compose, ngunit nakakagulat na mahirap maghagis ng mga karagdagang tala sa ilalim ng mesa."

Max Bruch ay ipinanganak limang taon lamang pagkatapos ng Brahms, at ang huli ay tiyak na natatabunan siya, kung hindi para sa isang gawain, Violin Concerto No. 1.

Kinilala mismo ni Bruch ang katotohanang ito, na nagsasabi nang may kahinhinan na hindi karaniwan para sa maraming mga kompositor:

"Limampung taon mula ngayon, si Brahms ay tatawaging isa sa mga pinakadakilang kompositor sa lahat ng panahon, at maaalala ako sa pagsulat ng Violin Concerto sa G Minor."

At siya pala ang tama. Totoo, ang Brujah mismo ay may dapat tandaan! Gumawa siya ng maraming iba pang mga gawa - halos dalawang daan sa kabuuan - mayroon siyang maraming mga gawa para sa koro at opera, na bihirang itanghal sa mga araw na ito. Ang kanyang musika ay melodic, ngunit hindi siya nag-ambag ng anumang partikular na bago sa pag-unlad nito. Laban sa kanyang background, maraming iba pang mga kompositor ng panahong iyon ang tila tunay na mga innovator.

Noong 1880, si Bruch ay hinirang na konduktor ng Liverpool Royal Philharmonic Society, ngunit bumalik sa Berlin pagkalipas ng tatlong taon. Hindi natuwa sa kanya ang mga musikero ng orkestra.

Sa mga pahina ng aming libro, marami na kaming nakilalang musical prodigies, at Camille Saint-Sans hindi sumasakop sa huling lugar sa kanila. Sa edad na dalawa, si Saint-Saens ay nakakakuha na ng mga melodies sa piano, at natuto siyang magbasa at magsulat ng musika sa parehong oras. Sa edad na tatlo ay tumugtog siya ng sariling komposisyon. Sa edad na sampung taong gulang, perpekto siyang gumanap ng Mozart at Beethoven. Gayunpaman, seryoso siyang naging interesado sa entomology (mga paru-paro at mga insekto), at nang maglaon sa iba pang mga agham, kabilang ang heolohiya, astronomiya at pilosopiya. Tila ang isang mahuhusay na bata ay hindi maaaring limitahan ang kanyang sarili sa isang bagay.

Matapos makapagtapos mula sa Paris Conservatory, nagtrabaho si Saint-Saens bilang isang organista sa loob ng maraming taon. Sa edad, nagsimula siyang maimpluwensyahan ang buhay ng musika ng France, at salamat sa kanya na ang musika ng mga kompositor tulad ng J. S. Bach, Mozart, Handel at Gluck ay nagsimulang gumanap nang mas madalas.

Ang pinakatanyag na komposisyon ng Saint-Saens - karnabal ng hayop, na ipinagbawal ng kompositor na gumanap sa kanyang buhay. Nag-aalala siya na ang mga kritiko ng musika, nang marinig ang gawaing ito, ay hindi ituturing na ito ay masyadong walang kabuluhan. Kung tutuusin, nakakatuwa kapag ang orkestra sa entablado ay nagpapakita ng isang leon, mga inahing manok na may tandang, mga pagong, isang elepante, isang kangaroo, isang aquarium na may mga isda, mga ibon, isang asno at isang sisne.

Isinulat ni Saint-Saens ang ilan sa kanyang iba pang komposisyon para sa hindi gaanong madalas na kumbinasyon ng mga instrumento, kabilang ang sikat na "Organ" Symphony No. 3, pinatunog sa pelikulang "Babe".

Naimpluwensyahan ng musika ng Saint-Saens ang gawain ng iba pang mga kompositor ng Pranses, kabilang ang Gabriel Faure. Ang binatang ito ay nagmana ng posisyon ng organista sa Parisian church ng St. Magdalene, na dating hawak ng Saint-Saens.

At kahit na ang talento ni Faure ay hindi maihahambing sa talento ng kanyang guro, siya ay isang mahusay na pianista.

Si Fauré ay isang mahirap na tao at samakatuwid ay nagtrabaho nang husto, tumugtog ng organ, namamahala sa koro at nagbibigay ng mga aralin. Sumulat siya sa kanyang libreng oras, na napakaliit, ngunit, sa kabila nito, nagawa niyang mag-publish ng higit sa dalawang daan at limampu sa kanyang mga gawa. Ang ilan sa mga ito ay binubuo ng napakahabang panahon: halimbawa, trabaho sa Requiem tumagal ng mahigit dalawampung taon.

Noong 1905, si Fauré ay naging direktor ng Paris Conservatory, iyon ay, ang taong higit na nakasalalay sa pag-unlad ng musikang Pranses noong panahong iyon. Makalipas ang labinlimang taon, nagretiro si Faure. Sa pagtatapos ng kanyang buhay ay nagdusa siya ng pagkawala ng pandinig.

Ngayon si Faure ay iginagalang sa labas ng France, bagama't siya ay higit na pinahahalagahan doon.

Para sa mga tagahanga ng Ingles na musika, ang hitsura ng tulad ng isang figure bilang Edward Elgar, tiyak na tila isang tunay na himala. Tinatawag siya ng maraming istoryador ng musika bilang unang makabuluhang kompositor ng Ingles pagkatapos ni Henry Purcell, na nagtrabaho noong panahon ng Baroque, bagama't mas maaga ay binanggit din namin si Arthur Sullivan.

Gustung-gusto ni Elgar ang England, lalo na ang kanyang katutubong Worcestershire, kung saan ginugol niya ang halos lahat ng kanyang buhay, sa paghahanap ng inspirasyon sa mga larangan ng Malvern Hills.

Bilang isang bata, napapaligiran siya ng musika sa lahat ng dako: ang kanyang ama ay nagmamay-ari ng isang lokal na tindahan ng musika at tinuruan ang maliit na Elgar na tumugtog ng iba't ibang mga instrumentong pangmusika. Sa edad na labindalawa, pinapalitan na ng batang lalaki ang organista sa mga serbisyo sa simbahan.

Pagkatapos magtrabaho sa isang opisina ng abogado, nagpasya si Elgar na italaga ang kanyang sarili sa isang hindi gaanong ligtas na pananalapi na trabaho. Sa loob ng ilang oras nagtrabaho siya ng part-time, nagbibigay ng mga aralin sa violin at piano, tumutugtog sa mga lokal na orkestra at kahit na nagsagawa ng kaunti.

Unti-unti, lumaki ang katanyagan ni Elgar bilang isang kompositor, bagama't kinailangan niyang magpumiglas upang makalabas ng kanyang sariling county. Dinala siya ng katanyagan Mga pagkakaiba-iba sa orihinal na tema, na ngayon ay mas kilala bilang Mga pagkakaiba-iba ng enigma.

Ngayon ang musika ni Elgar ay itinuturing na napaka-Ingles at tunog sa mga pinakamalaking kaganapan sa pambansang saklaw. Sa mga unang tunog nito Cello Concerto lilitaw kaagad ang kanayunan ng Ingles. Nimrod mula sa Mga pagkakaiba-iba madalas tumutugtog sa mga opisyal na seremonya, at Solemne at seremonyal na martsa No. 1, kilala bilang Lupain ng pag-asa at kaluwalhatian gumanap sa mga prom sa buong UK.

Si Elgar ay isang pamilyang lalaki at mahilig sa isang tahimik, maayos na buhay. Gayunpaman, iniwan niya ang kanyang marka sa kasaysayan. Ang kompositor na ito na may makapal na malagong bigote ay mapapansin agad sa bente-pound banknote. Malinaw, nalaman ng mga taga-disenyo ng banknote na ang gayong buhok sa mukha ay napakahirap na pekein.

Sa Italya, ang kahalili ni Giuseppe Verdi sa operatic art ay Giacomo Puccini, itinuturing na isa sa mga kinikilalang master ng mundo ng anyong ito ng sining.

Ang pamilyang Puccini ay matagal nang nauugnay sa musika ng simbahan, ngunit noong unang narinig ni Giacomo ang opera Aida Verdi, napagtanto niya na ito ang kanyang pagtawag.

Pagkatapos mag-aral sa Milan, gumawa si Puccini ng isang opera Manon Lesko, na nagdala sa kanya ng kanyang unang mahusay na tagumpay noong 1893. Pagkatapos nito, isang matagumpay na produksyon ang sumunod sa isa pa: Bohemia noong 1896, pananabik noong 1900 at Madama Butterfly noong 1904.

Sa kabuuan, binubuo ni Puccini ang labindalawang opera, ang huli ay Turandot. Namatay siya nang hindi nakumpleto ang komposisyong ito, at natapos ng isa pang kompositor ang gawain. Sa premiere ng opera, itinigil ng conductor na si Arturo Toscanini ang orkestra kung saan mismo huminto si Puccini. Lumingon siya sa madla at sinabi:

"Dito ang kamatayan ay nagtagumpay sa sining."

Sa pagkamatay ni Puccini, natapos ang kasagsagan ng operatic art ng Italya. Hindi na babanggitin ng aming aklat ang mga kompositor ng opera na Italyano. Ngunit sino ang nakakaalam kung ano ang hinaharap para sa atin?

Sa buhay Gustav Mahler Mas kilala siya bilang conductor kaysa composer. Nagsagawa siya sa taglamig, at sa tag-araw, bilang panuntunan, mas gusto niyang magsulat.

Bata pa lang daw si Mahler ay nakahanap na ng piano sa attic ng bahay ng kanyang lola. Makalipas ang apat na taon, sa edad na sampu, naibigay na niya ang kanyang unang pagganap.

Nag-aral si Mahler sa Vienna Conservatory, kung saan nagsimula siyang gumawa ng musika. Noong 1897 siya ay naging direktor ng Vienna State Opera at sa susunod na sampung taon ay nakakuha siya ng malaking katanyagan sa larangang ito.

Siya mismo ay nagsimulang magsulat ng tatlong opera, ngunit hindi natapos ang mga ito. Sa ating panahon, kilala siya bilang isang kompositor ng mga symphony. Sa genre na ito, pagmamay-ari niya ang isa sa mga tunay na "hit" - Symphony No. 8, sa pagtatanghal kung saan higit sa isang libong musikero at mang-aawit ang nasasangkot.

Pagkatapos ng kamatayan ni Mahler, ang kanyang musika ay nawala sa uso sa loob ng limampung taon, ngunit sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ito ay muling nakakuha ng katanyagan, lalo na sa Great Britain at USA.

Richard Strauss ay ipinanganak sa Germany at hindi kabilang sa Viennese Strauss dynasty. Sa kabila ng katotohanan na ang kompositor na ito ay nabuhay halos sa buong unang kalahati ng ika-20 siglo, siya ay itinuturing pa rin na isang kinatawan ng German musical romanticism.

Ang katanyagan sa buong mundo ni Richard Strauss ay medyo nagdusa mula sa katotohanan na nagpasya siyang manatili sa Alemanya pagkatapos ng 1939, at pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig siya ay ganap na inakusahan ng pakikipagtulungan sa mga Nazi.

Si Strauss ay isang mahusay na konduktor, salamat sa kung saan lubos niyang naunawaan kung paano ito o ang instrumento sa orkestra ay dapat tumunog. Madalas niyang ginagamit ang kaalamang ito sa pagsasanay. Nagbigay din siya ng iba't ibang payo sa iba pang mga kompositor, tulad ng:

"Huwag tumingin sa trombones, hinihikayat mo lamang sila."

“Huwag pawisan habang nagpe-perform; ang mga nakikinig lang ang dapat mag-init.”

Ngayon, si Strauss ay naaalala pangunahin na may kaugnayan sa kanyang komposisyon Ganito ang sinabi ni Zarathustra, ang intro kung saan ginamit ni Stanley Kubrick sa kanyang pelikulang 2001: A Space Odyssey. Ngunit isinulat din niya ang ilan sa mga pinakamahusay na opera ng Aleman, kasama ng mga ito - Rosenkavalier, Salome at Ariadne sa Naxos. Isang taon bago ang kanyang kamatayan, siya rin ay nag-compose ng napakaganda Apat na huling kanta para sa boses at orkestra. Sa totoo lang, hindi ito ang mga huling kanta ni Strauss, ngunit naging isang uri ng finale ng kanyang malikhaing aktibidad.

Hanggang ngayon, sa mga kompositor na binanggit sa aklat na ito, mayroon lamang isang kinatawan ng Scandinavia - Edvard Grieg. Ngunit ngayon ay muli tayong dinala sa malupit at malamig na lupaing ito - sa pagkakataong ito sa Finland, kung saan Jean Sibelius, mahusay na henyo sa musika.

Ang musika ni Sibelius ay sumisipsip ng mga alamat at alamat ng kanyang tinubuang-bayan. Ang kanyang pinakadakilang gawain Finland, ay itinuturing na sagisag ng pambansang diwa ng mga Finns, tulad ng sa UK ang mga gawa ng Elgar ay kinikilala bilang isang pambansang kayamanan. Bilang karagdagan, si Sibelius, tulad ni Mahler, ay isang tunay na master ng symphony.

Kung tungkol sa iba pang mga hilig ng kompositor, sa kanyang pang-araw-araw na buhay ay labis siyang mahilig sa pag-inom at paninigarilyo, kaya sa edad na apatnapu't kakaibang taon ay nagkasakit siya ng kanser sa lalamunan. Madalas din siyang kulang sa pera, at binigyan siya ng estado ng pensiyon upang maipagpatuloy niya ang pagsusulat ng musika nang hindi nababahala tungkol sa kanyang pinansiyal na kagalingan. Ngunit higit sa dalawampung taon bago ang kanyang kamatayan, tumigil si Sibelius sa pagbuo ng kahit ano. Nabuhay siya sa natitirang bahagi ng kanyang buhay sa medyo pag-iisa. Lalo siyang naging malupit sa mga tumanggap ng pera para sa mga review ng kanyang musika:

“Huwag pansinin ang sinasabi ng mga kritiko. Sa ngayon, wala ni isang kritiko ang nabigyan ng rebulto.”

Ang huling isa sa aming listahan ng mga Romantikong kompositor ay nabuhay din hanggang sa halos kalagitnaan ng ika-20 siglo, bagama't isinulat niya ang karamihan sa kanyang pinakasikat na mga gawa noong 1900s. Gayunpaman, siya ay niraranggo sa mga romantiko, at tila sa amin ito ang pinaka-romantikong kompositor ng buong grupo.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov ay ipinanganak sa isang marangal na pamilya, na noong panahong iyon ay gumugol ng maraming pera. Nagpakita siya ng interes sa musika sa murang edad, at ipinadala siya ng kanyang mga magulang upang mag-aral, una sa St. Petersburg, at pagkatapos ay sa Moscow.

Si Rachmaninov ay isang nakakagulat na mahuhusay na pianist, at siya rin ay naging isang mahusay na kompositor.

Akin Piano Concerto No. 1 isinulat niya noong labing siyam. Nakahanap din siya ng oras para sa kanyang unang opera, Aleko.

Ngunit ang mahusay na musikero na ito, bilang isang patakaran, ay hindi partikular na nasiyahan sa buhay. Sa marami sa mga larawan, nakikita natin ang isang galit at nakasimangot na lalaki. Ang isa pang kompositor na Ruso, si Igor Stravinsky, ay minsang nagsabi:

"Ang walang kamatayang diwa ni Rachmaninoff ay ang kanyang pagsimangot. Nakasimangot siya ng anim at kalahating talampakan... nakakatakot siyang tao."

Nang maglaro ang batang Rachmaninoff para kay Tchaikovsky, labis siyang natuwa kaya naglagay siya ng lima na may apat na plus sa sheet ng kanyang iskor - ang pinakamataas na marka sa kasaysayan ng Moscow Conservatory. Sa lalong madaling panahon ang buong lungsod ay nagsimulang magsalita tungkol sa batang talento.

Gayunpaman, ang kapalaran ay nanatiling hindi kanais-nais sa musikero sa loob ng mahabang panahon.

Napaka-harsh ng mga kritiko sa kanya. Symphony No. 1, na ang premiere ay natapos sa kabiguan. Nagbigay ito kay Rachmaninov ng matinding emosyonal na mga karanasan, nawalan siya ng pananampalataya sa kanyang sariling lakas at hindi makabuo ng anuman.

Sa huli, ang tulong lamang ng isang bihasang psychiatrist na si Nikolai Dahl ang nagpapahintulot sa kanya na makaalis sa krisis. Noong 1901, natapos ni Rachmaninoff ang piano concerto, na pinaghirapan niya ng maraming taon at nakatuon kay Dr. Dahl. Sa pagkakataong ito, buong galak na sinalubong ng mga manonood ang gawa ng kompositor. Simula noon Piano Concerto No. 2 ay naging isang minamahal na klasikal na piyesa na ginagampanan ng iba't ibang grupo ng musikal sa buong mundo.

Si Rachmaninoff ay nagsimulang maglibot sa Europa at USA. Pagbalik sa Russia, nagsagawa siya at nag-compose.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1917, si Rachmaninov at ang kanyang pamilya ay nagpunta sa mga konsyerto sa Scandinavia. Hindi na siya umuwi. Sa halip, lumipat siya sa Switzerland, kung saan bumili siya ng bahay sa baybayin ng Lake Lucerne. Palagi siyang mahilig sa mga anyong tubig at ngayon, nang siya ay naging isang medyo mayaman na tao, kayang-kaya niyang magpahinga sa dalampasigan at humanga sa pagbubukas ng tanawin.

Si Rachmaninoff ay isang mahusay na konduktor at palaging nagbibigay ng sumusunod na payo sa mga nais na maging mahusay sa larangang ito:

"Ang isang mahusay na konduktor ay dapat na isang mahusay na driver. Parehong nangangailangan ng parehong mga katangian: konsentrasyon, patuloy na matinding atensyon at presensya ng isip. Kailangan lang malaman ng konduktor ang musika…”

Noong 1935, nagpasya si Rachmaninoff na manirahan sa USA. Una siyang nanirahan sa New York, at pagkatapos ay lumipat sa Los Angeles. Doon siya nagsimulang magtayo ng isang bagong bahay para sa kanyang sarili, ganap na kapareho ng naiwan niya sa Moscow.

Sa edad, si Rachmaninoff ay nagsagawa ng mas kaunti at halos ganap na huminto sa pag-compose ng musika. Naabot niya ang rurok ng kanyang katanyagan bilang isang mahusay na pianista.

Sa kabila ng homesickness, nagustuhan ni Rachmaninov ang USA. Ipinagmamalaki niya ang kanyang napakalaking Cadillac at madalas siyang mag-imbita ng mga bisita para sumakay sa kotse para lang ipakita ang kanyang sasakyan.

Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, natanggap ni Rachmaninoff ang pagkamamamayan ng US. Sa bansang ito siya inilibing.

Mas binigyan namin ng pansin ang Romantikong panahon sa aming aklat kaysa sa lahat ng iba pang panahon ng klasikal na musika.

Sa panahong ito, napakaraming mga kagiliw-giliw na bagay ang nangyari sa iba't ibang mga bansa na imposibleng sabihin ang tungkol sa lahat sa isang maliit na artikulo. Malaki ang pagbabago ng klasikal na musika, gayundin ang tunog nito, na naging mas mayaman at mas mayaman salamat sa malalaking symphony orchestra. Sa maraming paraan, ang mga gawa ni Rachmaninoff ay ang perpektong halimbawa ng tunog na ito. Kung ihahambing natin ito sa Beethoven, magiging malinaw kung gaano kalaki ang mga pagbabago.

Ngunit gaano man kabuluhan ang mga pagbabagong ito na naganap sa mundo ng musika sa loob ng humigit-kumulang walumpung taon ng Romantikong panahon, hindi ito maikukumpara sa nangyari sa kalaunan. At sa hinaharap, ang musika ay naging mas magkakaibang at hindi pangkaraniwan - na, ayon sa aming opinyon, ay hindi palaging pabor dito.

Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo, lumitaw ang isang masining na kilusan bilang romantikismo. Sa panahong ito, pinangarap ng mga tao ang isang perpektong mundo at "tumakas" sa pantasya. Ang istilong ito ay natagpuan ang pinakamatingkad at matalinghagang embodiment nito sa musika. Kabilang sa mga kinatawan ng romantikismo, ang mga kompositor noong ika-19 na siglo bilang Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt at Richard Wagner.

Franz Liszt

Ang hinaharap ay ipinanganak sa pamilya ng isang cellist. Tinuruan siya ng kanyang ama ng musika mula sa murang edad. Noong bata pa siya, kumanta siya sa isang koro at natutong tumugtog ng organ. Noong 12 taong gulang si Franz, lumipat ang kanyang pamilya sa Paris para makapag-aral ng musika ang bata. Hindi siya pinapasok sa conservatory, gayunpaman, mula noong edad na 14 siya ay bumubuo ng mga sketch. Ang ika-19 na siglo gaya ni Berlioz, Paganini, ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa kanya.

Naging tunay na idolo ni Liszt si Paganini, at nagpasya siyang hasain ang sarili niyang mga kasanayan sa pag-piano. Ang aktibidad ng konsiyerto noong 1839-1847 ay sinamahan ng isang napakatalino na tagumpay. Sa mga taong ito, nilikha ni Ferenc ang sikat na koleksyon ng mga dula na "Years of Wanderings". Ang isang birtuoso ng pagtugtog ng piano at isang paborito ng publiko ay naging isang tunay na sagisag ng panahon.

Si Franz Liszt ay gumawa ng musika, nagsulat ng ilang mga libro, nagturo, at nagsagawa ng mga bukas na aralin. Dumating sa kanya ang mga kompositor noong ika-19 na siglo mula sa buong Europa. Masasabi nating halos sa buong buhay niya ay nakikibahagi siya sa musika, dahil nagtrabaho siya ng 60 taon. Hanggang ngayon, ang kanyang talento at husay sa musika ay isang huwaran para sa mga modernong pianista.

Richard Wagner

Ang henyo ay lumikha ng musika na hindi maaaring mag-iwan ng sinuman na walang malasakit. Siya ay may parehong admirers at mabangis na kalaban. Si Wagner ay nabighani sa teatro mula pagkabata, at sa edad na 15 ay nagpasya siyang lumikha ng isang trahedya sa musika. Sa edad na 16, dinala niya ang kanyang mga komposisyon sa Paris.

Sa loob ng 3 taon sinubukan niyang walang kabuluhan na magtanghal ng isang opera, ngunit walang gustong humarap sa isang hindi kilalang musikero. Ang mga sikat na kompositor noong ika-19 na siglo tulad nina Franz Liszt at Berlioz, na nakilala niya sa Paris, ay hindi nagdadala sa kanya ng suwerte. Siya ay nasa kahirapan, at walang gustong suportahan ang kanyang mga ideya sa musika.

Nang mabigo sa France, bumalik ang kompositor sa Dresden, kung saan nagsimula siyang magtrabaho bilang isang konduktor sa teatro ng korte. Noong 1848, lumipat siya sa Switzerland, dahil pagkatapos na makilahok sa pag-aalsa ay idineklara siyang isang kriminal. Batid ni Wagner ang di-kasakdalan ng burges na lipunan at ang nakasalalay na posisyon ng artista.

Noong 1859, kumanta siya ng pag-ibig sa opera na Tristan und Isolde. Sa Parsifal, ang unibersal na kapatiran ay ipinakita sa paraang utopian. Ang kasamaan ay natalo, at ang katarungan at karunungan ay nanalo. Ang lahat ng magagaling na kompositor noong ika-19 na siglo ay naimpluwensyahan ng musika ni Wagner at natuto mula sa kanyang trabaho.

Noong ika-19 na siglo, nabuo ang isang pambansang paaralan sa pag-compose at pagganap sa Russia. Mayroong dalawang panahon sa musikang Ruso: maagang romantikismo at klasiko. Kasama sa una ang mga kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo bilang A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Si Mikhail Glinka ay nagtatag ng isang paaralan ng mga kompositor sa ating bansa. Ang diwa ng Ruso ay naroroon sa lahat ng kanyang mga sikat na opera tulad ng "Ruslan at Lyudmila", "Buhay para sa Tsar" ay puno ng pagkamakabayan. Binuod ni Glinka ang mga katangian ng katutubong musika, gamit ang mga lumang himig at ritmo ng katutubong musika. Ang kompositor ay isa ring innovator sa musical dramaturgy. Ang kanyang gawain ay ang pagtaas ng pambansang kultura.

Ang mga kompositor ng Russia ay nagbigay sa mundo ng maraming makikinang na mga gawa na nakakakuha pa rin ng mga puso ng mga tao ngayon. Kabilang sa mga makikinang na kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo, ang mga pangalan tulad ng M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky ay na-immortalize.

Ang klasikal na musika ay malinaw at senswal na sumasalamin sa panloob na mundo ng isang tao. Ang mahigpit na rasyonalismo ay napalitan ng romansa noong ika-19 na siglo.