Venetian na paaralan ng pagpipinta. Renaissance sa Venice Higit pa sa Renaissance

Y. Kolpinsky

Ang Venetian Renaissance art ay isang integral at hindi mapaghihiwalay na bahagi ng Italian art sa pangkalahatan. Ang malapit na ugnayan sa iba pang mga sentro ng artistikong kultura ng Renaissance sa Italya, ang pagkakapareho ng makasaysayang at kultural na mga tadhana - lahat ng ito ay ginagawang Venetian art na isa sa mga pagpapakita ng sining ng Renaissance sa Italya, tulad ng imposible. upang isipin ang Mataas na Renaissance sa Italya sa lahat ng pagkakaiba-iba nito ng mga malikhaing pagpapakita nang walang gawa nina Giorgione at Titian. Ang sining ng huling Renaissance sa Italya ay hindi mauunawaan nang walang pag-aaral sa sining ng yumaong Titian, ang gawa nina Veronese at Tintoretto.

Gayunpaman, ang pagka-orihinal ng kontribusyon ng paaralang Venetian sa sining ng Renaissance ng Italya ay hindi lamang medyo naiiba sa ibang paaralan sa Italya. Ang sining ng Venice ay kumakatawan sa isang espesyal na bersyon ng pag-unlad ng mga prinsipyo ng Renaissance at may kaugnayan sa lahat mga paaralan ng sining Italya.

Ang sining ng Renaissance ay nabuo sa Venice nang huli kaysa sa karamihan ng iba pang mga sentro, lalo na kaysa sa Florence. Ang pagbuo ng mga prinsipyo ng artistikong kultura ng Renaissance sa visual arts sa Venice ay nagsimula lamang noong ika-15 siglo. Ito ay hindi natukoy sa pamamagitan ng pagkaatrasado ng ekonomiya ng Venice. Sa kabaligtaran, ang Venice, kasama ang Florence, Pisa, Genoa, Milan, ay isa sa mga pinaka-maunlad na sentro ng Italya. Paradoxically, ito ay tiyak ang maagang pagbabago ng Venice sa isang mahusay na komersyal, at, higit pa rito, nakararami sa komersyal, sa halip na isang kapangyarihan sa pagmamanupaktura, na nagsimula noong ika-12 siglo. at lalong pinabilis sa takbo ng mga krusada, ang dapat sisihin sa pagkaantala na ito.

Ang kultura ng Venice, ang bintanang ito ng Italya at Gitnang Europa, na "pinutol" sa silangang mga bansa, ay malapit na nauugnay sa kahanga-hangang kadakilaan at solemne na luho ng imperyal na kulturang Byzantine at bahagyang sa banayad na pandekorasyon na kultura ng mundo ng Arab. Nasa ika-12 siglo na, iyon ay, sa panahon ng pangingibabaw ng istilong Romanesque sa Europa, isang mayaman na republika ng kalakalan, na lumilikha ng sining na nagpapatunay sa kayamanan at kapangyarihan nito, malawak na bumaling sa karanasan ng Byzantium - ang pinakamayaman, pinaka-binuo na Kristiyano. kapangyarihan ng medieval noong panahong iyon. Sa esensya, ang artistikong kultura ng Venice noong ika-14 na siglo. Ito ay isang uri ng interweaving ng kahanga-hangang maligaya na mga anyo ng monumental na Byzantine na sining, na pinasigla ng impluwensya ng makulay na dekorasyon ng Silangan at kakaibang eleganteng, pinalamutian na muling inisip na mga elemento ng mature na Gothic na sining. Sa katunayan, ang mga proto-Renaissance na mga tendensya ay nadama sa ilalim ng mga kundisyong ito nang mahina at paminsan-minsan.

Noong ika-15 siglo lamang mayroong isang hindi maiiwasan at natural na proseso ng paglipat ng Venetian art sa mga sekular na posisyon ng artistikong kultura ng Renaissance. Ang kanyang pagka-orihinal ay ipinakita pangunahin sa pagnanais para sa pagtaas ng kasiyahan ng kulay at komposisyon, sa isang mas malaking interes sa background ng landscape, sa kapaligiran ng landscape na nakapalibot sa isang tao.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo mayroong isang pagbuo ng paaralan ng Renaissance sa Venice bilang isang makabuluhan at orihinal na kababalaghan, na sumakop sa isang mahalagang lugar sa sining ng Italian Quattrocento.

Venice sa kalagitnaan ng ika-15 siglo umabot sa pinakamataas na antas ng kanyang kapangyarihan at kayamanan. Ang mga kolonyal na pag-aari at mga post ng kalakalan ng "Queen of the Adriatic" ay sumasakop hindi lamang sa buong silangang baybayin ng Adriatic Sea, ngunit kumalat din nang malawak sa buong silangang Mediterranean. Sa Cyprus, Rhodes, Crete, ang bandila ng Lion of St. Mark ay kumakaway. Marami sa mga marangal na pamilyang patrician na bumubuo sa naghaharing pili ng Venetian oligarkiya ay kumikilos sa ibang bansa bilang mga pinuno ng malalaking lungsod o buong rehiyon. Mahigpit na kinokontrol ng Venetian fleet ang halos buong transit trade sa pagitan ng East at Western Europe.

Gayunpaman, ang pagkatalo ng Imperyong Byzantine ng mga Turko, na nagtapos sa pagbihag sa Constantinople, ay yumanig sa mga posisyon ng kalakalan ng Venice. Ngunit sa anumang paraan ay hindi masasabi ng isa ang paghina ng Venice sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Ang pangkalahatang pagbagsak ng silangang kalakalan ng Venetian ay dumating nang maglaon. Ang mga mangangalakal ng Venetian, na sa oras na iyon ay bahagyang pinalaya mula sa kalakalan, ay namuhunan ng malaking halaga ng pera sa pagpapaunlad ng mga crafts at pabrika sa Venice, at bahagyang sa pag-unlad ng nakapangangatwiran na agrikultura sa kanilang mga ari-arian na matatagpuan sa peninsula na katabi ng lagoon ( ang tinatawag na terra farm). Bukod dito, ang mayaman at puno pa rin ng siglang republika noong 1509-1516 ay nagawang ipagtanggol ang kalayaan nito sa paglaban sa pagalit na koalisyon ng isang bilang ng mga kapangyarihan sa Europa, na pinagsasama ang puwersa ng mga armas na may kakayahang umangkop na diplomasya. Ang pangkalahatang pagtaas, dahil sa matagumpay na kinalabasan ng mahirap na pakikibaka na pansamantalang nag-rally sa lahat ng mga seksyon ng lipunang Venetian, ay nagdulot ng paglaki ng mga tampok ng heroic optimism at monumental na kasiyahan na napaka katangian ng sining ng High Renaissance sa Venice, simula sa Titian. Ang katotohanan na napanatili ng Venice ang kalayaan nito at, sa isang malaking lawak, ang kayamanan nito, ay tumutukoy sa tagal ng kasagsagan ng sining ng High Renaissance sa Venetian Republic. Ang pagliko sa huling Renaissance ay binalangkas sa Venice noong mga 1540 lamang.

Ang panahon ng pagbuo ng High Renaissance ay bumagsak, tulad ng sa natitirang bahagi ng Italya, sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Sa mga taong ito na nagsimulang labanan ng sining ng pagsasalaysay ng Gentile Bellini at Carpaccio ang sining ni Giovanni Bellini, isa sa mga pinaka-kahanga-hangang masters ng Italian Renaissance, na ang gawain ay nagmamarka ng paglipat mula sa maaga hanggang sa High Renaissance.

Si Giovanni Bellini (c. 1430-1516) ay hindi lamang nagpapaunlad at nagpapabuti sa mga tagumpay na naipon ng kanyang mga nauna sa kanya, ngunit din itinaas ang Venetian art sa isang mas mataas na antas. Sa kanyang mga pagpipinta, ipinanganak ang koneksyon sa pagitan ng mood na nilikha ng landscape at ang estado ng pag-iisip ng mga bayani ng komposisyon, na isa sa mga kahanga-hangang tagumpay ng modernong pagpipinta sa pangkalahatan. Kasabay nito, sa sining ni Giovanni Bellini, at ito ang pinakamahalagang bagay, ang kahalagahan ng moral na mundo ng tao ay ipinahayag nang may pambihirang puwersa. Totoo, ang pagguhit sa kanyang mga unang gawa ay kung minsan ay medyo malupit, ang mga kumbinasyon ng mga kulay ay halos matalim. Ngunit ang pakiramdam ng panloob na kahalagahan ng espirituwal na estado ng isang tao, ang paghahayag ng kagandahan ng kanyang panloob na mga karanasan, ay umaabot sa gawain ng panginoon na ito na nasa panahong ito ng napakalaking kahanga-hangang kapangyarihan.

Maagang pinalaya ni Giovanni Bellini ang kanyang sarili mula sa pagsasalaysay ng kasabihan ng kanyang mga nauna at kapanahon. Ang balangkas sa kanyang mga komposisyon ay bihirang makatanggap ng isang detalyadong dramatikong pag-unlad, ngunit higit sa lahat sa pamamagitan ng emosyonal na tunog ng kulay, sa pamamagitan ng maindayog na pagpapahayag ng pagguhit at, sa wakas, sa pamamagitan ng pinigilan, ngunit puno ng panloob na lakas ng paggaya, ang kadakilaan ng espirituwal. mundo ng tao ay nahayag.

Ang mga unang gawa ni Giovanni Bellini ay maaaring ilapit sa sining ng Mantegna (halimbawa, The Crucifixion; Venice, Correr Museum). Gayunpaman, nasa altarpiece na sa Pesaro, ang malinaw na linear na "Mantenevian" na pananaw ay pinayaman ng isang mas banayad na naihatid na pananaw sa himpapawid kaysa sa master ng Padua. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng batang Venetian at ng kanyang nakatatandang kaibigan at kamag-anak (si Mantegna ay ikinasal sa kapatid ni Bellini) ay ipinahayag hindi gaanong sa mga indibidwal na tampok ng liham, ngunit sa mas liriko at mala-tula na diwa ng kanyang trabaho sa kabuuan.

Partikular na nakapagtuturo sa bagay na ito ay ang kanyang tinatawag na "Madonna na may inskripsiyong Griyego" (1470s; Milan, Brera). Ang imaheng ito ng isang malungkot na nag-iisip na si Maria, na malabo na nakapagpapaalaala sa isang icon, dahan-dahang niyayakap ang isang malungkot na sanggol, ay nagsasalita ng isa pang tradisyon kung saan itinataboy ng master - ang tradisyon ng pagpipinta ng medieval. Gayunpaman, ang abstract na espirituwalidad ng mga linear na ritmo at mga color chords ng icon ay tiyak na nagtagumpay dito. Mahigpit na mahigpit sa kanilang pagpapahayag, ang mga ratio ng kulay ay kongkreto. Ang mga kulay ay totoo, ang solidong pagmomodelo ng mga volume ng modelong anyo ay tunay na totoo. Ang banayad na malinaw na kalungkutan ng mga ritmo ng silweta ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa pinigilan na mahahalagang pagpapahayag ng mga paggalaw ng mga pigura mismo, kasama ang masiglang ekspresyon ng tao ng mukha ni Maria. Hindi abstract espiritismo, ngunit patula inspirasyon, malalim na damdamin ng tao ay ipinahayag sa ito simple at katamtaman ang hitsura komposisyon.

Sa hinaharap, si Bellini, na nagpapalalim at nagpapayaman sa espirituwal na pagpapahayag ng kanyang masining na wika, ay sabay na nagtagumpay sa mga tampok ng katigasan at kalupitan ng maagang paraan. Mula noong katapusan ng 1470s. siya, na umaasa sa karanasan ni Antonello da Messina (na nagtrabaho sa Venice mula sa kalagitnaan ng 1470s), ay nagpapakilala ng mga kulay na anino sa kanyang mga komposisyon, na pinupuno ang mga ito ng liwanag at hangin ("Madonna with Saints", 1476), na nagbibigay sa buong komposisyon ng isang malawak na ritmikong hininga.

Noong 1580s Pumasok si Bellini sa panahon ng kanyang pagiging malikhain. Ang kanyang "Lamentation of Christ" (Milan, Brera) ay kapansin-pansin sa kumbinasyon nito ng halos walang awa na katotohanan ng buhay (ang mortal na malamig na asul ng katawan ni Kristo, ang kanyang kalahating nakatali na panga, mga bakas ng pagpapahirap) na may tunay na kalunus-lunos na kadakilaan ng mga imahe ng mga bayaning nagdadalamhati. Ang pangkalahatang malamig na tono ng madilim na ningning ng mga kulay ng mga damit nina Maria at Juan ay pinaypayan ng gabing kulay abo-asul na liwanag. Ang kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa ng hitsura ni Maria, na kumapit sa kanyang anak, at ang nagdadalamhating galit ni Juan, na hindi nakipagkasundo sa pagkamatay ng isang guro, ang mga ritmong malinaw na malinaw sa kanilang prangka na pagpapahayag, ang kalungkutan ng paglubog ng araw sa disyerto, kaya magkatugma. na may pangkalahatang emosyonal na istraktura ng larawan, ay binubuo sa isang uri ng malungkot na requiem. Hindi sinasadya na sa ilalim ng pisara kung saan nakasulat ang larawan, isang hindi kilalang kontemporaryong nakasulat ang sumusunod na mga salita sa Latin: "Kung ang pagmumuni-muni ng mga nagdadalamhating mata na ito ay mapupunit ang iyong mga luha, kung gayon ang paglikha ni Giovanni Bellini ay may kakayahang umiiyak.”

Noong 1580s Si Giovanni Bellini ay gumawa ng isang mapagpasyang hakbang pasulong, at ang master ay naging isa sa mga tagapagtatag ng sining ng High Renaissance. Ang pagka-orihinal ng sining ng mature na si Giovanni Bellini ay malinaw na lumalabas kapag inihambing ang kanyang "Transfiguration" (1580s; Naples) sa kanyang maagang "Transfiguration" (Museum Correr). Sa "Transfiguration" ng Correr Museum, ang mahigpit na iginuhit na mga pigura ni Kristo at ng mga propeta ay matatagpuan sa isang maliit na bato, na nakapagpapaalaala sa parehong malaking pedestal at isang iconic na "bream". Medyo angular sa kanilang mga galaw (kung saan hindi pa nakakamit ang pagkakaisa ng mahahalagang katangian at patula ng kilos) ang mga pigura ay stereoscopic. Maliwanag at malamig-malinaw, halos maningning na mga kulay ng volumetrically modelled figure ay napapalibutan ng malamig-transparent na kapaligiran. Ang mga figure mismo, sa kabila ng matapang na paggamit ng mga kulay na anino, ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng isang tiyak na static at pare-parehong pagkakapareho ng pag-iilaw.

Ang mga figure ng Neapolitan "Transfiguration" ay matatagpuan sa isang malumanay na alun-alon na talampas, na katangian ng hilagang mga paanan ng Italya, na ang ibabaw, na natatakpan ng mga parang at maliliit na grove, ay kumakalat sa mabatong-vertical na mga pader ng bangin na matatagpuan sa harapan. Nakikita ng manonood ang buong eksena na parang siya ay nasa isang landas na tumatakbo sa gilid ng isang bangin, na nababakuran ng isang magaan na rehas ng mga dali-daling nakatali, hindi nababalatan na mga pinutol na puno. Ang agarang realidad ng pang-unawa sa tanawin ay pambihira, lalo na dahil ang buong harapan, at ang distansya, at ang gitnang plano ay naliligo sa bahagyang mamasa-masa, maaliwalas na hangin na kapaligiran na magiging katangian ng Pagpipinta ng Venice ika-16 na siglo Kasabay nito, ang pinipigilang kataimtiman ng mga galaw ng mga maringal na pigura ni Kristo, ang mga propeta at nakahandusay na mga apostol, ang malayang kalinawan ng kanilang maindayog na paghahambing, ang natural na pangingibabaw ng mga pigura ng tao sa kalikasan, ang kalmadong lawak ng mga distansiyang tanawin ay lumilikha ng napakalakas. hininga, na malinaw na kadakilaan ng imahe, na ginagawang mahulaan natin sa gawaing ito ang mga unang tampok ng isang bagong yugto sa pag-unlad ng Renaissance.

Ang kalmado na solemnidad ng istilo ng mature na Bellini ay nakapaloob sa monumental na balanse ng komposisyon na "Madonna of St. Job" (1580s; Venice Academy). Inilagay ni Bellini si Maria, na nakaupo sa isang mataas na trono, laban sa background ng kabibe ng apse, na lumilikha ng isang solemne na background ng arkitektura, kaayon ng kalmadong kadakilaan ng mga imahe ng tao. Ang mga paparating, sa kabila ng kanilang kamag-anak na kasaganaan (anim na mga santo at tatlong anghel na pumupuri kay Maria), ay hindi nakakalat sa mga komposisyon. Ang mga hugis ay maayos na ipinamahagi sa kabuuan mga pangkat ng pagbabasa, na malinaw na pinangungunahan ng isang mas solemne at mayaman sa espirituwal na imahe ni Maria kasama ang sanggol.

Ang mga may kulay na anino, malambot na nagniningning na ilaw, kalmado na sonority ng kulay ay lumikha ng isang pakiramdam ng pangkalahatang mood, nagpapasakop sa maraming mga detalye sa pangkalahatang maindayog, coloristic at compositional-figurative na pagkakaisa ng kabuuan.

Sa "Madonna with Saints" mula sa Church of San Zaccaria sa Venice (1505), na isinulat halos sabay-sabay sa "Madonna of Castelfranco" ni Giorgione, ang matandang master ay lumikha ng isang gawa na kapansin-pansin para sa klasikal na balanse ng komposisyon, ang mahusay na pag-aayos. ng iilang maringal na bayaning nahuhulog sa malalim na pag-iisip. Marahil ang imahe ng Madonna mismo ay hindi umabot sa parehong kahalagahan tulad ng sa Madonna ng St. Job. Ngunit ang malumanay na tula ng kabataang tumutugtog ng violin sa paanan ni Maria, ang mabagsik na gravity at kasabay nito ang lambot ng ekspresyon ng mukha ng may abuhing matanda na nakalubog sa pagbabasa, ay talagang maganda at puno ng mataas na etikal na kahalagahan. Ang pinigil na lalim ng paglipat ng mga damdamin, ang perpektong balanse sa pagitan ng pangkalahatan na kadakilaan at ang kongkretong sigla ng imahe, ang marangal na pagkakaisa ng kulay ay natagpuan ang kanilang pagpapahayag sa kanyang Berlin Lamentation.

Larawan pp. 248-249

Ang kalmado, malinaw na ispiritwalidad ay katangian ng lahat ng pinakamahusay na mga gawa ng mature na panahon ni Bellini. Ganito ang kanyang napakaraming Madonna: halimbawa, "Madonna with Trees" (1490s; Venice Academy) o "Madonna in the Meadows" (c. 1590; London, National Gallery), na kapansin-pansin sa plein air luminosity ng pagpipinta. Ang tanawin ay hindi lamang matapat na naghahatid ng hitsura ng kalikasan ng terra farm - malawak na kapatagan, malambot na burol, malayong asul na bundok, ngunit inilalantad sa mga tuntunin ng banayad na elehiya ang tula ng mga gawain at mga araw ng buhay sa kanayunan: isang pastol na nagpapahinga sa tabi ng kanyang mga kawan. , isang tagak na bumababa malapit sa isang latian, isang babaeng huminto sa crane ng balon. Sa malamig na tanawin ng tagsibol na ito, na kaayon ng tahimik na lambing ni Maria, magalang na yumuko sa sanggol na nakatulog sa kanyang mga tuhod, ang espesyal na pagkakaisa, ang panloob na pagkakatugma ng hininga ng buhay ng kalikasan at ang espirituwal na buhay ng tao, na ay kaya katangian ng Venetian painting ng High Renaissance, ay nakamit na. Imposibleng hindi mapansin sa pagpasa na sa interpretasyon ng imahe ng Madonna mismo, na nagtataglay ng medyo genre na karakter, kapansin-pansin ang interes ni Bellini sa pictorial na karanasan ng mga masters ng hilagang Renaissance.

Ang isang makabuluhan, bagaman hindi nangunguna sa trabaho ng yumaong Bellini ay inookupahan ng mga komposisyong iyon na karaniwang nauugnay sa ilang akdang patula o relihiyosong alamat, na kinagigiliwan ng mga taga-Venice.

Ito ay hango sa isang Pranses na tula noong ika-14 na siglo. ang tinatawag na "Lake Madonna" (Uffizi). Sa likuran ng mahinahong marilag at medyo matitinding bundok, na umaangat sa ibabaw ng hindi gumagalaw na malalim na kulay abo-asul na tubig ng lawa, ang mga pigura ng mga santo na matatagpuan sa marble open terrace ay kumikilos sa kulay-pilak na malambot na ilaw. Sa gitna ng terrace ay isang orange tree sa isang batya, na may ilang hubad na sanggol na naglalaro sa paligid nito. Sa kaliwa nila, nakasandal sa marmol ng balustrade, nakatayo ang kagalang-galang na matandang lalaki, si apostol Pedro, na malalim na nag-iisip. Sa tabi niya, itinaas ang kanyang espada, ay nakatayo ang isang lalaking may itim na balbas na nakasuot ng pulang-pula na mantle, tila si Apostol Pablo. Ano ang iniisip nila? Bakit at nasaan ang nakatatandang Jerome, maitim na tanso mula sa sunog ng araw, at ang maalalahaning hubad na si Sebastian ay dahan-dahang naglalakad? Sino itong balingkinitang Venetian na may abo na buhok, na nakabalot ng itim na scarf? Bakit ang mataimtim na nakaluklok na babaing ito, marahil si Maria, ay nakahalukipkip sa panalangin? Ang lahat ay tila misteryosong nakakubli, kahit na mas malamang na ang kontemporaryo ng master, isang pinong kritiko ng tula at isang connoisseur ng wika ng mga simbolo, ang allegorical plot na kahulugan ng komposisyon ay sapat na malinaw. Gayunpaman, ang pangunahing aesthetic na kagandahan ng larawan ay wala sa mapanlikhang simbolikong kuwento, hindi sa kagandahan ng rebus decoding, ngunit sa patula na pagbabago ng mga damdamin, ang banayad na espirituwalidad ng kabuuan, ang eleganteng nagpapahayag na pagkakatugma ng mga motibo na nag-iiba. ang parehong tema - ang marangal na kagandahan ng imahe ng tao. Kung ang Bellini's Madonna of the Lake sa ilang mga lawak ay inaasahan ang intelektwal na pagpipino ng mga tula ni Giorgione, kung gayon ang kanyang Feast of the Gods (1514; Washington, National Gallery), na nakikilala sa pamamagitan ng isang kahanga-hangang masasayang paganong konsepto ng mundo, sa halip ay inaasahan ang heroic optimism. ng "tula" at mga komposisyong mitolohiko.batang Titian.

Tinutugunan din ni Giovanni Bellini ang larawan. Ang kanyang medyo kakaunting mga portrait, kumbaga, ay naghahanda ng pamumulaklak ng genre na ito sa pagpipinta ng Venetian noong ika-16 na siglo. Ganito ang kanyang larawan ng isang batang lalaki, isang matikas na mapangarapin na kabataan. Sa larawang ito, ang imaheng iyon ng isang magandang tao, na puno ng espirituwal na kamahalan at natural na tula, ay isinilang na, na ganap na mahahayag sa mga gawa ni Giorgione at ng batang Titian. "Boy" Bellini - Ito ang pagkabata ng batang "Brocardo" Giorgione.

Ang huli na gawain ni Bellini ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kahanga-hangang larawan ng Doge (bago ang 1507), na nakikilala sa pamamagitan ng napakaliwanag na kulay, mahusay na pagmomodelo ng mga volume, tumpak at nagpapahayag na paghahatid ng lahat ng indibidwal na pagka-orihinal ng karakter ng matandang ito, na puno ng matapang. enerhiya at matinding intelektwal na buhay.

Sa pangkalahatan, ang sining ni Giovanni Bellini - isa sa mga pinakadakilang master ng Italian Renaissance - ay pinabulaanan ang dating malawak na opinyon tungkol sa diumano'y nakararami na pandekorasyon at puro "pintor" na kalikasan ng paaralang Venetian. Sa katunayan, sa karagdagang pag-unlad ng paaralang Venetian, ang salaysay at panlabas na dramatikong mga aspeto ng balangkas ay hindi sasakupin ang isang nangungunang lugar sa loob ng ilang panahon. Ngunit ang mga problema ng kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao, ang etikal na kahalagahan ng isang pisikal na maganda at espirituwal na mayaman pagkatao ng tao, na ipinadala nang mas emosyonal, konkretong sensual kaysa sa sining ng Tuscany, ay palaging sasakupin ang isang mahalagang lugar sa malikhaing aktibidad ng mga masters ng Venetian school.

Ang isa sa mga masters ng pagliko ng ika-15 at ika-16 na siglo, na ang gawain ay nabuo sa ilalim ng mapagpasyang impluwensya ni Giovanni Bellini, ay si Giambattista Cima da Conegliano (c. 1459-1517/18). Sa Venice siya ay nagtrabaho sa pagitan ng 1492-1516. Si Cima ay nagmamay-ari ng malalaking altarpieces kung saan, kasunod ni Bellini, mahusay niyang pinagsama ang mga pigura sa mga frame ng arkitektura, madalas na inilalagay ang mga ito sa isang arched opening ("John the Baptist with four saints" sa simbahan ng Santa Maria del Orto sa Venice, 1490s, " Unbelief of Thomas"; Venice, Academy, "St. Peter the Martyr", 1504; Milan, Brera). Ang mga komposisyon na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang libre, maluwag na paglalagay ng mga figure, na nagpapahintulot sa artist na malawak na ipakita ang background ng landscape na nagbubukas sa likod nila. Para sa mga motif ng landscape, karaniwang ginagamit ni Cima ang mga landscape ng kanyang katutubong Conegliano, na may mga kastilyo sa matataas na burol, kung saan patungo ang matarik na paikot-ikot na mga kalsada, na may mga nakahiwalay na puno at isang mapusyaw na asul na kalangitan na may mapupungay na ulap. Hindi naabot ang artistikong taas ni Giovanni Bellini, si Cima, gayunpaman, tulad niya, pinagsama sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ang isang malinaw na pagguhit, pagkakumpleto ng plastik sa interpretasyon ng mga figure na may mayaman na kulay, bahagyang hinawakan ng isang solong ginintuang tono. Si Cima din ang may-akda ng mga liriko na imahe ng Madonnas na katangian ng mga Venetian, at sa kanyang kahanga-hangang Introduction to the Temple (Dresden, Picture Gallery) nagbigay siya ng isang halimbawa ng isang liriko-narrative na interpretasyon ng tema na may banayad na balangkas ng indibidwal araw-araw. mga motif.

Ang susunod na yugto pagkatapos ng sining ni Giovanni Bellini ay ang gawa ni Giorgione, ang unang master ng Venetian school, na ganap na pag-aari ng High Renaissance. Si George Barbarelli ng Castelfranco (1477/78-1510), na tinawag na Giorgione, ay isang junior contemporary at estudyante ni Giovanni Bellini. Si Giorgione, tulad ni Leonardo da Vinci, ay nagpapakita ng pinong pagkakasundo ng isang mayaman sa espirituwal at perpektong pisikal na tao. Tulad ni Leonardo, ang gawa ni Giorgione ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na intelektwalismo at, tila, kristal na katwiran. Ngunit, hindi katulad ni Leonardo, na ang malalim na liriko ng sining ay lubhang nakatago at, para bang, napapailalim sa mga kalunos-lunos na intelektwalismo, ang liriko na prinsipyo, sa malinaw na pagsang-ayon nito sa makatuwirang prinsipyo, sa Giorgione ay nagpapadama ng sarili sa pambihirang puwersa. Kasabay nito, ang kalikasan, ang likas na kapaligiran sa sining ng Giorgione ay nagsisimulang maglaro ng lalong mahalagang papel.

Ilang mga gawa ni Giorgione mismo at ng kanyang bilog ang nakaligtas hanggang sa ating panahon. Ang ilang mga pagpapatungkol ay kontrobersyal. Gayunpaman, dapat tandaan na ang unang kumpletong eksibisyon ng mga gawa ni Giorgione at ng Giorgionesco, na ginanap sa Venice noong 1958, ay naging posible hindi lamang upang gumawa ng isang bilang ng mga paglilinaw sa bilog ng mga gawa ng master, kundi pati na rin upang maiugnay kay Giorgione ilang mga dating kontrobersyal na mga gawa, nakatulong upang mas ganap at malinaw na ipakita ang karakter ng kanyang akda sa kabuuan.

Ang medyo maagang mga gawa ni Giorgione, na natapos bago ang 1505, ay kinabibilangan ng kanyang Adoration of the Shepherds sa Washington Museum at Adoration of the Magi sa National Gallery sa London. Sa The Adoration of the Magi (London), sa kabila ng kilalang pagkakapira-piraso ng pagguhit at ang hindi malulutas na tigas ng kulay, naramdaman na ang interes ng master na ihatid ang panloob na espirituwal na mundo ng mga karakter.

Ang unang panahon ng pagkamalikhain Giorgione ay nakumpleto ang kanyang kahanga-hangang komposisyon na "Madonna da Castelfranco" (c. 1505; Castelfranco, Cathedral). Sa kanyang mga unang gawa at ang unang mga gawa ng panahon ng mature, si Giorgione ay direktang konektado sa monumental na heroizing line na iyon, na, kasama ang genre-narrative line, ay dumaan sa lahat ng sining ng Quattrocento at sa mga tagumpay na kung saan ang mga masters ng ang generalizing monumental na estilo ng High Renaissance ay umasa sa unang lugar. Kaya, sa "Madonna of Castelfranco" ang mga figure ay inayos ayon sa tradisyonal na compositional scheme na pinagtibay para sa temang ito ng isang bilang ng mga masters ng Northern Italian Renaissance. Si Maria ay nakaupo sa isang mataas na plinth; sa kanan at kaliwa niya, si St. Francis at ang lokal na santo ng lungsod ng Castelfranco Liberale ay nakatayo sa harap ng manonood. Ang bawat figure, na sumasakop sa isang tiyak na lugar sa isang mahigpit na itinayo at monumental, malinaw na nababasa na komposisyon, gayunpaman ay sarado sa sarili nito. Ang komposisyon sa kabuuan ay medyo hindi gumagalaw. II, sa parehong oras, ang nakakarelaks na pag-aayos ng mga pigura sa isang maluwang na komposisyon, ang malambot na espirituwalidad ng kanilang mga tahimik na paggalaw, ang mala-tula na imahe ni Maria mismo ay lumikha sa larawan ng kapaligiran ng isang medyo mahiwagang nag-iisip na panaginip na napaka katangian ng sining ng isang mature na Giorgione, na umiiwas sa sagisag ng matalas na dramatikong banggaan.

Mula noong 1505, nagsimula ang panahon ng pagiging malikhain ng artist, sa lalong madaling panahon ay nagambala ng kanyang nakamamatay na sakit. Sa maikling limang taon na ito, ang kanyang mga pangunahing obra maestra ay nilikha: "Judith", "Thunderstorm", "Sleeping Venus", "Concert" at karamihan sa ilang mga larawan. Sa mga gawaing ito na ang karunungan ng tiyak na nakalarawan at makasagisag na mga posibilidad ng pagpipinta ng langis, na katangian ng mga dakilang masters ng Venetian school, ay ipinahayag. Sa katunayan, ang isang katangian ng paaralan ng Venetian ay ang nangingibabaw na pag-unlad ng pagpipinta ng langis at ang mahinang pag-unlad ng pagpipinta ng fresco.

Sa paglipat mula sa sistemang medyebal hanggang sa makatotohanang pagpipinta ng Renaissance, ang mga Venetian, siyempre, halos ganap na inabandunang mga mosaic, ang tumaas na makinang at pandekorasyon na kulay na hindi na ganap na matugunan ang mga bagong gawaing masining. Totoo, ang tumaas na liwanag na ningning ng iridescent shimmering mosaic painting, bagama't binago, hindi direkta, ngunit naiimpluwensyahan ang Renaissance painting ng Venice, na palaging nakahilig sa matingkad na kalinawan at nagliliwanag na kayamanan ng kulay. Ngunit ang mosaic technique mismo, na may mga bihirang eksepsiyon, ay dapat na naging isang bagay ng nakaraan. Ang karagdagang pag-unlad ng monumental na pagpipinta ay kailangang pumunta alinman sa anyo ng fresco, pagpipinta sa dingding, o batay sa pag-unlad ng tempera at pagpipinta ng langis.

Ang fresco sa mahalumigmig na klima ng Venetian ay maagang nagsiwalat ng kawalang-tatag nito. Kaya, ang mga fresco ng German Compound (1508), na isinagawa ni Giorgione kasama ang pakikilahok ng batang Titian, ay halos ganap na nawasak. Ilang kalahating kupas na mga fragment lamang, na nasira ng kahalumigmigan, ang nakaligtas, kasama ng mga ito ang pigura ng isang hubad na babae, puno ng halos Praxitele charm, na ginawa ni Giorgione. Samakatuwid, ang lugar ng pagpipinta sa dingding sa wastong kahulugan ng salita ay kinuha ng isang panel ng dingding sa canvas, na idinisenyo para sa isang tiyak na silid at ginanap gamit ang pamamaraan ng pagpipinta ng langis.

Ang pagpipinta ng langis ay nakatanggap ng isang partikular na malawak at mayamang pag-unlad sa Venice, hindi lamang dahil ito ang pinaka-maginhawang pamamaraan ng pagpipinta para sa pagpapalit ng mga fresco, kundi pati na rin dahil ang pagnanais na ihatid ang imahe ng isang tao na may malapit na koneksyon sa kanyang natural na kapaligiran, interes sa makatotohanang sagisag ng tonal at ang coloristic na kayamanan ng nakikitang mundo ay maaaring ibunyag nang may partikular na kapunuan at flexibility nang tumpak sa pamamaraan ng oil painting. Sa pagsasaalang-alang na ito, ang pagpipinta ng tempera, na mahalaga sa malaking lakas ng kulay, malinaw na nagniningning na sonority, ngunit mas pandekorasyon sa kalikasan, sa mga board para sa mga komposisyon ng easel, ay hindi maiiwasang magbigay daan sa langis, na mas nababaluktot na nagbibigay ng liwanag na kulay at spatial shade ng ang kapaligiran, na mas malumanay at masiglang nililok ang hugis ng katawan ng tao. Para kay Giorgione, na medyo maliit na nagtrabaho sa larangan ng malalaking monumental na komposisyon, ang mga posibilidad na ito, na likas sa pagpipinta ng langis, ay lalong mahalaga.

Ang isa sa pinaka misteryoso sa kahulugan ng balangkas nito ng mga gawa ni Giorgione sa panahong ito ay Ang Thunderstorm (Venice Academy).

Mahirap para sa atin na sabihin kung anong partikular na balangkas ang nakasulat na "Bagyo ng Kulog".

Ngunit gaano man malabo ang kahulugan ng panlabas na balangkas para sa atin, na, tila, ni ang master mismo, o ang pinong mga connoisseurs at connoisseurs ng kanyang sining noong panahong iyon, ay hindi naglalagay ng mapagpasyang kahalagahan, malinaw na nararamdaman natin ang pagnanais ng artist sa pamamagitan ng isang uri ng contrasting juxtaposition ng mga imahe upang magparami ng isang tiyak na espesyal na estado ng pag-iisip. , kasama ang lahat ng kagalingan at pagiging kumplikado ng mga sensasyon, na nailalarawan sa pamamagitan ng integridad ng pangkalahatang mood. Marahil ang isa sa mga unang gawa ng isang may-gulang na master ay labis pa ring kumplikado at panlabas na nakakalito kumpara sa kanyang mga huling gawa. Gayunpaman, ang lahat ng mga tampok na katangian ng mature na istilo ng Giorgione sa loob nito ay medyo malinaw na igiit ang kanilang sarili.

Ang mga figure ay matatagpuan na sa landscape na kapaligiran mismo, bagama't nasa loob pa rin ng foreground. Ang pagkakaiba-iba ng buhay ng kalikasan ay kahanga-hangang ipinakita: kumikislap na kidlat mula sa mabibigat na ulap; ang abo-pilak na mga pader ng mga gusali sa isang malayong lungsod; isang tulay na sumasaklaw sa isang ilog; tubig, minsan malalim at hindi gumagalaw, minsan ay umaagos; paikot-ikot na kalsada; kung minsan ay matikas na marupok, kung minsan ay malago na mga puno at palumpong, at mas malapit sa harapan - mga fragment ng mga haligi. Sa kakaibang tanawin na ito, kamangha-mangha sa mga kumbinasyon nito, at napakatotoo sa mga detalye at pangkalahatang kalagayan, isang misteryosong pigura ng isang hubad na babae na may scarf na itinapon sa kanyang mga balikat, nagpapakain sa isang bata, at isang batang pastol ay nakasulat. Ang lahat ng mga heterogenous na elementong ito ay bumubuo ng isang kakaiba, medyo misteryosong kabuuan. Ang lambot ng mga chord, ang muffled sonority ng mga kulay, na parang nababalot sa semi-twilight na hangin na katangian ng pag-iilaw bago ang bagyo, ay lumikha ng isang tiyak na pagkakaisa ng larawan, sa loob kung saan umuunlad ang mga rich correlations at gradations ng mga tono. Ang orange-red robe ng binata, ang kanyang kumikinang na maberde-white na kamiseta, ang maamong mala-bughaw na tono ng puting kapa ng babae, ang tansong oliveness ng halaman ng mga puno, ngayon ay madilim na berde sa malalim na pool, ngayon ang tubig ng ilog ay kumikislap sa ang mga agos, ang mabigat na tingga-asul na tono ng mga ulap - lahat ay natatakpan, pinagsama sa parehong oras ng isang napakahalaga at kamangha-manghang misteryosong liwanag.

Mahirap para sa atin na ipaliwanag sa mga salita kung bakit ang mga magkasalungat na pigura na ito ay naririto sa paanuman na hindi maintindihan na pinag-isa ng isang biglaang alingawngaw ng malayong kulog at isang kumikislap na ahas ng kidlat, na nagliliwanag sa isang makamulto na liwanag ang kalikasan na maingat na tumahimik sa pag-asa. Ang "bagyo ng kidlat" na malalim na patula ay naghahatid ng pinipigilang pananabik kaluluwa ng tao Nagising mula sa kanyang mga panaginip sa pamamagitan ng mga dayandang ng malayong kulog.

Larawan pp. 256-257

Ang pakiramdam na ito ng misteryosong kumplikado ng panloob na espirituwal na mundo ng isang tao, na nakatago sa likod ng maliwanag na malinaw na kagandahan ng kanyang marangal na panlabas na anyo, ay nahahanap ang pagpapahayag sa sikat na "Judith" (bago ang 1504; Leningrad, ang Hermitage). Ang "Judith" ay pormal na komposisyon sa isang tema ng Bibliya. Bukod dito, hindi tulad ng mga kuwadro na gawa ng maraming Quattrocentists, ito ay isang komposisyon sa isang tema, at hindi ang paglalarawan nito. Ito ay katangian na ang master ay hindi naglalarawan ng ilang culminating moment mula sa punto ng view ng pag-unlad ng kaganapan, tulad ng karaniwang ginagawa ng mga Quattrocento masters (si Judith ay hinahampas ng espada ang lasing na si Holofernes o dinadala ang kanyang pinutol na ulo kasama ang isang katulong).

Sa likod ng isang tahimik na pre-sunset na malinaw na tanawin sa ilalim ng canopy ng isang oak, ang payat na si Judith ay nakatayong maingat na nakasandal sa balustrade. Ang makinis na lambot ng kanyang anyo ay itinakda sa kaibahan ng napakalaking trunk ng isang makapangyarihang puno. Ang malambot na iskarlata na damit ay natatakpan ng isang hindi mapakali na putol na ritmo ng mga tiklop, na parang sa isang malayong alingawngaw ng isang dumaraan na ipoipo. Hawak niya sa kanyang kamay ang isang malaking espada na may dalawang talim na nakapatong na may matalim na dulo sa lupa, ang malamig na ningning at tuwid nito ay kabaligtaran na binibigyang-diin ang flexibility ng isang kalahating hubad na paa na tumatapak sa ulo ni Holofernes. Isang hindi mahahalatang kalahating ngiti ang bumungad sa mukha ni Judith. Ang komposisyon na ito, tila, ay naghahatid ng lahat ng kagandahan ng imahe ng isang kabataang babae, malamig na maganda at malinaw, na kung saan ay echoed, tulad ng isang uri ng musikal saliw, sa pamamagitan ng malambot na kalinawan ng mapayapang kalikasan. Kasabay nito, ang malamig na talim ng espada, ang hindi inaasahang kalupitan ng motif - isang malambot na hubad na paa na yumuyurak sa isang patay na ulo - ay nagdudulot ng isang pakiramdam ng ilang uri ng hindi malinaw na pagkabalisa at pagkabalisa sa tila magkakasuwato, halos idyllic sa mood. larawan.

Sa kabuuan, siyempre, ang malinaw at mahinahon na kadalisayan ng panaginip na kalooban ay nananatiling nangingibabaw na motibo. Gayunpaman, ang lubos na kaligayahan ng imahe at ang mahiwagang kalupitan ng motibo ng espada at ang ulong natapakan, ang halos rebus na kumplikado ng dalawahang mood na ito ay nag-iiwan sa modernong manonood sa ilang pagkalito. Ngunit ang mga kontemporaryo ni Giorgione, tila, ay hindi gaanong natamaan ng kalupitan ng kaibahan (ang Renaissance humanism ay hindi kailanman masyadong sensitibo), sa halip na maakit ng banayad na paghahatid ng mga dayandang ng malalayong bagyo at mga dramatikong salungatan, kung saan ang pagtatamo ng pinong pagkakaisa, ang masaya. estado ng isang nananaginip na nangangarap na magandang kaluluwa ng tao.

Karaniwan para kay Giorgione na sa imahe ng isang tao siya ay interesado hindi gaanong sa natatanging lakas at ningning ng isang indibidwal na ipinahayag na karakter, ngunit sa isang tiyak na subtly kumplikado at sa parehong oras harmoniously integral ideal ng isang perpektong tao, o , mas tiyak, ang ideyal ng espirituwal na estadong iyon kung saan naninirahan ang isang tao. Samakatuwid, sa kanyang mga komposisyon, ang pagtitiyak ng portrait ng mga character ay halos wala, na, na may ilang mga pagbubukod (halimbawa, Michelangelo), ay naroroon sa mga monumental na komposisyon ng karamihan sa mga masters ng Italian Renaissance. Bukod dito, ang mga komposisyon mismo ni Giorgione ay maaari lamang tawaging monumental sa isang tiyak na lawak. Bilang isang patakaran, ang mga ito ay maliit sa laki. Ang mga ito ay hindi tinutugunan sa malaking pulutong ng mga tao. Ang pinong muse ng Giorgione - Ito ang sining na pinakadirektang nagpapahayag ng aesthetic at moral na mundo ng humanistic elite ng lipunang Venetian. Ang mga ito ay mga kuwadro na idinisenyo para sa pangmatagalang kalmadong pagmumuni-muni ng isang art connoisseur na may banayad at kumplikadong binuo na panloob na espirituwal na mundo. Ito ang tiyak na kagandahan ng master, ngunit din ang kanyang ilang mga limitasyon.

Sa panitikan, madalas na may pagtatangka na bawasan ang kahulugan ng sining ni Giorgione sa pagpapahayag ng mga mithiin ng maliit lamang na makataong napaliwanagan na patrician elite ng Venice noong panahong iyon. Gayunpaman, hindi ito ganap na totoo, o sa halip, hindi lamang ito. Ang layunin na nilalaman ng sining ni Giorgione ay hindi masusukat na mas malawak at mas unibersal kaysa sa makitid na saray ng lipunan kung saan ang kanyang trabaho ay direktang konektado. Ang pakiramdam ng pinong maharlika ng kaluluwa ng tao, ang pagsusumikap para sa perpektong pagiging perpekto ng magandang imahe ng isang taong namumuhay nang naaayon sa kapaligiran, kasama ang nakapaligid na mundo, ay nagkaroon din ng malaking pangkalahatang progresibong kahalagahan para sa pag-unlad ng kultura.

Ang mga larawan ni Giorgione ay isang uri ng synthesis ng perpekto at buhay na konkretong tao. Isa sa pinaka-katangian ay ang kanyang kahanga-hangang larawan ni Antonio Brocardo (c. 1508-1510; Budapest, Museo). Sa loob nito, siyempre, ang mga indibidwal na tampok ng larawan ng isang marangal na binata ay tumpak at malinaw na ipinarating, ngunit malinaw na pinalambot ang mga ito, na nasasakop sa imahe ng isang perpektong tao.

Ang walang pigil na malayang paggalaw ng kamay ng binata, ang enerhiyang nararamdaman sa katawan na kalahating nakatago sa ilalim ng maluwag na malapad na damit, ang marangal na kagandahan ng maputlang maputla na mukha, ang ulo ay nakayuko sa isang malakas at balingkinitan na leeg, ang kagandahan ng tabas ng ang elastically outline na bibig, ang maalalahanin na panaginip ng titig na nakatingin sa malayo at malayo sa manonood - lahat ng ito ay lumilikha ng isang imahe na puno ng marangal na kapangyarihan, na nakuha ng isang malalim, malinaw na kalmado na pag-iisip ng isang tao. Ang malambot na kurba ng baybayin na may tahimik na tubig, ang tahimik na bulubunduking baybayin na may mataimtim na kalmadong mga gusali ay bumubuo ng isang background ng landscape, na, gaya ng nakasanayan sa Giorgione, ay hindi magkakaisang inuulit ang ritmo at mood ng pangunahing pigura, ngunit, tulad ng dati, hindi direkta. kaayon ng ganitong mood.

Ang lambot ng cut-off sculpting ng mukha at mga kamay ay medyo nakapagpapaalaala sa sfumato ni Leonardo. Sabay-sabay na nalutas nina Leonardo at Giorgione ang problema ng pagsasama-sama ng malinaw na plastik na mga arkitekto ng mga anyo ng katawan ng tao sa kanilang pinalambot na pagmomolde, na ginagawang posible na ihatid ang kayamanan ng mga plastik at chiaroscuro shade nito - upang magsalita, ang mismong "paghinga" ng ang katawan ng tao. Kung sa Leonardo ito ay sa halip na mga gradasyon ng liwanag at madilim, ang pinakamagandang pagtatabing ng anyo, kung gayon sa Giorgione sfumato ay may isang espesyal na karakter - ito ay, kumbaga, isang micro-modeling ng mga volume ng katawan ng tao na may malawak na stream. ng malambot na liwanag na bumabaha sa buong espasyo ng mga painting. Samakatuwid, ang sfumato ni Giorgione ay naghahatid din ng pakikipag-ugnayan ng kulay at liwanag, na napaka katangian ng pagpipinta ng Venetian noong ika-16 na siglo. Kung ang kanyang tinatawag na larawan ni Laura (c. 1505-1506; Vienna) ay medyo prosaic, kung gayon ang iba pa niyang mga larawang babae ay, sa esensya, ang sagisag ng perpektong kagandahan.

Ang mga larawan ni Giorgione ay nagsimula ng isang kahanga-hangang linya ng pag-unlad ng Venetian, sa partikular na Titian, larawan ng High Renaissance. Ang mga tampok ng larawan ng Giorgione ay higit na bubuo ni Titian, na, gayunpaman, hindi katulad ni Giorgione, ay may mas matalas at mas malakas na pakiramdam ng indibidwal na natatangi ng itinatanghal na karakter ng tao, isang mas dynamic na pang-unawa sa mundo.

Nagtapos ang trabaho ni Giorgione sa dalawang gawa - ang kanyang "Sleeping Venus" (c. 1508-1510; Dresden) at ang Louvre "Concert". Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos, at ang background ng landscape sa mga ito ay kinumpleto ng nakababatang kaibigan at estudyante ni Giorgione, ang dakilang Titian. Bilang karagdagan, ang "Sleeping Venus", ay nawala ang ilan sa mga katangiang larawan nito dahil sa ilang mga pinsala at hindi matagumpay na pagpapanumbalik. Ngunit kahit na ano pa man, sa gawaing ito ang ideyal ng pagkakaisa ng pisikal at espirituwal na kagandahan ng tao ay nahayag nang may lubos na pagiging makatao at halos sinaunang kalinawan.

Nakalubog sa isang mahinahon na pagkakatulog, ang hubad na Venus ay inilalarawan sa backdrop ng isang rural na landscape, ang mahinahon na banayad na ritmo ng mga burol ay naaayon sa kanyang imahe. Ang maulap na kapaligiran ay nagpapalambot sa lahat ng mga contour at sa parehong oras ay pinapanatili ang plastic expressiveness ng mga form.

Tulad ng iba pang mga likha ng Mataas na Renaissance, ang George's Venus ay sarado sa perpektong kagandahan nito at, kumbaga, nahiwalay sa manonood at mula sa musika ng nakapaligid na kalikasan, kaayon ng kagandahan nito. Ito ay hindi nagkataon na siya ay nahuhulog sa malinaw na panaginip ng isang tahimik na pagtulog. Ang kanang kamay na itinapon sa likod ng ulo ay lumilikha ng isang solong ritmikong kurba na yumakap sa katawan at isinasara ang lahat ng anyo sa isang solong makinis na tabas.

Ang isang tahimik na magaan na noo, mahinahon na naka-arko na kilay, malumanay na ibinaba ang mga talukap ng mata at isang magandang mahigpit na bibig ay lumikha ng isang imahe ng transparent na kadalisayan na hindi mailalarawan sa mga salita. Ang lahat ay puno ng kristal na transparency, na makakamit lamang kapag ang isang malinaw, walang ulap na espiritu ay naninirahan sa isang perpektong katawan.

Ang "Concert ng Bansa" (c. 1508 -1510; Louvre) ay naglalarawan ng isang grupo ng dalawang kabataang lalaki na may magagandang damit at dalawang hubad na babae sa likuran ng isang kalmadong solemne na tanawin. Ang mga bilugan na korona ng mga puno, ang mahinahong mabagal na paggalaw ng mga mamasa-masa na ulap ay nakakagulat na umaayon sa libreng malawak na ritmo ng mga damit at galaw ng mga kabataang lalaki, na may marangyang kagandahan ng mga hubad na babae. Ang lacquer ay nagdilim sa paglipas ng panahon ay nagbigay sa larawan ng isang mainit, halos mainit na ginintuang kulay. Sa katunayan, ang kanyang pagpipinta ay orihinal na nailalarawan sa pamamagitan ng isang balanseng pangkalahatang tono. Nakamit ito sa pamamagitan ng tumpak at banayad na harmonic juxtaposition ng mga pinipigilang malamig at katamtamang mainit na mga tono. Ito ay tiyak na ito banayad at kumplikado, nakuha sa pamamagitan ng tumpak na nakunan contrasts, na ang malambot na neutralidad ng pangkalahatang tono ay hindi lamang lumikha ng pagkakaisa na katangian ng Giorgione sa pagitan ng kumplikadong pagkakaiba-iba ng mga shade at ang kalinawan ng coloristic na kabuuan, ngunit medyo lumambot din na masayang masaya. senswal na himno sa kahanga-hangang kagandahan at kasiyahan ng buhay, na nakapaloob sa larawang ito. .

Sa mas malaking lawak kaysa sa iba pang mga gawa ni Giorgione, ang "Konsiyerto ng Bansa" ay tila naghahanda sa hitsura ni Titian. Kasabay nito, ang kahalagahan ng huli na gawaing ito ni Giorgione ay hindi lamang sa kanyang, wika nga, paghahanda, ngunit sa katotohanan na muli nitong ibinubunyag ang orihinal na kagandahan ng gawa ng artist na ito, na walang sinuman ang naulit sa kinabukasan. Ang senswal na kagalakan ng pagiging nasa Titian ay parang isang maliwanag at upbeat na nasasabik na himno sa kaligayahan ng tao, ang natural nitong karapatan sa kasiyahan. Sa Giorgione, ang senswal na kagalakan ng motif ay pinalambot ng mapangarapin na pagmumuni-muni, na napapailalim sa isang malinaw, maliwanag na balanseng pagkakatugma ng isang holistic na pananaw sa buhay.

Samakatuwid, ang kulay ng buong komposisyon na ito sa kabuuan ay neutral, samakatuwid ang mga galaw ng magagandang nag-iisip na mga kababaihan ay napakatahimik na pinigilan, kaya't ang mga kulay ng mga mararangyang damit ng dalawang binata ay tunog ng muffled, kaya't pareho silang hindi gaanong lumiliko. sa pagninilay-nilay sa kagandahan ng kanilang mga kasintahan na nakalubog sa tahimik na mundo ng musika: tumahimik na lamang sila sa banayad na tunog ng plauta, na inalis ng dilag sa kanyang mga labi; ang mga kuwerdas ng mga kuwerdas ng lute ay malumanay na tumutunog sa mga kamay ng isang binata; mula sa malayo, mula sa ilalim ng mga kumpol ng mga puno, ang mapurol na tunog ng isang bagpipe ay halos hindi naririnig, kung saan ang isang pastol na nagpapastol ng kanyang mga tupa ay naglalaro. Ang pangalawang babae, na nakasandal sa isang balon ng marmol, ay nakikinig sa tahimik na bulungan ng isang jet na tumatakbo mula sa isang transparent na sisidlang salamin. Ang kapaligirang ito ng umaalingawngaw na musika, ang paglulubog sa mundo ng mga himig nito ay nagbibigay ng isang espesyal na marangal na kagandahan sa pananaw na ito ng isang malinaw at patula na senswal na magandang kagalakan ng pagiging.

Ang gawa ni Titian, tulad ni Leonardo, Raphael, Michelangelo, ay nagmamarka ng tugatog ng sining ng High Renaissance. Ang mga gawa ni Titian magpakailanman ay pumasok sa ginintuang pondo ng artistikong pamana ng sangkatauhan. Ang makatotohanang panghihikayat ng mga imahe, makataong paniniwala sa kaligayahan at kagandahan ng isang tao, malawak, nababaluktot at masunurin sa plano ng master ng pagpipinta ang mga katangian ng kanyang trabaho.

Si Tiziano Vecellio ng Cadore ay ipinanganak, ayon sa tradisyonal na datos, noong 1477, namatay noong 1576 mula sa salot. Ayon sa kamakailang pananaliksik, ang petsa ng kapanganakan ay iniuugnay ng iba't ibang mga mananaliksik sa 1485-1490.

Si Titian, tulad ni Michelangelo, ay nabuhay mahabang buhay; ang mga huling dekada ng kanyang trabaho ay nagaganap sa kapaligiran ng huling Renaissance, sa mga kondisyon ng paghahanda sa kailaliman ng lipunang Europeo para sa susunod na yugto ng makasaysayang pag-unlad nito.

Ang Italya, na sa panahon ng huling Renaissance ay nanatiling malayo sa pangunahing landas ng karagdagang pag-unlad ng mga relasyong kapitalista, ay naging kasaysayan na walang kakayahang lumikha ng isang pambansang estado, nahulog sa ilalim ng pamamahala ng mga dayuhang kapangyarihan, at naging pangunahing muog ng pyudal na reaksyong Katoliko. Ang mga puwersa ng pag-unlad sa Italya ay patuloy na umiral at ipinadama ang kanilang sarili sa larangan ng kultura (Campanella, Giordano Bruno), ngunit ang kanilang panlipunang base ay masyadong mahina. Samakatuwid, ang pare-parehong pag-apruba ng mga bagong progresibong ideya sa sining, ang paglikha ng isang bago sistema ng sining Ang realismo ay nakatagpo ng mga partikular na paghihirap sa karamihan ng mga lugar ng Italya, maliban sa Venice, na napanatili ang kalayaan nito at bahagyang ang kanyang kagalingan. Kasabay nito, ang mataas na tradisyon ng makatotohanang pagkakayari, ang lawak ng humanistic ideals ng isa at kalahating siglo na pag-unlad ng Renaissance ay tumutukoy sa aesthetic na pagiging perpekto ng sining na ito. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang gawain ng Titian ng huling panahon ay kapansin-pansin na nagbibigay ito ng isang halimbawa ng progresibong makatotohanang sining, batay sa pagproseso at pag-unlad ng mga pangunahing tagumpay ng High Renaissance at kasabay ng paghahanda ng paglipat ng sining sa ang susunod na yugto ng makasaysayang pag-unlad nito.

Ang kalayaan ng Venice mula sa kapangyarihan ng papa at mula sa dominasyon ng mga dayuhang interbensyonista ay nagpadali sa solusyon sa mga gawaing kinakaharap ni Titian. Ang krisis panlipunan sa Venice ay dumating nang huli kaysa sa ibang mga rehiyon ng Italya at nagkaroon ng iba't ibang anyo. II kung hindi dapat palakihin ng isa ang "kalayaan" ng oligarkyang republika ng Venetian, gayunpaman, ang pangangalaga ng sekular na katangian ng kultura, ang pangangalaga sa pansamantala ng isang tiyak na bahagi ng kagalingang pang-ekonomiya ay may positibong epekto sa pag-unlad ng sining, bagama't sa kabuuan ang pangkalahatang paglaki at pagtindi ng reaksyon ay nadama sa Venice.

Ang gawain ni Titian hanggang 1540s ganap na konektado sa mga masining na mithiin ng High Renaissance. Noong 1540-1570s, nang pumasok ang Venice sa isang panahon ng krisis, si Titian, mula sa pananaw ng mga advanced na ideya ng Renaissance, ay ipinapakita nang may matinding katapangan at katapatan ang bagong panlipunang posisyon ng tao, ang mga bagong kalagayang panlipunan para sa pag-unlad ng Italya. Si Titian ay matatag na nagprotesta laban sa lahat ng pangit at laban sa dignidad ng tao, laban sa lahat ng bagay na dulot ng panahon ng reaksyon na dumating sa Italya, na humahadlang at nagpapaantala sa karagdagang panlipunang pag-unlad ng mga mamamayang Italyano. Totoo, hindi itinakda ni Titian ang kanyang sarili ang direktang gawain ng isang detalyado at direktang pagmuni-muni at kritikal na pagtatasa ng mga kalagayang panlipunan ng buhay sa kanyang panahon.Ang qualitatively bagong yugtong ito sa kasaysayan ng realismo ay dumating nang maglaon at tumanggap ng tunay na pag-unlad nito lamang sa sining ng ika-19 na siglo.

Maaari nating makilala ang dalawang pangunahing yugto sa gawain ng Titian: Titian - ang master ng High Renaissance (at sa unang yugto, ang maaga, "panahon ng Georgionev" - hanggang 1515/16 ay dapat makilala) at Titian - simula sa mga ang 1540s - ang master late Renaissance. Sa kanyang ideya ng maharmonya na kagandahan at pagiging perpekto ng tao, si Titian ng unang panahon ay higit na nagpapatuloy sa mga tradisyon ng kanyang dakilang hinalinhan at mas matandang kontemporaryo, si Giorgione.

Sa kanyang trabaho, binuo at pinalalim ng artista ang mga kakaibang problema sa larawan na katangian ng parehong Giorgione at ng buong paaralan ng Venetian. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang unti-unting paglipat mula sa malambot na pagmomodelo ng mga anyo at ang malambot, pinigilan, malamig na ningning ng mga kulay ni Giorgione hanggang sa makapangyarihan, puno ng liwanag na coloristic symphony ng panahon ng creative maturity, iyon ay, simula sa 1515-1516. Sa mga taong ito, sa parehong oras, ipinakilala ni Titian ang mga bago at napaka makabuluhang lilim sa pag-unawa sa kagandahan ng tao, sa emosyonal at makasagisag na istraktura ng wika ng pagpipinta ng Venetian.

Ang mga bayani ng Titian ay maaaring hindi gaanong pino kaysa sa mga bayani ng Giorgione, ngunit hindi gaanong misteryoso, mas buong-dugo na aktibo, mas mahalaga, mas puno ng malinaw, sensual, "pagano" na simula. Totoo, ang kanyang "Concert" (Florence, Pitti Gallery), na matagal nang iniuugnay kay Giorgione, ay napakalapit pa rin sa espiritu sa panginoong ito. Ngunit dito rin, ang komposisyon ay mas natural na simple sa mga ritmo nito, ang pakiramdam ng senswal na kapunuan ng isang malinaw at masaya na nilalang ay may mga lilim ng isang bagay na talagang Titian.

Ang "Love on Earth and Heaven" (1510s; Rome, Galleria Borghese) ay isa sa mga unang gawa ni Titian, kung saan malinaw na inihayag ang pagka-orihinal ng artist. Mahiwaga pa rin ang plot ng larawan. Hindi alintana kung ang mga nakadamit at hubad na babae ay naglalarawan ng pagkikita ng Medea at Venus (isang yugto mula sa pampanitikang alegorya na "The Dream of Polyphemus", na isinulat noong 1467) o, mas malamang, ay sumisimbolo sa pag-ibig sa lupa at makalangit - ang susi sa pag-unawa sa nilalaman ng gawaing ito ay wala sa pagkukuwento. Ang layunin ni Titian ay ihatid ang isang tiyak na estado ng pag-iisip. Ang malambot at kalmadong mga tono ng tanawin, ang pagiging bago ng hubad na katawan, ang malinaw na sonority ng kulay ng maganda at medyo malamig na mga damit (ang ginintuang yellowness ng kulay ay ang resulta ng oras) ay lumikha ng impresyon ng mahinahon na kagalakan. Ang mga galaw ng parehong figure ay majestically maganda at sa parehong oras na puno ng mahahalagang alindog. Ang mga kalmadong ritmo ng tanawin na kumakalat sa likuran namin, kumbaga, ay nagpasimula ng pagiging natural at maharlika ng paggalaw ng magagandang katawan ng tao.

Ang katahimikan at pinong pagmumuni-muni na ito ay wala sa kanyang "Assunta" - "Ascension of Mary" (1518; Church of Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venice). Ang pagkakatugma ng masayang nasasabik na si Maria, maganda sa kalakasan ng kanyang kagandahang pambabae, at ang mga apostol, malalakas, matapang na magagandang tao na bumaling sa kanya nang may hinahangaang mga sulyap, ay napuno ng isang pakiramdam ng hindi pangkaraniwang optimistikong enerhiya at sigla. Bukod dito, ang "Assunta" ay nakikilala sa pamamagitan ng heroically monumental na kalikasan ng buong makasagisag na istraktura nito. Ang kabayanihang optimismo na likas sa gawain ni Titian pagkatapos ng 1516-1518 ay tila nauugnay sa isang pangkalahatang pagsulong sa espirituwal at pampublikong buhay Ang Venice, na dulot ng pakiramdam ng sigla ng lungsod, na ipinakita sa panahon ng pakikibaka sa Cambrai League at ang digmaan ng tinatawag na Holy League na sumunod dito. Walang "Georgionian silence" sa kanyang "Bacchanalia", lalo na sa "Bacchus and Ariadne" (1532). Ang larawang ito ay nakikita bilang isang nabalisa na himno sa kagandahan at lakas ng damdamin ng tao na iginiit ang sarili.

Ang komposisyon ng larawan ay holistic at walang nakakagambalang pangalawang eksena at mga detalye. Tuwang-tuwang tuwang-tuwa si Bacchus na hinarap si Ariadne nang may malawak at libreng kilos. Ang mainit na kulay, ang kagandahan ng mabilis na paggalaw, isang nabalisa na tanawin, kaayon ng mood, ay katangian ng larawang ito.

Ang paninindigan ng kagalakan ng pagiging natatagpuan ang matingkad na pagpapahayag nito sa Venus ni Titian (c. 1538; Uffizi). Maaaring ito ay hindi gaanong marangal kaysa sa Venus ni Giorgione, ngunit sa presyong ito ay nakakamit ang mas direktang sigla ng imahe. Ang isang kongkreto, halos genre-based na interpretasyon ng plot motif, habang pinahuhusay ang agarang sigla ng impresyon, ay hindi nakakabawas sa mala-tula na kagandahan ng imahe ng isang magandang babae.

Ang Venice ng Titian ay isa sa mga sentro ng advanced na kultura at agham noong panahon nito. Ang lawak ng mga ugnayang pangkalakalan, ang kasaganaan ng naipon na kayamanan, ang karanasan sa paggawa ng mga barko at pag-navigate, ang pag-unlad ng mga crafts ay nagpasiya sa pag-usbong ng mga teknikal na agham, natural na agham, medisina, at matematika. Ang pagpapanatili ng kalayaan at ang sekular na kalikasan ng pamahalaan, ang sigla ng mga tradisyon ng humanismo ay nag-ambag sa mataas na pamumulaklak ng pilosopiya at kulturang masining, arkitektura, pagpipinta, musika, at pag-imprenta ng libro. Ang Venice ay naging pinakamalaking sentro ng paglalathala sa Europa. Ang advanced na kultura ng Venice ay nailalarawan sa pamamagitan ng relatibong independiyenteng posisyon ng pinaka-kilalang mga figure sa kultura, ang kanilang mataas na intelektwal na prestihiyo.

Ang pinakamahusay na mga kinatawan ng mga intelihente, na bumubuo ng isang espesyal na panlipunang sapin, ay bumuo ng isang malapit na niniting na bilog, isa sa mga pinakakilalang kinatawan kung saan ay si Titian; malapit sa kanya si Aretino, ang nagtatag ng pamamahayag, manunulat, publicist, "thunderstorm of tyrants", gayundin si Jacopo Sansovino. Ayon sa mga kontemporaryo, bumuo sila ng isang uri ng triumvirate, na siyang mambabatas ng buhay kultural ng lungsod. Narito kung paano inilarawan ng isang nakasaksi ang isa sa mga gabing ginugol ni Titian kasama ang mga kaibigan. Bago ang paglubog ng araw, ginugol ni Titian at ng kanyang mga bisita ang kanilang oras "sa pagmumuni-muni sa mga buhay na imahe at pinakamagagandang larawan kung saan napuno ang bahay, sa pagtalakay sa tunay na kagandahan at kagandahan ng hardin, sa malaking kasiyahan at sorpresa ng lahat, na matatagpuan. sa labas ng Venice sa ibabaw ng dagat. Mula sa lugar na iyon ay makikita mo ang Murano Islands at iba pang magagandang lugar. Ang bahaging ito ng dagat, sa sandaling lumubog ang araw, ay napuno ng libu-libong mga gondola, pinalamutian ng pinakamagagandang babae at tumutunog sa isang kaakit-akit na pagkakatugma ng musika at mga kanta, na sumabay sa aming masayang hapunan hanggang hatinggabi.

Magiging mali, gayunpaman, na bawasan ang gawain ni Titian sa panahong ito para lamang sa pagluwalhati ng senswal na kasiyahan sa buhay. Ang mga imahe ng Titian ay libre mula sa anumang uri ng pisyolohiya, na sa pangkalahatan ay dayuhan sa sining ng Renaissance. Pinakamahusay na Hitsura Ang Titian ay maganda hindi lamang sa pisikal, kundi pati na rin sa espirituwal. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagkakaisa ng pakiramdam at pag-iisip, ang marangal na espirituwalidad ng imahe ng tao.

Kaya, si Kristo sa kanyang pagpipinta na naglalarawan kay Kristo at ang Pariseo ("Denarius of Caesar", 1515-1520; Dresden Gallery) ay nauunawaan bilang isang maayos na perpekto, ngunit totoo, hindi sa lahat ng banal na tao. Natural at marangal ang kilos ng kanyang kamay. Ang kanyang nagpapahayag at magandang mukha ay tumatama sa magaan na espirituwalidad.

Ang malinaw at malalim na espirituwalidad na ito ay nadarama sa mga pigura at sa komposisyon ng altar ng Pesaro Madonna (1519-1526; Church of Santa Maria Gloriosa dei Frari). Sa loob nito, pinamamahalaang bigyan ng master ang mga kalahok ng tila seremonyal na eksena na ito ng isang mayamang espirituwal na buhay, isang malinaw na balanse ng mga espirituwal na puwersa. Ito ay katangian na ang major sonority ng color chord ng komposisyon - ang maningning na puting belo ni Mary, asul, cherry, carmine, golden tones ng mga damit, berdeng karpet - ay hindi nagiging larawan sa isang panlabas na pandekorasyon na panoorin na pumipigil sa pang-unawa ng imahe ng mga tao. Sa kabaligtaran, ang pictorial gamut ay lilitaw sa kumpletong pagkakatugma sa maliwanag, makulay at nagpapahayag na mga character ng itinatanghal na mga character. Ang ulo ng bata ay lalo na kaakit-akit. Sa pigil na kasiglahan, ibinaling niya ang kanyang ulo patungo sa manonood, ang kanyang mga mata ay basang basa at malinis, puno ng interes ng kabataan at atensyon sa buhay.

Ang mga tema ng isang dramatikong kalikasan ay hindi kakaiba sa Titian sa panahong ito, na natural laban sa backdrop ng strain ng pwersa, sa mahirap na pakikibaka na naranasan kamakailan ni Venice. Malinaw, ang karanasan ng magiting na pakikibakang ito at ang mga pagsubok na nauugnay dito ay higit na nag-ambag sa pagkamit ng buong lakas ng loob at malungkot na kadakilaan ng kalunos-lunos, na isinama ni Titian sa kanyang Louvre Entombment (1520s).

Ang maganda at malakas na katawan ng patay na si Kristo ay nagbubunga sa imahinasyon ng manonood ng ideya ng isang matapang na bayani ng mandirigma na nahulog sa labanan, at hindi sa lahat ng isang boluntaryong nagdurusa na nagbuwis ng kanyang buhay upang magbayad-sala para sa mga kasalanan ng tao. Ang pinipigilan na mainit na kulay ng larawan, ang lakas ng paggalaw at ang lakas ng pakiramdam ng malalakas na matapang na tao na nagdadala ng katawan ng nahulog, ang napaka-compactness ng komposisyon, kung saan ang mga figure na dinala sa unahan ay pumupuno sa buong eroplano ng canvas , bigyan ang larawan ng isang kabayanihan na tunog, kaya katangian ng sining ng High Renaissance. Sa gawaing ito, sa lahat ng drama nito, walang pakiramdam ng kawalan ng pag-asa, walang panloob na pagkasira. Kung ito ay isang trahedya, kung gayon, sa modernong mga termino, ito ay isang optimistikong trahedya na lumuluwalhati sa lakas ng espiritu ng tao, sa kagandahan at kamahalan nito kahit sa pagdurusa. Ito ay nakikilala ito mula sa buong walang pag-asa na kalungkutan ng huli, ang Madrid "Laying in the Coffin" (1559).

Sa Louvre "The Entombment" at lalo na sa "Assassination of St. Peter the Martyr" (1528-1530), isang bagong yugto na nakamit ni Titian sa paghahatid ng koneksyon sa pagitan ng mood ng kalikasan at ang mga karanasan ng mga itinatanghal na bayani ay kapansin-pansin. Ganyan ang mga madilim at nakakatakot na tono ng paglubog ng araw sa The Entombment, ang mabagyong ipoipo na yumanig sa mga puno sa The Assassination of St. Peter", na kaayon ng pagsabog na ito ng walang awa na pagnanasa, ang poot ng mamamatay-tao, ang kawalan ng pag-asa ni Pedro. Sa mga gawang ito, ang kalagayan ng kalikasan ay, kumbaga, sanhi ng pagkilos at hilig ng mga tao. Sa bagay na ito, ang buhay ng kalikasan ay napapailalim sa tao, na nananatiling "panginoon ng mundo." Nang maglaon, sa huling bahagi ng Titian at lalo na sa Tintoretto, ang buhay ng kalikasan bilang sagisag ng kaguluhan ng mga elementong pwersa ng sansinukob ay nakakakuha ng puwersa ng pag-iral na independyente sa tao at kadalasang laban sa kanya.

Ang komposisyon na "Introduction to the Temple" (1534-1538: Venice Academy) ay nakatayo, parang, sa bingit ng dalawang panahon sa gawain ni Titian at binibigyang-diin ang kanilang panloob na koneksyon. Kumpara kay Madonna Pesaro, ito ang susunod na hakbang sa mastery ng eksena ng grupo. Ang mga maliliwanag at malalakas na karakter ay lumilitaw sa lahat ng kanilang katiyakan at bumubuo ng isang mahalagang grupo, na pinagsama ng isang karaniwang interes sa patuloy na kaganapan.

Malinaw sa unang tingin, ang magkakaugnay na komposisyon ay perpektong pinagsama sa isang detalyadong salaysay ng kaganapan. Patuloy na inililipat ni Titian ang atensyon ng mga manonood mula sa mga kamag-anak at kaibigan ng pamilyang Maria sa isang pulutong ng mga usyosong tao, na ibinigay sa backdrop ng isang maringal na tanawin, at pagkatapos ay sa maliit na pigura ng batang babae na si Mary na umaakyat sa hagdan, huminto saglit. sa mga hagdan ng templo. Kasabay nito, ang entablado ng hagdanan kung saan siya nakatayo, kumbaga, ay lumilikha ng isang paghinto sa mga hakbang na paakyat, na katumbas ng isang paghinto sa paggalaw ni Maria mismo. At sa wakas, ang komposisyon ay nagtatapos sa maringal na mga pigura ng mataas na saserdote at ng kanyang mga kasama. Ang buong larawan ay napuno ng diwa ng kasiyahan at isang pakiramdam ng kahalagahan ng kaganapan. Ang imahe ng isang matandang babae na nagbebenta ng mga itlog ay puno ng mahahalagang folk juiciness, na tipikal para sa ilang mga gawa ng artist noong 1530s, pati na rin ang imahe ng isang katulong na naghahalungkat sa dibdib sa painting na "Venus of Urbino" (Uffizi). Kaya, ipinakilala ni Titian ang isang tala ng agarang sigla, na nagpapalambot sa marilag na kasiyahan ng kanyang mga komposisyon.

Pinamamahalaan ni Titian na lubos na isama ang ideal ng isang pisikal at espirituwal na magandang tao, na ibinigay sa lahat ng mahahalagang kapunuan ng kanyang pagkatao, sa isang larawan. Ganito ang larawan ng isang binata na may punit na guwantes (1515-1520; Louvre). Sa larawang ito, ang mga indibidwal na pagkakatulad ay ganap na naihatid, at gayon pa man ang pangunahing pansin ng artista ay hindi iginuhit sa mga pribadong detalye sa hitsura ng isang tao, ngunit sa pangkalahatan, sa pinaka-katangian ng kanyang imahe. Si Titian, kumbaga, ay nagpapakita sa pamamagitan ng indibidwal na pagka-orihinal ng personalidad ng pangkalahatang tipikal na katangian ng isang Renaissance na tao.

Malapad na balikat, malakas at nagpapahayag na mga braso, libreng biyaya ng pustura, isang puting kamiseta na walang pag-iingat na nakabukas sa kwelyo, isang matingkad na mukha ng kabataan, kung saan ang mga mata ay namumukod-tangi sa kanilang buhay na kinang, lumikha ng isang imahe na puno ng pagiging bago at kagandahan ng kabataan. Ang karakter ay inihahatid sa lahat ng mahahalagang kamadalian, ngunit sa mga tampok na ito ay ipinahayag ang mga pangunahing katangian at lahat ng natatanging pagkakaisa ng isang masayang tao at hindi nakakaalam ng masakit na mga pagdududa at panloob na hindi pagkakasundo.

Kasama rin sa panahong ito ang kanyang puno ng medyo malamig na kagandahan na "Violanta" (Vienna), pati na rin ang larawan ni Tommaso Mosti (Pitti), na nakakagulat sa kaakit-akit na kalayaan ng characterization at maharlika ng imahe.

Ngunit kung sa mga portrait na si Titian na may pambihirang pagkakumpleto ay naghatid ng imahe ng isang Renaissance na tao na puno ng malakas na lakas at malay na katalinuhan, na may kakayahang magbayanihan, kung gayon sa larawan ni Titian na ang mga bagong kondisyon ng buhay ng tao na katangian ng natagpuan ng huling Renaissance ang kanilang malalim na pagmuni-muni.

Ang larawan ng Ippolito Riminaldi (Florence, Pitti Gallery) ay nagbibigay sa amin ng pagkakataong mahuli ang malalalim na pagbabago na binalangkas noong 1540s. sa trabaho ni Titian. Sa payat na mukha ni Riminaldi, na may hangganan ng malambot na balbas, ang pakikibaka sa masalimuot na kontradiksyon ng katotohanan ay nag-iwan ng marka. Ang imaheng ito ay sumasalamin sa ilang lawak sa imahe ng Hamlet ni Shakespeare.

Ang mga larawan ni Titian, na nilikha noong huling bahagi ng Renaissance - simula noong 1540s, ay tiyak na humanga sa pagiging kumplikado ng mga karakter, ang intensity ng passion. Ang mga taong kinakatawan niya ay lumabas sa isang estado ng saradong balanse o isang simple at integral na salpok ng pagsinta, katangian ng mga imahe ng klasikal na Renaissance. Ang paglalarawan ng masalimuot at magkasalungat na mga larawan, mga karakter, kadalasang malakas, ngunit kadalasang pangit, tipikal ng bagong panahon na ito, ang kontribusyon ni Titian sa portraiture.

Ngayon ang Titian ay lumilikha ng mga imahe na hindi tipikal ng High Renaissance. Ganito ang kanyang Paul III (1543; Naples), sa panlabas na nakapagpapaalaala sa komposisyon ng larawan ni Julius II Raphael. Ngunit ang pagkakatulad na ito ay nagbibigay-diin lamang sa malalim na pagkakaiba sa mga larawan. Ang ulo ni Julius ay inilalarawan na may tiyak na layunin na kalmado; ito ay katangian at nagpapahayag, ngunit sa larawan mismo, una sa lahat, ang mga pangunahing tampok ng kanyang karakter na patuloy na katangian ng taong ito ay naihatid.

Puro-maalalahanin malakas ang kalooban mukha tumutugma mahinahon, authoritatively nakahiga sa arm ng upuan kamay. Ang mga kamay ni Pavel ay nilalagnat na kinakabahan, ang mga fold ng kapa ay puno ng paggalaw. Bahagyang isinubsob ang kanyang ulo sa kanyang mga balikat, na may isang matanda sagging predatory jaw, tinitingnan niya kami mula sa portrait na may maingat na tusong mga mata.

Ang mga larawan ni Titian ng mga taong ito ay salungat at dramatiko sa pamamagitan ng kanilang likas na katangian. Ang mga tauhan ay naihatid sa kapangyarihan ni Shakespeare. Ang pagkakaugnay na ito para kay Shakespeare ay partikular na talamak sa larawan ng grupo na naglalarawan kay Paul kasama ang kanyang mga pamangkin sa tuhod na sina Ottavio at Alessandro Farnese (1545-1546; Naples, Capodimonte Museum). Ang hindi mapakali na pagbabantay ng matandang lalaki, na galit at hindi makapaniwalang nakatingin kay Ottavio, ang kinatawan ng kababalaghan ng hitsura ni Alessandro, ang nakakaakit na pambobola ng batang Ottavio, sa kanyang sariling paraan na matapang, ngunit malamig at malupit na mapagkunwari, ay lumikha ng isang eksena na kapansin-pansin sa kanyang sarili. drama. Ang isang tao lamang na pinalaki ng realismo ng Renaissance ay hindi maaaring matakot na ipakita nang walang awa na totoo ang lahat ng kakaibang lakas at lakas ng mga taong ito at sa parehong oras ay ibunyag ang kakanyahan ng kanilang mga karakter. Ang kanilang malupit na pagkamakasarili, imoral na indibidwalismo ay inihayag nang may matinding katumpakan ng panginoon sa pamamagitan ng kanilang paghahambing at banggaan. Ang interes sa pagsisiwalat ng mga karakter sa pamamagitan ng kanilang paghahambing, sa pagsasalamin sa kumplikadong hindi pagkakapare-pareho ng mga relasyon sa pagitan ng mga tao ang nag-udyok kay Titian - sa katunayan, sa unang pagkakataon - na bumaling sa genre ng group portrait, na malawakang binuo sa sining ng ika-17 siglo.

Ang halaga ng makatotohanang larawang pamana ng yumaong Titian, ang kanyang papel sa pangangalaga at karagdagang pag-unlad ng mga prinsipyo ng realismo ay lalong maliwanag kapag inihambing ang mga larawan ni Titian sa kanyang kontemporaryong larawan ng mga Mannerist. Sa katunayan, ang larawan ng Titian ay mahigpit na sumasalungat sa mga prinsipyo ng portraiture ng mga artista tulad ni Parmigianino o Bronzino.

Sa mga masters ng mannerism, ang portrait ay napuno ng isang subjectivist mood, mannered stylization. Ang imahe ng isang tao ay ibinibigay sa kanila alinman sa isang nakapirming kawalang-kilos at ilang uri ng malamig na paghiwalay mula sa ibang mga tao, o sa mga tuntunin ng isang kinakabahan na itinuro, mababaw na artistikong katangian. Sa parehong mga kaso, ang matapat na pagsisiwalat ng karakter ng isang tao, ang kanyang espirituwal na mundo, sa esensya, ay ibinabalik sa background. Ang mga larawan ng Titian ay kapansin-pansin lamang dahil sila ay nagpapatuloy at nagpapalalim sa makatotohanang linya ng Renaissance na larawan.

Ito ay lalo na malinaw na nakikita sa larawan ni Charles V na nakaupo sa isang armchair (1548, Munich). Ang larawang ito ay hindi nangangahulugang isang nangunguna sa seremonyal na opisyal na larawang Baroque. Tinatamaan ito ng walang awa na pagiging totoo kung saan pinag-aaralan ng artista panloob na mundo ng isang tao, ang kanyang mga ari-arian bilang isang tao at bilang isang estadista. Sa ito siya ay kahawig ng pinakamahusay na mga larawan ng Velasquez. Ang makulay na kapangyarihan ng paglalarawan ng masalimuot, malupit, mapagkunwari na tuso at sa parehong oras ay malakas ang kalooban at matalinong tao ay nakikilala sa pamamagitan ng plastik na integridad at kaakit-akit na ningning.

Sa equestrian portrait ni Charles V, na inilalarawan sa Labanan ng Mühlberg (1548; Prado), ang lakas ng sikolohikal na katangian ng emperador ay pinagsama sa ningning ng nakalarawang solusyon, parehong monumental-pandekorasyon at malinaw na makatotohanan. Ang larawang ito, hindi katulad ng Munich, ay talagang nangunguna sa malalaking seremonyal na larawan ng panahon ng Baroque. Kasabay nito, ang sunud-sunod na koneksyon sa malalaking komposisyon ng portrait ng mahusay na master ng realismo ng ika-17 siglo, si Velasquez, ay hindi gaanong malinaw na nararamdaman dito.

Sa kaibahan sa mga larawang ito, si Titian, sa maraming iba pang mga gawa na minarkahan ng pagiging simple ng komposisyon (karaniwan ay isang kalahating haba o generational na imahe sa isang neutral na background), nakatuon ang kanyang pansin sa isang maliwanag at holistic na pagsisiwalat ng karakter sa lahat ng kanyang mahahalagang , kung minsan ay magaspang na enerhiya, gaya, halimbawa, sa larawan ni Aretino (1545; Pitti), na perpektong naghahatid ng mapusok na enerhiya, kalusugan at mapang-uyam na pag-iisip, kasakiman para sa kasiyahan at pera ng kahanga-hangang ito at napaka katangian ng Venice noong panahong iyon ng Tao. Si Pietro Aretino, ang lumikha ng ilang mga komedya, nakakatawa, kahit na hindi palaging walang kapintasang disenteng mga maikling kwento at tula, ay pangunahing sikat sa kanyang "mga paghatol", semi-biro na mga hula, diyalogo, liham, malawakang nai-publish at kumakatawan, sa esensya, mga gawa. ng isang likas na peryodista, kung saan ito ay kakaibang pinagsama ang isang maliwanag at madamdaming pagtatanggol sa malayang pag-iisip at humanismo, tinutuya ang pagkukunwari at reaksyon na may tahasang pang-blackmail sa mga "makapangyarihan" sa buong Europa. Ang mga aktibidad sa pamamahayag at pag-publish, pati na rin ang hindi magandang nakatagong pangingikil, ay nagbigay-daan kay Aretino na manguna sa isang tunay na prinsiperong pamumuhay. Sakim para sa senswal na kasiyahan, si Aretino ay kasabay nito ay isang banayad at matalinong eksperto sa sining, isang tapat na kaibigan ng mga artista.

Ang problema ng relasyon ng isang tao - ang tagapagdala ng humanistic ideals ng Renaissance - sa mga pagalit na reaksyonaryong pwersa na nangibabaw sa buhay ng Italya, ay malinaw na makikita sa lahat ng gawain ng yumaong Titian. Ang pagmuni-muni na ito ay hindi direkta, hindi palaging, marahil, ganap na natanto ng artist mismo. Kaya, na sa pagpipinta na "Masdan ang Tao" (1543; Vienna), ipinakita ni Titian sa unang pagkakataon ang kalunos-lunos na salungatan ng bayani - si Kristo kasama ang mundo sa paligid niya, kasama ang mga masasamang pwersa na namumuno sa mundong ito, na ipinakilala sa malupit. mapang-uyam, kasuklam-suklam na base, pangit na si Pilato. Sa mga imaheng inialay, tila, sa pagpapatibay ng senswal na kagalakan ng buhay, isang bagong trahedya na tala ang malinaw na maririnig.

Ang kanyang "Danaë" (c. 1554; Madrid, Prado) ay may mga bagong tampok kung ihahambing sa nakaraang panahon. Sa katunayan, ang "Danae", hindi katulad ng "Venus of Urbino", ay humahampas sa atin ng isang uri ng drama na tumatagos sa buong larawan. Siyempre, ang artista ay umiibig sa tunay na kagandahan ng buhay sa lupa, at si Danae ay maganda, bukod pa rito, tapat na sensual na kagandahan. Ngunit ito ay katangian na ngayon ay ipinakilala ni Titian ang motibo ng dramatikong karanasan, ang motibo ng pag-unlad ng pagsinta. Ang napaka masining na wika ng master ay nagbabago. Matapang na kinukuha ni Titian ang mga ratio ng kulay at tonal, na pinagsasama ang mga ito sa, kumbaga, maliwanag na mga anino. Dahil dito, naghahatid siya ng isang mobile na pagkakaisa ng anyo at kulay, isang malinaw na tabas at malambot na pagmomodelo ng lakas ng tunog, na tumutulong upang muling buuin ang kalikasan, puno ng paggalaw at kumplikadong pagbabago ng mga relasyon.

Sa Danae, pinagtitibay pa rin ng master ang kagandahan ng kaligayahan ng isang tao, ngunit ang imahe ay wala na sa dating katatagan at katahimikan nito. Ang kaligayahan ay hindi na isang permanenteng estado ng isang tao, ito ay nakuha lamang sa mga sandali ng isang maliwanag na pagsabog ng damdamin. Ito ay hindi para sa wala na ang malinaw na kamahalan ng "Pag-ibig sa Lupa at Langit" at ang kalmadong kaligayahan ng "Venus ng Urbino" ay sinasalungat dito sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng isang nasasabik na pagsabog ng malakas na damdamin.

Ang pambihirang pagpapahayag ay ang paghahambing ni Danae sa isang bastos na matandang dalaga, na matakaw na kumukuha ng mga barya ng ginintuang ulan sa isang nakabukang apron, matakaw na sumusunod sa daloy nito. Ang mapang-uyam na pansariling interes ay walang pakundangan na sumasalakay sa larawan: ang maganda at ang pangit, ang dakila at ang base ay kapansin-pansing magkakaugnay sa trabaho. Ang kagandahan ng maliwanag at malayang udyok ng damdamin ni Danae ay sinasalungat ng pangungutya at bastos na pansariling interes. Ang salungatan ng mga karakter na ito ay binibigyang diin ng kaibahan ng magaspang, buhol-buhol na kamay ng matandang babae at ang malambot na tuhod ni Danae, na halos magkadikit.

Sa ilang lawak, kasama ang lahat ng pagkakaiba sa mga imahe, nakahanap si Titian ng solusyon dito, na nakapagpapaalaala sa komposisyon ng kanyang pagpipinta na "Denarius of Caesar". Ngunit doon, ang paghahambing ng ganap na kagandahang moral ng imahe ni Kristo sa madilim, pangit na mukha ng Pariseo, na sumasagisag sa matinding tuso at masasamang hilig ng tao, ay humahantong sa paggigiit ng ganap na kahigitan at tagumpay ng makataong prinsipyo laban sa karumal-dumal na tao. at malupit.

Sa Danae, bagaman pinaninindigan ni Titian ang tagumpay ng kaligayahan, ang mga puwersa ng kapangitan at masamang hangarin ay nakakuha na ng isang tiyak na kalayaan. Ang matandang babae ay hindi lamang nagtatakda ng kagandahan ni Danae sa kaibahan, ngunit sinasalungat din ito. Kasabay nito, sa mga taong ito ay lumikha si Titian ng isang bagong serye ng kanyang tunay na magagandang mga pintura na nakatuon sa pagluwalhati ng senswal na kagandahan ng babaeng kagandahan. Gayunpaman, ang mga ito ay lubos na naiiba mula sa malinaw, nagpapatunay ng buhay na tunog ng "Pag-ibig sa Lupa at Langit" at mula sa "Bacchanalia" (1520s). Ang kanyang "Diana and Actaeon" (1559; Edinburgh), "The Shepherd and the Nymph (Vienna)", na nababalutan ng kumikislap na mainit na tono na may pinipigilang mainit na kislap ng pula, ginintuang, malamig na asul, ay sa halip ay isang patula na panaginip, isang kaakit-akit at kapana-panabik. fairy tale song tungkol sa kagandahan at kaligayahan, na humahantong palayo sa mga trahedya na salungatan ng totoong buhay - hindi para sa wala na tinawag mismo ng artist ang mga pagpipinta ng ganitong uri na "tula". Ang parehong naaangkop sa kanyang kahanga-hangang "Venus na may Adonis" (Prado), na kung saan ay nakikilala, gayunpaman, sa pamamagitan ng isang mas direktang drama ng pag-iibigan kaysa sa karamihan ng kanyang iba pang "tula" sa oras na ito. Gayunpaman, ang nakatagong pagkabalisa, kalungkutan ng espiritu ay tunog sa lahat ng pinakamahusay na mga gawa ng Titian ng siklong ito ng 1559-1570s. Nararamdaman ito sa hindi mapakali na pagkislap ng liwanag at anino, at sa nasasabik na bilis ng paghampas, at sa pinaka nasasabik na panaginip ng nymph, at sa pinipigilang madamdaming animation ng batang pastol ("The Shepherd and the Nymph", Vienna).

Pare-pareho at may mahusay na larawang kapangyarihan, ang mga aesthetic na ideya ng yumaong Titian tungkol sa buhay ay makikita ang kanilang pagpapahayag sa kanyang The Penitent Magdalene (1560s), isa sa mga obra maestra ng koleksyon ng Hermitage.

Ang larawang ito ay nakasulat sa isang balangkas na napaka katangian ng panahon ng kontra-repormasyon. Sa katunayan, sa larawang ito, muling pinatunayan ni Titian ang humanistic at "pagano" na batayan ng kanyang trabaho. Ang dakilang realista, na determinadong muling nag-iisip sa relihiyosong-mistikal na balangkas, ay lumilikha ng isang akda na, sa nilalaman nito, ay lantarang laban sa reaksyonaryong-mistikal na linya sa pag-unlad ng kultura ng huli na Renaissance ng Italya.

Para kay Titian, ang kahulugan ng larawan ay wala sa kalunos-lunos na pagsisisi ng mga Kristiyano, hindi sa matamis na pagkahilo ng relihiyosong lubos na kaligayahan, at higit pa rito ay hindi sa pagpapatibay ng pagkasira ng laman, mula sa "piitan" kung saan ang " incorporeal soul” ng tao ay napunit sa Diyos. Sa Magdalena, ang bungo - isang mystical na simbolo ng pagkasira ng lahat ng bagay sa lupa - para sa Titian ay isang accessory lamang na ipinataw ng mga canon ng balangkas, kaya naman hindi niya ito tinatrato nang hindi sinasadya, ginagawa itong isang paninindigan para sa isang pinahabang libro.

Tuwang-tuwa, halos sakim, ipinarating sa amin ng pintor ang pigura ng Magdalena, puno ng kagandahan at Kalusugan, ang kanyang magandang makapal na buhok, ang kanyang malambot na dibdib na marahas na humihinga. Ang madamdaming hitsura "ay puno ng makalupang kalungkutan ng tao. Gumagamit si Titian sa isang brushstroke na nagbibigay ng kasabik-sabik at sa parehong oras ay napaka-tumpak na tunay na kulay at magaan na mga relasyon. Hindi mapakali, matinding mga chord ng kulay, dramatikong pagkutitap ng liwanag at anino, dynamic na texture, ang kawalan ng matibay na mga contour na naghihiwalay sa volume gamit ang plastik ang katiyakan ng anyo sa kabuuan ay lumilikha ng isang imaheng puno ng panloob na paggalaw.Ang buhok ay hindi nagsisinungaling, ngunit nahuhulog, ang dibdib ay humihinga, ang kamay ay binigay sa paggalaw, ang mga fold ng damit ay nasasabik na umuugoy. .Marahan na kumikislap ang liwanag sa malago na buhok, naaaninag sa mga mata na nababalutan ng halumigmig, nire-refracte sa salamin ng phial, nakikipagpunyagi sa makapal na anino, may kumpiyansa at makatas na nililok ang hugis ng katawan, ang buong spatial na kapaligiran ng larawan. Kaya, isang tumpak ang paglalarawan ng katotohanan ay pinagsama sa paghahatid ng walang hanggang kilusan nito, kasama ang matingkad na matalinghaga at emosyonal na mga katangian.

Ngunit ano, sa huli, ang kahulugan ng larawang nilikha na may gayong kapangyarihang makalarawan? Hinahangaan ng artista si Magdalene: ang tao ay maganda, ang kanyang damdamin ay maliwanag at makabuluhan. Pero naghihirap siya. Ang dating malinaw at tahimik na kaligayahan ay hindi na mababawi. Ang kapaligiran ng tao, ang mundo sa kabuuan, ay hindi na ang kalmadong background, sunud-sunuran sa tao, gaya ng nakita natin noon. Ang mga madilim na anino ay bumalot sa tanawin sa kabila ng Magdalena, kumukulog na ulap sa kalangitan, at sa madilim na liwanag ng mga huling sinag ng kumukupas na araw, lumilitaw ang imahe ng isang lalaking nagdadalamhati.

Kung sa Magdalene ang tema ng trahedya na pagdurusa ng isang magandang tao ay hindi natatanggap ang kumpletong pagpapahayag nito, kung gayon sa The Crowning with Thorns (c. 1570; Munich, Alte Pinakothek) at sa Saint Sebastian ay lumilitaw ito nang may sukdulang kahubaran.

Sa The Crowning with Thorns, ipinakita ang mga nagpapahirap bilang malupit at mabangis na berdugo. Si Kristo, na nakagapos ng kamay, ay hindi nangangahulugang isang makalangit na nilalang, ngunit isang makalupang tao, na pinagkalooban ng lahat ng katangian ng pisikal at moral na kahigitan kaysa sa kanyang mga nagpapahirap at ibinigay sa kanila para sa kadustaan. Ang madilim na kulay ng larawan, na puno ng madilim na pagkabalisa at pag-igting, ay nagpapataas ng trahedya ng eksena.

Sa mga huling pagpipinta, ipinakita ni Titian ang malupit na salungatan ng tao sa kapaligiran, sa mga reaksyunaryong pwersang laban sa humanismo, malayang pangangatwiran. Lalo na makabuluhan ang "Saint Sebastian" (c. 1570; Leningrad, Hermitage). Inilalarawan ni Sebastian ang isang tunay na titan ng Renaissance sa lakas at kadakilaan ng pagkatao, ngunit siya ay nakagapos at nag-iisa. Ang mga huling kislap ng liwanag ay nawawala, ang gabi ay bumababa sa lupa. Ang makulimlim na mabibigat na ulap ay tumatakbo sa nalilitong kalangitan. Ang buong kalikasan, ang buong malawak na mundo ay puno ng kusang nakakatakot na paggalaw. Ang tanawin ng sinaunang Titian, na masunurin na naaayon sa istruktura ng kaisipan ng kanyang mga bayani, ay nakakakuha na ngayon ng isang malayang buhay at, higit pa rito, laban sa tao.

Man for Titian ang pinakamataas na halaga. Samakatuwid, kahit na nakikita ang kalunos-lunos na kapahamakan ng kanyang bayani, hindi niya matanggap ang kapahamakan na ito, at, puno ng kalunos-lunos na kalunos-lunos at matapang na kalungkutan, ang imahe ni Sebastian ay nagbubunga ng isang pakiramdam ng galit na protesta laban sa mga pwersang kalaban sa kanya. Ang moral na mundo ng yumaong Titian, ang kanyang nagdadalamhati at matapang na karunungan, matatag na katapatan sa kanyang mga mithiin ay maganda na nakapaloob sa kanyang matalim na larawan sa sarili mula sa Prado (1560s).

Larawan pp. 264-265

Isa sa pinakamalalim na pag-iisip at pakiramdam ng mga likha ng yumaong Titian ay ang "Pieta", na natapos pagkamatay ng artista ng kanyang estudyanteng si Palma the Younger (Venetian Academy). Sa likod ng isang mabigat na durog na angkop na lugar na binuo ng halos tinabas na mga bato, na binabalangkas ng dalawang estatwa, isang grupo ng mga tao, na nilalamon ng kalungkutan, ay lumilitaw sa nanginginig na kumukupas na liwanag ng takipsilim. Nakaluhod si Maria sa hubad na katawan ng yumaong bayani. Napatili siya sa hindi masusukat na kalungkutan, parang estatwa. Si Kristo ay hindi isang payat na asetiko at hindi isang "mabuting pastol", ngunit sa halip ay isang taong natalo sa isang hindi pantay na pakikibaka.

Malungkot na nakatingin kay Kristo ang huwarang matandang lalaki. Tulad ng sigaw ng kawalan ng pag-asa na umaalingawngaw sa katahimikan ng disyerto na paglubog ng araw ay ang mabilis na kilos ng nakataas na kamay ng Magdalena. Ang kislap ng kanyang umaagos na ginintuang-pulang buhok, ang hindi mapakali na mga contrast ng kulay ng kanyang kasuotan ay kitang-kita mula sa dilim ng madilim na kumikinang na tono ng larawan. Galit at nagdadalamhati ang ekspresyon sa mukha at galaw ng buong pigura ng batong estatwa ni Moses, na naliliwanagan ng mala-bughaw na kulay-abo na pagkutitap ng kumukupas na araw.

Sa pambihirang kapangyarihan, ipinarating ni Titian sa canvas na ito ang lahat ng hindi masusukat na lalim ng kalungkutan ng tao at ang lahat ng nagdadalamhati nitong kagandahan. Pagpipinta na ginawa ni Titian sa mga nakaraang taon ang kanyang buhay ay isang requiem na nakatuon sa minamahal na mga imahe ng kabayanihan ng umuurong maliwanag na panahon ng Renaissance.

Ang ebolusyon ng kasanayan sa pagpipinta ni Titian ay nakapagtuturo.

Noong 1510-1520s. at kahit na mamaya, siya ay sumusunod pa rin sa prinsipyo ng contouring ang silweta ng mga numero, isang malinaw na paghahambing ng malalaking mga spot ng kulay na sa pangkalahatan ay naghahatid ng tunay na pangkulay ng mga bagay. Ang matapang at nakakatuwang mga ratio ng kulay, ang kanilang makulay na intensity, isang malalim na pag-unawa sa pakikipag-ugnayan ng malamig at mainit na mga tono, ang plastic na kapangyarihan ng pag-sculpting ng isang form sa tulong ng hindi nagkakamali na tumpak na mga ratio ng tonal at pinong pagmomolde ng liwanag at lilim ang mga katangian ng larawan ng Titian. kasanayan.

Ang paglipat ng yumaong Titian sa solusyon ng mga bagong ideolohikal at matalinghagang gawain ay nagdudulot ng karagdagang ebolusyon sa kanyang pamamaraan sa pagpipinta. Naiintindihan ng master ang ratio ng mga tono, ang mga batas ng chiaroscuro nang higit pa at mas malalim, masters ang texture at pag-unlad ng kulay ng form nang higit pa at mas perpekto, unti-unting binabago ang buong sistema ng kanyang artistikong wika sa proseso ng gawaing ito. Inilalantad sa pagpipinta ang mga pangunahing ugnayan ng anyo at kulay, naipakita niya ang lahat ng kilig, lahat ng masalimuot na mayamang buhay ng kalikasan sa walang hanggang pag-unlad nito. Nagbibigay ito sa kanya ng pagkakataon na mapahusay ang agarang sigla sa paglipat ng paksa at sa parehong oras ay bigyang-diin ang pangunahing bagay sa pag-unlad ng hindi pangkaraniwang bagay. Ang pangunahing bagay na ngayon ay sinasakop ng Titian ay ang paghahatid ng buhay sa kanyang pag-unlad, sa maliwanag na kayamanan ng mga kontradiksyon nito.

Ang yumaong Titian ay malawakang naghaharap ng mga problema ng pagkakatugma ng kulay sa pagpipinta, pati na rin ang problema sa paglikha ng isang nagpapahayag na pamamaraan ng isang libre at tumpak na pictorial brushstroke. Kung sa "Pag-ibig ng Lupa at Langit" ang stroke ay mahigpit na napapailalim sa gawain ng pagbuo ng pangunahing mga ratio ng kulay at liwanag na lumikha ng isang makatotohanang pagkakumpleto ng imahe, pagkatapos ay sa 1540s at lalo na mula sa 1555s. ang smear ay may espesyal na kahalagahan. Ang stroke ay hindi lamang naghahatid ng texture ng materyal, ngunit ang paggalaw nito ay nililok ang anyo mismo - ang plasticity ng bagay. Ang dakilang merito ng masining na wika ng yumaong Titian ay ang texture ng brushstroke ay nagbibigay ng halimbawa ng makatotohanang pagkakaisa ng pictorial at expressive na sandali.

Kaya naman ang yumaong si Titian ay nagtagumpay sa pamamagitan ng dalawa o tatlong patak ng puti at asul na pintura sa ibabaw ng isang madilim na underpainting upang pukawin sa mga mata ng manonood hindi lamang ang sobrang plastik na sensasyon ng hugis ng isang glass vessel ("Magdalene"), kundi pati na rin ang sensasyon. ng paggalaw ng isang light beam na dumudulas at nagre-refract sa salamin, na parang nagbubunyag ng hugis at texture ng bagay sa harap ng viewer. Ang huling pamamaraan ng Titian ay nailalarawan sa kanyang sikat na pahayag ni Boschini, sa mga salita ni Palma the Younger:

“Tinakip ni Titian ang kanyang mga canvases ng makulay na misa, na para bang nagsisilbing higaan o pundasyon ng nais niyang ipahayag sa hinaharap. Ako mismo ay nakakita ng gayong masiglang ginawang mga underpainting, na puno ng isang makapal na puspos na brush sa isang purong pulang tono, na nilayon upang balangkasin ang halftone, o may puti. Gamit ang parehong brush, inilubog muna ito sa pula, pagkatapos ay sa itim, pagkatapos ay sa dilaw na pintura, ginawa niya ang kaluwagan ng mga bahaging iluminado. Gamit ang parehong mahusay na kasanayan, sa tulong ng apat na stroke lamang, siya evoked ang pangako ng isang magandang pigura mula sa non-existence. Nang mailatag ang mahahalagang pundasyong ito, ibinaling niya ang kanyang mga ipininta upang humarap sa dingding at kung minsan ay iniiwan ang mga ito sa ganitong posisyon sa loob ng maraming buwan nang hindi man lang inaayawan na tingnan ang mga ito. Nang muli niyang itinaas ang mga ito, sinuri niya sila nang may mahigpit na atensyon, na para bang sila ang pinakamasama niyang mga kaaway, upang makita ang anumang mga pagkukulang sa kanila. At nang matuklasan niya ang mga tampok na hindi tumutugma sa kanyang banayad na plano, nagsimula siyang kumilos tulad ng isang mabait na siruhano, nang walang awa na nag-aalis ng mga bukol, nagputol ng karne, nag-aayos ng kanyang braso at binti ... Pagkatapos ay tinakpan niya ang mga kalansay na ito, na kumakatawan sa isang uri. ng katas mula sa lahat ng pinakamahalagang, buhay na katawan, na pinipino ito sa pamamagitan ng isang serye ng mga paulit-ulit na paghampas sa isang estado na tila siya ay kulang lamang ng hininga.

Sa makatotohanang kapangyarihan ng pamamaraan ni Titian - isang nababaluktot na tool para sa malalim na makatotohanang artistikong kaalaman sa mundo - nakasalalay ang napakalaking epekto nito sa karagdagang pag-unlad makatotohanang pagpipinta noong ika-17 siglo. Kaya, ang pagpipinta nina Rubens at Velazquez ay matatag na nakabatay sa pamana ni Titian, na binubuo at binago ang kanyang pamamaraan sa pagpipinta na nasa isang bagong yugto ng kasaysayan sa pagbuo ng realismo. Ang direktang impluwensya ni Titian sa kontemporaryong pagpipinta ng Venetian ay makabuluhan, bagaman wala sa kanyang mga direktang estudyante ang nakahanap ng lakas upang magpatuloy at bumuo ng kanyang kahanga-hangang sining.

Kabilang sa mga pinakamahuhusay na mag-aaral at kontemporaryo ng Titian si Jacopo Nigreti, binansagang Palma Vecchio (ang Elder), Bonifazio de Pitati, binansagang Veronese, iyon ay, ang Veronese, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger, pamangkin sa tuhod ni Palma the Elder. Lahat sila, maliban kay Palma the Younger, ay ipinanganak sa isang terra farm, ngunit ginugol ang halos buong malikhaing buhay nila sa Venice.

Si Jacopo Palma the Elder (c. 1480-1528), tulad ng kanyang mga kapantay na sina Giorgione at Titian, ay nag-aral kay Giovanni Bellini. Sa kanyang malikhaing paraan, siya ang pinakamalapit kay Titian, bagama't mas mababa siya sa kanya sa lahat ng aspeto. Ang mga relihiyoso at mitolohiyang komposisyon, pati na rin ang mga larawan ng artist, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang masiglang kayamanan ng kulay kasama ang ilan sa mga monotony nito (ang mga katangiang ito ay likas din sa kanyang mga diskarte sa komposisyon), pati na rin ang isang optimistikong kasiyahan ng mga imahe. Ang isang mahalagang katangian ng gawa ni Palma ay ang paglikha ng isang masining na uri ng Venetian - isang kahanga-hangang blond na kagandahan. Ang ganitong uri ng babaeng kagandahan ay may ilang impluwensya sa sining ng batang Titian. Ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay "Two Nymphs" (1510-1515; Frankfurt am Main), "Three Sisters" (c. 1520) at "Jacob and Rachel" (c. 1520), ang huli ay nasa Dresden. Pinapanatili ng Ermita ang kanyang "Portrait of a Man".

Ang isa sa mga pinakamahusay na larawan ng lalaki na nilikha ng master ay ang kanyang hindi kilalang kabataan ng Munich Museum. Siya ay malapit sa kanyang paraan sa Giorgione, ngunit naiiba mula sa Giorgione sa paglipat ng isang aktibong volitional na prinsipyo. Ang pagliko ng ulo, puno ng pinipigilang lakas, ang mapang-akit at masiglang katangian ng isang magandang mukha, ang halos mapusok na kilos ng kamay na nakataas sa balikat, pinipiga ang guwantes, ang nababanat na pag-igting ng mga contour, sa isang malaking lawak, lumalabag. ang diwa ng saradong paglulubog sa sarili na likas sa mga larawan ni Giorgione.

Ang pagbuo sa ilalim ng direktang impluwensya ni Titian, si Bonifazio Veronese (1487-1553) sa mga huling taon ng kanyang buhay ay hindi malaya sa ilang impluwensya ng mannerism. Ang kanyang trabaho ay nailalarawan sa pamamagitan ng malalaking canvases na nakatuon sa mga yugto mula sa sagradong kasaysayan, na pinagsasama ang dekorasyon na may genre na salaysay ("The Feast of Lazarus", "The Massacre of the Innocents", 1537-1545; parehong sa Venice Academy at iba pa).

Ang mag-aaral ng Titian, Paris Bordone (1500-1571), ay nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang kasanayan sa kulay, ang maliwanag na dekorasyon ng pagpipinta. Ganito ang kanyang "Holy Family" (Milan, Brera), "Presenting the Doge of the Ring of St. Mark" (1530s; Venice, Academy). Sa mga huling gawa ng Paris Bordone, ang isang malakas na impluwensya ng mannerism at isang tiyak na pagbaba sa kasanayan ay nararamdaman. Ang kanyang mga larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan ng mga katangian ng buhay. Espesyal na pagbanggit ay dapat gawin ng "The Venetian Lovers" (Brera), puno, marahil, ng isang medyo malamig sensual alindog.

Si Palma the Younger (1544-1628), isang estudyante ng tumatandang Titian, ay kasabay nito ay malakas na naimpluwensyahan ng gawain ni Tintoretto. Gifted (nagtagumpay siya sa pagkumpleto ng "Pieta", ang huling gawain ni Titian), ngunit isang maliit na independiyenteng master, sa panahon ng kanyang pananatili sa Roma siya ay napuno ng impluwensya ng late mannerism, alinsunod sa kung saan siya ay patuloy na nagtatrabaho hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, nasa panahon na ng pagsilang ng baroque art. . Kabilang sa kanyang mga gawa na nauugnay sa istilo ng huling Renaissance sa Venice, dapat nating banggitin ang "Self-Portrait" (Brera) at ang napaka-nagpapahayag na "Head of an Old Man" (Brera), na mas maaga na iniuugnay kay Bassano. Ang isang ideya ng kanyang malalaking komposisyon, malapit sa diwa sa late mannerism, ay ibinigay ng mga mural ng Oratorio dei Crociferi sa Venice (1581 - 1591).

Sa sining ng paaralang Venetian, ang mga gawa ng isang pangkat ng mga artista ng tinatawag na terraferma, iyon ay, ang "solid na lupain" - mga pag-aari ng Venetian, na matatagpuan sa bahagi ng Italya na katabi ng lagoon, ay karaniwang namumukod-tangi.

Sa pangkalahatan, karamihan sa mga masters ng Venetian school ay ipinanganak sa mga bayan o nayon ng terra farm (Giorgione, Titian, Paolo Veronese). Ngunit ginugol nila ang lahat o halos lahat ng kanilang buhay sa kabisera, iyon ay, sa Venice mismo, paminsan-minsan lamang na nagtatrabaho para sa mga lungsod o kastilyo ng terra farm. Ang ilang mga artista, na patuloy na nagtatrabaho sa terra farm, ay kumakatawan sa kanilang trabaho lamang ng mga provincial variant ng Venetian metropolitan school mismo.

Kasabay nito, ang paraan ng pamumuhay, ang "sosyal na klima" sa mga bayan ng terra farm ay kapansin-pansing naiiba sa Venetian, na tumutukoy sa pagka-orihinal ng paaralan ng terra farm. Ang Venice (isang malaking komersyal na daungan at sentro ng pananalapi noong panahong iyon) ay, lalo na hanggang sa katapusan ng ika-15 siglo, ay mas malapit na konektado sa mayamang silangang pag-aari at kalakalan sa ibang bansa kaysa sa Italyanong hinterland, kung saan, gayunpaman, ang mga mararangyang villa ng ang Venetian nobility ay matatagpuan.

Gayunpaman, ang buhay sa mga maliliit na tahimik na bayan, kung saan mayroong isang malakas na layer ng mayayamang may-ari ng lupa na nakakuha ng kita mula sa isang makatwirang itinakda na ekonomiya, ay nagpatuloy sa maraming paraan nang iba kaysa sa Venice. Sa ilang mga lawak, ang kultura ng mga lugar na ito ng mga terra farm ay malapit at naiintindihan sa buhay at sining ng mga lungsod ng Emilia, Lombardy at iba pang hilagang rehiyon ng Italya noong panahong iyon. Dapat itong alalahanin na mula sa katapusan ng ika-15 siglo. at lalo na pagkatapos ng pagwawakas ng digmaan sa Liga ng Cambrai, ang mga taga-Venice, habang ang kalakalan sa Oriental ay tinanggihan, ay namumuhunan ng kanilang libreng kapital sa agrikultura at sa mga likha ng mga sakahan ng terra. Dumating ang isang panahon ng relatibong kasaganaan para sa bahaging ito ng Italya, na, gayunpaman, ay hindi lumalabag sa medyo probinsyal na paraan ng pamumuhay nito.

Samakatuwid, ang hitsura ng isang buong grupo ng mga artista (Pordenone, Lotto at iba pa) ay hindi dapat nakakagulat, na ang sining ay nanatiling malayo sa matinding paghahanap, ang malawak na malikhaing saklaw ng Venetian school proper. Ang kaakit-akit na lawak ng monumental na pangitain ng Titian ay napalitan ng mas malamig at mas pormal na dekorasyon ng kanilang mga altarpiece. Sa kabilang banda, ang mga tampok ng direktang naobserbahang buhay, na kapansin-pansin sa kabayanihan ng sining ng mature at late na si Titian, o sa maligaya na masiglang gawain ng Veronese, o lalo na sa madamdamin at hindi mapakali na mga likha ni Tintoretto, ay lalo nang binuo ng ilan sa mga terraferma artist mula noong unang ikatlong bahagi ng ika-16 na siglo.

Totoo, ang interes na ito sa naobserbahang pang-araw-araw na buhay ay medyo nabawasan. Sa halip ay isang mahinahon na interes sa mga nakakatuwang detalye ng buhay ng isang taong namumuhay nang mapayapa sa isang tahimik na bayan kaysa sa pagnanais na makahanap ng solusyon sa mga malalaking problema sa etika ng panahon sa pagsusuri ng buhay mismo, na nagpapakilala sa kanilang sining mula sa gawa ng mga dakilang realista ng susunod na panahon.

Para sa unang ikatlong bahagi ng siglo, ang isa sa pinakamahusay sa mga artistang ito ay si Lorenzo Lotto (1480-1556). Ang kanyang mga unang gawa ay nauugnay pa rin sa tradisyon ng Quattrocento. Pinakamalapit sa mahusay na humanistic ideals ng High Renaissance ay ang kanyang maagang larawan ng isang binata (1505), na nakikilala din sa pamamagitan ng agarang sigla ng pang-unawa ng modelo.

Ang kilalang altar at mga mythological na komposisyon ng mature na Lotto ay kadalasang pinagsasama ang isang panloob na pagkapurol ng pakiramdam sa isang medyo panlabas na kagandahan ng komposisyon. Ang kanilang malamig na kulay at pangkalahatan kahit na "kaaya-aya" na texture ay din, sa pangkalahatan, medyo banal at stylistically malapit sa mannerism. Ang kakulangan ng malalim na pag-iisip at pakiramdam ay minsan ay binubuo ng napakahusay na ipinakilala na pang-araw-araw na mga detalye, sa paglalarawan kung saan kusang-loob na nakatuon ang artist. Kaya, sa kanyang "Annunciation" (huling bahagi ng 1520s; Recanati, Church of Santa Maria sopra Mercanti), pinahihintulutan ng manonood ang kanyang sarili na magambala mula sa hindi madaling bigyang kahulugan na mga pangunahing pigura hanggang sa nakakatuwang itinatanghal na takot na pusa, na lumalayo sa arkanghel na biglang lumipad papasok. .

Sa hinaharap, lalo na sa portrait, ang mga tampok ng kongkretong-buhay na realismo sa gawa ng artist ay lumalaki ("Portrait of a Woman"; The Hermitage, "Triple Portrait of a Man"). Sa pagbaba ng interes sa pagsisiwalat ng etikal na kahalagahan ng indibidwal at ang lakas ng kanyang pagkatao, ang mga larawang ito ng Lotto, sa ilang lawak, ay sumasalungat pa rin sa lantarang anti-realist na linya ng Mannerism. Ang pinakamahalagang makatotohanan at demokratikong tendensya sa trabaho ni Lotto ay ipinahayag sa kanyang ikot ng mga pagpipinta mula sa buhay ni St. Lucia (1529/30), kung saan may malinaw na pakikiramay ay inilalarawan niya ang buong mga eksena, na parang inagaw mula sa buhay ng kanyang panahon (halimbawa, mga driver ng baka mula sa Miracle of St. Lucia, atbp.). Sa kanila, ang panginoon, parang, ay nakatagpo ng kapahingahan at kapayapaan mula sa mga damdaming puno ng mga kontradiksyon na lumitaw sa kanya sa mga kondisyon ng lumalagong pangkalahatang krisis pampulitika at pang-ekonomiya sa Italya at na nagpapakulay ng ilang mga huling komposisyon sa mga tono ng subjective. nerbiyos at kawalan ng katiyakan, na humahantong sa kanya palayo sa tradisyon ng Renaissance humanism.

Higit na makabuluhan ang gawa ng isang kontemporaryo ng Lotto, isang katutubo ng Brescia, Girolamo Savoldo (c. 1480-1548). Sa gawain ng yumaong Savoldo, na malalim na nakaranas ng pansamantalang pagkawasak ng kanyang sariling bansa sa panahon ng digmaan sa Liga ng Cambrai, ang panandaliang pagtaas ng Venice pagkatapos ng 1516, at pagkatapos ay ang pangkalahatang krisis na bumalot sa Italya, ang mga trahedya na kontradiksyon ng Ang sining ng Renaissance ay inihayag sa isang kakaibang paraan at may malaking puwersa.

Ang tagal ng mga tradisyon ng Quattrocentist, katangian ng medyo probinsyal na buhay ng terra farm (hanggang sa simula ng ika-16 na siglo), ang kapansin-pansing impluwensya ng pagpipinta ng hilagang Renaissance kasama ang panlabas na diumano'y prosaic na salaysay, pananabik para sa genre at interes sa ang sikolohikal na buhay ng mga ordinaryong tao sa gawain ng Savoldo ay organikong pinagsama sa mga prinsipyo ng Renaissance humanism at tinulungan siyang lumikha ng isa sa mga napaka-demokratikong bersyon ng makatotohanang sining ng Renaissance, sa maraming aspeto na inaasahan ang paghahanap para sa mga masters ng unang ikatlong bahagi ng ika-17 siglo. .

Sa unang bahagi ng Savoldo, medyo tuyo pa rin ang mga gawa ng Quattrocentist (halimbawa, Ang Propetang si Elijah; Florence, koleksyon ng Balat), ang kanyang interes sa ordinaryong, ordinaryong mga tao ay nararamdaman na. Sa kanyang magandang Adoration of the Shepherds (1520s; Turin, Pinacoteca), ang kapaligiran ng napaliwanagan na konsentrasyon ng damdamin ng tatlong pastol, na nagmumuni-muni sa bagong panganak na may malalim na pagninilay-nilay, ay buong kaluluwang ipinarating. Ang malinaw na espirituwalidad, magaan at bahagyang malungkot na pagkakaisa ng mga ritmo ng tahimik na paggalaw ng mga kalahok sa kaganapan at ang buong sistema ng kulay ng komposisyon ay malinaw na nagpapahiwatig ng koneksyon sa pagitan ng sining ng mature na Savoldo at ng mga tradisyon ng Giorgione. Ngunit ang kawalan ng isang idealized na maharlika ng imahe, ang natural na katapatan at pagiging simple ng buhay ay nagbibigay sa larawang ito ng isang napaka-espesyal na pagka-orihinal. Sa hinaharap, lumalaki pa rin ang interes sa makatotohanang pagtutula ng mga larawan ng mga ordinaryong tao (halimbawa, ang elegiac na imahe ng isang pastol laban sa backdrop ng isang rural landscape - "The Shepherd"; Florence, ang koleksyon ng Contini-Bonacossi). Ang kontribusyon ng iba pang mga artist na kabilang sa paaralan na binuo sa Brescia ay tiyak na hindi gaanong makabuluhan. Gayunpaman, kabilang sa mga ito ay dapat na banggitin Alessandro Bonvicino, palayaw Moretto (c. 1498-1554), na ang trabaho, pagpunta sa linya na may klasikal na mga tradisyon, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malambot na kulay-pilak na kulay, medyo probinsyano mabigat, malubhang solemnity, hindi nang wala, gayunpaman, liriko (“Madonna with Saints "; Frankfurt). Ang tampok na ito, na mas kapansin-pansin sa mga menor de edad na karakter ng kanyang komposisyon, ay may pinakamalaking halaga sa malalaking mga kuwadro na gawa (halimbawa, ang pigura ng isang lingkod sa pagpipinta na "Kristo sa Emmaus"). Ang kanyang pinakatanyag na gawa ay ang St. Justina na may donor. Ang kontribusyon ni Moretto sa pagbuo ng larawan ng Renaissance ay makabuluhan. Ang kanyang "Portrait of a Man" (London) ay isa sa mga unang full-length na portrait.

Ang kanyang matalinong estudyante ay si Giovanni Moroni (c. 1523-1578), na pangunahing nagtrabaho sa Bergamo. Hindi lamang siya, tulad ng kanyang guro, ay nagpapanatili ng isang pangako sa makatotohanang pamamaraan, ngunit ang kanyang mga larawan ay kumakatawan sa isang makabuluhan at natatanging kontribusyon sa makatotohanang linya ng pag-unlad ng sining ng huling Renaissance. Ang mga larawan ni Moroni noong mature na panahon, simula noong 1560s, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang makatotohanan at tumpak na paglipat ng hitsura at katangian ng mga kinatawan ng halos lahat ng panlipunang strata ng mga lungsod ng terra-farm noon ("Portrait of a Scientist" , "Larawan ng Pontero", "Larawan ng Isang Sastre", atbp.). Ang huling larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng kawalan ng anumang uri ng pagluwalhati ng imahe at maingat na tumpak na paglipat ng panlabas na pagkakahawig at katangian ng taong inilalarawan. Kasabay nito, ito ay isang halimbawa ng isang uri ng genreization ng isang portrait, na nagbibigay sa imahe ng isang espesyal na buhay-tulad ng concreteness at pagiging tunay. Ang sastre ay inilalarawan na nakatayo sa isang work table na may gunting at isang tela sa kanyang mga kamay. Saglit niyang itinigil ang kanyang trabaho at matamang pinagmasdan ang manonood na tila pumasok sa silid. Kung ang napakalinaw at plastik na paglipat ng anyo, ang nangingibabaw na posisyon ng pigura ng tao sa komposisyon ay katangian ng sining ng Renaissance, kung gayon ang interpretasyon ng genre ng compositional motif ay lalampas sa mga hangganan ng Renaissance realism, na inaasahan ang paghahanap para sa mga masters. ng ika-17 siglo.

Sa isang espesyal na posisyon na may kaugnayan sa mga paaralan ng terra farm ay ang Ferrara school. Sa Ferrara, ang paghahari ng mga Dukes ng d "Este ay napanatili, mula dito na ang mga tampok ng magalang na ningning na tangkay, na, na sinamahan ng kilalang panlalawigang paghihiwalay ng mga tradisyon, tinutukoy ang medyo mabigat at malamig na istilo ng Ferrara. sining noong ika-16 na siglo, na puno ng mga detalyeng pampalamuti, na nabigong bumuo ng mga kawili-wiling gawain ng mga nauna nitong Quattrocentist. Ang pinakamahalagang artista sa panahong ito ay si Dosso Dossi (c. 1479 - 1542), na gumugol ng kanyang kabataan sa Venice at Mantua at nanirahan sa Ferrara mula 1516.

Sa kanyang trabaho, umasa si Dosso Dossi sa mga tradisyon nina Giorgione at Francesco Cossa, mga tradisyon na mahirap pagsamahin. Ang karanasan ng yugto ng Titian ay nanatiling dayuhan sa kanya. Karamihan sa mga komposisyon ng mature na Dossi ay nakikilala sa pamamagitan ng napakatalino na malamig na pagpipinta, ang kapangyarihan ng ilang mabibigat na pigura, isang labis na karga ng mga detalye ng pandekorasyon ("Hustisya"; Dresden, "St. Sebastian"; Milan, Brera). Ang pinaka-kagiliw-giliw na bahagi sa trabaho ni Dossi ay ang kanyang interes sa nabuong background ng landscape, na kung minsan ay nangingibabaw sa larawan (Circe, ca. 1515; Borghese Gallery). Ang Dosso Dossi ay nagmamay-ari din ng isang bilang ng mga natapos na komposisyon ng landscape, na para sa oras na iyon ay napakabihirang, isang halimbawa nito ay ang "Landscape with the Figures of Saints" (Moscow, Museum sining sila. A. S. Pushkin).

Ang isang napaka-espesyal na lugar sa sining ng terra farm ay inookupahan ng gawain ng pinakamahalaga sa mga panginoon nito, si Jacopo del Ponte mula sa Bassano (1510 / 19-1592), isang kontemporaryo ng Tintoretto, kung ihahambing sa kung saan ang sining, marahil, ang kanyang trabaho ay dapat isaalang-alang. Bagaman nabuhay si Bassano sa halos lahat ng kanyang buhay sa kanyang sariling bayan ng Bassano, na matatagpuan sa paanan ng Alps, malapit siyang konektado sa bilog ng pagpipinta ng Venetian ng huli na Renaissance, na sumasakop sa isang kakaiba at medyo mahalagang lugar dito.

Marahil, sa lahat ng mga masters ng Italya sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. Si Bassano ay naging pinakamalapit sa pagiging pangunahing tauhan ng mga pintura ng isang ordinaryong tao sa kanyang panahon. Totoo, sa mga unang gawa ng artist ("Christ at Emmaus") genre at pang-araw-araw na mga sandali ay interspersed sa tradisyonal na mga scheme para sa paglutas ng mga plots ng ganitong uri. Sa hinaharap, mas tiyak, noong 1540s. ang kanyang sining ay sumasailalim sa isang uri ng turning point. Ang mga imahe ay nagiging mas hindi mapakali, panloob na dramatiko. Mula sa imahe ng mga indibidwal na character na nakaayos sa matatag na balanseng mga grupo ayon sa mga canon ng High Renaissance, na kung saan si Bassano, sa pamamagitan ng paraan, ay hindi mahusay na pinagkadalubhasaan, ang master ay lumipat sa imahe ng mga pangkat ng tao at mga pulutong na sakop ng pangkalahatang pagkabalisa.

Ang mga ordinaryong tao - mga pastol, mga magsasaka - ang naging pangunahing tauhan sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ganito ang kanyang Rest on the Flight into Egypt, Adoration of the Shepherds (1568; Bassano, Museum) at iba pa.

Ang kanyang "Pagbabalik ni Jacob" ay, sa esensya, isang uri ng interweaving ng isang kuwento sa isang tema ng Bibliya na may larawan ng "mga gawa at araw" ng mga ordinaryong residente ng isang maliit na bayan ng Alpine. Ang huli, sa kasong ito, ay malinaw na nananaig sa buong makasagisag na istraktura ng larawan. Sa isang bilang ng kanyang mga gawa sa huling bahagi ng panahon, si Bassano ay ganap na napalaya mula sa pormal na balangkas na koneksyon sa relihiyoso at mitolohiyang tema.

Ang kanyang "Autumn" ay isang uri ng elehiya, na niluluwalhati ang mahinahon na kagalakan ng mga pores ng mature na taglagas. Ang isang kahanga-hangang tanawin, isang patula na motif ng isang pangkat ng mga mangangaso na papunta sa malayo, na niyakap ng isang mamasa-masa na kulay-pilak na kapaligiran ng taglagas, ang bumubuo sa pangunahing kagandahan ng larawang ito.

Sa gawa ni Bassano, ang sining ng huling Renaissance sa Venice ay naging pinakamalapit sa paglikha ng isang bagong sistema ng mga genre na direktang tumutugon sa totoong buhay sa pang-araw-araw na anyo ng pag-unlad nito. Gayunpaman, ang mahalagang hakbang na ito ay maaaring gawin hindi sa batayan ng kadakilaan ng Venice, iyon ay, ang lungsod-estado ng Renaissance, na nabubuhay sa mga huling araw nito, ngunit sa batayan ng mga kultura na lumitaw sa batayan ng mga bansang estado, noong ang batayan ng isang bago, progresibong yugto sa kasaysayan ng lipunan ng tao.

Kasama ni Michelangelo, ang Titian ay kumakatawan sa isang henerasyon ng mga titans ng High Renaissance, na nahuli sa gitna ng kanilang buhay ng trahedya na krisis na sinamahan ng pagsisimula ng huling Renaissance sa Italya. Ngunit nalutas nila ang mga bagong problema ng oras mula sa mga posisyon ng mga humanista, na ang personalidad, na ang saloobin sa mundo ay nabuo sa kabayanihan na panahon ng High Renaissance. Ang mga artista ng susunod na henerasyon, kabilang ang mga Venetian, ay binuo bilang mga malikhaing indibidwal sa ilalim ng impluwensya ng naitatag na yugto sa kasaysayan ng Renaissance. Ang kanilang gawa ay ang kanyang likas na masining na pagpapahayag. Ganyan sina Jacopo Tintoretto at Paolo Veronese, na magkaiba ang kinatawan ng iba't ibang facet, magkaibang panig ng parehong panahon.

Sa gawa ni Paolo Cagliari (1528-1588), na pinangalanang matapos ang lugar ng kapanganakan ng Veronese, ang lahat ng kapangyarihan at kinang ng Venetian na pandekorasyon at monumental na pagpipinta ng langis ay ipinahayag na may partikular na kapunuan at pagpapahayag. Ang isang mag-aaral ng hindi gaanong Verona master na si Antonio Badile, Veronese ay unang nagtrabaho sa isang terra farm, na lumikha ng isang bilang ng mga fresco at komposisyon ng langis (mga fresco sa Villa Emo noong unang bahagi ng 1550s at iba pa). Ngunit noong 1553 ay lumipat siya sa Venice, kung saan ang kanyang talento ay tumanda.

Ang Kasaysayan ni Esther (1556) ay isa sa mga pinakamagandang siklo ng batang Veronese, na pinalamutian ang kisame ng Simbahan ng San Sebastiano. Ang komposisyon ng tatlong plafonds ay puno ng medyo maliit na bilang ng malakihan, plastic na malinaw na tinukoy na mga numero. Ang kasiningan ng mga galaw ng malalakas at magagandang pigura ng tao, ang mga nakamamanghang anggulo ng pag-aalaga ng mga kabayo ay kapansin-pansin. Kami ay nalulugod sa lakas at kagaanan ng mga kumbinasyon ng tunog na kulay, halimbawa, ang pagkakatugma ng isang itim at puting kabayo sa komposisyon na "The Triumph of Mordecai".

Sa pangkalahatan, ang malinaw na plastik na pag-aaral ng mga indibidwal na figure ay nagdadala ng siklong ito, tulad ng lahat ng mga unang gawa ni Veronese sa pangkalahatan, na mas malapit sa sining ng High Renaissance. Gayunpaman, ang panlabas na medyo theatrical na tuwa ng mga galaw ng mga karakter ay higit na nag-aalis sa kanila ng panloob na katatagan, ang tunay na kadakilaan na nagpapakilala sa mga bayani ng mga monumental na komposisyon ng maaga at High Renaissance mula sa Masaccio at Castagno hanggang sa "Athenian School" ni Raphael at ang kisame ng Sistine Chapel ni Michelangelo. Ang tampok na ito ng sining ng batang Veronese ay pinaka-kapansin-pansin sa tulad ng kanyang mga opisyal na ceremonial compositions bilang "Juno distributing gifts of Venice" (c. 1553; Venice, Doge's Palace), kung saan ang dekorasyong kinang ng pagpipinta ay hindi tinutubos ang panlabas na karangyaan. ng ideya.

Ang mga imahe ni Veronese ay mas maligaya kaysa bayani. Ngunit ang kanilang kagalakan, maliwanag na pandekorasyon na kapangyarihan at sa parehong oras ang subtlest kayamanan ng kaakit-akit na anyo ay talagang hindi pangkaraniwang. Ang kumbinasyong ito ng isang pangkalahatang pandekorasyon-monumental na pictorial effect na may malaking pagkakaiba ng mga relasyon sa kulay ay makikita rin sa mga plafond ng sakristan ng San Sebastiano at sa maraming iba pang komposisyon.

Ang isang mahalagang lugar sa gawain ng mature Veronese ay inookupahan ng mga fresco ng Villa Barbaro (sa Maser), na itinayo ni Palladio sa isang terra farm, hindi kalayuan sa Treviso. Ang eleganteng maliit na villa-palace ay maganda na nakasulat sa nakapalibot na rural landscape at naka-frame sa pamamagitan ng isang namumulaklak na hardin. Ang mga fresco ng Veronese, na puno ng magaan na paggalaw at matingkad na kinang, ay tumutugma sa imahe ng arkitektura nito. Sa siklong ito, ang mga komposisyong puno ng bumubula na "sayaw na saya" sa mga tema ng mitolohiya - ang kisame na "Olympus" at iba pa - ay natural na kahalili ng mga nakakatawang hindi inaasahang motif na inagaw mula sa buhay: halimbawa, ang imahe ng isang pinto kung saan pumapasok ang isang guwapong binata. hall, inaalis ang kanyang sumbrero sa isang busog, bilang direksiyon sa mga may-ari ng bahay. Gayunpaman, sa "araw-araw" na mga motibo ng ganitong uri, hindi itinatakda ng master ang kanyang sarili ang gawain ng artistikong pagsisiwalat sa pamamagitan ng natural na takbo ng buhay ng mga ordinaryong ordinaryong tao ng lahat ng mga tipikal na katangian ng kanilang relasyon.

Siya ay interesado lamang sa maligaya, nakakaaliw na nagpapahayag na bahagi ng buhay. Ang mga pang-araw-araw na motif na hinabi sa isang cycle o sa mga indibidwal na komposisyon ay dapat lamang magbigay-buhay sa kabuuan, alisin ang pakiramdam ng solemne na karilagan at, wika nga, ang pag-imbento ng komposisyon, palakasin ang pakiramdam ng panghihikayat ng kumikinang na tula tungkol sa masayang pagdiriwang ng buhay na Lumilikha si Veronese sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ang pag-unawa sa "genre" ay katangian ng Veronese hindi lamang sa pandekorasyon (na ganap na natural), kundi pati na rin sa lahat ng mga komposisyon ng balangkas ng master. Siyempre, ang mga makukulay na komposisyon ni Veronese ay hindi lamang mga patula na kuwento. Sila ay totoo at hindi. lamang sa kanilang mga pribadong genre ng mga detalye, lalo na generously ginagamit ng master sa mature na panahon ng pagkamalikhain. Tunay nga, ang pagsasalu-salo, isang tampok na katangian ng buhay ng patrician elite ng Venice, na mayaman at gutay-gutay pa, ay ang tunay na bahagi ng buhay noong panahong iyon. Bukod dito, ang mga salamin sa mata, prusisyon, extravaganza ay inayos ng republika at para sa mga tao. At ang lungsod mismo ay tumama sa kamangha-manghang hitsura ng arkitektura nito.

Ang mature na panahon ng Veronese ay nakikilala rin sa pamamagitan ng unti-unting pagbabago sa kanyang pictorial system. Ang kanyang mga komposisyon ay nagiging, bilang isang panuntunan, mas masikip. Kumplikado at mayaman sa plastik at kaakit-akit na mga epekto, ang paggalaw ng isang malaking masa ng mga tao - ang karamihan - ay itinuturing bilang isang uri ng solong buhay na buo. Isang kumplikadong symphony ng mga kulay, ang kanilang interweaving na puno ng pulsating na paggalaw ay lumilikha ng ibang tunog kaysa sa High Renaissance, ang tunog ng makulay na ibabaw ng larawan. Pinakamalinaw, ang mga tampok na ito ng mature na sining ng Veronese ay ipinahayag sa malaking (10x6 m) na "Kasal sa Cana" (1563; Louvre). Laban sa background ng payat at kahanga-hangang arkitektura ng mga terrace at porticos na natatakpan ng liwanag, ang frisoobrazio ay naglalahad ng tanawin ng isang kapistahan na nagsasama-sama ng humigit-kumulang isang daan at tatlumpung pigura. Ang mga lingkod na ngayon ay nasa Venetian, ngayon ay nakasuot ng kakaibang oriental na damit, mga musikero, mga jester, mga kabataang nagpipistahan, mga magagandang babae na may marangyang damit, mga lalaking may balbas, mga kagalang-galang na matatanda ay bumubuo ng isang makulay na komposisyon na puno ng paggalaw. Ang ilan sa mga ulo ay mga larawan. Ito ang mga larawan ng mga soberanya ng Europa mula kay Sultan Suleiman I hanggang kay Charles V. Sa isang grupo ng mga musikero, ipinakita ni Veronese sina Titian, Bassano, Tintoretto at ang kanyang sarili.

Larawan pp. 272-273

Sa lahat ng pagkakaiba-iba ng mga motibo, ang larawan ay bumubuo ng isang solong pictorial compositional whole. Maraming character ang nakaayos sa tatlong frieze-like ribbons o tier na umaagos sa isa't isa. Ang hindi mapakali na maingay na paggalaw ng karamihan ng tao ay sarado mula sa mga gilid ng larawan sa pamamagitan ng mga haligi, ang sentro ay binibigyang diin ng isang pangkat na simetriko na matatagpuan sa paligid ng nakaupong Kristo. Kaugnay nito, ipinagpatuloy ni Veronese ang tradisyon ng mga balanseng monumental na komposisyon ng High Renaissance.

At sa kaugnayan ng kulay Ang komposisyon ng Veronese ay nagha-highlight sa gitna, nodal na pigura ni Kristo na may pinakamakapal, matatag na konstruksyon ng kulay, na pinagsasama ang napaka-materyal na pula at asul na kulay ng robe na may ginintuang glow ng halo. Gayunpaman, si Kristo ang sentral na node ng larawan sa isang makitid na kulay at compositional-geometric na kahulugan; siya ay kalmado at panloob na medyo hindi gaanong mahalaga. Sa anumang kaso, hindi siya etikal na nakikilala sa iba pang mga karakter sa anumang paraan.

Sa pangkalahatan, ang kagandahan ng larawang ito ay wala sa moral na lakas o dramatikong simbuyo ng damdamin ng mga karakter, ngunit sa kumbinasyon ng agarang sigla at maayos na pagpipino ng mga larawan ng mga taong masayang nagdiriwang ng holiday ng buhay. Puno ng masayang pagkulo at pangkulay ng larawan: sariwa, masigla, na may maliwanag na kislap ng pula, mula sa pink-lilac hanggang sa alak, nagniningas at makatas na madilim na ruts. Lumilitaw ang hanay ng pula kasabay ng malamig na kinang ng asul, maberde-asul, pati na rin ang mas maiinit na olive at brown-golden tone na may mapurol na velvety na tunog. Ang lahat ng ito ay pinagsama ng isang karaniwang kulay-pilak-asul na kapaligiran na bumabalot sa buong larawan. Ang isang espesyal na papel sa kahulugan na ito ay kabilang sa puting kulay, kung minsan ay mala-bughaw, kung minsan ay lilac, kung minsan ay pinkish-grey sa mga lilim. Mula sa densidad ng kulay ng pilak na amphoras at malutong na nababanat na mga sutla, sa pamamagitan ng mga linen na mantel, hanggang sa mala-bughaw na abo ng mga puting haligi, ang fluffiness ng mga magagaan na ulap na lumulutang sa mamasa-masa berde-asul na kalangitan ng lagoon, ang kulay na ito ay bubuo, unti-unting natutunaw sa ang pangkalahatang pilak na perlas ng pag-iilaw ng larawan.

Ang maingay na kumukulo ng pulutong ng mga bisita na nagpipista sa mas mababang mga tier ng komposisyon ay napalitan ng matikas na biyaya ng mga paggalaw ng mga bihirang figure ng itaas na baitang - ang itaas na balkonahe ng loggia - na nakaharap sa kalangitan. Nagtatapos ang lahat sa isang paningin ng malayong kakaiba, malabo na mga gusali at malambot na kalangitan.

Sa larangan ng portraiture, hindi gaanong makabuluhan ang mga nagawa ni Veronese. Mahusay na naghahatid ng panlabas na pagkakahawig, habang nakakamit ang ilang ideyalisasyon ng imahe, na may hangganan sa pagpapaganda nito, hindi itinuon ni Veronese ang kanyang pansin sa malalim na pagsisiwalat ng karakter ng taong inilalarawan, kung wala ito, sa katunayan, walang mahusay na sining ng portraiture. Gayunpaman, ang kinang ng pagpipinta, napakahusay na pininturahan na mga accessory, ang marangal na aristokratikong kadalian ng mga pose ay ginagawang kasiya-siya sa mata ang kanyang mga larawan at perpektong "magkasya" ang mga ito sa marangyang interior ng palasyo ng huling Venetian Renaissance. Ang ilan sa kanyang medyo maagang mga larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng isang lilim ng hindi tiyak na romantikong daydreaming - "Portrait of a Man" (Budapest, Museum). Sa ilan lamang sa kanyang mga pinakaunang larawan, tulad ng Count da Porto kasama ang kanyang anak, ang batang artist ay lumikha ng mga larawan na hindi inaasahang nakakabighani sa kanilang pagiging magiliw at natural na hindi mapagpanggap ng motibo. Sa hinaharap, ang trend na ito ay hindi bubuo, at ang kahanga-hangang kagandahan ng kanyang kasunod na mga gawa sa halip ay nagpapatuloy sa linyang nakabalangkas sa nabanggit na larawan ng Budapest (halimbawa, ang larawan ni Bella Nani sa Louvre).

Ang mga canvases ni Veronese ay tila inalis ang artist mula sa pakikibaka, mula sa mga kaibahan ng makasaysayang katotohanan. Sa bahagi, ito ay gayon. Gayunpaman, sa konteksto ng kontra-repormasyon, ang lumalagong ideolohikal na pagsalakay ng Katolisismo, ang kanyang masayang pagpipinta, gusto man ito ng master o hindi, ay sumakop sa isang tiyak na lugar sa kontemporaryong pakikibaka sa ideolohiya. Ito ang “Ang Pamilya ni Darius bago si Alexander the Great” (London, National Gallery), “Marriage at Cana” (Dresden), “Feast in the House of Levi” (Venice). Hindi mapapatawad ng simbahan si Veronese ang sekular, paganong kasayahan ng kanyang mga komposisyon sa bibliya, na labis na sumalungat sa linya ng simbahan sa sining, iyon ay, ang muling pagkabuhay ng mistisismo, pananampalataya sa pagkasira ng laman at ang kawalang-hanggan ng espiritu. Kaya naman ang hindi kasiya-siyang paliwanag kasama ang Inkisisyon na kailangang taglayin ni Veronese tungkol sa masyadong "pagano" na katangian ng kanyang "Pista sa Bahay ni Levi" (1573). Tanging ang patuloy na sekular na kalikasan ng pamahalaan sa komersyal na republika ang nagligtas sa Veronese mula sa mas malubhang kahihinatnan.

Bilang karagdagan, ang pangkalahatang krisis ng Republika ng Venetian ay nakakaapekto rin sa trabaho ng master nang mas direkta, pangunahin sa huling yugto ng kanyang trabaho. Nasa Madonna na ng House of Kuchchin (Dresden), nilikha noong 1570, napakatalino sa pagkakayari, hindi lahat ay ganap na matahimik at masaya. Siyempre, ang komposisyon ay solemne at kahanga-hanga, ang mga indibidwal na motibo ng kilusan at mga uri ng mga tao ay napakatalino na inagaw sa buhay; lalo na kaakit-akit ang batang lalaki, malumanay at medyo pagod na nakakapit sa isang hanay ng kulay na marmol. Ngunit sa ekspresyon sa mukha ni Kuccin mismo, ang master, marahil, ay hindi sinasadyang naghahatid ng isang pakiramdam ng ilang uri ng kapaitan at nakatagong pagkabalisa.

Ang drama ay hindi isang malakas na punto ng Veronese at, sa pangkalahatan, alien sa malikhaing bodega ng kanyang karakter. Samakatuwid, madalas, kahit na kumukuha ng isang dramatikong balangkas, si Veronese ay madaling magambala mula sa paglipat ng pag-aaway ng mga karakter, mula sa panloob na mga karanasan ng mga karakter hanggang sa maliwanag at makulay na mga sandali ng buhay, hanggang sa kagandahan ng pagpipinta mismo. Ngunit ang mga tala ng kalungkutan at kalungkutan ay nagsimulang umalingawngaw sa ilan sa kanyang huling Pagbaba mula sa Krus. Lalo itong nadarama sa Budapest at lalo na sa mga pintura ng Louvre, na puno ng tunay na pakiramdam ng marangal na kalungkutan at kalungkutan.

Sa huling panahon, sa ilang mga gawa ni Veronese, ang mga pessimistic na mood ay sumisira sa hindi inaasahang puwersa. Ganito ang kanyang Hermitage Lamentation of Christ (sa pagitan ng 1576 at 1582), malungkot na hindi mapakali at mapang-akit ang kulay. Totoo, ang kilos ng anghel, na nakayuko kay Kristo, ay medyo nagkakaiba sa halos magalang na biyaya nito, ngunit ito ay napapansin na may kaugnayan sa larawan sa kabuuan na humigit-kumulang sa kung paano natin mapapansin ang isang matikas na thoroughbred na kilusan na aksidenteng nakalusot - a kilos mula sa isang kamakailang alipures na sinamsam ng taos-pusong kalungkutan, natalo ng kapalaran ng kapalaran. Sa mga taong ito, ang Veronese ay karaniwang patuloy na nagsasagawa ng mga order para sa mga seremonyal, maligaya na mga gawain. Noong 1574, bilang isang resulta ng maraming malalaking sunog, isang makabuluhang bahagi ng interior ng Doge's Palace ang nasunog, kung saan, lalo na, ang mga kahanga-hangang gawa ng pagpipinta ng parehong Bellini ay nawala. Ang mga bagong cycle ay iniutos, kung saan sina Tintoretto at Veronese ay kasangkot. Nakumpleto ng huli ang isang bilang ng mga pagpipinta: "The Betrothal of St. Catherine", ang allegorical na "Triumph of Venice" (c. 1585; Venice, Doge's Palace), sa katunayan, hindi na nagwagi at hindi nagwagi, at iba pang mga komposisyon nito. mabait. Naturally, sa pagiging isang matalim na pagkakasalungatan sa buhay, ang mga komposisyon na ito ay ginanap ng isang tumatanda at mas matalinong master na may lalong walang pag-asa, higit na walang malasakit na kamay. Sa kaibahan sa mga seremonyal na gawaing ito, ang nabanggit na "Panahoy ni Kristo", ang malungkot na "Pagpapako sa Krus" mula sa Louvre at Budapest at ilang iba pang maliliit na easel na gawa na nilikha "para sa sarili", puno ng malungkot na liriko at kalungkutan, ay may pinakamalaking halaga. sa huli na gawain ng panginoon, nang noon ay umiibig sa kagalakan at kagandahan ng pagiging.

Sa maraming aspeto, ang sining ng isang matalinong pintor ng Slavic, isang Dalmatian sa pamamagitan ng kapanganakan, si Andrea Meldolla (Medulich), na pinangalanang Schiavone (1503/22-1563), na nangangahulugang Slav, ay nakikipag-ugnayan sa bilog ng mga malikhaing interes ni Tintoretto. Si Schiavone, na namatay nang maaga, ay walang oras upang ganap na ipakita ang kanyang talento, ngunit ang kanyang kontribusyon sa pagbuo ng pagpipinta ng Venetian ay medyo kapansin-pansin.

Naranasan ni Schiavone ang kilalang impluwensya ni Parmigianino, ngunit ang pangunahing pokus ng kanyang aktibidad ay natukoy sa pamamagitan ng pagsunod sa sining ng yumaong Titian at ang direktang impluwensya ni Tintoretto sa kanya. Sa unang bahagi ng panahon, ang sining ni Schiavone ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kilalang idyllic mood sa paglilipat ng genre-interpreted mythological scenes ("Diana at Actaeon"; Oxford). Nang maglaon, sa kanyang mga mitolohikong komposisyon, pati na rin sa mga ebanghelyo (bihira niyang talakayin ang hanay ng mga paksang ito), nakakakuha sila ng mas hindi mapakali at dramatikong karakter. Binibigyang-pansin ni Schiavone ang pag-unlad ng kapaligiran ng landscape kung saan inilalagay niya ang mga bayani ng kanyang mga gawa. Ang pakiramdam ng kumpletong kaguluhan ng elemental na buhay ng isang makapangyarihang kalikasan ay isang kahanga-hangang kalidad ng mga gawa ng mature Schiavone (Jupiter at Io; ang Hermitage, ang Midas Judgment; ang Venice Academy, atbp.). Ang pagsisiwalat ng mga karakter ng tao, ang kalunos-lunos na kalubhaan ng mga salungatan sa pagitan nila, nagtagumpay si Schiavone na may hindi gaanong lalim at kapangyarihan ng pangkalahatan kaysa sa yumaong Titian o Tintoretto. Sa lahat ng kanyang interes sa mga problemang ito, hindi mapalaya ni Schiavone ang kanyang sarili mula sa ilang panlabas na pamamaraan ng pagsasadula ng imahe, at sa ilang mga kaso mula sa labis na pagsasalaysay na alegorismo (halimbawa, ang allegorical triptych "Nature, Time and Death"; Venice Academy).

Ang pinakamalalim at malawak na trahedya na mga kontradiksyon ng panahon ay ipinahayag sa akda ni Jacopo Robusti, na binansagang Tintoretto (1518-1594). Si Tintoretto ay nagmula sa mga demokratikong lupon ng lipunang Venetian, siya ay anak ng isang silk dyer, kaya ang kanyang palayaw na Tintoretto - dyer.

Hindi tulad nina Titian at Aretino, ang buhay ng anak ng isang silk dyer ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging mahinhin nito. Buong buhay niya, nanirahan si Tintoretto kasama ang kanyang pamilya sa isang maliit na tirahan, sa isang maliit na quarter ng Venice sa Fondamenta dei Mori. Ang pagiging walang pag-iimbot, pagwawalang-bahala sa mga kagalakan ng buhay at ang mga tukso ng kanyang luho - isang katangian na katangian ng panginoon. Kadalasan, nagsusumikap una sa lahat upang mapagtanto ang kanyang malikhaing ideya, siya ay katamtaman sa kanyang mga kinakailangan sa bayad na siya ay nagsagawa upang makumpleto ang malalaking komposisyon para lamang sa presyo ng mga pintura at canvas.

Kasabay nito, si Tintoretto ay nakikilala sa pamamagitan ng isang purong Renaissance na lawak ng humanistic na interes. Siya ay bahagi ng isang malapit na bilog ng pinakamahusay na mga kinatawan ng Venetian intelligentsia ng huling Renaissance - mga siyentipiko, musikero, mga advanced na pampublikong palaisip: Daniele Barbaro, ang mga kapatid na Venier, Zarlino at iba pa. Sa partikular, si Zarlino, isang kompositor at konduktor, ay malapit na nauugnay sa paglipat ng musika sa polyphony, sa paglikha ng double counterpoint, kasama ang pag-unlad ng doktrina ng harmonya, na sumasalamin sa polyphony ng complex, puno ng hindi mapakali na dinamika at pagpapahayag ng pagpipinta ni Tintoretto, na may namumukod-tanging talento sa musika.

Bagama't nag-aral ng pagpipinta si Tintoretto kay Bonifazio Veronese, higit siyang may utang na loob sa malalim na pag-unlad ng malikhaing karanasan nina Michelangelo at Titian.

Ang kumplikado at magkasalungat na pagbuo ng sining ng Tintoretto ay maaaring halos nahahati sa tatlong yugto: maaga, kung saan ang kanyang trabaho ay direktang konektado sa mga tradisyon ng High Renaissance, na sumasaklaw sa pinakadulo ng 1530s at halos lahat ng 1540s. Noong 1550-1570s. ang orihinal na masining na wika ni Tintoretto bilang master ng huling Renaissance ay sa wakas ay nahuhubog. Ito ang kanyang ikalawang yugto. Ang huling labinlimang taon ng gawain ng master, nang ang kanyang pang-unawa sa buhay at artistikong wika ay umabot sa isang espesyal na kapangyarihan at trahedya na puwersa, ay bumubuo sa pangatlo, huling yugto sa kanyang trabaho.

Ang sining ng Tintoretto, tulad ng sining ng Titian, ay hindi pangkaraniwang multifaceted at mayaman. Ito ay malalaking komposisyon sa mga tema ng relihiyon, at mga gawa na matatawag na pangunahing para sa pagbuo ng makasaysayang genre sa pagpipinta, at kahanga-hangang "tula", at mga komposisyon sa tema ng mitolohiya, at maraming larawan.

Para kay Tintoretto, lalo na simula sa katapusan ng 1550s, ito ay katangian, una sa lahat, na ipahayag ang kanyang panloob na karanasan at ang kanyang etikal na pagtatasa sa mga imaheng kanyang kinatawan. Kaya naman ang madamdaming emosyonal na pagpapahayag ng kanyang masining na wika.

Ang pagnanais na ihatid ang pangunahing bagay, ang pangunahing bagay sa nilalaman ng imahe ay nangingibabaw sa kanyang trabaho sa mga interes ng isang pulos teknikal at pictorially pormal na kalikasan. Samakatuwid, ang brush ni Tintoretto ay bihirang nakakamit ang virtuoso flexibility at magandang subtlety ng artistikong wika ni Veronese. Kadalasan, ang master, na nagtrabaho nang galit na galit at palaging nagmamadali upang ipahayag ang kanyang sarili, ay lumikha ng mga kuwadro na halos walang ingat, "tinatayang" sa kanilang pagpapatupad. Sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, ang hindi pangkaraniwang espirituwal na nilalaman ng kanyang larawang anyo, ang madamdaming animation ng kanyang pananaw sa mundo ay humantong sa paglikha ng mga obra maestra, kung saan ang kapunuan ng pakiramdam at pag-iisip ay naaayon sa malakas na sapat na pakiramdam at intensyon ng artist. . pamamaraan ng pagpipinta. Ang mga gawang ito ni Tintoretto ay ang parehong mga obra maestra ng perpektong karunungan sa wika ng pagpipinta, pati na rin ang mga likha ng Veronese. Kasabay nito, ang lalim at kapangyarihan ng ideya ay naglalapit sa kanyang pinakamahusay na mga gawa sa pinakadakilang mga nagawa ng Titian. Ang hindi pagkakapantay-pantay ng artistikong pamana ng Tintoretto ay bahagyang dahil sa ang katunayan na ang master (bagaman sa isang ganap na naiibang lawak kaysa sa kanyang nakababatang kontemporaryo, ang Kastila El Greco) ay isinasama sa kanyang trabaho ang isa sa mga pinaka-katangian na aspeto ng artistikong kultura ng late Renaissance, na kung saan ay parehong kanyang mahina at malakas na bahagi, - ito ay isang direktang pagsisiwalat sa sining ng subjective personal na relasyon ng artist sa mundo, ang kanyang mga karanasan.

Ang sandali ng direktang paghahatid ng subjective na karanasan, emosyonal na mood sa sulat-kamay mismo, sa paraan ng pagpapatupad, marahil, ay malinaw na makikita sa unang pagkakataon sa sining ng yumaong Titian at Michelangelo, iyon ay, sa panahon kung kailan sila naging mga master ng huling Renaissance. Sa panahon ng huling Renaissance, ang mga impulses ng artist kung minsan ay nalilito, kung minsan ay nilinaw na kaluluwa, ang buhay na buhay na pintig ng kanyang mga damdamin ay hindi na napapailalim sa gawain ng isang maayos na malinaw na pagmuni-muni ng kabuuan, ngunit. sa kabaligtaran, ang mga ito ay direktang sinasalamin sa mismong paraan ng pagganap, tinutukoy nila ang anggulo ng pananaw ng itinatanghal o haka-haka na mga phenomena ng buhay.

Sa ilang mga kaso, ito ay maaaring humantong sa isang pag-alis mula sa kaalaman ng mundo, paglulubog sa mga subjective na "mga pananaw" ng kaluluwa, tulad ng nangyari sa El Greco, sa ibang mga kaso ito ay humantong sa isang malamig na masining at egoistic na paglalaro na may mannered stylized forms. , napapailalim sa personal na arbitrariness o isang random na kapritso ng pantasya , - sa paaralan ng Parma ng mannerism. Ngunit kung saan ang artista ay nakuha ng mga dakilang trahedya na salungatan noong panahong iyon, kung saan ang artist ay masigasig na nagsusumikap na malaman, maranasan at ipahayag ang diwa ng panahon, doon sa bahaging ito ng kultura ng huling Renaissance ay pinahusay ang agarang emosyonal na pagpapahayag ng artistikong imahe, nagbigay ito ng isang kiligin ng taos-pusong pagnanasa ng tao. Ang bahaging ito ng sining ng huling Renaissance ay natagpuan ang isang partikular na kumpletong pagpapahayag sa gawa ni Tintoretto.

Ang bagong bagay na dinala ni Tintoretto sa sining ng Italyano at mundo ay hindi limitado sa pagpapahayag ng agarang taos-pusong pagnanasa para sa pagkilala sa mundo, ngunit, siyempre, ay nakapaloob sa iba, mas makabuluhang mga sandali.

Si Tintoretto ang una sa sining noong panahong iyon na lumikha ng imahe ng isang pulutong ng mga tao, na niyakap ng isa o kumplikadong magkasalungat na espirituwal na salpok. Siyempre, ang mga artista ng Renaissance ay hindi lamang naglalarawan ng mga indibidwal na bayani, ngunit ang buong grupo ng mga tao, ngunit sa Raphael's School of Athens o Huling Hapunan ni Leonardo ay walang kahulugan ng isang solong masa ng tao bilang isang buhay na integral na kolektibo. Ito ay isang koleksyon ng mga hiwalay na independiyenteng umiiral na mga personalidad na pumapasok sa ilang mga pakikipag-ugnayan. Sa Tintoretto, sa unang pagkakataon, lumilitaw ang isang pulutong, na pinagkalooban ng isang karaniwan, pinag-isa at kumplikadong sikolohikal na estado, gumagalaw, umuugoy, polyphonic.

Ang mga trahedya na kontradiksyon sa pag-unlad ng lipunang Italyano ay sinira ang paniwala ng Renaissance humanism tungkol sa pangingibabaw ng isang perpekto, magandang tao sa mundo sa paligid niya, tungkol sa kanyang masaya at masayang kabayanihan na pag-iral. Ang mga kalunos-lunos na salungatan na ito ay makikita sa gawa ni Tintoretto.

Ang mga unang gawa ng Tintoretto ay hindi pa nababalot ng trahedya na espiritung ito, nabubuhay pa rin sila sa masayang optimismo ng High Renaissance. Gayunpaman, sa mga unang gawa tulad ng The Last Supper in the Church of Santa Marquola in Venice (1547), mararamdaman na ng isa ang tumaas na interes sa dinamika ng paggalaw, sa matalim na magkakaibang mga epekto ng pag-iilaw, na kung saan ay hinuhulaan ang karagdagang kurso ng pag-unlad ng kanyang sining. Ang unang yugto ng trabaho ni Tintoretto ay nagtatapos sa kanyang malaking komposisyon na "The Miracle of St. Mark" (1548; Venice Academy). Ito ay isang malaki at kamangha-manghang monumental at pandekorasyon na komposisyon. Isang kabataang nag-aangking Kristiyano ang hinubaran at itinapon ng mga pagano sa mga simento. Sa utos ng hukom, siya ay napapailalim sa pagdurusa, ngunit si St. Mark, na mabilis na lumilipad pababa mula sa langit, ay gumawa ng isang himala: mga martilyo, mga patpat, mga espada ay nabasag sa katawan ng martir, na nakakuha ng mahiwagang kawalang-tatag, at isang grupo ng ang mga berdugo at mga manonood ay nakasandal sa kanyang nakahandusay na katawan na may takot na pagkagulat. Ang komposisyon, tulad ng mga Renaissance, ay itinayo sa prinsipyo ng isang malinaw na paghihiwalay: ang marahas na paggalaw sa gitna ay sarado dahil sa mga paggalaw ng mga figure na matatagpuan sa kanan at kaliwang bahagi nito na nakadirekta patungo sa gitna ng larawan. Ang kanilang mga volume ay napakaplastikan, ang kanilang mga galaw ay puno ng kumpletong pagpapahayag ng kilos, na napaka katangian ng sining ng Renaissance. Ibinigay sa isang matapang na pananaw, ang pigura ng isang kabataang babae na may isang bata sa kaliwang sulok ng larawan ay nagpapatuloy sa tradisyon ng isang kakaibang heroized na genre, na natagpuan ang pagpapahayag sa gawa ni Titian noong 1520s at 1530s. ("Dalhin si Maria sa Templo"). Gayunpaman, ang mabilis na paglipad - ang pagbagsak ng St. Mark, na sumabog mula sa itaas sa komposisyon ng larawan, ay nagpapakilala ng isang sandali ng pambihirang dynamics, ay lumilikha ng isang pakiramdam ng isang malaking espasyo sa labas ng frame ng larawan, sa gayon ay inaasahan ang pang-unawa ng kaganapan hindi bilang isang buong sarado sa kanyang sarili, ngunit bilang isa sa mga pagsabog sa panghabang-buhay na paggalaw. daloy ng oras at espasyo, kaya katangian ng sining ng huling Renaissance.

Ang parehong motif ay nadarama sa medyo naunang pagpipinta ni Tintoretto, Ang Prusisyon ni St. Ursula, kung saan ang isang anghel, na mabilis na lumilipad mula sa labas ng larawan, ay sumalakay sa mahinahong makinis na prusisyon na gumagalaw mula sa kailaliman. At sa interpretasyon ni Tintoretto sa mga tradisyonal na tema ng mitolohiya, lumalabas din ang mga bagong tala. Ganito ang pagkakatugma, puno ng dramatikong kaibahan, ng kabataang kagandahan ng hubad na si Venus, ang sanggol na si Cupid na mapayapang natutulog sa duyan, at ang mga angular na galaw ng matandang si Vulcan, na dinaig ng kabaliwan (Venus at Vulcan, 1545-1547; Munich. ).

Noong 1550s ang mga tampok ng bago sa gawain ng Tintoretto sa wakas ay nagtagumpay sa mga luma, hindi na ginagamit na mga pamamaraan. Ang isa sa mga pinaka-katangiang gawa sa panahong ito ay ang kanyang "Pagpasok ni Maria sa Templo" (c. 1555; Venice, Simbahan ng Santa Maria del Orto), na iba sa friezoly solemne na "Entrance into the Temple" ni Titian. Ang isang matarik na hagdanan na humahantong mula sa viewer papunta sa kailaliman ng larawan ay humahantong sa threshold ng templo. Dito, sa isang malinaw na diagonal na pananaw, ang mga hiwalay na figure na sakop ng hindi mapakali na kaguluhan ay nakakalat. Sa tuktok ng hagdan, laban sa background ng isang kalmado na kalangitan, isang mataimtim na mahigpit na matandang mataas na pari ang lumutang, na napapalibutan ng mga acolyte. Sa kanya, sa pag-akyat sa mga huling hakbang ng hagdan, ang marupok na pigura ni Maria ay mabilis na gumagalaw. Ang pakiramdam ng kalawakan ng mundo, ang mabilis na dinamika ng espasyo, ang pagpasok ng mga taong nakikilahok sa aksyon na may ilang uri ng mabilis na pumipintig, nanginginig na paggalaw ay nagbibigay sa buong komposisyon ng isang pambihirang kaguluhan, espesyal na kahalagahan.

Sa The Abduction of the Body of St. Mark (1562-1566; Venice Academy), ang isa pang tampok ng akda ni Tintoretto sa panahon ng Mature ay lumalabas nang malinaw. Sa sandaling ninakaw ng mga banal na Venetian ang katawan ng santo mula sa Alexandria, na pag-aari ng mga "infidels", isang bagyo ang sumiklab, na pinalipad ang mga nasirang Alexandrian. Ang kakila-kilabot na puwersa ng mga elemento, ang hindi mapakali na pag-iilaw ng larawan na may mga kidlat, ang pakikibaka ng liwanag at kadiliman ng isang mabagyo na maulap na kalangitan ay ginagawang isang malakas na kasabwat ng kaganapan ang kalikasan, na nagpapaganda sa pangkalahatang hindi mapakali na drama ng imahe.

Sa The Last Supper in the Church of San Trovaso, tiyak na nilalabag ni Tintoretto ang malinaw at simpleng hierarchy ng mga character na katangian ng, halimbawa, Raphael's The School of Athens o Leonardo's The Last Supper. Ang mga pigura ay wala sa harap ng manonood, sila ay, kumbaga, inagaw mula sa espasyo ng natural na kapaligiran. Ang parisukat na mesa kung saan nakaupo si Kristo at ang mga apostol sa silong ng isang lumang tavern ay ibinigay sa isang matalim na pahilis na foreshortening. Ang kapaligiran na nakapaligid sa mga apostol ay ang pinakakaraniwang kapaligiran ng isang karaniwang tavern. Ang mga upuan na tinirintas ng dayami, mga bangkitong kahoy, isang hagdanan na patungo sa susunod na palapag ng tavern, ang madilim na ilaw ng isang mahinang silid - lahat ng ito, kumbaga, ay inagaw sa buhay. Tila nagbabalik si Tintoretto sa walang muwang na salaysay ng Quattrocentist na sining, na buong pagmamahal na naglalarawan sa kanyang mga karakter sa backdrop ng kalye o ng kanilang kontemporaryong interior.

Ngunit mayroon ding isang makabuluhang pagkakaiba dito. Una, mula sa panahon ng Giorgione, inilagay ng mga Venetian ang kanilang mga pigura nang direkta sa kapaligiran mismo, hindi laban sa background ng silid, ngunit sa silid. Wala ring pakialam si Tintoretto sa maliit na pag-ibig na nagsusulat ng mga pang-araw-araw na bagay na napakatamis at mahal ng Quattrocentist. Nais niyang ihatid ang mismong kapaligiran ng tunay na kapaligiran bilang isang katangiang nagpapahayag na globo ng pagkilos para sa mga karakter. Bukod dito, na tipikal ng kanyang plebeian demokratikong damdamin, binibigyang-diin niya ang pagiging karaniwan ng kapaligiran kung saan gumagana ang anak ng karpintero at ang kanyang mga estudyante.

Si Tintoretto ay nagsusumikap para sa integridad ng komposisyon, natural para sa isang natapos na gawa ng sining, ngunit kung ihahambing sa mga masters ng nakaraang yugto, masigasig niyang nararamdaman ang kumplikadong polyphony ng buhay, kung saan ang dakila, ang pangunahing bagay ay hindi kailanman lumilitaw sa dalisay nitong anyo. .

Samakatuwid, inilalarawan ang isang tiyak na sandali na puno ng panloob na kahalagahan sa agos ng buhay, pinupuno ito ni Tintoretto ng magkakaibang, panlabas na magkasalungat na mga motif: Binibigkas ni Kristo ang kanyang mga salita na "Ipagkakanulo ako ng isa sa inyo" sa mismong sandali kapag ang kanyang mga kasamahan ay abala sa malawak na iba't ibang mga aksyon. Ang isa sa kanila, na may hawak na tasa sa kanyang kaliwang kamay, ay inabot ng kanyang kanang kamay ang isang malaking bote ng alak na nakatayo sa sahig; isa pang nakayuko sa isang ulam ng pagkain; ang alipin, na may hawak na isang uri ng ulam, ay nakarating na sa kalahati sa likod ng frame ng larawan; isang babaeng nakaupo sa hagdan, walang pakialam sa nangyayari, ay abala sa pag-ikot. Ito ay tiyak na sa oras kung kailan ang mga tao ay ginulo ng gayong magkakaibang mga aktibidad na ang mga salita ng guro na namangha sa lahat ay narinig. Nagkaisa silang lahat sa isang instant na marahas na reaksyon sa mga nakakatakot na salitang ito. Ang mga hindi abala sa anumang bagay ay nagawang tumugon sa kanila sa iba't ibang paraan. Ang isa ay napaatras dahil sa pagtataka, ang pangalawa ay ikinakapit ang kanyang mga kamay na galit na galit, ang pangatlo, malungkot na idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang puso, tuwang-tuwang yumukod sa kanyang minamahal na guro. Ang mga alagad na naabala sa kanilang pang-araw-araw na gawain ay tila nanigas sa agarang pagkalito. Ang kamay na nakaabot sa bote ay nakabitin at hindi na tataas para magbuhos ng alak; hindi na aalisin ng taong nakayuko sa isang ulam ang takip nito. Dinakip din sila ng pangkalahatang pagsabog ng galit na sorpresa. Sa ganitong paraan, sinusubukan ni Tintoretto na sabay-sabay na ihatid ang kumplikadong pagkakaiba-iba ng pang-araw-araw na takbo ng pang-araw-araw na buhay at ang biglaang pagkislap ng damdamin at pagnanasa na biglang pinag-iisa ang grupong ito ng tila magkakaibang mga tao sa isang solong kabuuan.

Noong 1550-1560s. Lumilikha si Tintoretto hindi lamang ng mga gawa kung saan nahulaan na ang malagim na pagkalito ng panahon, kundi pati na rin ang isang serye ng mga kuwadro na puno ng pagnanais na makatakas mula sa mga salungatan ng katotohanan patungo sa mundo ng isang patula na engkanto, sa mundo ng mga pangarap. Ngunit din sa kanila matalim na pakiramdam Ang mga kaibahan at hindi matatag na kawalang-tatag ng nababagong pagkatao, kahit na ito ay nabago sa isang kamangha-manghang at patula na anyo, ay nagpapadama pa rin sa sarili.

Kaya, sa isang ika-13 siglong Pranses na kuwento na isinulat sa motibo. Sa pagpipinta na "The Saving of Arsinoe", ang artist ay lumilikha, na tila sa tradisyon ng Renaissance pictorial na "tula", isang kaakit-akit na kuwento tungkol sa kung paano ang isang kabalyero at isang binata, na naglalayag sa isang gondola hanggang sa paanan ng isang madilim na tore ng kastilyo ay lumalaki. sa labas ng dagat, iligtas ang dalawang hubad na dilag na nakakadena sa tanikala. Ito ay isang magandang tula na nagdadala ng isang tao sa mundo ng poetic fiction mula sa hindi mapakali at hindi matatag na kawalang-tatag ng totoong buhay. Ngunit sa anong talas inihambing ng master ang malamig na metal na cuirass ng isang kabalyero, sa pakikipag-ugnay sa malambot na lambing ng babaeng katawan, at kung gaano hindi matatag, hindi matatag na suporta ang isang magaan na bangka, na umuugoy sa mga alon ng isang hindi matatag na dagat.

Ang isa sa mga pinakamahusay na pagpipinta mula sa serye ng "tula" ay si Susanna, na pormal na nakatuon sa mito ng Bibliya, mula sa Vienna Gallery (c. 1560). Ang kaakit-akit na magic ng komposisyon na ito ay hindi mapaglabanan. Una, ito ay isa sa mga kuwadro na kung saan ang mga bakas ng pagmamadali, kadalasang katangian ng Tintoretto, ay hindi nararamdaman. Ito ay nakasulat gamit ang manipis at tumpak na virtuoso brush. Ang buong kapaligiran ng larawan ay pinapaypayan ng isang kakaibang banayad na kulay-pilak-asul na lamig, na nagbibigay ng pakiramdam ng pagiging bago at bahagyang ginaw. Kalalabas lang ni Susanna sa paliguan. Nakalubog pa rin ang kaliwang paa niya sa malamig na tubig. Ang maningning na katawan ay nababalot ng mapusyaw na mala-bughaw na mga anino, ang lahat ay tila kumikinang mula sa loob. Ang ningning ng kanyang malambot na malago at nababaluktot na katawan ay kaibahan ng mas malapot na texture ng hindi mapakali na gusot na tiklop ng mala-bughaw-berdeng tuwalya sa mga anino.

Sa harap niya, sa madilim na olive green ng trellis, ang mga rosas ay nasusunog na may kulay-rosas-lilang kulay. Sa background ang isang strip ng isang stream ay silvering, at sa likod nito, nakasulat sa isang magaan, bahagyang kulay-abo, pistachio tone, tumaas ang manipis na trunks ng maliit na poplars. Ang mga kulay-pilak na poplar, ang malamig na kislap ng mga rosas, ang kislap ng tahimik na tubig ng pool at ang batis, ay tila pinupulot ang motif ng ningning ng hubad na katawan ni Susanna at, simula sa kayumangging-oliba na background ng mga anino at ng lupa, lumikha ng kulay-pilak na malamig at malambot na nagniningning na kapaligiran na bumabalot sa buong larawan.

Sumilip si Susanna sa isang salamin na inilagay sa harap niya sa lupa, hinahangaan ang sarili niyang repleksyon. Hindi namin siya nakikita. Sa nanginginig na perlas na ibabaw ng salamin na nakalagay sa isang anggulo sa tumitingin, tanging isang gintong pin at ang lacy na dulo ng tuwalya na kanyang pinupunasan ang kanyang mga paa ang makikita. Ngunit ito ay sapat na - hulaan ng manonood ang hindi niya nakikita, sinusundan ang direksyon ng tingin ng ginintuang buhok na si Susanna, bahagyang nagulat sa kanyang sariling kagandahan.

Kahanga-hanga sa pagpipinta, masigla, nasasabik na maliwanag, at ang komposisyon na "The Origin of the Milky Way" (London), na nilikha noong 1570. Ayon sa sinaunang mito, si Jupiter, na gustong gantimpalaan ang imortalidad para sa kanyang sanggol, na ipinanganak ng isang mortal na babae, ay nag-utos para idiin siya sa dibdib ni Juno upang kung uminom siya ng gatas ng diyosa, siya mismo ay magiging walang kamatayan. Mula sa mga tilamsik ng gatas na nagulat at napaatras sa takot, si Juno, ang Milky Way ay bumangon, na pumapalibot sa kalangitan. Ang komposisyon, na puno ng hindi mapakali na kaba, ay binuo sa kaibahan ng katulong ni Jupiter na mabilis na sumalakay mula sa kailaliman ng kalawakan at ang malumanay na malagong perlas na katawan ng hubad na diyosa na nakasandal sa pagkagulat. Ang kaibahan ng matalim na paglipad ng dalaga at ang malambot na lambing ng mga galaw ng magandang diwata ay puno ng pambihirang talas at alindog.

Ngunit ang mapanaginipan malambot na mga pangarap ng "tula" ay isang facet lamang sa gawain ng master. Iba ang pangunahing pathos nito. Ang mabagyong paggalaw ng masa ng tao, na pinupuno ang malawak na mundo, ay higit na nakakaakit ng pansin ng artista.

Larawan pp. 280-281

Ang kalunos-lunos na mga salungatan ng panahon, ang kalungkutan at pagdurusa ng mga tao ay ipinahayag nang may partikular na puwersa, bagaman, tulad ng karaniwan sa panahon, sa isang hindi direktang anyo, sa The Crucifixion (1565), na nilikha para sa scuola di San Rocco at katangian ng ikalawang yugto ng trabaho ni Tintoretto. Pinuno ng larawan ang buong dingding ng isang malaking parisukat na silid (ang tinatawag na Alberto), na katabi ng malaking bulwagan sa itaas. Ang komposisyon na ito, na sumasaklaw hindi lamang sa eksena ng pagpapako kay Kristo at dalawang magnanakaw, ay kinabibilangan ng mga alagad na nakakapit sa krus, at ang mga pulutong ng mga tao na nakapaligid sa kanila. Gumagawa ito ng halos panoramic na impresyon mula sa punto ng view kung saan ito tinitingnan, habang ang liwanag na bumubuhos sa mga bintana ng magkabilang panig na dingding, kumbaga, ay nagpapalawak sa buong silid. Ang pagsasama-sama ng dalawang magkasalungat na daloy ng liwanag, na nagbabago habang gumagalaw ang araw, ay nagbibigay-buhay sa larawan sa mga kulay nito, alinman sa nagbabaga, o kumikislap, o kumukupas. Ang komposisyon mismo ay hindi agad na lilitaw sa harap ng manonood sa lahat ng integridad nito. Kapag nakapasok na ang manonood malaking bulwagan, pagkatapos ay sa siwang ng pinto, sa una ay ang paanan lamang ng krus at ang grupo ng mga alagad ng ipinako sa krus, na niyakap ng kalungkutan, ang nakikita. Ang ilang may pag-aalala at kalungkutan ay yumuko sa kanilang nasirang ina; iba sa madamdaming kawalan ng pag-asa ay ibinaling ang kanilang mga mata sa pinatay na guro. Siya, na itinaas ng krus sa itaas ng mga tao, ay hindi pa nakikita. Ang grupo ay bumubuo ng isang kumpletong, self-contained na komposisyon, malinaw na limitado ng frame ng pinto.

Ngunit ang hitsura ni John at ang baras ng krus na umaakyat ay nagpapahiwatig na ito ay bahagi lamang ng isang mas malawak at mas komprehensibong komposisyon. Dumating ang manonood sa pintuan, at nakikita na niya si Kristo na pagod na pagod sa pagdurusa, isang maganda at malakas na lalaki, na may magiliw na kalungkutan na nakayuko sa kanyang pamilya at mga kaibigan. Isa pang hakbang - at sa harap ng manonood na pumasok sa silid, isang napakalaking larawan ang bumungad sa buong lawak nito, na pinupuno ng mga pulutong ng mga tao, nalilito, mausisa, matagumpay at mahabagin. Sa gitna ng umaalon na dagat ng mga tao, isang nag-iisang grupo ng mga tao ang kumapit sa paanan ng krus.

Si Kristo ay napapaligiran ng isang hindi maipaliwanag na ningning ng mga kulay, phosphorescent laban sa background ng isang madilim na kalangitan. Ang kanyang nakalahad na mga kamay, na ipinako sa crossbar, ay tila yumakap sa hindi mapakali na maingay na mundo sa malawak na yakap, pagpapala at pagpapatawad dito.

Ang "Pagpapako sa krus" ay talagang isang buong mundo. Hindi ito mauubos sa isang paglalarawan. Tulad ng sa buhay, lahat ng bagay dito ay hindi inaasahan at sa parehong oras ay kinakailangan at makabuluhan. Ang Renaissance plastic modeling ng mga character at ang malalim na clairvoyance ng kaluluwa ng tao ay kapansin-pansin din. Sa malupit na katotohanan, nililok din ng artista ang imahe ng isang may balbas na pinuno sa isang kabayo, tinitingnan ang pagpapatupad nang may pagmamayabang na kasiyahan, at isang matandang lalaki, na may malungkot na lambing, yumuko sa pagod na si Maria, at ang batang si John, sa malungkot na kaligayahan, ay lumingon. ang kanyang tingin sa naghihingalong guro.

Ang komposisyon ng "Pagpapako sa Krus" ay kinumpleto ng dalawang panel na inilagay sa dingding sa tapat, sa mga gilid ng pinto - "Si Kristo sa harap ni Pilato" at "Pagpapasan ng Krus", na sumasailalim sa mga pangunahing yugto ng "paghihirap ni Kristo". Kung pagsasama-samahin, ang tatlong obrang ito ay bumubuo ng isang kumpletong grupo kapwa sa komposisyon at matalinghagang termino.

Ang interes sa malalaking cycle ng monumental ay isang katangiang katangian ng mature at late na si Tintoretto, na tiyak na nagsusumikap sa "many-voiced" na pagbabago ng mga imahe na umaalingawngaw at contrast sa isa't isa upang maihatid ang kanyang ideya ng elemental na kapangyarihan at ang kumplikadong dinamika ng pagiging. Ang mga ito ay lubos na naipahayag nang tumpak sa napakalaking grupo ng Scuola di San Rocco, na walang uliran para sa pagpipinta ng langis, na binubuo ng ilang dosenang mga canvases at plafonds - ang itaas (1576-1581) at mas mababang (1583-1587) malalaking likod. Kabilang sa mga ito, ang Huling Hapunan, na puno ng mabilis na drama; napuno ng elegiac dreaminess at isang banayad na kahulugan ng pagsasama ng kaluluwa ng tao sa mundo ng kalikasan, "Maria ng Ehipto sa Disyerto" (ibabang bulwagan); puno ng nakatagong tensyon at pagkabalisa "The Temptation of Christ"; ang kahanga-hangang kahanga-hangang "Moises cutting water from a stone", na nagpapakita ng maigting na pakikibaka ng isang titan na may mga elementong pwersa ng isang pagalit na kalikasan.

Sa ilan sa mga gawa ng San Rocco cycle, ang katutubong batayan ng akda ni Tintoretto ay lumalabas nang malinaw. Ito ang kanyang "Adoration of the Shepherds". Ang sitwasyon ng plebeian ng isang dalawang-tier na kamalig, na karaniwan para sa mga bukid ng magsasaka ng isang terra-farm, na nakuha mula sa buhay, ay katangian (sa sahig ng itaas na baitang, kung saan nakaimbak ang hay para sa mga alagang hayop, si Maria at ang sanggol ay sumilong). Kasabay nito, ang hindi pangkaraniwang pag-iilaw, ang pagkabalisa ng mga paggalaw ng mga pastol na nagdadala ng kanilang mga katamtamang regalo ay nagbabago sa eksenang ito, na inilalantad ang panloob na kahalagahan ng kaganapan.

Ang apela sa imahe ng malaking masa ng mga tao bilang pangunahing tauhan ng akda ay tipikal ng maraming iba pang mga gawa ni Tintoretto noong huling panahon.

Kaya, sa huling yugto ng kanyang trabaho, lumikha siya para sa Doge's Palace at Venice ng isa sa mga unang makasaysayang pagpipinta sa wastong kahulugan ng salita - "The Battle of Dawn" (c. 1585). Sa isang malaking canvas na pumupuno sa isang buong pader, inilalarawan ni Tintoretto ang mga pulutong na nilamon sa matinding galit ng labanan. Gayunpaman, sa The Battle of Dawn, hindi hinahangad ni Tintoretto na magbigay ng isang uri ng mapa ng lupain ng mga labanan, tulad ng ginawa ng mga masters ng ika-17 siglo sa kalaunan. Mas nababahala siya sa paghahatid ng magkakaibang ritmo ng labanan. Sa larawan, alinman sa mga grupo ng mga mamamana na naghahagis ng mga palaso, pagkatapos ay ang mga mangangabayo na bumaba sa labanan, pagkatapos ay ang mga pulutong ng mga infantrymen ay dahan-dahang gumagalaw sa pag-atake, pagkatapos ay isang grupo ng mga artilerya, na nag-drag ng isang mabigat na kanyon na may pag-igting, na kahalili. Ang kislap ng pula at gintong mga banner, ang mabibigat na buga ng usok ng pulbura, ang matulin na mga taon ng mga palaso, ang mapurol na pagkislap ng liwanag at anino ay naghahatid ng dramatikong ningning at kumplikadong polyphony ng dagundong ng lumaganap na labanan. Ito ay hindi nagkataon na si Tintoretto Surikov, ang dakilang master ng paglalarawan ng katutubong buhay, isang kumplikado, maraming panig na kolektibo ng tao, ay labis na umibig sa kanya.

Ang kanyang "Paraiso" (pagkatapos ng 1588) ay kabilang din sa huling panahon - isang malaking komposisyon na sumasakop sa buong dulong pader ng engrandeng pangunahing bulwagan ng Palasyo ng Doge. Ang larawan ay nakasulat nang detalyado sa halip na kaswal at napakadilim paminsan-minsan. Ang isang ideya ng orihinal na pictorial character ng komposisyon na ito ay maaaring ibigay sa pamamagitan ng malaking sketch nito na itinatago sa Louvre.

Ang "Paraiso" at lalo na ang "The Battle of Dawn" ni Tintoretto, siyempre, ay hindi pormal na sumasalungat sa kahanga-hangang maligaya na grupo ng Doge's Palace, na niluluwalhati ang kahanga-hangang kapangyarihan ng patrician na Venice na papalubog na. Gayunpaman, ang kanilang mga imahe, damdamin at ideya na kanilang pinupukaw ay higit na malawak kaysa sa isang paghingi ng tawad para sa kumukupas na kadakilaan ng kapangyarihan ng Venetian, at, sa esensya, ay puno ng isang pakiramdam ng kumplikadong kahalagahan ng buhay at mga karanasan, kung hindi ang mga tao sa ating pagkakaintindi, saka sa karamihan ng mga tao, sa misa ng mga tao.

Tulad ng huling maliwanag na kislap ng isang namamatay na lampara, ang regalo ng panginoon, na nakatayo sa dulo ng kanyang mahabang paglalakbay, ay ipinahayag sa The Gathering of Manna and The Last Supper in the Church of San Giorgio Maggiore (1594).

Ang mga huling gawa niya ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kumplikadong kapaligiran ng nabalisa na damdamin, naliwanagan na kalungkutan, malalim na pagmumuni-muni. Ang kapansin-pansing talas ng mga sagupaan, ang mabagyong paggalaw ng masa, ang matalim na pagsabog ng mapusok na pagnanasa - lahat ay lumilitaw dito sa isang pinalambot, nilinaw na sagisag.

Kasabay nito, ang panlabas na medyo pinipigilang mga galaw ng mga apostol na nakikibahagi kay Kristo ay puno ng napakalaking puro panloob na espirituwal na lakas. At bagama't sila ay nakaupo sa isang mesa na pahilis na papunta sa kailaliman ng isang mahaba, mababang silid, at ang harapan ay nagpapakita ng mga pigura ng masiglang gumagalaw na mga alipin at katulong, ang atensyon ng manonood ay nakatuon sa mga apostol. Ang liwanag, na unti-unting lumalago, nagpapakalat sa kadiliman, bumabaha kay Kristo at sa kanyang mga alagad ng mahiwagang phosphorescent na ningning, ang liwanag na ito na nag-iisa sa kanila, ay nakatuon ang ating pansin sa kanila.

Ang kumikislap na symphony ng liwanag ay lumilikha ng isang pakiramdam ng mahika, na binabago ang isang tila ordinaryong kaganapan sa isang himala ng pagbubunyag ng nasasabik na espirituwal na komunikasyon ng isang maliit na grupo ng mga tao na tapat sa isa't isa, sa guro at sa ilang magandang ideya. Ang mga agos ng nakasisilaw na ningning ay nagpapalabas ng mga katamtamang lampara na tanso na nakabitin sa kisame; ang umiikot na maaliwalas na liwanag na ulap ay namumuo tungo sa walang laman, makamulto na mga larawan ng mga anghel, isang kamangha-manghang kakaibang liwanag ang dumausdos sa ibabaw ng kumikinang, na may tahimik na kulay na ningning ng mga ordinaryong bagay ng katamtamang dekorasyon ng silid.

Sa The Gathering of Manna, isang banayad na nagniningning na kulay-pilak-berde na liwanag ang bumalot sa maliwanag na mga distansya, dahan-dahang dumadausdos sa mga katawan at damit ng mga pigura sa harapan at gitnang lupa, na parang nagbubunyag ng kagandahan at tula ng mga taong nakikibahagi sa mga simpleng ordinaryong gawain: isang spinner sa machine tool, isang panday, mga labandera na nagbabanlaw ng linen, isang magsasaka na nagmamaneho ng isang mula. At sa isang lugar sa gilid, may ilang babae na namumulot ng mga butil ng manna. Hindi, ngunit ang manna na nagpapakain sa mga tao ay nahulog mula sa langit. Ang himala ay nasa ibang lugar, sa tula ng paggawa na inilaan ng kagandahang moral nito.

Sa mga gawaing pamamaalam na ito ng napaliwanagan na henyo, si Tintoretto, marahil, ay pinakamalapit sa lahat ng mga master ng ika-16 na siglo. lumapit kay Rembrandt, ang kanyang pakiramdam ng malalim na tula at ang kahalagahan ng moral na mundo ng isang ordinaryong tao. Ngunit tiyak dito na ang mapagpasyang pagkakaiba sa pagitan ng sining ng Tintoretto at ng dakilang realista ng ika-17 siglo ay malinaw na ipinahayag. Ang Tintoretto ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagnanais para sa malawak na masikip na mga canvases at isang mataas na kabayanihan na interpretasyon ng imahe na nagmumula sa tradisyon ng Renaissance, habang ang mga imahe ni Rembrandt ay puno ng katamtamang konsentrasyon, paglulubog sa sarili, tila hindi sinasadyang ihayag ang kagandahan ng kanilang panloob na moral. mundo. Ang mga agos ng liwanag na bumubuhos mula sa malaking mundo ay bumaha sa mga bayani ng mga komposisyon ni Tintorett sa kanilang mga alon: sa Rembrandt - isang malambot na liwanag, na parang pinalabas ng malungkot, mahinahon na pagsasaya, nakikinig sa bawat isa, nagpapakalat ng bingi na kadiliman ng nakapalibot na espasyo.

Bagama't si Tintoretto ay hindi isang ipinanganak na pintor ng portrait gaya ni Titian, nag-iwan siya sa amin ng isang malaki, kahit na hindi pantay sa kalidad, portrait gallery. Ang pinakamahusay sa mga larawang ito, siyempre, ay artistikong napakahalaga at sumasakop sa isang mahalagang lugar sa pagbuo ng larawan ng modernong panahon.

Si Tintoretto sa kanyang mga larawan ay nagsusumikap na hindi gaanong ibunyag, una sa lahat, ang natatanging pagkatao ng isang tao, ngunit upang ipakita kung paano ang ilang mga unibersal na emosyon ng tao, damdamin, mga problema sa moral na tipikal ng panahon ay nababago sa pamamagitan ng pagka-orihinal ng indibidwal na karakter ng tao. Samakatuwid ang isang tiyak na paglambot sa paglipat ng mga katangian ng indibidwal na pagkakapareho at karakter, at sa parehong oras ang pambihirang emosyonal at sikolohikal na nilalaman ng kanyang mga imahe.

Ang pagka-orihinal ng istilo ng portrait ni Tintorett ay natukoy nang hindi mas maaga kaysa sa kalagitnaan ng 1550s. Kaya, ang mga larawan ng mga naunang larawan, halimbawa, isang larawan ng lalaki (1553; Vienna), ay mas malamang na makilala sa pamamagitan ng isang mahusay na materyal na tangibility, pinipigilan na dinamika ng kilos at isang pangkalahatang hindi tiyak na nag-iisip na mood ng kalooban kaysa sa pag-igting ng kanilang sikolohikal. estado.

Kabilang sa mga unang larawang ito, marahil ang pinakakawili-wili ay ang henerasyong larawan ng isang Venetian (huli ng 1540s - unang bahagi ng 1550s; Dresden Gallery). Ang pangkalahatang kalagayan ng marangal na panaginip ay inihahatid dito lalo na sa banayad at patula. Ang isang dampi ng mapagmahal na pagkababae ay pinipigilang hinabi dito.

Sa mga huling larawan, halimbawa, sa larawan ni Sebastiano Venier (Vienna) at lalo na sa larawan ng Berlin ng isang matandang lalaki, ang mga imahe ay nakakamit ng mahusay na espirituwal, sikolohikal na lalim at dramatikong kapangyarihan ng pagpapahayag. Ang mga karakter sa mga larawan ni Tintoretta ay madalas na sinasamsam ng malalim na pagkabalisa, malungkot na pagmuni-muni.

Ganyan ang kanyang self-portrait (1588; Louvre). Mula sa hindi malinaw na kadiliman ng isang walang katiyakang hindi matatag na background, ang nagdadalamhati, haggard na mukha ng matandang panginoon, na iluminado ng isang hindi mapakali, hindi tiyak, na parang kumukupas na liwanag, ay lumitaw. Ito ay walang anumang representasyon o pisikal na kagandahan, ito ay mukha ng isang matandang lalaki na pagod, pagod sa mabibigat na pag-iisip at moral na pagdurusa. Ngunit ang panloob na espirituwal na kagandahan, ang kagandahan ng moral na mundo ng isang tao, ay nagbabago sa kanyang mukha, nagbibigay ito ng pambihirang lakas at kahalagahan. Kasabay nito, ang larawang ito ay walang ganoong pakiramdam ng matalik na koneksyon, isang tahimik na matalik na pag-uusap sa pagitan ng manonood at ng taong inilalarawan, o ang pakikilahok ng manonood sa espirituwal na buhay ng bayani, na nararamdaman natin sa mga larawan ng yumaong si Rembrandt. Ang titig ng nakadilat na malungkot na mga mata ni Tintoretto ay nakatuon sa manonood, ngunit dumausdos siya sa kanya, siya ay naging isang walang katapusang distansya o, kung ano ang pareho, sa loob ng kanyang sarili. Kasabay nito, sa kawalan ng anumang panlabas na gesticulation (ito ay isang bust portrait, kung saan ang mga kamay ay hindi inilalarawan), ang hindi mapakali na ritmo ng liwanag at anino, ang halos nilalagnat na nerbiyos ng stroke na may pambihirang puwersa ay naghahatid ng isang pakiramdam ng panloob. kaguluhan, isang hindi mapakali na pagsabog ng pag-iisip at damdamin. Ito ay isang kalunos-lunos na imahe ng isang matalinong matandang lalaki, na naghahanap at hindi nakakahanap ng sagot sa kanyang mga nalulungkot na tanong na naging buhay, sa kapalaran.

Sa sobrang malapit na koneksyon sa arkitektura, binuo din ang iskultura sa Venice. Ang mga sculptor ng Venice ay mas madalas na gumanap ng trabaho na direktang nauugnay sa monumental na dekorasyon ng mga nakamamanghang Venetian na gusali kaysa sa trabaho sa isang independiyenteng sculptural monument o easel sculpture. Ito ay hindi nagkataon na ang pinakadakilang master ng Venetian sculpture ay ang arkitekto na si Jacopo Ansovino (1486-1570).

Naturally, sa kanyang monumental at pandekorasyon na mga gawa, ang iskultor na si Sansovino ay banayad na nadama ang intensyon ni Sansovino na arkitekto. Ang ganitong mga gawa ng sintetiko, kung saan gumaganap ang master bilang isang iskultor at bilang isang arkitekto, halimbawa, ang magandang logetta sa Piazza San Marco (1537), ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kamangha-manghang magkatugma na pagkakaisa ng mga marangal na festive architectural form at ang mga relief at bilog na estatwa na palamutihan sila.

Sa pangkalahatan, ang sining ni Sansovino, lalo na sa unang bahagi ng kanyang trabaho, ay malapit na konektado sa sining ng High Renaissance. Ang kakaiba ng kanyang mga unang gawa ay ang banayad na pakiramdam ng malambot na paglalaro ng chiaroscuro, ang libreng pagkalikido ng ritmo, na nag-uugnay sa kaplastikan ni Sansovino bago pa man siya lumipat sa Venice na may mga pangkalahatang ugali na katangian ng Venetian art sa kabuuan. Ang mga ito, kumbaga, ang mga magagandang katangian ng kaplastikan ni Sansovino ay malinaw na makikita sa unang pagkakataon sa kanyang estatwa ng batang Bacchus (1518), na matatagpuan sa Florentine National Museum.

Si Sansovino ay nanirahan sa Venice pagkatapos ng 1527, kung saan naganap ang buong karagdagang malikhaing buhay ng artista. Sa panahong ito, sa isang banda, dumarami ang mga pictorial trend sa mga multi-figured relief composition ni Sansovino, halimbawa, sa kanyang mga bronze relief na nakatuon sa buhay ni St. Mark (Cathedral of San Marco sa Venice). Sa kabila ng katotohanan na ang mga kaluwagan na ito ay itinayo sa prinsipyo ng kaluwagan ng pananaw, ang matalim na paglalaro ng chiaroscuro, ang paglabag sa harap na eroplano ng lunas sa pamamagitan ng matapang na mga anggulo, ang imahe ng maulap na kalangitan sa likod na eroplano ng lunas ay nagbibigay ng malinaw kaakit-akit at emosyonal na dinamika sa mga gawang ito. Sa mga huling kaluwagan para sa mga tansong pinto ng sakristan ng Katedral ng San Marco, patuloy na tinutukoy ni Sansovino ang mga pamamaraan ng kaluwagan ng pananaw, at upang higit na maipabatid ang lalim ng espasyo, ginagawa niyang malukong ang ibabaw ng mga pinto. . Sa mahalagang pagsasalita, ang mga huling kaluwagan sa kanilang emosyonal na "pagpipinta" sa ilang lawak ay umaalingawngaw sa mga gawa ng yumaong Titian at sinaunang Tintoretto.

Sa statuary plastic, ang mature na Sansovino, na patuloy na lumilikha ng mga larawang puno ng kabayanihan na kagandahan at kadakilaan, ay naglalayong ikonekta ang mga ito nang aktibo hangga't maaari sa nakapalibot na spatial na kapaligiran. Kaya't ang "pinintang" kalayaan ng mga anggulo, kaya't ang pagnanais, kapag pinalamutian niya ang harapan ng isang gusali na may ilang mga estatwa, upang ikonekta ang mga estatwa na ito na may isang karaniwang ritmo, isang uri ng compositional roll-call ng mga motibo ng mga pinagsama-samang paggalaw. Bagama't ang bawat isa sa kanila ay inilagay sa isang hiwalay na angkop na lugar at, tila, nakahiwalay sa isa't isa, ilang karaniwang ritmikong kilig, ilang uri ng emosyonal na echo ang nagbubuklod sa kanila sa isang uri ng solong emosyonal-mapanlikhang kabuuan.

Sa huling bahagi ng panahon ng trabaho ni Sansovino, ang pakiramdam ng pagkasira, ritmikong kaguluhan, na karaniwang katangian ng huli na Renaissance ng Italyano, ay nakikita sa kanyang mga gawa. Ganito, sa partikular, ang imahe ng mga kabataan, na naubos ng panloob na mga kontradiksyon, si Juan Bautista.

Si Alessandro Vittoria (1525-1608) ay nagtrabaho mula sa edad na dalawampu sa Venice. Siya ay isang mag-aaral ng Sansovino at lumahok kasama niya sa pagpapatupad ng malalaking monumental at pandekorasyon na mga gawa (siya ang nagmamay-ari ng mga caryatids ng mga pintuan ng Sansovino Library, 1555, ang estatwa ng Mercury sa Doge's Palace, 1559). Karapat-dapat banggitin ang lapida ng Doge Venier (1555; Venice). Kabilang sa kanyang mga gawa sa huling bahagi ng panahon, na puno ng mga impluwensyang Mannerist, si John the Baptist (1583; Treviso) ay namumukod-tangi. Ang kanyang mga larawan ay kapansin-pansin, nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kasiglahan ng mga katangian at epektibong komposisyon. Ganyan ang mga bust ni Marcantonio Grimani, Tommaso Rangone at iba pa. Si Vittoria rin ang lumikha ng isang kahanga-hangang serye ng maliliit na eskulturang tanso na pinalamutian ang mayamang sekular na interior noong panahong iyon, gayundin ang mga simbahan, gaya ng, halimbawa, ang kanyang eleganteng kakaibang candelabra ng Chapel del Rosario. Ang kanyang mga gawa ng ganitong uri ay malapit na nauugnay sa karaniwang pag-unlad Inilapat na sining ng Italyano.

Ang Renaissance sa Venice ay isang hiwalay at kakaibang bahagi ng Italian Renaissance. Dito nagsimula mamaya, tumagal nang mas matagal, at ang papel ng mga sinaunang tendensya sa Venice ay ang pinakamaliit. Ang posisyon ng Venice sa iba pang mga rehiyon ng Italya ay maihahambing sa posisyon ng Novgorod sa medyebal na Russia. Ito ay isang mayaman, maunlad na republikang patrician-merchant na may hawak ng mga susi sa mga ruta ng kalakalan sa dagat. Ang lahat ng kapangyarihan sa Venice ay kabilang sa "Council of Nine", na inihalal ng naghaharing caste. Ang aktwal na kapangyarihan ng oligarkiya ay ginamit sa likod ng mga eksena at malupit, sa pamamagitan ng espiya at palihim na pagpaslang. Ang panlabas na bahagi ng buhay ng Venetian ay mukhang maligaya hangga't maaari.

Sa Venice, kakaunti ang interes sa mga paghuhukay ng mga sinaunang antigo; ang Renaissance nito ay may iba pang mga mapagkukunan. Matagal nang pinananatili ng Venice ang malapit na relasyon sa kalakalan sa Byzantium, kasama ang Arab East, na nakipagkalakalan sa India. Ang kultura ng Byzantium ay nag-ugat ng malalim, ngunit hindi Byzantine austerity ang nag-ugat dito, ngunit ang kinang nito, ang ginintuang kinang nito. Muling ginawa ng Venice ang parehong mga tradisyon ng Gothic at Eastern (ang stone lace ng Venetian architecture, na nakapagpapaalaala sa Moorish Alhambra, ay nagsasalita tungkol sa kanila).

Ang St. Mark's Cathedral ay isang walang uliran na monumento ng arkitektura, ang pagtatayo nito ay nagsimula noong ika-10 siglo. Ang pagiging natatangi ng katedral ay ang pagkakatugma nitong pinagsasama ang mga haligi na kinuha mula sa Byzantium, Byzantine mosaic, sinaunang Romanong iskultura, Gothic na iskultura. Ang pagkakaroon ng hinihigop ang mga tradisyon ng iba't ibang kultura, ang Venice ay nakabuo ng sarili nitong istilo, sekular, maliwanag at makulay. Ang panandaliang panahon ng maagang Renaissance ay dumating dito hindi mas maaga kaysa sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Noon ay lumitaw ang mga kuwadro na gawa nina Vittore Carpaccio at Giovanni Bellini, na mapang-akit na naglalarawan sa buhay ng Venice sa konteksto ng mga relihiyosong kuwento. V. Carpaccio sa cycle na "The Life of Saint Ursula" nang detalyado at patula na naglalarawan sa kanyang katutubong lungsod, sa tanawin nito, at sa mga naninirahan dito.

Si Giorgione ay itinuturing na unang master ng High Renaissance sa Venice. Ang kanyang "Sleeping Venus" ay isang gawa ng kamangha-manghang espirituwal na kadalisayan, isa sa mga pinaka-makatang larawan ng isang hubad na katawan sa sining ng mundo. Ang mga komposisyon ni Giorgione ay balanse at malinaw, at ang kanyang pagguhit ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang bihirang kinis ng mga linya. Ang Giorgione ay may kalidad na likas sa buong paaralan ng Venetian - colorism. Hindi itinuring ng mga Venetian ang kulay bilang pangalawang elemento ng pagpipinta gaya ng ginawa ng mga Florentine. Ang pag-ibig sa kagandahan ng kulay ay humahantong sa mga Venetian artist sa isang bagong pictorial na prinsipyo, kapag ang materyalidad ng imahe ay nakakamit hindi gaanong sa pamamagitan ng chiaroscuro kundi sa pamamagitan ng mga gradasyon ng kulay. Ang gawa ng mga Venetian artist ay malalim na emosyonal, ang pagiging madali ay gumaganap ng mas malaking papel dito kaysa sa mga pintor ng Florence.

Si Titian ay nabuhay ng isang maalamat na mahabang buhay - parang siyamnapu't siyam na taon, at ang kanyang pinakahuling panahon ay ang pinakamahalaga. Dahil naging malapit siya kay Giorgione, naimpluwensyahan niya ito. Ito ay lalong kapansin-pansin sa mga kuwadro na "Earthly and Heavenly Love", "Flora" - mga gawa na matahimik sa mood, malalim sa mga kulay. Kung ikukumpara kay Giorgione, si Titian ay hindi gaanong liriko at pino, ang kanyang mga babaeng imahe ay mas "mundane", ngunit ang mga ito ay hindi gaanong kaakit-akit. Ang kalmado, ginintuang buhok, mga babaeng Titian, hubad o nakasuot ng mayayamang pananamit, ay, kumbaga, hindi nababagabag na kalikasan mismo, "nagniningning na may walang hanggang kagandahan" at ganap na malinis sa kanyang lantad na kahalayan. Ang pangako ng kaligayahan, ang pag-asa para sa kaligayahan at ang kumpletong kasiyahan sa buhay ay isa sa mga pundasyon ng gawain ni Titian.

Si Titian ay intelektwal, ayon sa isang kontemporaryo, siya ay "isang napakahusay, matalinong kausap na alam kung paano hatulan ang lahat ng bagay sa mundo." Sa buong mahabang buhay niya, nanatiling tapat si Titian sa matataas na mithiin ng humanismo.

Si Titian ay nagpinta ng maraming mga portrait, at ang bawat isa sa kanila ay natatangi, dahil ito ay nagbibigay ng indibidwal na pagka-orihinal na likas sa bawat tao. Noong 1540s, nagpinta ang pintor ng larawan ni Pope Paul III, ang pangunahing patron ng Inquisition, kasama ang kanyang mga apo na sina Alessandro at Ottavio Farnese. Sa mga tuntunin ng lalim ng pagsusuri ng karakter, ang larawang ito ay isang natatanging gawa. Ang mandaragit at mahinang matandang lalaki sa robe ng papa ay kahawig ng isang sulok na daga, na handang sumugod sa isang lugar sa gilid. Ang dalawang kabataang lalaki ay kumikilos nang maingat, ngunit ang pagpapasakop na ito ay hindi totoo: nararamdaman natin ang kapaligiran ng paggawa ng pagtataksil, panlilinlang, intriga. Kakila-kilabot sa matigas nitong larawan ng realismo.

Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang anino ng reaksyong Katoliko ay bumagsak sa Venice; bagama't ito ay nanatiling pormal na isang independiyenteng estado, ang Inkisisyon ay tumagos din dito - at gayon pa man ang Venice ay palaging sikat sa kanyang relihiyosong pagpapaubaya at ang sekular, malayang diwa ng sining. Ang bansa ay dumanas din ng isa pang sakuna: ito ay nasalanta ng isang epidemya ng salot (si Titian ay namatay din sa salot). Kaugnay nito, nagbabago na rin ang ugali ni Titian, walang bahid ng dating katahimikan.

Sa kanyang mga huling gawa, ang isang tao ay nakadarama ng matinding espirituwal na kalungkutan. Sa kanila, namumukod-tangi ang "Penitent Mary Magdalene" at "Saint Sebastian". Ang pamamaraan ng pagpipinta ng master sa "Saint Sebastian" ay dinala sa pagiging perpekto. Sa malapitan, tila ang buong larawan ay isang kaguluhan ng mga hampas. Ang pagpipinta ni late Titian ay dapat tingnan mula sa malayo. Pagkatapos ay nawala ang kaguluhan, at sa gitna ng kadiliman ay nakita natin ang isang binata na namamatay sa ilalim ng mga palaso, sa likuran ng nagliliyab na apoy. Ang malalaking sweeping stroke ay ganap na sumisipsip sa linya at gawing pangkalahatan ang mga detalye. Ang mga Venetian, at higit sa lahat Titian, ay gumawa ng bagong malaking hakbang, paglalagay ng dynamic na kaakit-akit sa lugar ng estatwa, pinapalitan ang pangingibabaw ng linya ng dominasyon ng lugar ng kulay.

Maharlika at mahigpit na Titian sa kanyang huling larawan sa sarili. Ang karunungan, ganap na pagiging sopistikado at kamalayan ng malikhaing kapangyarihan ng isang tao ay huminga sa mapagmataas na mukha na ito na may isang matangos na ilong, isang mataas na noo at isang hitsura na espirituwal at matalim.

Ang huling mahusay na pintor ng Venetian High Renaissance ay si Tintoretto. Siya ay nagsusulat ng marami at mabilis - mga monumental na komposisyon, mga plafonds, malalaking mga kuwadro na gawa, umaapaw sa mga figure sa dizzying anggulo at may mga pinaka-kahanga-hangang mga constructions ng pananaw, unceremoniously pagsira sa istraktura ng eroplano, pagpilit saradong interior upang ilipat hiwalayin at huminga ng espasyo. Ang ikot ng kanyang mga pagpipinta na nakatuon sa mga himala ng St. Marcos (Pinalaya ni San Marcos ang isang alipin). Ang kanyang mga guhit at pagpipinta ay isang ipoipo, presyon, enerhiya ng apoy. Hindi pinahihintulutan ni Tintoretto ang kalmado, pangharap na mga pigura, kaya literal na bumagsak si St. Mark mula sa langit sa mga ulo ng mga pagano. Ang kanyang paboritong tanawin ay mabagyo, na may mabagyong ulap at mga kidlat ng kidlat.

Kawili-wili ang interpretasyon ni Tintoretto sa plot ng Last Supper. Sa kanyang larawan, ang aksyon ay nagaganap, malamang, sa isang dimly lit tavern, na may mababang kisame. Ang mesa ay naka-set sa pahilis at dinadala ang mata sa kailaliman ng silid. Sa mga salita ni Kristo, lumilitaw ang buong hukbo ng mga transparent na anghel sa ilalim ng kisame. May kakaibang triple lighting: ang makamulto na liwanag ng mga anghel, ang nag-aalinlangan na liwanag ng lampara, ang liwanag ng halos paligid ng ulo ng mga apostol at ni Kristo. Ito ay isang tunay na mahiwagang phantasmagoria: maliwanag na kumikislap sa takipsilim, umiikot at naghihiwalay na mga sinag ng liwanag, ang paglalaro ng mga anino ay lumilikha ng isang kapaligiran ng pagkalito.

Renaissance sa Italya.

Nakaugalian na magtalaga ng mga panahon sa kasaysayan ng kulturang Italyano sa pamamagitan ng mga pangalan ng mga siglo: ducento (XIII siglo) - Proto-Renaissance(huling siglo), trecento (XIV siglo) - pagpapatuloy ng Proto-Renaissance, Quattrocento (XV siglo) - Maagang Renaissance, cinquicento (XVI siglo) - mataas na renaissance(ang unang 30 taon ng siglo). Hanggang sa katapusan ng siglo XVI. ito ay nagpapatuloy lamang sa Venice; Ang panahong ito ay madalas na tinutukoy bilang "Late Renaissance".

Ang patuloy na pagkauhaw para sa pagdiriwang, isang maunlad na komersyal na daungan, at ang impluwensya ng mga mithiin ng kagandahan at kadakilaan ng High Renaissance ay lahat ay nag-ambag sa paglitaw ng mga artista sa Venice noong ika-15 at ika-16 na siglo upang dalhin ang mga elemento ng karangyaan sa sining. mundo. Ang paaralang Venetian, na bumangon sa sandaling ito ng pag-unlad ng kultura, ay nagbigay ng bagong buhay sa mundo ng pagpipinta at arkitektura, pinagsasama ang inspirasyon ng mga nauna sa klasikal na nakatuon at ang bagong pagnanais para sa mayaman na kulay, na may isang espesyal na pagsamba sa Venetian para sa pagpapaganda. Karamihan sa mga gawa ng mga artista sa panahong ito, anuman ang paksa o nilalaman, ay napuno ng ideya na ang buhay ay dapat makita sa pamamagitan ng prisma ng kasiyahan at kasiyahan.

Maikling Paglalarawan

Ang paaralang Venetian ay tumutukoy sa isang espesyal, orihinal na kilusan sa sining na binuo sa Renaissance Venice mula sa huling bahagi ng 1400s, at kung saan, pinangunahan ng magkapatid na Giovanni at Gentile Bellini, ay binuo hanggang 1580. Tinatawag din itong Venetian Renaissance, at ang istilo nito ay nagbabahagi ng mga pagpapahalagang makatao, paggamit ng linear na pananaw, at naturalistikong imahe ng sining ng Renaissance sa Florence at Roma. Ang pangalawang termino na nauugnay dito ay ang Venetian school of painting. Lumitaw ito noong unang bahagi ng Renaissance at umiral hanggang ika-18 siglo. Ang mga kinatawan nito ay mga artista tulad ng Tiepolo, na nauugnay sa dalawang uso sa sining - Rococo at Baroque, Antonio Canaletto, na kilala sa kanyang Venetian cityscapes, Francesco Guardi at iba pa.

Mga Pangunahing Ideya

Ang makabagong diin at kakaiba ng paaralan ng pagpipinta ng Venetian, na nauugnay sa paggamit ng kulay upang lumikha ng mga anyo, ay ginawa itong naiiba sa Florentine Renaissance, kung saan ang mga porma ay pininturahan na puno ng kulay. Ito ay humantong sa paglitaw ng rebolusyonaryong dinamismo sa mga akda, isang walang uliran na kayamanan ng kulay at isang espesyal na sikolohikal na pagpapahayag.

Ang mga artista sa Venice ay nakararami sa pagpinta sa langis, una sa mga panel ng kahoy, at pagkatapos ay nagsimulang gumamit ng canvas, na pinakaangkop sa mahalumigmig na klima ng lungsod at binibigyang-diin ang paglalaro ng natural na liwanag at kapaligiran, gayundin ang dramatiko, kung minsan ay theatrical, paggalaw ng mga tao.

Sa oras na ito nagkaroon ng muling pagbabangon ng portraiture. Ang mga artista ay hindi nakatuon sa ideyal na papel ng tao, ngunit sa kanyang sikolohikal na kumplikado. Sa panahong ito, nagsimulang ilarawan ng mga portrait ang karamihan sa pigura, at hindi lamang ang ulo at dibdib.

Noon ay lumitaw ang mga bagong genre, kabilang ang mga magagandang larawan ng mga paksang gawa-gawa at mga babaeng hubo't hubad, habang hindi sila kumikilos bilang repleksyon ng mga relihiyoso o makasaysayang motif. Nagsimulang lumitaw ang erotismo sa mga bagong anyo ng paksang ito, hindi napapailalim sa moralistikong pag-atake.

Ang bagong kalakaran sa arkitektura, na pinagsama ang mga klasikal na impluwensya kasama ng mga inukit na bas-relief at katangiang mga dekorasyong Venetian, ay naging napakapopular na ang isang buong industriya ng disenyo ng pribadong tirahan ay umusbong sa Venice.

Kultura ng Venice

Bagama't alam ng paaralang Venetian ang mga inobasyon ng mga master ng Renaissance tulad nina Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Donatello at Michelangelo, ang istilo nito ay sumasalamin sa partikular na kultura at lipunan ng lungsod ng Venice.

Dahil sa kasaganaan nito, nakilala ang Venice sa buong Italya bilang "ang matahimik na lungsod". Dahil sa heograpikal na posisyon nito sa Adriatic Sea, ito ay naging isang mahalagang sentro ng kalakalan na nag-uugnay sa Kanluran at Silangan. Bilang isang resulta, ang lungsod-estado ay sekular at kosmopolitan, na nagbibigay-diin sa ideya ng kagalakan at kayamanan ng buhay sa halip na gabayan ng relihiyosong dogma. Ipinagmamalaki ng mga naninirahan ang kanilang kalayaan at ang katatagan ng kanilang pamahalaan. Ang unang doge o duke na namuno sa Venice ay inihalal noong 697, at ang mga sumunod na pinuno ay inihalal din ng Grand Council of Venice, isang parlyamento na binubuo ng mga aristokrata at mayayamang mangangalakal. Ang karilagan, nakakaaliw na mga panoorin at marangyang mga kapistahan, kung saan ginanap ang mga karnabal na tumagal ng ilang linggo, na tinukoy ang kulturang Venetian.

Hindi tulad ng Florence at Rome, na naimpluwensyahan ng Simbahang Katoliko, ang Venice ay pangunahing nauugnay sa Byzantine Empire, na nakasentro sa Constantinople, na namuno sa Venice noong ika-6 at ika-7 siglo. Bilang isang resulta, ang sining ng Venetian ay naiimpluwensyahan ng sining ng Byzantium, na nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng maliliwanag na kulay at ginto sa mga mosaic ng simbahan, at ang arkitektura ng Venetian ay nakikilala sa pamamagitan ng paggamit ng mga domes, arko at maraming kulay na bato na katangian ng Byzantium, na kaugnay naman ng impluwensya ng arkitektura ng Islam.Gitnang Asya.

Sa kalagitnaan ng 1400s, ang lungsod ay tumataas at impluwensyado sa Italya, at ang mga artista ng Renaissance tulad nina Andrea Mantegna, Donatello, Andrea del Castagno at Antonello da Messina ay bumisita o nanirahan dito sa mahabang panahon. Ang istilo ng paaralang Venetian ay nag-synthesize ng kulay ng Byzantine at ginintuang liwanag sa mga inobasyon ng mga Renaissance artist na ito.

Andrea Mantegna

Ang artist na si Andrea Mantegna ay nagpayunir sa linear na pananaw, naturalistic na makasagisag na representasyon at mga klasikal na proporsyon na tumutukoy para sa Renaissance art sa pangkalahatan at para sa mga Venetian artist sa partikular. Ang impluwensya ng Mantegna ay makikita sa Agony in the Garden ni Giovanni Bellini (c. 1459-1465), na umaalingawngaw sa Mantegna's Agony in the Garden (c. 1458-1460).

Antonello da Messina

Siya ay itinuturing na unang Italyano na artista kung saan ang indibidwal na larawan ay naging isang malayang anyo ng sining.

Nagtrabaho siya sa Venice mula 1475 hanggang 1476 at nagkaroon ng kapansin-pansing impluwensya sa mga painting ni Giovanni Bellini, ang kanyang oil painting. Si de Messina ang nakatutok sa portraiture. Unang nakatagpo ni Antonello ang sining ng Northern European Renaissance habang siya ay isang estudyante sa Naples. Bilang isang resulta, ang kanyang trabaho ay isang synthesis ng Italian Renaissance at ang mga prinsipyo ng hilagang European art, na nakakaimpluwensya sa pagbuo ng isang partikular na estilo ng Venetian school.

Giovanni Bellini, "Ama ng Venetian Painting"

Nasa kanyang unang mga gawa, ang artist ay gumamit ng mayaman at maliwanag na liwanag hindi lamang sa paglalarawan ng mga figure, kundi pati na rin sa mga landscape.

Siya at ang kanyang nakatatandang kapatid na lalaki na Gentile ay kilala para sa Bellini family workshop na itinatag at ang pinakasikat at sikat sa Venice. Sa isang maagang yugto sa gawain ng magkakapatid na Bellini, ang mga tema ng relihiyon ang pangunahing, halimbawa, ang "Procession of the True Cross" (1479), na isinulat ng Gentile, at ang mga gawa ni Giovanni na naglalarawan sa baha at Arko ni Noah ( circa 1470). Lalo na sikat ang mga gawa ni Giovanni Bellini na may mga larawan ng Madonna at ng sanggol. Ang imaheng ito ay napakalapit sa kanya, at ang mga gawa mismo ay napuno ng kulay at liwanag, na naghahatid ng lahat ng kagandahan ng mundo. Kasabay nito, ang pagbibigay-diin ni Giovanni sa paglalarawan ng natural na liwanag at ang kumbinasyon ng mga prinsipyo ng Renaissance na may espesyal na istilo ng pag-render ng kulay ng Venetian ay ginawa siyang isa sa mga pangunahing kinatawan ng paaralang Venetian.

Mga konsepto at uso sa portraiture

Si Giovanni Bellini ay ang unang mahusay na pintor ng portrait sa mga Venetian na pintor, dahil ang kanyang larawan ng Doge Leonardo Loredan (1501) ay nagpakita ng isang kamangha-manghang imahe, na, bilang naturalistiko at naghahatid ng paglalaro ng liwanag at kulay, ay naging ideyal sa taong inilalarawan dito, at sabay idiniin sa kanyang panlipunan ang tungkulin ng pinuno ng Venice. Ang tanyag na gawain ay nagpasigla sa pangangailangan para sa mga larawan mula sa mga aristokrata at mayayamang mangangalakal, na lubos na nasisiyahan sa isang naturalistikong diskarte na sabay-sabay na naghahatid ng kanilang kahalagahan sa lipunan.

Pinasimunuan nina Giorgione at Titian ang isang bagong uri ng portraiture. Ipinakilala ng The Portrait of a Young Woman ni Giorgione (1506) ang isang bagong genre ng erotikong portraiture, na kasunod na naging laganap. Sa kanyang mga pagpipinta, pinalawak ni Titian ang pagtingin sa paksa upang maisama ang karamihan sa pigura. Ito ay malinaw na nakikita sa kanyang "Portrait of Pope Paul III" (1553). Dito binigyang-diin ng artist hindi ang idealized na papel ng klerigo, ngunit ang sikolohikal na bahagi ng imahe.

Ang isang namumukod-tanging kinatawan ng paaralan ng pagpipinta ng Venetian, si Paolo Veronese, ay nagpinta rin ng mga larawan ng ganitong uri, gaya ng makikita sa halimbawa ng "Portrait of a Gentleman" (c. 1576-1578), kung saan halos buong taas inilalarawan ang isang aristokrata, nakasuot ng itim na damit, nakatayo sa pediment na may mga haligi.

Si Jacopo Tintoretto ay kilala rin sa kanyang mga kaakit-akit na larawan.

Pagpapakita ng mitolohiya sa mga pintura

Unang ginamit ni Bellini ang isang paksang mitolohiya sa kanyang Feast of the Gods (1504). Pinaunlad pa ni Titian ang genre sa mga paglalarawan ng Bacchanalia, tulad ng kanyang Bacchus at Ariadne (1522-1523). Ang mga kuwadro na ito ay ipininta para sa pribadong gallery ng Duke of Ferrera. Ang Bacchus at Ariadne ni Titian (1522-1523) ay naglalarawan kay Bacchus, ang diyos ng alak, kasama ang kanyang mga tagasunod sa dramatikong sandali nang napagtanto ni Ariadne na siya ay inabandona ng kanyang kasintahan.

Ang mga patron ng Venetian ay nagbigay ng espesyal na pansin sa sining batay sa mga klasikal na alamat ng Griyego, dahil ang gayong mga imahe, hindi limitado sa relihiyoso o moralistikong mga mensahe, ay maaaring gamitin upang ipakita ang erotisismo at hedonismo. Kasama sa gawa ni Titian ang isang malawak na hanay ng mga mitolohiyang imahe, at gumawa siya ng anim na malalaking pagpipinta para kay Haring Philip II ng Espanya, kabilang ang kanyang Danaë (1549-1550), isang babaeng naakit ni Zeus na lumitaw bilang sikat ng araw, at Venus at Adonis (mga 1552). -1554), isang painting na naglalarawan sa isang diyosa at sa kanyang mortal na kasintahan.

Ang mga kontekstong mitolohiya ay may papel din sa paglitaw ng babaeng hubo't hubad na genre, sa partikular na Giorgione's Sleeping Venus (1508) ang unang tulad ng pagpipinta. Binuo ni Titian ang tema, na binibigyang-diin ang likas na erotismo titig ng lalaki, tulad ng sa "Venus of Urbino" (1534). Sa paghusga sa mga pamagat, ang parehong mga gawang ito ay may kontekstong mitolohiya, bagaman ang kanilang nakalarawan na representasyon ng mga imahe ay walang anumang visual na sanggunian sa diyosa. Sa iba pang katulad na mga gawa ni Titian, maaaring pangalanan ang pagpipinta na "Venus at Cupid" (c. 1550).

Ang hilig na maglarawan ng mga mitolohikong eksena, na napakapopular sa mga taga-Venice, ay nakaimpluwensya rin sa istilo ng mga kontemporaryong artist na naglalarawan ng mga eksena tulad ng mga dramatikong panoorin, gaya ng makikita sa The Feast in the House of Levi (1573) ni Paolo Veronese, na ipininta sa isang monumental na sukat. , laki 555 × 1280 cm.

Impluwensya ng Venetian art

Ang paghina ng ika-16 na siglong Venetian na paaralan ng pagpipinta ay nagsimula noong 1580, na bahagyang dahil sa epekto ng salot sa lungsod, dahil nawalan ito ng ikatlong bahagi ng populasyon nito noong 1581, at bahagyang dahil sa pagkamatay ng mga huling master na sina Veronese at Tintoretto. Ang huli na gawain ng parehong mga pintor ng Venetian Renaissance, na binibigyang-diin ang nagpapahayag na kilusan sa halip na mga klasikal na sukat at makasagisag na naturalismo, ay may ilang impluwensya sa pag-unlad ng mga Mannerist, na kalaunan ay dominahin ang Italya at kumalat sa buong Europa.

Gayunpaman, ang diin ng paaralang Venetian sa kulay, liwanag, at kasiyahan sa sensual na buhay, tulad ng nakikita sa gawa ni Titian, ay kaibahan din sa Mannerist approach at Baroque na mga gawa ni Caravaggio at Annibale Carracci. Ang paaralang ito ay nagkaroon ng mas malaking epekto sa labas ng Venice, dahil ang mga hari at aristokrata mula sa buong Europa ay masugid na nangolekta ng mga gawa. Ang mga artista sa Antwerp, Madrid, Amsterdam, Paris at London, kabilang sina Rubens, Anthony van Dyck, Rembrandt, Poussin at Velázquez, ay malakas na naimpluwensyahan ng sining ng Venetian Renaissance na paaralan ng pagpipinta. Ayon sa kuwento, sinabi ni Rembrandt, habang siya ay isang batang artista, habang bumibisita sa Italya na mas madaling makita ang Italian Renaissance art sa Amsterdam kaysa sa paglalakbay mula sa lungsod patungo sa lungsod sa Italya mismo.

Sa arkitektura, nagkaroon ng malaking impluwensya si Palladio, lalo na sa England, kung saan pinagtibay nina Christopher Wren, Elizabeth Wilbraham, Richard Boyle at William Kent ang kanyang istilo. Si Inigo Jones, na tinawag na "ama ng arkitekturang British", ay nagtayo ng Queen's House (1613-1635), ang unang klasikal na gusali sa England batay sa mga disenyo ni Palladio. Noong ika-18 siglo, lumitaw ang mga disenyo ni Palladio sa arkitektura ng Estados Unidos. Ang sariling tahanan ni Thomas Jefferson sa Monticello at sa Capitol Building ay higit na naimpluwensyahan ng Palladio, kung saan si Palladio ay pinangalanang "Ama ng American Architecture" sa isang 2010 US Congressional Executive Order.

Higit pa sa Renaissance

Ang mga gawa ng mga artista ng Venetian School of Painting ay patuloy na naging espesyal. Bilang resulta, ang termino ay patuloy na ginamit hanggang sa ika-18 siglo. Ang mga kinatawan ng Venetian school of painting, tulad ni Giovanni Battista Tiepolo, ay pinalawak ang kanilang natatanging istilo sa parehong Rococo at Baroque na mga istilo. Kilala rin ang iba pang mga artista noong ika-18 siglo, gaya nina Antonio Canaletto, na nagpinta ng mga tanawin ng lungsod ng Venetian, at Francesco Guardi. Ang kanyang trabaho ay higit na nakaimpluwensya sa mga French Impressionist.

Si Vittore Carpaccio (ipinanganak 1460, Venice - namatay noong 1525/26, Venice) ay isa sa mga pinakadakilang kinatawan ng Venetian artist. Maaaring siya ay isang estudyante ni Lazzaro Bastiani, ngunit ang pangunahing impluwensya sa kanyang unang gawain ay ang mga mag-aaral ng Gentile Bellini at Antonello da Messina. Ang estilo ng kanyang trabaho ay nagmumungkahi na maaaring siya ay nasa Roma rin noong binata. Halos walang alam tungkol sa mga unang gawa ni Vittore Carpaccio dahil hindi niya nilagdaan ang mga ito, at kakaunti ang ebidensya na isinulat niya ang mga ito. Sa paligid ng 1490, nagsimula siyang lumikha ng isang cycle ng mga eksena mula sa alamat ng Saint Ursula para sa Scuola di Santa Orsola, na ngayon ay nasa mga gallery ng Venice Academy. Sa panahong ito, siya ay naging isang mature na artista. Ang genre dream scene ng St. Ursula ay lalo na pinahahalagahan para sa kayamanan ng naturalistic na mga detalye.

Ang mga panoramic na larawan ng mga painting, prusisyon, at iba pang pampublikong pagtitipon ni Carpaccio ay kilala sa kanilang kayamanan ng makatotohanang detalye, maaraw na kulay, at mga dramatikong salaysay. Ang kanyang pagsasama ng mga makatotohanang pigura sa isang maayos at magkakaugnay na espasyo ng pananaw ay naging tagapagpauna sa kanya ng mga Venetian urban landscape painters.

Francesco Guardi (1712-1793, ipinanganak at namatay sa Venice), isa sa mga natitirang pintor ng landscape noong panahon ng Rococo.

Ang artist mismo, kasama ang kanyang kapatid na si Nicolo (1715-86), ay nag-aral kay Giovanni Antonio Guardi. Ang kapatid nilang si Cecilia ay ikinasal kay Giovanni Battista Tiepolo. Sa mahabang panahon nagtulungan ang magkapatid. Si Francesco ay isa sa mga kilalang kinatawan ng isang kaakit-akit na direksyon tulad ng veduta, isang tampok na katangian kung saan ay isang detalyadong paglalarawan ng urban landscape. Ipininta niya ang mga kuwadro na ito hanggang mga kalagitnaan ng 1750s.

Noong 1782, inilarawan niya ang mga opisyal na pagdiriwang bilang parangal sa pagbisita ni Grand Duke Paul sa Venice. Sa huling bahagi ng taong iyon, inatasan siya ng Republika na gumawa ng mga katulad na larawan ng pagbisita ni Pius VI. Nakamit niya ang malaking suporta mula sa British at iba pang mga dayuhan at nahalal sa Venice Academy noong 1784. Siya ay isang napakaraming artista, na ang makikinang at romantikong mga imahe ay kapansin-pansing naiiba sa mga transparent na pagpapakita ng arkitektura ni Canaletto, pinuno ng paaralang veduta.

Si Giambattista Pittoni (1687-1767) ay isang nangungunang Venetian na pintor noong unang bahagi ng ika-18 siglo. Ipinanganak siya sa Venice at nag-aral sa kanyang tiyuhin na si Francesco. Bilang isang binata, nagpinta siya ng mga fresco tulad ng "Hustisya at Mundo ng Katarungan" sa Palazzo Pesaro, Venice.

Si Francesco Fontebasso (Venice, 1707-1769) ay isa sa mga pangunahing kinatawan ng ikalabing walong siglo, na medyo hindi karaniwan para sa pagpipinta ng Venetian. Isang napaka-aktibo at mahusay na pintor, isang bihasang dekorador, na naglalarawan sa halos lahat ng bagay sa kanyang mga canvases, mula sa mga eksena ng pang-araw-araw na buhay at mga makasaysayang larawan hanggang sa mga larawan, nagpakita rin siya ng mahusay na mga kasanayan at kasanayan sa iba't ibang uri ng mga graphic na diskarte. Nagsimula siyang magtrabaho sa mga relihiyosong tema para sa Maninov, una sa kapilya ng Villa Passariano (1732) at pagkatapos ay sa Venice sa isang simbahang Heswita, kung saan gumawa siya ng dalawang fresco sa kisame kasama si Elias na nakuha sa langit at mga anghel na nagpapakita sa harap ni Abraham.

Ang Venetian Renaissance ay isang hiwalay na kakaibang bahagi ng pangkalahatang Italian Renaissance. Nagsimula ito dito nang maglaon, ngunit tumagal nang mas matagal. Ang papel ng mga sinaunang tradisyon sa Venice ay ang pinakamaliit, at ang koneksyon sa kasunod na pag-unlad ng pagpipinta ng Europa ay ang pinaka-direkta. Sa Venice, ang pagpipinta ay nangingibabaw, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag, mayaman at masayang mga kulay.

Ang panahon ng High Renaissance (sa Italyano ay parang "Cinquecento") sa Venice ay sinakop ang halos buong ika-16 na siglo. Maraming kilalang artista ang nagpinta sa malaya at masayang paraan ng Venetian Renaissance.

Ang artist na si Giovanni Bellini ay naging isang kinatawan ng transisyonal na panahon mula sa Maagang Renaissance hanggang sa Mataas. Sa kanya ang sikat na painting" Lawa ng Madonna"- isang magandang pagpipinta, na naglalaman ng mga pangarap ng isang ginintuang edad o isang makalupang paraiso.

Isang estudyante ni Giovanni Bellini, ang artist na si Giorgione ay itinuturing na unang master ng High Renaissance sa Venice. Ang kanyang canvas » Natutulog si Venus"- isa sa mga pinaka mala-tula na larawan ng isang hubad na katawan sa sining ng mundo. Ang gawaing ito ay isa pang sagisag ng pangarap ng mga simple ang pag-iisip, masaya at inosenteng mga tao na namumuhay nang ganap na naaayon sa kalikasan.

May painting ang State Hermitage Museum » Judith», na kabilang din sa Giorgione. Ang gawaing ito ay naging isang matingkad na halimbawa ng pagkamit ng isang three-dimensional na imahe hindi lamang sa tulong ng chiaroscuro, kundi pati na rin sa paggamit ng light gradation technique.

Giorgione "Judith"

Ang pinakakaraniwang artista ng Venice ay maaaring ituring na Paolo Veronese. Ang kanyang malakihan, multi-figure na komposisyon ay nakatuon sa imahe ng mga masaganang hapunan sa Venetian palazzo na may mga musikero, jester at aso. Walang relihiyon tungkol sa kanila. " Ang huling Hapunan"- ito ay isang imahe ng kagandahan ng mundo sa simpleng makalupang pagpapakita at paghanga sa pagiging perpekto ng magagandang laman.

Paolo Veronese "Ang Huling Hapunan"

Pagkamalikhain Titian

Ang ebolusyon ng Venetian painting ng Cinquecento ay makikita sa gawa ni Titian, na unang nagtrabaho kay Giorgione at malapit sa kanya. Naipakita ito sa malikhaing paraan ng pintor sa mga akdang "Heavenly Love and Earthly Love", "Flora". Ang mga babaeng imahe ng Titian ay kalikasan mismo, na nagniningning sa walang hanggang kagandahan.

- ang hari ng mga pintor. Siya ay nagmamay-ari ng maraming mga pagtuklas sa larangan ng pagpipinta, bukod sa kung saan ay ang kayamanan ng kulay, pagmomolde ng kulay, orihinal na mga anyo at ang paggamit ng mga nuances ng mga kulay. Ang kontribusyon ni Titian sa sining ng Venetian Renaissance ay napakalaki, nagkaroon siya ng malaking impluwensya sa kakayahan ng mga pintor ng kasunod na panahon.

Ang yumaong Titian ay malapit na sa masining na wika nina Velasquez at Rembrandt: ang ratio ng mga tono, mga spot, mga dynamic na stroke, texture ng makulay na ibabaw. Pinalitan ng mga Venetian at Titian ang pangingibabaw ng linya ng mga pakinabang ng hanay ng mga kulay.

Titian Vecellio "Self-portrait" (circa 1567)

Ang pamamaraan ng pagpipinta ng Ticin ay kapansin-pansin kahit ngayon, dahil ito ay isang gulo ng mga pintura. Sa mga kamay ng pintor, ang mga pintura ay isang uri ng luwad, kung saan kinulit ng pintor ang kanyang mga gawa. Nabatid na sa pagtatapos ng kanyang buhay, pininturahan ni Titian ang kanyang mga canvases gamit ang kanyang mga daliri. kaya ang paghahambing na ito ay higit sa nararapat.

Titian "Denarius of Caesar" (circa 1516)

Mga pintura ni Titian Vecellio

Kabilang sa mga painting ni Titian ay ang mga sumusunod:

» Assunta»

"Bacchus at Ariadne"

"Venus ng Urbino"

"Larawan ni Pope Paul III"

"Larawan ni Lavinia"

"Venus sa harap ng salamin"

"Penitent Magdalene"

» San Sebastian»

Kaakit-akit at pakiramdam tungkol sa Ang volumetric na anyo sa Titian ay nasa perpektong balanse. Ang kanyang mga figure ay puno ng isang pakiramdam ng buhay at paggalaw. Ang pagiging bago ng compositional technique, hindi pangkaraniwang kulay, libreng stroke ay isang natatanging katangian ng pagpipinta ni Titian. Ang kanyang trabaho ay naglalaman ng mga pinakamahusay na tampok ng paaralan ng Venetian ng Renaissance.

Mga tampok na katangian ng pagpipinta ng Venetian Renaissance

Ang huling luminary ng Venetian Cinquecento ay ang artist na si Tintoretto. Kilala sa kanyang mga painting "Ang labanan ng arkanghel na si Michael kay Satanas" at Ang Huling Hapunan. Ang pinong sining ay naglalaman ng ideya ng Renaissance ng perpekto, pananampalataya sa kapangyarihan ng isip, ang pangarap ng isang maganda, malakas na tao, isang maayos na binuo na personalidad.

Jacopo Tintoretto "Ang Labanan ng Arkanghel Michael kay Satanas" (1590)

Jacopo Tintoretto "Pagpapako sa Krus"

Ang mga masining na gawa ay nilikha sa tradisyonal na relihiyoso at mitolohiyang mga paksa. Dahil dito, ang modernidad ay itinaas sa ranggo ng kawalang-hanggan, sa gayon ay nagpapatunay sa pagiging maka-Diyos ng isang tunay na tao. Ang mga pangunahing prinsipyo ng imahe sa panahong ito ay ang imitasyon ng kalikasan at ang katotohanan ng mga karakter. Ang isang pagpipinta ay isang uri ng bintana sa mundo, dahil ang artist ay naglalarawan dito kung ano ang kanyang nakita sa katotohanan.

Jacopo Tintoretto "Ang Huling Hapunan"

Ang sining ng pagpipinta ay batay sa mga nagawa ng iba't ibang agham. Matagumpay na nakabisado ng mga pintor ang imahe ng pananaw. Sa panahong ito, naging personal ang pagkamalikhain. Ang mga likhang sining ng easel ay lalong lumalago.

Jacopo Tintoretto "Paraiso"

Sa pagpipinta, isang sistema ng genre ang nabuo, na kinabibilangan ng mga sumusunod na genre:

relihiyon - mitolohiya;
historikal;
tanawin ng sambahayan;
portrait.

Lumilitaw din ang pag-ukit sa panahong ito, at ang pagguhit ay gumaganap ng isang mahalagang papel. Ang mga gawa ng sining ay pinahahalagahan sa kanilang sarili bilang isang masining na kababalaghan. Ang isa sa pinakamahalagang sensasyon sa kanilang pang-unawa ay ang kasiyahan. Ang mga de-kalidad na reproductions ng mga painting mula sa Venetian Renaissance ay magiging isang mahusay na karagdagan sa interior in.

Ang sining ng Venice ay kumakatawan sa isang espesyal na bersyon ng pag-unlad ng mismong mga prinsipyo ng artistikong kultura ng Renaissance at may kaugnayan sa lahat ng iba pang mga sentro ng Renaissance art sa Italya.

Ayon sa kronolohikal, ang sining ng Renaissance ay nahugis sa Venice medyo huli kaysa sa karamihan ng iba pang mga pangunahing sentro ng Italya noong panahong iyon. Ito ay nagkaroon ng hugis, sa partikular, mamaya kaysa sa Florence at sa pangkalahatan sa Tuscany. Ang pagbuo ng mga prinsipyo ng artistikong kultura ng Renaissance sa pinong sining ng Venice ay nagsimula lamang noong ika-15 siglo. Ito ay hindi natukoy sa pamamagitan ng pagkaatrasado ng ekonomiya ng Venice. Sa kabaligtaran, ang Venice, kasama ang Florence, Pisa, Genoa, Milan, ay isa sa mga pinaka-maunlad na sentro ng Italya noong panahong iyon. Ito ay tiyak na ang maagang pagbabago ng Venice sa isang mahusay na komersyal at, higit pa rito, nakararami sa komersyal, sa halip na isang produktibong kapangyarihan, na nagsimula noong ika-12 siglo at lalo na pinabilis sa panahon ng mga krusada, ang dapat sisihin sa pagkaantala na ito.

Ang kultura ng Venice, ang bintanang ito ng Italya at Gitnang Europa, na "pinutol" sa silangang mga bansa, ay malapit na konektado sa kahanga-hangang kadakilaan at solemne na luho ng imperyal na kultura ng Byzantine, at bahagyang sa pinong pandekorasyon na kultura ng mundo ng Arabo. Nasa ika-12 siglo na, iyon ay, sa panahon ng pangingibabaw ng istilong Romanesque sa Europa, isang mayamang republika ng kalakalan, na lumilikha ng sining na iginigiit ang kayamanan at kapangyarihan nito, malawak na bumaling sa karanasan ng Byzantium, iyon ay, ang pinakamayaman, pinaka-binuo na Kristiyanong medieval na kapangyarihan noong panahong iyon. Sa esensya, ang artistikong kultura ng Venice noong ika-14 na siglo ay isang uri ng interweaving ng mga kahanga-hanga at maligaya na anyo ng monumental na Byzantine na sining, na pinasigla ng impluwensya ng makulay na dekorasyon ng Silangan at isang kakaibang eleganteng muling pag-iisip ng mga pandekorasyon na elemento ng mature na Gothic art.

Ang isang katangian na halimbawa ng pansamantalang pagkaantala ng kulturang Venetian sa paglipat nito sa Renaissance kumpara sa ibang mga lugar ng Italya ay ang arkitektura ng Palasyo ng Doge (ika-14 na siglo). Sa pagpipinta, ang sobrang katangiang sigla ng mga tradisyong medyebal ay malinaw na makikita sa huling gawaing Gothic ng mga masters noong huling bahagi ng ika-14 na siglo, tulad nina Lorenzo at Stefano Veneziano. Ipinadama nila ang kanilang sarili kahit na sa gawain ng mga naturang artista noong ika-15 siglo, na ang sining ay mayroon nang ganap na karakter ng Renaissance. Ganyan ang mga "Madonnas" ni Bartolomeo, Alvise Vivarini, ganyan ang gawa ni Carlo Crivelli, ang banayad at eleganteng master ng Early Renaissance. Sa kanyang sining, ang medieval reminiscences ay nadama na mas malakas kaysa sa kanyang mga kontemporaryong artista ng Tuscany at Umbria. Ito ay katangian na ang proto-Renaissance tendencies na wasto, katulad ng sining nina Cavalini at Giotto, na nagtrabaho din sa Republika ng Venetian (isa sa kanyang pinakamahusay na mga siklo ay nilikha para sa Padua), ay nagparamdam sa kanilang sarili nang mahina at paminsan-minsan.

Humigit-kumulang lamang mula sa kalagitnaan ng ika-15 siglo ay masasabi natin na ang hindi maiiwasan at natural na proseso ng paglipat ng Venetian art sa mga sekular na posisyon, na katangian ng buong artistikong kultura ng Renaissance, sa wakas ay nagsisimula nang ganap na maisakatuparan. Ang kakaibang uri ng Venetian quattrocento ay higit sa lahat ay makikita sa pagnanais para sa pagtaas ng kasiyahan ng kulay, para sa isang kakaibang kumbinasyon ng banayad na pagiging totoo na may dekorasyon sa komposisyon, sa isang mas malaking interes sa background ng landscape, sa kapaligiran ng landscape na nakapalibot sa isang tao; bukod dito, ito ay katangian na ang interes sa urban landscape, marahil, ay mas binuo kaysa sa interes sa natural na tanawin. Ito ay sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo na ang pagbuo ng paaralan ng Renaissance sa Venice ay naganap bilang isang makabuluhan at orihinal na kababalaghan na sumakop sa isang mahalagang lugar sa sining ng Italian Renaissance. Sa oras na ito, kasama ang sining ng archaic Crivelli, ang gawain ni Antonello da Messina ay nabuo, nagsusumikap para sa isang mas holistic, pangkalahatan na pang-unawa sa mundo, isang patula-pandekorasyon at monumental na pang-unawa. Hindi naglaon, lumilitaw ang higit pang linya ng pagsasalaysay sa pagbuo ng sining ng Gentile Bellini at Carpaccio.

Ito ay natural. Ang Venice sa kalagitnaan ng ika-15 siglo ay umabot sa pinakamataas na antas ng komersyal at pampulitikang kapanahunan nito. Ang mga kolonyal na pag-aari sa poste ng kalakalan ng "Queen of the Adriatic" ay sumasakop hindi lamang sa buong silangang baybayin ng Adriatic Sea, ngunit kumalat din nang malawak sa buong silangang Mediterranean. Sa Cyprus, Rhodes, Crete, ang bandila ng Lion of St. Mark ay kumakaway. Marami sa mga marangal na pamilyang patrician na bumubuo sa naghaharing pili ng Venetian oligarkiya ay kumikilos sa ibang bansa bilang mga pinuno ng malalaking lungsod o buong rehiyon. Mahigpit na kinokontrol ng Venetian fleet ang halos buong transit trade sa pagitan ng East at Western Europe.

Totoo, ang pagkatalo ng Byzantine Empire sa pamamagitan ng mga Turko, na nagtapos sa pagkuha ng Constantinople, ay yumanig sa mga posisyon ng kalakalan ng Venice. Gayunpaman, hindi masasabi ng isa ang tungkol sa paghina ng Venice sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Ang pangkalahatang pagbagsak ng silangang kalakalan ng Venetian ay dumating nang maglaon. Ang mga mangangalakal ng Venetian ay namuhunan ng malaking pondo para sa oras na iyon, bahagyang inilabas mula sa kalakalan, sa pagbuo ng mga crafts at pabrika sa Venice, bahagyang sa pagbuo ng rational agriculture sa kanilang mga ari-arian na matatagpuan sa peninsula na katabi ng lagoon (ang tinatawag na terra farm. ).

Higit pa rito, noong 1509-1516, ang mayaman at puno pa rin ng siglang republika ay nagawa, sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng puwersa ng sandata na may nababaluktot na diplomasya, na ipagtanggol ang kalayaan nito sa isang mahirap na pakikibaka sa isang palaban na koalisyon ng isang bilang ng mga kapangyarihang European. Ang pangkalahatang pagtaas na dulot ng kinalabasan ng mahirap na pakikibaka na ito, na pansamantalang nag-rally sa lahat ng mga seksyon ng lipunang Venetian, ay nagdulot ng paglaki ng mga tampok ng heroic optimism at monumental na kasiyahan na napaka katangian ng sining ng High Renaissance sa Venice, simula sa Titian . Ang katotohanan na napanatili ng Venice ang kalayaan nito at, sa isang malaking lawak, ang kayamanan nito, ay tumutukoy sa tagal ng kasagsagan ng sining ng High Renaissance sa Venetian Republic. Ang pagliko sa huling Renaissance ay ibinalangkas sa Venice medyo mas huli kaysa sa Roma at Florence, ibig sabihin, sa kalagitnaan ng 40s ng ika-16 na siglo.

sining

Ang panahon ng pagkahinog ng mga kinakailangan para sa paglipat sa High Renaissance ay nag-tutugma, tulad ng sa natitirang bahagi ng Italya, sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Sa mga taong ito na, kasabay ng sining ng pagsasalaysay ng Gentile Bellini at Carpaccio, ang gawain ng isang bilang ng mga masters ng isang bagong artistikong direksyon, wika nga: Giovanni Bellini at Cima da Conegliano, ay nabuo. Bagaman sa paglipas ng panahon ay halos sabay silang nagtatrabaho sa Gentile Bellini at Carpaccio, kinakatawan nila ang susunod na yugto sa lohika ng pag-unlad ng sining ng Venetian Renaissance. Ang mga ito ay mga pintor, kung saan ang sining ang paglipat sa isang bagong yugto sa pag-unlad ng kultura ng Renaissance ay pinaka-malinaw na nakabalangkas. Ito ay lalo na malinaw na ipinahayag sa gawain ng mature na si Giovanni Bellini, kahit na sa mas malaking lawak kaysa sa mga pintura ng kanyang nakababatang kontemporaryong Cima da Conegliano o ng kanyang nakababatang kapatid na lalaki, Gentile Bellini.

Si Giovanni Bellini (malamang na ipinanganak pagkatapos ng 1425 at bago ang 1429; namatay noong 1516) ay hindi lamang nagpapaunlad at nagpapahusay sa mga tagumpay na naipon ng mga nauna sa kanya, ngunit itinaas din ang sining ng Venetian at, mas malawak, ang kultura ng Renaissance sa kabuuan sa isang mas mataas na antas . Ang artist ay may kahanga-hangang kahulugan ng monumental na kahalagahan ng anyo, ang panloob na figurative-emosyonal na nilalaman nito. Sa kanyang mga pagpipinta, ipinanganak ang koneksyon sa pagitan ng mood na nilikha ng landscape at ang estado ng pag-iisip ng mga bayani ng komposisyon, na isa sa mga kahanga-hangang tagumpay ng modernong pagpipinta sa pangkalahatan. Kasabay nito, sa sining ni Giovanni Bellini - at ito ang pinakamahalaga - ang kahalagahan ng moral na mundo ng tao ay ipinahayag nang may pambihirang puwersa.

Sa isang maagang yugto ng kanyang trabaho, ang mga character sa komposisyon ay napaka-static pa rin, ang pagguhit ay medyo malupit, ang mga kumbinasyon ng mga kulay ay halos matalim. Ngunit ang pakiramdam ng panloob na kahalagahan ng espirituwal na estado ng isang tao, ang paghahayag ng kagandahan ng kanyang panloob na mga karanasan, ay umabot na sa panahong ito ng isang napakalaking kahanga-hangang puwersa. Sa kabuuan, unti-unti, nang walang panlabas na matalim na paglukso, si Giovanni Bellini, na organikong bumubuo ng humanistic na batayan ng kanyang trabaho, ay nagpapalaya sa kanyang sarili mula sa mga sandali ng sining ng pagsasalaysay ng kanyang mga nauna at kapanahon. Ang balangkas sa kanyang mga komposisyon ay medyo bihirang makatanggap ng isang detalyadong dramatikong pag-unlad, ngunit higit pa sa pamamagitan ng emosyonal na tunog ng kulay, sa pamamagitan ng maindayog na pagpapahayag ng pagguhit at ang malinaw na pagiging simple ng mga komposisyon, ang monumental na kahalagahan ng anyo at, sa wakas, sa pamamagitan ng ang pinigilan, ngunit puno ng panloob na lakas ng paggaya, ang kadakilaan ng espirituwal na mundo ng tao ay nahayag.

Ang interes ni Bellini sa problema ng pag-iilaw, sa problema ng koneksyon sa pagitan ng mga pigura ng tao at ng kanilang likas na kapaligiran, ay nagpasiya rin ng kanyang interes sa mga nagawa ng mga masters ng Dutch Renaissance (isang tampok na karaniwang katangian ng maraming mga artista sa hilaga ng sining ng Italyano. ng ikalawang kalahati ng ika-15 siglo). Gayunpaman, ang malinaw na plasticity ng anyo, ang pananabik para sa napakalaking kahalagahan ng imahe ng isang tao na may lahat ng natural na sigla ng kanyang interpretasyon - halimbawa, "Panalangin para sa Cup" - matukoy ang mapagpasyang pagkakaiba sa pagitan ng Bellini bilang master ng ang Italian Renaissance kasama ang kanyang heroic humanism mula sa mga artist ng hilagang Renaissance, bagaman sa pinakamaagang panahon ng kanyang pagkamalikhain, ang artist ay bumaling sa mga taga-hilaga, mas tiyak sa Netherlands, sa paghahanap ng kung minsan ay mariin na matalas na sikolohikal at pagsasalaysay na paglalarawan ng imahe. ("Pieta" mula sa Bergamo, c. 1450). Ang kakaiba ng malikhaing landas ng Venetian, kung ihahambing sa Mantegna at sa mga panginoon ng Hilaga, ay malinaw na ipinakita sa kanyang "Madonna na may inskripsiyong Griyego" (1470s, Milan, Brera). Ang imaheng ito ng isang malungkot na nag-iisip na si Maria, dahan-dahang niyayakap ang isang malungkot na sanggol, na malayuan na nakapagpapaalaala sa isang icon, ay nagsasalita din ng isa pang tradisyon kung saan itinataboy ng master - ang mga tradisyon ng Byzantine at, mas malawak, lahat ng European medieval painting. Gayunpaman, ang abstract spirituality ng mga linear na ritmo at mga chord ng kulay ng icon ay tiyak na nagtagumpay Pinigilan at mahigpit sa kanilang pagpapahayag, ang mga ratio ng kulay ay napakahalagang tiyak. Ang mga kulay ay totoo, ang solidong paghubog ng three-dimensionally modeled form ay tunay na totoo. Ang banayad na malinaw na kalungkutan ng mga ritmo ng silweta ay hindi mapaghihiwalay mula sa pinigilan na mahahalagang pagpapahayag ng paggalaw ng mga pigura mismo, mula sa buhay na tao, at hindi ang abstract espiritwalistikong pagpapahayag ng malungkot, nagdadalamhati at nag-iisip na mukha ni Maria, mula sa malungkot na lambing ng dilat na mata ng sanggol. Ang inspiradong patula, malalim na tao, at hindi mystically transformed na pakiramdam ay ipinahayag sa simple at katamtamang hitsura ng komposisyon na ito.

Noong 1480s, si Giovanni Bellini ay gumawa ng isang mapagpasyang hakbang sa kanyang trabaho at naging isa sa mga tagapagtatag ng sining ng High Renaissance. Ang pagka-orihinal ng sining ng mature na si Giovanni Bellini ay malinaw na namumukod-tangi kapag inihambing ang kanyang "Transfiguration" (1480s) sa kanyang maagang "Transfiguration" (Venice, Museo Correr). Sa "Transfiguration" ng Correr Museum, ang mahigpit na sinusubaybayang mga pigura ni Kristo at ng mga propeta ay matatagpuan sa isang maliit na bato, na nakapagpapaalaala sa parehong malaking pedestal sa monumento at isang iconic na "bream". Ang mga figure, medyo angular sa kanilang mga paggalaw, kung saan ang pagkakaisa ng buhay na katangian at poetic elation ng kilos ay hindi pa nakakamit, ay nakikilala sa pamamagitan ng stereoscopicity. Maliwanag at malamig-malinaw, halos maningning na mga kulay ng volumetrically modelled figure ay napapalibutan ng malamig-transparent na kapaligiran. Ang mga figure mismo, sa kabila ng matapang na paggamit ng mga kulay na anino, ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng isang pare-parehong pagkakapareho ng pag-iilaw at isang tiyak na static na karakter.

Ang susunod na yugto pagkatapos ng sining nina Giovanni Bellini at Cima da Conegliano ay ang gawa ni Giorgione, ang unang master ng Venetian school, na ganap na kabilang sa High Renaissance. Si Giorgio Barbarelli del Castelfranco (1477/78 - 1510), na pinangalanang Giorgione, ay isang junior contemporary at estudyante ni Giovanni Bellini. Si Giorgione, tulad ni Leonardo da Vinci, ay nagpapakita ng pinong pagkakasundo ng isang mayaman sa espirituwal at perpektong pisikal na tao. Tulad ni Leonardo, ang gawa ni Giorgione ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na intelektwalismo at, tila, kristal na katwiran. Ngunit, hindi katulad ni Leonardo, na ang malalim na liriko ng sining ay napakatago at, para bang, napapailalim sa mga kalunos-lunos na intelektwalismo, kay Giorgione ang liriko na prinsipyo, sa malinaw na pagkakasundo nito sa makatuwirang prinsipyo, ay nagpapadama sa sarili nang mas direkta at may higit na mataas. puwersa.

Sa pagpipinta ng Giorgione, ang kalikasan, ang natural na kapaligiran, ay nagsisimulang maglaro ng isang mas mahalagang papel kaysa sa gawain nina Bellini at Leonardo.

Kung hindi pa rin natin masasabi na ang Giorgione ay naglalarawan ng isang kapaligiran ng hangin na nag-uugnay sa mga pigura at mga bagay ng landscape sa isang solong plein-air na kabuuan, kung gayon tayo, sa anumang kaso, ay may karapatang igiit na ang makasagisag na emosyonal na kapaligiran kung saan ang parehong ang mga karakter at kalikasan ay nakatira sa Giorgione ay ang kapaligiran ay optically common na pareho para sa background at para sa mga character sa larawan. Ang isang kakaibang halimbawa ng pagpapakilala ng mga figure sa natural na kapaligiran at ang muling pagtunaw ng karanasan nina Bellini at Leonardo sa isang bagay na organikong bago - "Giorgionev" ay ang kanyang pagguhit na "St. Elizabeth kasama ang sanggol na si John", kung saan isang espesyal, medyo kristal. malinaw at cool na kapaligiran ay napaka banayad conveyed sa pamamagitan ng mga graphics, kaya likas sa mga likha ng Giorgione.

Ang medyo maagang mga gawa ni Giorgione, na natapos bago ang 1505, ay kinabibilangan ng kanyang Adoration of the Shepherds sa Washington Museum at Adoration of the Magi sa National Gallery sa London. Sa "The Adoration of the Magi" (London), sa kabila ng kilalang pagkakapira-piraso ng pagguhit at ang hindi malulutas na tigas ng kulay, naramdaman na ang interes ng master sa paghahatid ng panloob na espirituwal na mundo ng mga karakter. Ang unang panahon ng pagkamalikhain Giorgione ay nakumpleto ang kanyang kahanga-hangang komposisyon na "Madonna of Castelfranco" (c. 1504, Castelfranco, Cathedral).

Mula noong 1505, nagsimula ang panahon ng pagiging malikhain ng artist, sa lalong madaling panahon ay nagambala ng kanyang nakamamatay na sakit. Sa maikling limang taon na ito, ang kanyang mga pangunahing obra maestra ay nilikha: "Judith", "Thunderstorm", "Sleeping Venus", "Concert" at karamihan sa ilang mga larawan. Ito ay sa mga gawa na ito na ang karunungan ng mga espesyal na coloristic at makasagisag na nagpapahayag na mga posibilidad ng pagpipinta ng langis, na likas sa mga dakilang pintor ng paaralan ng Venetian, ay ipinahayag. Dapat sabihin na ang mga Venetian, na hindi ang mga unang lumikha at namamahagi ng oil painting, ay talagang kabilang sa mga unang nakatuklas ng mga tiyak na posibilidad at tampok ng oil painting.

Dapat pansinin na ang mga tampok na katangian ng paaralan ng Venetian ay tiyak ang nangingibabaw na pag-unlad ng pagpipinta ng langis at ang mas mahina na pag-unlad ng pagpipinta ng fresco. Sa panahon ng paglipat mula sa sistemang medyebal hanggang sa makatotohanang sistema ng Renaissance ng monumental na pagpipinta, ang mga Venetian, natural, tulad ng karamihan sa mga tao na lumipas mula sa Middle Ages hanggang sa yugto ng Renaissance sa pagbuo ng artistikong kultura, halos ganap na inabandunang mga mosaic. Ang napakatalino at pandekorasyon na chromaticity nito ay hindi na ganap na matugunan ang mga bagong masining na hamon. Siyempre, ang mosaic technique ay patuloy na ginagamit, ngunit ang papel nito ay nagiging hindi gaanong kapansin-pansin. Gamit ang mosaic technique, posible pa ring makamit ang mga resulta sa Renaissance na medyo nakakatugon sa mga aesthetic na pangangailangan ng panahon. Ngunit ang mga partikular na katangian lamang ng mosaic smalt, ang kakaibang sikat na ningning, surreal shimmer at, sa parehong oras, ang pagtaas ng decorativeness ng pangkalahatang epekto ay hindi maaaring ganap na mailapat sa ilalim ng mga kondisyon ng bagong artistikong ideal. Totoo, ang tumaas na liwanag na ningning ng iridescent shimmering mosaic painting, bagama't binago, hindi direkta, ngunit naiimpluwensyahan ang Renaissance painting ng Venice, na palaging nakahilig sa matingkad na kalinawan at nagliliwanag na kayamanan ng kulay. Ngunit ang napaka-istilong sistema kung saan nauugnay ang mosaic, at dahil dito ang pamamaraan nito, ay may ilang mga pagbubukod, na umalis sa globo ng malaking monumental na pagpipinta. Ang mosaic technique mismo, ngayon ay mas madalas na ginagamit para sa mas pribado at makitid na mga layunin, higit pa sa isang pandekorasyon at inilapat na kalikasan, ay hindi ganap na nakalimutan ng mga Venetian. Bukod dito, ang Venetian mosaic workshops ay isa sa mga sentrong iyon na nagdala ng mga tradisyon ng teknolohiya ng mosaic, sa partikular na smalt, sa ating panahon.

Ang pagpipinta ng stained glass ay napanatili din ang ilang kahalagahan dahil sa "liwanag" nito, bagaman dapat itong aminin na hindi ito nagkaroon ng parehong kahalagahan alinman sa Venice o sa Italya sa kabuuan tulad ng sa Gothic na kultura ng France at Germany. Isang ideya ng Renaissance plastic na muling pag-iisip ng visionary radiance ng medieval stained glass painting ay ibinigay ni "St. George" (16th century) ni Mochetto sa simbahan ng San Giovanni e Paolo.

Sa pangkalahatan, sa sining ng Renaissance, ang pag-unlad ng monumental na pagpipinta ay nagpatuloy alinman sa mga anyo ng pagpipinta ng fresco, o sa batayan ng bahagyang pag-unlad ng tempera, at higit sa lahat sa monumental at pandekorasyon na paggamit ng pagpipinta ng langis (mga panel sa dingding) .

Ang Fresco ay isang pamamaraan kung saan ang mga obra maestra gaya ng cycle ng Masaccio, mga saknong ni Raphael at mga mural ng Sistine Chapel ni Michelangelo ay nilikha noong Early and High Renaissance. Ngunit sa klima ng Venetian, maagang natuklasan nito ang kawalang-tatag nito at hindi laganap noong ika-16 na siglo. Kaya, ang mga fresco ng German Compound na "Fondaco dei Tedeschi" (1508), na isinagawa ni Giorgione kasama ang pakikilahok ng batang Titian, ay halos ganap na nawasak. Ilang kalahating kupas na mga fragment lamang, na nasira ng kahalumigmigan, ang nakaligtas, kasama ng mga ito ang pigura ng isang hubad na babae, puno ng halos Praxitele charm, na ginawa ni Giorgione. Samakatuwid, ang lugar ng pagpipinta sa dingding, sa wastong kahulugan ng salita, ay kinuha ng isang panel ng dingding sa canvas, na idinisenyo para sa isang partikular na silid at ginanap gamit ang pamamaraan ng pagpipinta ng langis.

Ang pagpipinta ng langis ay nakatanggap ng isang partikular na malawak at mayamang pag-unlad sa Venice, gayunpaman, hindi lamang dahil ito ay tila ang pinaka-maginhawang paraan upang palitan ang fresco ng isa pang pamamaraan ng pagpipinta na inangkop sa isang mahalumigmig na klima, ngunit din dahil ang pagnanais na ihatid ang imahe ng isang tao sa malapit na koneksyon sa natural na kapaligiran sa paligid niya kapaligiran, interes sa makatotohanang sagisag ng tonal at coloristic kayamanan ng nakikitang mundo ay maaaring magsiwalat na may partikular na pagkakumpleto at flexibility tiyak sa pamamaraan ng oil painting. Sa pagsasaalang-alang na ito, ang pagpipinta ng tempera sa mga board sa mga komposisyon ng easel, na nakalulugod sa mahusay na lakas ng kulay at malinaw na nagliliwanag na sonority, ngunit mas pandekorasyon sa kalikasan, natural na kailangang magbigay daan sa langis, at ang prosesong ito ng pag-alis ng tempera na may pagpipinta ng langis ay lalo na patuloy na dinadala. sa labas ng Venice. Hindi dapat kalimutan na para sa mga pintor ng Venetian, ang isang partikular na mahalagang pag-aari ng pagpipinta ng langis ay ang kakayahang maging mas nababaluktot kaysa sa tempera, at kahit na may fresco, upang maihatid ang liwanag na kulay at spatial na lilim ng kapaligiran ng tao, ang kakayahang malumanay at sonorously sculpt ang hugis ng katawan ng tao. Para kay Giorgione, na medyo maliit na nagtrabaho sa larangan ng malalaking monumental na komposisyon (ang kanyang pagpipinta ay, sa esensya, alinman sa easel sa kalikasan, o sila ay napakalaki sa kanilang pangkalahatang tunog, ngunit hindi konektado sa istraktura ng nakapalibot na komposisyon ng arkitektura ng interior. ), ang mga posibilidad na ito na likas sa oil painting ay lalong mahalaga. Ito ay katangian na ang malambot na paghubog ng anyo na may chiaroscuro ay likas din sa kanyang mga guhit.

isang pakiramdam ng mahiwagang pagiging kumplikado ng panloob na espirituwal na mundo ng isang tao, na nakatago sa likod ng maliwanag na malinaw na kagandahan ng kanyang marangal na panlabas na anyo, ay nahahanap ang pagpapahayag sa sikat na "Judith" (bago ang 1504, Leningrad, ang Hermitage). Ang "Judith" ay pormal na komposisyon sa isang tema ng Bibliya. Bukod dito, hindi tulad ng mga kuwadro na gawa ng maraming Quattrocentists, ito ay isang komposisyon sa isang tema, at hindi isang paglalarawan ng isang teksto sa Bibliya. Samakatuwid, ang master ay hindi naglalarawan ng anumang culminating moment mula sa punto ng view ng pag-unlad ng kaganapan, tulad ng karaniwang ginagawa ng mga Quattrocento masters (Si Judith ay hinahampas ng espada si Holofernes o dinadala ang kanyang pinutol na ulo kasama ang dalaga).

Sa likod ng isang kalmadong tanawin bago lumubog ang araw, sa ilalim ng lilim ng isang puno ng oak, na maingat na nakasandal sa balustrade, ang payat na si Judith ay nakatayo. Ang makinis na lambot ng kanyang anyo ay itinakda sa kaibahan ng napakalaking trunk ng isang makapangyarihang puno. Ang mga damit ng isang malambot na iskarlata na kulay ay natatakpan ng isang hindi mapakali na basag na ritmo ng mga fold, na parang isang malayong alingawngaw ng isang dumadaan na ipoipo. Hawak niya sa kanyang kamay ang isang malaking dalawang talim na espada na nakapatong sa lupa gamit ang dulo nito, ang malamig na ningning at tuwid nito ay kabaligtaran na binibigyang-diin ang flexibility ng kalahating hubad na binti na yumuyurak sa ulo ni Holofernes. Isang hindi mahahalatang kalahating ngiti ang bumungad sa mukha ni Judith. Ang komposisyon na ito, tila, ay nagbibigay ng lahat ng kagandahan ng imahe ng isang kabataang babae, malamig na maganda, na kung saan ay echoed, tulad ng isang uri ng musikal saliw, sa pamamagitan ng malambot na kalinawan ng nakapalibot na mapayapang kalikasan. Kasabay nito, ang malamig na talim ng espada, ang hindi inaasahang kalupitan ng motibo - ang malambot na hubad na paa na tinatapakan ang patay na ulo ni Holofernes - ay nagdadala ng isang pakiramdam ng malabo na pagkabalisa at pagkabalisa sa tila magkakasuwato, halos idyllic sa mood picture.

Sa kabuuan, siyempre, ang malinaw at mahinahon na kadalisayan ng panaginip na kalooban ay nananatiling nangingibabaw na motibo. Gayunpaman, ang paghahambing ng kaligayahan ng imahe at ang mahiwagang kalupitan ng motif ng espada at ang ulong natapakan, ang halos rebus na pagiging kumplikado ng dalawahang mood na ito, ay maaaring maglubog sa modernong manonood sa ilang pagkalito.

Ngunit ang mga kontemporaryo ni Giorgione, tila, ay hindi gaanong natamaan ng kalupitan ng kaibahan (ang Renaissance humanism ay hindi kailanman sobrang sensitibo), sa halip na maakit ng banayad na paghahatid ng mga dayandang ng malalayong bagyo at mga dramatikong salungatan, kung saan ang pagtatamo ng pinong pagkakaisa, ang estado ng katahimikan ng nananaginip na nangangarap na magandang kaluluwa ng tao.

Sa panitikan, minsan ay may pagtatangka na bawasan ang kahulugan ng sining ni Giorgione sa pagpapahayag ng mga mithiin ng isang maliit lamang na humanistically enlightened patrician elite ng Venice noong panahong iyon. Gayunpaman, hindi ito ganap na totoo, o sa halip, hindi lamang ito. Ang layuning nilalaman ng sining ni Giorgione ay di-masusukat na mas malawak at mas unibersal kaysa sa espirituwal na mundo ng makitid na panlipunang saray na kung saan ang kanyang trabaho ay direktang konektado. Ang pakiramdam ng pinong maharlika ng kaluluwa ng tao, ang pagsusumikap para sa perpektong pagiging perpekto ng magandang imahe ng isang taong namumuhay nang naaayon sa kapaligiran, kasama ang nakapaligid na mundo, ay nagkaroon din ng malaking pangkalahatang progresibong kahalagahan para sa pag-unlad ng kultura.

Gaya ng nabanggit, ang interes sa portrait sharpness ay hindi katangian ng gawa ni Giorgione. Hindi ito nangangahulugan na ang kanyang mga karakter, tulad ng mga imahe ng klasikal na sinaunang sining, ay walang anumang konkretong indibidwal na pagka-orihinal. Ang kanyang magi sa unang bahagi ng "Adoration of the Magi" at ang mga pilosopo sa "Three Philosophers" (c. 1508, Vienna, Kunsthistorisches Museum) ay naiiba sa isa't isa hindi lamang sa edad, kundi pati na rin sa kanilang hitsura, sa kanilang pagkatao. Gayunpaman, sila, at lalo na ang "Tatlong Pilosopo", kasama ang lahat ng mga indibidwal na pagkakaiba sa mga imahe, ay nakikita natin higit sa lahat hindi tulad ng natatangi, malinaw na katangian ng mga indibidwal, o higit pa bilang isang imahe ng tatlong edad (isang kabataang lalaki). , isang mature na asawa at isang matandang lalaki), ngunit bilang ang sagisag ng iba't ibang aspeto, iba't ibang facet ng espiritu ng tao. Hindi sinasadya at bahagyang nabigyang-katwiran ang pagnanais na makita sa tatlong siyentipiko ang sagisag ng tatlong aspeto ng karunungan: ang humanistic mistisismo ng Eastern Averroism (isang lalaking naka-turban), Aristotelianism (isang matandang lalaki) at kontemporaryong artista humanismo (isang kabataang lalaki na matanong na tumitingin sa mundo). Ito ay lubos na posible na Giorgione ilagay ang kahulugan na ito sa imahe na kanyang nilikha.

Ngunit ang nilalaman ng tao, ang masalimuot na kayamanan ng espirituwal na mundo ng tatlong bayani ng larawan ay mas malawak at mas mayaman kaysa sa alinmang panig na interpretasyon sa kanila.

Sa esensya, ang unang paghahambing sa loob ng balangkas ng umuusbong na sistema ng sining ng Renaissance ay isinagawa sa sining ni Giotto - sa kanyang fresco na "The Kiss of Judas". Gayunpaman, doon ang paghahambing ni Kristo at ni Hudas ay binasa nang napakalinaw, dahil ito ay konektado sa kilalang relihiyosong alamat noong panahong iyon, at ang pagsalungat na ito ay may katangian ng isang malalim na hindi mapagkakasundo na salungatan sa pagitan ng mabuti at masama. Ang malisyosong taksil at mapagkunwari na mukha ni Hudas ay nagsisilbing antipode sa marangal, mataas at mahigpit na mukha ni Kristo. Dahil sa kalinawan ng balangkas, ang salungatan ng dalawang larawang ito ay may malaking direktang kamalayan na nilalamang etikal. Moral at etikal (mas tiyak, moral at etikal sa kanilang pagsasanib) higit na mataas, bukod pa rito, ang moral na tagumpay ni Kristo laban kay Judas sa labanang ito, ay hindi maikakaila na malinaw sa atin.

Sa Giorgione, ang pagkakatugma ng isang panlabas na kalmado, walang limitasyon, aristokratikong pigura ng isang marangal na asawa at isang pigura ng isang medyo malisyoso at batayang karakter na sumasakop sa isang umaasa na posisyon na may kaugnayan sa kanya ay hindi konektado sa isang sitwasyon ng salungatan, sa anumang kaso, na may ganoong sitwasyon. malinaw na hindi pagkakasundo ng mga karakter at ang kanilang pakikibaka, na nagbibigay ng napakataas na kalunus-lunos na kahulugan ng Giotto, na pinagsama ng halik ng reptilya na sina Hudas at Kristo, maganda sa kanyang mahinahon na mahigpit na espirituwalidad ( Nakakapagtataka na ang yakap ni Judas, na naglalarawan sa pagdurusa ng guro sa krus, ay muling umaalingawngaw, kumbaga, na may komposisyon na motibo ng pagpupulong ni Maria kay Elizabeth, kasama ni Giotto sa pangkalahatang siklo ng buhay ni Kristo at pagsasahimpapawid. tungkol sa darating na kapanganakan ng Mesiyas.).

Clairvoyant at magkakasuwato sa nakatagong pagiging kumplikado at misteryo nito, ang sining ng Giorgione ay dayuhan sa pagbubukas ng mga sagupaan at pakikibaka ng mga karakter. At hindi nagkataon na hindi nakuha ni Giorgione ang mga dramatikong magkasalungat na posibilidad na nakatago sa motif na inilalarawan niya.

Ito ang kanyang pagkakaiba hindi lamang kay Giotto, kundi pati na rin sa kanyang napakatalino na estudyanteng si Titian, na, sa panahon ng unang kasagsagan ng kanyang kabayanihan at masayang pagkamalikhain, kahit na sa ibang paraan kaysa kay Giotto, nahuli sa kanyang "Denarius of Caesar" , wika nga, ang etikal na kahulugan ng aesthetic na pagsalungat ng pisikal at espirituwal na kadakilaan ni Kristo sa kasuklam-suklam at malupit na lakas ng pagkatao ng Pariseo. Kasabay nito, lubos na nakapagtuturo na ang Titian ay tumutukoy din sa kilalang yugto ng Ebanghelyo, na mariin na sumasalungat sa likas na katangian ng balangkas mismo, paglutas ng paksang ito, natural, sa mga tuntunin ng ganap na tagumpay ng makatuwiran at maayos na kalooban ng isang tao na naglalaman dito ng Renaissance at humanistic ideal sa kanyang sariling kabaligtaran.

Ang pagbabalik sa aktwal na mga gawa ng portrait ni Giorgione, dapat itong kilalanin na ang isa sa mga pinaka-katangian na mga larawan ng kanyang mature na panahon ng pagkamalikhain ay ang kahanga-hangang "Portrait of Antonio Brocardo" (c. 1508 - 1510, Budapest, Museum of Fine Arts). Sa loob nito, siyempre, ang mga indibidwal na katangian ng larawan ng isang marangal na binata ay tumpak na naihatid, ngunit malinaw na pinalambot ang mga ito at, parang, hinabi sa imahe ng isang perpektong tao.

Ang walang pigil na malayang paggalaw ng kamay ng binata, ang enerhiyang nararamdaman sa katawan, kalahating nakatago sa ilalim ng maluwag na malapad na damit, ang marangal na kagandahan ng isang maputlang kulay-abo na mukha, ang pinipigilang pagiging natural ng pagtatanim ng ulo sa isang malakas, payat na leeg, ang kagandahan ng tabas ng isang nababanat na tinukoy na bibig, ang maalalahanin na panaginip ng isang taong tumitingin sa malayo at sa gilid mula sa tingin ng manonood - lahat ng ito ay lumilikha ng isang imahe ng isang tao na puno ng marangal na kapangyarihan, na kinuha ng isang malinaw, mahinahon at malalim. naisip. Ang malambot na kurba ng bay na may tahimik na tubig, ang tahimik na bulubunduking baybayin na may mataimtim na kalmadong mga gusali ay bumubuo ng isang landscape na background ( Dahil sa madilim na background ng pagpipinta, ang tanawin sa mga reproductions ay hindi nakikilala.), na, gaya ng nakasanayan kay Giorgione, ay hindi nagkakaisa na inuulit ang ritmo at mood ng pangunahing pigura, ngunit, bilang ito ay, hindi direktang kaayon sa mood na ito.

Ang lambot ng cut-off sculpting ng mukha at kamay ay medyo nakapagpapaalaala sa sfumato ni Leonardo. Sabay-sabay na nalutas nina Leonardo at Giorgione ang problema ng pagsasama-sama ng mga plastik na malinaw na arkitekto ng mga anyo ng katawan ng tao sa kanilang pinalambot na pagmomolde, na naging posible upang maihatid ang lahat ng kayamanan ng mga plastik at chiaroscuro shade nito - upang magsalita, ang mismong "hininga" ng katawan ng tao. Kung kay Leonardo ito ay sa halip ay isang gradasyon ng liwanag at madilim, ang pinakamagandang pagtatabing ng anyo, kung gayon sa Giorgione sfumato ay may isang espesyal na karakter - ito ay, parang, pagmomodelo ng mga volume ng katawan ng tao na may malawak na stream ng malambot na liwanag .

Ang mga larawan ni Giorgione ay nagsimula ng isang kahanga-hangang linya ng pag-unlad ng Venetian portrait ng High Renaissance. Ang mga tampok ng larawan ng Giorgione ay higit na bubuo ni Titian, na, gayunpaman, hindi katulad ni Giorgione, ay may mas matalas at mas malakas na pakiramdam ng indibidwal na natatangi ng itinatanghal na karakter ng tao, isang mas dynamic na pang-unawa sa mundo.

Ang gawain ng Giorgione ay nagtatapos sa dalawang gawa - "Sleeping Venus" (c. 1508 - 1510, Dresden, Art Gallery) at ang Louvre "Concert" (1508). Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos, at ang background ng landscape sa mga ito ay kinumpleto ng nakababatang kaibigan at estudyante ni Giorgione, ang dakilang Titian. Ang "Sleeping Venus", bilang karagdagan, ay nawala ang ilan sa mga magagandang katangian nito dahil sa ilang mga pinsala at hindi matagumpay na pagpapanumbalik. Ngunit kahit na ano pa man, sa gawaing ito ang ideyal ng pagkakaisa ng pisikal at espirituwal na kagandahan ng tao ay nahayag nang may lubos na pagiging makatao at halos sinaunang kalinawan.

Nakalubog sa isang tahimik na pagkakatulog, ang hubad na Venus ay inilalarawan ni Giorgione sa backdrop ng isang rural na landscape, ang mahinahon at banayad na ritmo ng mga burol ay naaayon sa kanyang imahe. Ang kapaligiran ng isang maulap na araw ay nagpapalambot sa lahat ng mga contour at sa parehong oras ay pinapanatili ang plastic expressiveness ng mga form. Ito ay katangian na dito muli ang tiyak na ugnayan ng pigura at ang background ay ipinahayag, naiintindihan bilang isang uri ng saliw sa espirituwal na estado ng pangunahing tauhan. Hindi sinasadya na ang tensely calm ritmo ng mga burol, na pinagsama sa landscape na may malawak na ritmo ng mga parang at pastulan, ay pumapasok sa isang kakaibang consonant contrast sa malambot, pahabang kinis ng mga contours ng katawan, na kung saan ay contrasted. sa pamamagitan ng hindi mapakali na malambot na tiklop ng tela kung saan nakahiga ang hubad na Venus. Kahit na ang tanawin ay nakumpleto hindi ni Giorgione mismo, ngunit ni Titian, ang pagkakaisa ng makasagisag na istraktura ng larawan sa kabuuan ay hindi mapag-aalinlanganan batay sa katotohanan na ang tanawin ay hindi lamang kasabay ng imahe ng Venus at hindi walang malasakit na nauugnay sa ito, ngunit nasa masalimuot na relasyon na kung saan ang linya ay matatagpuan sa musika. melodies ng mang-aawit at ng koro na sinasamahan siya sa kaibahan. Inilipat ni Giorgione sa globo ng relasyon na "tao - kalikasan" ang prinsipyo ng desisyon na ginamit ng mga Griyego ng klasikal na panahon sa kanilang mga imaheng estatwa, na nagpapakita ng kaugnayan sa pagitan ng buhay ng katawan at ng mga kurtina ng magaan na damit na itinapon sa ibabaw nito. Doon, ang ritmo ng mga kurtina ay, kumbaga, isang alingawngaw, isang alingawngaw ng buhay at paggalaw ng katawan ng tao, sa parehong oras na sumusunod sa paggalaw nito sa isang kakaibang katangian ng hindi gumagalaw na pagkatao nito kaysa sa nababanat-nabubuhay na kalikasan ng isang payat na katawan ng tao. Kaya sa laro ng mga draperies ng mga estatwa noong ika-5 - ika-4 na siglo BC. e. ang isang ritmo ay ipinahayag, contrastingly shading ang malinaw, elastically "bilugan" plasticity ng katawan mismo.

Tulad ng iba pang mga likha ng Mataas na Renaissance, ang Venus ni George sa perpektong kagandahan nito ay sarado at, parang, "nakahiwalay", at sa parehong oras ay "magkakaugnay" kapwa sa manonood at sa musika ng kalikasan na nakapaligid sa kanya, katinig. sa kanyang kagandahan. Ito ay hindi nagkataon na siya ay nahuhulog sa malinaw na panaginip ng isang tahimik na pagtulog. Ang kanang kamay na itinapon sa likod ng ulo ay lumilikha ng isang solong ritmikong kurba na yumakap sa katawan at isinasara ang lahat ng anyo sa isang solong makinis na tabas.

Ang isang tahimik na magaan na noo, mahinahon na naka-arko na mga kilay, mahinang ibinaba ang mga talukap ng mata at isang magandang mahigpit na bibig ay lumikha ng isang imahe ng transparent na kadalisayan na hindi mailalarawan sa mga salita.

Ang lahat ay puno ng kristal na transparency, na makakamit lamang kapag ang isang malinaw, walang ulap na espiritu ay naninirahan sa isang perpektong katawan.

Ang "Concert" ay naglalarawan sa backdrop ng isang kalmadong solemne na tanawin, ang dalawang binata na may magagarang damit at dalawang hubad na babae, na bumubuo ng isang grupong walang limitasyon. Ang mga bilugan na korona ng mga puno, ang mahinahong mabagal na paggalaw ng mamasa-masa na ulap ay kahanga-hangang kasuwato ng libre, malawak na ritmo ng mga damit at galaw ng mga kabataang lalaki, na may marangyang kagandahan ng mga hubad na babae. Ang lacquer ay nagdilim sa paglipas ng panahon ay nagbigay sa larawan ng isang mainit, halos mainit na ginintuang kulay. Sa katunayan, ang kanyang pagpipinta ay orihinal na nailalarawan sa pamamagitan ng isang balanseng pangkalahatang tono. Nakamit ito sa pamamagitan ng tumpak at banayad na harmonic juxtaposition ng mga pinipigilang malamig at katamtamang mainit na mga tono. Ito ay tiyak na ito ay banayad at kumplikado, nakuha sa pamamagitan ng tumpak na nakunan contrasts, na ang malambot na neutralidad ng pangkalahatang tono ay hindi lamang lumikha ng pagkakaisa na katangian ng Giorgione sa pagitan ng pinong pagkakaiba ng mga shade at ang kalmadong kalinawan ng coloristic na kabuuan, ngunit medyo pinalambot din iyon. masayang sensual na himno sa kahanga-hangang kagandahan at kasiyahan sa buhay, na makikita sa larawan. .

Sa mas malaking lawak kaysa sa iba pang mga gawa ni Giorgione, ang "Concerto" ay tila naghahanda sa hitsura ni Titian. Kasabay nito, ang kabuluhan ng huli na gawaing ito ni Giorgione ay hindi lamang sa kanyang, wika nga, paghahanda, ngunit sa katotohanan na muli nitong ibinubunyag, na hindi nauulit ng sinuman sa hinaharap, ang kakaibang kagandahan ng kanyang malikhaing pagkatao. Ang senswal na kagalakan ng pagiging nasa Titian ay parang isang maliwanag at masiglang nasasabik na himno sa kaligayahan ng tao, ang natural nitong karapatan sa kasiyahan. Sa Giorgione, ang senswal na kagalakan ng motif ay pinalambot ng mapangarapin na pagmumuni-muni, na napapailalim sa isang malinaw, maliwanag na balanseng pagkakatugma ng isang holistic na pananaw sa buhay.