Pagpipinta ng Russia ng pagtatanghal ng ika-20 siglo. Kultura ng unang kalahati ng ika-20 siglo: tumaas o bumagsak

1 ng 18

Pagtatanghal sa paksa: Pagpipinta ng ika-20 siglo

slide number 1

Paglalarawan ng slide:

STATE BUDGET GENERAL EDUCATIONAL INSTITUTION OF THE NOVOSIBIRSK REGION "SEVERAGE EDUCATIONAL SCHOOL "REGIONAL CENTER OF EDUCATION". PAKSANG-ARALIN: MHC. PAKSA: EXPERIMENTAL AESTHETICS AT UNANG RUSSIAN VANT-GARDE. KUMPLETO: MGA MAG-AARAL NG 10th CLASS EGOSHINA ALEN. 2010

slide number 2

Paglalarawan ng slide:

Ang inobasyon sa lahat ng larangan ng sining ang pangunahing slogan ng avant-garde. Ang Avant-garde ay isang kolektibong konsepto ng pinaka "kaliwa" na pang-eksperimentong malikhaing uso sa sining ng "Panahon ng Pilak". Sa mga paggalaw ng avant-garde, sa kabila ng lahat ng kanilang pagkakaiba-iba, ang pagiging bago at katapangan ay karaniwan, na itinuturing na sukatan ng malikhaing talento at ang pamantayan ng modernidad. Ang karaniwan ay ang walang muwang na paniniwala ng mga artista sa pagsisimula ng isang espesyal at hindi pangkaraniwang makasaysayang panahon - ang panahon ng teknolohiya ng himala na maaaring magbago ng mga relasyon ng mga tao sa isa't isa at sa kapaligiran. Ang problema ng paghalili para sa mga tagasuporta ng avant-garde, kumbaga, ay hindi umiiral. Realismo ng ika-19 na siglo Para sa mga kabataang nihilist, ito ay isang "wasak na sukat" na humahadlang sa kalayaan sa pagpapahayag. Ang mga pangunahing uso at pigura ng avant-garde ay kinabibilangan ng fauvism, cubism, abstract art, suprematism, futurism, dadaism, expressionism, constructivism, metaphysical painting, surrealism, naive art; dodecaphony at aleatorics sa musika, konkretong tula, konkretong musika, kinetic art.

numero ng slide 3

Paglalarawan ng slide:

Fauvism. Ang Fauvism (mula sa French fauve - wild) ay isang uso sa French painting at musika noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. Sa eksibisyon ng Paris noong 1905, ipinakita ang mga pagpipinta ng mga artista na nag-iwan sa manonood ng isang pakiramdam ng enerhiya at pagnanasa na nagmumula sa mga pagpipinta, tinawag ng isa sa mga kritiko ng Pransya ang mga pintor na ito na mga ligaw na hayop. Ang artistikong istilo ng mga Fauvists ay nailalarawan sa pamamagitan ng kusang dinamika ng brushstroke, ang pagnanais para sa emosyonal na kapangyarihan ng artistikong pagpapahayag, maliwanag na kulay, piercing purity at matalim na kaibahan ng kulay, ang intensity ng bukas na lokal na kulay, at ang talas ng ritmo. Ang Fauvists ay binigyang inspirasyon ng mga post-impressionist na sina Van Gogh at Gauguin, na mas gusto ang subjective na intense na kulay kaysa sa malambot at natural na kulay na katangian ng mga Impresyonista.

numero ng slide 4

Paglalarawan ng slide:

Albert Matisse. Ang pinuno ng paaralang ito ay si Matisse, na gumawa ng kumpletong pahinga sa optical color. Sa kanyang larawan, ang babaeng ilong ay maaaring maging berde, kung ito ay nagbigay ng pagpapahayag at komposisyon. Sinabi ni Matisse: “Hindi ako nagpinta ng mga babae; Gumuhit ako ng mga larawan."

numero ng slide 5

Paglalarawan ng slide:

numero ng slide 6

Paglalarawan ng slide:

Si K. S. MALEVICH Malevich ay isang pare-parehong propagandista ng kanyang sariling teorya. Sa paglipas ng panahon, nabuo sa paligid niya ang isang grupo ng mga taong katulad ng pag-iisip na UNOVIS (Affirmers of the New Art). Ang mga likha ng mga avant-garde na artista ng Russia sa simula ng siglo ay nagpasabog sa hindi napapanahong pro-Western visual consciousness.

numero ng slide 7

Paglalarawan ng slide:

numero ng slide 8

Paglalarawan ng slide:

Ang Cubism (French Cubisme) ay isang avant-garde trend sa visual arts, pangunahin sa pagpipinta, na nagmula sa simula ng ika-20 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga madiin na geometrized na conditional form, ang pagnanais na "hatiin" ang mga tunay na bagay sa stereometric primitives. CUBISM

numero ng slide 9

Paglalarawan ng slide:

Nag-aral siya ng pagpipinta sa mga paaralan ng sining ng Penza at Kiev, pagkatapos ay sa pribadong studio ng D. N. Kardovsky sa St. Petersburg. Noong 1910 siya ay naging isa sa mga organizer ng art association na "Jack of Diamonds". Mula pa noong pre-revolutionary times, si Lentulov ay aktibong nakikipagtulungan sa teatro, nagdidisenyo ng mga pagtatanghal sa Chamber Theater (Shakespeare's The Merry Wives of Windsor, 1916), ang Bolshoi Theater (Scriabin's Prometheus, 1919) at iba pa. Aristarkh Vasilyevich Lentulov

numero ng slide 10

Paglalarawan ng slide:

Sa pagpipinta siya ay isang Cézannist at sa pangkalahatan ay may isang malakas na pagkahumaling sa Europa, siya ay nagsasalita ng mahusay na Pranses. Naranasan din niya ang impluwensya ng kanyang biyenan, si V. I. Surikov, kung kanino siya unang naglakbay upang mag-aral ng pag-aaral sa Espanya, nang maglaon ay nagtrabaho sila sa buong Europa. Sa unang bahagi ng panahon, hinahangad ng artista na ipahayag ang kasiyahan ng kulay na likas sa katutubong sining ng Russia sa tulong ng nakabubuo na kulay ni Paul Cezanne. Siya ay naging tanyag salamat sa kanyang mga buhay pa, madalas na isinagawa sa isang istilo na malapit sa analytical cubism. P. P. KONCHALOVSKY Rosas, 1955

numero ng slide 11

Paglalarawan ng slide:

numero ng slide 12

Paglalarawan ng slide:

Sa visual arts, ang Futurism ay tinanggihan mula sa Fauvism, ang paghiram ng kulay mula dito, at mula sa Cubism, kung saan pinagtibay nito ang mga artistikong anyo, ngunit tinanggihan ang cubic analysis (decomposition) bilang isang pagpapahayag ng kakanyahan ng kababalaghan at nagsusumikap para sa isang direktang emosyonal na pagpapahayag. ng dynamics ng modernong mundo. Ang pangunahing artistikong prinsipyo ay bilis, paggalaw, enerhiya, na sinubukan ng ilang mga futurist na ihatid sa medyo simpleng mga diskarte. Ang kanilang pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga masiglang komposisyon, kung saan ang mga figure ay pira-piraso at intersected sa pamamagitan ng matalim na sulok, kung saan ang mga pagkutitap na anyo, zigzag, spiral, beveled cone ay nananaig, kung saan ang paggalaw ay ipinapadala sa pamamagitan ng superimposing sunud-sunod na mga phase sa isang imahe - ang tinatawag na prinsipyo ng sabay-sabay .

numero ng slide 13

Paglalarawan ng slide:

numero ng slide 14

Paglalarawan ng slide:

Si Khlebnikov ay isa sa mga kinikilalang pinuno ng Russian avant-garde sa simula ng ika-20 siglo, dahil sinasadya niyang nakikibahagi sa pagbuo ng isang bagong sining. Maraming mga futurist, kabilang si Mayakovsky, ang tinawag siyang kanilang guro; Ang mga pagpapalagay ay ginawa tungkol sa impluwensya ng patula na wika ni Khlebnikov sa gawain ni Andrei Platonov, Nikolai Aseev, Boris Pasternak Kasabay nito, madalas na nanatili si Khlebnikov sa mga anino, dahil sina David Burliuk at Mayakovsky ay pangunahing kasangkot sa mga aktibidad ng organisasyon. Si Khlebnikov ay nagkaroon ng epekto sa Russian at European avant-garde, kasama na sa larangan ng pagpipinta at musika. Ang ilang mga mananaliksik sa pangkalahatan ay naniniwala na kung wala ito ang pang-unawa ng aesthetics at poetics ng avant-garde ay hindi sapat. VELEMIR KHLEBNIKOV

numero ng slide 15

Paglalarawan ng slide:

Isa sa mga uri ng pamamaraan ng kompositor ng XX siglo. Ang paraan ng pagbubuo (theoretically na binuo ni A. Schoenberg), kung saan ang musikal na tela ng trabaho ay nagmula sa isang serye ng 12-tono ng isang tiyak na istraktura, at wala sa 12 mga tunog ng chromatic scale ang nauulit. Ang isang serye ay maaaring lumitaw pareho sa isang pahalang na pagtatanghal (sa anyo ng isang melody-theme), at sa isang patayo (sa anyo ng mga consonance), o sa pareho sa parehong oras. Ito ay lumitaw sa proseso ng pagbuo ng atonal na musika. Ang iba't ibang uri ng pamamaraan ng dodecaphone ay kilala. Sa mga ito, ang mga pamamaraan ng Schoenberg at J. M. Hauer ay nakakuha ng pinakamalaking kahalagahan. Ang kakanyahan ng pamamaraan ng Schoenberg ng dodecaphony ay ang mga melodic na tinig at mga katinig na bumubuo sa gawaing ito ay direktang ginawa o sa huli mula sa iisang pinagmulan - isang napiling pagkakasunud-sunod ng lahat ng 12 tunog ng chromatic scale, na binibigyang kahulugan bilang isang pagkakaisa. Ang pagkakasunud-sunod ng mga tunog na ito ay tinatawag na isang serye. Ang mga kinatawan ng dodecaphony ay sina Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg, J. M. Hauer, Hindemith, Igor Stravinsky, Shostakovich, Pierre Boulez, atbp. DODECAPHONIA

Upang gamitin ang preview ng mga presentasyon, lumikha ng isang Google account (account) at mag-sign in: https://accounts.google.com

Mga slide caption:

Ang mga pangunahing direksyon ng pag-unlad ng pagpipinta ng ika-20 siglo

Pangkalahatang katangian Ang ika-20 siglo ay minarkahan ng isang pambihirang iba't ibang mga artistikong uso sa visual arts, na hindi maaaring pagsamahin ng alinmang istilo. Ang pagpipinta ng ika-20 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang istilo at uso, ang paghahanap ng mga bagong paraan sa sining.

Mga direksyon sa fine arts Fauvism (Henri Matisse); Kubismo (Pablo Picasso); Surrealismo (Salvador Dali); Abstractionism (Wasily Kandinsky); Suprematism (Kazimir Malevich); Analitikismo (Pavel Filonov).

Fauvism Isa sa mga unang masining na paggalaw noong ika-20 siglo ay ang Fauvism (wildness). Ang Fauvism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang eroplano ng mga imahe, makapal na linya, isang kumbinasyon ng dilaw at berdeng mga kulay. Sa una, ang Fauvism ay itinuturing na isang dayuhan na sining, sa kalaunan ay natagpuan ng mga mananaliksik sa kanila ang isang uri ng malikhaing pamamaraan.

A. Matisse "Sayaw", 1910. Ang balangkas ng pagpipinta na Matisse ay inspirasyon ng mga katutubong sayaw na kanyang nakita. Ang isa pang bersyon - "Sayaw" - ay isinulat sa ilalim ng impluwensya ng Greek vase painting. Ang pangunahing nagpapahayag na paraan ng canvas ay isang kumbinasyon ng kaiklian ng mga paraan ng larawan na may malaking sukat. "Sayaw" ay nakasulat sa tatlong kulay lamang. Ang langit ay inilalarawan sa asul, ang katawan ng mga mananayaw ay kulay rosas, at ang burol ay inilalarawan sa berde. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang sayaw, isang bilog na sayaw ng limang hubad na tao sa tuktok ng burol.

Ang Cubism Picasso Ang Cubism ay isang masining na paggalaw batay sa mga pyramidal na istruktura, mga geometric na katawan. Ang kubismo ay dumaan sa ilang yugto ng pag-unlad nito: - analytical cubism; - gawa ng tao cubism; Ang mga pangunahing pigura ng cubism ay sina Georges Braque, Pablo Picasso.

Georges Braque (1882 - 1963) Violin and Palette, 1910. Si J. Braque ay isang kinatawan ng analytical cubism. Noong 1908 nag-organisa siya ng isang eksibisyon sa Paris. Ang kanyang pangunahing pamamaraan ay ang pagpapataw ng isang imahe sa isa pa - ang versatility ng larawan. Ang pag-decipher sa intensyon ng may-akda ay napakahirap para sa mga manonood.

Pablo Picasso (1881 - 1973) Ang pagpipinta ni Picasso na Les Maidens of Avignon, na humamon sa isang masasamang lipunan, ay nagdulot ng tunay na galit.

Still life na may straw chair, 1912 Ang pagpipinta ay nabibilang sa synthetic cubism, gamit ang iba't ibang bagay mula sa totoong buhay.

P. Picasso "Portrait of Vollard", 1910

Surrealism Ang surrealism ay super-reality. Opisyal itong bumangon noong 1924. Sa gawain ng mga surrealist, ang mga pantasya, pangarap, pangarap at alaala ay nakakuha ng espesyal na kahalagahan. Pinagsama ng mga surrealist painting ang realidad at unreality. Ang mga pangunahing pamamaraan ng mga surrealist ay ang kataka-taka, kabalintunaan, kabalintunaan. Mga Kinatawan - Max Ernst, Rene Magritte, Salvador Dali.

Max Ernst. Oedipus the King, 1922.

Rene Magritte Ang Therapist, 1937

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931

Abstractionism Ang abstractionism ay kabilang sa Russian avant-garde. Ang pangunahing prinsipyo ng abstractionism ay ang kaalaman sa espasyo at ang abstractness ng kung ano ang nakasulat. Ang kinatawan ng abstract art ay si Wassily Kandinsky (1866 - 1944).

abstractismo

V. Kandinsky "Komposisyon 6", 1913

V. Kandinsky. "Dominant Curve", 1936

Suprematism Ang suprematismo ay ang pinakamataas na antas ng sining. Ang tagapagtatag at, marahil, ang isa lamang sa mga pigura nito ay si Kazimir Malevich. Ang mga pangunahing bahagi ng Suprematism ay kulay at mga geometric na hugis. Ang suprematism ay masalimuot sa pag-unawa nito at ang persepsyon nito ay ganap na nakasalalay sa imahinasyon ng isang tao.

Suprematism ni Malevich "Pag-aani ng Rye", 1912

"Black Square", 1913

"Babaeng Magsasaka", 1932

Mga tanong at gawain Pangkatin. 1. Bumuo ng mga pangunahing prinsipyo ng iyong direksyon. 2. Subukang lumikha ng isang gawa sa pagpipinta na nababagay sa iyong direksyon. 3. Maghanda ng magkakaugnay na sagot tungkol sa paksa ng iyong pagpipinta.

Andrey Onufrievich BembelSi Andrey Bembel ay ipinanganak noong Oktubre 17, 1905 sa lungsod ng Velizh, Vitebsk
probinsya, kung saan natanggap niya ang kanyang pangunahing edukasyon sa isang male gymnasium.
Mula 1924 hanggang 1927 nag-aral siya sa Vitebsk Art College kasama si Kerzin
M.A. , pagkatapos noong 1931 nagtapos siya sa Leningrad Academy of Arts.
Mula noong 1947 siya ay nagtuturo, isa sa mga organizer at ang una
mga guro ng Minsk Art College. Mula noong 1953 - sa Belorussky
teatro at instituto ng sining. Tagapangulo ng Union of Artists ng BSSR.

Zair Isaakovich Azgur

Alexey Konstantinovich Glebov

Sergei Ivanovich Selikhanov

GUMAGAWA

Vladimir Ivanovich Zhbanov

Pinaka sikat na mga gawa

Ivan Yakimovich Misko

Gumagana sa larangan ng easel at monumental na iskultura. Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay astronautics at mga bayani nito.

PAGPIPINTA

Mikhail Andreevich Savitsky

paglikha

Danzig MaiVolfovich

Leonid Dmitrievich Shchemelev

ARKITEKTURA

Antonova Yulia Alexandrovna

Proyekto ng pananaliksik - pagtatanghal sa pagpipinta ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo sa panitikan

I-download:

Preview:

Upang gamitin ang preview ng mga presentasyon, lumikha ng isang Google account (account) at mag-sign in: https://accounts.google.com

Mga slide caption:

Pagpipinta ng Russia noong unang bahagi ng ika-20 siglo. K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. Vrubel Research project para sa aralin ng panitikan ng 11th grade student na si Yulia Antonova; MKOU "Medvedskaya secondary school No. 17" ng distrito ng Efremov ng rehiyon ng Tula. Guro Antonova Nadezhda Nikolaevna

Ang kulturang Ruso ay isa sa mga sangay ng makapangyarihang puno ng pandaigdigang kultura ng tao. Ang mga artista ay masakit na naghahanap ng pagkakaisa at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Ang oras na ito ng "mga bisperas", ang pag-asa ng mga pagbabago sa pampublikong buhay, ay nagbunga ng maraming uso, asosasyon, pagpapangkat, salungatan ng iba't ibang pananaw at panlasa sa mundo. Sa artistikong buhay ng Russia sa simula ng ika-20 siglo, ang mga asosasyon na "World of Art" at "Union of Russian Artists" ay may mahalagang papel. Isang bagong salita sa pagpasok ng siglo ang sasabihin ni K.A. Korovin, V.A. Serov at M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861–1939) Mapagbigay na likas na matalino, si Korovin ay nakikibahagi sa parehong portraiture at still life, ngunit ang landscape ay nanatiling paborito niyang genre. Dinala niya sa sining ang malakas na makatotohanang tradisyon ng kanyang mga guro mula sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture - Savrasov at Polenov, ngunit mayroon siyang ibang pananaw sa mundo, nagtatakda siya ng iba pang mga gawain. Ang kanyang mga tanawin sa Pransya, na pinagsama sa pangalang "Parisian Lights", ay isa nang ganap na impresyonistikong pagpipinta, na may pinakamataas na kultura ng etude. Matalas, madalian na mga impresyon ng buhay ng isang malaking lungsod: tahimik na mga kalye sa iba't ibang oras ng araw, mga bagay na natunaw sa isang maaliwalas na hangin na kapaligiran, hinulma ng isang "panginginig", vibrating stroke, isang stream ng mga stroke na lumilikha ng ilusyon ng isang kurtina ng ulan o urban na hangin na puspos ng libu-libong iba't ibang mga singaw - mga tampok na nakapagpapaalaala sa mga tanawin ng Manet, Pissarro, Monet.

Paris. Boulevard des Capucines. 1906 Hindi tulad ng mga artistang Pranses na kinikilala lamang ang "mga maliliwanag na kulay ng kalikasan, ipinanganak ng araw", sinikap niyang piliin hindi ang araw, ngunit ang kumplikadong pag-iilaw sa umaga at gabi, upang ipakita "ang katangian ng lungsod, nagbabago sa buong araw"

Paris sa gabi. Italian boulevard. 1908, State Tretyakov Gallery Sinabi na para sa higit na kinang, espesyal na binili ni Korovin ang napakamahal na mga pintura mula sa pabrika ng Suweko na Bleksa para sa mga tanawin sa gabi, na nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na kalidad at ningning. Sila ay, sa mga salita ng artist mismo, "mga tunay na paboreal."

Isda, alak at prutas. 1916 Napanatili ni Korovin ang parehong mga katangian ng impressionistic etude, kapansin-pansing kasiningan sa lahat ng iba pang mga genre, pangunahin sa portraiture at still life, ngunit din sa mga panel na pampalamuti, sa inilapat na sining, sa theatrical scenery, na ginawa niya sa buong buhay niya.

Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) ay isa sa mga pinakadakilang artista, isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagsisimula ng siglo. Si Serov ay pinalaki sa mga kilalang tao ng kulturang musikal ng Russia (ang kanyang ama ay isang sikat na kompositor, ang kanyang ina ay isang pianista), nag-aral kasama sina Repin at Chistyakov, pinag-aralan ang pinakamahusay na mga koleksyon ng museo sa Europa at, sa pagbalik mula sa ibang bansa, pumasok sa bilog ng Abramtsevo . . Sa Abramtsevo, dalawang larawan ang ipininta, kung saan nagsimula ang kaluwalhatian ni Serov, na pumasok sa sining na may sarili, maliwanag at mala-tula na pananaw sa mundo. Ang kanyang "Girl with Peaches" (portrait of Verusha Mamontova, 1887, State Tretyakov Gallery) at "Girl Illuminated by the Sun" (portrait of Masha Simanovich, 1888, State Tretyakov Gallery) ay kumakatawan sa isang buong yugto sa Russian painting.

V. A. Serov "Girl with Peaches" Si Vera Mamontova ay nakaupo sa isang kalmadong pose sa mesa, ang mga peach ay nakakalat sa isang puting tablecloth sa harap niya. Siya mismo at ang lahat ng mga bagay ay ipinakita sa pinaka kumplikadong liwanag at hangin na kapaligiran. Ang sinag ng araw ay bumabagsak sa tablecloth, sa mga damit, isang plato sa dingding, isang kutsilyo. Ang itinatanghal na batang babae na nakaupo sa mesa ay nasa organikong pagkakaisa sa lahat ng materyal na mundong ito, kasuwato nito, puno ng mahahalagang panginginig, panloob na paggalaw.

Isang Batang Babaeng Pinaliwanagan ng Araw (Portrait of M. Ya. Simonovich). 1888 Ang mga prinsipyo ng plein air painting ay mas malinaw sa larawan ng pinsan ng artist na si Masha Simanovich, na ipininta sa open air. Ang mga kulay dito ay ibinibigay sa kumplikadong pakikipag-ugnayan sa isa't isa, perpektong inihahatid nila ang kapaligiran ng isang araw ng tag-araw, mga pagmuni-muni ng kulay na lumilikha ng ilusyon ng mga sinag ng araw na dumudulas sa mga dahon. Si Serov ay lumayo mula sa kritikal na realismo ng kanyang guro na si Repin patungo sa "poetic realism" (ang termino ng D.V. Sarabyanov).

Mga tampok ng pagkamalikhain Ang mga imahe ay napuno ng isang pakiramdam ng kagalakan ng buhay, isang maliwanag na pakiramdam ng pagiging, isang maliwanag na matagumpay na kabataan. Nakamit ito sa pamamagitan ng "light" impressionistic painting, isang sculpted form, isang dynamic, libreng brushstroke, na lumilikha ng impresyon ng isang kumplikadong light-air na kapaligiran. Ngunit hindi tulad ng mga Impresyonista, hindi kailanman tinutunaw ni Serov ang bagay sa kapaligirang ito upang ito ay mag-dematerialize, ang kanyang komposisyon ay hindi mawawala ang katatagan nito. Si Serov ay isang malalim na pag-iisip na artista, na patuloy na naghahanap ng mga bagong anyo ng artistikong pagsasakatuparan ng katotohanan. Sa inspirasyon ng Art Nouveau, ang mga ideya tungkol sa flatness at pagtaas ng decorativeness ay makikita hindi lamang sa mga makasaysayang komposisyon, kundi pati na rin sa kanyang larawan ng mananayaw na si Ida Rubinstein, sa kanyang mga sketch para sa The Abduction of Europa at The Odyssey and Navzicae. Mahalaga na si Serov sa pagtatapos ng kanyang buhay ay lumiliko sa sinaunang mundo. Sa patula na alamat, na binibigyang-kahulugan niya nang malaya, sa labas ng mga klasikal na canon, nais niyang makahanap ng pagkakaisa, ang paghahanap kung saan itinalaga ng artista ang lahat ng kanyang gawain.

"The Abduction of Europe" Mahirap agad na paniwalaan na ang larawan ni Verusha Mamontova at "The Abduction of Europe" ay ipininta ng parehong master, si Serov ay napakaraming nalalaman sa kanyang ebolusyon mula sa impressionistic na pagiging tunay ng mga portrait at landscape ng 80 –90s hanggang Art Nouveau sa mga makasaysayang motif at komposisyon mula sa sinaunang mitolohiya.

"Odysseus at Nausicaa". 1910. Minsan, sa panahon ng isang bagyo, si Odysseus ay itinapon sa isa sa mga isla sa Dagat Mediteraneo, kung saan nakilala niya si Prinsesa Navzikaya, na naglalaba ng mga damit. Inutusan ng prinsesa na pakainin at inumin ang bayani, bigyan siya ng malinis na damit, dahil ang pagbabalik ng bayani ng Trojan War sa kanyang katutubong isla ng Ithaca ay mahaba at masakit.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) Ang mundo ng Vrubel ay isang panahon sa kasaysayan ng hindi lamang Ruso, kundi pati na rin ang kultura ng mundo. Nag-iwan si Vrubel ng mahigit 200 gawa. Kabilang sa mga ito - mga larawan, mga kuwadro na gawa, pandekorasyon na mga panel, mga guhit, mga sketch ng mga kurtina sa teatro, mga gawa sa eskultura, mga proyekto sa pagtatayo, kapansin-pansin sa saklaw at lawak ng hanay ng malikhaing. Si Vrubel, na inspirasyon ng mga monumento ng nakaraan, ay nilikha sa maraming paraan sa kanyang sariling paraan, at madalas na nilikha bilang katumbas ng mga dakilang masters ng nakaraan. Halos lahat ng mga pangunahing artistang Ruso noong ika-20 siglo ay nakaranas ng malakas at pangmatagalang impluwensya ng Vrubel. Ang kanyang paraan ng pagsulat ng "makukulay na mga cubes" (ayon kay F.I. Chaliapin) ay minsan ay binibigyang kahulugan bilang ang hangganan ng kubismo. Gayunpaman, si Vrubel, na pinatunayan sa kanyang trabaho na ang isang malalim na pag-unawa sa kalikasan ay natural na nagpapahiwatig ng isang paglipat sa kabilang panig ng mga panlabas na anyo nito, ay nakatayo sa mga pinagmulan ng hindi isang partikular na direksyon, ngunit halos lahat ng avant-garde ay naghahanap para sa sining ng Russia. ika-20 siglo.

Demonyo (nakaupo). 1890 State Tretyakov Gallery. Matapos kumuha ng mga ilustrasyon para sa The Demon, hindi nagtagal ay lumayo siya sa direktang paglalarawan at noong 1890 ay nilikha ang kanyang Demon Seated - isang gawa, sa katunayan, walang plot, ngunit isang walang hanggang imahe, tulad ng mga imahe ni Mephistopheles, Faust, Don Giovanni. Ang imahe ng Demon ay ang sentral na imahe ng buong gawain ni Vrubel, ang pangunahing tema nito.

“Nakaupo na Demonyo” Sa isang liham sa aking kapatid na babae na may petsang Mayo 22, 1890, mababasa natin: “Sa loob ng isang buwan na ngayon ay sinusulat ko ang Demonyo, ibig sabihin, hindi ang napakalaking Demonyo, na isusulat ko sa paglipas ng panahon, kundi ang demonyo. , kalahating hubad, may pakpak, bata, malungkot na nag-iisip na pigura ay nakaupo, niyakap ang kanyang mga tuhod, laban sa backdrop ng paglubog ng araw at tumitingin sa isang namumulaklak na parang, mula sa kung saan ang mga sanga ay umaabot sa kanya, yumuko sa ilalim ng mga bulaklak. Ito ang painting na kilala bilang "Seated Demon" - ang una sa isang malawak na suite ng demonyo, kabilang ang pagpipinta, mga drawing, at sculpture. Ang "Vrubel's Demon" ay, una sa lahat, isang naghihirap na nilalang. Ang pagdurusa sa kanya ay nangingibabaw sa kasamaan. Nakita ng mga kontemporaryo sa kanyang "Mga Demonyo" ang isang simbolo ng kapalaran ng isang intelektwal, isang romantikong, sinusubukang mapanghimagsik na makatakas mula sa pangit na katotohanan patungo sa hindi tunay na mundo ng mga panaginip, ngunit bumulusok sa magaspang na katotohanan ng lupa. Ang pananabik para sa musika ng isang buong tao ay ang kanyang panloob na tuning fork. Ang isang makapangyarihang katawan na may mahigpit na pagkakahawak ng mga kamay ay, kumbaga, "pinisil" ng isang makitid, pinahabang parihaba ng canvas; ang elemental na lakas ng bayani ay nakatali ng mga kristal ng kamangha-manghang mga kulay; ang kanyang mukha ay nagtatago ng kadakilaan at kasabay nito ang kawalan ng pagtatanggol ng tao. Ang titig ng Demonyo, na bumaling sa walang hanggang mga lihim ng kalikasan, ay nakadirekta sa malayo, kung saan ang pulang-gintong paglubog ng araw ay bumabasag sa kadiliman ng langit. Ang mosaic laying ng luminiferous strokes ay lumilikha ng isang imahe ng isang sublimely poetic na mundo. Noong dekada 90, nang manirahan ang artista sa Moscow, nabuo ang istilo ng pagsulat ni Vrubel, puno ng misteryo at halos demonyong kapangyarihan, na hindi malito sa iba. Nililok niya ang anyo tulad ng isang mosaic, mula sa matalim na "faceted" na mga piraso ng iba't ibang kulay, na parang kumikinang mula sa loob. Ang mga kumbinasyon ng kulay ay hindi sumasalamin sa katotohanan ng relasyon ng kulay, ngunit may simbolikong kahulugan. Lumilikha siya ng sarili niyang mundo ng pantasya na may kaunting pagkakahawig sa katotohanan.

"Lilac" 1900 Sa Ukrainian farm, kung saan ginugol ng artist ang tag-araw, ang mga lilac ay laganap. Upang maiparating ang lilac na mundong ito sa canvas, pinili ni Vrubel ang isang late na oras, kung kailan ang gabi ay sumasakop sa mundo. Ang hangin ay tila lumapot, nagiging lila, at ang malalaking kumpol ng mga bulaklak ay nagsimulang kumikinang dito na parang nag-iisa. Ang isang malaking canvas, na ganap na puno ng mga bulaklak na ito na kumikinang sa background ng itim-berdeng mga dahon, sa una ay tila lilac. Ngunit nakikita ng mata ng artista ang isang napakagandang kayamanan ng mga kulay sa lilac na ulap: ngayon ay malalim na lila, ngayon ay maputlang lila, ngayon ay pilak-asul, ang mga bulaklak ay tila gumulong sa isa't isa. Sa harapan ay isang batang babae na may umaagos na buhok, na parang umuusbong mula sa kailaliman ng isang bush. Siguro ang Soul of a lilac ay nagpakita kay Vrubel?

"Lilac" Ang mga magagandang tula ay isinulat ni Osip Mandelstam pagkatapos ng isa sa mga eksibisyon: Ang pintor ay naglarawan para sa atin Ang malalim na pagkahilo ng lila At ang matingkad na mga hakbang ng mga kulay Sa canvas, tulad ng siya ay naglatag ng mga langib. Naunawaan niya ang densidad ng mga langis - Ang kanyang natuyot na tag-araw ay pinainit ng lilac na utak Lumawak sa pagkapuno

"Flying Demon" 1899 Timing. Paulit-ulit, ibinalik ni Vrubel ang kanyang mga iniisip sa kanyang Demonyo, nagpaplanong sulatan siyang lumilipad. Para sa pagpipinta na ito, pinili ng artist ang isang makitid na mahabang canvas. Ang malawak na kalawakan ng lupa ay nakaunat dito nang walang katapusan. Ang demonyo ay pininturahan ng malaki, ang kanyang mukha, balikat, mabibigat na pakpak na may kulay-pilak na kinang ay napakalapit. At ang lupa - ang maniyebe na mga taluktok ng mga bundok, ang mga lambak, ang inilaan na guhit ng ilog - ay malayo sa ibaba. Ang artista, at ang madlang kasama niya, na nakatingin sa kanya mula sa taas, ay tila umaaligid sa tabi ng Demonyo.

"upang gisingin ang kaluluwa ng mga maringal na larawan mula sa maliliit na bagay ng pang-araw-araw na buhay." Ang Demonyong ito ay may ganap na kakaibang mukha kaysa sa "Nakaupo": mapagmataas, hindi mapipigilan. Ngunit sa kanyang mga mata - pananabik, walang pag-asa na kalungkutan. Isinulat ni M.Yu ang tungkol sa kanyang paglipad sa kanyang tula. Lermontov: At ang buong mundo ng Diyos ay nasa paligid ng ligaw at kahanga-hanga; ngunit ang mapagmataas na espiritu ay Mapanghamak na tumingin sa Nilikha ng kanyang Diyos, At walang naaninag sa kanyang mataas na noo... Tinanggihan ng Diyos, ang Demonyo ay lumulutang nang mataas sa ibabaw ng lupa, kung saan wala itong lugar, gaya sa langit. Iniwan ni Vrubel ang gawain na hindi natapos. Ang isang bagong ideya ay lumitaw sa kanyang imahinasyon ... Ang trahedya ng artistikong pananaw sa mundo ay tumutukoy din sa mga katangian ng larawan ng Vrubel: espirituwal na hindi pagkakasundo, isang pagkasira sa kanyang mga larawan sa sarili, pagkaalerto, halos takot, ngunit din maringal na lakas, monumentality - sa portrait. ng S. Mamontov (1897, State Tretyakov Gallery) , pagkalito, pagkabalisa - sa kamangha-manghang imahe ng "The Swan Princess" (1900, Tretyakov Gallery), kahit na sa kanyang mga pandekorasyon na panel na "Spain" (1894, Tretyakov Gallery) at "Venice " (1893, State Russian Museum), na maligaya sa disenyo at gawain. Si Vrubel mismo ang bumalangkas sa kanyang gawain - "upang gisingin ang kaluluwa na may maringal na mga imahe mula sa maliliit na bagay ng pang-araw-araw na buhay."

Natalo ang demonyo. 1902 State Tretyakov Gallery. Ang pinaka-trahedya na gawain ng Vrubel. At kung sa unang bahagi ng canvas ay nararamdaman natin ang kaguluhan ng kapanganakan, kung saan nabubuhay ang pag-asa, kung gayon sa talunang Demonyo, naghahari ang kapahamakan. Walang kayamanan ng mga kulay, walang pattern ng mga burloloy ang nagtatago sa trahedya ng isang sirang personalidad, ang kanyang nasirang pigura, na nahulog mula sa matataas na langit, ay kitang-kita na naghihirap, na nahahawa sa buong mundo sa paligid niya ng kagandahan ng huling paglubog ng araw.

“Larawan ni V.Ya. Bryusov". 1906 Hindi natapos ang State Tretyakov Gallery Ganap na bulag, maaari siyang gumuhit ng silweta ng isang kabayo o ibang tao nang hindi inaalis ang kanyang kamay sa papel, ngunit ang pagtanggal ng kanyang kamay ay hindi siya maaaring magpatuloy - hindi niya makita. Ang huling larawan na nagawa niyang ipinta ay isang magandang larawan ng makata na si V. Ya. Bryusov. Ang mga impresyon ng makata sa pakikipagpulong kay Vrubel ay nahahati sa unang mabigat: "Pumasok siya na may hindi matatag na mabigat na lakad, na parang kinakaladkad ang kanyang mga paa ... isang mahina, may sakit na lalaki, sa isang maruming gusot na kamiseta. Siya ay may isang mapula-pula mukha; mga mata - tulad ng sa isang ibong mandaragit; paglabas ng buhok sa halip na balbas. Unang impression: baliw!” Ngunit pagkatapos ay sinabi ni Bryusov kung paano nagbago ang artist habang nagtatrabaho. “Sa buhay, sa lahat ng galaw ni Vrubel, may malinaw na kaguluhan ... Ngunit sa sandaling kumuha ng uling o lapis ang kamay ni Vrubel, nakakuha siya ng pambihirang kumpiyansa at katatagan. Ang mga linyang iginuhit niya ay hindi mapag-aalinlanganan. Ang malikhaing puwersa ay nakaligtas sa lahat ng nasa kanya. Namatay ang lalaki, bumagsak, patuloy na nabuhay ang panginoon.

V. Bryusov at A. Blok tungkol kay Vrubel Si Bryusov ay labis na nasiyahan sa larawan at nagbiro pa na siya ay nagsusumikap na maging katulad ng inilalarawan ni Vrubel. Pagkatapos ay lumitaw ang mga magagandang talata: Mula sa isang huwad at tanyag na buhay Ang iyong panaginip ay dinala ka sa kalawakan ng azure na langit O sa kailaliman ng tubig na sapiro. Hindi naa-access sa amin, hindi nakikita sa amin, Sa pagitan ng mga hukbo ng umiiyak na pwersa, Ang mga seraphim ay bumaba sa iyo Sa ningning ng maraming kulay na mga pakpak. Mula sa mga tore ng bansang kristal, Masunurin sa isang kamangha-manghang kapalaran, Mga Naiad, tapat sa iyo, mukhang tuso at malungkot. At sa isang oras sa maapoy na paglubog ng araw Nakita Mo sa pagitan ng walang hanggang mga bundok, Kung paanong ang diwa ng kadakilaan at sumpa ay Nahulog sa mga bangin mula sa itaas. At doon, sa solemne na disyerto, Ikaw lamang ang nakaunawa hanggang sa dulo ng nakabukang pakpak ang ningning ng paboreal At ang kalungkutan ng mukha ng Eden! Hinangaan ng mga simbolistang makata ang gawa ng artista, naunawaan nila at naaayon sa interpretasyon ng Demonyo, ang makasagisag na istilo ng mga akda. Si Alexander Blok, isang matagal nang tagahanga ng artista, na nagsasalita sa serbisyo ng pang-alaala, ay nagsabi: "Iniwan niya sa amin ang kanyang mga Demonyo, bilang mga spellcaster laban sa lilang kasamaan, laban sa gabi. Nanginginig lang ako bago ang ipinahayag ni Vrubel at ng kanyang kauri sa sangkatauhan minsan sa isang siglo. Ang mga mundong nakita nila, hindi natin nakikita. Namatay si Mikhail Alexandrovich Vrubel noong Abril 1 (14), 1910, sa edad na 54. Ang agarang sanhi ng kamatayan ay pulmonya.