Ang genre ng magagaling na kasiyahan ay katangian ng estilo. "Gallant genre" - Rococo painting

"Gallant genre" - Rococo painting

Mga master ng "gallant genre" ROCOCO ("quaint", "capricious"; French rococo from rocaille - fragments of stones, shells), isang istilong istilo na nangibabaw sa European art noong unang tatlong quarter ng ika-18 siglo. Ito ay hindi gaanong isang independiyenteng artistikong kababalaghan bilang isang yugto, isang tiyak na yugto ng pan-European na istilong Baroque. Ang terminong "rococo" ay lumitaw sa France sa pagtatapos ng ika-18 siglo, sa panahon ng kasagsagan ng klasisismo, bilang isang mapanlait na palayaw para sa lahat ng magalang at mapagpanggap na sining noong ika-18 siglo: isang hubog, pabagu-bagong linya na kahawig ng mga balangkas ng isang shell. pangunahing tampok. Ang Rococo art ay isang mundo ng fiction at intimate experiences, decorative theatricality, sophistication, sophisticated sophistication, walang lugar para sa heroism at pathos dito - sila ay pinalitan ng isang laro ng pag-ibig, pantasya, magagandang trinkets. Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang katangi-tanging buhay ng aristokrasya ng korte, mga idyllic na larawan ng buhay ng "pastol" laban sa senaryo ng malinis na kalikasan, ang mundo ng kumplikadong pag-iibigan at mapanlikhang mga alegorya. Ang buhay ng tao ay madalian at panandalian, at samakatuwid ito ay kinakailangan upang mahuli ang "masayang sandali", magmadali upang mabuhay at pakiramdam. "Ang diwa ng kaakit-akit at maaliwalas na maliliit na bagay" ay nagiging leitmotif ng gawain ng maraming mga artist ng "royal na istilo.

Antoine Watteau Antoine Watteau - ang mga kontemporaryo ay tinatawag na "ang makata ng walang ingat na paglilibang" at "magiting na kasiyahan", "ang mang-aawit ng biyaya at kagandahan." Sa kanyang mga gawa, nakunan niya ang mga piknik sa mga evergreen na parke, mga konsiyerto sa musika at teatro sa dibdib ng kalikasan, madamdaming pag-amin at pag-aaway ng mga magkasintahan, mga idyllic na petsa, bola at pagbabalatkayo. Kasabay nito, may matinding kalungkutan sa kanyang mga ipininta. Pakiramdam ang transience ng kagandahan at ephemerality ng mga nangyayari.

Antoine Watteau. Pilgrimage sa isla ng Cythera. 1717-1718 Louvre. Paris. Isa sa mga sikat na painting ng artist ay Pilgrimage to the Island of Cythera. Ang mga kaakit-akit na kababaihan at magiting na mga ginoo ay nagtipon sa baybayin ng dagat na puno ng bulaklak. Naglayag sila sa isla ng Cythera - ang isla ng diyosa ng pag-ibig at kagandahan na si Venus, kung saan, ayon sa alamat, lumabas siya sa foam ng dagat. Mainit, malambot na kulay, naka-mute na mga kulay, light brush stroke - lahat ng ito ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng kagandahan at pagmamahal.

Ang pagpipinta ni Watteau "Gilles" ("Pierrot"), na nilikha bilang isang signboard para sa pagganap ng mga itinerant na komedyante, ay kabilang sa mga tunay na shedaura. Si Gilles ang pangunahing at paboritong karakter ng French comedy of masks. Consonant kay Pierrot - ang bayani ng Italian comedy dell'arte. Ang clumsy, walang muwang na nilalang ay tila espesyal na nilikha para sa patuloy na pangungutya at panlilinlang ng magaling at tusong Harlequin. Masining, ang larawan ay nakasulat nang napakatalino. Ang pinakasimpleng motif at komposisyon ay pinagsama dito sa isang tumpak na pattern at isang maingat na pinag-isipang scheme ng kulay. Antoine Watteau. Gilles. 1721. Louvre. Paris. (Ang bayani ng fair theater na si Gilles sa costume ni Pierrot).

Antoine Watteau. Mga komedyante ng Italyano.

Antoine Watteau. Mga aktor ng teatro ng Pransya.

Antoine Watteau. Pag-ibig ng gamma.

Antoine Watteau. Pabagu-bago. Bandang 1718. Ermita. Petersburg.

Antoine Watteau. Mezzetin. 1717-1719 Museo ng Metropolitan. New York.

Antoine Watteau. Savoyard na may marmot.

Francois Boucher Itinuring ni Francois Boucher (1703-1770) ang kanyang sarili na isang tapat na estudyante ng Watteau. Tinawag siya ng ilan na "ang pintor ng mga grasya", "Anacreon ng pagpipinta", "royal na pintor". Nakita siya ng iba bilang isang "ipokrito" na artista, "na may lahat maliban sa katotohanan." Ang iba naman ay may pag-aalinlangan na nagsabi: "Ang kanyang kamay ay pumipili ng mga rosas kung saan ang iba ay mga tinik lamang."

Ang brush ng artist ay kabilang sa ilang mga larawan ng maybahay ni King Louis XV, ang Marquise de Pompadour. Napag-alaman na tinangkilik niya si Bush, higit sa isang beses ay nag-utos sa kanya ng mga pagpipinta sa mga paksa ng relihiyon para sa mga tirahan sa bansa at mga mansyon sa Paris. Sa Madame de Pompadour, ang pangunahing tauhang babae ay inilalarawan na napapalibutan ng mga nakakalat na bulaklak at mga mararangyang bagay, na nagpapaalala sa kanyang mga artistikong panlasa at libangan. Magalang siyang nakahiga sa backdrop ng malago at solemne na mga tela. Ang libro sa kanyang kamay ay isang malinaw na pahiwatig ng kaliwanagan at pangako sa intelektwal na mga hangarin. Ang marquise ay bukas-palad na nagpasalamat sa artista. Ang pagtatalaga sa kanya ng direktor ng Gobelin Manufactory, at pagkatapos ay binibigyan siya ng titulong "ang unang pintor ng hari." Francois Bush. Madame de Pompadour. 1756 Lumang Pinoteka, Munich.

Si Francois Boucher nang higit sa isang beses ay bumaling sa paglalarawan ng mga walang kabuluhang eksena, ang mga pangunahing karakter kung saan ay cutesy, mahiyaing pastol o mabilog na hubad na mga dalaga sa anyo ng mythological Venus at Diana. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay puno ng hindi maliwanag na mga pahiwatig, nakakaakit na mga detalye (ang nakataas na laylayan ng palda ng satin ng pastol, ang mahinhin na nakataas na binti ng naliligo na si Diana, ang daliri ay nakadikit sa mga labi, ang magaling magsalita, mapang-akit na tingin, simbolikong paghalik sa mga kalapati, atbp.) Ang Alam na alam ng artista ang fashion at panlasa ng kanyang panahon! Francois Bush. Pinaliguan si Diana. . 1742. Louvre. Paris.

Sa kasaysayan ng pagpipinta, nananatili pa rin si Francois Boucher na isang kahanga-hangang master ng kulay at katangi-tanging pagguhit. Ang mga nakakatawang komposisyon, hindi pangkaraniwang mga anggulo ng mga character, kakaibang mga silhouette ng halos teatro na tanawin, mayaman na mga accent ng kulay, maliwanag na pagmuni-muni ng mga transparent na kulay na inilapat sa maliliit, magaan na mga stroke, makinis na dumadaloy na mga ritmo - lahat ng ito ay ginagawang F. Boucher ang isang hindi maunahang master ng pagpipinta. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nagiging pandekorasyon na mga panel, pinalamutian ang luntiang interior ng mga bulwagan at sala, tumatawag sila sa mundo ng kaligayahan, pag-ibig at magagandang pangarap. Francois Bush. Naputol ang panaginip.

Francois Bush. Pan at Syringa.

FRAGONARD Jean Honore Pintor at engraver ng Pranses, ang pinakadakilang master ng panahon ni Louis XVI. naging tanyag sa kanyang mahusay na naisagawang magagaling at pang-araw-araw na mga eksena, kung saan ang gilas ng rococo ay pinagsama sa katapatan sa kalikasan, ang kahusayan ng liwanag at mga epekto ng hangin, at ang marilag na sinaunang mga guho. Kasama ng mga akda na nilikha batay sa tunay na mga obserbasyon, lumilikha din siya ng mga pastoral - improvising, nililikha niya ang eksena nang may kasiglahan na tila isinulat mula sa kalikasan. FRAGONARD Jean Honore

Fragonard. Koronahang magkasintahan.

Fragonard. Palihim na halik

Fragonard. Ipinakita ni Psyche sa magkapatid ang mga regalo ni Cupid.

Honore Fragonard. "Swing" 1766.

Fragonard. Aralin sa musika

ENGRE Jean Auguste Dominique (1780-1867), Pranses na pintor at draftsman. Isang napakatalino na master ng komposisyon, mahigpit at maselan na pagguhit, makatotohanan, matalas na karakter na mga larawan ("L. F. Bertin", 1832). Sa mga pagpipinta ay kumilos siya bilang pangunahing kinatawan ng akademikong klasisismo (The Apotheosis of Homer, 1827). Noong 1806, sa wakas ay naglakbay si Ingres sa Italya, kung saan nanatili siya ng maraming taon (1806-20 - Roma, 1820-24 - Florence), masigasig na nag-aaral ng sining ng Renaissance ng Italya, lalo na si Raphael. Lumilikha ng isang bilang ng mga obra maestra: mga larawan ng "Granet" (1807, Aix-en-Provence); "Madame Devose" (1807, Condé Museum, Chantilly); Marcotte d'Argenteuil (1810, National Gallery, Washington); Cardier (1811, Louvre, Paris); Madame Zenon (1816, Museo sa Nantes); Gurieva (1821, Hermitage Museum, St. Petersburg) Louis David Portrait of the Painter Ingres circa 1800 Pushkin Museum Moscow

Ingres. Malaking odalisque. 1814 Langis, canvas. Louvre, Paris.

Ingres. Pinagmulan

Ingres. Larawan ng Count Guriev. 1821. Langis, canvas. Hermitage, Petersburg

Dekorasyon at inilapat na sining Rococo Meissen figurines.

Rococo furniture

Rococo furniture. Palasyo ng Taglamig. St. Petersburg.

Mga tanong at takdang-aralin: A. Si Watteau ay isang pintor ng saya at kalungkutan. "Ang Artist ng Grasya" - F. Boucher. Pandekorasyon at inilapat na sining ng Rococo. Sumulat ng isang sanaysay sa paksang “Ano kaya ang pinapangarap at pinag-uusapan ng mga bayani ng mga ipinta ni Antoine Watteau.

Upang gamitin ang preview ng mga presentasyon, lumikha ng isang Google account (account) at mag-sign in: https://accounts.google.com

Mga slide caption:

ROCOCO PAINTING "MASTER OF "GALLANT GENRE" Antoine Watteau Boucher Francois Lecturer sa kasaysayan, araling panlipunan, MHK MBOU "Secondary School No. 48", Vladivostok Shabalina Svetlana Nikolaevna

Rococo style Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Francois Boucher (1703-1770) Plano

Ang terminong "rococo", na nagmula sa Pranses na "rocaille" (literal: brilyante at dekorasyon ng shell), ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ang Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-alis mula sa buhay patungo sa mundo ng pantasya, dula-dulaan, mga mitolohiyang plot, at mga erotikong sitwasyon. Rococo

Katangi-tanging buhay ng aristokrasya "Gallant festivities" Mga larawan ng "buhay ng pastol laban sa backdrop ng malinis na kalikasan Ang buhay ng tao ay panandaliang lumilipas, at samakatuwid ito ay kinakailangan upang mahuli ang "masayang sandali" Ang mga pangunahing tema ng Rococo painting

Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Ang mga elemento ng theatrical, masquerade ay lubhang katangian ng pagpipinta ni Watteau. Ang mga magagaling na eksena ang nagdulot sa kanya ng katanyagan. "Si Gallant ay matatawag na isang eleganteng walang ginagawa na kampanya ng mga taong gumugugol ng oras sa paglilibang nang sama-sama, isang mahalagang elemento kung saan ang pakikipagsapalaran sa pakikipaglandian at pag-ibig. Siyempre, ang pagsasama ng mga karakter mula sa commedia dell'arte sa komposisyon ng naturang mga eksena ay dapat ituring na isang napakatalino na imbensyon.Piero, Colombina, Harlequin ay tumulong sa artist na burahin ang linya sa pagitan ng teatro at sa labas ng mundo, sa pagitan ng fiction at katotohanan, intensyon at gawa.

Gamma of Love (c. 1715), National Gallery, London

Ang saya ng buhay

Gallant Harlequin at Columbine 1716-1718. Wallace Collection, London.

French Comedy (1716)

kapistahan ng Venetian (c. 1718)

Boucher Francois (Francois Boucher) (1703–1770) Francois Boucher, na, bilang karagdagan sa pagpipinta, ay nagtrabaho sa lahat ng uri ng pandekorasyon at inilapat na sining: lumikha siya ng karton para sa mga tapiserya, mga guhit para sa Sevres porcelain, pininturahan na mga tagahanga, gumanap ng mga miniature at pandekorasyon na mga pagpipinta. , sa hinaharap ay pininturahan ang mga plafond, mga panel, mga kuwadro na may mitolohiko, pastoral, mga eksena sa genre, eleganteng mapang-akit na mga larawan, magagandang tanawin, na pinananatili sa malambot na kulay pilak-berdeng

Landscape malapit sa Beauvais 1740-1745. Hermitage, St. Petersburg.

Larawan ng Marquise de Pompadour 1756. Alte Pinakothek, Munich

Mill sa Sharaton 1750s. Museo ng Sining, Orleans.

Isang artista sa kanyang studio, 1730s. Museo ng Louvre, Paris.

Modistka 1746. Pambansang Museo, Stockholm.

Ang Pagdukot sa Europa 1732-1734. Wallace Collection, London.

Larawan ng Asawa ng Artist na si Marie-Jeanne Busot 1743. Frick Collection, New York

Almusal 1739. Louvre Museum, Paris.

Ang simula ng ika-20 siglo ay minarkahan ng isang nostalhik na "pagbabalik" sa Rococo aesthetics, sa mga larawan ng mga panahon ni Louis XIV, sa nakalipas na panahon ng katapangan. Ito ay dahil sa likas na pagnanais ng isang tao (at, higit sa lahat, isang artista) na makahanap ng kapayapaan mula sa patuloy na pagbilis ng ritmo ng buhay sa mga kaakit-akit na larawan ng nakaraan.

Sa Russia, sa panahon ng Rococo, ang pagpipinta ng istilong European ay lumitaw lamang sa unang pagkakataon, na pinapalitan ang sarili nitong tradisyon ng Russia, pagpipinta ng icon. Ang mga uso sa Rococo ay kumalat lalo na nang malakas sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Sa Russia, gayunpaman, ang direksyon na ito ay nakakuha ng higit sa isang makitid na nakatutok na karakter at naapektuhan lamang ang St. Petersburg. Matatanggap ni Rococo ang buong pagpapahayag nito sa ibang pagkakataon: sa unang bahagi ng gawain ni Rokotov, sa "Smolnyanka" ni Levitsky. Ang pagiging representatibo (pagkakaugnay ng mga katangian ng sample sa mga katangian ng populasyon o pangkalahatang populasyon sa kabuuan.) ay pinapalitan ng pagpapalagayang-loob, katangi-tanging dekorasyon, kakaibang paglalaro ng mga anyo.

Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang pinong buhay ng aristokrasya ng korte, "magiting na kasiyahan", ang mundo ng mga kumplikadong pag-iibigan. Mga plot ng pagpipinta - tanging pag-ibig, erotiko, ang kulto ng kahalayan, magaan na pag-ibig (Walang seryosong hilig).

Ang Rococo art ay isang mundo ng fiction at intimate experiences, decorative theatricality, sophistication, sophisticated sophistication, walang lugar para sa heroism at pathos dito - sila ay pinalitan ng isang laro ng pag-ibig, pantasya, magagandang trinkets. Ang mabigat at kalunos-lunos na solemnidad ng Baroque ay pinapalitan ng isang marupok na pandekorasyon na epekto ng silid. Ang slogan ng maikli, panandaliang "siglo" ng Rococo ay "sining bilang kasiyahan", ang layunin nito ay upang pukawin ang liwanag, kaaya-ayang emosyon, aliwin, haplos ang mata na may kakaibang pattern ng mga linya, katangi-tanging kumbinasyon ng magaan na eleganteng mga kulay, na kung saan ay lalo na ipinahayag sa arkitektura palamuti ng interiors, na may mga bagong kinakailangan kung saan ang Rococo painting din kinuha hugis. Ang Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng hedonistic moods, withdrawal sa mundo ng ilusyon at idyllic theatrical play, addiction sa idyllic-pastoral at sensual-erotic plots. Ang mga artista ng Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang banayad na kultura ng kulay, ang kakayahang bumuo ng isang komposisyon na may tuluy-tuloy na pandekorasyon na mga spot, ang pagkamit ng pangkalahatang liwanag, na binibigyang diin ng isang light palette, isang kagustuhan para sa kupas, kulay-pilak-asul na kulay, ginto at kulay-rosas na kulay. Kasabay ng pag-unlad ng Rococo painting, ang papel ng makatotohanang kalakaran ay tumaas; naabot ang rurok ng portrait, still life, everyday genre, landscape.

Rococo aesthetics - ang aesthetics ng mga nuances at allusions. Sa imahe ng isang tao, mas mahirap kaysa dati na mahuli ang paglipat mula sa sikolohikal na kahinahunan ng pagtingin sa modelo hanggang sa pagtatago ng ilang mga tampok na kapaki-pakinabang para sa kanya, mula sa totoong mukha hanggang sa sekular na maskara, mula sa buhay sa tungkulin at kabaliktaran. Ang isang tiyak na nakakaintriga na duality ng imahe ay isang pangunahing tampok ng maraming mga portrait ng panahon. At isa pang mahalagang punto, muling konektado sa simula ng laro. Ang mga bayani ng portrait gallery ng XVIII na siglo ay nakalaan upang makipag-usap sa manonood at hikayatin siyang tumugon. Katangian ng larawan ayon sa likas na katangian ng genre, ang kalidad na ito ay nakakakuha na ngayon ng bago, banayad na pagtitiyak. Ang isang kalahating pagliko, isang bahagyang kilos, isang halos hindi kapansin-pansin na paggalaw ng mimic, isang kalahating ngiti, na parang isang malabo na hitsura o isang basang sinag sa mga mata - ang mga larawan ng mga kinatawan ng "gallant" na edad ay pinagtagpi mula sa naturang mga gradasyon.

Ang gallant age ang tawag sa panahon ng Rococo. Sa pangkalahatan, ang salitang "gallant", ayon sa lumang magalang na tradisyon, ay hinarap sa isang magalang, magalang, magiliw na tao, na nauugnay sa maharlika at disente; sa parehong oras, sila ay nagpunta sa ito pagdating sa mga bayani at pangunahing tauhang babae ng mga pakikipagsapalaran sa pag-ibig (sa kolokyal na kasanayan - kasintahan, red tape). Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, nabuo ang isang kakaibang konsepto ng katapangan, na nagsasaad hindi lamang sa makitid na saklaw ng pinong pag-uugali, ngunit, sa mas malawak, isang istilo at paraan ng pamumuhay batay sa sining ng pagiging kaaya-aya.

Ang pangingibabaw ng "gallant" na edad ay bumagsak ng humigit-kumulang mula 1715 hanggang 1750s, sa ilang mga mapagkukunan ang panahong ito ay pinalawig hanggang sa simula ng Rebolusyong Pranses. Ang pangunahing tampok ng magiting na edad ay ang paglilinang ng kasiyahan bilang pangunahing prinsipyo ng buhay. Ang katapangan ay ang batayan ng relasyon sa pagitan ng isang lalaki at isang babae mula sa isang aristokratikong kapaligiran. Gayundin sa oras na iyon, ang isang babae ay ipinahayag na isang "diyosa", "tagapamahala ng mga kaisipan", ang kanyang mga kapritso ay natupad, ang mga pista opisyal ay ibinigay sa kanyang karangalan at sa parehong oras siya ay ginamit bilang isang bagay para sa kasiyahan. Kaya tinawag namin ang kulto ng Magandang Ginang nang hindi gumagawa ng anumang mga gawa sa kanyang karangalan. Ito ay itinuturing na magandang anyo upang mapanatili ang isang paborito, upang magbigay ng mga bola, konsiyerto at pagbabalatkayo sa kanyang karangalan. Ang batayan ng isang magiting na relasyon ay ang katangi-tanging pang-aakit, kadalasang lampas sa mga hangganan ng pagiging disente. Para sa mga layuning ito, mayroong isang espesyal na sistema ng komunikasyon: "wika ng mga tagahanga", "wika ng mga langaw", "wika ng mga bulaklak".

Sa Gallant Epoch, mayroon ding orihinal na kultura ng pagbabalatkayo, na wala nang pagkakatulad sa ritwal na karnabal ng unang panahon at sa Middle Ages. Ang Gallant Age ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-ibig sa pagbibihis. Maraming mga dula at comic opera noong panahong iyon ang naglalaro ng sumusunod na sitwasyon: ang isang batang babae ay nagbabago sa isang kamisole, ang isang binata ay "naging" isang babae.

Sa batayan ng panahong ito, nabuo ang isang genre na gaya ng galanteng eksena sa sining ng pino at pandekorasyon.

Ang lugar ng kapanganakan ng galanteng genre ay France, kung saan nagmula ito noong unang quarter ng ika-18 siglo (1710-1720). Ang dahilan ng paglitaw nito ay ang pagbabago sa buhay panlipunan pagkatapos ng kamatayan ni Louis XIV at ang pag-akyat ni Philip II ng Orleans, rehente ng Louis XV. Ang mga huling taon ng paghahari ni Louis XIV ay minarkahan ng pagtanggi sa lahat ng uri ng kasiyahan, pagkukunwari, pagtitipid at pagiging disente, pagpigil sa fashion. Sa pagdating ng Duke ng Orleans, ang buhay ng korte ay nagbago nang malaki, walang natitira mula sa panahon ng dating hari: ang aristokrasya ng Pransya ay nahulog sa isang alon ng kawalang-galang, kabaliwan at karangyaan.

Ang isang kardinal na pagbabago sa isipan ng maharlikang korte ay nag-ambag sa pagbuo ng isang bagong genre - ang masiglang yugto, na nagpapakita ng kawalang-galang at walang layunin na libangan ng mga tao mula sa mataas na lipunan.

Mga tampok ng istilong galante

Ang isang magiting na eksena ay palaging naglalarawan ng isang kaswal na komunikasyon sa pagitan ng dalawa o higit pang mga tao sa backdrop ng isang kaakit-akit at hindi kapani-paniwalang magandang tanawin. Pwedeng usapan, flirt, paglalaro, paglalakad, pagsasayaw. Ang mga bayani ng mga kuwadro na gawa, tulad ng kalikasan, laban sa kung saan ang hindi nagmamadaling pagkilos, ay palaging maganda at magkakasuwato (mula sa punto ng view ng mga customer ng "gallant scenes" - ang mga aristokrata).

Para sa mga layuning ito, hangga't maaari, ang istilong Rococo na lumitaw sa panahon ng Regency ay angkop - mannered, whimsical at mahangin-liwanag.

Ang mga bayani ng mga pagpipinta, bilang isang panuntunan, ay walang tunay na mga prototype: hindi ito mga larawan ng mga partikular na indibidwal, ngunit kaakit-akit lamang na mga extra ng "gallant festival". Ang galanteng eksena ay walang tiyak na balangkas, iyon ay, ang aksyon sa pag-unlad nito. Ang pangunahing prinsipyo ng mga masters ng gallant stage ay ang paglalarawan ng perpektong magagandang tao sa isang kapaligiran ng matahimik at ganap na kaligayahan. Maging ang pagkabalisa o bahagyang displeasure sa mga magagaling na eksena ay nagmumukhang pakunwari at peke. Minsan ang tinatawag na pastorals, ang tema ng "pag-ibig ng pastol" ay tinutukoy din sa mga magagaling na eksena: ang mga eleganteng pastol ay tumatanggap ng panliligaw mula sa parehong mga sopistikadong pastol.

Ang kakulangan ng balangkas na ito, pati na rin ang pagpapaganda ng kalikasan, ay pinuna ng mga pilosopo ng Enlightenment.

Isinulat ni Denis Diderot na ang "gallant" na mga painting ni Francois Boucher ay matikas, gayunpaman, mapanlinlang at walang lasa, at si Marmontel ay naniniwala na "Si Boucher ay hindi nakakita ng tunay na biyaya."

Ang isa pang tampok ng magiting na eksena ay kawalang-galang, erotisismo, na likas hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa maharlikang pananaw sa mundo ng Gallant Age.

Kabilang sa mga artistang nagtrabaho sa genre na ito sina Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, Maurice Quentin de Latour.

Tulad ng para sa mga artistang Ruso, kabilang dito ang "World of Art" - Konstantin Somov, Evgeny Lansere at Alexander Benois, na lumikha ng isang hindi kapani-paniwala, at sa parehong oras, isang malungkot na imahe ng Gallant Age. Sa kanilang mga pagpipinta, mararamdaman ang kalungkutan ng mga taong nakakaalam ng kapalaran ni Marie Antoinette at ng kanyang mga pinong courtier. Ang serye ng "Versailles" ni Benois, ang "Book of the Marquise" ni Somov, ang retrospective at stylistic na mga gawa ni Lansere ay hindi itinuloy ang gawain ng muling pagtatayo ng nakaraan - ito ay isang pananaw ng isang tao ng ika-20 siglo sa maliwanag at walang ingat na mundo ng mga bola at Ang mga larawan ng pag-ibig ng "World of Art" ay nagbibigay ng isang lubos na ideyal na ideya ng panahon, ngunit mula dito hindi sila nagiging mas makabuluhan para sa sining.

4. Pagpinta ng Gallant Age

Ang "Gallant" na pagpipinta sa France ay umiral na kahanay sa kalakaran ng Roman-Hellenistic at maaga, na orihinal na mula sa paaralang Scottish, romanticism at dominado hanggang sa Rebolusyong Pranses.

Ang masining na buhay noon ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa larangan ng pagpipinta sa mga anyong iyon kung saan ito ay nagpapakita mismo kahit ngayon. Ang mga akademya, eksibisyon, kritisismo sa sining ay nagsimulang magkaroon ng malaking impluwensya sa libreng pag-unlad ng sining. Kasama ang Royal Academy, na umakit ng pinakamahusay na pwersa, ang Academy of St. Si Luke sa Paris, na binago mula sa lumang pagawaan ng mga pintor, ay bihirang magyabang ng isang napakatalino na pangalan; at kasama ng Parisian academy, ang mga provincial higher art schools, kung saan ang mga akademya sa Toulouse, Montpellier at Lyon ang unang nakakuha, bilang pangkalahatang tuntunin, ay makakatugon lamang sa mga lokal na pangangailangang masining. Tanging "ipinangalawa" sa Royal Academy sa Paris ang may karapatang mag-exhibit sa "Salon" ng Louvre; makalipas ang ilang taon, sa pagtatanghal ng isang "larawan para sa karapatang tumanggap", natanggap nila ang titulong ordinaryong akademiko. Gayunpaman, ang akademyang ito ay hindi karapat-dapat sa pagsisisi sa pagiging isang panig. Tinanggap niya kasama ng kanyang mga kapwa miyembro na si Claude Gillot, ang guro ni Watteau, bilang isang "pintor ng mga naka-istilong paksa", si Watteau mismo bilang isang "pintor ng mga kasiyahan", si Greuze bilang isang "pintor ng genre"; ang iba pang mga artista ay itinalaga sa kanyang mga listahan bilang mga pintor ng landscape, pintor ng mga hayop, bulaklak, atbp. Kasama ang mga akademikong eksibisyon sa "square salon" at sa "great gallery" ng Louvre, na regular na inuulit mula 1737 at naabot ang pinakamataas na limitasyon noong 1789, gayundin at akademya ng St. Luke, at ang Youth Union ay nag-organisa ng kanilang sariling mga eksibisyon.

Sa lahat ng mga pintor na sumunod sa mga "gallant canon", may mga tradisyonal na ilang pinakamahalagang pigura.

5. Jean-Marc Nattier (1685-1766)

Si Nattier ay isa sa mga pinakalumang "gallant" na pintor, at sa kanyang trabaho ang inilarawan na direksyon ay nagpakita ng sarili sa isang mas mababang lawak.

Ipinanganak sa isang pamilya ng mga artista: ang kanyang ama na si Mark ay isang pintor ng larawan, ang kanyang ina na si Marie Courtois ay nagpinta ng mga miniature, at ang kanyang kapatid na si Jean-Baptiste ay nakikibahagi sa paglikha ng mga pagpipinta batay sa mga makasaysayang motif.

Natanggap ni Jean-Marc Nattier ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa kanyang ama, pagkatapos ay dumalo sa mga kurso sa pagguhit sa Royal Academy. Sa edad na labinlimang (!) si Nattier ay ginawaran ng unang art prize ng Paris Academy.

Noong 1717, nagpunta si Nattier sa Holland, nakilala si Peter I sa Amsterdam at nagpinta ng mga larawan ng Tsar at ng Russian Empress na si Catherine. Inanyayahan ni Peter si Nattier na umalis sa France at sumama sa kanya sa Russia, ngunit, tinutukoy ang kanyang pagmamahal sa kanyang tinubuang-bayan, tinanggihan ng artist ang kanyang panukala. Ginugol ni Jean-Marc Nattier ang halos buong buhay niya sa Paris.

Si Jean-Marc Nattier ay ang lumikha ng isang bagong istilo ng pagpipinta - isang makasaysayang larawan (French portrait historie), higit sa lahat ay naglalarawan ng mga sikat na pigura ng nakaraan ng Pransya.

Para sa St. Petersburg, ginawa ang "Prince A.B. Kurakin", "Tsar Peter I", "Catherine I". Sa kanila, pati na rin sa sikat na "Madame de Pompadour bilang Diana the Huntress", ang mga naturang tampok ay lumilitaw na bilang ang idealization ng hitsura ng mga inilalarawan, na naglalarawan sa imahe ng isang sinaunang bayani o diyos (costume portrait), lambot ng kulay. Ang mga sikolohikal na katangian ng mga karakter, na ipinahayag nang direkta o sa pamamagitan ng simbolismo, ay nawawala. "Ang mukha ng panahon" - isang tao na may mapayapang ekspresyon na hindi sumasalamin sa kanyang panloob na mundo (na, gayunpaman, ang artista ay hindi nagtagumpay o hindi nais na makamit sa "Princess E.D. Golitsyna", na nagpapahayag ng halatang narcissism ng batang babae) ; sa aspetong ito makikita ang negatibong bahagi ng bagong istilo: ang mahangin na "Rocaille" ay hindi nangangailangan ng maalalahaning pagmumuni-muni.

6. Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Si Watteau ay isa sa mga pinakatanyag na artista sa kasaysayan ng sining ng mundo at ang pinakadakilang master ng "gallant genre". Ang sari-saring mood at karakter na inihahatid ng kanyang mga ipininta (at hindi ito nakapipinsala sa napakadaling “chivalry” na pinahahalagahan ng kanyang mga kasabayan!) ay madalas na kabaligtaran ng iba, “walang isip” na mga akda ng Rococo (lalo na ang gawa ni F. Bush, ayon sa mga pilosopo ng edukasyon, "malayo sa buhay").

Dumating si Watteau sa Paris noong 1702 mula sa hilagang France, mula sa Valenciennes, kung saan siya ay dating ipinanganak sa pamilya ng isang roofer. Mula 1703 hanggang 1708 nagtrabaho si Watteau sa pagawaan ni Claude Gillot, kinopya at inilalarawan ang mga plot ng komedya ng Italyano. Mula sa mahalagang yugtong ito sa malikhaing pagbuo ng artista, isang larawan lamang na ebidensya ang nakaligtas - ang pagpipinta ng Moscow na "Satire on Doctors".

Sa mga sumunod na taon, sinubukan ni Watteau ang kanyang sarili sa iba't ibang mga genre, ang kontrobersyal na kronolohiya ng ilang nabubuhay na mga gawa ng panahong ito ay hindi nagpapahintulot sa amin na gumawa ng mga tiyak na konklusyon tungkol sa ebolusyon ng kanyang mga interes, ngunit ang kanyang paraan ay nagiging mas malaya, ang brushstroke ay mas sariwa at mas magaan. .

Mula noong 1710, pagkatapos ng isang maikling paglalakbay sa Valenciennes, muling nanirahan si Watteau sa Paris, sa kapaligiran ng pagpipinta, musika at teatro na mahal na mahal niya. Kabilang sa kanyang malalapit na kaibigan ang manunulat at editor ng Pranses na si Mercurius Antoine de la Roque, ang mga nagtitinda ng mga kuwadro, frame at salamin na sina Gersin at Sirua, mga artista sa komedya ng Italyano, makata at musikero.

Nabuo sa labas ng mahigpit na kinokontrol na sistemang pang-akademiko, mahinahong isinaalang-alang at pinili ni Watteau ang mga kwentong nagdala sa kanya, hindi nagmamalasakit sa hierarchy ng mga genre, malayang sumuko sa kalooban ng mga damdamin at pantasya. Hindi niya nais na magtrabaho upang mag-order, mas pinipili ang kalayaan ng disenyo at ang paglalaro ng imahinasyon. Nagpinta siya ng mga landscape, nagbabalatkayo sa diwa ni Gillo, mga larawan ng mga artistang Italyano, mga pista opisyal sa mga parke, higit na nagmamalasakit sa mood, emosyonal at kaakit-akit na kayamanan ng eksena, kaysa sa maingat na pagkakahawig ng larawan o solemne na kadakilaan. Ang impluwensya ng "gallant art" sa kanya ay medyo huli kaysa kay Nattier, at samakatuwid ay ibinigay siya sa gawaing ito nang huli kaysa sa huli.

Ang banayad ngunit malinaw na sikolohikal na mga katangian ay maaaring masubaybayan sa kanyang mga larawan, tulad ng "Portrait of Mr. Pater". Kaya, dito napapansin natin ang isang lubos na puro, hindi man lang tumitingin sa manonood, isang Englishman - isang medyo matigas na kinatawan ng kanyang bansa. Ang babaeng sculptural portrait na inilalarawan sa kanang ibabang bahagi ng larawan, tila, ay nagpapahiwatig ng trabaho ng lalaki - siya ay isang iskultor.

Ang parehong bagay, ngunit sa sukat ng mga unibersal na mood na yumakap sa maraming tao nang sabay-sabay, nakikita natin sa sikat na "magiting na kasiyahan": "Pilgrimage sa isla ng Cythera" at "Feast of Love".

Dapat sabihin na inilalarawan ni Watteau ang lahat ng mga klase ng Pranses, at hindi gaanong nakakumbinsi kaysa sa mga larawan ng maharlika, parehong "Savoyar na may Marmot", at "Gilles" (naglalakbay na musikero), at maraming manlalakbay, manggagawa, magsasaka - mga karakter ng travel sketches - ang mga taong iyon kung saan nanggaling si Watteau.

Mas gusto ni Watteau ang pagpipinta ng easel, ngunit siya rin ay isang master ng pandekorasyon na sining, siya mismo ang gumawa ng mga ornamental panel para sa mga interior ng mga mansyon, pininturahan ang mga pintuan ng karwahe, mga harpsichord at mga tagahanga, na nakaimpluwensya sa dekorasyon ng arkitektura ng rococo.

Ang parehong mga pandekorasyon na gawa at malalaking canvases ay nakikilala sa pamamagitan ng mga tampok na tipikal ng Watteau: kamangha-manghang pagpipinta, nanginginig at malambot, ang pinakamagandang hanay ng mga panandaliang mood, ang paggamit ng mga diskarte sa pagguhit sa pagpipinta (tingnan ang pag-aaral ng mga korona ng puno sa "Capricious"), virtuoso compositional kasanayan.

7. Francois Boucher (1703-1770)

"Ang kanyang kahalayan ay dapat makaakit ng mga dandies, walang kuwentang babae, kabataan, mga taong may liwanag, iyon ay, lahat ng mga dayuhan sa tunay na panlasa, katotohanan"

Si Francois Boucher ay ipinanganak sa Paris sa pamilya ng artist na si Nicolas Boucher, na nagpadala sa kanya upang mag-aral kasama ang kanyang kaibigan na si Francois Lemoine.

Sa edad na labimpito, pumasok si Boucher sa workshop ng engraver na si Jean-Francois Kars, na nagpapahintulot sa kanya na kumita nang mag-isa, pati na rin gumawa ng mga kapaki-pakinabang na contact - kasama ang mga kliyente na may mataas na ranggo ng kanyang tagapagturo.

Nakatanggap ng unang titulo ng pagkilala - ang Academic Prize - para sa thesis. Pagkatapos nito, si Boucher ay isang sumusunod sa isang ultra-smooth, medyo "makinis" na paraan ng pagsulat, na ikinatuwa ng kanyang mga kapanahon at malinaw na nakikilala siya sa Watteau. Ang pakikilahok noong 1722-1723 sa paglikha ng mga ukit para sa "Collection of Julien", kung saan ang lahat ng mga gawa ng sikat na hinalinhan ay muling ginawa sa ukit, pinapayagan siyang makilala ang mga gawa ng artist na ito, upang matutunan ang kanyang mga diskarte sa komposisyon.

Noong 1723 - ang Roman Prize. Sa isang paglalakbay sa Italya, natutunan ng batang artista ang malambot na istilo ng chiaroscuro ng Cortona, ang malakas na larawang simula ng Lanfranco at Tiepoli, gayunpaman, hindi tinatanggap ang malalim na kaibahan at komposisyonal na dinamismo ng mga gawa ng huling dalawa sa ugat - lahat ng ito ay napunta laban sa panlasa ng korte ng Pransya. Sa lahat ng kanyang mga gawa, ipinakita ni Boucher ang isang ugali na hindi kulayan ang pagkakaiba-iba, ngunit sa paggamit ng malalaking lokal na mga spot, ngunit may katangi-tanging mga paglipat sa pagitan nila. Ang mga landscape na "View of Tivoli" (Museum of Arts and Architecture, Boulogne-sur-Mer) at "View of the Farnese Gardens" (Metropolitan Museum of Art, New York) ay batay sa mga Italian impression.

Kasabay ng pagkilala at katanyagan, nakatanggap din si Bush ng maraming mga order para sa mga gawa ng pandekorasyon at inilapat na sining, na hindi iniwan sa kanya hanggang sa katapusan ng kanyang buhay.

Sa karagdagang gawain ni Bush, dalawang bagay ang dapat tandaan. Ang una ay ang karagdagang pagpapabuti ng mga diskarte sa pagpipinta, mastering ang mga diskarte ng stylization sa ilalim ng nagpapahayag na estilo ng baroque ni G. Tiepolo ("Teaching Cupid", "Leda and the Swan" at maraming iba pang mga gawa sa mythological theme), sa ilalim ng porselana ("Venus umaaliw kay Cupid", "Jupiter in guise of Diana, seducing Callisto"). At ang pangalawa - ang immutability ng ideolohikal na bahagi ng kanyang trabaho, na ang parehong medyo labis na "chivalry" na kung saan Voltaire at Diderot scolded kanyang estilo. Ang sikolohikal at emosyonal na katangian ng Bush ay ganap na wala, ang lugar nito ay kinuha ng sarili nitong saloobin patungo sa inilalarawan sa pamamagitan ng hindi kumplikadong mga katangian. Kaya, sa "Pagbisita ni Venus sa Vulcan" ang artista ay hindi bababa sa huling nabighani ng pangunahing tauhang babae, at ito ay naihatid kapwa sa pamamagitan ng biyaya ng kanyang lakad at ang mapang-akit na pagliko ng kanyang kulot na ulo (at si Venus ba ay talagang higit na isang modernong Boucher fashionista). Ang ilang kawalan ng kakayahan ni Boucher (at marahil kahit na hindi pagpayag, na naaayon sa panlasa ng korte) sa panloob na sikolohiya ng kanyang mga gawa ay nag-aalis ng drama tulad ng mga eksena tulad ng "Pan at Syringa" at "Jupiter sa pagkukunwari ni Diana, nang-aakit kay Callisto" , na nabibilang sa mga kwentong may trahedya na balangkas. Gayunpaman, sa karamihan ng mga kaso, ang kanyang mga gawa ay itinuturing sa halip na mga magagandang larawan, ngunit bilang mga nakakarelaks na canvases, bilang mga halimbawa ng biyaya.

Sa pagkakaiba-iba ng genre ng mundo ni Bush, maraming puntos ang dapat tandaan.

Una, na kung saan ay isang kailangang-kailangan na tampok ng kanyang trabaho, ang idealization ng hitsura ng mga portrayed, karamihan sa mga kababaihan (isang serye ng mga portrait ng Madame de Pompadour, "Portrait of Madame Bergeret"). Pangalawa, ang modernisasyon ng mga mukha ng mga sinaunang diyosa sa mga gawang mitolohiya (ang pinaka-nagpapahiwatig sa bagay na ito ay ang pagpipinta na "Toilet of Venus" noong 1751: madilim na mga kulot ng abo, sunod sa moda sa panahon ng artist, hugis almond, bahagyang duling na mga mata. , isang bibig-puso, isang maliit na katawan - at hindi na ako makapaniwala na mayroon tayong karakter mula sa sinaunang mitolohiya). Ang lahat ng ito ay nagsasalita tungkol sa impluwensya sa may-akda ng portrait-state genre na laganap sa oras na iyon, isa sa mga pangunahing figure kung saan siya mismo, sa katunayan, ay. Kasama ang isang serye ng mga "odalisques" (mga larawan ng mga batang babae na nakahubad), kung saan ang "Dark-haired odalisque" noong 1745 at ang "Blonde-haired odalisque" noong 1752 ay namumukod-tangi, ang lahat ng ito ay nagpapahiwatig ng kahalagahan ng babaeng kagandahan at sekswalidad sa gawain ni Bush (gayunpaman, kahit kailan ay malapit sa kahalayan).

At ang ikatlong punto ay medyo flat at "theatrical", sa opinyon ng maraming kasunod na mga pintor, ang diskarte ni Boucher sa landscape (na, sa pamamagitan ng paraan, ay karaniwan para sa karamihan ng mga artist noon). Ang kanyang "eksena" at "kurtina" ay medyo malinaw na namumukod-tangi; sa isang maliit na lawak, ito ay lilitaw lamang sa kanyang unang bahagi ng "Italian" na mga landscape. Sa kabila ng antas ng elaborasyon ng mga halaman at arkitektura (tingnan ang "Landscape in the vicinity of Beauvais", "Mill", "Crossing the bridge"), ang mga landscape ng Boucher ay pinaninirahan ng ganap na hindi tunay na mga tauhan, "ang kanyang" mga magsasaka "ay mga maharlika, ang kanyang mga toro. - na si Zeus bago ang pagdukot sa Europa ", at ang panahon ay isang matahimik, bahagyang maulap na araw, at anuman ang lokasyon na inilalarawan. Sa kabila ng katotohanan na ang pangunahing gawain sa landscape kasama si Boucher, tulad ng lahat ng iba pang mga pintor sa kanyang panahon, ay isinasagawa sa studio, ang parehong "gallant-theatrical approach" ay hindi kailanman nagpapahintulot sa master na makamit ang isang pakiramdam ng katotohanan ng lugar (aling gawain ang kinakaharap niya, sa buong visibility, at hindi itinakda). "Ang kanyang France ay isang 'maliit na Arcadia', walang katapusan na malayo sa katotohanan at maganda pa."

Halos wala sa trabaho ang sinabi tungkol sa mga eksena sa genre ng artist.

Kaya, pumasok si Francois Boucher sa kasaysayan ng sining ng mundo bilang isang artist ng "gallant", matamis na pagpipinta, ganap na makatotohanan sa paraan ng paglalarawan at tulad ng hindi makatotohanan - sa pagpili ng itinatanghal; bilang isang mahusay na estilista at master ng sining at sining.

Ang kanyang pinaka-talentadong mag-aaral na si J. O. Fragonard ay nagmana mula sa kanya ng panlabas na kagandahan, kalayaan ng komposisyon at katapangan ng kulay, ngunit susubukan niyang pagsamahin ang mga ito na may higit na emosyonal na panloob na lalim sa paglipat ng mga imahe at mga plot; mas madalas, ang mga diskarte ng tahasang kaibahan ng kulay ay ginagamit, na halos wala sa Boucher, higit na pansin ang binabayaran sa kaibahan ng liwanag at lilim. Ang smear ay mas malaki kaysa sa Boucher, ngunit ito ay nararamdaman lamang sa mas malapit na pagsusuri, ang epekto ng comparative smoothness ay minana mula sa guro. Ngunit hindi tayo magtutuon ng pansin sa kanyang trabaho, dahil maliban sa mga nabanggit, pati na rin ang pamamayani ng eksenang genre kaysa sa mitolohiko, ang kanyang sining ay sumunod sa "landas" na binigay ni Bush upang makapagpahinga at maakit ang manonood.

Hindi lubos na pinahahalagahan ng modernong French art criticism ang sining ni Boucher. Habang kinikilala ang superyor na pamamaraan ng artist, napansin ng mga kritiko ang "katamisan" ng kanyang trabaho, ang kanyang madalas na hindi perpektong artistikong panlasa (sa kalaunan ay gumagana, karamihan ay hindi malinaw, naglalaman ng mga pagkakatugma ng magkatulad na mga kulay sa labis na kaibahan), pati na rin ang pangkalahatang "burges" ng kanyang estilo .

8. Maurice Quentin de Latour (1704--1788)

De Latour - "Ang Hari ng mga Pastel"

Sa "Portrait of the Royal Secretary Duval de Lepin"

Si De Latour ay ipinanganak sa isang hamak na pamilya. Sa edad na labinsiyam, iniwan niya ang kanyang sariling lungsod, ang Saint-Quentin, at pumunta sa Paris, kung saan nag-aral siya sa pangkaraniwang pintor na si Dupuch at sa ilang iba pang mga artista.

Ang unang dalawang ipinakita sa publiko na mga gawa ng Latour (mga larawan ng kanyang sarili at ang asawa ng pintor na si Boucher), na ipinakita sa salon ng Paris noong 1737, ay nagdala sa kanya ng pamagat ng isang miyembro ng Academy of Arts; noong 1746 siya ay nahalal sa mga ganap na miyembro nito, at noong 1750 ay natanggap niya ang pamagat ng maharlikang pintor, na pinanatili niya sa loob ng 23 taon. Noong 1780 nagretiro siya sa kanyang tinubuang lungsod.

Naranasan ang impluwensya ng ideolohiya ng Enlightenment, na ginawa ni J.B.S. Chardin at ng mga artistang Ingles, na pinag-aralan ni de Latour mula 1725 sa loob ng ilang taon, hindi kailanman tinanggap ni de Latour ang tamis at katamis ng karamihan sa "gallant" na sining, gayunpaman, bilang siya mismo ay nakaranas ng ilan sa kanyang impluwensya, at nagkaroon sa kanya ng hindi kukulangin.

Si M. K. de Latour ay isang tao na pumalit mula sa Venetian artist na si Rosalba Carriera ng baton sa isang mahalagang bagay para sa fine arts - sa pagpapalawak ng mga visual na posibilidad ng mga pastel na lapis, pagpapalaganap ng pagguhit nang kasabay ng mga pastel ng iba't ibang antas ng lambot, pagpapasikat pastel painting bilang isang uri ng pinong sining na nagbibigay-daan sa iyo upang ipahayag ang hindi maipahayag na mga pintura ng langis. Ano ang napakahirap ipahayag sa pamamaraan ng langis? Halimbawa, ang ganap na makinis na pagpipinta sa pagpipinta ng langis ay kadalasang humahantong sa "pagiging buli", isang tiyak na "pagkamatay" ng itinatanghal, na hindi palaging maiiwasan ng mga Dutch na "makinis na pintor" noong ika-17 siglo. Ang buong makinis na pagsulat sa pastel, sa kabaligtaran, ay nagbibigay-daan sa iyo upang makamit ang maximum na naturalismo kung kinakailangan, habang (!) Ang kawalan ng barnis sa komposisyon nito ay hindi inihahalintulad, halimbawa, ang mga prutas sa naturang gawain sa mga dummies, at mga mukha sa mga puppet. . "Sa pagiging nakatuon sa pagpapabuti ng kanyang sarili sa pagguhit sa loob ng dalawang taon, sa pamamagitan niyon [de Latour] ay nakamit ang gayong kasanayan sa pastel na uri ng pagpipinta, na hindi napantayan ng sinuman sa mga pastelist na nauna sa kanya at, marahil, ng mga pastel na sumunod. kanya.

Ang kanyang katanyagan ay lalo pang lumago, na pinadali din ng fashion para sa pastel, na lumaganap sa lipunan noon ng Pransya."Ito (at hindi lamang) ang kanyang makabuluhang kontribusyon sa visual arts, ang kanyang impluwensya sa pagpipinta ng" magagaling na pintor. ". Simula sa de Latour, ang pastel ay napagtanto ng Pranses, sa partikular, mga artista sa korte, hindi lamang bilang isang pandiwang pantulong, kundi pati na rin bilang isang independiyenteng pamamaraan.

Sa turn, de Latour ay direktang naiimpluwensyahan ng Rococo: ang lambot ng kulay ng kanyang mga kuwadro na gawa, ang imahe ng inilalarawan, kahit na hindi perpekto, ngunit sa mataas na espiritu, nagustuhan ang Pranses na maharlika na hindi kukulangin sa espiritu ng Enlightenment at psychologism. sa kanyang mga akda - mga tauhang pampanitikan at pilosopo sa kanyang panahon.

"Ayon sa mga kontemporaryo ni Latour, siya, tulad ng bihirang sinuman, ay nahawakan ang pagkakatulad; sa kalidad na ito, ang lakas, pagkakaisa at kaaya-aya ng mga kulay na nakaligtas hanggang ngayon sa kanyang mga larawan, sa kabila ng kanilang reseta, ay pinagsama. Ang pinakamalaking bilang sa mga ito ay nasa museo ng Saint-Quentin, marami rin silang nakolekta sa Louvre Museum, sa Paris. Marami sa mga gawa ni Latour ang inukit ng mga natatanging master noong panahon niya." At kahit na si de Latour ay hindi tradisyunal na nailalarawan bilang isang pintor ng istilong "gallant", ang kanyang "mutual intersection" sa Rococo ay nagpapahintulot sa amin na banggitin ang kahanga-hangang artist na ito.

Mga uri at pamamaraan ng sining

Ang pagpipinta ay isang patag na pinong sining, ang pagiging tiyak nito ay nasa representasyon sa tulong ng mga pintura na inilapat sa ibabaw ng imahe ng totoong mundo, na binago ng malikhaing imahinasyon ng artist...

Mga kontribusyon ng kultura at sining noong ika-20 siglo sa kabihasnan ng daigdig

Sa kasaysayan ng kulturang Ruso, ang simula ng ika-20 siglo. ay tinawag na "panahon ng pilak" ng kulturang Ruso, na nagsisimula sa "World of Art" at nagtatapos sa simbolismo. Ang World of Art ay isang organisasyong itinatag noong 1898...

Gothic. Frozen na panahon ng mga nakalipas na panahon

Ang direksyon ng Gothic sa pagpipinta ay nabuo ilang dekada pagkatapos ng paglitaw ng mga elemento ng istilo sa arkitektura at iskultura. Isa sa mga pangunahing uso sa pagpipinta ng Gothic ay stained glass...

Ang impluwensya ng mga kahilingan ng korte ng Versailles ay nadama pangunahin sa larangan ng fine, decorative at applied arts at architecture. Bilang karagdagan sa pagpipinta ng easel, porselana, mga tagahanga at fashion, ang istilong "gallant" ay tumagos sa mga interior ng mga mansyon...

K.A. Somov. Paglilinang ng magiting na genre

2.1 Ang pinagmulan ng genre na "gallant" sa panahon ng Rococo Ang simula ng ika-20 siglo ay minarkahan ng isang nostalhik na "pagbabalik" sa aesthetics ng Rococo, sa mga larawan ng mga panahon ni Louis XIV, sa nakalipas na magiting na panahon ...

Rebolusyong Pangkultura sa USSR (1922-1941)

"Ang programa ng partido sa larangan ng sining ay sinalubong ng paglaban ng mga artista na malapit na nauugnay sa burgesya, laban sa rehimeng Sobyet. Ang mga reaksyunaryong artista at mga teorista ng sining ay gumawa ng paninirang-puri sa mga Bolshevik, na inaakusahan sila ng...

Ang pambihirang pagtaas ng pambansang kultura sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. pinahihintulutang tawagin ang panahong ito na "gintong panahon". Kung sa pag-unlad ng ekonomiya at sosyo-politikal ang Russia ay nahuhuli sa mga advanced na estado sa Europa...

Russian portrait painting at graphics ng unang kalahati ng ika-19 na siglo

Ang Banal na Inkisisyon sa Middle Ages at ang pagmuni-muni nito sa sining

Sa Middle Ages, ang pagpipinta ay naging isa sa pinakamahalagang anyo ng sining. Ang ilang mga makabagong relihiyon ay nag-ambag din sa bagong saloobin sa pagpipinta...

Ang ideya ng isang makatwirang kaayusan ng mundo, ang kagandahan ng kalikasan, mga mithiin sa moral

Layunin na pagmuni-muni ng nakapaligid na mundo

Ang pagnanais para sa makatwirang kalinawan ng pagkakaisa, mahigpit na pagiging simple

Ang pagbuo ng aesthetic na lasa

Pagpigil at kalmado sa pagpapakita ng mga damdamin

Rasyonalismo at lohika sa mga aksyon

Si Rococo ay...

estilo sa sining ng ika-18 siglo, isang katangian na katangian kung saan ay isang predilection para sa mga katangi-tangi at kumplikadong mga anyo, kakaibang mga linya, na nakapagpapaalaala sa silweta ng isang shell.

43. Si Rocaille ay…… ang pangunahing elemento ng dekorasyon ng estilo ng Rococo, na nakapagpapaalaala sa hugis ng isang kulot ng isang shell at kakaibang mga halaman.

44. Ang Mascaron ay .... isang uri ng sculptural decoration ng isang gusali na hugis ulo ng tao o hayop buong mukha

45. Ang Sentimentalismo ay... Ito ay isang trend sa panitikan at sining ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, na nailalarawan sa pamamagitan ng pagtaas ng interes sa mga damdamin ng tao at isang emosyonal na saloobin sa mundo sa paligid, kung saan ang pag-ibig sa tao at kalikasan ay nauuna.

Alin sa mga natatanging istrukturang arkitektura ng klasisismo ang tinatawag na "Fairytale Dream"

Ang tirahan ng mga haring Pranses sa labas ng Paris ay ang Palasyo ng Versailles.

47. Mga prinsipyo ng pagpaplano ng lunsod sa panahon ng klasisismo:

Paglikha ng isang perpektong lungsod na may mga gusali na ginawa ayon sa iisang plano. Ang urban ensemble ay idinisenyo sa anyo ng isang parisukat o parihaba sa plano. Sa loob ng mga ito, ang isang mahigpit na regular na hugis-parihaba o radially na pabilog na sistema ng mga kalye na may isang plaza ng lungsod sa gitna ay pinlano.

48. Bakit tinawag na tugatog ng klasisismo sa pagpipinta ang akda ni N. Poussin?

N. Poussin - tagapagtatag ng istilong klasiko. Sa pagbabalik sa mga tema ng sinaunang mitolohiya, sinaunang kasaysayan, ang Bibliya, inihayag ni Poussin ang mga tema ng kanyang kontemporaryong panahon. Sa kanyang mga gawa, pinalaki niya ang isang perpektong personalidad, na nagpapakita at umawit ng mga halimbawa ng mataas na moralidad, sibiko na kahusayan.

N. Poussin

49. Ano ang nagbubuklod sa pinakamalaking masters "gallant genre"- A. Watteau at F. Boucher

Ang mundo ng kumplikadong pag-iibigan at buhay laban sa backdrop ng malinis na kalikasan.

Pangalanan ang mga kompositor ng Viennese classicism.

A - Joseph Haydn, B - Wolfgang Mozart, C - Ludwig van Beethoven

PERO B S

51. Ang Symphony ay ...(consonance) isang gawa para sa isang symphony orchestra, na binubuo ng 4 na bahagi, kung saan ang una at huling mga bahagi ay may parehong mga susi, at ang mga gitna ay nakasulat sa mga susi na nauugnay sa pangunahing, na tinutukoy