Pittura del 20° secolo - un nuovo linguaggio dell'arte - presentazione sul Teatro d'Arte di Mosca. Pittura del 20° secolo - un nuovo linguaggio artistico - presentazione sulla forma delle finestre a nastro orizzontale MHK; tetto piano per

Sezioni: MHK e IZO

Classe: 11

Tipo di lezione: combinato

Modulo di lezione: lezione: miglioramento delle conoscenze, formazione di una nuova visione del problema.

Obiettivi:

Formazione della suscettibilità estetica alle idee sulle tradizioni storiche e sui valori della cultura artistica nella pittura russa e straniera a cavallo tra il XIX e il XX secolo.
Sviluppo e formazione del concetto di "dialogo tra spettatore e artista" basato sulle opere di V. Kandinsky.
Educazione della sfera emotiva degli studenti.

Rivelare e generalizzare le principali direzioni delle tendenze artistiche nella pittura a cavallo tra XIX e XX secolo;
Per formare un quadro artistico olistico, sfaccettato, pieno di varie caratteristiche individuali dell'epoca;

Attrezzatura: computer, proiettore, scheda dimostrativa.

Portata visiva: e pygraph alla lavagna, presentazione - presentazione sull'argomento della lezione.

Presentazione: O. Renoir "Swing", Paul Gauguin ""Visione dopo il sermone, o la lotta di Jacob con l'angelo", E. Munch "The Scream", V. Borisov - Musatov "Reservoir", A. Matisse "Red Room" , S. Dali “Cigni raffigurati in elefanti”, P. Picasso “Ragazze di Avignone”, V. Kandinsky “Mucca”, “Tavole di colori”

Piano di lezione:

I. Momento organizzativo. Presentazione dell'argomento e dei compiti del lavoro nella lezione.

II. Parte principale. Ripetizione, classificazione, generalizzazione del materiale trattato.

III. Acquisizione di nuove conoscenze, basate sull'analisi del materiale trattato, conoscenza del movimento "Cubismo", "Astrattismo".

IV. Riassumendo la lezione, i compiti.

Durante le lezioni

Voglio iniziare la lezione con le parole dell'artista Henri Matisse: “Creare è esprimere ciò che è in te.”

IO. Oggi il nostro compito sarà quello di creare un certo ritratto di un'epoca nella storia dell'arte pittorica, a cavallo tra 19° e 20° secolo, un'epoca piena di ricerche creative, di sperimentazioni che hanno cambiato completamente l'idea di pittura e ruolo dell'artista in esso. In quest'epoca, in cui nasce una nuova tendenza d'avanguardia nell'arte, e, purtroppo, ancora non del tutto compresa da molti, e non meritata, provocando smentite. All'inizio della lezione, determineremo la gamma di domande a cui dovremmo ottenere una risposta durante la lezione.

Appendo queste domande davanti a te su fogli di carta in modo che, durante la lezione, tu possa sempre vederle e decidere tu stesso con le loro risposte.

1. Quale direzione artistica può essere considerata l'inizio dell'avanguardia?

2. Con quale corrente artistica inizia la svolta attraverso la realtà visiva nel mondo della nuova realtà?

3. Come cambia l'argomento dell'artista e perché?

4. Perché il termine “raffigurare” cambia nel termine “espresso”?

II. Per prima cosa, definiamo come intendi il termine "avanguardia", "avanguardia".

Avanguardia, avanguardia è un nome generico per le correnti nel mondo sorte a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Sono caratterizzati da novità, coraggio, direzione sperimentale nell'arte.

Passiamo ora alla mostra d'arte, dove ogni opera è selezionata in modo che sia una pietra miliare nella direzione dell'avanguardia.

1. Il primo dipinto dell'artista francese O. Renoir. Conosciamo il lavoro di questo artista e questa direzione nell'arte. Cosa puoi ricordare?

Impressionismo. Dipingere "Altalena".

Ah, ora, vorrei che tu, un po' diversamente, valutassi questo lavoro. Immagina cosa cambierebbe nella tecnica di scrittura dell'artista se l'artista scrivesse su un argomento del genere in modo classico?

I vestiti di un uomo e di una donna sarebbero scritti con fiori senza macchie, erba, foglie sarebbero scritti con più attenzione. La particolarità della scrittura impressionista è la rappresentazione del mondo reale attraverso il gioco di luci e ombre, la scissione del colore in spettri.

Questo dà l'impressione dell'opera “frettolosamente”, senza il suo studio dettagliato. In questo modo, il modo di scrivere la direzione classica differisce dagli impressionisti.

Si può solo aggiungere che la decisione degli impressionisti di dipingere come vedo io, e non come accettato, diventa il punto di partenza per l'allontanamento dal realismo dalla trama in pittura. E se guardiamo ora alla prima domanda posta all'inizio della lezione, la risposta è già chiara.

L'inizio del movimento d'avanguardia è l'impressionismo. Una tendenza in cui la natura è raffigurata come la vede l'occhio e si osserva già la superiorità della visione dell'autore sull'accuratezza della riproduzione del mondo visibile. Questo è il primo piccolo passo in una nuova direzione, questo è il suo inizio.

2. Paul Gauguin "Visione dopo il sermone, ovvero la lotta di Giacobbe con l'angelo".

Decidiamo la direzione artistica di questa immagine.

Paul Gauguin è classificato come un pittore postimpressionista.

I postimpressionisti, vanno oltre. Si rifiutano di affermare che esiste solo ciò che l'occhio vede in un dato momento. Paul Gauguin sta lavorando attivamente su come comprendere le leggi in base alle quali vengono create le sensazioni umane. In altre parole, per trovare quel confine tra realtà e irrealtà, per esempio, l'immagine di una persona e le sue sensazioni. E questo è il mondo invisibile, il mondo irreale. Questo è chiaramente visibile nell'immagine. Ha mostrato il confine tra la realtà (i parrocchiani bretoni) e la loro visione (Giacobbe e l'angelo).

Veniamo alle nostre domande. La seconda domanda ha appena avuto risposta. Nel movimento artistico del postimpressionismo, il reale e il fantastico sono combinati, e già viene mostrata una svolta nel "mondo della nuova realtà".”.

3. E. Munch "Urlo". Questa immagine ci è già familiare. Conosciamo anche la sua direzione.

Espressionismo, che significa espressione.

Se espressione, cosa esprime l'artista nell'espressionismo?

Emozioni umane, in questo caso negative: paura, dolore, umiliazione, disperazione.

Le emozioni umane sono il mondo reale o il mondo invisibile all'occhio umano? Le emozioni umane, una varietà di esse, la forza possono apparirci come una sorta di realtà? Dopotutto, tutta la nostra lezione si basa sulla comprensione della realtà e dell'irrealtà.

In realtà, probabilmente no.

Per fare ciò, hanno iniziato a utilizzare nuove tecniche, che si basano sulla deformazione della forma. Questa tecnica è stata utilizzata da E. Munch quando voleva trasmettere su tela i sentimenti di una persona spaventata a morte. Che tipo di mondo sta diventando spettacolo espressionismo?

L'espressionismo è il mondo "invisibile", dove la cosa principale sono le emozioni umane.

E come spieghi il termine "espressione" in relazione all'espressionismo?

Probabilmente, le emozioni umane possono solo essere espresse, non ritratte.

Perché iniziano a prestare attenzione a un fenomeno così difficile come le emozioni?

Forse sono interessati al mondo interiore dell'uomo.

Il luogo di nascita dell'espressionismo, se ricordi, è stata la Germania all'inizio del XX secolo. Fioritura violenta della tecnologia, industria sullo sfondo del degrado dei fondamenti culturali. La soppressione dell'individuo, mai una persona così piccola come allora, il desiderio dell'anima, il suo grido di aiuto: questi sono i principali dominanti emotivi dell'espressionismo.

3. V.Borisov - Musatov "Serbatoio".

La tendenza del simbolismo, le sue caratteristiche: gli artisti spingono in secondo piano l'immagine della natura, la cosa principale per loro è la loro idea del mondo delle loro fantasie, il loro mondo invisibile. Viene introdotto il concetto di “simbolo” come rappresentante di una nuova realtà. La nuova realtà è solo come rappresentazione, come fantasia, quindi può cambiare, può solo ricordare un oggetto reale. E il simbolo non deve essere simile a un oggetto del mondo reale. Può essere condizionatamente simile e, di conseguenza, rappresentato condizionatamente.

Conclusione: l'idea del contatto di due mondi: il visibile e la nuova realtà, dove la nuova realtà è un simbolo del mondo visibile.

4. A. Matisse "Camera Rossa".

Il dipinto dell'artista francese Henri Matisse, "Red Room", a prima vista, è insolito. Proviamo a capirne le caratteristiche. Colori insoliti, immagine planare. In che direzione pensi che sia scritto?

Fauvismo. (selvaggio). È caratterizzato da un colore aperto, mancanza di volume. Gli artisti hanno continuato gli esperimenti con il colore, il volume, l'immagine condizionale di un oggetto sul piano dell'immagine, hanno abbandonato la riproduzione illusoria dello spazio tridimensionale, concentrandosi sulle proprietà decorative della superficie dell'immagine.

Tutto detto è corretto. Resta da aggiungere che il termine "Fauvismo" compare grazie al critico Louis Vauxcelles.

5. P. Picasso “Ragazze avignonesi”.

Quale direzione d'avanguardia rappresenta?

Ricordate le parole di P. Cezanne: “Tutto in natura è modellato a forma di palla, cono e cilindro. Dobbiamo imparare a scrivere su queste semplici figure. Se impari a padroneggiare queste forme, farai quello che vuoi” (MHK, grado 11, autore L. Rapatskaya, p. 110). Ma P. Cezanne aveva in mente che queste forme di base dovevano essere tenute presenti come principio organizzativo del quadro. Tuttavia, Picasso e i suoi amici hanno preso il consiglio alla lettera. L'aspetto del nome di questa tendenza è associato al critico d'arte Louis Vaucelles, che definì i nuovi dipinti di Braque "stranezze cubiche".

Pertanto, ovviamente, abbiamo tutti capito di che tipo di corso stiamo parlando ora.

Cosa si può dire del cubismo, delle sue caratteristiche della scrittura?

Si basa su esperimenti con la costruzione di oggetti tridimensionali su un piano. Costruzione di una nuova forma d'arte come risultato di un'analisi geometrica dell'oggetto e dello spazio Conclusione studenti e docente: Esperimenti con la forma.

6. S. Dali “Cigni raffigurati in elefanti”. Parliamo di questa immagine, sulla base di ciò che sappiamo del surrealismo. L'immagine è comprensibile per la sua tecnica di scrittura. L'autore è Salvador Dalì, la corrente è il surrealismo.

Surrealismo. Super realismo, in cui la fonte di ispirazione è nel subconscio umano, basato sulla teoria di Z. Freud. Un rappresentante di spicco è S. Dalì. significato irrazionale. Ogni natura (cigni, elefanti, alberi) nella foto è completamente reale. Ma la loro vita insieme sulla tela è una totale assurdità.

Dove siamo venuti? Nel mondo rappresentato delle illusioni, nell'universo stesso dell'artista, che ci ha mostrato.

III. Insegnante: Sulla base di diverse opere d'arte, abbiamo tracciato la logica dello sviluppo dell'avanguardia, spaziando dall'impressionismo al surrealismo. L'inizio del XIX e XX secolo è un periodo di straordinarie scoperte nel campo dell'arte, un periodo di straordinarie sperimentazioni, un tempo di una nuova comprensione dell'artista come persona nella pittura. Voglio sottolineare che questo sviluppo non è stato lineare. Ogni artista ha scelto ciò che era più accettabile per lui. Dopotutto, gli artisti non sono più raffigurati sulle tele, hanno espresso le loro idee, pensieri, fantasie, il tuo universo. La scelta della direzione dipendeva completamente dall'idea che aveva concepito. Quando è stato chiesto a P. Picasso in quale direzione avrebbe dipinto il prossimo quadro, ha risposto approssimativamente: "In quello che meglio esprime la mia idea". L'immagine ha smesso di rappresentare, l'immagine ha iniziato a esprimere l'idea dell'artista. L'artista diventa gradualmente un creatore e la creazione di un'immagine è un atto di creazione. Il mondo visibile che i pittori dei secoli passati erano soliti raffigurare non ispirava più. Gli artisti hanno cominciato a ispirarsi al mondo “altro”, che non è visibile, ma vive sempre inseparabilmente accanto a noi. Il mondo dei nostri sentimenti, esperienze, fantasie. Se pensi a come espandere il mondo delle immagini che il pittore può trasferire sulla tela. Dopotutto, ciò che l'artista crea è limitato solo dalla sua immaginazione personale. Pertanto, il ruolo dell'artista sta cambiando, non è più un copista del mondo, "che è stato creato dal Dio Altissimo", lui stesso è il creatore - il creatore dei suoi universi. Malevich ha detto: "Io sono l'inizio di tutto, perché i mondi sono creati nella mia mente". Il mondo che Dio ha creato non è interessante per loro, inoltre, loro stessi si sentono come dei - creatori. E se questi sono mondi creati dagli stessi creatori - gli artisti, allora le leggi dell'universo ci saranno solo quelle che l'artista stesso escogita. Ma qui compaiono molte difficoltà, prima di tutto, nel comprendere l'idea del mondo che l'artista ha creato. Questo, in misura maggiore, respinge il pubblico dagli artisti d'avanguardia, che sono abituati a vedere una certa trama letteraria in ogni quadro. Penetrare l'idea, comprenderne l'espressione nell'immagine è un compito difficile ma interessante. Vorrei citare un'affermazione: “Il quadro deve essere complesso. Quando la guardi, tu stesso diventi più complicato. Quando sali una scala, non è la scala che ti solleva, ma lo sforzo che ci metti”. Naturalmente, è necessario compiere sforzi emotivi e intellettuali per rendere il quadro chiaro. Ma c'è anche un buon interesse per questo!

Ma pensiamo oltre. Quelle immagini nei dipinti dell'artista, ad esempio Salvador Dali, che ci mostra, saranno una realtà? Dopotutto, come li avrebbe creati lui stesso? Ha dipinto un quadro, trasmettendo allo spettatore il suo mondo fantastico invisibile? Dopotutto, l'immagine che l'artista crea inizialmente nel mondo delle sue fantasie, le vede lui stesso, come se avesse una pupilla dentro. E cosa vediamo nel suo quadro dipinto. Realtà o sua copia?

Una copia, appunto, ko-pi-yu!

saranno solo copie, anche fantasie dei propri mondi, ma pur sempre copie. Ma se un artista è un creatore, come intendono se stessi gli avanguardisti, e il mondo che crea dovrebbe essere solo reale, non una copia. Ma cosa può davvero creare l'artista stesso? Proviamo a capirlo con un esempio.

Dipinto di M. Saryan "Natura morta".

Cosa viene mostrato qui?

Uva, banane, pere.

Se sono uva, banane, pere, gustiamole.

I bambini giungono alla conclusione che questo non può essere fatto, perché. questa è solo una foto di frutta.

Ciò significa che vediamo solo un'immagine o una copia di oggetti reali. Ma questo non si adatta all'idea degli artisti d'avanguardia sul loro ruolo di creatori.

Se l'immagine è una copia, allora cosa c'è di reale qui? Vedi cosa ho tra le mani? (riproduzione in cornice). I bambini devono giungere alla conclusione che:

Ciò che è reale è ciò che tengo tra le mani, una tela, e su di essa dipingo ..., cioè l'immagine stessa, che può essere trattenuta, sembrava un oggetto reale. La vera realtà non è nell'immagine del frutto nell'immagine, ma nell'immagine stessa.

Cos'altro è reale nella foto? Oltre alla tela, cos'altro vediamo?

I bambini devono arrivare a una conclusione

Dipinti che attualmente raffigurano frutti.

Sta emergendo una nuova logica di avanguardia: "Se solo i colori sono reali in un'immagine, allora è necessario rappresentare la vita di questi colori sulla tela!"

Qual è dunque la conclusione?

L'immagine nella pittura iniziò a essere compresa come una cosa materiale in un ambiente reale. Solo le vernici sono materiali, quindi ciò che verrà raffigurato su una cosa materiale (immagine) non è così importante (solo le vernici sono importanti), quindi gli artisti si rifiutano di rappresentare qualcosa di diverso dalle vernici su tela. Ma come capire l'idea dell'artista? Dopotutto, l'idea viene sempre prima, e solo dopo tutto il resto ... E ancora una volta viene proposta un'intesa importante: un dialogo tra lo spettatore e l'artista. Ricordiamoci le parole: Quando sali una scala, non è lei che ti solleva, ma lo sforzo che fai. Dopotutto, la scala è il nostro livello intellettuale, che non può essere ampliato senza sforzo. Pensaci. Le opere delle avanguardie non sono di facile comprensione, ma è proprio questo che le attrae.

L'immagine smette di rappresentare qualsiasi realtà, è diventata questa stessa realtà. Pertanto, vediamo una cornice, una tela, dipinge. “Vedi quello che vedi” - L'immagine come realtà.

E ora vediamo sullo schermo la definizione di astrattismo:

L'astrattismo (lat. abstractio - rimozione, distrazione) è una direzione dell'arte non figurativa che ha abbandonato la rappresentazione di forme vicine alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è quello di raggiungere l'"armonizzazione", la creazione di determinate combinazioni di colori e forme geometriche per evocare varie associazioni nel contemplatore, sebbene alcuni dipinti assomiglino a un semplice punto nel mezzo della tela. Fondatori: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov.

Sullo schermo c'è un dipinto di V. Kandinsky "Cow".

Opera pratica “Dialogo tra spettatore e artista”. La tabella 1 è distribuita con un dizionario simbolico-psicologico, basato sull'opera "Sull'arte spirituale" di V. Kandinsky

(L'immagine provoca sconcerto, sorpresa per la sua incomprensibilità).

Ora dovremo affrontare noi stessi tali domande: "su cosa?" e "come?"

Ma prima, un po' sulla biografia dell'artista.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (4 dicembre (16), 1866, Mosca - 13 dicembre 1944, Francia) - un eccezionale pittore russo, artista grafico e teorico delle belle arti, uno dei fondatori dell'astrattismo. Fu uno dei fondatori del gruppo Blue Rider, insegnante del Bauhaus.

Nato a Mosca, ricevette la sua educazione musicale e artistica di base a Odessa quando la famiglia vi si trasferì nel 1871. I genitori hanno assunto la professione di avvocato per il figlio, Vasily Vasilyevich, brillantemente laureato presso la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università statale di Mosca. A 30 anni decide di diventare artista; ciò avvenne sotto l'influenza della mostra impressionista a Mosca nel 1895 e del dipinto "Covoni di fieno" di Claude Monet. Nel 1896 si trasferì a Monaco, dove conobbe gli espressionisti tedeschi. Dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, tornò a Mosca, ma, non condividendo l'atteggiamento nei confronti dell'arte nella Russia sovietica, nel 1921 partì nuovamente per la Germania. Negli ultimi anni vive in Francia, nella periferia di Parigi.

Una delle domande importanti che ha preoccupato l'artista: “Con cosa dovrebbe essere sostituito l'oggetto?”. Il mondo oggettivo nelle opere dell'artista è ancora, in una certa misura, preservato. C'è anche sempre una certa trama, un sottotesto così piccolo che deve essere trovato. Ma la cosa principale nelle opere dell'artista sono i suoi elementi di base, che eccitano, secondo l'artista, "le vibrazioni dell'anima". Questi sono: la sintesi della pittura, del colore, delle forme che si costruiscono secondo le leggi della composizione, dove l'oggettività (una persona, una nuvola, un albero) ha chiamato il vero sapore della composizione.

Proviamo ad applicare le nostre chiavi - suggerimenti, prima all'immagine, dove è ancora conservato l'elemento pittorico "Mucca" Opera pratica "dialogo tra lo spettatore e l'artista" "La mucca è considerata insieme".

Risultati alla fine.

Conclusione: dobbiamo riassumere il nostro lavoro e rispondere alla domanda della lezione: "Che tipo di ricerca creativa è caratterizzata dalla pittura a cavallo tra il XIX e il XX secolo"? Da dove è iniziata questa ricerca creativa?

La direzione dell'avanguardia nell'arte inizia con l'impressionismo.

Post-impressionismo, simbolismo - un movimento verso l'inizio della comprensione del mondo invisibile da parte degli artisti.

Gli artisti iniziano a interessarsi al mondo delle emozioni umane, delle fantasie, creano ed esprimono i propri mondi di nuova realtà sulla tela. Appaiono dipinti astratti. Un esempio lampante di pittura astratta è il dipinto di V. Kandinsky.

Lavoro pratico con l'opera “The Cow” di V. Kandinsky

All'inizio si diceva che tutte le teorie della tua visione sono accettate, non essere timido e impaurito di dire cosa non va. Le tele di V. Kandinsky, quanti telespettatori, quante interpretazioni. Pertanto, anche noi dobbiamo assolutamente provarci.

“Mucca".

- Bianco - Silenzio, silenzio, l'inizio. Ma qui, non bianco puro, bianco - rosa. Il colore è caratterizzato come l'inizio di una nuova forza, l'energia (connessione con il rosso).
Ma ci sono ancora delle macchie rosso-arancio, che sottolineano ulteriormente il primo ragionamento.
Colore giallo - arancione - persona terrena, umana, attiva, sana (ragazza).
Sopra è blu scuro. Causa molte polemiche nell'interpretazione. Arrivano alla conclusione - sulle emozioni umane - sulla tristezza ("la ragazza è triste. La striscia è giallo-arancione, il che significa che la tristezza passerà presto). C'è molta tristezza e desiderio nella vita.
Verde - pace, con l'aggiunta del giallo - la tristezza è sostituita dalla gioia della giovinezza, l'energia della vita futura
Il colore bianco dei vestiti è un simbolo dell'inizio, piuttosto una nuova vita.
Colore nero - morte, dopo di che verrà la vita (ragazza in bianco).

In lontananza, i muri bianchi di edifici, simili a templi (cupole), o monasteri. La combinazione di nero - blu e bianco, come sottomissione a un'unica legge: morte e rinascita. Il colore bianco come simbolo di purezza, infinito.

Queste immagini sembrano nascere da una mucca. La mucca è la fonte della legge della vita e della rinascita.

Alla fine del lavoro, per confronto, leggo ad alta voce l'interpretazione del dipinto, tratta dalla rivista Art, n. 1, 2010. I ragazzi erano contenti del loro lavoro.

Musica dell'immagine. Colore bianco: non ci sono ancora suoni, ma l'orchestra è pronta ... La tuba iniziò a suonare piano, con un ritmo di batteria crescente. Entrano il violoncello e il contrabbasso. Il flauto suona lentamente e tristemente, il violino gli fa eco. Una breve pausa, come un respiro profondo. La melodia si ripete con lievi variazioni, perché “non si può entrare due volte nel fiume”...

“LINGUA DEL COLORE” V. Kandinsky

La posizione centrale del concetto di Kandinsky può essere considerata l'affermazione di due fattori che determinano l'effetto psicologico del colore: "calore-freddo" e "luce-oscurità". Nascono così diversi possibili “suoni” di colori.
1. Atteggiamento - giallo - blu. Il giallo "si muove" verso lo spettatore e il blu - lontano da lui. Giallo, rosso arancio: idee di gioia, celebrazione, ricchezza. Se aggiungi il blu al giallo (rendilo più freddo, perché il blu è un colore freddo), la vernice diventerà verdastra. È nato dolorosa sensazione di ipersensibilità(come una persona irritata con cui viene interferita). La vernice gialla intensa preoccupa una persona, punge, colpisce l'anima. Se raffreddi il giallo, si manifesta in un impeto di brillante follia. L'artista paragona questo colore alla folle spreco dei colori dell'autunno scorso. Il giallo è terroso, non ha profondità.

2. Blu. "Dipingere il cielo" - chiamata all'infinito. Movimento dalla persona al centro. Blu profondo - pace, abbassato al nero - tristezza. Azzurro - indifferenza, indifferenza.

Verde - i colori giallo e blu sono paralizzati in esso - pace: né gioia né tristezza, passivo. Se aggiungi il verde giallo, il verde sta diventando più giovane , Più divertimento. E, al contrario, insieme al blu: serietà, premura. Quando si schiarisce (aggiungendo il bianco) o si scurisce (il nero), il verde “mantiene il suo carattere elementare di indifferenza e pace” (p. 48). Il bianco esalta l'aspetto “indifferenza”, mentre il nero esalta l'aspetto “calmo”.

Bianco per Kandinsky - un simbolo del mondo, dove tutti i colori, tutte le proprietà materiali e le sostanze sono scomparse. Questo mondo sta così in alto sopra l'uomo che da lì non viene un solo suono. Il bianco è un grande silenzio, un muro freddo e infinito, una pausa musicale, una conclusione temporanea ma non definitiva. Questo silenzio non è morto, ma pieno di possibilità e può essere inteso come "nulla" che precede l'inizio e la nascita.

Il nero- “nulla” senza possibilità, nulla morto, silenzio eterno senza futuro, pausa e sviluppo completi. Segue la nascita di un nuovo mondo. Il nero è la fine, un fuoco spento, qualcosa di immobile, come un cadavere, il silenzio del corpo dopo la morte, la pittura più silenziosa.

Gli abiti bianchi esprimono pura gioia e purezza immacolata, mentre gli abiti neri esprimono la più grande e profonda tristezza e morte. Il bianco e il nero trovano (come il giallo e il blu) un equilibrio tra loro in grigio. È anche una vernice silenziosa e immobile. Kandinsky chiama grigio " silenzio inconsolabile". Soprattutto si tratta grigio scuro, che agisce in modo ancora più inconsolabile e soffocante.

Rosso. Colore vivace, vitale, irrequieto. Esprime coraggiosa maturità, forza, energia, determinazione, trionfo, gioia (soprattutto rosso chiaro)

Cinabro - passione uniformemente fiammeggiante, forza sicura di sé, "fiamme" dentro di sé. Un colore particolarmente amato dalle persone. L'approfondimento del rosso porta ad una diminuzione della sua attività. Ma resta un'incandescenza interiore, una premonizione di attività future.

Viola. Suono doloroso, qualcosa di spento e triste, ed è associato al suono del fagotto e del flauto

Arancia - gravità del rosso.

E anche V. Kandinsky ha paragonato il colore al suono degli strumenti musicali. Il colore giallo è il suono della tromba, l'azzurro è il flauto, il blu scuro è il violoncello, il blu intenso è l'organo, il verde sono i mezzitoni del violino; rosso - fanfara; Violetta - fagotto e flauto;

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Didascalie delle diapositive:

Le principali direzioni di sviluppo della pittura del XX secolo

Caratteristiche generali Il Novecento è caratterizzato da una straordinaria varietà di tendenze artistiche nelle arti visive, che non possono essere accomunate da uno stile unico. La pittura del XX secolo è caratterizzata da una varietà di stili e tendenze, dalla ricerca di nuove vie nelle belle arti.

Direzioni nelle belle arti Fauvismo (Henri Matisse); Cubismo (Pablo Picasso); Surrealismo (Salvador Dalì); Astrattismo (Wasily Kandinsky); Suprematismo (Kazimir Malevich); L'analitismo (Pavel Filonov).

Fauvismo Uno dei primi movimenti artistici del 20° secolo è stato il Fauvismo (selvaggio). Il fauvismo è caratterizzato da un piano di immagini, linee spesse, una combinazione di colori giallo e verde. Inizialmente, il fauvismo era considerato un'arte aliena, solo in seguito i ricercatori hanno trovato in essi una sorta di metodo creativo.

A. Matisse "Dance", 1910. La trama del dipinto Matisse è stata ispirata dalle danze popolari che ha visto. Un'altra versione - "Danza" - è stata scritta sotto l'influenza della pittura vascolare greca. Il principale mezzo espressivo della tela è una combinazione di brevità di mezzi pittorici con le sue enormi dimensioni. "Dance" è scritto in soli tre colori. Il cielo è raffigurato in blu, i corpi dei ballerini in rosa e la collina è raffigurata in verde. Il dipinto raffigura una danza, una danza rotonda di cinque persone nude sulla cima di una collina.

Cubismo Picasso Il cubismo è un movimento artistico basato su strutture piramidali, corpi geometrici. Il cubismo ha attraversato diverse fasi del suo sviluppo: - cubismo analitico; - cubismo sintetico; Le figure principali del cubismo sono Georges Braque, Pablo Picasso.

Georges Braque (1882 - 1963) Violino e tavolozza, 1910. J. Braque era un rappresentante del cubismo analitico. Nel 1908 organizzò una mostra a Parigi. La sua tecnica principale era l'imposizione di un'immagine su un'altra: la versatilità dell'immagine. Decifrare l'intenzione dell'autore è molto difficile per gli spettatori.

Pablo Picasso (1881 - 1973) Il dipinto di Picasso Les Maidens of Avignon, che ha sfidato una società dissoluta, ha causato vero indignazione.

Natura morta con sedia di paglia, 1912 Il dipinto appartiene al cubismo sintetico, utilizzando vari oggetti della vita reale.

P. Picasso "Ritratto di Vollard", 1910

Surrealismo Il surrealismo è super-realtà. Sorse ufficialmente nel 1924. Nell'opera dei surrealisti, fantasie, sogni, sogni e ricordi acquisirono un significato speciale. I dipinti surrealisti combinavano la realtà con l'irrealtà. Le principali tecniche dei surrealisti sono il grottesco, l'ironia, il paradosso. Rappresentanti - Max Ernst, Rene Magritte, Salvador Dalì.

Max Ernst. Edipo il Re, 1922.

René Magritte il terapeuta, 1937

Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931

Astrattismo L'astrattismo appartiene all'avanguardia russa. Il principio fondamentale dell'astrattismo è la conoscenza dello spazio e l'astrattezza di ciò che è scritto. Il rappresentante dell'arte astratta è Wassily Kandinsky (1866 - 1944).

Astrattismo

V. Kandinsky "Composizione 6", 1913

V. Kandinsky. "Curva dominante", 1936

Suprematismo Il suprematismo è il grado più alto dell'arte. Il fondatore e, forse, l'unica delle sue figure fu Kazimir Malevich. I componenti principali del suprematismo sono il colore e le forme geometriche. Il suprematismo è complesso nella sua comprensione e la sua percezione dipende interamente dall'immaginazione di una persona.

Suprematismo di Malevich "La raccolta della segale", 1912

"Quadrato Nero", 1913

"Contadina", 1932

Domande e compiti Dividi in gruppi. 1. Formula i principi di base della tua direzione. 2. Prova a creare un'opera di pittura adatta alla tua direzione. 3. Prepara una risposta coerente sull'argomento del tuo dipinto.

Costruttivismo Uno degli stili è il costruttivismo, il metodo d'avanguardia sovietico nelle belle arti, nell'architettura, nella fotografia e nelle arti decorative e applicate, sviluppato negli anni '20 e nella prima metà degli anni '30. Uno degli stili è il costruttivismo, il metodo d'avanguardia sovietico nelle belle arti, nell'architettura, nella fotografia e nelle arti decorative e applicate, sviluppato negli anni '20 e nella prima metà degli anni '30.

Avanguardia Avant-garde (fr. Avant-garde "avanguardia") è un nome generalizzato per le tendenze dell'arte europea sorte a cavallo tra XIX e XX secolo, espresse in una forma polemica-combattimento. L'avanguardia è caratterizzata da un approccio sperimentale alla creatività artistica che va oltre l'estetica classica, utilizzando mezzi espressivi originali e innovativi, sottolineati dal simbolismo delle immagini artistiche. Avant-garde (fr. Avant-garde "avanguardia") è un nome generalizzato per le tendenze nell'arte europea sorte a cavallo tra XIX e XX secolo, espresse in una forma polemico-combattimento. L'avanguardia è caratterizzata da un approccio sperimentale alla creatività artistica che va oltre l'estetica classica, utilizzando mezzi espressivi originali e innovativi, sottolineati dal simbolismo delle immagini artistiche. Il concetto di avanguardia è in gran parte eclettico nella sua essenza. Questo termine si riferisce a un certo numero di scuole e tendenze artistiche, a volte con basi ideologiche diametralmente opposte. Il concetto di avanguardia è in gran parte eclettico nella sua essenza. Questo termine si riferisce a un certo numero di scuole e tendenze artistiche, a volte con basi ideologiche diametralmente opposte.

Prerequisiti I prerequisiti per l'emergere di tendenze d'avanguardia nell'arte e nella letteratura europea possono essere considerati una tendenza generale verso un ripensamento dei valori culturali europei comuni. L'ultimo terzo del XIX secolo è caratterizzato dall'emergere di nuove opere filosofiche che ripensano gli aspetti morali e culturali della civiltà. I presupposti per l'emergere di tendenze d'avanguardia nell'arte e nella letteratura europea possono essere considerati una tendenza generale verso un ripensamento dei valori culturali europei comuni. L'ultimo terzo del XIX secolo è caratterizzato dall'emergere di nuove opere filosofiche che ripensano gli aspetti morali e culturali della civiltà. Inoltre, lo sviluppo del progresso scientifico e tecnologico ha solo spinto l'umanità a cambiare la percezione dei valori della civiltà, del posto dell'uomo nella natura e nella società, dei valori estetici e morali ed etici. Inoltre, lo sviluppo del progresso scientifico e tecnologico ha solo spinto l'umanità a cambiare la percezione dei valori della civiltà, del posto dell'uomo nella natura e nella società, dei valori estetici e morali ed etici.

Musica russa La musica del 20° secolo è una designazione generale per un gruppo di tendenze nell'arte della fine del 19° e dell'inizio del 19° secolo. 20° secolo, in particolare il Modernismo, che agisce sotto il motto di modernità, innovazione. Queste correnti includono anche l'Espressionismo, il Costruttivismo, il Neoclassicismo, così come la Dodecafonia, la musica elettronica, ecc. La musica del XX secolo nel suo insieme - un'immagine collettiva Musica del XX secolo - la designazione generale di un gruppo di tendenze nell'arte della fine del XIX e dell'inizio del XIX secolo. 20° secolo, in particolare il Modernismo, che agisce sotto il motto di modernità, innovazione. Queste correnti includono anche l'Espressionismo, il Costruttivismo, il Neoclassicismo, così come la Dodecafonia, la musica elettronica, ecc. La musica del 20° secolo nel suo insieme: un'immagine collettiva

Rappresentanti Uno straordinario rappresentante del teatro moderno è il Teatro Lenkom. Tutti conoscono questo teatro oggi, dai moscoviti e dai visitatori agli inveterati frequentatori di teatro. Un tale teatro non può essere ignorato, perché è un teatro di stelle. Un rappresentante di spicco del teatro moderno è il Teatro Lenkom. Tutti conoscono questo teatro oggi, dai moscoviti e dai visitatori agli inveterati frequentatori di teatro. Un tale teatro non può essere ignorato, perché è un teatro di stelle.

Teatro del 20° secolo Nuovi teatri sono apparsi a Mosca. Fu lì che Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass e molte altre future figure eccezionali dell'arte sovietica mossero i loro primi passi. Nuovi teatri sono apparsi a Mosca. Fu lì che Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass e molte altre future figure eccezionali dell'arte sovietica mossero i loro primi passi.

Cinematografia La cinematografia come forma d'arte si differenzia dalle altre per il suo carattere sintetico. Sintetizza le proprietà estetiche della letteratura, del teatro, delle belle arti, della fotografia, della musica, delle conquiste in ottica, meccanica, chimica, fisiologia. La popolarità del cinema risiede nella sua combinazione intrinseca e nella varietà dei mezzi espressivi. Il cinema, nato a cavallo tra XIX e XX secolo, è nato sotto l'influenza delle esigenze della società di comprenderne la storia, la vita e l'attività, e si è sviluppato in linea con la cultura del XX secolo, quindi i suoi stili e le sue tendenze corrispondono ai principali stili artistici del XX secolo. La cinematografia come forma d'arte si differenzia dalle altre per il suo carattere sintetico. Sintetizza le proprietà estetiche della letteratura, del teatro, delle belle arti, della fotografia, della musica, delle conquiste in ottica, meccanica, chimica, fisiologia. La popolarità del cinema risiede nella sua combinazione intrinseca e nella varietà dei mezzi espressivi. Il cinema, nato a cavallo tra XIX e XX secolo, è nato sotto l'influenza delle esigenze della società di comprenderne la storia, la vita e l'attività, e si è sviluppato in linea con la cultura del XX secolo, quindi i suoi stili e le sue tendenze corrispondono ai principali stili artistici del XX secolo.

Rappresentanti di spicco Nei primi decenni dopo la sua nascita, il cinema come forma d'arte ha solo guadagnato popolarità. Negli anni '20, il cinema divenne non solo una forma d'arte popolare e alla moda, ma anche un'industria cinematografica: furono formati molti studi cinematografici e una rete di distribuzione cinematografica. In questo momento furono creati i capolavori dei primi film muti: "Battleship Potemkin" di S. Eisenstein, "The Big Parade" di K Vidor con Ch. Chaplin, "Greed" di E. Stroheim. Il lavoro dei registi D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev prende forma proprio in questo momento: il terzo decennio del XX secolo entra nella storia del cinema come l'inizio dell'era del suono cinema, il che lo rende ancora più massiccio. Gli Stati Uniti dominano l'industria cinematografica globale. Gli adattamenti cinematografici commerciali dei musical di Broadway erano molto popolari durante questo periodo. Ma vengono realizzate anche vere e proprie opere d'arte: "New Times" di Ch. Chaplin, "The Grapes of Wrath" di J. Ford, "Our Daily Bread" di K-Vidor. In URSS, sugli schermi vengono proiettati capolavori del cinema russo "Merry Fellows", "Volga-Volga" e "Circus" di G. Aleksandrov, "Chapaev" dei fratelli Vasiliev e altri. Nei primi decenni dopo il suo inizio, il cinema come forma d'arte ha solo guadagnato popolarità. Negli anni '20, il cinema divenne non solo una forma d'arte popolare e alla moda, ma anche un'industria cinematografica: furono formati molti studi cinematografici e una rete di distribuzione cinematografica. In questo momento furono creati i capolavori dei primi film muti: "Battleship Potemkin" di S. Eisenstein, "The Big Parade" di K Vidor con Ch. Chaplin, "Greed" di E. Stroheim. Il lavoro dei registi D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev prende forma proprio in questo momento: il terzo decennio del XX secolo entra nella storia del cinema come l'inizio dell'era del suono cinema, il che lo rende ancora più massiccio. Gli Stati Uniti dominano l'industria cinematografica globale. Gli adattamenti cinematografici commerciali dei musical di Broadway erano molto popolari durante questo periodo. Ma vengono realizzate anche vere e proprie opere d'arte: "New Times" di Ch. Chaplin, "The Grapes of Wrath" di J. Ford, "Our Daily Bread" di K-Vidor. In URSS, sugli schermi vengono proiettati capolavori del cinema russo "Jolly Fellows", "Volga-Volga" e "Circus" di G. Aleksandrov, "Chapaev" dei fratelli Vasiliev e altri.