Showforum kung paano inilalarawan ng artist. Mga larawan at artista (paksa sa Ingles)

Ngayon ay ipinakita namin sa iyong pansin ang dalawampung mga kuwadro na karapat-dapat sa pansin at pagkilala. Ang mga kuwadro na ito ay ipininta ng mga sikat na artista, at dapat silang makilala hindi lamang ng taong nakikibahagi sa sining, kundi pati na rin ng mga ordinaryong mortal na tao, dahil ang sining ay nagpinta ng ating buhay, ang mga aesthetics ay nagpapalalim sa ating pananaw sa mundo. Bigyan ang sining ng nararapat na lugar sa iyong buhay...

1. "Ang Huling Hapunan". Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Monumental na pagpipinta ni Leonardo da Vinci na naglalarawan sa eksena ng huling hapunan ni Kristo kasama ang kanyang mga alagad. Nilikha noong mga taong 1495-1498 sa Dominican monastery ng Santa Maria delle Grazie sa Milan.

Ang pagpipinta ay kinomisyon ni Leonardo mula sa kanyang patron, si Duke Lodovico Sforza at ang kanyang asawang si Beatrice d'Este. Ang coat of arms ng Sforza ay ipininta sa mga lunettes sa itaas ng pagpipinta, na nabuo sa pamamagitan ng isang kisame na may tatlong arko. Ang pagpipinta ay sinimulan noong 1495 at natapos noong 1498; pasulput-sulpot ang trabaho. Ang petsa ng pagsisimula ng trabaho ay hindi eksakto, dahil "ang mga archive ng monasteryo ay nawasak, at isang hindi gaanong mahalagang bahagi ng mga dokumento na napetsahan namin noong 1497, nang ang pagpipinta ay halos makumpleto."

Ang pagpipinta ay naging isang milestone sa kasaysayan ng Renaissance: ang wastong muling ginawang lalim ng pananaw ay nagbago sa direksyon ng pag-unlad ng Western painting.

Ito ay pinaniniwalaan na maraming mga lihim at pahiwatig ang nakatago sa larawang ito - halimbawa, mayroong isang palagay na ang mga imahe ni Jesus at Judas ay isinulat mula sa isang tao. Nang ipininta ni Da Vinci ang larawan, sa kanyang pangitain, si Jesus ay nagpakilala ng kabutihan, habang si Hudas ay puro kasamaan. At nang matagpuan ng panginoon ang "kanyang Judas" (isang lasenggo mula sa kalye), lumabas na, ayon sa mga istoryador, ang lasing na ito ay nagsilbing prototype para sa pagpipinta ng imahe ni Jesus ilang taon na ang nakalilipas. Kaya, masasabi nating nakuha ng larawang ito ang isang tao sa iba't ibang panahon ng kanyang buhay.

2. "Mga Sunflower". Vincent van Gogh, 1887

Pangalan ng dalawang cycle ng mga painting ng Dutch artist na si Vincent van Gogh. Ang unang serye ay ginawa sa Paris noong 1887. Ito ay nakatuon sa nakahiga na mga bulaklak. Ang pangalawang serye ay natapos makalipas ang isang taon, sa Arles. Inilalarawan niya ang isang palumpon ng mga sunflower sa isang plorera. Dalawang Parisian painting ang nakuha ng kaibigan ni van Gogh na si Paul Gauguin.

Labing-isang beses na nagpinta ng mga sunflower ang pintor. Ang unang apat na mga pintura ay nilikha sa Paris noong Agosto-Setyembre 1887. Ang mga malalaking hiwa ng bulaklak ay namamalagi tulad ng ilang kakaibang nilalang na namamatay sa harap ng ating mga mata.

3. "Ang ikasiyam na alon". Ivan Konstantinovich Aivazovsky?, 1850.

Ang isa sa mga pinakasikat na pagpipinta ng Russian marine pintor na si Ivan Aivazovsky ay itinatago sa Russian Museum.

Inilalarawan ng pintor ang dagat pagkatapos ng pinakamalakas na bagyo sa gabi at mga taong nawasak. Ang mga sinag ng araw ay nagbibigay liwanag sa malalaking alon. Ang pinakamalaki sa kanila - ang ika-siyam na baras - ay handang bumagsak sa mga taong sinusubukang makatakas sa pagkawasak ng palo.

Sa kabila ng katotohanan na ang barko ay nawasak at ang palo na lamang ang natitira, ang mga tao sa palo ay buhay at patuloy na lumalaban sa mga elemento. Ang mga maiinit na tono ng larawan ay ginagawang hindi masyadong malupit ang dagat at nagbibigay ng pag-asa sa manonood na maliligtas ang mga tao.

Nilikha noong 1850, ang pagpipinta na "The Ninth Wave" ay agad na naging pinakatanyag sa lahat ng kanyang mga marina at nakuha ni Nicholas I.

4. "Hubad Maja". Francisco Goya, 1797-1800

Pagpinta ng Spanish artist na si Francisco Goya, ipininta noong 1797-1800. Pares sa painting na "Maja dressed" (La maja vestida). Ang mga kuwadro na gawa ay naglalarawan kay maja - isang Spanish townswoman noong ika-18-19 na siglo, isa sa mga paboritong bagay ng larawan ng artist. Ang Maja Nude ay isa sa mga unang gawa ng sining ng Kanluranin na naglalarawan ng isang ganap na hubad na babae na walang mitolohiya o negatibong konotasyon.

5. "Paglipad ng magkasintahan." Marc Chagall, 1914-1918

Ang trabaho sa pagpipinta na "Above the City" ay nagsimula noong 1914, at ang master ay nag-apply ng mga pagtatapos lamang noong 1918. Sa panahong ito, si Bella ay naging isang minamahal hindi lamang sa isang minamahal na asawa, kundi pati na rin ang ina ng kanilang anak na babae na si Ida, magpakailanman na naging pangunahing muse ng pintor. Ang pagsasama ng isang mayamang anak na babae ng isang namamana na mag-aalahas at isang simpleng kabataang Hudyo, na ang ama ay nabubuhay sa pamamagitan ng pagbabawas ng herring, ay matatawag lamang na isang maling akala, ngunit ang pag-ibig ay mas malakas at nagtagumpay sa lahat ng mga kombensiyon. Ang pag-ibig na ito ang nagbigay inspirasyon sa kanila, na nag-angat sa kanila sa langit.

Inilalarawan ni Karina ang dalawang pag-ibig ni Chagall nang sabay-sabay - sina Bella at mahal na Vitebsk. Ang mga kalye ay ipinakita sa anyo ng mga bahay, na pinaghihiwalay ng isang mataas na madilim na bakod. Hindi agad mapapansin ng manonood ang isang kambing na nanginginain sa kaliwa ng gitna ng larawan, at isang simpleng lalaki na nakababa ang pantalon sa harapan - isang katatawanan mula sa pintor, na lumalabas sa pangkalahatang konteksto at romantikong kalagayan ng trabaho, ngunit ito ang buong Chagall ...

6. "Ang mukha ng digmaan." Salvador Dali, 1940

Pagpinta ng Spanish artist na si Salvador Dali, na ipininta noong 1940.

Ang pagpipinta ay nilikha sa daan patungo sa USA. Humanga sa trahedya na sumiklab sa mundo, ang pagkauhaw sa dugo ng mga pulitiko, ang master ay nagsimulang magtrabaho sa barko. Matatagpuan sa Boijmans-van Beuningen Museum sa Rotterdam.

Nawalan ng pag-asa para sa isang normal na buhay sa Europa, iniwan ng artista ang kanyang minamahal na Paris para sa Amerika. Sinasaklaw ng digmaan ang Lumang Mundo at naglalayong sakupin ang buong mundo. Hindi pa alam ng master na ang pananatili sa Bagong Mundo sa loob ng walong taon ay gagawin siyang tunay na sikat, at ang kanyang mga gawa - mga obra maestra ng sining sa mundo.

7. "Sigaw". Edvard Munch, 1893

Ang Scream (Norwegian Skrik) ay isang serye ng mga painting na nilikha sa pagitan ng 1893 at 1910 ng Norwegian Expressionist na pintor na si Edvard Munch. Inilalarawan nila ang isang pigura ng tao na sumisigaw sa kawalan ng pag-asa laban sa isang pulang-dugo na langit at isang napaka-generalized na background ng landscape. Noong 1895, lumikha si Munch ng isang lithograph sa parehong paksa.

Tinakpan ng pula, nagniningas na mainit na kalangitan ang malamig na fjord, na kung saan, ay nagbubunga ng isang kamangha-manghang anino, na katulad ng isang uri ng halimaw sa dagat. Nasisira ng tensyon ang espasyo, nasira ang mga linya, hindi tumutugma ang mga kulay, nasisira ang pananaw.

Maraming mga kritiko ang naniniwala na ang balangkas ng larawan ay bunga ng isang may sakit na pantasya ng isang taong may sakit sa pag-iisip. Nakikita ng isang tao sa trabaho ang isang premonisyon ng isang ekolohikal na sakuna, may isang taong nalulutas ang tanong kung anong uri ng mummy ang nagbigay inspirasyon sa may-akda na gawin ang gawaing ito.

8. "Babaeng may perlas na hikaw." Jan Vermeer, 1665

Ang painting na "Girl with a Pearl Earring" (Dutch. "Het meisje met de parel") ay isinulat noong 1665. Kasalukuyang nakaimbak sa Mauritshuis Museum, The Hague, Netherlands, at ito ang tanda ng museo. Ang pagpipinta, na tinawag na Dutch Mona Lisa, o Mona Lisa ng North, ay nakasulat sa genre ng Tronie.

Salamat sa 2003 na pelikulang Girl with a Pearl Earring ni Peter Webber, isang malaking bilang ng mga tao na malayo sa pagpipinta ang natutunan ang tungkol sa kahanga-hangang Dutch artist na si Jan Vermeer, pati na rin ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta, Girl with a Pearl Earring.

9. "Tore ng Babel". Pieter Brueghel, 1563

Sikat na pagpipinta ni Pieter Brueghel. Ang artist ay lumikha ng hindi bababa sa dalawang mga pagpipinta sa paksang ito.

Ang pagpipinta ay nasa Kunsthistorisches Museum, Vienna.

May isang kuwento sa Bibliya kung paano sinubukan ng mga naninirahan sa Babylon na magtayo ng isang mataas na tore upang maabot ang langit, ngunit ginawa sila ng Diyos na magsalita ng iba't ibang wika, tumigil sa pagkakaintindihan, at ang tore ay nanatiling hindi natapos.

10. "Mga babaeng Algeria." Pablo Picasso, 1955

"Women of Algeria" - isang serye ng 15 paintings na nilikha ni Picasso noong 1954-1955 batay sa mga painting ni Eugene Delacroix; ang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng mga titik na itinalaga ng pintor mula A hanggang O. Ang "Bersyon O" ay isinulat noong Pebrero 14, 1955; sa loob ng ilang panahon ito ay pagmamay-ari ng sikat na Amerikanong kolektor ng sining noong ika-20 siglo, si Victor Ganz.

Ang "Women of Algiers (bersyon O)" ni Pablo Picasso ay naibenta sa halagang $180 milyon.

11. "Bagong planeta". Konstantin Yuon, 1921

Pintor ng Russian Soviet, master ng landscape, theater artist, art theorist. Academician ng Academy of Arts ng USSR. People's Artist ng USSR. Laureate ng Stalin Prize ng unang degree. Miyembro ng CPSU mula noong 1951.

Ang kamangha-manghang ito, na nilikha noong 1921 at hindi sa lahat ng katangian ng realist artist na si Yuon, ang pagpipinta na "Bagong Planeta" ay isa sa mga pinakamaliwanag na gawa na naglalaman ng imahe ng mga pagbabago na naging Rebolusyong Oktubre sa ikalawang dekada ng ika-20 siglo. Isang bagong sistema, isang bagong paraan at isang bagong paraan ng pag-iisip ng bagong ipinanganak na lipunang Sobyet. Ano ang naghihintay sa sangkatauhan ngayon? Maliwanag na kinabukasan? Hindi pa ito pinag-iisipan noon, ngunit ang katotohanan na ang Soviet Russia at ang buong mundo ay pumapasok sa isang panahon ng pagbabago ay kitang-kita, gayundin ang mabilis na pagsilang ng isang bagong planeta.

12. "Sistine Madonna". Raphael Santi, 1754

Pagpinta ni Raphael, na nasa Old Masters Gallery sa Dresden mula noong 1754. Nabibilang sa pangkalahatang kinikilalang mga taluktok ng High Renaissance.

Malaki ang sukat (265 × 196 cm, dahil ang laki ng pagpipinta ay ipinahiwatig sa catalog ng Dresden Gallery) ang canvas ay nilikha ni Raphael para sa altar ng simbahan ng monasteryo ng St. Sixtus sa Piacenza, na inatasan ng Pope. Julius II. Mayroong hypothesis na ang pagpipinta ay ipininta noong 1512-1513 bilang parangal sa tagumpay laban sa mga Pranses, na sumalakay sa Lombardy noong mga Digmaang Italyano, at ang kasunod na pagsasama ng Piacenza sa Papal States.

13. "Nagsisisi Maria Magdalena". Titian (Tiziano Vecellio), ipininta noong 1565

Isang painting na ipininta noong 1565 ng Italian artist na si Titian Vecellio. Nabibilang sa State Hermitage Museum sa St. Petersburg. Minsan ang petsa ng paglikha ay ibinibigay bilang "1560s".

Ang modelo ng pagpipinta ay si Giulia Festina, na hinampas ng ginintuang buhok ang artist. Ang natapos na canvas ay lubos na humanga sa Duke ng Gonzaga, at nagpasya siyang mag-order ng kopya nito. Nang maglaon, si Titian, na binago ang background at pag-pose ng babae, ay nagpinta ng ilang magkatulad na mga gawa.

14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Larawan ni Gng. Lisa del Giocondo, (ital. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - isang pagpipinta ni Leonardo da Vinci, na matatagpuan sa Louvre (Paris, France), isa sa mga pinakatanyag na painting sa mundo, na pinaniniwalaang larawan ni Lisa Gherardini, ang asawa ng isang mangangalakal ng sutla mula sa Florence, Francesco del Giocondo, pininturahan noong 1503-1505 .

Ayon sa isa sa mga inilagay na bersyon, ang "Mona Lisa" ay isang self-portrait ng artist.

15. "Umaga sa isang pine forest", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Pagpinta ng mga artistang Ruso na sina Ivan Shishkin at Konstantin Savitsky. Ipininta ni Savitsky ang mga oso, ngunit tinanggal ng kolektor na si Pavel Tretyakov ang kanyang pirma, kaya ang isang pagpipinta ay madalas na nakalista bilang may-akda.

Ang ideya para sa pagpipinta ay iminungkahi kay Shishkin ni Savitsky, na kalaunan ay kumilos bilang isang co-author at inilalarawan ang mga figure ng mga cubs. Ang mga oso na ito, na may ilang pagkakaiba sa pustura at numero (sa una ay dalawa sa kanila), ay lumilitaw sa mga guhit at sketch ng paghahanda. Ang mga hayop ay naging napakahusay para kay Savitsky na pinirmahan pa niya ang pagpipinta kasama si Shishkin.

16. "Hindi kami naghintay." Ilya Repin, 1884-1888

Pagpinta ng Russian artist na si Ilya Repin (1844-1930), ipininta noong 1884-1888. Ito ay bahagi ng koleksyon ng State Tretyakov Gallery.

Ang pagpipinta na ipinakita sa ika-12 na eksibisyon sa paglalakbay ay bahagi ng isang siklo ng pagsasalaysay na nakatuon sa kapalaran ng populistang rebolusyonaryo ng Russia.

17. Ball sa Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Pagpipinta na ipininta ng French artist na si Pierre-Auguste Renoir noong 1876.

Ang lugar kung saan matatagpuan ang pagpipinta ay ang Musée d'Orsay. Ang Moulin de la Galette ay isang murang tavern sa Montmartre kung saan nagtipon ang mga estudyante at nagtatrabahong kabataan ng Paris.

18. Mabituing gabi. Vincent van Gogh, 1889

De sterrennacht- isang pagpipinta ng Dutch artist na si Vincent van Gogh, na isinulat noong Hunyo 1889, na may tanawin ng madaling araw sa ibabaw ng isang kathang-isip na bayan mula sa silangang bintana ng tirahan ng pintor sa Saint-Remy-de-Provence. Mula noong 1941 ito ay itinago sa Museum of Modern Art sa New York. Ito ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Van Gogh at isa sa pinakamahalagang gawa ng Western painting.

19. "Paglikha ni Adan". Michelangelo, 1511.

Fresco ni Michelangelo, ipininta noong 1511. Ang fresco ay ang ikaapat sa siyam na sentral na komposisyon sa kisame ng Sistine Chapel.

Ang Paglikha ni Adan ay isa sa mga pinakatanyag na komposisyon ng mural sa Sistine Chapel. Sa walang katapusang kalawakan, lumilipad ang Diyos Ama, na napapaligiran ng mga anghel na walang pakpak, na may kumikislap na puting tunika. Ang kanang kamay ay nakaabot sa kamay ni Adam at halos hawakan ito. Nakahiga sa isang berdeng bato, ang katawan ni Adan ay unti-unting nagsimulang gumalaw, nagising sa buhay. Ang buong komposisyon ay puro sa kilos ng dalawang kamay. Ang kamay ng Diyos ay nagbibigay ng udyok, at ang kamay ni Adan ay tumatanggap nito, na nagbibigay ng lakas ng buhay sa buong katawan. Sa pamamagitan ng katotohanan na ang kanilang mga kamay ay hindi hawakan, binigyang diin ni Michelangelo ang imposibilidad ng pagkonekta sa banal at sa tao. Sa imahe ng Diyos, ayon sa artist, hindi isang mahimalang prinsipyo ang namamayani, ngunit isang napakalaking malikhaing enerhiya. Sa imahe ni Adan, inaawit ni Michelangelo ang lakas at kagandahan ng katawan ng tao. Sa katunayan, hindi ang mismong paglikha ng tao ang lumilitaw sa ating harapan, ngunit ang sandali kung saan natanggap niya ang isang kaluluwa, isang madamdaming paghahanap para sa banal, isang uhaw sa kaalaman.

20. "Halik sa mabituing langit." Gustav Klimt, 1905-1907

Pagpinta ng Austrian artist na si Gustav Klimt, ipininta noong 1907-1908. Ang canvas ay nabibilang sa panahon ng akda ni Klimt, na tinatawag na "ginintuang", ang huling gawa ng may-akda sa kanyang "gintong panahon".

Sa isang bato, sa gilid ng isang bulaklak na parang, sa isang ginintuang aura, ang mga mahilig ay ganap na nahuhulog sa bawat isa, na nabakuran mula sa buong mundo. Dahil sa kawalan ng katiyakan ng lugar kung ano ang nangyayari, tila ang mag-asawang inilalarawan sa larawan ay lumilipat sa isang kosmikong estado na hindi napapailalim sa oras at espasyo, lampas sa lahat ng makasaysayang at panlipunang stereotype at cataclysms. Ang ganap na pag-iisa at ang mukha ng lalaki ay nakatalikod ay nagbibigay-diin lamang sa impresyon ng paghihiwalay at pagkakahiwalay na may kaugnayan sa nagmamasid.

Pinagmulan - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 painting na dapat malaman ng lahat (ang kasaysayan ng pagpipinta) na-update: Nobyembre 23, 2016 ni: website

Hindi lamang nilagdaan ng mga mahuhusay na artist ang kanilang mga painting sa isang malawak na paraan, ngunit pininturahan din ang mga nakatagong self-portraits sa kanilang mga likha. Ang ilan ay napaka-sopistikado na inilalarawan nila ang kanilang mga sarili sa isang decanter ng alak, ang iba ay pininturahan lamang ang kanilang sarili sa karamihan, at ang isa sa kanila ay nagpinta pa ng kanyang sarili sa isang babaeng anyo.

Bacchus ni Michelangelo Merisi da Caravaggio

Ang pagpipinta na "Bacchus", na isinulat noong 1595 ni Michelangelo Merisi da Caravaggio, ay naglalarawan sa sinaunang diyos ng winemaking, inspirasyon at relihiyosong lubos na kaligayahan. Isang batang lalaki na may mga dahon at ubas sa kanyang buhok ang matamlay na nag-abot ng isang mababaw na baso ng alak sa manonood, na para bang iniimbitahan siyang sumama sa kanya. Si Caravaggio, na lumilikha ng larawang ito, ay nais na lumayo mula sa idealized na imahe ng sinaunang diyos - upang ibaba si Bacchus sa lupa, ang artist ay naglalarawan ng dumi sa ilalim ng kanyang mga kuko, at naglagay din ng isang plato ng nabubulok na prutas sa tabi niya.

Ngunit ang walang hanggang tema ng makalupang at ang banal ay hindi lamang ang bagay na ginagawang kapansin-pansin ang larawang ito. Matapos linisin ang canvas, gamit ang reflectography, isang self-portrait ng Caravaggio ang natagpuan sa repleksyon sa salamin ng decanter, sa ibabang kaliwang sulok. Inilarawan ng artist ang kanyang sarili na nagtatrabaho sa isang easel. Gayundin, pagkatapos na alisin ang mga layer ng alikabok, naging posible na makita ang repleksyon ng mukha ni Bacchus sa ibabaw ng alak sa mangkok.

Adoration of the Magi ni Sandro Botticelli

Ang pagpipinta na "The Adoration of the Magi" ni Sandro Botticelli ay isinulat humigit-kumulang noong 1475 sa pamamagitan ng utos ng Florentine banker na si Gaspare di Zanobe del Lama, isang miyembro ng guild of arts and crafts ng lungsod ng Florence. Ang paglikha ng Botticelli ay inilaan para sa funeral chapel sa Basilica of Santa Maria Novella.

Para sa maraming mga istoryador ng sining, ang pagpipinta na ito ay kapansin-pansin sa katotohanan na ito ay matatagpuan ang imahe ng isang bilang ng mga makasaysayang karakter. Halimbawa, inilarawan ng artist ang kanyang kliyente sa kanan sa isang asul na damit, itinuro ang kanyang sarili at direktang nakatingin sa manonood. Ang pinakamatanda sa Magi, na lumuhod sa harap ng sanggol, ay si Cosimo de' Medici, tagapagtatag ng dinastiya ng mga pinuno ng Florence at lolo ni Lorenzo the Magnificent. Sa pinakasentro, nakatalikod sa manonood, ay isang lalaking nakasuot ng pulang damit, si Pietro Medici, anak ni Cosimo at ama ni Lorenzo. Si Lorenzo the Magnificent mismo ay inilalarawan, ayon sa mga istoryador ng sining, sa profile, sa isang itim at pulang damit. Sa kaliwa, sa harapan, habang ang kanyang mga braso ay naka-cross sa hilt ng espada, nakatayo si Giuliano Medici, kapatid at kasintahan ni Lorenzo, ang batang babae na nag-pose para kay Botticelli sa panahon ng paglikha ng pagpipinta na "The Birth of Venus". At sa wakas, ang binata sa dulong kanan, na nakatingin sa iyo ng diretso sa mata, ay isang self-portrait ni Botticelli mismo.

Ang pagpipinta ay makikita sa Florence, sa Uffizi Gallery.

The Garden of Earthly Delights ni Hieronymus Bosch

Ang Garden of Earthly Delights ay isang triptych na ipininta ng nakakatakot na master na si Hieronymus Bosch (tunay na pangalan na Jeroen Antonison van Aken). Itinuturing ng ilan na ang artista ay isang surrealist noong ika-15 siglo, ang iba ay sigurado na si Boschtagasunod ng maling pananampalataya ng Cathar, at iba pa - na ang mga kuwadro na gawa ng pintor ay sumasalamin sa medieval na "esoteric disciplines": astrolohiya, black magic, at alchemy. Ang bawat canvas ay puspos ng napakaraming simbolo na mahirap bilangin ng ating mga kontemporaryo.

Ang kaliwang pakpak ng triptych ay naglalarawan sa Diyos na kumakatawan kay Eva kay Adan sa matahimik na Paraiso. Sa gitna ng triptych ay ang mga eksena mula sa Garden of Delights, kung saan ang mga tao at mga pantasyang hayop ay nagpapakasawa sa makamundong kasiyahan. Buweno, sa kanang bahagi ng larawan ay ang mga kumplikadong makina ng pagpapahirap, mga halimaw at ang kanyang sarili, isang pintor na may katawan na parang shell, na nakangiti ng malisyosong sa lahat ng Impiyernong ito.

Ang pagpipinta ay itinatago sa Prado Museum sa Madrid.

Ang Huling Paghuhukom ni Michelangelo

Ang Huling Paghuhukom ni Michelangelo ay inilalarawan sa dingding ng altar ng Sistine Chapel sa Vatican. Ang artist ay nagtrabaho sa fresco, ang pangunahing tema kung saan ay ang ikalawang pagdating ni Kristo at ang apocalypse, sa loob ng apat na taon, mula 1537 hanggang 1541. Naniniwala ang mga kritiko ng sining na natapos ng gawaing ito ang Renaissance at nagbukas ng bagong panahon ng pagkabigo sa pilosopiya ng anthropocentric humanism.

Sa paanan ni Kristo, inilagay ni Michelangelo si Bartholomew, na makikilala sa pamamagitan ng kutsilyo sa kanyang kamay. Hawak niya ang isang flayed na balat kung saan, ayon sa mga art historian, ipininta ng artist ang kanyang self-portrait. Natitiyak ng ilan na si Bartholomew ay halos kapareho ni Pietro Aretino, ang kaaway ni Michelangelo, na nang-insulto sa kanya. Kaya nakita ng artista ang kanyang pagtubos. Naniniwala ang iba na inilarawan ni Michelangelo ang kanyang sarili sa isang flayed na balat bilang tanda na ayaw niyang tapusin ang fresco at isinagawa ang utos na ito ng Papa sa ilalim ng espesyal na pagpilit.

Ang fresco ay makikita sa Sistine Chapel, sa Vatican Museum.

"Mona Lisa" ni Leonardo da Vinci

Nilikha ni Leonardo da Vinci, ang "Mona Lisa" ay marahil ang pinakapinag-uusapan tungkol sa pagpipinta sa buong mundo. Ito ngayon ay nakasabit sa ilalim ng hindi maarok na salamin sa Louvre, at minsang pinalamutian ang banyo ni Napoleon. Sa paglikha ng da Vinci na ito, mayroong isang lihim na hindi mabubuksan ng mga istoryador ng sining sa anumang paraan: ang ilan ay nagmumungkahi na ang ngiti ng Gioconda ay ang ngiti ng isang buntis na nakahuli sa paggalaw ng fetus, ang iba ay ang ngiti ng kanyang minamahal. Leonardo Giacomo Salai, nakikita ng mga psychiatrist ang schizophrenia sa ekspresyon ng mukha ni Mona Lisa, at sigurado ang mga dentista na ito ang ngiti ng isang babaeng walang ngipin.

Ang isa pang hypothesis ay ang itinatanghal na batang babae na may ngiti— Si Leonardo da Vinci mismo. Ang isang paghahambing sa computer ng mga anatomical na tampok ng mukha ng artist at ang modelo ay nagpakita na sa geometriko ay ganap na tumutugma ang mga ito.Makikita mo mismo sa pamamagitan ng paghahambing ng self-portrait ni Mona Lisa at da Vinci, na ginawa ng artist gamit ang pulang lapis.

Ang pagpipinta ay nasa Louvre, Paris.

"School of Athens" Raphael Santi

Rafael Santi, na lumilikha ng fresco na "The School of Athens", na hindi lamang naglalarawan dito: ang nabanggit na Leonardo da Vinci sa imahe ni Plato, at Michelangelo sa imahe ni Heraclitus, at Socrates, at Alexander the Great. Hindi nakalimutan ni Santi na iguhit ang kanyang sarili sa tabi ng pintor na si Sodoma, na nagsimulang magtrabaho sa fresco bago siya. Mayroong higit sa 50 tao sa larawan.

Ang pangunahing ideya ng fresco ng "School of Athens" ay ang posibilidad ng harmonic harmony sa pagitan ng iba't ibang mga lugar ng pilosopiya at agham. Sa pamamagitan ng paraan, ang konseptong ito ay isa sa pinakamahalagang ideya ng mga humanista. Si Raphael Santi, sa ilalim ng mga vault ng Vatican Palace, ay naglalarawan ng isang mahalagang komunidad ng mga nag-iisip ng klasikal na panahon. Sa gitna ng komposisyon ay sina Aristotle at Plato, na nagpapakilala sa sinaunang karunungan at kumakatawan sa dalawang paaralan ng pilosopiya.

Ang fresco ay nasa Vatican Palace.

"Portrait of the Arnolfinis" ni Jan van Eyck

Ang "Portrait of the Arnolfinis" ni Jan van Eyck ay isa pang Renaissance painting na mahirap bigyang-kahulugan - ang mga pagtatalo tungkol sa kung sino ang inilalarawan dito ay nagpapatuloy hanggang ngayon. Ang pinakakaraniwang bersyon ay pininturahan ng pintor ang merchant na si Giovanni di Nicolao Arnolfini at ang kanyang asawa sa canvas, marahil sa kanilang bahay sa Bruges.

Ngunit higit sa lahat sa gawaing ito hindi kami interesado sa mga character ng foreground, ngunit kung sino ang inilalarawan sa salamin sa dingding, na matatagpuan sa gitnang axis ng komposisyon, sa itaas mismo ng mga kamay ng mga character. Kung titingnan mong mabuti, makikita mo ang mga figure mula sa likod na nakasuot ng pula at asul na suit. Kung tutuusin ang mga silhouette ng kanilang mga damit, sila ay isang lalaki at isang babae. Sa kasamaang palad, ang mga tampok ng kanilang mga mukha ay imposibleng makita. Karamihan sa mga kritiko ng sining ay sigurado na ang inskripsiyon sa itaas ng salamin, na nagbabasa ng "Jan van Eyck ay narito," direktang nagpapahiwatig na ang isa sa mga nakatayo sa threshold ng silid ay ang artist mismo.

Ang pagpipinta ay nasaPambansang Gallery ng London.

Sa halos bawat makabuluhang gawa ng sining ay may misteryo, double bottom o isang lihim na kuwento na gusto mong alisan ng takip.

Musika sa puwitan

Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1500-1510.

Fragment ng isang triptych

Ang mga pagtatalo tungkol sa mga kahulugan at nakatagong kahulugan ng pinakasikat na gawa ng Dutch artist ay hindi humupa mula nang lumitaw ito. Sa kanang pakpak ng triptych na tinatawag na "Musical Hell" ay inilalarawan ang mga makasalanan na pinahirapan sa underworld sa tulong ng mga instrumentong pangmusika. Ang isa sa kanila ay may mga tala na nakaimprenta sa kanyang puwitan. Ang estudyante ng Oklahoma Christian University na si Amelia Hamrick, na nag-aral ng pagpipinta, ay nagpalit ng notasyon ng ika-16 na siglo sa isang modernong twist at nag-record ng "isang 500-taong-gulang na kanta ng asno mula sa impiyerno."

Hubad na si Mona Lisa

Ang sikat na "Gioconda" ay umiiral sa dalawang bersyon: ang hubo't hubad na bersyon ay tinatawag na "Monna Vanna", ito ay ipininta ng hindi kilalang artist na si Salai, na isang estudyante at sitter ng dakilang Leonardo da Vinci. Maraming mga kritiko ng sining ang sigurado na siya ang naging modelo ng mga pagpipinta ni Leonardo na "John the Baptist" at "Bacchus". Mayroon ding mga bersyon na nakasuot ng damit ng babae, si Salai ang nagsilbing imahe ng Mona Lisa mismo.

Matandang Mangingisda

Noong 1902, pininturahan ng Hungarian artist na si Tivadar Kostka Chontvari ang pagpipinta na "Old Fisherman". Tila walang kakaiba sa larawan, ngunit naglagay si Tivadar ng isang subtext dito, na hindi kailanman ipinahayag sa buhay ng artista.

Ilang tao ang naisip na maglagay ng salamin sa gitna ng larawan. Sa bawat tao ay maaaring mayroong parehong Diyos (ang kanang balikat ng Matandang Tao ay nadoble) at ang Diyablo (ang kaliwang balikat ng matanda ay nadoble).

May balyena ba?

Hendrik van Antonissen "Scene on the Shore".

Tila isang ordinaryong tanawin. Mga bangka, tao sa baybayin at dagat ng disyerto. At tanging ang isang X-ray na pag-aaral ay nagpakita na ang mga tao ay nagtipon sa baybayin para sa isang dahilan - sa orihinal, sinuri nila ang bangkay ng isang balyena na nahugasan sa pampang.

Gayunpaman, nagpasya ang artist na walang sinuman ang gustong tumingin sa isang patay na balyena at muling ipininta ang pagpipinta.

Dalawang "Almusal sa Damo"

Edouard Manet, Almusal sa Grass, 1863.

Claude Monet, Almusal sa Grass, 1865.

Ang mga artista na sina Edouard Manet at Claude Monet ay minsan nalilito - pagkatapos ng lahat, sila ay parehong Pranses, namuhay nang sabay at nagtrabaho sa istilo ng impresyonismo. Kahit na ang pangalan ng isa sa pinakasikat na mga painting ni Manet, "Breakfast on the Grass", hiniram at isinulat ni Monet ang kanyang "Breakfast on the Grass".

Kambal sa Huling Hapunan

Leonardo da Vinci, Ang Huling Hapunan, 1495-1498.

Nang isulat ni Leonardo da Vinci ang The Last Supper, binigyan niya ng partikular na kahalagahan ang dalawang pigura: si Kristo at si Judas. Siya ay naghahanap ng mga sitter para sa kanila sa napakatagal na panahon. Sa wakas, nakahanap siya ng isang modelo para sa imahe ni Kristo sa mga batang mang-aawit. Nabigo si Leonardo na makahanap ng sitter para kay Judas sa loob ng tatlong taon. Ngunit isang araw ay nadatnan niya ang isang lasenggo na nakahandusay sa kanal sa kalsada. Siya ay isang binata na natanda na sa sobrang pag-inom. Inanyayahan siya ni Leonardo sa isang taberna, kung saan nagsimula siyang sumulat kay Judas mula sa kanya. Nang matauhan na ang lasenggo, sinabi niya sa artista na minsan na itong nagpa-pose sa kanya. Ilang taon na ang nakalipas, nang kumanta siya sa koro ng simbahan, isinulat ni Leonardo si Kristo mula sa kanya.

"Night Watch" o "Day Watch"?

Rembrandt, Pagmamasid sa Gabi, 1642.

Isa sa pinakasikat na mga painting ni Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg," ay nakabitin sa iba't ibang bulwagan sa loob ng humigit-kumulang dalawang daang taon at natuklasan lamang ng mga art historian noong ika-19 na siglo. Dahil ang mga figure ay tila namumukod-tangi laban sa isang madilim na background, tinawag itong Night Watch, at sa ilalim ng pangalang ito ay pumasok ito sa treasury ng mundo ng sining.

At sa panahon lamang ng pagpapanumbalik, na isinagawa noong 1947, lumabas na sa bulwagan ang larawan ay pinamamahalaang natatakpan ng isang layer ng soot, na nag-distort sa kulay nito. Matapos linisin ang orihinal na pagpipinta, sa wakas ay nahayag na ang eksenang ipinakita ni Rembrandt ay talagang nagaganap sa araw. Ang posisyon ng anino mula sa kaliwang kamay ni Kapitan Kok ay nagpapakita na ang tagal ng pagkilos ay hindi hihigit sa 14 na oras.

tumaob na bangka

Henri Matisse, "Ang Bangka", 1937.

Sa New York Museum of Modern Art noong 1961, ipinakita ang pagpipinta ni Henri Matisse na "The Boat". Pagkaraan lamang ng 47 araw ay may nakapansin na ang pagpipinta ay nakabitin nang patiwarik. Ang canvas ay naglalarawan ng 10 lilang linya at dalawang asul na layag sa puting background. Ang pintor ay nagpinta ng dalawang layag para sa isang kadahilanan, ang pangalawang layag ay isang salamin ng una sa ibabaw ng tubig.
Upang hindi magkamali sa kung paano dapat mag-hang ang larawan, kailangan mong bigyang pansin ang mga detalye. Ang mas malaking layag ay dapat na nasa tuktok ng pagpipinta, at ang tuktok ng layag ng pagpipinta ay dapat na nakadirekta sa kanang sulok sa itaas.

Panlilinlang sa isang self-portrait

Vincent van Gogh, Self Portrait na may Pipe, 1889.

May mga alamat na pinutol umano ni Van Gogh ang kanyang sariling tainga. Ngayon ang pinaka-maaasahang bersyon ay ang tainga ni van Gogh ay nasira sa isang maliit na scuffle na may partisipasyon ng isa pang artist, Paul Gauguin.

Ang self-portrait ay kawili-wili dahil ito ay sumasalamin sa realidad sa isang pangit na anyo: ang artist ay inilalarawan na may bendadong kanang tainga, dahil gumamit siya ng salamin kapag nagtatrabaho. Sa katunayan, ang kaliwang tainga ay nasira.

alien bear

Ivan Shishkin, "Umaga sa Pine Forest", 1889.

Ang sikat na pagpipinta ay nabibilang hindi lamang sa brush ng Shishkin. Maraming mga artista na magkaibigan sa isa't isa ay madalas na gumagamit ng "tulong ng isang kaibigan", at si Ivan Ivanovich, na nagpinta ng mga landscape sa buong buhay niya, ay natatakot na ang pagpindot sa mga oso ay hindi mangyayari sa paraang kailangan niya. Samakatuwid, lumingon si Shishkin sa isang pamilyar na pintor ng hayop na si Konstantin Savitsky.

Ipininta ni Savitsky marahil ang pinakamahusay na mga oso sa kasaysayan ng pagpipinta ng Russia, at inutusan ni Tretyakov na hugasan ang kanyang pangalan mula sa canvas, dahil ang lahat ng nasa larawan "simula sa ideya at nagtatapos sa pagpapatupad, lahat ay nagsasalita tungkol sa paraan ng pagpipinta, ng ang malikhaing pamamaraan na kakaiba kay Shishkin."

Inosenteng kwentong "Gothic"

Grant Wood, "American Gothic", 1930.

Ang gawa ni Grant Wood ay itinuturing na isa sa pinakakakaiba at pinakanakapanlulumo sa kasaysayan ng pagpipinta ng Amerika. Ang larawan na may malungkot na ama at anak na babae ay umaapaw sa mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at retrogradeness ng mga taong inilalarawan.
Sa katunayan, hindi nilayon ng artista na ilarawan ang anumang mga kakila-kilabot: sa isang paglalakbay sa Iowa, napansin niya ang isang maliit na bahay sa istilong Gothic at nagpasya na ilarawan ang mga taong, sa kanyang opinyon, ay perpektong angkop bilang mga naninirahan. Ang kapatid ni Grant at ang kanyang dentista ay na-immortalize sa anyo ng mga karakter na labis na ikinasakit ng mga tao ng Iowa.

Paghihiganti ni Salvador Dali

Ang pagpipinta na "Figure at the Window" ay ipininta noong 1925, nang si Dali ay 21 taong gulang. Pagkatapos ay hindi pa pumasok si Gala sa buhay ng artista, at ang kanyang kapatid na si Ana Maria ang kanyang muse. Ang relasyon sa pagitan ng kapatid na lalaki at babae ay lumala nang sumulat siya sa isa sa mga kuwadro na gawa "kung minsan ay dumura ako sa isang larawan ng aking sariling ina, at ito ay nagbibigay sa akin ng kasiyahan." Hindi mapapatawad ni Ana Maria ang gayong kagulat-gulat.

Sa kanyang 1949 na aklat na Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, isinulat niya ang tungkol sa kanyang kapatid nang walang anumang papuri. Pinagalitan ng libro ang El Salvador. Sa loob ng isa pang sampung taon pagkatapos noon, galit niyang inaalala siya sa bawat pagkakataon. At kaya, noong 1954, lumilitaw ang larawang "Isang batang birhen na nagpapakasasa sa Sodomy na kasalanan sa tulong ng mga sungay ng kanyang sariling kalinisang-puri". Ang pose ng babae, ang kanyang mga kulot, ang tanawin sa labas ng bintana at ang color scheme ng painting ay malinaw na umaalingawngaw sa Figure at the Window. Mayroong isang bersyon na ito ay kung paano naghiganti si Dali sa kanyang kapatid para sa kanyang libro.

Dalawang mukha si Danae

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Maraming mga lihim ng isa sa mga pinakasikat na pagpipinta ni Rembrandt ang nahayag lamang noong 60s ng ikadalawampu siglo, nang ang canvas ay naiilaw sa X-ray. Halimbawa, ipinakita ng pagbaril na sa unang bahagi ng bersyon, ang mukha ng prinsesa, na pumasok sa isang pag-iibigan kay Zeus, ay mukhang mukha ni Saskia, ang asawa ng pintor, na namatay noong 1642. Sa panghuling bersyon ng pagpipinta, nagsimula itong maging katulad ng mukha ni Gertier Dirks, ang maybahay ni Rembrandt, kung saan nakatira ang artista pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang asawa.

Ang dilaw na kwarto ni Van Gogh

Vincent van Gogh, "Kwarto sa Arles", 1888 - 1889.

Noong Mayo 1888, nakuha ni Van Gogh ang isang maliit na pagawaan sa Arles, sa timog ng France, kung saan tumakas siya mula sa mga artista at kritiko ng Paris na hindi nakaintindi sa kanya. Sa isa sa apat na silid, nag-set up ng kwarto si Vincent. Noong Oktubre, handa na ang lahat, at nagpasya siyang ipinta ang Silid-tulugan ni Van Gogh sa Arles. Para sa artist, ang kulay, ang kaginhawaan ng silid ay napakahalaga: ang lahat ay kailangang magmungkahi ng mga saloobin ng pagpapahinga. Kasabay nito, ang larawan ay nananatili sa nakakagambalang mga dilaw na tono.

Ipinaliwanag ito ng mga mananaliksik ng pagkamalikhain ni Van Gogh sa pamamagitan ng katotohanan na ang artist ay kumuha ng foxglove, isang lunas para sa epilepsy, na nagiging sanhi ng malubhang pagbabago sa pang-unawa ng kulay ng pasyente: ang buong nakapaligid na katotohanan ay pininturahan sa berde-dilaw na mga tono.

Walang ngipin ang pagiging perpekto

Leonardo da Vinci, "Larawan ni Gng. Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Ang pangkalahatang tinatanggap na opinyon ay ang Mona Lisa ay perpekto at ang kanyang ngiti ay maganda sa pagiging misteryoso nito. Gayunpaman, ang Amerikanong kritiko sa sining (at part-time na dentista) na si Joseph Borkowski ay naniniwala na, batay sa ekspresyon ng kanyang mukha, ang pangunahing tauhang babae ay nawalan ng maraming ngipin. Habang sinusuri ang pinalaki na mga larawan ng obra maestra, natagpuan din ni Borkowski ang mga peklat sa paligid ng kanyang bibig. "She smiles so much precisely because of what happened to her," paniniwala ng eksperto. "Ang ekspresyon ng mukha niya ay tipikal ng mga taong nawalan ng ngipin sa harapan."

Major sa kontrol ng mukha

Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.

Ang publiko, na unang nakakita ng pagpipinta na "Major's Matchmaking", ay tumawa nang buong puso: pinunan ito ng artist na si Fedotov ng mga ironic na detalye na naiintindihan ng mga manonood noong panahong iyon. Halimbawa, ang mayor ay malinaw na hindi pamilyar sa mga alituntunin ng marangal na kagandahang-asal: lumitaw siya nang walang tamang mga bouquet para sa nobya at sa kanyang ina. At ang nobya mismo ay pinalabas ng kanyang mga magulang na mangangalakal sa isang panggabing ball gown, bagaman ito ay araw (lahat ng mga lampara sa silid ay pinatay). Malinaw na sinubukan ng batang babae ang isang low-cut na damit sa unang pagkakataon, nahihiya at sinubukang tumakas sa kanyang silid.

Bakit hubad ang Kalayaan

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty at the Barricades, 1830.

Ayon sa istoryador ng sining na si Etienne Julie, ipininta ni Delacroix ang mukha ng isang babae mula sa sikat na Parisian revolutionary - ang labandera na si Anna-Charlotte, na pumunta sa mga barikada pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang kapatid sa kamay ng mga maharlikang sundalo at pumatay ng siyam na guwardiya. Inilarawan ng artista ang kanyang hubad na dibdib. Ayon sa kanyang plano, ito ay isang simbolo ng kawalang-takot at pagiging hindi makasarili, pati na rin ang tagumpay ng demokrasya: ang mga hubad na suso ay nagpapakita na si Svoboda, tulad ng isang karaniwang tao, ay hindi nagsusuot ng corset.

hindi parisukat na parisukat

Kazimir Malevich, Black Suprematist Square, 1915.

Sa katunayan, ang "Black Square" ay hindi itim at hindi parisukat: wala sa mga gilid ng quadrangle ang kahanay sa alinman sa iba pang mga gilid nito, at wala sa mga gilid ng parisukat na frame na naka-frame sa larawan. At ang madilim na kulay ay ang resulta ng paghahalo ng iba't ibang kulay, kung saan walang itim. Ito ay pinaniniwalaan na hindi ito ang kapabayaan ng may-akda, ngunit isang may prinsipyong posisyon, ang pagnanais na lumikha ng isang pabago-bago, mobile na anyo.

Natuklasan ng mga espesyalista ng Tretyakov Gallery ang inskripsiyon ng may-akda sa isang sikat na pagpipinta ni Malevich. Ang nakasulat sa inskripsiyon ay: "Labanan ng mga Negro sa isang madilim na kuweba." Ang pariralang ito ay tumutukoy sa pangalan ng mapaglarong pagpipinta ng Pranses na mamamahayag, manunulat at artist na si Alphonse Allais "Labanan ng mga Negro sa isang Madilim na Kuweba sa Patay ng Gabi", na isang ganap na itim na parihaba.

Melodrama ng Austrian Mona Lisa

Gustav Klimt, "Portrait of Adele Bloch-Bauer", 1907.

Ang isa sa pinakamahalagang pagpipinta ni Klimt ay naglalarawan sa asawa ng Austrian sugar magnate na si Ferdinand Bloch-Bauer. Tinalakay ng lahat ng Vienna ang mabagyong pag-iibigan ni Adele at ng sikat na artista. Nais ng nasugatan na asawa na maghiganti sa kanyang mga manliligaw, ngunit pumili ng isang hindi pangkaraniwang paraan: nagpasya siyang mag-order ng isang larawan ni Adele mula sa Klimt at pilitin siyang gumawa ng daan-daang mga sketch hanggang sa magsimulang tumalikod sa kanya ang artist.

Gusto ni Bloch-Bauer na tumagal ang trabaho ng ilang taon, at makikita ng modelo kung paano nawala ang damdamin ni Klimt. Gumawa siya ng isang mapagbigay na alok sa artista, na hindi niya maaaring tanggihan, at ang lahat ay naging ayon sa senaryo ng nalinlang na asawa: ang gawain ay natapos sa loob ng 4 na taon, ang mga mahilig ay matagal nang lumamig sa isa't isa. Hindi nalaman ni Adele Bloch-Bauer na alam ng kanyang asawa ang relasyon nila ni Klimt.

Ang pagpipinta na nagbigay-buhay kay Gauguin

Paul Gauguin, "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?", 1897-1898.

Ang pinakasikat na canvas ni Gauguin ay may isang tampok: ito ay "basahin" hindi mula kaliwa pakanan, ngunit mula kanan pakaliwa, tulad ng mga Kabbalistic na teksto na kinaiinteresan ng artist. Sa ganitong pagkakasunud-sunod na ang alegorya ng espirituwal at pisikal na buhay ng isang tao ay nagbubukas: mula sa pagsilang ng kaluluwa (isang natutulog na bata sa ibabang kanang sulok) hanggang sa hindi maiiwasang oras ng kamatayan (isang ibon na may butiki sa ang mga kuko nito sa ibabang kaliwang sulok).

Ang pagpipinta ay ipininta ni Gauguin sa Tahiti, kung saan ilang beses tumakas ang pintor mula sa sibilisasyon. Ngunit sa pagkakataong ito ang buhay sa isla ay hindi nagtagumpay: ang kabuuang kahirapan ay humantong sa kanya sa depresyon. Nang matapos ang canvas, na magiging kanyang espirituwal na testamento, kinuha ni Gauguin ang isang kahon ng arsenic at pumunta sa mga bundok upang mamatay. Gayunpaman, hindi niya kinakalkula ang dosis, at nabigo ang pagpapakamatay. Kinaumagahan, sumuray-suray siya sa kanyang kubo at nakatulog, at nang magising siya, nakalimutan niyang uhaw sa buhay. At noong 1898, umakyat ang kanyang mga gawain, at nagsimula ang isang mas maliwanag na panahon sa kanyang trabaho.

112 salawikain sa isang larawan

Pieter Brueghel the Elder, "Netherlands Proverbs", 1559

Inilarawan ni Pieter Brueghel the Elder ang isang lupain na tinitirhan ng mga literal na larawan ng mga kawikaang Dutch noong mga panahong iyon. Mayroong humigit-kumulang 112 na nakikilalang mga idyoma sa ipinintang larawan. Ang ilan sa mga ito ay ginagamit pa rin hanggang ngayon, tulad ng "swim against the current", "iuntog ang ulo sa dingding", "armed to the teeth" at "big fish eat small ones".

Ang ibang mga salawikain ay sumasalamin sa katangahan ng tao.

Subjectivity ng sining

Paul Gauguin, nayon ng Breton sa ilalim ng niyebe, 1894

Ang pagpipinta ni Gauguin na "Breton Village in the Snow" ay naibenta pagkatapos ng pagkamatay ng may-akda sa halagang pitong franc lamang at, bukod dito, sa ilalim ng pangalang "Niagara Falls". Aksidenteng naibitin ng auctioneer ang painting nang patiwarik matapos makakita ng talon dito.

nakatagong larawan

Pablo Picasso, The Blue Room, 1901

Noong 2008, ipinakita ng infrared na ang isa pang imahe ay nakatago sa ilalim ng "Blue Room" - isang larawan ng isang lalaki na nakasuot ng suit na may butterfly at nakapatong ang kanyang ulo sa kanyang kamay. "Sa sandaling magkaroon ng bagong ideya si Picasso, kinuha niya ang brush at isinama ito. Ngunit hindi siya nagkaroon ng pagkakataon na bumili ng bagong canvas sa tuwing binisita siya ng muse, ”paliwanag ng art historian na si Patricia Favero ang posibleng dahilan nito.

Hindi naa-access na mga babaeng Moroccan

Zinaida Serebryakova, Hubad, 1928

Isang araw, nakatanggap si Zinaida Serebryakova ng isang mapang-akit na alok - upang pumunta sa isang malikhaing paglalakbay upang ilarawan ang mga hubad na pigura ng mga oriental na dalaga. Ngunit ito ay naging imposible lamang na makahanap ng mga modelo sa mga lugar na iyon. Isang interpreter para kay Zinaida ang sumagip - dinala niya ang kanyang mga kapatid na babae at ang kanyang nobya. Walang sinuman bago at pagkatapos nito ang nakahuli sa mga saradong oriental na babae na nakahubad.

Kusang pananaw

Valentin Serov, "Larawan ni Nicholas II sa isang dyaket", 1900

Sa loob ng mahabang panahon ay hindi maipinta ni Serov ang isang larawan ng hari. Nang tuluyang sumuko ang artista, humingi siya ng tawad kay Nikolai. Medyo nabalisa si Nikolai, umupo sa mesa, iniunat ang kanyang mga kamay sa harap niya ... At pagkatapos ay nagising ang artist - narito siya! Isang simpleng lalaking militar na naka-jacket ng isang opisyal na may malinaw at malungkot na mga mata. Ang larawang ito ay itinuturing na pinakamahusay na paglalarawan ng huling emperador.

Muli deuce

© Fedor Reshetnikov

Ang sikat na pagpipinta na "Again deuce" ay pangalawang bahagi lamang ng artistikong trilogy.

Ang unang bahagi ay "Dumating para sa mga pista opisyal." Malinaw na isang may-kaya na pamilya, mga pista opisyal sa taglamig, isang masayang mahusay na mag-aaral.

Ang ikalawang bahagi ay "Again the deuce." Isang mahirap na pamilya mula sa labas ng uring manggagawa, ang kasagsagan ng taon ng pag-aaral, isang mapurol na stunner na muling nakakuha ng deuce. Sa kaliwang sulok sa itaas makikita mo ang larawang "Dumating para sa mga pista opisyal."

Ang ikatlong bahagi ay "Re-examination". Bahay sa kanayunan, tag-araw, lahat ay naglalakad, isang malisyosong ignoramus na bumagsak sa taunang pagsusulit ay napilitang umupo sa loob ng apat na pader at magsiksikan. Sa itaas na kaliwang sulok makikita mo ang larawang "Again deuce".

Paano ipinanganak ang mga obra maestra

Joseph Turner, Ulan, Singaw at Bilis, 1844

Noong 1842, naglakbay si Gng. Simon sakay ng tren sa England. Biglang bumuhos ang malakas na ulan. Ang matandang ginoo na nakaupo sa tapat niya ay bumangon, binuksan ang bintana, inilabas ang kanyang ulo, at tumitig nang ganoon nang halos sampung minuto. Hindi napigilan ng babae ang pag-usisa, binuksan din ng babae ang bintana at tumingin sa harapan. Pagkalipas ng isang taon, natuklasan niya ang pagpipinta na "Rain, Steam and Speed" sa isang eksibisyon sa Royal Academy of Arts at nakilala niya ang mismong episode sa tren.

Aralin sa Anatomy mula kay Michelangelo

Michelangelo, Ang Paglikha ni Adan, 1511

Naniniwala ang isang pares ng mga eksperto sa neuroanatomy na Amerikano na si Michelangelo ay talagang nag-iwan ng ilang anatomical na mga guhit sa isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa. Naniniwala sila na ang isang malaking utak ay inilalarawan sa kanang bahagi ng larawan. Nakakagulat, kahit na ang mga kumplikadong bahagi tulad ng cerebellum, optic nerves, at pituitary gland ay matatagpuan. At ang nakakaakit na berdeng laso ay perpektong tumutugma sa lokasyon ng vertebral artery.

Ang Huling Hapunan ni Van Gogh

Vincent van Gogh, Café Terrace sa Gabi, 1888

Naniniwala ang mananaliksik na si Jared Baxter na ang Van Gogh's Café Terrace at Night ay naglalaman ng dedikasyon sa The Last Supper ni Leonardo da Vinci. Sa gitna ng larawan ay isang waiter na may mahabang buhok at sa isang puting tunika, nakapagpapaalaala sa mga damit ni Kristo, at sa paligid niya eksaktong 12 mga bisita sa cafe. Itinuon din ni Baxter ang pansin sa krus, na matatagpuan mismo sa likod ng waiter na puti.

Larawan ng alaala ni Dali

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931

Hindi lihim na ang mga saloobin na bumisita kay Dali sa panahon ng paglikha ng kanyang mga obra maestra ay palaging nasa anyo ng napaka-makatotohanang mga imahe, na pagkatapos ay inilipat ng artist sa canvas. Kaya, ayon sa may-akda mismo, ang pagpipinta na "The Persistence of Memory" ay ipininta bilang isang resulta ng mga asosasyon na lumitaw sa paningin ng naprosesong keso.

Anong sinisigaw ni Munch

Edvard Munch, "The Scream", 1893.

Nagsalita si Munch tungkol sa ideya ng isa sa mga pinaka-mahiwagang pagpipinta sa pagpipinta sa mundo: "Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang kaibigan - lumulubog ang araw - biglang naging pula ang langit, huminto ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa ang bakod - Tumingin ako sa dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at sa lungsod - nagpatuloy ang aking mga kaibigan, at tumayo ako, nanginginig sa pananabik, naramdaman ang walang katapusang hiyawan na tumatagos sa kalikasan. Ngunit anong uri ng paglubog ng araw ang maaaring matakot sa artist?

Mayroong isang bersyon na ang ideya ng "Scream" ay ipinanganak ni Munch noong 1883, nang mayroong ilang pinakamalakas na pagsabog ng Krakatoa volcano - napakalakas na binago nila ang temperatura ng kapaligiran ng Earth sa isang degree. Ang napakaraming alikabok at abo ay kumalat sa buong mundo, na umaabot kahit hanggang sa Norway. Sa ilang magkakasunod na gabi, ang mga paglubog ng araw ay tila malapit nang dumating ang apocalypse - isa sa mga ito ang naging mapagkukunan ng inspirasyon para sa artist.

Manunulat sa mga tao

Alexander Ivanov, "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao", 1837-1857.

Dose-dosenang mga sitter ang nag-pose para kay Alexander Ivanov para sa kanyang pangunahing larawan. Ang isa sa kanila ay kilala nang hindi bababa sa artist mismo. Sa likuran, sa mga manlalakbay at Romanong mangangabayo na hindi pa nakarinig ng sermon ni Juan Bautista, mapapansin ng isang tao ang isang karakter sa isang kayumanggi na tunika. Sumulat ang kanyang Ivanov kasama si Nikolai Gogol. Ang manunulat ay malapit na nakipag-usap sa artista sa Italya, lalo na sa mga isyu sa relihiyon, at binigyan siya ng payo sa proseso ng pagpipinta. Naniniwala si Gogol na si Ivanov "ay matagal nang namatay para sa buong mundo, maliban sa kanyang trabaho."

Ang gout ni Michelangelo

Raphael Santi, Ang Paaralan ng Athens, 1511.

Paglikha ng sikat na fresco na "The School of Athens", ginawang imortal ni Raphael ang kanyang mga kaibigan at kakilala sa mga larawan ng mga sinaunang pilosopong Griyego. Ang isa sa kanila ay si Michelangelo Buonarroti "sa papel" ni Heraclitus. Sa loob ng maraming siglo, itinago ng fresco ang mga lihim ng personal na buhay ni Michelangelo, at iminungkahi ng mga modernong mananaliksik na ang kakaibang angular na tuhod ng artist ay nagpapahiwatig na siya ay may magkasanib na sakit.

Ito ay malamang, dahil sa mga kakaibang uri ng pamumuhay at mga kondisyon sa pagtatrabaho ng mga artista ng Renaissance at ang talamak na workaholism ni Michelangelo.

Salamin ng Arnolfinis

Jan van Eyck, "Portrait of the Arnolfinis", 1434

Sa salamin sa likod ng Arnolfinis, makikita mo ang repleksyon ng dalawa pang tao sa kwarto. Malamang, ang mga ito ay mga saksi na naroroon sa pagtatapos ng kontrata. Ang isa sa kanila ay si van Eyck, na pinatunayan ng inskripsiyong Latin na inilagay, salungat sa tradisyon, sa itaas ng salamin sa gitna ng komposisyon: "Narito si Jan van Eyck." Ito ay kung paano karaniwang tinatakan ang mga kontrata.

Kung paanong ang isang kapintasan ay naging talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Self-portrait sa edad na 63, 1669.

Pinag-aralan ng mananaliksik na si Margaret Livingston ang lahat ng mga larawan sa sarili ni Rembrandt at nalaman na ang artist ay nagdusa mula sa strabismus: sa mga larawan ang kanyang mga mata ay tumitingin sa iba't ibang direksyon, na hindi sinusunod sa mga larawan ng ibang tao ng master. Ang sakit ay humantong sa ang katunayan na ang artist ay maaaring mas mahusay na malasahan ang katotohanan sa dalawang dimensyon kaysa sa mga taong may normal na paningin. Ang phenomenon na ito ay tinatawag na "stereo blindness" - ang kawalan ng kakayahang makita ang mundo sa 3D. Ngunit dahil ang pintor ay kailangang gumawa ng isang two-dimensional na imahe, tiyak na ang pagkukulang na ito ni Rembrandt ang maaaring isa sa mga paliwanag para sa kanyang kahanga-hangang talento.

Walang kasalanan si Venus

Sandro Botticelli, Ang Kapanganakan ni Venus, 1482-1486.

Bago ang pagdating ng The Birth of Venus, ang imahe ng isang hubad na babaeng katawan sa pagpipinta ay sumisimbolo lamang sa ideya ng orihinal na kasalanan. Si Sandro Botticelli ang unang pintor ng Europa na hindi nakahanap ng anumang bagay na makasalanan sa kanya. Bukod dito, ang mga istoryador ng sining ay sigurado na ang paganong diyosa ng pag-ibig ay sumisimbolo sa imaheng Kristiyano sa fresco: ang kanyang hitsura ay isang alegorya ng muling pagsilang ng kaluluwa na sumailalim sa seremonya ng binyag.

Lute player o lute player?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, The Lute Player, 1596.

Sa loob ng mahabang panahon, ang pagpipinta ay ipinakita sa Hermitage sa ilalim ng pamagat na "Lute Player". Sa simula lamang ng ika-20 siglo, sumang-ayon ang mga istoryador ng sining na ang canvas ay naglalarawan pa rin ng isang binata (marahil, si Caravaggio ay pose ng kanyang kaibigang artist na si Mario Minniti): sa mga tala sa harap ng musikero, isang pag-record ng bass na bahagi ng ang madrigal ni Jacob Arcadelt “You know that I love you” is visible . Ang isang babae ay halos hindi makagawa ng ganoong pagpipilian - ito ay mahirap para sa lalamunan. Bilang karagdagan, ang lute, tulad ng violin sa pinakadulo ng larawan, ay itinuturing na isang lalaking instrumento sa panahon ng Caravaggio.

Para sa marami, tila isang imposibleng gawain na alalahanin ang mga artista at ang kanilang mga ipininta. Sa loob ng daan-daang taon, ang kasaysayan ay pumasok sa mga pangalan ng maraming mga artista na ang mga pangalan ay kilala, hindi katulad ng mga kuwadro na gawa. Paano matandaan ang kakaibang katangian ng artista at ang kanyang istilo? Naghanda kami ng maikling paglalarawan para sa mga gustong maunawaan ang sining:

Kung ang mga larawan ay nagpapakita ng mga taong may malalaking asno, siguraduhin - ito ay Rubbens

Kung ang mga tao sa magagandang damit ay nakakarelaks sa kalikasan - Watteau

Kung ang mga lalaki ay parang mga babaeng kulot ang buhok, may ligaw na mga mata - Ito ay Caravaggio

Kung ang isang larawan na may madilim na background ay naglalarawan ng isang tao na may masayang ekspresyon sa kanyang mukha o isang martir - Titian

Kung ang larawan ay naglalaman ng mga multi-figured na komposisyon, maraming tao, bagay, Kristiyano at surreal na motif - ito ang Bosch

Kung ang isang pagpipinta ay naglalaman ng mga multi-figure na komposisyon at kumplikadong mga plot, ngunit mukhang mas makatotohanan ang mga ito kaysa sa mga pagpipinta ng Bosch, maaari mong siguraduhin na ito ay Brueghel.

Kung makakita ka ng larawan ng isang lalaki laban sa isang madilim na background sa isang madilim, dilaw na ilaw - Rembrandt

Biblikal at mitolohikal na mga eksena na naglalarawan ng ilang matambok na cupid - Francois Boucher

Hubad, pumped up katawan, perpektong anyo - Michelangelo

Ang mga ballerina ay iginuhit, ito ay si Degas

Contrasting, matalas na imahe na may payat at balbas na mukha - El Greco

Kung ang larawan ay nagpapakita ng isang batang babae na may unibrow - ito ay Frida

Mabilis at magaan na stroke, maliliwanag na kulay at isang imahe ng kalikasan - Monet

Maliwanag na kulay at masayang mga tao - Renoir

Maliwanag, makulay at mayaman - Van Gogh

Malungkot na kulay, itim na balangkas at malungkot na tao - Manet

Ang background ay parang mula sa pelikulang "The Lord of the Rings", na may bahagyang asul na fog. Kulot na buhok at aristokratikong ilong Madonna - Da Vinci

Kung ang katawan na inilalarawan sa larawan ay may hindi pangkaraniwang hugis - Picasso

May kulay na mga parisukat tulad ng isang excel na dokumento - Mondrian

napunta ang usapan sa kung paano inilalarawan ng iba't ibang artist ang parehong tema.
Ibinigay: dalawang pagpipinta sa tema kung paano tumakas ang mga puti sa mga barko mula sa Bolshevik Russia.

a) Ivan Vladimirov (1869−1947). "Ang paglipad ng bourgeoisie mula sa Novorossiysk" (1926)

b) Dmitry Belyukin (b. 1962). "White Russia. Exodus". 1992-4

Alin sa kanila ang makasaysayang naglalarawan ng kaganapan? Sino sa mga artistang ito ang dapat pagkatiwalaan? nagtatalo ang mga komentarista.

Dito, gamitin natin ang halimbawa ng mga ito (pati na rin ang iba pang mga painting) para suriin kung ano ang karaniwang "katotohanan" sa mga painting, at kung sino ang dapat pagkatiwalaan.
Tulad ng lumalabas, ang ilang mga tao ay hindi nakakakuha nito.

Kaya, upang maayos na tamasahin ang kahulugan ng isang gawa ng sining, kasaysayan nito, atbp. (at hindi lamang hiwalay na aesthetic perfection, harmony), ito ay lubhang kapaki-pakinabang upang maunawaan kung ano ang noon LAYUNIN ang artistang lumikha ng gawaing ito.

1) Ipahayag ang iyong sarili
(paghanga sa sarili, paghanga sa mga paboritong bagay)

Inilalagay ko ito sa tuktok ng listahan dahil sa ika-20 at ika-21 siglo ang layuning ito para sa mga artista ay nararamdaman ng publiko (at ang mga artista mismo, marahil) bilang isang priyoridad.

Ang lipunan sa panahong ito ay naging napakayaman, ang labis na mga mapagkukunan ay nabuo na ang isang malaking bilang ng mga tao, parehong mga propesyonal at hindi propesyonal, ay maaaring makisali sa sining. Lahat ng mahilig gumuhit (magsulat ng tula, musika, kumuha ng litrato sa Instagram, atbp.). Huminga kung paano ako makapaglilok ng mga dumplings / gumuhit ng mga clown / magburda ng satin stitch, atbp., kung gaano ako kaganda, at ang aking mga anak, at ang aking yate.

Gayunpaman, kapag gumagamit ng mga gawa ng ganap na anumang uri ng sining sa loob (pagpinta, panitikan, atbp.), LAGING tandaan na ang kalayaang ito, layuning ito, ang ideyang ito ng sining bilang "instagram ng artist" ay isang tagumpay na naging available sa mga tagalikha. lamang sa Ang pinakahuling oras. Sa mga nakaraang siglo, ang higit pa - ang mas malakas, ang ganoong posisyon ay hindi katanggap-tanggap, kahalayan, ay itinuturing bilang isang vanity fair. Sa anumang kaso, ang pagtingin sa mga gawa ng "mga lumang master", huwag husgahan sila mula sa posisyon na "ginawa niya ito dahil gusto niya." Siyempre, hindi ko gugustuhin - hindi niya gagawin ito, ngunit hanggang sa panahon ng impresyonismo, ang "nais" na ito ay naghahabi sa listahan ng mga layunin kapag lumilikha ng isang gawa ng sining napaka-buntot. Huwag husgahan ang iyong sarili, mula sa posisyon ng isang tao ng ika-21 siglo.

2) Ipahayag ang iyong panloob na mga demonyo
(o erotikong pantasya)

Ngunit ito, sa kabaligtaran, ay ang klasikal na layunin ng sining, isa sa pinakaluma.
Ang unang pampublikong layunin ng paglikha ng sining, malamang, ay relihiyoso (shamanism para sa isang mahusay na mammoth hunt, mga ritwal sa libing, atbp.), Ngunit ang indibidwal, personal na layunin ng mga unang may-akda ay upang ipahayag din ang kanilang mga damdamin, takot, pangarap.

Ngunit narito, din, isang napakahalagang tampok na nagpapakilala sa isang tao ng modernong panahon - at isang tao ng nakaraan, isang artista ng modernismo (nagsisimula sa mga Impresyonista) - muli, ang antas ng kalayaan sa pagpapahayag ng mga pantasyang ito.

Hindi karapat-dapat na sisihin ang avant-garde at kontemporaryong sining dahil sa pagiging hindi maintindihan at hindi makatotohanan; nangyari ito sa kanila, dahil ang buhay mismo noong ika-20 siglo ay nagbago sa buong mundo. Tingnan mo, nagkaroon ng Rebolusyong Sekswal, at naging posible na maglakad sa mga lansangan nang halos naka-shorts, o kahit na walang panty. Tulad ng para sa sining, paano dapat tumugon ang isang tao sa gumuhong kalayaan na ito, sa mga bagong pagkakataon na gawin ang anumang naisin? Ang mga artista ay ganap na malayang gumuhit ng mga kababaihan na walang panty sa sining sa loob ng limang daang taon, hindi ito magugulat sa sinuman. Kaya't ang sekswal na rebolusyon sa visual arts ay ipinahayag sa pagtanggi sa realismo, natural na pagkakahawig; sa katunayan, mula sa lahat ng mga patakaran ng pinong sining, ang nakaraang limang daang taon ay naimbento. Ito ay isang ganap na normal na reaksyon ng mga artista sa kung ano ang nangyayari sa buong mundo sa lipunan sa pangkalahatan. Mga redhead ba sila para maging disente kapag lahat ng tao sa paligid ay ginagawa ang gusto nila?

Kaya, tandaan, ang artista ng mga naunang siglo, na nagpapahayag ng kanyang mga demonyo, ay may malinaw na mga hangganan na ipinataw sa kanya ng lipunan. At upang maipahayag ito, kailangan niyang hanapin ang tamang angkop na lugar na pinapayagan ng censorship (lipunan), isang disenteng angkop na lugar.
Bilang isang patakaran, ang mga ito ay lahat ng uri ng mga kakila-kilabot ng sining ng relihiyon.

Sa kaso ng mga erotikong pantasya, ito ay mas madali - hindi sila ipinagbabawal ng sining (maliban sa tahasang porn, pati na rin ang sobrang makatotohanang maliliit na bagay tulad ng pubic hair).

Ang kalayaan ay nagsisimulang lumitaw sa pag-unlad ng personalidad ng may-akda, sariling katangian, kapag ang artista ay tumigil sa pakiramdam na parang isang craftsman at naging isang "makata". Kaya't sa pagtatapos ng ika-18 siglo ay nakukuha natin ang mga mirage ng Goya, William Blake, Fuseli, atbp., lahat ng uri ng romantikismo. At kaya hindi palaging hinihikayat ang indibidwalidad, halimbawa, ito ay simpleng malaswa na ilagay ang pirma ng may-akda sa medyebal na relihiyosong sining sa ilang mga panahon (kaya naman kakaunti lang ang alam nating mga master ng mga panahong ito).

Sa pangkalahatan, hindi mo dapat sukatin sa iyong sarili, dapat mong subukang mag-interpolate.

3) Pera

Isa ring sinaunang layunin ng paglikha ng isang akda, na katulad na napakapopular.
Isang napaka, napakakarapat-dapat na layunin. Siya ang pumipilit sa mga artista na tapusin ang kanilang trabaho hanggang sa huli, dahil kung hindi ay hindi magbabayad ang kostumer, siya ang nagpapatayo sa mga tao mula sa kalan at maghanap ng trabaho upang pakainin ang mga bata, pagbutihin ang kanilang mga kasanayan at hindi maging UG.
Dahil ang palengke ay laging nagdidikta (nagdidikta), at walang bumili ng mga masasamang larawan.

(Maaari mo bang isipin kung gaano kahusay kung si Leonardo da Vinci ay mabayaran lamang pagkatapos ng katotohanan, at obligado rin siyang magbigay ng 10-taong garantiya? Ilalapat niya ang kanyang matalas na pag-iisip sa mga isyu sa kaligtasan, at marami pa ang darating sa sa amin .. Ngunit sayang, nagawa niyang i-pump up ang kanyang personal na tatak, at binayaran siya para lamang sa pangalan).

Ngunit muli, kailangan mong maunawaan ang pagkakaiba sa pagitan ng isang modernistang pintor at isang "matandang master". Malaki ang pagbabago ng ekonomiya, at nakakaapekto ito. Pag-unlad ng ekonomiya at teknikal. Ang paglikha ng isang pagpipinta ay pangunahing gawain, isang trabaho, at hindi isang paglipad ng pag-iisip ng isang henyo. Kunin natin ang arkitektura, ito ay mas hindi nagbabago sa ganitong kahulugan: nagpasya kang bumuo ng iyong sarili ng isang mansyon. Pumunta kami sa arkitekto, ipinahayag ang aming mga kagustuhan, pumirma ng isang kontrata. Gumuhit siya ng sketch, inaprubahan ito, nagtayo ng isang brick house, tinapos ito ng marmol, binayaran ang arkitekto, pagkatapos ay ginagamit mo ang bahay para sa layunin nito. Ang parehong bagay ay nangyari sa pagpipinta: noong 1311, ang komunidad ng katedral ay nagpasya na mag-order ng isang altarpiece, sabi ni Duccio, nagpahayag ng kanyang mga kagustuhan, pumirma ng isang kontrata sa bawat punto. Kumuha si Duccio ng isang mamahaling tabla na gawa sa kahoy, perpektong inihanda, at kahit na napakalaki sa laki at masalimuot na hugis. Mga pintura: durog na lapis lazuli, maputlang asul, na dinala mula sa India, at nagkakahalaga ito ng mala-impiyernong pera; ang gilding ay hindi rin mura, atbp.

Ang isang normal na arkitekto sa gitna ng pagtatayo ng isang mansyon ay hindi magiging inspirasyon upang baguhin ang konsepto, dahil siya ang May-akda, ang Lumikha, gusto niya, alam niya na ang piging na ito ay hindi sa kanyang gastos. Kinailangan din ng artist na gawin nang maayos ang kanyang trabaho, ihatid ang order sa oras (maiintindihan na ngayon ng mga modernong designer. At hayaan silang inggit: noong mga araw na iyon ay walang mga email, kaya walang sinuman ang madalas na humiling na "maglaro ng mga font").

Ang merkado ng sining sa loob ng mahabang panahon ay napunta sa cinematic na sitwasyon na pamilyar sa amin ngayon: kapag ang isang napakatalino na artista ay nakaupo sa isang studio na puno ng kanyang mga chic painting. Pagkatapos ay isang kakilala ang lumapit sa kanya at dinala ang kanyang mayayamang Amerikanong kaibigan, na masigasig na nagsabi: "Ngunit kinukuha namin ito, at ito, at ito! at kung ano pa ang mayroon ka, balutin mo ito!".
Bago iyon, may isa pang yugto, na hindi na maihahambing sa arkitektura, ngunit sa mga cake. Dito mayroon kang panaderya sa bahay at pera para sa mga hilaw na materyales para sa 10 cake. Walang mga partikular na customer na pumirma ng kontrata sa iyo para sa iyong mga cake, ngunit alam mo na, sa prinsipyo, ang mga tao ay pumupunta sa iyo. Hindi ka gagawa ng 20 cake dahil hindi ka naaabot ng maraming customer. Kailangan mong ibenta ang lahat ng iyong inihurnong, kung hindi, hindi ka magkakaroon ng pera upang bumili ng mga bagong hilaw na materyales. Kita mo, ang mga pintura ay mahal, ang mga canvases ay mahal (pero mas mura kaysa sa makalumang kahoy, sa susunod na sasabihin ko sa iyo nang detalyado), ang pagrenta ng workshop ay mahal,. Noong ika-17 siglo sa Holland, bakit ang "maliit na Dutch" ay nagpinta pa rin ng mga buhay, pang-araw-araw na mga eksena, at mga tanawin? Dahil ang bansa ay naging napaka-maunlad, at ang bawat lokal na residente ay kayang bayaran (at pinapayagan) na pumunta sa "ready-made paintings store" at pumili ng isang kagandahan para sa kanyang sarili sa dingding. Alinsunod dito, lumitaw ang isang napakakapal na sapin ng mga artista na nagsilbi sa mga burgher na ito.

At sa wakas, noong ika-19 na siglo, lumilitaw ang pamumuhay ng artista, na para sa amin ay isang aklat-aralin: na may isang bungkos ng mga canvases na ipininta "sa mesa", na masarap ibenta, ngunit hindi mo magagawa, gayon pa man, mayroong isang bagay. kumain, ngunit hayaan itong nakabitin sa mga dingding na hindi nabili.
Hindi ko sinasadyang manatili sa panlipunan, ideolohikal, sikolohikal na aspeto, tungkol lamang sa ekonomiya.
Ang mga artista ay naghangad sa Paris hindi lamang dahil ito ay masaya na tumambay doon, ngunit din dahil ang lungsod ay bumuo ng isang kapaligiran para sa kanilang serbisyo: mga dealers sa mga pintura at canvases (sila ay nag-order nang maramihan, kaya sila nagbebenta ng mas mura), maraming mga loft na inuupahan , ang mga modelo ay sadyang dumating sa trabaho, ang mga mamimili ay sadyang pumupunta upang bumili at iba pa.
Ngayon, sa pangkalahatan ito ay naging napakamura na kahit sino ay maaaring gumawa ng sining, at kumita ng pera sa isang ganap na naiibang paraan (marahil iyon ang dahilan kung bakit marami tayong basura sa huli?)

Kaya, upang maunawaan kung bakit iginuhit ang isang larawan, subukang maunawaan ito mula sa punto ng pananaw ng pera - isinulat ba ito ng artist para sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod? benta lang sa mga burgher, sa mesa (nakuha kasi niya), regalo sa nanay niya or for what?

4) Kaluwalhatian
(at conjuncture)

Gayundin isang napaka-naiintindihan na motibo. Totoo, hindi masyadong sinaunang, tandaan iyan. Ang mga artista ay nagsimulang magabayan ng layunin na makakuha ng Fame kapag lumilikha ng mga gawa ng sining mula lamang sa isang tiyak na panahon (Fame lang, hindi reputasyon + maraming kliyente). Noong Middle Ages, tulad ng sinabi ko, ang pagpipinta ay isang gawa lamang, tulad ng alahas o kasangkapan. Sa Renaissance, ang mga artista ay nagsimulang magtaas ng kanilang mga ulo at unti-unti, sa tulong ng magkadugtong na mga intelligentsia sa pagsulat (halimbawa, Vasari), lumikha ng isang kulto sa paligid ng kanilang trabaho, na ginagawang Art. Ang pagpirma sa iyong mga pangalan ay nagiging karaniwan na. Unti-unti (dahan-dahan) nagiging cool ang pagiging artista (kahit hindi pa rin talaga sila tanggap ng high society). Ang isang katulad na proseso sa pag-arte - sa lahat ng oras ito ay ang pinakamababang mga tauhan ng serbisyo na ipinagbabawal na ilibing sa banal na lupa at itinuturing na kapantay ng mga patutot; ngayon sila ay naging mga celebrity ng royal rank.

Sa pangkalahatan, sa gawain ng maraming mga artista mayroong mga gawa ng programa na isinulat ng may-akda nang walang tiyak na pagkakasunud-sunod mula sa patron, ngunit dahil lamang sa inspirasyon ang dumating sa kanya. Nang likhain ito, malinaw niyang naunawaan (mabuti, umaasa siya) na siya ay "magawa" sa kanila, maging sikat. Kung ang mga bituin ay nagtatagpo, at sa larawan ay posible na pagsamahin ang mga aesthetics (kagandahan) sa mailap na ito, na lumilipad sa hangin, kung gayon ang larawan ay nagsisimulang kumulog. At talagang bumaba ito sa kasaysayan bilang isang obra maestra. (Pansin, mga bata: ang isang obra maestra ay hindi kasingkahulugan ng salitang "pagpinta", ang isang pintor ay maaaring magpinta ng 200 na mga canvases at 1 lamang obra maestra sa isang buhay, at maaalala nila siya dahil lamang sa kanya).

Isinulat ilang buwan pagkatapos ilarawan ang kaganapan.

Ang mga magagaling na artista ay tiyak na maaaring gumuhit nang maayos (tama sa anatomikal, magkakasuwato na pagsamahin ang mga kulay, atbp.) + sa parehong oras ay nararamdaman ang Espiritu ng mga panahon, at naipakikita ito. Samakatuwid, sa isang henerasyon ay maaaring mayroong maraming mabubuting draftsmen, ngunit kakaunti ang tunay na mahusay na mga masters (kahit na sa Renaissance). Sa ilan, nakakahanap lamang ito ng 1 beses sa isang buhay, at nilikha nila ang "matagalang obra maestra" na ito (halimbawa, ang "Unequal Marriage" ni Pukirev, o). Ang iba, tulad ni David o Repin, ay patuloy na gagawa ng mga ganitong hit. Huwag isipin na ang artista ay nakaupo sa isang upuan at nagsasabing "ngayon ay gumuhit ako ng isang obra maestra at karapat-dapat sa katanyagan para dito." Kaya, siyempre, hindi ito gumagana. Para sa mga artista (manunulat, musikero) ng mataas na kategoryang ito ng kasanayan, ang mga obra maestra ay ipinanganak salamat sa isang kumbinasyon ng mahusay na likas na kakayahan, patuloy na pagsasanay (pag-unlad ng kasanayan). At dahil din sa hindi kapani-paniwalang binuo na intuwisyon. At intuwisyon, tulad ng alam mo, ay pumped sa ibabaw, kung ulitin mo ang isang bagay ng isang milyong beses, pagkatapos ay ang utak ay gumagawa ng isang matalim na husay na paglukso, at nagsisimula upang makabuo ng mga resulta nang mabilis at spontaneously. At tila sa may-akda ng resulta na ang utak ay hindi talaga gumawa ng anumang gawain, ito ay bumaba mula sa langit - at sa gayon ang ekspresyon ay naimbento na ang may-akda ay binisita ng Muse.

Sa pangkalahatan, ang mga artista sa antas na ito ay nagpinta ng mga larawan hindi na para sa kapakanan ng Kaluwalhatian, at hindi upang mapupuksa ang kanilang mga demonyo, ngunit para sa mas kumplikadong mga kadahilanan. Nagiging parang radio receiver sila, na kinukuha ang mga inaasahan ng nakapaligid na lipunan, pati na rin ang nakapaligid na artistikong komunidad, ng istilong uso na ngayon at iba pa. - at pamahalaan upang itapon ang lahat ng ito sa canvas, na dumadaan sa kanilang sarili.
At sa gayon ito ay naging isang obra maestra.
Isulat ito, huwag subukang ulitin sa bahay.

At dito, sa kategoryang ito ng mga layunin, dapat nating isama ang higit pang praktikal na mga artista na sinasadyang sumalo sa alon, ang mga signal ng radyo na ipinadala ng lipunan (ngunit pangunahin ng estado). At gumagawa sila ng mga pagpipinta hindi lamang para sumikat (at pumasok sa kasaysayan ng sining), ngunit higit pa para mamuhay nang maayos at magkaroon ng lahat ng uri ng mga bagay. Sa ilang mga kaso, ang gayong oportunismo, ang pagiging alipin ay isang personal na pagpili ng may-akda, o sa pangkalahatan ang pamantayan para sa panahong iyon (tingnan ang mga odes ni Derzhavin na nakatuon sa empress). Noong ika-20 siglo, sa mga kondisyon ng mga totalitarian na estado, tulad ng naiintindihan mo, ang tanong ay hindi lamang sa pagkuha ng pera, ngunit kung minsan ito ay walang kabuluhan sa kaligtasan. Ngunit, tulad ng ipinapakita ng maraming sikolohikal na pag-aaral ng lahat ng uri ng Stockholm syndromes, ang pinakamasama ay ang mga tao, kabilang ang mga artista, ay nagsimulang taimtim na naniniwala at lumuwalhati. Kaya't ang manatiling isang malamig na oportunista sa mga ganitong kondisyon - hindi naman siguro masamang opsyon, ha?

5) Pangaral

At kaya, ang pinaka-mapagpasensya at matalino sa aking mga mambabasa, na nakarating sa lugar na ito sa aking sheet, ngayon na naunawaan mo ang tungkol sa pangunahing, pangunahing mga layunin, naabot namin ang isa na nauugnay sa dalawang mga pagpipinta tungkol sa mga puti sa Crimea, kung saan nagsimula ang tekstong ito.

Ang layunin ng isang likhang sining ay upang ipahayag ang mga ideya ng may-akda, ang kanyang ideya sa mundo, kung ano ang tama at mali. Laktawan natin ang unang dalawang libong taon, ang lahat ay simple doon: ito ay kapag ang artist ay naniniwala sa mga diyos, at pagkatapos ay sa Diyos, at ipinahayag ang kanyang pananampalataya, panalangin, paglikha ng isang "icon", isang imahe ng panalangin, at sa gayon ay naiintindihan ang Panginoon. Ang mga mahuhusay na pintor ng icon ay patuloy na ginagawa ito ngayon. Ang kailangan natin ay ang Bagong Panahon, kapag naging posible na mangaral sa pamamagitan ng sining hindi lamang ng pananampalataya. Sa itaas, isinulat ko na simula sa Renaissance, unti-unting binabaling ng mga artista ang isipan ng publiko mula sa mga artisan patungo sa Mga Tagapaglikha, ang kanilang mga pigura ay romantiko. Ang mga artista ay nagiging Personalidad, mga kilalang tao, ang pinakamahalaga ay nasa kanilang sariling mga ulo din; nagpasiya sila na sila ang mga tagapamagitan ng mga opinyon at dapat magturo sa mga tao ng katotohanan, mangaral. (Bakit hindi? Ang pangunahing bagay ay na may panlasa, ngunit hindi lahat ay nagtagumpay).

So, may Mission ang sining.
(Sa pamamagitan ng paraan, tungkol sa kung ano ang mga layunin ng sining, kailangan nating pag-usapan nang hiwalay - hindi sila tumutugma sa mga layunin ng mga artista).

At ngayon naiintindihan mo kung ano ang isang bagay. Ito ay isang bagay kapag ang mga artista na may isang makapangyarihang paaralan, na nakatayo sa mga balikat ng mga higante, ay nakikibahagi sa "mga sermon". At kung minsan ang mga gawang ito ng ika-19 na siglo ay nakakainis, ang moralidad ay nagbago nang masakit, at ang kasaysayan ay nagbigay ng lahat ng uri ng mga aral.
Ngunit sa ika-20 siglo, sa ilang kadahilanan, ang mga artista ay lalo na nagustuhan na gawin ito - Vasiliev, Glazunov, Ryzhenko, Nesterenko ... At kung pupunta ka sa listahang ito mula sa simula, makakakuha ka ng isang kawili-wiling sitwasyon. Ang tema ng minamahal (pusa, bata) ay hindi kawili-wili sa kanila - maliit, sila ay iginuhit sa mga pandaigdigang tagumpay. Wala silang mga demonyo at erotikong pantasya o hindi sila kawili-wili (at agad nitong tinatanggal ang pagkamalikhain ng mga peppercorn, tingnan si Konstantin Vasiliev, na, hindi katulad ng iba na nakalista ko, ay mayroon pa ring kanyang mga anting-anting, at kung paano ito positibong nakikilala sa kanya, ginagawa siyang espesyal, hindi malilimutan).