Pambansang istilo sa mga halimbawa ng pagpipinta. Ang mga pangunahing direksyon ng sining ng XX siglo - SkillsUp - isang maginhawang katalogo ng mga aralin sa disenyo, computer graphics, mga aralin sa Photoshop, mga aralin sa Photoshop

Ang pagpipinta ay isa sa mga uri ng sining. Ang pagpipinta ay nahahati sa mga sumusunod na uri:

• monumental;
• kabalyete;
• teatro at pandekorasyon;
• pampalamuti;
• miniature.

Hindi tulad ng iba pang mga uri, sa pagpipinta, ang kulay ay may pangunahing nagpapahayag na kahulugan, salamat sa kung saan ito ay gumaganap ng isang aesthetic, cognitive, ideological at documentary role.

Ang pagpipinta ay ang paglipat ng isang imahe na may mga likidong pintura, kumpara sa mga graphics. Ang pintura ng langis, tempera, gouache, enamel, watercolor, atbp. ay nagsisilbing mga pintura.

Ang estilo ng pagpipinta ay isang direksyon na may mga pangkalahatang ideya, mga diskarte sa pagpapatupad, at mga katangian ng mga diskarte sa imahe. Ang pagbuo ng mga istilo ay naiimpluwensyahan ng pulitika at ekonomiya, ideolohiya at relihiyon. Samakatuwid, ang bawat estilo ay maaaring isaalang-alang bilang isang kinatawan ng oras nito.

Ang mga direksyon at estilo ng pagpipinta ay hindi gaanong magkakaibang kaysa sa paraan ng paglalarawan nito. Minsan walang malinaw na dibisyon ng mga istilo. Kapag naghalo ka ng ilang istilo, makakakuha ka ng bago. Ngunit sa lahat ng pagkakaiba-iba, mayroong ilang pangunahing direksyon:

Gothic

Ang istilong European na ito ay karaniwan noong ika-9 hanggang ika-14 na siglo. Ang mga kuwento sa Bibliya, kawalan ng pananaw, emosyonalidad at pagiging mapagpanggap ang pangunahing katangian ng istilong ito. Mga Kinatawan: Giotto, Traini.

Renaissance

Ang ika-14-16 na siglo ay minarkahan ang pagbabalik sa sinaunang panahon, ang pagluwalhati sa kagandahan ng katawan ng tao, humanismo. Ang mga pangunahing kinatawan ay sina Michelangelo Buonarotti, Leonardo da Vinci.

Mannerism

Direksyon sa pagpipinta noong ika-16 na siglo. Ang istilo ay kabaligtaran ng Renaissance. Ang pangalan ay nagmula sa salitang "paraan". Mga kinatawan ng trend na ito Vasari, Duve.

Baroque

Magarbo, marangyang istilo ng pagpipinta noong ika-16-18 siglo sa Europa. Nakikilala sa pamamagitan ng liwanag ng mga kulay, pansin sa detalye at mga dekorasyon.

Rococo

ika-16 na siglo Isang mas pino, pino at intimate na pagpapatuloy ng istilong Baroque. Mga Kinatawan: Bush, Watteau.

Klasisismo

Ang istilong likas sa kulturang Europeo noong ika-17-19 na siglo. Ang isang larawan mula sa punto ng view ng classicism ay dapat na binuo sa mahigpit na canon. Ang istilo ng klasisismo ay ang tagapagmana ng sinaunang panahon at ang Renaissance. Ang mga pangunahing kinatawan ng istilong ito ay Raphael, Poussin.

Imperyo

estilo ng ika-19 na siglo. Ang pangalan ng istilo ay nagmula sa salitang "imperyo". Ito ay isang pagpapatuloy ng pag-unlad ng klasisismo sa kanyang kamahalan, karangyaan at pagiging sopistikado. Ang pangunahing kinatawan ay si J. L. David.

Romantisismo

Istilo ng ika-19 na siglo, na nauna sa klasiko. Emosyonalidad, sariling katangian, pagpapahayag ng mga imahe. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng imahe ng gayong mga damdamin tulad ng kakila-kilabot, paggalang. Nagsusulong ng mga katutubong tradisyon, alamat, kasaysayan ng bansa. Mga Kinatawan: Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

Primitivism

Estilo ng pagpipinta noong ika-19 na siglo. Isang inilarawan sa pangkinaugalian, pinasimple na imahe na nagreresulta sa mga primitive na anyo na nakapagpapaalaala sa mga primitive na guhit. Ang isang kilalang kinatawan ay si Pirosmani.

Realismo

Estilo ng ika-19 at ika-20 siglo. Karaniwang katotohanang sumasalamin sa layunin ng katotohanan, nang walang labis na emosyonalidad. Ang mga tao ay madalas na inilalarawan sa trabaho. Mga Artist: Repin, Shishkin, Savrasov, Manet.

abstractismo

Estilo ng ika-19 at ika-20 siglo. Harmonious na kumbinasyon ng kulay ng mga geometric na hugis, na naglalayong makamit ang iba't ibang mga asosasyon. Mga Kinatawan: Picasso, Kandinsky.

Impresyonismo

Estilo ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang estilo ng pagpipinta sa open air, sa open air. Ang mga pag-apaw ng liwanag na ginawa sa isang katangian na paraan, ang pamamaraan ng isang maliit na stroke, ang paggalaw na ipinarating ng master. Ang pangalan ng istilo ay ibinigay ng pagpipinta ni Monet na "Impression". Ang mga pangunahing kinatawan ng istilong ito ay Renoir, Monet, Degas.

Expressionism

estilo ng ika-20 siglo. Isang labis na pagpapakita ng emosyon para sa mas malaking epekto sa manonood. Kabilang sa mga kinatawan ng istilong ito ay Modigliani, Munch.

Kubismo

Estilo ng Avant-garde noong ika-20 siglo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga sirang (kubiko) na linya, isang tiyak na kumbinasyon ng mga bagay, sabay-sabay na tiningnan mula sa ilang mga punto ng view. Ang Picasso ay itinuturing na tagapagtatag ng istilong ito.

Modernismo

Estilo ng ika-19 at ika-20 siglo. Ito ang antipode ng mga konserbatibong larawan ng realismo. Ang mapangahas at plastik na istilo ng pagpipinta ay nagpapakita ng mga orihinal na pagpipinta na sumasalamin sa panloob na mundo ng artist. Mga Kinatawan: Picasso, Matisse.

Pop Art

estilo ng ika-20 siglo. Isang ironic na paglalarawan ng mga bagay na karaniwan, kadalasang bulgar. Karaniwang ginagamit sa marketing at advertising. Ang isang kilalang kinatawan ng kalakaran na ito ay si Andy Warhol.

Simbolismo

Direksyon 19-20 siglo. Espirituwalidad, panaginip, mito at alamat. Ang mga simbolo, kadalasang hindi maliwanag, ay nagpapakilala sa istilong ito. Ito ay isang nangunguna sa ekspresyonismo at surrealismo. Mga Kinatawan: Vrubel, Vasnetsov, Nesterov.

Surrealismo

estilo ng ika-20 siglo. Mga parunggit, paghahalo ng mga espasyo ng katotohanan at panaginip, hindi pangkaraniwang mga collage. Gumagawa ng isang impression sa subconscious. Isang malaking kontribusyon sa istilong ito ang ginawa ni Dali, Magritte.

sa ilalim ng lupa

Isang pang-eksperimentong uso sa kontemporaryong sining na nagpapakita ng antisosyal na pag-uugali na lumalabag sa karaniwang tinatanggap na mga prinsipyong moral at etikal. Ang kinatawan ng istilo ay si Shemyakin.

Ano ang istilo?

Ano nga ba ang ibig sabihin ng istilo sa sining? Ito ay isang uri ng pagkakaisa ng ideolohikal at masining, salamat sa kung saan mas gusto ng mga artist ang ilang mga tema at mga espesyal na visual na paraan. Nananatili silang indibidwal, ngunit sa pagtingin sa ito o sa canvas na iyon, halos hindi mapag-aalinlanganang matukoy ng isa ang panahon at istilo.

Nagkaroon ng hugis ang Europe noong Middle Ages. At ang pagpipinta ay nabuo mula sa pagpipinta ng icon. Sa lupang Ruso, mayroong kahit isang transisyonal na genre - parsuna. Ito ay hindi na isang icon, ngunit hindi pa isang portrait. At kapag ang sining ay unti-unting napalaya mula sa kapangyarihan ng simbahan, nagiging mas makamundo at sekular, ang pagpipinta bilang isang anyo ng sining ay nakakakuha ng lahat ng karapatan.

Estilo pagkatapos ng istilo

Ang unang estilo ng pan-European sa pagpipinta ay maaaring ituring na hindi ang istilong Romanesque at Gothic (mayroong pangunahing arkitektura), ngunit ang Baroque.

Ito ang istilo ng mga pahiwatig, pagtanggal, alegorya, estilo ng mga alegorya at metapora. Rembrandt at Rubens ang mga tipikal na kinatawan nito. Ang Rococo ay isang uri ng degenerated baroque. Ang istilo ay hindi gaanong sa pagpipinta kumpara sa inilapat na sining. Iniwan nina F. Boucher at A. Watteau ang pinakakapansin-pansing mga halimbawa ng pagpipinta ng Rococo. Ang pagpipinta mismo ay pino, na may katangian ng erotisismo, na idinisenyo sa mga kulay ng pastel, puno ng mga mitolohikong motif. Ang ikalabing walong siglo ay nagiging siglo ng dominasyon ng klasisismo. Isa na itong magiting na pagpipinta, kung saan ang mga pinuno at heneral ay niluluwalhati. Mayroong pagkagumon ng mga artista sa mga paksang mitolohiya at kasaysayan. Ang mga mahigpit na proporsyon, ang pagkakaisa ng nilalaman at anyo, ang paghahati ng mga karakter sa positibo at negatibo, sa pangunahin at pangalawa - ito ay ilan lamang sa mga katangian ng klasisismo. Pagkatapos ay darating ang isang maikli ngunit maliwanag na edad ng sentimentalismo. Sa saklaw ng kanyang impluwensya, bukod sa pagpipinta, mayroon ding tula. Ang mga sentimentalista ay nagpapalalim sa nilalaman ng sining, pinupuno ito ng sikolohikal na pag-igting. Ginagawa nila ang pagpipinta sa mga pangangailangan at hinihingi ng mga ordinaryong tao. Ang sining ay demokrasya. Sa mga canvases ngayon - hindi mga diyos at bayani, ngunit mga tagapagluto, labandera, manggagawa. Para sa pinaka hindi magandang tingnan na trabaho. Pinapalitan ng romantikismo ang sentimentalismo. Sa kanyang mabagyo na mga hilig, hindi pangkaraniwan, hindi pang-domestic na mga karakter, ang kulto ng inspirasyon. Sapat na ihambing ang mga larawan ng Pushkin nina Kiprensky at Tropinin upang madama ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan nila. Ang romantikong Kiprensky ay mayroon ding Pushkin na isang romantikong, laban sa backdrop ng isang lira. Ang realistang si Tropinin ay iginuhit ang makata bilang isang tao, na ang kwelyo ng kanyang kamiseta ay kaswal na nakabukas, kahit na may panulat sa kanyang mga kamay.

Realismo - seryoso at sa mahabang panahonAng makatotohanang sining mula sa mga tatlumpu't siglo ng ikalabinsiyam na siglo ay nagsimulang gumawa ng paraan. At sa lalong madaling panahon ay sinimulan nitong tukuyin at hubugin ang mga artistikong panlasa ng isang makabuluhang bilang ng publiko. Sa gitna ng realismo ay ang pagnanais para sa isang makatotohanan at komprehensibong pagmuni-muni ng nakapaligid na katotohanan, isang kritikal na saloobin sa mga halaga ng burges, at isang malakas na oryentasyong panlipunan. Sa Russia, ang makatotohanang pagpipinta ay, una sa lahat, ang Wanderers. Sa pagpasok ng siglo, ang realismo ay nakakaranas ng isang tiyak na pansamantalang krisis. Ngunit lumalabas na sapat na ito para lumitaw ang modernismo. Ang terminong ito ay ginagamit upang italaga ang isang motley na koleksyon ng mga masining na kilusan at mga paaralan na naghahangad na alisin ang mga tanikala ng tradisyonal na sining, upang masira ang pagiging totoo at ang representasyon ng paksa nito.

Alternative o false shine?

Ang modernismo ay parehong impresyonismo, at fauvism, at simbolismo, at futurism. Paunti-unti ang nakikita ng publiko sa mga canvases ng mga tao, kalikasan, hayop. Sa halip - mga pangit na sukat, hindi malinaw na mga tono. Ang lahat ay nakukulayan ng mga emosyon at panandaliang kalooban ng ito o ang may-akda na iyon. Marami pang darating, gaya ng sinasabi nila. Pagkatapos ng modernismo - abstractionism. Ang mga ito ay mga color spot na, mga hubog na linya, isang kakaibang kumbinasyon ng mga geometric na katawan. Kubismo, Rayonismo, Surrealismo. Nai-save lamang ang talento. Ito ay tungkol sa Picasso o Dali. Nilamon ni Summer si meocrity. Ang kanilang kapalaran ay limot sa kasaysayan. Sa wakas, postmodernism, na ang edad ay nag-drag sa hindi makatwirang mahabang panahon. Wala nang mga patakaran at kanon. Walang kumpisal o sermon. Lahat tayo. Kumpletong eclecticism, ibig sabihin, pinaghalong mga istilo at magkakaibang elemento. Tumaya sa komersyal na tagumpay.

Ano ang pinuntahan nila? Ang pag-unlad ng mga estilo ng pagpipinta, sa kasamaang-palad, ay nagpapatunay sa haka-haka ng pilosopong Espanyol na si J. Ortega y Gaset tungkol sa pagdating ng edad ng "dehumanization of art." Walang sinuman ang tumatanggi sa pangangailangan para sa pagpapahayag ng sarili at walang nililimitahan ang artista sa pagpili ng paraan para dito. Nakakalungkot lang na maraming tao ang may posibilidad na mag-isip, tulad ng matandang babae na si Shapoklyak mula sa cartoon, "hindi ka maaaring maging tanyag para sa mabubuting gawa." Ang mas iskandalo, mas malakas ang hinulaang tagumpay. At lingid sa kaalaman ng mga ganitong "artista" na ang oras ay magwawalis pa rin ng lahat ng slag at husk, at mananatili ang tunay na sining. Walang dumi na dumidikit dito.

• LECTURE. OKSANA RYMARENKO: "LUCHISM among the "isms" of abstract art"

Ang pangunahing tanong na nagpapahirap sa lahat ng mga baguhan na artista ay saan nagmula ang istilo ng may-akda at kung paano ito bubuo?
Sinasagot ng karamihan sa mga artista ang tanong na ito tulad nito:

Ang istilo ng may-akda ay isang bagay na hindi mo dapat isipin. Kailangan mo lang gumuhit at darating ito nang mag-isa.
Sa katunayan, ang gayong sagot ay hindi kailanman nababagay sa akin at nagpasya akong tingnan ang isyung ito sa aking sarili.
Paano ka dapat bumuo ng iyong sariling istilo?

Sa palagay ko, sa una kailangan mong malaman kung ano ang istilo ng paglalarawan sa pangkalahatan. Ano ang mga ito at kung ano ang kanilang mga tampok.
Mayroong isang hindi kapani-paniwalang bilang ng mga estilo sa paglalarawan! Lahat sila ay napakalapit sa isa't isa. Ngunit kabilang sa mga ito mayroong limang pangunahing:

• Realismo
• pandekorasyon na istilo
• Kakatuwa
• Minimalism

Realismo

• Sa lahat ng mahilig sa akademya
• Konsyerto para sa mga artista

• akademikong pagguhit
• Pagpipinta
• Anatomy
• Chiaroscuro
• Makatotohanang mga texture

pandekorasyon na istilo

• Sa lahat ng mga rebelde na may magandang school of academic drawing sa likod nila
• ilustrador ng magazine
• Mga artistang gustong lumikha ng sobrang konseptwal at mapaghamong obra

• Anatomy
• Palamuti at iba pang pandekorasyon na elemento.

Kakatuwa

• Karamihan sa mga ilustrador
• Para sa mga animator
• Mga taga-disenyo ng konsepto ng karakter

• Komposisyon
• plastik na anatomya
• Ang pantasya ng may-akda

walang muwang

• Karamihan sa mga ilustrador
• Mga ilustrador ng mga bata
• Artist ng animation
• Mga taga-disenyo ng konsyerto ng mga karakter at kapaligiran para sa mga cartoon

• paghubog
• Gumagana sa isang silweta
• Ang lambot ng texture
• Iba't ibang paraan ng pandekorasyon na pagtatabing

Minimalism

• infographics
• disenyo ng paggalaw
• paglalarawan ng magasin

• Komposisyon
• paghubog

Paano hubugin ang iyong istilo sa paglalarawan?

Gothic(mula sa Italian gotico - hindi pangkaraniwan, barbaric) - isang panahon sa pag-unlad ng medyebal na sining, na sumasaklaw sa halos lahat ng mga lugar ng kultura at pag-unlad sa Kanluran, Gitnang at bahagyang Silangang Europa mula ika-12 hanggang ika-15 siglo. Nakumpleto ng Gothic ang pag-unlad ng sining ng medieval sa Europa, na bumangon batay sa mga nakamit ng kulturang Romanesque, at sa panahon ng Renaissance, ang sining ng Middle Ages ay itinuturing na "barbaric". Ang Gothic art ay kulto sa layunin at relihiyoso sa paksa. Nag-apela ito sa pinakamataas na banal na kapangyarihan, ang kawalang-hanggan, ang pananaw sa mundo ng mga Kristiyano. Ang Gothic sa pagbuo nito ay nahahati sa Early Gothic, Heyday, Late Gothic.

Ang mga sikat na European cathedrals, na gustong-gusto ng mga turista na kunan ng larawan nang detalyado, ay naging mga obra maestra ng istilong Gothic. Sa disenyo ng mga interior ng Gothic cathedrals, isang mahalagang papel ang itinalaga sa mga scheme ng kulay. Ang kasaganaan ng pagtubog ay naghari sa panlabas at panloob na dekorasyon, ang ningning ng interior, ang openwork ng mga dingding, at ang mala-kristal na pagkakatay ng espasyo. Ang bagay ay walang kabigatan at impenetrability, ito ay, kumbaga, espiritwal.

Ang malalaking ibabaw ng mga bintana ay napuno ng mga stained-glass na bintana na may mga komposisyon na nagpaparami ng mga makasaysayang kaganapan, apokripal na mga alamat, pampanitikan at relihiyosong mga plot, mga larawan ng pang-araw-araw na mga eksena mula sa buhay ng mga ordinaryong magsasaka at artisan, na isang natatanging encyclopedia ng paraan ng pamumuhay noong Middle Ages. Ang Kona ay napuno mula sa itaas hanggang sa ibaba ng mga may korte na komposisyon, na nakapaloob sa mga medalyon. Ang kumbinasyon ng liwanag at kulay na simula ng pagpipinta sa stained glass technique ay nagbigay ng mas mataas na emosyonalidad sa mga artistikong komposisyon. Ang iba't ibang mga baso ay ginamit: makapal na iskarlata, maapoy, pula, granada, berde, dilaw, madilim na asul, mapusyaw na asul, ultramarine, gupitin kasama ang tabas ng pattern ... Ang mga bintana ay pinainit tulad ng mahalagang mga hiyas, na natagos ng liwanag sa labas - sila binago ang buong loob ng templo at itinuon ang kanyang mga bisita sa isang napakagandang kalooban.

Salamat sa salamin ng kulay ng Gothic, ipinanganak ang mga bagong aesthetic na halaga, at nakuha ng mga kulay ang pinakamataas na sonority ng nagliliwanag na kulay. Ang dalisay na kulay ay nagbunga ng kapaligiran ng kapaligiran ng hangin, na pininturahan sa iba't ibang kulay dahil sa paglalaro ng liwanag sa mga haligi, sahig, mga stain-glass na bintana. Ang kulay ay naging pinagmumulan ng liwanag na nagpalalim ng pananaw. Ang makapal na baso, kadalasang hindi pantay, ay napuno ng hindi masyadong transparent na mga bula, na nagpahusay sa artistikong epekto ng stained glass. Ang liwanag, na dumadaan sa hindi pantay na kapal ng salamin, ay nadurog at nagsimulang maglaro.

Ang pinakamahusay na mga halimbawa ng tunay na Gothic stained-glass na mga bintana ay bukas sa publiko sa mga katedral ng Chartres, Bourges at Paris (halimbawa, "The Virgin and Child"). Puno ng hindi gaanong karangyaan, pati na rin ang "Fiery wheels" at "Throwing lightning" sa Chartres Cathedral.

Mula sa kalagitnaan ng ika-1 siglo, ang mga kumplikadong kulay ay nagsimulang ipakilala sa makulay na hanay, na nakuha sa pamamagitan ng pagdoble ng salamin. Ang gayong pambihirang stained-glass na mga bintana sa istilong Gothic ay napanatili sa Sainte-Chapelle (1250). Ang brown enamel na pintura ay inilapat sa mga contour ng salamin, habang ang mga form ay may isang planar na karakter.

Ang panahon ng Gothic ay ang kasagsagan ng sining ng miniature na libro, pati na rin ang mga artistikong miniature. Ang pagpapalakas ng mga sekular na tendensya sa kultura ay nagpatindi lamang sa kanilang pag-unlad. Kasama sa mga ilustrasyon na may mga multi-figure na komposisyon sa mga tema ng relihiyon ang iba't ibang makatotohanang detalye: mga larawan ng mga ibon, hayop, paru-paro, palamuti ng mga motif ng halaman, araw-araw na mga eksena. Ang mga gawa ng French miniaturist na si Jean Pussel ay puno ng isang espesyal na mala-tula na alindog.

Sa pagbuo ng French Gothic miniature noong ika-13 at ika-14 na siglo, ang nangungunang lugar ay inookupahan ng Parisian school. Ang Psalter of St. Louis ay puno ng mga multi-figure na komposisyon na naka-frame sa pamamagitan ng isang motif ng Gothic architecture, kaya naman ang salaysay ay nakakuha ng pambihirang pagkakatugma (Louvre, Paris, 1270). ang mga pigura ng mga kababaihan at kabalyero ay kaaya-aya, ang kanilang mga anyo ay nakikilala sa pamamagitan ng mga dumadaloy na linya, na lumilikha ng ilusyon ng paggalaw. Ang kayamanan at densidad ng mga kulay, pati na rin ang pandekorasyon na arkitektura ng pagguhit, ang mga miniature na ito ay ginagawang natatanging mga gawa ng sining at mahalagang mga dekorasyon sa pahina.

Ang estilo ng aklat na Gothic ay nakikilala sa pamamagitan ng mga matulis na anyo, angular na ritmo, pagkabalisa, filigree openwork pattern at slouchness ng mga sinuous na linya. Kapansin-pansin na noong ika-14 at ika-15 siglo, inilarawan din ang mga sekular na manuskrito. Ang mga aklat ng mga oras, mga siyentipikong treatise, mga koleksyon ng mga awit ng pag-ibig at mga talaan ay puno ng mga kahanga-hangang miniature. Ang miniature, na naglalarawan ng mga gawa ng magalang na panitikan, ay naglalaman ng ideal ng chivalrous na pag-ibig, pati na rin ang mga eksena mula sa ordinaryong nakapaligid na buhay. Ang isang katulad na paglikha ay ang manuskrito ng Manes (1320).

Sa paglipas ng panahon, tumindi ang salaysay sa Gothic. Ang "Great French Chronicles" ng ika-14 na siglo ay malinaw na nagpapakita ng pagnanais ng artist na maarok ang kahulugan ng kaganapang inilalarawan niya. Kasabay nito, ang mga libro ay binigyan ng dekorasyong kagandahan sa pamamagitan ng paggamit ng mga katangi-tanging vignette at mga frame ng kakaibang hugis.

Ang Gothic miniature ay may malaking impluwensya sa pagpipinta at nagdala ng isang buhay na buhay na stream sa sining ng Middle Ages. Ang Gothic ay naging hindi lamang isang istilo, ngunit isang mahalagang link sa pangkalahatang pag-unlad ng kultura ng lipunan. Ang mga master ng istilo na may hindi kapani-paniwalang katumpakan ay nagawang kopyahin ang imahe ng kanilang kontemporaryo sa paksa at natural na kapaligiran. Ang mga maringal at espirituwal na Gothic na gawa ay napapalibutan ng isang aura ng kakaibang aesthetic charm. Ang Gothic ay nagsilang ng isang bagong pag-unawa sa synthesis ng sining, at ang mga makatotohanang pananakop nito ay nagbigay daan para sa paglipat sa sining ng Renaissance.

Ang pagpipinta ay marahil ang pinaka sinaunang anyo ng sining. Kahit na sa primitive na panahon, ang ating mga ninuno ay gumawa ng mga larawan ng mga tao at hayop sa mga dingding ng mga kuweba. Ito ang mga unang halimbawa ng pagpipinta. Mula noon, ang ganitong uri ng sining ay palaging nananatiling kasama ng buhay ng tao. Ang mga halimbawa ng pagpipinta ngayon ay marami at iba-iba. Susubukan naming sakupin ang ganitong uri ng sining hangga't maaari, upang pag-usapan ang tungkol sa mga pangunahing genre, estilo, direksyon at pamamaraan sa loob nito.

mga diskarte sa pagpipinta

Isaalang-alang muna ang mga pangunahing pamamaraan ng pagpipinta. Isa sa pinakakaraniwan ay mantikilya. Ito ay isang pamamaraan kung saan ginagamit ang mga pinturang nakabatay sa langis. Ang mga pinturang ito ay inilapat sa mga stroke. Sa tulong ng mga ito, maaari kang lumikha ng iba't ibang iba't ibang mga kulay, pati na rin ihatid ang mga kinakailangang larawan na may pinakamataas na pagiging totoo.

Tempera ay isa pang sikat na pamamaraan. Pinag-uusapan natin ito kapag ginamit ang mga pintura ng emulsyon. Ang panali sa mga pinturang ito ay itlog o tubig.

gouache- isang pamamaraan na malawakang ginagamit sa mga graphic. Ang pintura ng gouache ay ginawa sa isang malagkit na batayan. Maaari itong magamit upang magtrabaho sa karton, papel, buto o sutla. Ang imahe ay matibay, at ang mga linya ay malinaw. Pastel- Ito ay isang diskarte sa pagguhit gamit ang mga tuyong lapis, habang ang ibabaw ay dapat na magaspang. At, siyempre, ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit tungkol sa mga watercolor. Ang pinturang ito ay karaniwang natutunaw ng tubig. Ang isang malambot at manipis na layer ng pintura ay nakuha gamit ang diskarteng ito. Partikular na sikat Siyempre, nakalista lamang namin ang mga pangunahing pamamaraan na madalas na ginagamit sa pagpipinta. May iba pa.

Saan karaniwang ipinipinta ang mga pintura? Ang pinakasikat na pagpipinta sa canvas. Ito ay nakaunat sa isang frame o nakadikit sa karton. Tandaan na sa nakaraan, ang mga kahoy na tabla ay madalas na ginagamit. Ngayon, hindi lamang pagpipinta sa canvas ang sikat, ngunit ang anumang iba pang mga flat na materyales ay maaaring gamitin upang lumikha ng isang imahe.

Mga uri ng pagpipinta

Mayroong 2 pangunahing uri nito: easel at monumental na pagpipinta. Ang huli ay nauugnay sa arkitektura. Kasama sa ganitong uri ang mga kuwadro na gawa sa mga kisame at dingding ng mga gusali, pinalamutian ang mga ito ng mga larawang gawa sa mosaic o iba pang materyales, mga bintanang may stained-glass, at iba pa. Ang easel painting ay hindi nauugnay sa isang partikular na gusali. Maaari itong ilipat mula sa isang lugar patungo sa lugar. Sa easel painting, maraming varieties (kung hindi man ay tinatawag silang genre). Pag-usapan natin ang mga ito nang mas detalyado.

Mga genre ng pagpipinta

Ang salitang "genre" ay nagmula sa Pranses. Isinasalin ito bilang "genus", "species". Iyon ay, sa ilalim ng pangalan ng genre mayroong isang nilalaman ng ilang uri, at, na binibigkas ang pangalan nito, naiintindihan natin kung ano ang tungkol sa larawan, kung ano ang makikita natin dito: isang tao, kalikasan, isang hayop, mga bagay, atbp.

Larawan

Ang pinaka sinaunang genre ng pagpipinta ay ang portrait. Ito ay isang imahe ng isang tao na kamukha lamang niya at wala ng iba. Sa madaling salita, ang isang portrait ay isang imahe sa pagpipinta ng isang indibidwal na hitsura, dahil ang bawat isa sa atin ay may indibidwal na mukha. Ang genre ng pagpipinta ay may sariling mga uri. Ang isang portrait ay maaaring full-length, chest-length, o isang tao lang ang pininturahan. Tandaan na hindi lahat ng larawan ng isang tao ay isang portrait, dahil ang isang artist ay maaaring lumikha, halimbawa, "isang tao sa pangkalahatan" nang hindi isinulat siya mula sa sinuman. Gayunpaman, kapag naglalarawan siya ng isang partikular na kinatawan ng sangkatauhan, gumagawa siya ng isang larawan. Hindi na kailangang sabihin, maraming mga halimbawa ng pagpipinta sa genre na ito. Ngunit ang larawan sa ibaba ay kilala sa halos bawat residente ng ating bansa. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa imahe ng A. S. Pushkin, na nilikha noong 1827 ni Kiprensky.

Maaari ding magdagdag ng self-portrait sa genre na ito. Sa kasong ito, inilalarawan ng artista ang kanyang sarili. May nakapares na portrait, kapag sa larawan ay may mga tao sa isang pares; at isang group portrait, kapag ang isang grupo ng mga tao ay inilalarawan. Mapapansin din ng isa ang ceremonial portrait, na iba't ibang equestrian, isa sa pinaka solemne. Sikat na sikat ito noon, ngunit bihira na ang ganitong mga gawa ngayon. Gayunpaman, ang susunod na genre na pag-uusapan natin ay may kaugnayan anumang oras. Tungkol Saan iyan? Maaari itong hulaan sa pamamagitan ng pag-uuri sa mga genre na hindi pa namin pinangalanan, na nagpapakilala sa pagpipinta. Isa na rito ang buhay pa rin. Ito ay tungkol sa kanya na pag-uusapan natin ngayon, na patuloy na isinasaalang-alang ang pagpipinta.

Buhay pa

Ang salitang ito ay mayroon ding Pranses na pinagmulan, ito ay nangangahulugang "patay na kalikasan", bagaman ang kahulugan ay magiging mas tumpak na "walang buhay na kalikasan". Still life - ang imahe ng mga bagay na walang buhay. Malaki ang pagkakaiba-iba nila. Tandaan na ang mga still life ay maaari ding maglarawan ng "living nature": ang mga paru-paro ay humupa sa mga talulot, magagandang bulaklak, mga ibon, at kung minsan ang isang tao ay makikita sa mga kaloob ng kalikasan. Gayunpaman, ito ay magiging buhay pa rin, dahil ang imahe ng buhay ay hindi ang pinakamahalagang bagay para sa artist sa kasong ito.

Landscape

Ang Landscape ay isa pang salitang Pranses na nangangahulugang "view ng bansa" sa pagsasalin. Ito ay kahalintulad sa konsepto ng Aleman ng "landscape". Ang tanawin ay isang paglalarawan ng kalikasan sa pagkakaiba-iba nito. Ang mga sumusunod na uri ay sumali sa genre na ito: ang landscape ng arkitektura at ang napaka-tanyag na seascape, na madalas na tinatawag na solong salitang "marina", at ang mga artista na nagtatrabaho dito ay tinatawag na marine painters. Maraming mga halimbawa ng pagpipinta sa genre ng seascape ay matatagpuan sa gawa ni I. K. Aivazovsky. Isa sa mga ito ay ang "Rainbow" ng 1873.

Ang larawang ito ay pininturahan ng langis at mahirap gawin. Ngunit hindi mahirap lumikha ng mga landscape ng watercolor, kaya sa paaralan, sa mga aralin sa pagguhit, ang gawaing ito ay ibinigay sa bawat isa sa atin.

Genre ng hayop

Animalistic ang susunod na genre. Ang lahat ay simple dito - ito ay isang imahe ng mga ibon at hayop sa kalikasan, sa isang natural na kapaligiran.

genre ng sambahayan

Ang pang-araw-araw na genre ay isang paglalarawan ng mga eksena mula sa buhay, pang-araw-araw na buhay, nakakatawang "mga pangyayari", buhay sa tahanan at mga kwento ng mga ordinaryong tao sa isang ordinaryong kapaligiran. At magagawa mo nang walang mga kwento - kunin lamang ang mga pang-araw-araw na aktibidad at gawain. Ang ganitong mga pagpipinta ay minsang tinutukoy bilang pagpipinta ng genre. Bilang halimbawa, isaalang-alang ang gawain sa itaas ni Van Gogh (1885).

makasaysayang genre

Ang mga tema ng pagpipinta ay magkakaiba, ngunit ang makasaysayang genre ay hiwalay. Ito ay isang imahe ng mga makasaysayang bayani at mga kaganapan. Ang genre ng labanan ay katabi nito, nagpapakita ito ng mga yugto ng digmaan, labanan.

Relihiyoso at mitolohiyang genre

Sa mythological genre, ang mga kuwadro na gawa ay nakasulat sa mga tema ng mga sinaunang at sinaunang alamat tungkol sa mga diyos at bayani. Dapat tandaan na ang imahe ay isang sekular na kalikasan, at dito ito ay naiiba sa mga imahe ng mga diyos na kinakatawan sa icon. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta ng relihiyon ay hindi lamang mga icon. Pinagsasama-sama nito ang iba't ibang mga akdang isinulat tungkol sa mga paksang panrelihiyon.

Salungatan ng mga genre

Kung mas mayaman ang nilalaman ng genre, mas lumalabas ang mga "kasama" nito. Maaaring pagsamahin ang mga genre, kaya mayroong isang pagpipinta na hindi maaaring ilagay sa balangkas ng alinman sa mga ito. Sa sining, mayroong parehong pangkalahatan (mga diskarte, genre, estilo) at isang indibidwal (isang partikular na gawa na kinuha nang hiwalay). Ang isang hiwalay na larawan ay nagdadala ng isang bagay na karaniwan. Samakatuwid, maraming mga artista ang maaaring magkaroon ng isang genre, ngunit ang mga kuwadro na ipininta dito ay hindi magkapareho. Ang ganitong mga tampok ay may kultura ng pagpipinta.

Estilo

Ang istilo sa ay isang aspeto ng visual na perception ng mga painting. Maaari itong pagsamahin ang gawain ng isang artista o ang gawain ng mga artista ng isang tiyak na panahon, direksyon, paaralan, lugar.

Akademikong pagpipinta at pagiging totoo

Ang akademikong pagpipinta ay isang espesyal na direksyon, ang pagbuo nito ay nauugnay sa mga aktibidad ng mga akademya ng sining sa Europa. Ito ay lumitaw noong ika-16 na siglo sa Bologna Academy, na ang mga katutubo ay naghangad na gayahin ang mga masters ng Renaissance. Mula noong ika-16 na siglo, ang mga pamamaraan ng pagtuturo ng pagpipinta ay nagsimulang batay sa mahigpit na pagsunod sa mga alituntunin at pamantayan, na sumusunod sa mga pormal na pattern. ang sining sa Paris ay itinuturing na isa sa mga pinaka-maimpluwensyang sa Europa. Itinaguyod niya ang aesthetics ng classicism na nangibabaw sa France noong ika-17 siglo. Parisian academy? na nag-aambag sa sistematisasyon ng edukasyon, unti-unting ginawang dogma ang mga tuntunin ng klasikal na direksyon. Kaya ang akademikong pagpipinta ay naging isang espesyal na direksyon. Noong ika-19 na siglo, isa sa mga pinakakilalang pagpapakita ng akademya ay ang gawa ni J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. Ang mga klasikal na canon ay pinalitan ng mga makatotohanan lamang sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo. Ito ay pagiging totoo na sa simula ng ika-20 siglo ay naging pangunahing paraan ng pagtuturo sa mga akademya, na nagiging isang dogmatikong sistema.

Baroque

Ang Baroque ay isang istilo at panahon ng sining, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng aristokrasya, kaibahan, dinamismo ng mga imahe, mga simpleng detalye kapag naglalarawan ng kasaganaan, pag-igting, drama, karangyaan, isang pagsasanib ng katotohanan at ilusyon. Ang istilong ito ay lumitaw sa Italya noong 1600 at kumalat sa buong Europa. Ang Caravaggio at Rubens ang mga pinakakilalang kinatawan nito. Ang Baroque ay madalas na inihambing sa expressionism, gayunpaman, hindi katulad ng huli, wala itong masyadong nakakainis na epekto. Ang mga pagpipinta ng istilong ito ngayon ay nailalarawan sa pagiging kumplikado ng mga linya at isang kasaganaan ng mga burloloy.

Kubismo

Ang Cubism ay isang avant-garde art movement na nagmula noong ika-20 siglo. Ang lumikha nito ay si Pablo Picasso. Ang Cubism ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon sa eskultura at pagpipinta ng Europa, na nagbigay inspirasyon sa paglikha ng mga katulad na uso sa arkitektura, panitikan, at musika. Ang artistikong pagpipinta sa istilong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pinagsama-samang, sirang mga bagay na may abstract na anyo. Kapag naglalarawan sa kanila, maraming mga punto ng pananaw ang ginagamit.

Expressionism

Ang ekspresyonismo ay isa pang mahalagang kalakaran sa kontemporaryong sining na lumitaw sa Alemanya noong unang kalahati ng ika-20 siglo. Sa una ay sumasaklaw lamang ito sa mga tula at pagpipinta, at pagkatapos ay kumalat sa iba pang larangan ng sining.

Ang mga expressionist ay naglalarawan sa mundo nang suhetibo, binabaluktot ang katotohanan upang lumikha ng isang mas malaking emosyonal na epekto. Ang layunin nila ay makapag-isip ang manonood. Ang pagpapahayag sa ekspresyonismo ay nangingibabaw sa imahe. Mapapansin na maraming mga gawa ang nailalarawan sa pamamagitan ng mga motif ng pagdurusa, sakit, pagdurusa, pagsigaw (ang gawain ni Edvard Munch, na ipinakita sa itaas, ay tinatawag na "The Scream"). Ang mga artista ng ekspresyon ay hindi interesado sa materyal na katotohanan, ang kanilang mga pagpipinta ay puno ng malalim na kahulugan at emosyonal na mga karanasan.

Impresyonismo

Impresyonismo - isang direksyon ng pagpipinta, na pangunahing naglalayong magtrabaho sa open air (open air), at hindi sa studio. Utang nito ang pangalan nito sa pagpipinta na "Impression, Sunrise" ni Claude Monet, na ipinapakita sa larawan sa ibaba.

Ang salitang "impression" sa Ingles ay impression. Ang mga impresyonistikong pagpipinta ay pangunahing naghahatid ng magaan na sensasyon ng artist. Ang mga pangunahing tampok ng pagpipinta sa estilo na ito ay ang mga sumusunod: halos hindi nakikita, manipis na mga stroke; pagbabago sa pag-iilaw, tumpak na naihatid (ang pansin ay madalas na nakatuon sa epekto ng paglipas ng panahon); bukas na komposisyon; isang simpleng karaniwang layunin; kilusan bilang pangunahing elemento ng karanasan at pang-unawa ng tao. Ang pinakatanyag na mga kinatawan ng naturang trend bilang impresyonismo ay sina Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernismo

Ang susunod na direksyon ay modernismo, na nagmula bilang isang hanay ng mga uso sa iba't ibang larangan ng sining sa huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang Parisian "Salon of the Rejected" ay binuksan noong 1863. Ang mga artista na ang mga pagpipinta ay hindi pinapayagan sa opisyal na salon ay ipinakita dito. Ang petsang ito ay maaaring ituring na petsa ng paglitaw ng modernismo bilang isang hiwalay na direksyon sa sining. Kung hindi, ang modernismo ay tinatawag na "ibang sining". Ang kanyang layunin ay lumikha ng mga natatanging painting na hindi katulad ng iba. Ang pangunahing tampok ng mga gawa ay isang espesyal na pangitain ng mundo ng may-akda.

Ang mga artista sa kanilang trabaho ay naghimagsik laban sa mga halaga ng pagiging totoo. Ang kamalayan sa sarili ay isang kapansin-pansing katangian ng kalakaran na ito. Madalas itong humahantong sa pag-eeksperimento sa anyo pati na rin ang pagkahilig sa abstraction. Ang mga kinatawan ng modernismo ay nagbibigay ng espesyal na pansin sa mga materyales na ginamit at ang proseso ng trabaho. Ang isa sa mga pinakakilalang kinatawan nito ay sina Henry Matisse (ang kanyang gawa na "The Red Room" noong 1908 ay ipinakita sa itaas) at Pablo Picasso.

Neoclassicism

Ang neoclassicism ay ang pangunahing direksyon ng pagpipinta sa Hilagang Europa mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo hanggang sa katapusan ng ika-19. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagbabalik sa mga tampok ng sinaunang Renaissance at maging ang mga panahon ng klasisismo. Sa mga terminong arkitektura, masining at kultural, lumitaw ang neoclassicism bilang tugon sa Rococo, na itinuturing bilang isang mababaw at maarte na istilo ng sining. Ang mga neoclassical artist, salamat sa kanilang mahusay na kaalaman sa mga batas ng simbahan, ay sinubukang ipakilala ang mga canon sa kanilang trabaho. Gayunpaman, iniwasan nila ang simpleng paggawa ng mga klasikal na motif at tema. Sinubukan ng mga neoclassical artist na ilagay ang kanilang pagpipinta sa loob ng balangkas ng tradisyon at sa gayon ay nagpapakita ng kahusayan sa genre. Ang neoclassicism sa bagay na ito ay direktang sumasalungat sa modernismo, kung saan ang improvisasyon at pagpapahayag ng sarili ay itinuturing na mga birtud. Ang pinakasikat na kinatawan nito ay sina Nicolas Poussin, Raphael.

Pop Art

Ang huling direksyon na aming isasaalang-alang ay pop art. Siya ay lumitaw sa Britain noong kalagitnaan ng 50s ng huling siglo, at sa huling bahagi ng 50s - sa Amerika. Ang pop art ay pinaniniwalaang nagmula bilang isang reaksyon sa mga ideya ng abstract expressionism na nangingibabaw sa panahong iyon. Sa pagsasalita tungkol sa direksyon na ito, imposibleng hindi banggitin Noong 2009, ang "Eight Elvis", isa sa kanyang mga kuwadro na gawa, ay naibenta ng 100 milyong dolyar.

Noong ika-17 siglo, ang paghahati ng mga genre ng pagpipinta sa "mataas" at "mababa" ay ipinakilala. Ang una ay kasama ang makasaysayang, labanan at mga mythological genre. Kasama sa pangalawa ang mga makamundong genre ng pagpipinta mula sa pang-araw-araw na buhay, halimbawa, pang-araw-araw na genre, still life, animalistics, portrait, hubo't hubad, landscape.

makasaysayang genre

Ang makasaysayang genre sa pagpipinta ay hindi naglalarawan ng isang partikular na bagay o tao, ngunit isang tiyak na sandali o kaganapan na naganap sa kasaysayan ng mga nakaraang panahon. Ito ay kasama sa pangunahing mga genre ng pagpipinta sa sining. Ang mga portrait, labanan, pang-araw-araw at mythological na mga genre ay madalas na malapit na magkakaugnay sa makasaysayang.

"Pagsakop sa Siberia ni Yermak" (1891-1895)
Vasily Surikov

Ang mga artista na sina Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev at marami pang iba ay nagpinta ng kanilang mga pagpipinta sa makasaysayang genre.

mitolohiyang genre

Mga alamat, sinaunang alamat at alamat, alamat - ang imahe ng mga plot, bayani at kaganapan na ito ay natagpuan ang lugar nito sa mythological genre ng pagpipinta. Marahil, maaari itong makilala sa pagpipinta ng anumang bansa, dahil ang kasaysayan ng bawat pangkat etniko ay puno ng mga alamat at tradisyon. Halimbawa, ang gayong balangkas ng mitolohiyang Griyego bilang isang lihim na pag-iibigan ng diyos ng digmaan na si Ares at ang diyosa ng kagandahan na si Aphrodite ay naglalarawan ng pagpipinta na "Parnassus" ng isang artistang Italyano na nagngangalang Andrea Mantegna.

"Parnassus" (1497)
Andrea Mantegna

Ang mitolohiya sa pagpipinta ay sa wakas ay nabuo sa Renaissance. Ang mga kinatawan ng genre na ito, bilang karagdagan kay Andrea Mantegna, ay sina Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov at iba pa.

Genre ng labanan

Ang pagpipinta ng labanan ay naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay militar. Kadalasan, ang iba't ibang mga kampanyang militar ay inilalarawan, pati na rin ang mga labanan sa dagat at lupa. At dahil ang mga laban na ito ay madalas na kinuha mula sa totoong kasaysayan, ang labanan at mga makasaysayang genre ay matatagpuan ang kanilang intersection point dito.

Fragment ng panorama na "Labanan ng Borodino" (1912)
Franz Roubaud

Ang pagpipinta ng labanan ay nabuo sa panahon ng Renaissance ng Italya sa gawain ng mga artista na sina Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, at pagkatapos ay Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov at marami pang ibang pintor.

genre ng sambahayan

Ang mga eksena mula sa pang-araw-araw, pampubliko o pribadong buhay ng mga ordinaryong tao, maging ito man ay buhay urban o magsasaka, ay naglalarawan ng pang-araw-araw na genre sa pagpipinta. Tulad ng marami pang iba mga genre ng pagpipinta, ang pang-araw-araw na pagpipinta ay bihirang makita sa kanilang sariling anyo, na nagiging bahagi ng portrait o landscape na genre.

"Nagbebenta ng Mga Instrumentong Pangmusika" (1652)
Karel Fabricius

Ang pinagmulan ng pang-araw-araw na pagpipinta ay naganap noong ika-10 siglo sa Silangan, at dumaan ito sa Europa at Russia lamang noong ika-17-18 siglo. Sina Jan Vermeer, Karel Fabricius at Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov at Ivan Alekseevich Ermenev ay ang pinakasikat na mga artista ng pang-araw-araw na pagpipinta sa panahong iyon.

Genre ng hayop

Ang mga pangunahing bagay ng animalistic genre ay mga hayop at ibon, parehong ligaw at domestic, at sa pangkalahatan lahat ng mga kinatawan ng mundo ng hayop. Sa una, ang animalistics ay bahagi ng mga genre ng Chinese painting, dahil ito ay unang lumitaw sa China noong ika-8 siglo. Sa Europa, nabuo lamang ang animalism sa Renaissance - ang mga hayop noong panahong iyon ay inilalarawan bilang sagisag ng mga bisyo at birtud ng tao.

"Mga Kabayo sa Kaparangan" (1649)
Paulus Potter

Sina Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp ay ang mga pangunahing kinatawan ng animalistics sa visual arts.

Buhay pa

Sa genre ng still life, inilalarawan ang mga bagay na nakapaligid sa isang tao sa buhay. Ito ay mga bagay na walang buhay na pinagsama-sama. Ang ganitong mga bagay ay maaaring kabilang sa parehong genus (halimbawa, mga prutas lamang ang inilalarawan sa larawan), o maaaring sila ay magkakaiba (prutas, kagamitan, instrumentong pangmusika, bulaklak, atbp.).

"Mga Bulaklak sa Basket, Paru-paro at Tutubi" (1614)
Ambrosius Bosschaert ang Matanda

Ang buhay pa rin bilang isang malayang genre ay nabuo noong ika-17 siglo. Partikular na nakikilala ang mga Flemish at Dutch na paaralan ng buhay pa. Ang mga kinatawan ng iba't ibang mga estilo ay nagpinta ng kanilang mga kuwadro na gawa sa genre na ito, mula sa pagiging totoo hanggang sa cubism. Ang ilan sa mga pinakasikat na still life ay ipininta ng mga pintor na sina Ambrosius Bosschaert the Elder, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Larawan

Portrait - isang genre ng pagpipinta, na isa sa pinakakaraniwan sa visual arts. Ang layunin ng isang portrait sa pagpipinta ay upang ilarawan ang isang tao, ngunit hindi lamang ang kanyang hitsura, ngunit din upang ihatid ang panloob na damdamin at mood ng taong inilalarawan.

Ang mga larawan ay iisa, pares, pangkat, pati na rin ang isang self-portrait, na kung minsan ay nakikilala bilang isang hiwalay na genre. At ang pinakatanyag na larawan sa lahat ng panahon, marahil, ay ang pagpipinta ni Leonardo da Vinci na tinatawag na "Portrait of Mrs. Lisa del Giocondo", na kilala ng lahat bilang "Mona Lisa".

"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Ang mga unang larawan ay lumitaw millennia na ang nakalipas sa sinaunang Egypt - sila ay mga larawan ng mga pharaoh. Simula noon, karamihan sa mga artista sa lahat ng panahon ay nakisali na sa genre na ito sa isang paraan o iba pa. Ang portrait at makasaysayang mga genre ng pagpipinta ay maaari ding mag-intersect: ang imahe ng isang mahusay na makasaysayang pigura ay ituturing na isang gawa ng makasaysayang genre, bagaman ito ay maghahatid ng hitsura at katangian ng taong ito bilang isang larawan.

hubad

Ang layunin ng hubad na genre ay upang ilarawan ang hubad na katawan ng isang tao. Ang panahon ng Renaissance ay itinuturing na sandali ng paglitaw at pag-unlad ng ganitong uri ng pagpipinta, at ang pangunahing bagay ng pagpipinta pagkatapos ay madalas na naging babaeng katawan, na sumasalamin sa kagandahan ng panahon.

"Konsiyerto ng Bansa" (1510)
Titian

Titian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso ay ang pinakasikat na mga artista na nagpinta sa hubad na genre.

Landscape

Ang pangunahing tema ng genre ng landscape ay kalikasan, ang kapaligiran ay ang lungsod, kanayunan o kagubatan. Ang mga unang tanawin ay lumitaw noong sinaunang panahon kapag nagpinta ng mga palasyo at templo, na lumilikha ng mga miniature at icon. Bilang isang independiyenteng genre, ang landscape ay nahuhubog noong ika-16 na siglo at mula noon ay naging isa sa pinakasikat mga genre ng pagpipinta.

Ito ay naroroon sa gawain ng maraming mga pintor, na nagsisimula kay Peter Rubens, Alexei Kondratievich Savrasov, Edouard Manet, na nagpapatuloy kay Isaac Ilyich Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque at nagtatapos sa maraming kontemporaryong artista ng XXI century.

"Golden Autumn" (1895)
Isaac Levitan

Kabilang sa pagpipinta ng landscape, maaaring isa-isa ng isa ang mga genre tulad ng mga tanawin ng dagat at lungsod.

Veduta

Ang Veduta ay isang tanawin, ang layunin nito ay upang ilarawan ang hitsura ng isang urban na lugar at ihatid ang kagandahan at kulay nito. Nang maglaon, sa pag-unlad ng industriya, ang urban landscape ay nagiging isang industriyal na landscape.

"Saint Mark's Square" (1730)
Canaletto

Maaari mong pahalagahan ang mga urban landscape sa pamamagitan ng pagkilala sa mga gawa ng Canaletto, Pieter Brueghel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.

Marina

Ang Seascape, o marina ay naglalarawan sa likas na katangian ng elemento ng dagat, ang kadakilaan nito. Marahil ang pinakasikat na pintor ng dagat sa mundo ay si Ivan Konstantinovich Aivazovsky, na ang pagpipinta ng The Ninth Wave ay maaaring tawaging isang obra maestra ng pagpipinta ng Russia. Ang kasagsagan ng marina ay naganap kasabay ng pag-unlad ng landscape tulad nito.

"Baka sa Isang Bagyo" (1886)
James Buttersworth

Kilala rin sina Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio at Rafael Montleon Torres sa kanilang mga seascape.

Kung gusto mong matuto nang higit pa tungkol sa kung paano lumitaw at nabuo ang mga genre ng pagpipinta sa sining, panoorin ang sumusunod na video:

Kunin ito, sabihin sa iyong mga kaibigan!

Basahin din sa aming website:

magpakita pa