Classicism sa sining ng ika-17 siglo. Classicism bilang isang artistikong kalakaran ng ika-17 siglo

Queen's House (Queen's House - Queen's House, 1616-1636) sa Greenwich. Architect Inigo Jones (Inigo Jones)

Dumating na ang oras, at ang mataas na mistisismo ng Gothic, na dumaan sa mga pagsubok ng Renaissance, ay nagbibigay daan sa mga bagong ideya batay sa mga tradisyon ng mga sinaunang demokrasya. Ang pagnanais para sa kadakilaan ng imperyal at mga demokratikong mithiin ay binago sa isang pagbabalik-tanaw ng imitasyon ng mga sinaunang tao - ganito ang hitsura ng klasisismo sa Europa.

Sa simula ng ika-17 siglo, maraming bansa sa Europa ang naging mga imperyo ng kalakalan, lumilitaw ang isang gitnang uri, nagaganap ang mga demokratikong pagbabagong-anyo. Ang relihiyon ay lalong napapailalim sa sekular na kapangyarihan. Nagkaroon muli ng maraming mga diyos, at ang sinaunang hierarchy ng banal at makamundong kapangyarihan ay naging kapaki-pakinabang. Walang alinlangan, hindi ito makakaapekto sa mga uso sa arkitektura.

Noong ika-17 siglo, sa France at England, isang bagong istilo, classicism, ay ipinanganak halos independyente. Katulad ng baroque na kontemporaryo nito, naging natural na resulta ng pag-unlad ng arkitektura ng Renaissance at pagbabago nito sa iba't ibang kultural, historikal at heograpikal na kondisyon.

klasisismo(fr. classicisme, mula sa lat. classicus - huwaran) - artistikong istilo at aesthetic na direksyon sa European art noong huling bahagi ng XVII - maagang XIX mga siglo

Ang klasiko ay batay sa mga ideya rasyonalismo nagmumula sa pilosopiya Descartes. Ang isang gawa ng sining, mula sa punto ng view ng classicism, ay dapat na binuo sa batayan ng mga mahigpit na canon, at sa gayon ay inilalantad ang pagkakaisa at lohika ng uniberso mismo. Ang interes para sa klasisismo ay walang hanggan lamang, hindi nagbabago - sa bawat kababalaghan, hinahangad niyang kilalanin lamang ang mahahalagang, typological na mga tampok, itinatapon ang mga random na indibidwal na palatandaan. Ang aesthetics ng klasisismo ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa panlipunan at pang-edukasyon na tungkulin ng sining. Ang Classicism ay tumatagal ng maraming mga panuntunan at canon mula sa sinaunang sining (Aristotle, Plato, Horace…).

Baroque ay malapit na nauugnay sa Simbahang Katoliko. Ang Klasisismo, o pinipigilang mga anyo ng Baroque, ay napatunayang mas katanggap-tanggap sa mga bansang Protestante tulad ng England, Netherlands, hilagang Alemanya, at gayundin sa Katolikong France, kung saan ang hari ay higit na mahalaga kaysa sa Papa. Ang kaharian ng isang huwarang hari ay dapat magkaroon ng perpektong arkitektura, na nagbibigay-diin sa tunay na kadakilaan ng monarko at sa kanyang tunay na kapangyarihan. "Ang France ay ako," ipinahayag ni Louis XIV.

Sa arkitektura, ang klasisismo ay nauunawaan bilang isang istilo ng arkitektura na karaniwan sa Europa noong ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, ang pangunahing tampok kung saan ay ang apela sa mga anyo ng sinaunang arkitektura bilang isang pamantayan ng pagkakaisa, pagiging simple, mahigpit, lohikal na kalinawan, monumentalidad at bisa ng pagpuno ng espasyo. Ang arkitektura ng klasisismo sa kabuuan ay nailalarawan sa pagiging regular ng pagpaplano at ang kalinawan ng volumetric na anyo. Ang batayan ng wikang arkitektura ng klasisismo ay ang pagkakasunud-sunod, sa mga proporsyon at mga anyo na malapit sa sinaunang panahon, mga simetriko-axial na komposisyon, pagpigil sa dekorasyong dekorasyon, at isang regular na sistema ng pagpaplano ng lungsod.

Karaniwang ibinabahagi dalawang panahon sa pag-unlad ng klasisismo. Ang klasisismo ay nabuo noong ika-17 siglo sa France, na sumasalamin sa pag-usbong ng absolutismo. Ang ika-18 siglo ay itinuturing na isang bagong yugto sa pag-unlad nito, dahil sa oras na iyon ito ay sumasalamin sa iba pang mga civic ideals batay sa mga ideya ng pilosopikal na rasyonalismo ng Enlightenment. Ang parehong mga panahon ay pinagsama ng ideya ng mga makatwirang batas ng mundo, ng maganda, marangal na kalikasan, ang pagnanais na ipahayag ang mahusay na nilalamang panlipunan, matayog na kabayanihan at moral na mga mithiin.

Ang arkitektura ng klasisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging mahigpit ng anyo, kalinawan ng mga spatial na solusyon, geometrism ng mga interior, lambot ng mga kulay at laconicism ng panlabas at panloob na dekorasyon ng mga gusali. Hindi tulad ng mga Baroque na gusali, ang mga masters ng classicism ay hindi kailanman lumikha ng spatial illusions na nag-distort sa proporsyon ng gusali. At sa arkitektura ng parke, ang tinatawag na regular na istilo kung saan ang lahat ng mga lawn at flower bed ay may tamang hugis, at ang mga berdeng espasyo ay mahigpit na inilalagay sa isang tuwid na linya at maingat na pinutol. ( Garden at park ensemble ng Versailles)

Ang klasiko ay tipikal noong ika-17 siglo. para sa mga bansa kung saan nagkaroon ng aktibong proseso ng pagbuo ng mga pambansang estado, at lumalago ang lakas ng kapitalistang pag-unlad (Holland, England, France). Ang klasisismo sa mga bansang ito ay nagdala ng mga bagong tampok ng ideolohiya ng umuusbong na burgesya, na pinamunuan ang pakikibaka para sa isang matatag na merkado at ang pagpapalawak ng mga produktibong pwersa, na interesado sa sentralisasyon at pambansang pag-iisa ng mga estado. Bilang isang kalaban ng mga hindi pagkakapantay-pantay ng uri na lumalabag sa interes ng burgesya, ang mga ideologo nito ay nagsulong ng teorya ng isang makatwirang organisadong estado batay sa pagpapailalim sa mga interes ng mga estate dito. Ang pagkilala sa katwiran bilang batayan para sa organisasyon ng estado at buhay panlipunan ay sinusuportahan ng mga argumento ng siyentipikong pag-unlad, na itinataguyod sa lahat ng paraan ng burgesya. Ang rationalistic approach na ito sa pagtatasa ng realidad ay inilipat din sa larangan ng sining, kung saan ang ideyal ng pagkamamamayan at ang pagtatagumpay ng katwiran laban sa mga elementong pwersa ay naging isang mahalagang paksa. Ang relihiyosong ideolohiya ay lalong napapailalim sa sekular na kapangyarihan, at sa ilang bansa ito ay nireporma. Ang mga tagasunod ng klasisismo ay nakakita ng isang halimbawa ng isang maayos na istrukturang panlipunan sa sinaunang mundo, at samakatuwid, upang maipahayag ang kanilang panlipunan, etikal at aesthetic na mga mithiin, bumaling sila sa mga halimbawa ng mga sinaunang klasiko (samakatuwid ang termino - klasiko). Pagbuo ng mga Tradisyon Renaissance, malaki ang kinuha ng classicism sa pamana barok.

Ang klasisismo ng arkitektura ng ika-17 siglo ay nabuo sa dalawang pangunahing direksyon:

• ang una ay batay sa pag-unlad ng mga tradisyon ng huling Renaissance classical school (England, Holland);
• ang pangalawa - muling binubuhay ang mga klasikal na tradisyon, sa isang mas malaking lawak na binuo ang mga tradisyon ng Romano ng Baroque (France).

Klasisismo sa Ingles

Ang malikhain at teoretikal na pamana ni Palladio, na muling binuhay ang sinaunang pamana sa lahat ng lawak at tectonic na integridad nito, lalo na umapela sa mga klasiko. Malaki ang epekto nito sa arkitektura ng mga bansang iyon na mas nauna sa iba. rasyonalismo ng arkitektura. Mula noong unang kalahati ng ika-17 siglo. sa arkitektura ng England at Holland, na medyo mahinang naiimpluwensyahan ng Baroque, ang mga bagong tampok ay natukoy sa ilalim ng impluwensya Palladian classicism. Ang arkitekto ng Ingles ay gumaganap ng isang partikular na mahalagang papel sa pagbuo ng bagong istilo. Inigo Jones (Inigo Jones) (1573-1652) - ang unang maliwanag na malikhaing personalidad at ang unang tunay na bagong phenomenon sa arkitekturang Ingles noong ika-17 siglo. Siya ang nagmamay-ari ng pinakanamumukod-tanging mga gawa ng English classicism noong ika-17 siglo.

Noong 1613 naglakbay si Jones sa Italya. Sa daan, naglakbay siya sa France, kung saan nakita niya ang marami sa pinakamahahalagang gusali. Ang paglalakbay na ito, tila, ay ang mapagpasyang puwersa sa paggalaw ng arkitekto na si Jones sa direksyon na ipinahiwatig ni Palladio. Ito ay hanggang sa oras na ito na ang kanyang mga tala sa mga gilid ng treatise ni Palladio at sa petsa ng album noong nakaraan.

Ito ay katangian na ang tanging pangkalahatang paghatol sa kanila tungkol sa arkitektura ay nakatuon sa isang makatwirang pagpuna sa ilang mga uso sa huling Renaissance na arkitektura ng Italya: Jones reproaches Michelangelo at ang kanyang mga tagasunod dahil inilatag nila ang pundasyon para sa labis na paggamit ng kumplikadong palamuti, at inaangkin na ang monumental na arkitektura, c. hindi tulad ng scenography at panandaliang magaan na gusali, dapat ay seryoso, walang epekto at batay sa mga patakaran.

Noong 1615, bumalik si Jones sa kanyang tinubuang-bayan. Siya ay hinirang na Inspector General ng Ministry of King's Works. Nang sumunod na taon, nagsimula siyang bumuo ng isa sa kanyang pinakamagagandang obra. Queen's House (Queen's House - The Queen's House, 1616-1636) sa Greenwich.

Sa Queens House, patuloy na binuo ng arkitekto ang Palladian na mga prinsipyo ng kalinawan at klasikal na kalinawan ng pagkakasunud-sunod ng mga artikulasyon, ang nakikitang constructiveness ng mga form, at ang balanse ng proporsyonal na sistema. Ang mga pangkalahatang kumbinasyon at indibidwal na anyo ng gusali ay klasikal na geometriko at makatuwiran. Ang komposisyon ay pinangungunahan ng isang kalmado, metrically dissected na pader, na itinayo alinsunod sa isang order na naaayon sa sukat ng isang tao. Ang lahat ay pinangungunahan ng balanse at pagkakaisa. Sa plano, ang parehong kalinawan ng paghahati ng interior sa simpleng balanseng mga puwang ng lugar ay sinusunod.

Ang unang istraktura ng Jones, na napunta sa amin, ay walang mga precedent para sa higpit at hubad na pagiging simple nito, at naiiba rin nang husto sa mga nakaraang gusali. Gayunpaman, ang isang gusali ay hindi dapat (gaya ng madalas na ginagawa) ay hinuhusgahan sa pamamagitan nito kasalukuyang estado. Sa kagustuhan ng customer (Queen Anne, asawa ni James I Stuart), ang bahay ay itinayo mismo sa lumang Dover road (ang posisyon nito ay minarkahan na ngayon ng mahahabang colonnade na katabi ng gusali sa magkabilang gilid) at orihinal na binubuo ng dalawang gusali pinaghihiwalay ng isang kalsada, na konektado sa itaas nito ng isang natatakpan na tulay. Ang pagiging kumplikado ng komposisyon ay minsang nagbigay sa gusali ng isang mas kaakit-akit, "Ingles" na karakter, na binibigyang-diin ng mga patayong stack ng mga chimney na pinagsama sa tradisyonal na mga bundle. Pagkatapos ng pagkamatay ng master, noong 1662, ang puwang sa pagitan ng mga gusali ay itinayo. Kaya pala ito ay parisukat sa plano, compact at dryish sa arkitektura, na may loggia na pinalamutian ng mga haligi mula sa gilid ng Greenwich Hill, na may terrace at hagdanan na humahantong sa isang double-height hall - mula sa gilid ng Thames.

Ang lahat ng ito ay halos hindi nagbibigay-katwiran sa malawak na paghahambing ng Queenshouse sa parisukat, sentrik na villa sa Poggio a Caiano malapit sa Florence, na itinayo ni Giuliano da Sangallo the Elder, bagaman ang pagkakapareho sa disenyo ng panghuling plano ay hindi maikakaila. Binanggit mismo ni Jones ang Villa Molini, na itinayo ng Scamozzi malapit sa Padua, bilang prototype ng harapan mula sa gilid ng ilog. Ang mga proporsyon - ang pagkakapantay-pantay ng lapad ng mga risalits at ang loggia, ang mataas na taas ng ikalawang palapag kumpara sa una, ang rustication nang hindi nasira sa magkahiwalay na mga bato, ang balustrade sa ibabaw ng cornice at ang curved double staircase sa pasukan - ay hindi sa likas na katangian ng Palladio, at bahagyang kahawig ng mannerism ng Italyano, at sa parehong oras ay makatwirang iniutos na mga komposisyon ng klasisismo.

Sikat Banqueting House sa London (Banqueting House - Banquet Hall, 1619-1622) sa hitsura mas malapit sa Palladian prototypes. Sa mga tuntunin ng marangal na solemnity at ang kaayusan ng kaayusan na patuloy na isinasagawa sa buong komposisyon, wala siyang mga nauna sa England. Kasabay nito, sa mga tuntunin ng panlipunang nilalaman nito, ito ay isang primordial na uri ng istraktura na dumaraan sa arkitekturang Ingles mula noong ika-11 siglo. Sa likod ng two-tiered order facade (sa ibaba - ionic, sa itaas - composite) mayroong isang solong dalawang taas na bulwagan, kasama ang perimeter kung saan mayroong isang balkonahe na nagbibigay ng isang lohikal na koneksyon hitsura at panloob. Sa kabila ng pagiging malapit sa Palladian facades, mayroong mga makabuluhang pagkakaiba dito: ang parehong mga tier ay pareho sa taas, na hindi kailanman matatagpuan sa Vicentine master, at ang malaking glazing area na may maliit na lalim ng mga bintana (isang echo ng lokal na kalahati- timbered construction) inaalis ang pader ng plasticity na katangian ng mga prototype ng Italyano, na nagbibigay ito ng malinaw na pambansang Ingles na mga katangian. Marangyang kisame ng bulwagan, na may malalim na mga caisson ( kalaunan ay pininturahan ni Rubens), ay naiiba nang malaki mula sa mga patag na kisame ng mga palasyo ng Ingles noong panahong iyon, na pinalamutian ng mga magaan na relief ng mga pandekorasyon na panel.

Sa pangalan Inigo Jones, na naging miyembro ng Royal Building Commission mula noong 1618, ang pinakamahalagang kaganapan sa pagpaplano ng lunsod para sa ika-17 siglo ay konektado - groundbreaking para sa unang London square na nilikha ayon sa isang regular na plano. Karaniwan na ang pangalan nito - Piazza Covent Garden- nagsasalita tungkol sa Italyano na pinagmulan ng ideya. Inilagay sa kahabaan ng axis ng kanlurang bahagi ng parisukat, ang Church of St. Paul (1631), na may mataas na pediment at dalawang hanay na Tuscan portico sa antah, ay isang halata, walang muwang sa literal nito, imitasyon ng Etruscan temple sa ang imahe ni Serlio. Buksan ang mga arcade sa mga unang palapag ng tatlong palapag na gusali na naka-frame sa parisukat mula sa hilaga at timog, siguro - mga dayandang ng parisukat sa Livorno. Ngunit sa parehong oras, ang uniporme, klasiko na layout ng urban space ay maaari ding maging inspirasyon ng Place des Vosges sa Paris, na itinayo tatlumpung taon lamang ang nakalipas.

St. Paul's Cathedral sa parisukat hardin ng covent (Covent Garden), ang unang linya-by-line na simbahan sa London pagkatapos ng Repormasyon, ay sumasalamin sa pagiging simple nito hindi lamang ang pagnanais ng kostumer, ang Duke ng Bedford, na tuparin ang murang mga obligasyon sa mga miyembro ng kanyang parokya, kundi pati na rin ang mahahalagang pangangailangan ng relihiyong Protestante. Ipinangako ni Jones sa customer na itayo ang "pinakamagandang kamalig sa England." Gayunpaman, ang harapan ng simbahan, na itinayong muli pagkatapos ng apoy noong 1795, ay malakihan, marilag sa kabila ng maliit na sukat nito, at ang pagiging simple nito ay walang alinlangan na may espesyal na kagandahan. Nakapagtataka na ang mataas na pintuan sa ilalim ng portico ay hindi totoo, dahil ang altar ay matatagpuan sa bahaging ito ng simbahan.

Ang Jones Ensemble, sa kasamaang-palad, ay ganap na nawala, ang espasyo ng parisukat ay itinayo, ang mga gusali ay nawasak, itinayo lamang sa ibang pagkakataon, noong 1878, sa hilagang-kanlurang sulok ng gusali, maaaring hatulan ng isa ang sukat at kalikasan ng orihinal na plano. .

Kung ang mga unang gawa ni Jones ay nagkasala ng medyo tuyo na rigorismo, kung gayon ang kanyang kalaunan, ang mga manor na gusali ay hindi gaanong napipigilan ng mga bono ng klasikal na pormalismo. Sa kanilang kalayaan at kaplastikan, bahagyang inaasahan nila ang English Palladianism noong ika-18 siglo. Ganito, halimbawa, bahay ni wilton (Wilton House, Wiltshire), nasunog noong 1647 at itinayong muli John Webb, isang matagal nang katulong ni Jones.

Ang mga ideya ni I. Jones ay ipinagpatuloy sa mga kasunod na proyekto, kung saan ang proyektong muling pagtatayo ng arkitekto sa London ay dapat na i-highlight. Christopher Wren (Christopher Wren) (1632-1723) pagkatapos ng Roma ang unang engrandeng proyekto para sa muling pagtatayo ng isang medyebal na lungsod (1666), na halos dalawang siglo bago ang engrande na muling pagtatayo ng Paris. Ang plano ay hindi ipinatupad, ngunit ang arkitekto ay nag-ambag sa pangkalahatang proseso ng paglitaw at pagtatayo ng mga indibidwal na node ng lungsod, pagkumpleto, sa partikular, ang ensemble na ipinaglihi ni Inigo Jones ospital sa Greenwich(1698-1729). Ang isa pang pangunahing gusali ni Wren ay katedral ng st. Paul sa London- London Cathedral ng Anglican Church. Katedral ng St. Si Pavel ang pangunahing accent sa pagpaplano ng bayan sa lugar ng muling itinayong Lungsod. Mula nang italaga ang unang obispo ng London, si St. Augustine (604) sa site na ito, ayon sa mga mapagkukunan, maraming mga simbahang Kristiyano ang itinayo. Ang agarang hinalinhan ng kasalukuyang katedral, ang lumang St. Si Paul, na itinalaga noong 1240, ay 175 m ang haba, 7 m ang haba kaysa sa Winchester Cathedral. Noong 1633–1642, si Inigo Jones ay gumawa ng malawak na pag-aayos sa lumang katedral at nagdagdag ng klasikal na Palladian na western façade dito. Gayunpaman, ang lumang katedral na ito ay ganap na nawasak sa panahon ng Great Fire ng London noong 1666. Ang kasalukuyang gusali ay itinayo ni Christopher Wren noong 1675–1710; Ang unang serbisyo ay ginanap sa hindi natapos na simbahan noong Disyembre 1697.

Mula sa pananaw ng arkitektura, ang St. Paul - isa sa pinakamalaking domed na gusali ng mundo ng Kristiyano, na nakatayo sa isang par ng Florentine Cathedral, ang mga katedral ng St. Sophia sa Constantinople at St. Pedro sa Roma. Ang katedral ay may hugis ng isang Latin na krus, ang haba nito ay 157 m, ang lapad ay 31 m; haba ng transept 75 m; kabuuang lugar 155,000 sq. m. Sa mga sangang-daan sa taas na 30 m, ang pundasyon ng isang simboryo na may diameter na 34 m ay inilatag, na tumataas sa 111 m. Kapag nagdidisenyo ng simboryo, inilapat ni Ren ang isang natatanging solusyon. Direkta sa itaas ng sangang-daan, itinayo niya ang unang simboryo sa ladrilyo na may isang bilog na 6 na metrong pagbubukas sa tuktok (oculus), na ganap na naaayon sa mga proporsyon ng interior. Sa itaas ng unang simboryo, ang arkitekto ay nagtayo ng isang brick cone, na nagsisilbing suporta para sa isang napakalaking parol na bato, ang bigat nito ay umabot sa 700 tonelada, at sa itaas ng kono, isang pangalawang simboryo na natatakpan ng mga lead sheet sa isang kahoy na frame, na proporsyonal na nauugnay. kasama ang mga panlabas na volume ng gusali. Ang isang bakal na kadena ay inilalagay sa base ng kono, na tumatagal sa lateral thrust. Ang isang bahagyang matulis na simboryo na nakapatong sa isang napakalaking circular colonnade ay nangingibabaw sa hitsura ng katedral.

Ang interior ay halos nakasuot ng marmol, at dahil may maliit na kulay dito, mukhang mahigpit. Maraming libingan ng mga sikat na heneral at mga kumander ng hukbong-dagat ang matatagpuan sa kahabaan ng mga dingding. Ang mga glass mosaic ng mga vault at dingding ng koro ay natapos noong 1897.

Ang isang malaking saklaw para sa aktibidad ng konstruksiyon ay nagbukas pagkatapos ng sunog sa London noong 1666. Iniharap ng arkitekto ang kanyang plano sa muling pagpapaunlad ng lungsod at nakatanggap ng utos para sa pagpapanumbalik ng 52 simbahan ng parokya. Iminungkahi ni Wren ang iba't ibang spatial na solusyon; ang ilang mga gusali ay itinayo gamit ang tunay na baroque na karangyaan (halimbawa, ang simbahan ni St. Stephen sa Walbrook). Ang kanilang mga spire, kasama ang mga tore ng St. Paul bumuo ng isang nakamamanghang panorama ng lungsod. Dapat banggitin, kasama ng mga ito, ang mga Simbahan ni Kristo sa Newgate Street, St Bride sa Fleet Street, St James sa Garlick Hill at St Vedast sa Foster Lane. Kung kinakailangan ito ng mga espesyal na pangyayari, tulad ng sa pagtatayo ng St Mary Alderry o Christ Church College, Oxford (Tom's Tower), maaaring gumamit si Wren ng mga huling elemento ng Gothic, bagaman, sa kanyang sariling mga salita, hindi niya nais na "lumihis mula sa pinakamahusay na istilo. ".

Bilang karagdagan sa pagtatayo ng mga simbahan, nagsagawa si Wren ng mga pribadong komisyon, isa na rito ang paglikha ng isang bagong aklatan. Trinity College(1676–1684) sa Cambridge. Noong 1669 siya ay hinirang na punong tagapag-alaga ng mga gusali ng hari. Sa posisyong ito, nakatanggap siya ng ilang mahahalagang utos ng pamahalaan, tulad ng pagtatayo ng mga ospital sa mga lugar ng Chelsea at Greenwich ( Ospital ng Greenwich) at ilang mga gusaling kasama sa Mga complex ng Kensington Palace At Palasyo ng Hampton Court.

Sa kanyang mahabang buhay, si Wren ay nasa serbisyo ng limang magkakasunod na hari sa trono ng Ingles at umalis sa kanyang posisyon noong 1718. Namatay si Wren sa Hampton Court noong Pebrero 26, 1723 at inilibing sa Katedral ng St. Paul. Ang kanyang mga ideya ay kinuha at binuo ng susunod na henerasyon ng mga arkitekto, sa partikular N. Hawksmore at J. Gibbs. Malaki ang epekto niya sa pag-unlad ng arkitektura ng simbahan sa Europa at Estados Unidos.

Among English nobility isang tunay na fashion para sa mga Palladian mansion ang lumitaw, na kasabay ng pilosopiya ng unang bahagi ng Enlightenment sa England, na ipinangaral ang mga mithiin ng pagkamakatuwiran at kaayusan, na lubos na ipinahayag sa sinaunang sining.

Palladian English Villa Ito ay isang compact volume, kadalasan ay tatlong palapag. Ang una ay ginagamot sa rustication, ang pangunahing isa ay ang harap, ito ay ang ikalawang palapag, ito ay pinagsama sa harapan na may isang malaking order kasama ang pangatlo - ang residential floor. Ang pagiging simple at kalinawan ng mga Palladian na gusali, ang kadalian ng pagpaparami ng kanilang mga anyo, ay ginawang karaniwan ang mga katulad na gusali kapwa sa pribadong arkitektura sa kanayunan at sa arkitektura ng mga pampublikong gusali at tirahan sa lungsod.

Malaki ang kontribusyon ng mga English Palladian sa pag-unlad ng sining ng parke. Upang palitan ang naka-istilong, geometrically correct " regular"dumating ang mga hardin" landscape" na mga parke kalaunan ay tinawag na "Ingles". Ang mga kaakit-akit na kakahuyan na may mga dahon na may iba't ibang kulay na kahalili ng mga damuhan, natural na mga imbakan ng tubig, at mga isla. Ang mga landas ng mga parke ay hindi nag-aalok ng isang bukas na pananaw, at sa likod ng bawat liko ay naghahanda sila ng isang hindi inaasahang tanawin. Ang mga estatwa, pavilion, at mga guho ay nagtatago sa lilim ng mga puno. Ang kanilang pangunahing lumikha sa unang kalahati ng ika-18 siglo ay William Kent

Ang mga parke ng landscape o landscape ay naisip bilang ang kagandahan ng natural na kalikasan ay matalinong naitama, ngunit ang mga pagwawasto ay hindi dapat maging kapansin-pansin.

Klasisismo ng Pranses

Classicism sa France ay nabuo sa mas kumplikado at magkasalungat na mga kondisyon, ang mga lokal na tradisyon at impluwensya ng baroque ay mas malakas. Ang pinagmulan ng French classicism sa unang kalahati ng ika-17 siglo. napunta laban sa backdrop ng isang uri ng repraksyon sa arkitektura ng Renaissance form, late Gothic tradisyon at mga diskarte na hiniram mula sa umuusbong na Italian Baroque. Ang prosesong ito ay sinamahan ng mga typological na pagbabago: isang pagbabago sa diin mula sa extra-urban castle construction ng pyudal nobility tungo sa urban at suburban housing construction para sa bureaucratic nobility.

Sa France, inilatag ang mga pangunahing prinsipyo at mithiin ng klasisismo. Masasabi nating lahat ay nagmula sa mga salita ng dalawang sikat na tao, ang Hari ng Araw (i.e. Louis XIV), na nagsabing " Ang estado ay ako!" at ang sikat na pilosopo na si Rene Descartes, na nagsabi: Sa tingin ko, kaya ako"(bilang karagdagan sa at counterbalance sa kasabihan ni Plato -" Ako ay umiiral, kaya iniisip ko"). Nasa mga pariralang ito na ang mga pangunahing ideya ng klasisismo ay nakatago: katapatan sa hari, i.e. bayan, at ang pagtatagumpay ng katwiran laban sa damdamin.

Ang bagong pilosopiya ay hinihiling ang pagpapahayag nito hindi lamang sa mga labi ng monarko at mga pilosopikal na gawa, kundi pati na rin sa sining na naa-access sa lipunan. Kailangan natin ng mga bayaning larawan na naglalayong itanim ang pagkamakabayan at makatuwirang prinsipyo sa pag-iisip ng mga mamamayan. Sa gayon nagsimula ang repormasyon ng lahat ng aspeto ng kultura. Ang arkitektura ay lumikha ng mahigpit na simetriko na mga anyo, na sumasakop hindi lamang sa espasyo, kundi pati na rin sa kalikasan mismo, na sinusubukang lumapit nang kaunti sa kung ano ang nilikha. Claude Ledoux utopian perpektong lungsod ng hinaharap. Alin, sa pamamagitan ng paraan, ay nanatiling eksklusibo sa mga guhit ng arkitekto (ito ay nagkakahalaga na tandaan na ang proyekto ay napakahalaga na ang mga motibo nito ay ginagamit pa rin sa iba't ibang mga uso sa arkitektura).

Ang pinaka-kapansin-pansin na pigura sa arkitektura ng unang bahagi ng French classicism ay Nicolas Francois Mansart(Nicolas François Mansart) (1598-1666) - isa sa mga tagapagtatag ng French classicism. Ang kanyang merito, bilang karagdagan sa direktang pagtatayo ng mga gusali, ay ang pagbuo ng isang bagong uri ng urban na tirahan ng maharlika - ang "hotel" - na may maginhawa at komportableng layout, kabilang ang isang lobby, hagdanan sa harapan, isang serye ng mga enfilade room, kadalasang nakapalibot sa isang patio. Ang mga vertical na seksyon ng Gothic-style ng mga facade ay may malalaking hugis-parihaba na bintana, isang malinaw na dibisyon sa mga sahig at mayamang pagkaka-plastikan. Ang isang tampok ng mga hotel sa Mansart ay matataas na bubong, kung saan inayos ang isang karagdagang puwang sa buhay - isang attic, na pinangalanan sa lumikha nito. Ang isang magandang halimbawa ng gayong bubong ay isang palasyo. Maisons-Laffitte(Maisons-Laffitte, 1642-1651). Kasama sa iba pang mga gawa ni Mansart ang - Hotel de Toulouse, Hotel Mazarin at katedral ng paris Val de Grace(Val-de-Grace) nakumpleto sa kanyang disenyo Lemerce At Le Muet.

Ang kasagsagan ng unang yugto ng klasisismo ay kabilang sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Ang mga konsepto ng pilosopikal na rasyonalismo at klasisismo na isinusulong ng burges na ideolohiya, absolutismo sa harap ng Louis XIV kinuha bilang opisyal na doktrina ng estado. Ang mga konseptong ito ay ganap na napapailalim sa kalooban ng hari, nagsisilbing isang paraan ng pagluwalhati sa kanya bilang pinakamataas na personipikasyon ng bansa, na nagkakaisa sa batayan ng makatwirang autokrasya. Sa arkitektura, ito ay may dalawang beses na pagpapahayag: sa isang banda, ang pagnanais para sa makatwirang pagkakasunud-sunod ng mga komposisyon, tectonically clear at monumental, napalaya mula sa fractional "multi-darkness" ng nakaraang panahon; sa kabilang banda, ang patuloy na pagtaas ng ugali tungo sa iisang kusang prinsipyo sa komposisyon, tungo sa pangingibabaw ng aksis na sumasakop sa gusali at mga katabing espasyo, sa pagpapailalim ng tao ay hindi lamang sa mga prinsipyo ng pag-aayos ng mga espasyo sa kalunsuran, ngunit gayundin sa kalikasan mismo, binago ayon sa mga batas ng katwiran, geometry, "ideal" na kagandahan . Ang parehong mga uso ay inilalarawan ng dalawang pangunahing kaganapan sa buhay ng arkitektura ng France sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo: ang una - ang disenyo at pagtatayo ng silangang harapan ng palasyo ng hari sa Paris - Louvre (Louvre); ang pangalawa - ang paglikha ng isang bagong tirahan ng Louis XIV - ang pinaka engrande na arkitektural at landscape gardening ensemble sa Versailles.

Ang silangang harapan ng Louvre ay nilikha bilang isang resulta ng isang paghahambing ng dalawang proyekto - isa na dumating sa Paris mula sa Italya. Lorenzo Bernini(Gian Lorenzo Bernini) (1598-1680) at Pranses Claude Perrault(Claude Perrault) (1613-1688). Ibinigay ang kagustuhan sa proyektong Perrault (nakumpleto noong 1667), kung saan, sa kaibahan sa baroque restlessness at tectonic duality ng proyekto ni Bernini, ang extended facade (haba na 170.5 m) ay may malinaw na kaayusan na may malaking dalawang palapag na gallery, na nagambala. sa gitna at sa mga gilid sa pamamagitan ng simetriko projection . Ang mga nakapares na column ng Corinthian order (taas na 12.32 metro) ay may malaking, klasikong disenyong entablature, na kinumpleto ng attic at balustrade. Ang pundasyon ay binibigyang kahulugan bilang isang makinis na basement, sa pagbuo ng kung saan, tulad ng sa mga elemento ng pagkakasunud-sunod, ang mga nakabubuo na pag-andar ng pangunahing suporta sa tindig ng gusali ay binibigyang diin. Ang isang malinaw, maindayog at proporsyonal na istraktura ay batay sa mga simpleng ugnayan at modularity, at ang mas mababang diameter ng mga haligi ay kinuha bilang paunang halaga (module), tulad ng sa mga klasikal na canon. Ang mga sukat ng gusali sa taas (27.7 metro) at ang pangkalahatang malaking sukat ng komposisyon, na idinisenyo upang lumikha ng isang parisukat sa harap sa harap ng harapan, ay nagbibigay sa gusali ng kamahalan at pagiging kinatawan na kinakailangan para sa palasyo ng hari. Kasabay nito, ang buong istraktura ng komposisyon ay nakikilala sa pamamagitan ng lohika ng arkitektura, geometricity, at artistikong rasyonalismo.

Ensemble ng Versailles(Château de Versailles, 1661-1708) - ang tugatog ng aktibidad ng arkitektura noong panahon ni Louis XIV. Ang pagnanais na pagsamahin ang mga kaakit-akit na aspeto ng buhay sa lungsod at buhay sa dibdib ng kalikasan ay humantong sa paglikha ng isang engrandeng complex, kabilang ang palasyo ng hari na may mga gusali para sa maharlikang pamilya at pamahalaan, isang malaking parke at lungsod na katabi ng palasyo. . Ang palasyo ay isang focal point kung saan ang axis ng parke ay nagtatagpo - sa isang banda, at sa kabilang banda - tatlong beam ng mga highway ng lungsod, kung saan ang gitnang isa ay nagsisilbing isang kalsada na nagkokonekta sa Versailles sa Louvre. Ang palasyo, ang haba kung saan mula sa gilid ng parke ay higit sa kalahating kilometro (580 m.), Ang gitnang bahagi nito ay mahigpit na itinulak pasulong, at sa taas ay may malinaw na dibisyon sa basement, pangunahing palapag at attic. Laban sa background ng order pilasters, ang Ionic porticos ay gumaganap ng papel ng mga maindayog na accent na pinag-iisa ang mga facade sa isang integral na komposisyon ng ehe.

Ang axis ng palasyo ay nagsisilbing pangunahing salik ng disiplina sa pagbabago ng tanawin. Sinasagisag ang walang limitasyong kalooban ng naghaharing may-ari ng bansa, pinasuko niya ang mga elemento ng geometrized na kalikasan, na nagpapalit-palit sa mahigpit na utos na may mga elemento ng arkitektura para sa mga layunin ng parke: hagdan, pool, fountain, iba't ibang maliliit na anyo ng arkitektura.

Ang prinsipyo ng axial space, na likas sa Baroque at Ancient Rome, ay natanto dito sa engrandeng axial perspective ng berdeng parterres at mga eskinita na bumababa sa mga terrace, na humahantong sa mata ng nagmamasid nang malalim sa kanal, na nasa di kalayuan, cruciform sa plano at higit pa. sa kawalang-hanggan. Ang hugis ng pyramid na mga palumpong at puno ay nagbigay-diin sa linear depth at artificiality ng nilikhang landscape, na nagiging natural lamang sa kabila ng pangunahing pananaw.

Idea " nagbagong kalikasan” ay tumutugma sa bagong paraan ng pamumuhay ng monarko at ng maharlika. Nagdulot din ito ng mga bagong plano sa pagpaplano ng lunsod - isang pag-alis mula sa magulong lungsod sa medieval, at sa huli sa isang mapagpasyang pagbabago ng lungsod batay sa mga prinsipyo ng regularidad at ang pagpapakilala ng mga elemento ng landscape dito. Ang resulta ay ang pagkalat ng mga prinsipyo at pamamaraan na binuo sa pagpaplano ng Versailles upang magtrabaho sa muling pagtatayo ng mga lungsod, lalo na ang Paris.

Andre Lenorou(André Le Nôtre) (1613-1700) - ang lumikha ng ensemble ng hardin at parke Versailles- nabibilang sa ideya ng pag-regulate ng layout ng gitnang distrito ng Paris, katabi mula sa kanluran at silangan sa mga palasyo ng Louvre at Tuileries. Axis Louvre - Mga Tuileries, kasabay ng direksyon ng kalsada sa Versailles, natukoy ang kahulugan ng sikat na " Parisian diameter”, na kalaunan ay naging pangunahing lansangan ng kabisera. Sa axis na ito, inilatag ang Tuileries Garden at bahagi ng avenue - ang mga eskinita ng Champs Elysees. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, nilikha ang Place de la Concorde, na pinagsama ang Tuileries sa avenue ng Champs Elysees, at sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. ang monumental na arko ng Bituin, na inilagay sa dulo ng Champs Elysees sa gitna ng bilog na parisukat, nakumpleto ang pagbuo ng ensemble, ang haba nito ay halos 3 km. may-akda Palasyo ng Versailles Jules Hardouin-Mansart(Jules Hardouin-Mansart) (1646-1708) ay lumikha din ng isang bilang ng mga natitirang ensemble sa Paris noong huling bahagi ng ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo. Kabilang dito ang bilog Victory Square(Place des Victoires), hugis-parihaba Ilagay ang Vendôme(Place Vendome), complex ng ospital ng Invalides na may domed cathedral. French classicism ng ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. pinagtibay ang mga tagumpay sa lunsod ng Renaissance at lalo na ang Baroque, na binuo at inilalapat ang mga ito sa mas malaking sukat.

Noong ika-18 siglo, sa panahon ng paghahari ni Louis XV (1715-1774), sa arkitektura ng Pransya, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining, nabuo ang istilong Rococo, na isang pormal na pagpapatuloy ng mga usong larawang baroque. Ang pagka-orihinal ng estilo na ito, malapit sa baroque at mapagpanggap sa mga anyo nito, ay ipinakita ang sarili nito pangunahin sa panloob na dekorasyon, na tumutugma sa maluho at masayang buhay ng korte ng hari. Ang mga seremonyal na bulwagan ay nakakuha ng mas komportable, ngunit mas mapagpanggap na karakter. Sa dekorasyong arkitektura ng lugar, malawakang ginamit ang mga salamin at stucco na mga dekorasyon na gawa sa masalimuot na hubog na mga linya, bulaklak na garland, shell, atbp. Ang istilong ito ay malawak ding makikita sa mga kasangkapan. Gayunpaman, nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo, nagkaroon ng paglipat mula sa mga mapagpanggap na anyo ng Rococo patungo sa mas mahigpit, pagiging simple at kalinawan. Ang panahong ito sa France ay kasabay ng isang malawak na kilusang panlipunan na nakadirekta laban sa sistemang sosyo-politikal na monarkiya at natanggap ang resolusyon nito sa rebolusyong burges ng Pransya noong 1789. Ang ikalawang kalahati ng ika-18 at ang unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo sa France ay nagmamarka ng isang bagong yugto sa pag-unlad ng klasisismo at ang malawak na pamamahagi nito sa mga bansang Europeo.

KLASISISMO NG IKALAWANG KALAHATE NG XVIII siglo higit sa lahat binuo ang mga prinsipyo ng arkitektura ng nakaraang siglo. Gayunpaman, ang bagong burges-rationalist na mga mithiin - ang pagiging simple at klasikal na kalinawan ng mga anyo - ay naiintindihan na ngayon bilang isang simbolo ng isang tiyak na demokratisasyon ng sining na itinataguyod sa loob ng balangkas ng burges na kaliwanagan. Ang relasyon sa pagitan ng arkitektura at kalikasan ay nagbabago. Ang simetrya at axis, na nananatiling pangunahing mga prinsipyo ng komposisyon, ay wala nang dating kahalagahan sa organisasyon ng natural na tanawin. Parami nang parami, ang French regular park ay nagbibigay-daan sa tinatawag na English park na may kaakit-akit na komposisyon ng landscape na ginagaya ang natural na tanawin.

Ang arkitektura ng mga gusali ay nagiging medyo mas makatao at makatuwiran, bagaman ang malaking urban scale ay tumutukoy pa rin sa isang malawak na ensemble na diskarte sa mga gawaing arkitektura. Ang lungsod kasama ang lahat ng mga medieval na gusali nito ay itinuturing na isang bagay ng impluwensya ng arkitektura sa pangkalahatan. Ang mga ideya para sa isang plano sa arkitektura para sa buong lungsod ay iniharap; Kasabay nito, ang mga interes ng transportasyon, mga isyu ng sanitary improvement, paglalagay ng mga bagay ng kalakalan at mga aktibidad sa produksyon at iba pang mga isyu sa ekonomiya ay nagsisimulang sumakop sa isang makabuluhang lugar. Sa trabaho sa mga bagong uri ng mga gusali sa lunsod, maraming pansin ang binabayaran sa mga multi-storey residential na gusali. Sa kabila ng katotohanan na ang praktikal na pagpapatupad ng mga ideya sa pagpaplano ng lunsod ay napakalimitado, ang pagtaas ng interes sa mga problema ng lungsod ay nakaimpluwensya sa pagbuo ng mga ensemble. Sa mga kondisyon ng isang malaking lungsod, sinusubukan ng mga bagong ensemble na isama ang malalaking espasyo sa kanilang "sphere of influence", na kadalasang nagiging open-ended.

Ang pinakamalaki at pinaka-katangian na arkitektural na grupo ng klasikong Pranses noong ika-18 siglo - Place de la Concorde sa Paris nilikha ng proyekto Ange-Jacques Gabriel (Ange-Jacque Gabriel(1698 - 1782) noong 50-60s ng XVIII na siglo, at natanggap ang pangwakas na pagkumpleto nito sa ikalawang kalahati ng XVIII - unang kalahati ng XIX na siglo. Ang malawak na parisukat ay nagsisilbing puwang ng pamamahagi sa pampang ng Seine sa pagitan ng Tuileries Garden na kadugtong ng Louvre at ng malalawak na boulevards ng Champs Elysees. Ang dating mga tuyong kanal ay nagsisilbing hangganan ng isang hugis-parihaba na lugar (mga sukat na 245 x 140 m). Ang "graphic" na layout ng lugar sa tulong ng mga tuyong kanal, balustrades, sculptural group ay nagtataglay ng selyo ng planar na layout ng Versailles park. Kabaligtaran sa mga saradong parisukat ng Paris noong ika-17 siglo. (Place Vendôme, atbp.), Ang Place de la Concorde ay isang sample ng isang bukas na parisukat, na limitado lamang sa isang gilid ng dalawang simetriko na gusali na itinayo ni Gabriel, na bumubuo ng isang transverse axis na dumadaan sa parisukat, at ang Rue Royale ay nabuo ng mga ito. . Ang axis ay naayos sa parisukat na may dalawang fountain, at sa intersection ng mga pangunahing axes isang monumento kay King Louis XV ay itinayo, at kalaunan ay isang mataas na obelisk). Ang Champs Elysees, ang Tuileries Garden, ang espasyo ng Seine at ang mga embankment nito ay, kumbaga, isang pagpapatuloy ng arkitektural na grupong ito, napakalaki sa saklaw nito, sa direksyong patayo sa transverse axis.

Ang bahagyang muling pagtatayo ng mga sentro na may pagsasaayos ng mga regular na "royal squares" ay sumasaklaw din sa iba pang mga lungsod ng France (Rennes, Reims, Rouen, atbp.). Partikular na kitang-kita ang Royal Square sa Nancy (Place Royalle de Nancy, 1722-1755). Ang teorya sa pagpaplano ng lungsod ay umuunlad. Sa partikular, dapat tandaan ng isa ang teoretikal na gawain sa mga parisukat sa lunsod ng arkitekto na si Patt, na nagproseso at naglathala ng mga resulta ng isang kumpetisyon para sa Place Louis XV sa Paris, na ginanap noong kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Ang pag-unlad ng pagpaplano ng espasyo ng mga gusali ng French classicism ng XVIII na siglo ay hindi ipinaglihi sa paghihiwalay mula sa urban ensemble. Ang nangungunang motif ay nananatiling isang malaking pagkakasunud-sunod, na mahusay na nauugnay sa mga katabing urban space. Ang isang constructive function ay ibinalik sa order; ito ay mas madalas na ginagamit sa anyo ng mga portiko at mga gallery, ang sukat nito ay pinalaki, na sumasakop sa taas ng buong pangunahing dami ng gusali. Theorist ng French classicism M. A. Laugier (Laugier M.A) panimula tinatanggihan ang klasikal na hanay kung saan ito ay talagang hindi nagdadala ng isang load, at criticizes ang paglalagay ng isang order sa isa pa, kung ito ay talagang posible upang makakuha ng sa pamamagitan ng isang suporta. Ang praktikal na rasyonalismo ay tumatanggap ng malawak na teoretikal na katwiran.

Ang pag-unlad ng teorya ay naging isang tipikal na kababalaghan sa sining ng France mula noong ika-17 siglo, mula noong itatag ang French Academy (1634), ang pagbuo ng Royal Academy of Painting and Sculpture (1648) at ang Academy of Architecture (1671). ). Ang partikular na atensyon sa teorya ay ibinibigay sa mga order at proporsyon. Pagbuo ng doktrina ng mga sukat Jacques Francois Blondel(1705-1774) - French theorist ng ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, si Laugier ay lumikha ng isang buong sistema ng lohikal na makatwiran na mga proporsyon, batay sa makatuwirang makabuluhang prinsipyo ng kanilang ganap na pagiging perpekto. Kasabay nito, sa mga proporsyon, tulad ng sa arkitektura sa kabuuan, ang elemento ng rationality, batay sa speculatively derived mathematical rules of composition, ay pinahusay. Mayroong lumalagong interes sa pamana ng sinaunang panahon at Renaissance, at sa mga partikular na halimbawa ng mga panahong ito, hinahangad nilang makita ang lohikal na kumpirmasyon ng mga prinsipyong iniharap. Ang Roman Pantheon ay madalas na binabanggit bilang isang mainam na halimbawa ng pagkakaisa ng utilitarian at artistikong function, at ang mga gusali ng Palladio at Bramante, sa partikular na Tempietto, ay itinuturing na pinakasikat na mga halimbawa ng Renaissance classics. Ang mga sample na ito ay hindi lamang maingat na pinag-aralan, ngunit madalas na nagsisilbing mga direktang prototype ng mga gusaling itinatayo.

Itinayo noong 1750-1780s ayon sa proyekto Jacques Germain Souflo(Jacques-Germain Soufflot) (1713 - 1780) St. Genevieve sa Paris, na kalaunan ay naging pambansang French Pantheon, makikita ng isa ang pagbabalik sa artistikong ideal ng unang panahon at ang pinaka-matandang mga halimbawa ng Renaissance na likas sa panahong ito. Ang komposisyon, cruciform sa plano, ay nakikilala sa pamamagitan ng lohika ng pangkalahatang pamamaraan, ang balanse ng mga bahagi ng arkitektura, ang kalinawan at kalinawan ng konstruksiyon. Ang portico ay bumalik sa mga anyo nito sa Romano Pantheon, isang drum na may simboryo (span 21.5 metro) ay kahawig ng isang komposisyon Tempietto. Kinukumpleto ng pangunahing façade ang pananaw ng isang maikli, tuwid na kalye at nagsisilbing isa sa mga pinakanakikitang landmark ng arkitektura sa Paris.

Ang isang kawili-wiling materyal na naglalarawan ng pag-unlad ng kaisipang arkitektura sa ikalawang kalahati ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo ay ang paglalathala sa Paris ng mga mapagkumpitensyang proyektong pang-akademiko na iginawad ng pinakamataas na parangal (Grand prix). Ang isang pulang sinulid na tumatakbo sa lahat ng mga proyektong ito ay paghanga sa sinaunang panahon. Ang walang katapusang mga colonnade, malalaking simboryo, paulit-ulit na mga portiko, atbp., ay nagsasalita, sa isang banda, ng isang pahinga sa maharlikang pagkababae ng Rococo, sa kabilang banda, ng pamumulaklak ng isang uri ng arkitektural na romansa, para sa pagsasakatuparan ng kung saan gayunpaman, walang batayan sa realidad ng lipunan.

Ang bisperas ng Rebolusyong Pranses (1789-94) ay nagbunga ng isang pagsusumikap para sa malupit na pagiging simple sa arkitektura, isang matapang na paghahanap para sa monumental na geometrismo, bago, walang kaayusan na arkitektura (K. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeux). Ang mga paghahanap na ito (napansin din ng impluwensya ng mga ukit ng arkitektura ng G. B. Piranesi) ay nagsilbing panimulang punto para sa huling yugto ng klasisismo - Imperyo.

Sa mga taon ng rebolusyon, halos walang konstruksyon ang natupad, ngunit malaking numero mga proyekto. Ang pangkalahatang ugali upang madaig ang mga kanonikal na anyo at tradisyonal na klasikal na mga iskema ay tinutukoy.

Ang pag-iisip ng kultura, na nakapasa sa susunod na pag-ikot, ay natapos sa parehong lugar. Ang pagpipinta ng rebolusyonaryong direksyon ng French classicism ay kinakatawan ng matapang na drama ng mga makasaysayang at portrait na mga imahe ni J. L. David. Sa mga taon ng imperyo ng Napoleon I, ang kahanga-hangang pagiging kinatawan ay lumalaki sa arkitektura (Ch. Percier, L. Fontaine, J. F. Chalgrin)

Ang Roma ay naging internasyonal na sentro ng klasisismo noong ika-18 siglo - ang simula ng ika-19 na siglo, kung saan ang tradisyon ng akademya ay nangibabaw sa sining, na may kumbinasyon ng maharlika ng mga anyo at malamig, abstract idealization, madalas para sa akademiko (pintor ng Aleman na si AR Mengs, Austrian. pintor ng landscape na si JA Koch, mga iskultor - Italian A. Canova, Dane B. Thorvaldsen).

Noong ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo, nabuo ang klasisismo sa arkitektura ng Dutch- arkitekto Jacob van Campen(Jacob van Campen, 1595-165), na nagbunga ng isang partikular na pinigilan na bersyon nito, ang mga cross-link sa French at Dutch classicism, gayundin sa unang bahagi ng Baroque, ay nakaapekto sa maikling napakatalino na kapanahunan. classicism sa Swedish architecture huling bahagi ng ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo - arkitekto Nicodemus Tessin ang Nakababata(Nicodemus Tessin Younger 1654-1728).

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang mga prinsipyo ng klasisismo ay nabago sa diwa ng aesthetics ng Enlightenment. Sa arkitektura, ang apela sa "naturalness" ay naglagay ng kinakailangan para sa nakabubuo na pagbibigay-katwiran ng mga elemento ng pagkakasunud-sunod ng komposisyon, sa interior - ang pagbuo ng isang nababaluktot na layout ng isang komportableng gusali ng tirahan. Ang landscape na kapaligiran ng "English" na parke ay naging perpektong kapaligiran para sa bahay. Ang mabilis na pag-unlad ng kaalamang arkeolohiko tungkol sa sinaunang Griyego at Romano (mga paghuhukay sa Herculaneum, Pompeii, atbp.) ay nagkaroon ng malaking epekto sa klasisismo noong ika-18 siglo; Ang mga gawa ni I. I. Winkelmann, J. V. Goethe, at F. Militsiya ay gumawa ng kanilang kontribusyon sa teorya ng klasisismo. Sa klasikong Pranses noong ika-18 siglo, ang mga bagong uri ng arkitektura ay tinukoy: isang napakagandang matalik na mansyon, isang harapan. pampublikong gusali, bukas na plaza ng lungsod.

Sa Russia Ang klasisismo ay dumaan sa ilang mga yugto sa pag-unlad nito at umabot sa mga hindi pa naganap na proporsyon sa panahon ng paghahari ni Catherine II, na itinuturing ang kanyang sarili na isang "napaliwanagan na monarko", ay kaugnay ng Voltaire at suportado ang mga ideya ng French Enlightenment.

Ang klasikal na arkitektura ng St. Petersburg ay malapit sa mga ideya ng kahalagahan, kadakilaan, makapangyarihang kalunos-lunos.

Mula sa Latin classicus - huwaran. Isang istilo o kalakaran sa panitikan at sining noong ika-17 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, na bumaling sa sinaunang pamana bilang pamantayan at perpektong modelo. Ang klasiko ay nabuo noong ika-17 siglo. sa France. Noong ika-18 siglo ang klasiko ay nauugnay sa Enlightenment; batay sa mga ideya ng pilosopikal na rasyonalismo, sa mga ideya ng mga makatuwirang batas ng mundo, ng magandang ennoble na kalikasan, sinikap niyang ipahayag ang isang mahusay na nilalamang panlipunan, matayog na kabayanihan at moral na mga mithiin, sa isang mahigpit na organisasyon ng lohikal, malinaw at maayos. mga larawan. Ayon sa matayog na mga ideya sa etika, ang programang pang-edukasyon ng sining, ang mga aesthetics ng klasisismo ay nagtatag ng isang hierarchy ng mga genre - "mataas" (trahedya, epiko, ode; historikal, mitolohiko, relihiyosong pagpipinta, atbp.) at "mababa" (komedya, satire, pabula; genre painting at iba pa). Sa panitikan (ang mga trahedya ni P. Corneille, J. Racine, Voltaire, ang mga komedya ng Moliere, ang tula na "Poetic Art" at ang mga satire ni N. Boileau, ang mga pabula ni J. La Fontaine, ang prosa ng F. La Rochefoucauld , J. La Bruyère sa France, ang gawain ng panahon ng Weimar ng IV .Goethe at F. Schiller sa Germany, ang mga odes ng MV Lomonosov at GR Derzhavin, ang mga trahedya ng AP Sumarokov at Ya.B. Knyazhnin sa Russia), makabuluhang etikal na banggaan, normative typified imahe play ng isang nangungunang papel. Para sa sining ng teatro [Mondory, T. Duparc, M. Chanmelet, A.L. Leken, F.J. Talma, Rachel sa France, F.K. Neuber sa Germany, F.G. Volkov, I.A. Dmitrevsky sa Russia] ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang solemne, static na istraktura ng mga pagtatanghal, nasusukat na pagbabasa ng tula. Sa musical theater, heroics, elation of style, logical clarity of dramaturgy, the dominance of recitative (J.B. Lully's operas in France) o vocal virtuosity in arias (Italian opera seria), noble simple and sublimity (K.V. Gluck's reformist operas in Austria) . Classicism sa arkitektura (J. Hardouin - Mansart, J.A. Gabriel, K.N. Ledoux sa France, K. Ren sa England, V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.N. Voronikhin, A.D. .Zakharov, KI Rossi sa Russia) ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalinawan at geometrism ng mga anyo , nakapangangatwiran na kalinawan ng pagpaplano, mga kumbinasyon ng isang makinis na pader na may warrant at pinigilan na palamuti. Fine arts (mga pintor na N. Poussin, C. Lorrain, J. L. David, J. O. D. Ingres, mga iskultor na J. B. Pigalle, E. M. Falcone sa France, I. G. Shadov sa Germany, B Thorvaldsen sa Denmark, A. Canova sa Italy, mga pintor na AP Losenko, GI Ugryumov, sculptors MP Matros sa Russia) ay nakikilala sa pamamagitan ng lohikal na paglalahad ng balangkas, ang mahigpit na balanse ng komposisyon, ang plastic na kalinawan ng mga form, ang malinaw na pagkakaisa ng mga linear na ritmo .

SINING.

Noong ika-18 siglo, isang bagong artistikong istilo, classicism, ang isinilang sa France. Ang pangalang "classicism" ay maaaring literal na isalin bilang "batay sa mga classics", "exemplary". Ang paglitaw nito ay nauugnay sa mga pagbabago sa buhay pampulitika at pilosopikal na pag-iisip.

Ang isang espesyal na anyo ng pamahalaan - absolutism, na nauugnay sa pangalan ni King Louis 14, ay aphoristtically at ganap na ipinahayag sa isang royal formula: "Ang estado ay ako."

Isang bagong pilosopikal na direksyon - rasyonalismo - nagpahayag ng priyoridad ng isip ng tao. Ang mga batas ng kagandahan ay lubos na nauunawaan nang makatwiran, na nangangahulugang ang sining ay dapat na batay sa ilang mga patakaran. Ang gawain ng sining ay ang sagisag ng isang perpektong pagkakasunud-sunod.

Ang sinaunang panahon ay tinawag na perpekto, ngunit ang klasisismo, na nanawagan para sa pagsasakatuparan ng mga tradisyon ng klasikal na sining, ay sa katunayan ay napakalayo sa mundong Hellenic na nagpapatunay sa buhay. Pinakamalapit sa lahat sa mga tumawag: "Pasulong - sa nakaraan!", Ay, marahil, ang pilosopiya ng Roman Stoics, na nanawagan para sa pagpapanatili ng hindi matitinag na katatagan sa gitna ng pangkalahatang kaguluhan.

Ang maagang klasisismo ay masyadong tama, masyadong haka-haka at abstract. Ang mga manunulat noong panahong iyon - una sa lahat, ang mga manunulat ng dulang sina Corneille, Racine, Moliere - ay bumuo ng teorya ng klasisismo at isinabuhay ito. Ang mga bisyo at birtud sa klasikal na dula ay malinaw na ipinamahagi, walang mga tono at semitone sa mga tauhan: kung ang bida ay isang daang porsyento, kung ang hamak ay dalawang daang porsyento. Ang pangunahing salungatan ng trahedya ng klasisismo ay ang salungatan sa pagitan ng pakiramdam at tungkulin, at tungkulin ang nanalo. Sa isang kamangha-manghang paraan, ang teorya at praktika ng klasisismo ay pinagsama sa sining ng landscape gardening. Kaya, ang parke sa royal residence sa Versailles ay binalak ayon sa mahigpit na mga batas: mga pool ng isang malinaw na geometric na hugis, tuwid na mga eskinita, malinis na pahalang na mga linya. Ang mga bulaklak na kama ay kahawig ng perpektong kulay na parquet, at kahit na ang mga palumpong at mga puno ay hindi pinahihintulutan ng anumang kalayaan: ang kanilang mga korona ay binibigyan ng hugis-kono at spherical na mga hugis sa tulong ng mga gunting at pruner. Ang mahigpit na regular na pagpaplano ng master ng mga hardin at parke na Le Nôtre ay ang sagisag ng rasyonalistikong diwa ng klasisismo.

Ang kasagsagan ng neoclassicism ay nahulog sa panahon ng Dakila Rebolusyong Pranses(1789 - 1794) Ang mga epicurean mood at love whims ng Rococo ay sinalungat ng pagiging simple ng mga anyo, ang kalunos-lunos ng civic duty, ideological at correctness.

Sa pagpipinta, ang klasisismo ay pinakamalinaw na kinakatawan ng mga gawa ni Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Auguste Dominique Ingres. Ang pinaka-pare-parehong kinatawan ng neoclassicism ay ang mang-aawit ng rebolusyon, si Jacques Louis David.

PANGARAP. Sa France, ang mga nag-iisip ng Enlightenment, na mga espirituwal na tagapagpauna ng rebolusyon, ay masigasig na pinangalagaan ang ugali na tanggihan ang Rococo na umuusbong sa pagpipinta. Ang pagbabagong ito ng pag-iisip, sa una ay higit pa tungkol sa nilalaman kaysa sa istilo, ay sanhi ng biglaang katanyagan ni Jean-Baptiste Greuze (1735-1850) noong dekada sisenta ng ika-18 siglo. Ang kanyang "Country Bride", tulad ng kanyang iba pang mga pintura noong mga taong iyon, ay naglalarawan sa eksena ng kanilang buhay ng mababang uri. Mula sa mga naunang genre ng mga canvases, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng theatricality ng komposisyon, na hiniram mula sa "silent scenes" ni Hogarth. Ngunit sa mga gawa ni Grez ay walang pangungutya o panunuya. Ang kanyang moralistikong larawan ay nagsisilbing isang paglalarawan ng mga panlipunang sermon ni Jean-Jacques Rousseau: ang mga mahihirap, hindi tulad ng mga imoral na aristokrata, ay may "natural" na mga birtud at pagiging tunay ng damdamin. Ang lahat ng nasa larawan ay inilaan upang ipaalala sa amin ito, mula sa mga kalunus-lunos na kilos at ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na mga karakter hanggang sa pinakamaliit na detalye - isang hen na may isang brood ng manok, na nakikita natin sa harapan. Iniwan ng isang sisiw ang kanyang mga kapatid at dumapo sa gilid ng isang mangkok ng tubig, kaya malapit nang iwan ng nobya ang kanyang pamilya. Ang "The Village Bride" ay kinilala bilang isang obra maestra, at si Denis Diderot, ang apostol ng Dahilan at Kalikasan na ito, ay pinuri siya ng pinakamalakas sa lahat. Sa wakas, aniya, lumitaw ang isang artista na tumutupad sa isang panlipunang misyon, umaapela sa moral na kahulugan ng manonood, at hindi lamang nagsusumikap na pasayahin, tulad ng ginawa ng mga walang kuwentang artista noong panahon ng Rococo! Sa unang pagsabog ng kasiyahan, tinasa ni Diderot ang balangkas ng pagpipinta ni Grese ayon sa pormula ni Poussin bilang "isang marangal at seryosong gawa ng isang tao."

DAVID. Nang maglaon, nang lumitaw sa eksena ang isang mas matalinong artista, ang mahigpit na "neopoussenist" na si Jean-Louis David (1748 - 1825), binago ni Diderot ang kanyang pananaw. Sa paghusga sa pamamagitan ng pagpipinta na "The Death of Socrates", na isinulat noong 1787, si David ay mas "Poussin" kaysa kay Poussin mismo. Ang komposisyon ay nagbubukas, tulad ng sa kaluwagan, parallel sa eroplano ng larawan, at ang mga figure ay napakalaki at hindi gumagalaw, tulad ng mga estatwa. Nagdala si David ng isang hindi inaasahang detalye sa larawan - pag-iilaw, ito ay matalim na nakatutok at lumilikha ng malinaw na mga anino. Hiniram niya ang medyo makatotohanang pamamaraan na ito mula sa Caravaggio. Kaya, ang mga kuwadro na gawa ay lumalapit sa buhay, na medyo nakakagulat sa gayong doktrinaire na pagkakatawang-tao ng bagong perpektong istilo. Ang pagkuha ng unang panahon bilang isang halimbawa ng pagkamamamayan at pagmamahal sa kalayaan, siya ang naging tagapagtatag ng tinatawag na. rebolusyonaryong klasisismo noong huling bahagi ng ika-18 siglo, nagsagawa siya ng mga gawa ng mahusay na pampublikong tunog, mahigpit sa komposisyon at ritmo (The Oath of the Horatii, 1784), mga larawan (Doctor A. Levois, 1783). Sa mga taon ng Rebolusyong Pranses, ang tagapag-ayos ng buhay-sining, ang lumikha ng mga larawan, mga makasaysayang pagpipinta, kasama. nakatuon sa mga kasalukuyang kaganapan ("The Death of Marat", 1793). Mula noong 1804, ang "unang artista" ng Napoleon I, ay nagpinta ng mga kamangha-manghang seremonyal na komposisyon ("Coronation of Josephine", 1805 - 1807). Noong 1816, lumipat siya sa Belgium.

Panitikan sa daigdig.

Hinahangad ng mga klasiko na gayahin ang mga modelo ng sinaunang sining, sinunod ang mga pamantayang itinakda ng mga sinaunang teorista ng sining (Aristotle at Horace). Tinatamaan ng Klasisismo ang pagkamamamayan, sukat, kataimtiman, pagkakatugma ng mga anyo.

Nakita ng mga klasiko ang layunin ng sining sa kaalaman ng katotohanan, na nagsisilbing ideal ng kagandahan. Ang mga klasiko ay naglagay ng isang paraan upang makamit ito, batay sa tatlong pangunahing mga kategorya ng kanilang mga aesthetics: dahilan, modelo, panlasa. Ang lahat ng mga kategoryang ito ay itinuturing na mga layunin na kategorya ng kasiningan. Mula sa pananaw ng mga klasiko, ang mga dakilang gawa ay hindi bunga ng talento, hindi inspirasyon, hindi masining na pantasya, ngunit patuloy na pag-aaral ng mga dikta ng isip, ang pag-aaral. mga gawang klasikal sinaunang panahon at kaalaman sa mga tuntunin ng panlasa. Kaya, dinadala ng mga klasiko ang artistikong aktibidad na mas malapit sa aktibidad na pang-agham. Kaya naman naging katanggap-tanggap para sa kanila ang philosophical rationalistic method ng French philosopher na si Rene Descartes (1596 - 1650), na naging batayan ng artistikong kaalaman sa classicism.

Ang pangalawang pinakamahalagang kategorya ng mga klasikong aesthetics ay ang pattern. Naniniwala ang mga klasiko na ang aesthetic ideal ay walang hanggan at pareho sa lahat ng oras, ngunit noong unang panahon lamang ito ay nakapaloob sa sining na may pinakamalaking pagkakumpleto. Samakatuwid, upang muling mabuo ang perpekto, ang isa ay dapat bumaling sa sinaunang sining at maingat na pag-aralan ang mga batas nito. Iyon ang dahilan kung bakit ang imitasyon ng mga modelo ay pinahahalagahan ng mga klasiko na mas mataas kaysa sa orihinal na gawa. Bumaling sa sinaunang panahon, ang mga klasiko sa gayon ay tinalikuran ang imitasyon ng mga modelong Kristiyano, na nagpatuloy sa pakikibaka ng mga humanista ng Renaissance para sa sining na walang relihiyosong dogma.

Ang kulto ng katwiran ay nangangailangan ng isang radikal na pagsasaayos ng nilalaman at anyo ng mga gawa, ang mga prinsipyo ng typification, at ang sistema ng mga genre. Ipinahayag ng mga klasiko ang prinsipyo ng imitasyon ng kalikasan, mahigpit na nililimitahan ang karapatan ng artista sa pantasya. Lumapit si Art buhay pampulitika, ang kanyang pinakamahalagang gawain ay idineklara na ang edukasyon ng isang tunay na mamamayan ng kanyang bansa. Samakatuwid, sa gitna ng mga gawa ng klasiko ay mga problema ng pambansang interes.

Sa sining ng klasisismo, hindi binibigyang pansin ang partikular, indibidwal, random, ngunit sa pangkalahatan, tipikal. Samakatuwid, ang karakter ng bayani sa panitikan ay walang mga indibidwal na tampok, na kumikilos bilang isang pangkalahatan ng isang buong uri ng mga tao. Ang prinsipyo ng klasikal na pag-type ay humahantong sa isang matalim na paghahati ng mga bayani sa positibo at negatibo, seryoso at nakakatawa. Kasabay nito, ang pagtawa ay nagiging mas mapanukso, dahil ito ay pangunahing nakadirekta sa mga negatibong karakter.

Ang kategorya ng katwiran ay naging sentro sa pagbuo ng isang bagong uri ng artistikong salungatan na natuklasan ng klasisismo: ang salungatan sa pagitan ng katwiran, tungkulin sa estado - at pakiramdam, personal na pangangailangan, mga hilig. Ang pagkakaroon ng natuklasan sa isang tao, tulad ng, dalawang nilalang - isang estado at isang pribadong tao, ang mga manunulat ay naghanap din ng mga paraan upang magkasundo ang katwiran at damdamin, na naniniwala sa pangwakas na tagumpay ng pagkakaisa. Ito ay isa sa mga pangunahing pinagmumulan ng optimismo sa klasikal na panitikan.

Ang mga klasiko ay nagbigay ng malaking impluwensya sa teorya ng genre. Ginabayan sila ng mga prinsipyo ng hierarchy, mayroong pangunahing at hindi pangunahing mga genre. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, itinatag ang opinyon na ang pinakamahalagang genre ng pampanitikan ay trahedya (sa arkitektura - ang palasyo, sa pagpipinta - pormal na larawan atbp.). Ang prosa ay itinuturing na mas mababa kaysa sa tula, lalo na ang fiction. Samakatuwid, tulad mga prosa genre, tulad ng mga sermon, liham, memoir, bilang panuntunan, na hindi idinisenyo para sa aesthetic na pang-unawa, ang artistikong prosa, lalo na ang nobela, ay nahulog sa limot. Ang prinsipyo ng hierarchy ay naghahati sa mga genre sa "mataas" at "mababa", at ang ilang mga artistikong sphere ay itinalaga sa mga genre. Kaya, ang mga "mataas" na genre (trahedya, ode, atbp.) ay itinalaga ng isang problema sa buong bansa, maaari lamang nilang pag-usapan ang tungkol sa mga hari, heneral, pinakamataas na maharlika, ang wika ng mga gawang ito ay may isang upbeat, solemne na karakter ("high calm ”). Sa mga "mababa" na genre (komedya, pabula, pangungutya, atbp.) Posibleng hawakan lamang ang mga partikular na problema o abstract na bisyo (kuripot, pagkukunwari, walang kabuluhan, atbp.), Na kumikilos bilang ganap na pribadong katangian ng pagkatao ng tao. Ang mga bayani sa mga "mababa" na genre ay maaaring mga kinatawan ng mas mababang uri ng lipunan, habang ang pagtanggal ng mga marangal na tao ay pinapayagan lamang sa mga pambihirang kaso (ang mas mataas ay maaaring pahalagahan ang katapangan ni Molière, na ginawa ang imahe ng Marquis bilang isang permanenteng komiks. figure). Sa wika ng naturang mga gawa, ang kabastusan, hindi maliwanag na mga pahiwatig, at isang paglalaro ng mga salita ("mababang kalmado") ay pinahihintulutan, ang paggamit ng mga salitang "mataas na kalmado" dito, bilang isang panuntunan, ay isang parodic na kalikasan. Alinsunod sa mga prinsipyo ng rasyonalismo, iniharap ng mga klasiko ang kahilingan para sa kadalisayan ng mga genre. Ang mga halo-halong genre, tulad ng tragicomedy, ay pinipiga. Sinasaktan nito ang kakayahan ng isang partikular na genre na komprehensibong ipakita ang katotohanan. Mula ngayon, ang buong sistema ng mga genre lamang ang may kakayahang ipahayag ang pagkakaiba-iba ng buhay.

Ang klasiko bilang isang istilo ay isang sistema ng matalinhaga at nagpapahayag na mga paraan na naglalarawan sa realidad sa pamamagitan ng prisma ng mga sinaunang sample, na itinuturing na ideal ng pagkakatugma, pagiging simple, hindi malabo, at maayos na simetrya. Kaya, ang istilong ito ay nagpaparami lamang ng makatwirang ayos na panlabas na kabibi ng sinaunang kultura, nang hindi inihahatid ang pagano, masalimuot at hindi mahahati na kakanyahan nito. Ang kakanyahan ng estilo ng klasiko ay hindi nakasalalay sa antigong damit, ngunit sa pagpapahayag ng pananaw sa mundo ng isang tao ng ganap na panahon. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kalinawan, monumentalidad, ang pagnanais na alisin ang lahat ng labis (ang prinsipyo ng pagtitipid sa gastos), na lumilikha ng isang solong at mahalagang impression. Ang klasiko bilang isang kalakaran ay nabuo nang iba sa mga bansang Europeo. Kaya, sa France, nabuo ito noong 1590s, naging dominanteng trend sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, naabot ang rurok nito noong 60s at 70s, pagkatapos ay nakaranas ng ilang krisis. Sa England, sa kabilang banda, ang kanyang impluwensya ay hindi nagiging malinaw hanggang sa katapusan ng siglo.

Ang gawa ng pinakadakilang makatang Ingles noong ika-17 siglo, si John Milton (1608 - 1674), ay maaaring ituring bilang isang halimbawa ng klasiko ng Ingles (lalo na ang kanyang mga tula sa hinaharap). Si Milton ay ipinanganak sa London, sa pamilya ng isang notaryo, ay nabuo bilang isang tao sa ilalim ng impluwensya ng mga Puritans (sa pamilya, sa St. Paul's School, sa Cambridge University). Pagkatapos makapagtapos sa unibersidad noong 1632, nanirahan si Milton sa bayan ng Horton, kung saan siya nagsimula gawaing pampanitikan. Dito niya ipininta ang diptych na "L'allegro" (Masayahin) at "Il penseroso" (Pensive), kung saan ipininta niya ang pagkakatugma ng mga damdamin at katwiran, na nagbibigay ng palad sa pangangatwiran. Noong 1638 - 1640. Si Milton ay naglalakbay sa buong Europa, sa Italya siya ay tinanggap bilang isang pangunahing makata at siyentipiko. Ngunit ang balita ng convocation ng Parliament sa Inglatera, ang simula ng rebolusyon, ay nagpapabalik sa kanya sa kanyang tinubuang-bayan at aktibong sumali sa pakikibaka para sa pagpapanibago ng lipunan.

Ang ikalawang yugto sa gawain ni Milton (1640 - 1660) ay pangunahing nauugnay sa kanyang pakikilahok sa rebolusyong burges ng Ingles at mga aktibidad sa publiko.

Si Milton ay isang kahanga-hangang makata. Sa kanyang mga tula, nadarama ang impluwensya ng klasikal na estetika. Kaya, sa tula na "Shakespeare" inulit ni Milton ang imahe ng "Monumento" ni Horace: Si Shakespeare ay nagtayo ng isang monumento sa kanyang sarili na mas mataas at mas malakas kaysa sa mga pyramids. Inihambing ng makata ang gawa ni Shakespeare sa modernong panitikan, kung saan siya ay nagsasalita nang may kalungkutan: "Ano ang maihahambing sa iyong libreng kanta? // At sa mga araw na ito, ang sining ay nag-iisip lamang // Upang maging malaya.

Ang huling yugto ng trabaho ni Milton ay sumasaklaw sa 1660 - 1674. Sa pagkatalo ng rebolusyon at pagsisimula ng pagpapanumbalik ng Stuarts, dumating ang isang madilim na panahon para sa makata. Halos hindi siya nakatakas sa pagbitay at pagkakulong. Noong Agosto 1660, sa pamamagitan ng utos ng hari, sinunog sa publiko ang mga pampublikong aklat ni Milton na The Iconoclast at The Defense of the English People. Sa panahong ito, ang pinakatanyag na mga gawa ng manunulat ay isinulat - ang tula na "Nawala ang Paraiso! (1658 - 1667) at "Returned Paradise" (1671), ang trahedya na "Samson the Wrestler" (1671).

Neoclassicism laban sa Romanticism.

Ang kasaysayan ng dalawang agos na ito ay sumasaklaw, sa halos pagsasalita, ng isang buong siglo, mula noong mga 1750 hanggang 1850. Kabalintunaan, ang neoclassicism, sa isang banda, ay itinuturing na isang aspeto lamang ng romantisismo, at sa kabilang banda, ito ay isang agos na sumasalungat dito. Ang kahirapan ay nakasalalay sa katotohanan na ang dalawang terminong ito ay hindi gaanong pare-pareho sa isa't isa gaya ng, sabihin nating, "four-footed" at "carnivores." Ang neoclassicism ay kumakatawan sa isang bagong muling pagbabangon ng klasikal na sinaunang panahon, ito ay mas pare-pareho kaysa sa mga dating klasikal na uso at, hindi bababa sa una, ay nauugnay sa mga ideya ng Enlightenment. Ang romantikismo, sa kabaligtaran, ay hindi tumutukoy sa anumang partikular na istilo, bagkus ay nangangahulugan ng isang paraan ng pag-iisip na maaaring ipahayag sa anumang paraan, kabilang ang diwa ng klasisismo. Samakatuwid, ang romanticism ay isang mas malawak na konsepto, at, samakatuwid, ito ay mas mahirap na makahanap ng isang kahulugan para dito. Ang pagiging kumplikado ay higit na pinalalim ng katotohanan na ang mga neoclassicist at romantiko ay nabuhay nang sabay, at idineklara ang kanilang mga sarili pabalik sa kasagsagan ng istilong rococo. Kaya, halimbawa, sina Goya at David ay isinilang nang ilang taon lamang ang pagitan, at sa Inglatera ang mga nangungunang kinatawan ng Rococo, neoclassicism at romanticism - Reynolds, West at Fuseli - ay nagbahagi ng mga ideya ng isa't isa sa maraming paraan, kahit na sila ay naiiba sa kanilang mga posisyon. at istilo.

Ang Panahon ng Enlightenment.

Kung isasaalang-alang natin na ang modernong panahon ay isinilang sa panahon ng Rebolusyong Amerikano noong 1776 at Rebolusyong Pranses noong 1789, dapat nating tandaan na ang mga sakuna na ito ay nauna sa isang rebolusyon sa mga isipan na nagsimula kalahating siglo mas maaga. Ang mga may hawak ng watawat nito ay ang mga nag-iisip ng Enlightenment sa England, France at Germany - David Hume, François-Marie Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Heinrich Heine at iba pa - lahat sila ay nagpahayag na ang mga tao sa kanilang pag-uugali ay dapat gabayan ng katwiran at pagnanais. para sa kabutihang panlahat, at hindi sa pamamagitan ng mga tradisyon at kinikilalang awtoridad. Sa sining, tulad ng sa buhay, ang rationalist current na ito ay nakadirekta laban sa dominanteng istilo noon - ang pino at maharlikang Rococo. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang panawagan na bumalik sa sentido komun, sa kalikasan, sa moralidad, para sa sining ay bumalik sa sinaunang panahon - pagkatapos ng lahat, sa bagay na iyon, hindi ba ang mga klasikal na pilosopo ang nagpasimula ng kulto ng katwiran? Ang pananaw na ito ay unang binuo ni Johann Joachim Winckelmann, isang Aleman na istoryador at teorista ng sining, na nagpahayag ng tanyag na pahayag tungkol sa "marangal na pagiging simple at kalmadong kadakilaan" ng sining ng Griyego (sa kanyang akdang "Mga Pag-iisip sa Imitasyon ng mga Akdang Griyego sa Pagpinta. at Kultura”, isinulat noong 1755). Gayunpaman, ang karamihan sa mga pintor ay napakakaunting alam tungkol sa sining ng unang panahon, para sa kanila ang pagbabalik sa mga klasiko ay nangangahulugan ng pagsunod sa estilo at "akademikong" teorya ng Poussin, na sinamahan ng maximum na paggamit ng mga detalye ng sinaunang iskultura, na natuklasan sa panahon ng mga arkeolohikong paghuhukay sa Hercalonum at Pompeii.

Arkitektura.

Muling pagkabuhay ng interes sa Palladio.

Ang England ay naging lugar ng kapanganakan ng neoclassicism sa arkitektura. Ang pinakamaagang ebidensya ng neoclassicism ay ang pagbabalik sa istilong Palladian noong ikalabindalawang taon ng ika-18 siglo, na pinadali ng mayamang baguhang arkitekto na si Lord Burlington. Ang Chiswick House, na itinayo niya sa istilo ng Villa Rotonda, ay isang simple, compact, geometrically strict na gusali - ang eksaktong kabaligtaran ng Baroque pomposity. Ang neoclassicism ay naiiba sa mga dating klasikal na istilo na hindi gaanong kasama nito panlabas na pagpapakita, kung gaano karami sa pamamagitan ng mga motibo na humantong sa apela sa kanya. Ang mga neoclassicist ay hindi nasisiyahan sa pagsisikap na patunayan ang higit na kahusayan ng sinaunang arkitektura, sinubukan nilang gawing angkop ang mga gusali sa mga kinakailangan ng kanilang layunin, at samakatuwid ay mukhang mas "natural" kaysa sa mga gusaling baroque. Ang ganitong makatwirang diskarte ay nagpapaliwanag sa malamig, malinaw na pinagsamang hitsura ng Chiswick House: patag, hindi nababagabag na mga ibabaw, hindi magandang palamuti, isang portiko ng templo na nakausli nang husto mula sa katawan ng gusali, na kahawig ng isang istraktura ng bloke.

SUFFLO. (1713 - 1780), arkitekto ng Pranses. kinatawan ng klasisismo. Ang Simbahan ng Sainte-Genevieve sa Paris (1755 - 1789, mula 1791 ang Pantheon) na may napakagandang simboryo, ay nakikilala sa pamamagitan ng kalinawan ng mga dibisyon, mahigpit na monumentalidad, at katapangan ng mga nakabubuo na solusyon.

Neoclassicism at antiquity.

Ang mga magagandang kaganapan para sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ay ang muling pagkabuhay ng interes sa sining ng Greek, bilang isang tunay na pinagmumulan ng klasikal na istilo, at ang mga paghuhukay ng Hercalonum at Pompeii, na sa unang pagkakataon ay naging posible upang makilala ang buhay. ng mga sinaunang tao at makakuha ng kumpletong larawan ng sining at sining noong panahong iyon. Sa Inglatera at Pransya, nagsimulang maglathala ng mga aklat na may mayaman na larawan sa Acropolis at Athens, ang templo sa Paestum, at nahanap sa panahon ng mga paghuhukay ng Hercalonum at Pompeii. Ang arkeolohiya ay kinuha.

ADAM. Ang lahat ng ito ay humantong sa paglitaw ng isang bagong istilo sa interior decoration, ang pinakamahusay na mga halimbawa kung saan nakikita natin sa gawain ng Englishman na si Robert Adam (1728 - 1792), lalo na sa dekorasyon ng front drawing room sa Home House. Ang dekorasyon sa kagandahan nito ay sumasalamin sa mga interior na pinalamutian ng istilong rococo, ngunit may diin ng mga patag na ibabaw na katangian ng neoclassicism at ang pagtalima ng simetrya at geometric na katumpakan.

JEFFERSON. Kasabay nito, ang Palladinism, na muling binuhay ni Lord Burlington, ay kumalat sa kabila ng lumang mundo sa mga kolonya ng Amerika, kung saan tinawag itong istilong Georgian; Ang pinaka makabuluhang halimbawa ng istilong ito ay ang manor ni Thomas Jefferson "Monticello". Itinayo sa ladrilyo, na pinutol ng kahoy, hindi ito kasing higpit ng Chivik House. Sa halip na gamitin ang orden ng Corinthian, pinili ni Jefferson (1743 - 1826) ang orden ng Romanong Doric, bagama't ang mas mahigpit na orden ng Greek Doric ay ginustong noong huling bahagi ng ika-18 siglo. Ang England sa unang pagkakataon ay nagbigay pugay sa susunod na yugto ng neoclassicism - ang muling pagkabuhay ng sinaunang arkitektura ng Greek, ngunit sa isang maliit na sukat. Kasunod ng Inglatera, ang istilong ito ay mabilis na kinuha sa lahat ng dako, dahil ito ay itinuturing na sumasalamin sa "marangal na pagiging simple at kalmado na kadakilaan" ng klasikal na sining ng Griyego sa mas malaking lawak kaysa sa kalaunan, hindi gaanong "panlalaki" na mga order. Ang pagkakasunud-sunod ng Greek Doric ay hindi gaanong nababaluktot, na ginagawang mas mahirap na umangkop sa mga modernong gamit, kahit na pinagsama sa mga elemento ng Romano o Renaissance. Paminsan-minsan lamang ito ay nagsisilbing direktang modelo para sa mga neoclassical na istrukturang arkitektura.

musikang Europeo.

Mula sa simula ng siglo XVIII sa mga bansa sa Kanlurang Europa, ang pangkalahatang pangingibabaw sa sekular na musika ay sa wakas ay natukoy. Mula sa ikalawang kalahati ng siglo, nabuo ang pagkamalikhain ng kompositor sa ilalim ng impluwensya ng mga ideya ng klasisismo ng paliwanag.

Ang mga kompositor ng Italyano noong ika-18 siglo ay nakatuon sa opera. Ang mga mang-aawit ay sinanay pangunahin sa mga konserbatoryo, na binuksan sa panahon ng "ospital". Nagturo doon ang mga sikat na musikero na Italyano. Ang isang namumukod-tanging guro sa boses ay si Nicola Porpora (1686-1768), isa sa mga mas prolific na kompositor ng opera ng paaralang neo-Palinto.

Kahit na sa panahon ng buhay ng pinuno ng paaralang ito, si A. Scarlatti, ang lumikha ng opera seria, ang mga artistikong kontradiksyon na likas dito ay ipinahayag, na nagsilbi para sa matalas na kritikal na mga talumpati laban dito. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, nagkaroon ng posibilidad na tukuyin ang mga cliches ng opera seria, sa isang mas malapit na koneksyon sa pagitan ng musika at dramaturhiya. Ito ay malinaw na ipinahayag sa mga gawa ni M. Yomelli at T. Traetta, mga kompositor ng New Neapolitan school na sina J. Sarti, P. Guglielmi at iba pa. Sina A. Sacchini at A. Salieri ay matibay na tagasunod ng bago.

Ang pinakamalakas na pagsalungat sa conditional heroic opera seria ay ang bagong demokratikong genre ng opera buffa (comic opera). Ang opera ng kompositor na si Giovanni Battista Pergolesi (1710 - 1736) "The Maid-Mistress" (1733) ay itinuturing na unang klasikal na halimbawa nito.

Noong 1760s sa opera - buffa, nagsimulang lumitaw ang mga lyrical-sentimentalist tendencies, na makikita sa gawa ni Niccolo Piccinni (1728 - 1800). Noong 1776, sa Paris, si N. Piccinni ay nadala sa pakikibaka sa pagitan ng "glukists" at "piccinists". Ang mga kalaban ng operatikong reporma ni Gluck ay naghangad na salungatin ang operatikong musika ni Piccinni sa kanyang sining. Nakikipagkumpitensya, nagtrabaho ang mga kompositor sa balangkas ng opera na Iphigenia sa Tauris. Dahil dito, nanalo si Gluck.

Ang huling yugto sa pagbuo ng opera buffa ay kinabibilangan ng gawa nina Giovanni Paisiello (1740 - 1816) at Domenico Chimorosa (1749 - 1801). Ang parehong kompositor ay nagtrabaho sa korte sa St. Petersburg sa magkaibang panahon.

Isang makabuluhang kontribusyon ang ginawa ng mga kompositor na Italyano sa instrumental na musika. Malaki ang utang ng violin art sa pinakadakilang master sa larangang ito, si Giuseppe Tartini (1692 – 1770), isang Italyano na violinist, kompositor at musical theorist. Pinuno ng Padua violin school. Binuo ang genre ng concerto para sa violin at orkestra (kabuuang 125), violin sonata (kabuuang 175), kasama. "Devil's Trill", trio sonatas; mga treatise sa musika. Itinatag niya ang Academy of Music sa Padua (1727).

Sa musikang cello, namumukod-tangi si Luige Boccherini (1743 - 1805), isang Italyano na kompositor at cellist. Nag-ambag sa pagbuo ng mga klasikal na chamber-instrumental na genre at symphony. Mula sa pagtatapos ng 60s. nanirahan sa Madrid. Konsiyerto para sa cello at orkestra, ca. 30 symphony, instrumental sonata, ensembles, atbp. Pinagsama ng kanyang mga komposisyon ang mga elemento ng galanteng istilo (rococo) na may pre-romantic aesthetics.

Si Domenico Scarlatti (1685-1775), isang Italyano na kompositor at class vintner, ay isang tunay na innovator sa clavier music. Anak ni A. Scarlatti. Nagtrabaho sa Lisbon at Madrid. Lumikha ng isang birtuoso na istilo ng pagtugtog ng harpsichord. Sa kanyang sonata para sa harpsichord (St. 550, sa ilalim ng pangalang "exercises"), nabuo ang isang sonata allegro. Mga Opera, cantata, atbp. Ang kanyang harpsichord sonata ay naging isang uri ng encyclopedia ng clavier art.

Isang mahalagang papel sa pag-unlad ng mga instrumental na genre ang ginampanan ng pinakadakilang kompositor na Italyano na si Antonio Vivaldi (1678 - 1741), isang virtuoso violinist. Tagalikha ng mga genre ng solo instrumental concerto (228 para sa violin) at (kasama ang A. Corelli) concerto grosso (49 sa kabuuan). Ang kanyang cycle na "The Seasons" (1725) ay isa sa mga pinakaunang halimbawa ng programming sa musika. St. 40 opera, oratorio, cantatas; mga instrumental na konsiyerto ng iba't ibang komposisyon (465), atbp. Sa Siena - ang Italian Institute na pinangalanang A. Vivaldi. Ang kanyang gawa ay naglalaman ng mga tampok na katangian ng yumaong Baroque.

Pranses na musika noong ika-18 siglo ang kagustuhan ay ibinigay sa musikal at theatrical genre. Noong 1730s - 1760s. ang nangungunang posisyon sa court opera - ang "Royal Academy of Music" - ay kinuha ng pinakamalaking Pranses na kompositor na si Jean Philippe Rameau (1683 - 1764), isang musical theorist. Gamit ang mga tagumpay ng mga kulturang musikal ng Pranses at Italyano, binago niya nang malaki ang istilo ng klasikong opera, inihanda ang reporma sa opera ng K. V. Gluck. Mga liriko na trahedya Hippolytus at Arisia (1733), Castor at Pollux (1737), opera-ballet na Gallant India (1735), mga piraso ng harpsichord, atbp. Ang kanyang mga teoretikal na gawa ay isang makabuluhang yugto sa pagbuo ng doktrina ng pagkakaisa.

Hanggang sa katapusan ng 1740s. sa paligid ng kanyang mga gawa sa entablado, ang pakikibaka sa pagitan ng mga "ramists" at "lullists" ay hindi humupa. Itinuring ng huli ang musika ni Rameau na masyadong natutunan at "pro-Italian". Sa katunayan, na nagpapakita ng isang malikhaing interes sa Italyano, ang kompositor ay may malaking paggalang sa mga tradisyon ni J. B. Lully. Sa pagkakaroon ng mga matingkad na halimbawa ng mga liriko na trahedya at opera ballet, in-update ni Rameau ang musikal at nagpapahayag na paraan ng genre ng opera at pinayaman ang vocal at declamatory na istilo ng French opera na may mga Italian ariose form.

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo na heroic-mythological opera. Hindi na natutugunan nina Lyuli, Rameau at iba pang kompositor ang mga aesthetic na pangangailangan ng madla. Ang kanyang panlasa ay mas nasiyahan sa matalas na satirical fair performances (na lumitaw sa pagtatapos ng ika-17 siglo.) Sa bituka ng fair theater, isang bagong French opera genre ang unti-unting nag-mature - ang opera comedian. Ang pagdating sa Paris noong 1752 ng isang Italian opera troupe, na nagtanghal ng ilang opera buffas (kabilang ang The Servant-Madam ni Pergolesi), ay nag-ambag sa pagpapalakas ng kanyang posisyon. Sina Egilio Duni (1709-1795) at François André Philidor (1726-1795) ay kabilang sa mga unang may-akda ng French comic opera. Philidor ( tunay na pangalan Danikan Philidor, Pranses na kompositor. Isa sa mga tagalikha ng genre ng French comic opera (mga plot mula sa buhay ng mga ordinaryong tao): "Sadonik and his master" (1761), "Blacksmith" (1761). Siya ang pinakamalakas na manlalaro ng chess sa Europa noong ika-2 kalahati ng ika-18 siglo. Trabaho "Pagsusuri ng isang laro ng chess".

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ang komedyante sa opera ay naging malapit sa "seryosong komedya". Si Pierre Alexandre Monsigny (1729 - 1813), isang Pranses na kompositor, ay naging isang katangian na kinatawan ng kalakaran na ito. Ang isa sa mga lumikha ng French comic opera, ay inilapit ito sa isang sentimental na drama (The Deserter, 1769, atbp.).

Ang komedyante ay makabuluhang pinalawak ang matalinghaga at masining na globo ng opera ni Andre Gretry (1741 - 1787), isang Pranses na kompositor. Belgian ayon sa pinagmulan. Master ng operatic genre (mula sa sentimental na komedya hanggang sa romantikong opera). Ang mga opera na "Lucille" (1769), "Richard the Lionheart" (1784), atbp. Nag-iwan siya ng malalim na marka sa larangan ng musikal at aesthetic na pag-iisip.

Ang mga ideya ng French Enlightenment tungkol sa pagpapanumbalik ng pagkakaisa ng mga sining na umiral sa sinaunang teatro ay naging batayan ng operatikong reporma ng mahusay na kompositor na si Christopher Willibald Gluck (1714 - 1787). Ang gawain ni Gluck (isang Aleman sa kapanganakan) ay ang pinakahihintay na "radikal na rebolusyon" sa opera. Nilikha niya noong 1760s. sa Vienna, ang mga opera na "Orpheus at Eurydice", "Alceste" at iba pa noong 1770s, sa pre-rebolusyonaryong sitwasyon sa Paris. Ang Armida, Iphigenia sa Taurida at iba pa ay nagbigay-buhay sa isang bagong istilo ng opera - klasikal na musikal na drama. Ang pangunahing tagumpay ng kompositor ay ang subordination ng lahat ng paraan ng pagpapahayag ng pagganap sa isang solong dramatikong ideya.

Sa ilalim ng impluwensya ng mga ideya ng Rebolusyong Pranses, ang pambansang sining ng musika ay nakakuha ng isang sibil-demokratikong katangian. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa ng isang rebolusyonaryong kanta ay ang La Marseillaise ni Claude Joseph Rouget de Lille (1760-1836), na isinulat niya noong 1792. Siya ay isang French military engineer, makata at kompositor. Sumulat siya ng mga himno, kanta, romansa.

Ang paglitaw ng mga kabayanihang tema sa musika ay nagbigay-buhay sa sining ng rebolusyonaryong klasisismo. Ang pinakamalaking kompositor noong panahong iyon ay sina F.J. Gossec, E. Megül, J.F. Lesueur, L. Cherubini. Si François Joseph Gossec (1734-1829) ang nagtatag ng French symphony. Si Luigi Cherubini (1760 - 1842), isang Italyano na kompositor na nanirahan sa France, ay isa sa mga lumikha ng genre ng "rescue opera".

Ang musikal na sining ng Alemanya sa unang kalahati ng ika-18 siglo ay minarkahan ng pag-unlad ng gawa ng mahusay na kompositor ng Aleman na si Johann Sebastian Bach (1685 - 1750). Sa kanyang musika, halos lahat ng nakaraang mga uso sa musika ng isang siglo at kalahati ay pangkalahatan at natapos. Sa loob ng 50 taon ng pagkamalikhain, sa loob lamang ng lima sa kanila ang mga interes ni Bach ay nakatuon sa sekular na musika. Karamihan sa kanyang buhay ay nagtrabaho siya sa simbahan. Ang kompositor, na nagbigay pugay sa halos lahat ng mga lugar ng musikal na sining, ay lumampas sa nangungunang genre ng kanyang panahon - opera. Bach, malayo sa lahat ng mababaw at nakakaaliw, ay dayuhan sa court opera. Ang kanyang malikhaing paghahanap, na malapit na nauugnay sa tradisyon ng Lutheran, ay tumutugma sa kapaligiran ng katedral. Gayunpaman, ang pinakamahalagang artistikong tagumpay ng musikal na drama ay tumagos nang malalim sa kanyang mga gawa, na nagpapalambot sa malupit na musika ng Lutheranismo.

Ang malawak na pamana ni Bach, na naglalaman ng higit sa 1000 mga gawa ng iba't ibang genre, ay sumasaklaw sa tatlong lugar - organ, vocal-dramatic at instrumental. Sa organ work ng kompositor, nabuo ang mga regularidad ng maliit na polyphonic cycle, na naayos sa kanyang 48 preludes at fugues ng "well-tempered clavier". Sa mga instrumental na komposisyon ni Bach, anim na Brandenburg concerto para sa orkestra (concerto grosso) ang namumukod-tangi. Kung saan ipinagpatuloy niya ang mga tradisyon ng Vivaldi.

Kasama sa vocal at dramatic na mga gawa ni Bach ang humigit-kumulang 300 espirituwal na cantatas, oratorio ("The Passion According to John", "The Passion according to Matthew" at iba pa.) Ang sekular na cantatas ay may kaunting pagkakaiba sa espirituwal. Ang partikular na interes ay ang Coffee Cantata at ang Peasant Cantata, na inaasahang German comic opera.

Ang kapalaran ni George Frideric Handel (1685 - 1759), na nakatanggap ng pagkilala sa Europa sa panahon ng kanyang buhay, ay iba. Ang kanyang pagsusumikap para sa pampublikong pag-apruba ng kanyang sining, para sa isang malawak na demokratikong madla, para sa matingkad na theatricality ng mga sekular na genre ay hindi nakahanap ng lupa sa Germany. Mula 1717 siya ay nanirahan nang permanente sa Inglatera; dito malaki ang naging papel ng kanyang aktibidad sa pag-unlad ng kulturang musikal ng Ingles. Madaling umangkop si Handel sa mga panlasa at artistikong hinihingi ng publikong Ingles, na lumilikha ng mahigit 40 opera sa istilong Italyano. Siya ay naging isang mahusay na master ng oratorio, kung saan ang mga pambansang tradisyon ng Aleman ay mahusay na pinagsama sa mga tampok na likas sa Ingles na vocal at instrumental na genre.

Ang mga makabuluhang pagbabago ay naganap sa sining ng musika ng Austria. Ang mga kinatawan ng tinatawag na Old Viennese school ay nag-ambag sa pagbuo ng mga instrumental na genre (sonata, concerto) at sinubukang ipakilala ang isang dramatikong elemento sa opera.

Noong 1748, ang mga produksyon ng mga opera sa Burgtheater ay pinamunuan ni K. V. Gluck; sa ilalim niya, ang teatro ay naging isa sa mga sentro ng buhay musikal sa Europa. Mula noong 1754, ang ballet ay nabuo bilang isang malayang genre. Ang balete ni Gluck na si Don Juan sa maraming paraan ay naglalarawan sa kanyang mga repormistang gawain sa opera. Noong dekada 60, sumiklab ang isang pakikibaka sa pagitan ng mga kalaban at tagapagtanggol ng katutubong komedya ng Viennese, na nag-ugat noong ika-17 siglo. Nangibabaw ang pangangailangan para sa isang pambansang opera, at itinatag ng Austrian Singspiegel ang sarili sa entablado ng Burgtheater. Sa pamamagitan ng utos ng emperador noong 1778, nilikha ang isang domestic opera troupe. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ang Viennese classical na paaralan ay nabuo sa Austria. Isa sa mga tagapagtatag nito ay si Joseph Haydn (1732-1809). Kasama sina Gluck at Mozart, tinukoy niya ang mga katangian ng paaralan. Si Haydn ang nagtatag ng Viennese classical symphony at isang repormador sa larangan ng instrumental na musika. Ang may-akda ng 104 symphony, inaprubahan niya ang four-movement symphonic cycle at inayos ang permanenteng, tinatawag na classical, komposisyon ng symphony orchestra.

Ang gawain ng mahusay na kompositor ng Austrian na si Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791) ay isa sa pinakamahalagang yugto sa pag-unlad ng mundo ng opera, symphony, konsiyerto at musika ng silid. Harmonically malinaw at matingkad sa pagpapahayag, ang sining ng Mozart, isang kinatawan ng Viennese klasikal na paaralan, ay katulad ng paliwanag klasisismo kasama ang kanyang kulto ng katwiran at, sa parehong oras, sentimentalismo.

Ang dakilang pamana ng kompositor. Sumulat siya ng mga 50 symphony, kung saan ang huling tatlo ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang pagiging isang natatanging keyboardist at violinist. Siya ang naging tagapagtatag ng bagong uri ng sonata at concerto. Gumawa si Mozart ng isang mapagpasyang hakbang sa pagrerebisa ng mga prinsipyo at tradisyon ng musikal na teatro. Binago niya ang pang-araw-araw na komiks at sentimental na opera at lumikha ng bagong uri ng makatotohanang opera. Sa synthesis ng musika at drama, iniwan ni Mozart ang supremacy sa musika, na nakabuo ng isang sistema ng kumpletong subordination ng librettist sa kompositor. Ang kanyang kasabihan ay kilala: "Ang tula ay ang masunuring anak na babae ng musika."

Sa batayan ng Italian opera buffa (at bahagyang ang opera seria), isinulat ni Mozart ang opera-comedy na The Marriage of Figaro (1786) at ang opera-drama na Don Giovanni (1787) - ang pinakamahusay sa kanyang mga gawa sa entablado. Isa sa pinakamahalagang merito ni Mozart bilang isang playwright ay ang paglikha ng classical national singspiel - The Abduction from the Seraglio (1782) at The Magic Flute (1791).

Ang trabaho sa "Requiem" ay nagsimula kalahating taon bago ang pagkamatay ng kompositor. Ang misa ng libing para sa isang koro, isang quartet ng mga soloista at isang malaking orkestra ay isa sa pinakamalalim sa pag-iisip at pagpapahayag ng mga makabagong gawa ni Mozart. Ang Requiem, na iniutos nang hindi nagpapakilala ni Count F. Walsegg-Stuppach, ay nanatiling hindi natapos (ang mga nawawalang numero ay isinulat ng mag-aaral ni Mozart, si F. X. Süssmayr).

musikang Ruso.

Ang ika-18 siglo ay nagbukas ng isang bagong panahon sa pag-unlad ng musikang Ruso. Matapos ang maraming taon ng paghihiwalay ng propesyonal na sining ng musika at ang pagpapasakop nito sa simbahan, nagsimula ang mabilis na pag-unlad ng mga sekular na genre. Ang mabilis na pag-unlad ng mga tagumpay ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa ay humantong sa paglikha ng kanilang sariling mga pambansang tradisyon. Sa huling ikatlong bahagi ng siglo, nabuo ang isang paaralan ng mga kompositor ng Russia.

Ang pag-unlad ng musikang Ruso hanggang sa katapusan ng 1720s. ay nauugnay sa mga reporma ni Peter I, na naging daan para sa paglaganap mga anyo ng Europa nagpapatugtog ng musika. Ang mga banda ng militar ay tumunog sa mga pampublikong pagdiriwang, mga bola sa korte at mga pagtitipon.

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, patuloy na umunlad ang choral partes concerto. Kabilang sa mga masters ng genre na ito, naging sikat sina Nikolai Kalashnikov, Nikolai Bavykin at Fyodor Rednikov.

Noong ika-18 siglo, nabuo ang panegyric, table, sailor cants. Ang nilalaman ng pag-ibig ay ipinanganak. Madalas nilang ginagamit ang mga melodies ng European gallant dances, kadalasan ang minuet (kants to a minovet).

Sa ilalim ni Empress Anna Ioannovna, noong 1734, dumating sa St. Petersburg ang unang Italyano na tropa ng opera. Pangunahing kasama sa kanyang repertoire ang mga interlude at komedya sa istilong dell'arte. Gayunpaman, ang kadakilaan ng ritwal ng palasyo ay higit na naaayon sa Italian opera seria. Ang isang mahalagang papel sa pagbuo ng opera seria sa Russia ay ginampanan ng tropang Italyano sa ilalim ng direksyon ni Francesco Araya.

Malaki ang kahalagahan ng pagtatanghal ng opera ni Araya na "Cefal and Prokris" (1755), na ang libretto ay isinulat ni A.P. Sumarokov. Ito ang unang pagtatanghal ng opera sa wikang Ruso, at ang mga batang Ruso na mang-aawit ay nagniningning sa mga pangunahing bahagi.

Sa huling bahagi ng 1750s, ang opera seria ay pinalitan ng isang mas demokratikong genre - opera buffa. Mula noong 1757, ang mga kumpanya ng opera ng Italya ay gumanap sa Russia. Ang isang makabuluhang kontribusyon sa pagpapaunlad ng kulturang musikal ng Russia ay ginawa nina B. Galuppi, T. Traetta, J. Paisiello at D. Cimarosa.

Galuppi Baldassare (1706-1785), Italyano na kompositor. Pinamunuan ang kapilya ng Katedral ng San Marco sa Venice. Noong 1765-1768 nagtrabaho siya sa Russia. Kinatawan paaralan ng Venice, master ng opera buffa (“The Village Philosopher”, 1754, at iba pa).

Traetta Tommaso (1727-1779), Italyano na kompositor. Noong 1768 - 1776 siya ay isang konduktor ng hukuman sa St. Petersburg. Pagbabago at pag-update ng mga tradisyon ng opera seria, inihanda niya ang reporma sa opera ni Gluck. Mga Opera (mahigit 50 sa kabuuan): Iphigenia sa Tauris (1763), Antigone (1772), Lucius Ver (1774) at iba pa; oratorio, "passion", misa at iba pang gawaing simbahan.

Cimarosa Domenico (1749 - 1801), Italyano na kompositor, harpsichordist, violinist, mang-aawit. Noong 1787 - 1791 nagtrabaho siya sa St. Petersburg. Master ng opera buffa (higit sa 70, kabilang ang pinakamahusay - "Lihim na Kasal", 1792). Opera series na "Horaces and Curations" (1796) at iba pa.

Ang isang pantay na mahalagang papel sa pag-unlad ng musikang Ruso at, sa partikular, ang genre ng opera ay ginampanan ng komedyante ng opera ng Pransya. Ang French opera group, na inimbitahan ni Catherine II, ay nagpakita ng dalawang bersyon ng opera comedian: everyday satire (F. Philidor) at sentimental opera (A. E. M. Grétry at P. A. Monsigny).

Matagumpay na naitanghal ang mga French opera sa mga teatro ng kuta ng Moscow at St. Petersburg. Ang teatro ng kuta ng N. P. Sheremetyev ay isa sa mga pinakamatalino na sentro ng musikang Pranses.

Paaralan ng kompositor Ang Russia ay nabuo sa huling ikatlong bahagi ng siglo XVIII. Hinangad ng mga kompositor ng Russia na pagsamahin ang mga prinsipyo at anyo ng unang bahagi ng European classicism sa melodic warehouse ng mga katutubong kanta ng Russia. Ang mga unang koleksyon ng mga awiting Ruso ay lumitaw - V. F. Trutovsky, N. A. Lvov at I. Prach. Bumalik noong 1740 - 1760, lumitaw ang "Koleksyon ni Kirsha Danilov", ang batayan nito ay mga epikong kanta. Sinakop ng genre ng opera ang pinakamahalagang lugar sa gawain ng mga kompositor ng Russia. Sa una, ipinagpatuloy ng domestic opera ang mga tradisyon ng French musical theater. Ang unang halimbawa ng isang teatro sa opera ay ang The Miller-Sorcerer, Deceiver and Matchmaker (1779) ni Mikhail Matveyevich Sokolovsky. Ang musika ng opera ay higit na hiniram mula sa koleksyon ni Trutovsky. Sa parehong taon, lumitaw ang komposisyon ng natitirang kompositor ng opera noong ika-18 siglo na si Vasily Alekseevich Pashkevich (1742 - 1797) "Kasawian mula sa Karwahe". Si Pashkevich ay nakakuha ng katanyagan bilang isang master ng ensemble writing ("Miserly", "Kung paano ka nabubuhay, makikilala ka"). Ang mga opera na isinulat ni Pashkevich na kinomisyon ni Catherine II sa kanyang libretto ay hindi gaanong matagumpay.

Si Evstigney Ipatovich Fomin (1761 - 1800) sa kanyang mga gawa ay tumaas sa antas ng pinakamalaking musikero ng Italyano ("Coachmen on the base", "Orpheus"). Ang banayad na biyaya at komedya na elemento na likas sa opera ni Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 - 1825) - Sokolov at Karibal na Anak. Siya ay nagtrabaho sa iba't ibang genre.

Ang isang bagong uri ng mga kanta ng silid na may saliw - "Mga kanta ng Russia" - ay lumitaw sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang mga masters ng chamber vocal genre - Fyodor Mikhailovich Dubyansky (1796 - 1860) at Osip Antonovich Kozlovsky (1757 - 1831) - ay dumating sa unahan.

Ang pinakamalaking kompositor ng ika-18 siglo, na pangunahing binubuo ng instrumental na musika, ay si Ivan Evstrapovich Khandoshkin (1747 - 1804). Siya ang may-akda ng maraming mga pagkakaiba-iba para sa solong biyolin o dalawang biyolin sa tema ng Ruso mga awiting bayan, solo violin sonatas. Ang mga pagkakaiba-iba ng piano ay isinulat nina Trutovsky at Karaulov. Ang Sonata form ng maagang klasikal na uri ay binuo ni Bortnyansky. Ang mga elemento ng Russian symphonism ay nag-mature sa opera overtures, at bahagyang sa ballet music.

Ang isang kilalang master ng choral music - Maxim Sozotovich Berezovsky (1745 - 1777) ay gumawa ng mga paglipat mula sa baroque hanggang sa klasiko sa larangan ng pagkakaisa at anyong musikal. Tinukoy nina Berezovsky at Bortnyansky ang isang bagong yugto sa pagbuo ng musika ng koro ng simbahan ng Russia. Ang gawain ng mga kompositor na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lalim ng pagpapahayag ng damdamin ng tao, klasikal na kalinawan at pagkakaisa ng anyo. Gumawa sila ng isang uri ng choral concerto na ginamit ang mga nagawa ng opera, polyphonic Sining XVIII siglo ng mga klasikal na genre ng instrumental na musika.

Mula sa kasaysayan

*** Noong ika-18 siglo, ang propesyon ng isang musikero ay halos katumbas ng isang craft. Hindi tulad ng pagkamalikhain sa panitikan, ang gawain ng isang musikero, pati na rin ng isang pintor, ay kahiya-hiya para sa mga taong may marangal na ranggo. Ang mga kompositor ng Russia noong ika-18 siglo ay kadalasang mga karaniwang tao - mga serf (Degtyarev), mga sundalo (Fomin), mga artisan (Khandoshkin). Sa social hierarchical ladder, nakatayo sila sa parehong antas ng mga alipures. Ang kanilang tungkulin ay upang aliwin ang publiko.

***Ang Bolshoi Theater sa Moscow ay nangunguna sa kasaysayan nito mula noong 1776. Pagkatapos ay natanggap ni Prinsipe P. V. Urusov ang pribilehiyo na "Upang maging may-ari ng lahat ng mga pagtatanghal sa teatro sa Moscow ..." at, kasama ang negosyanteng M. E. Medoxon, ay nagtayo ng isang espesyal na gusali ng teatro ("Petrovsky House", o "Opera House"). Ito ang unang permanenteng teatro. Dito, kasama ang mga opera, mayroong mga pagtatanghal ng ballet at drama.

kapanganakan Teatro ng Mariinsky ay tumutukoy sa 1783, nang ang Stone (Bolshoi) Theater ay itinayo sa St. Petersburg at ang isang tropa ay inayos ayon sa utos ni Catherine II "... hindi lamang para sa mga komedya, kundi pati na rin para sa opera ..."

Kaya ang sining ng Rococo ay humiwalay sa simbahan, na nagtutulak sa mga tema ng relihiyon na malayo sa background. Mula ngayon, ang pagpipinta at arkitektura ay dapat maging magaan at kaaya-aya. Ang magiting na lipunan noong ika-18 siglo ay pagod sa moralisasyon at pangangaral, nais ng mga tao na tamasahin ang buhay, na masulit ito. Ang pinakadakilang master ng Rococo ay si François Boucher, na ginawang pandekorasyon ang kanyang mga pintura...

Hindi ito naging payapa, siyempre. Ipinagtanggol ng mga masters ng sining ang kanilang mga prinsipyo ng aesthetic nang buong pagnanasa - pinagtibay nila ang isang bagay, tinanggihan ang isa pa. Sa pangkalahatan, ang panitikan ng Kanlurang Europa noong XVII-XVIII na siglo. dinala sa arena ng mundo ang maraming mga masters sa unang klase at nag-ambag sa kaban ng mga likhang sining sa mundo na may mataas na halaga ng sining. Kung ang ibig mong sabihin ay artistikong pagka-orihinal, kung gayon ...

Samakatuwid, ang talakayan ng pilosopikal na kahulugan ng kalikasan ay nangangailangan ng pagsusuri ng relasyon hindi lamang sa pagitan ng kalikasan at produksyon, ngunit isinasaalang-alang din ang aesthetic, moral at panlipunang mga relasyon at mga pagtatasa ng kalikasan. 2. PILOSOPIYA NG EUROPEAN XVII-XVIII SIGLO. Ang pilosopiyang Europeo noong ika-17 siglo ay may kondisyong tinatawag na pilosopiya ng modernong panahon. Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng hindi pantay na pag-unlad ng lipunan. ...

At ito ay isinagawa sa pamamagitan ng pagrerebisa ng nilalaman ng mga klasikal na paksa at kasama, una sa lahat, ang mga disiplinang matematika. Mataas na edukasyon. Ika-17 - ika-18 siglo - isang panahon ng mabilis na pag-unlad ng mas mataas na edukasyon sa Kanlurang Europa. Ang pinakamahalagang bagay sa pag-unlad ng edukasyon sa unibersidad ay, una, ang mga likas na agham ay malawak na kasama sa nilalaman nito, sa gayon...

Ang Classicism (French classicism, mula sa Latin classicus - huwaran) ay isang masining na istilo sa sining ng Europa noong ika-17 - ika-19 na siglo.
Ang isang gawa ng sining, mula sa punto ng view ng classicism, ay dapat na binuo sa batayan ng mahigpit na canon. Ang klasiko ay tumatagal ng maraming mga patakaran at mga kanon mula sa sinaunang sining.

KLASISISISMO - "ang mahusay na istilo ni Louis XIV" sa France
Ang klasisismo ay nabuo noong ika-17 siglo ng France, na sumasalamin sa pag-usbong ng absolutismo. Naunawaan ni Louis XIV ang kahalagahan ng sining bilang isang paraan upang itaguyod ang kanyang maharlikang kadakilaan.
Ang istilong ito ay salamin ng sikat na kasabihan ng "hari ng araw": "Ang estado ay ako."

Classicism mula sa salitang classical, huwaran! Ito ay kung kailan muling nakilala ng mga tao ang authentic sa sinaunang sining.
Ang klasisismo ay batay sa mga ideya ng rasyonalismo, na nabuo kasabay ng mga nasa pilosopiya ni Descartes. Ang isang gawa ng sining, mula sa punto ng view ng classicism, ay dapat na binuo sa batayan ng mga mahigpit na canon, at sa gayon ay inilalantad ang pagkakaisa at lohika ng uniberso mismo. Ang interes para sa klasisismo ay walang hanggan lamang, hindi nagbabago - sa bawat kababalaghan, hinahangad niyang kilalanin lamang ang mahahalagang, typological na mga tampok, itinatapon ang mga random na indibidwal na palatandaan. Ang aesthetics ng klasisismo ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa panlipunan at pang-edukasyon na tungkulin ng sining. Ang Classicism ay tumatagal ng maraming mga panuntunan at canon mula sa sinaunang sining (Aristotle, Horace).

Arkitektura

Ang silangang harapan ng Louvre (kung hindi man ay tinatawag na Colonnade) ay isang matingkad na halimbawa ng klasisismo ng Pranses. Nilalaman ang higpit at solemnidad, sukat at matinding pagiging simple.

Jules Hardouin-Mansart ipinanganak sa Paris noong Abril 16, 1646. Nag-aral sa kanyang tiyuhin sa tuhod na si François Mansart. Noong 1675, hinirang ni Louis XIV si Hardouin-Mansart bilang arkitekto ng korte. Ang unang order ng batang arkitekto ay ang muling pagsasaayos ng kastilyo ng Saint-Germain-en-Laye. Mula noong 1678, pinangunahan ni Hardouin-Mansart ang pagtatayo ng ensemble ng palasyo at parke ng Versailles. Kasama sa kanyang akda ang: ang royal chapel (1689-1710), ang southern (1682) at northern (1685) na mga pakpak ng royal palace, ang facade ng parke, isang bilang ng mga interior (kasama si Ch. Lebrun), incl. Mirror gallery na may mga bulwagan ng Kapayapaan at Digmaan (1678-86), Grand Trianon Palace (1687).
Si Hardouin-Mansart ay ang may-akda ng pagpaplano at pag-unlad ng octahedral Place Vendôme (1685-1701), sa panahon ng pagtatayo kung saan ang isang uri ng facade na kalaunan ay naging laganap ay binuo na may mga arko sa basement floor, malaking order pilasters uniting ang pangalawang at ikatlong palapag, at isang attic floor sa ilalim ng mataas na matarik na bubong . Siya rin ang nagmamay-ari ng may-akda ng isa pang Parisian square - Victory Square, bilog sa plano, na kung saan ay conceived bilang isang matagumpay.
Ang isa sa pinakamalaking gawa ng Hardouin-Mansart ay ang Cathedral of Les Invalides sa Paris (1680-1706), na isang malaking domed rotunda at itinuturing na isa sa mga pinaka perpektong gusali ng French classicism.
Namatay si Hardouin-Mansart sa Marly malapit sa Paris noong Mayo 11, 1708.

Taas 107 m
Paris, France.
Ang Cathedral of the Les Invalides, na isang malaking domed rotunda, ay isa sa pinakamahalagang monumental na istruktura noong ika-17 siglo. sa Paris. Ang harapan ng katedral ay isang halimbawa ng biyaya at simetrya. Ang gitnang bahagi ng façade ay nakausli pasulong at nilagyan ng mga haligi ng Doric sa unang baitang at Corinthian sa pangalawa; sa mga gilid ng harapan ay pinalamutian ng mga estatwa ng Saint Louis IX at Charlemagne nina Coustout at Coisevox. Ang katedral ay nakoronahan ng isang 27-m (sa diameter) na simboryo na nakapatong sa isang two-tier drum, na pinalamutian ng mga nakapares na haligi sa unang palapag at malalaking kalahating bilog na bintana sa pangalawa. Ang Cathedral of Les Invalides ay naging isang mahalagang matataas na punto ng Paris; ang malakas na simboryo nito, na pinalamutian ng mga tropeo ng digmaan, ay makabuluhang nagbago sa panorama ng lungsod.

Sa ilalim ni Haring Louis XIV, ang Versailles ay naging de facto na kabisera ng France. Palasyo at parke ensemble ng Versailles. 1661 - 1689.
Arch. L. Levo (1612-1670), A. Le Nôtre (1613-1700), F. Orbe, J. A. Mansart (1646-1708).
Bilang resulta ng isang maringal na muling pagtatayo, ang palasyo ng hari ay naging isang kahanga-hangang palasyo at parkeng grupo, na naging tuktok ng pag-unlad ng klasisismo sa arkitektura ng Pransya noong ika-17 siglo.
Ang Versailles complex ay isang maringal na tirahan sa harap ng mga haring Pranses, na itinayo hindi kalayuan sa Paris (18 km).
Ang Versailles ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
- kalubhaan ng mga panlabas na anyo
- ang ningning ng mga interior.

Palasyo at parke ensemble ng Versailles. 1661-89.

Palasyo at parke ensemble ng Versailles. 1661-89. Ang Mirror Gallery ay itinayo at pinalamutian ng arkitekto na si J.A. Mansart.
Ang gawaing pandekorasyon sa Versailles ay pinangunahan ni Charles Lebrun, ang unang pintor ng hari.

Ang isang maliit na saradong quadrangle ng lugar na may mga gupit na sulok ay napapalibutan ng mga administratibong gusali na may isang solong sistema ng dekorasyon. Ang ganitong paghihiwalay ay tipikal para sa lahat ng mga klasikong parisukat ng ika-17 siglo. Sa una, ang isang equestrian statue ni Louis XIV ay inilagay sa gitna ng parisukat (sa simula ng ika-19 na siglo ito ay pinalitan ng isang triumphal column bilang parangal kay Napoleon I). Sa panahon ng pagtatayo ng Place Vendôme, nakabuo si Hardouin-Mansart ng isang uri ng facade na kalaunan ay naging laganap na may mga arko sa basement floor, malalaking order pilaster na nag-uugnay sa ikalawa at ikatlong palapag, at isang attic floor sa ilalim ng mataas na matarik na bubong.

Pagpipinta

Nicolas Poussin (1593 - 1655), sa kanyang mga kuwadro na gawa, pangunahin sa mga tema ng sinaunang sinaunang panahon at mitolohiya, na nagbigay ng hindi maunahang mga halimbawa ng geometrically tumpak na komposisyon at maalalahanin na ugnayan ng mga pangkat ng kulay.

Claude Lorrain (1601 - 1682), sa kanyang sinaunang mga tanawin sa paligid ng "walang hanggang lungsod", pinasimple niya ang mga larawan ng kalikasan sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga ito sa liwanag ng papalubog na araw at pagpapakilala ng mga kakaibang eksena sa arkitektura.

ika-18 siglo

Sa huling bahagi ng ika-18 siglo, lumitaw ang tinatawag na "rebolusyonaryong klasisismo", na nagpapahayag ng mga mithiing sibiko ng burges na Enlightenment at burges na rebolusyonaryong adhikain.
Si Jacques Louis David (1748 - 1825) ay tinawag na artista ng Rebolusyong Pranses. Ang kanyang sobrang laconic at dramatic na artistikong wika ay nagsilbi nang may pantay na tagumpay upang itaguyod ang mga mithiin ng Rebolusyong Pranses ("Kamatayan ng Marat") at ang Unang Imperyo ("Pagtatalaga ng Emperador Napoleon I").

Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. Ang klasiko ay ang nangungunang istilo ng sining sa France.
JACQUES LOUIS DAVID, (1748–1825) - Pintor ng Pranses; tagapagtatag ng French neoclassicism, dakilang artista Rebolusyong Pranses. Noong 1775-1780 nag-aral siya sa French Academy sa Roma, kung saan nag-aral siya ng sinaunang sining at ang gawain ng mga master ng Renaissance. Noong 1783 siya ay nahalal na miyembro ng Academy of Painting.
Aktibong lumahok sa rebolusyonaryong kilusan, noong 1792 siya ay nahalal sa Pambansang Kombensiyon, bumoto para sa pagkamatay ni Haring Louis XVI. Sumali sa radical-ex

Ang kahulugan ng klasisismo (mula sa Latin na сlassicus - huwaran) ay isang masining na istilo at direksyon sa sining ng Europa noong ika-17 - ika-19 na siglo. Ito ay batay sa mga ideya ng rasyonalismo, ang pangunahing layunin nito ay upang turuan ang publiko sa batayan ng isang tiyak, modelo, na katulad ng modernismo. Ang kultura ng sinaunang mundo ay nagsilbing halimbawa. Ang mga patakaran, ang mga kanon ng klasisismo ay pinakamahalaga; kinailangan silang obserbahan ng lahat ng mga artista na nagtatrabaho sa loob ng balangkas ng direksyon at istilong ito.

Kahulugan ng isang klasiko

Ang klasiko, bilang isang istilo, ay pinalitan ang malago at magarbong panlabas. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang lipunan ng Europa ay napuno ng mga ideya ng paliwanag, na makikita sa kultura ng sining. Ang atensyon ng mga arkitekto at eskultor ay naaakit ng higpit, pagiging simple, kalinawan at katumpakan ng sinaunang kultura, sa partikular na sinaunang Griyego. , ang arkitektura ay naging paksa ng imitasyon at paghiram.

Bilang direksyon, niyakap ng klasisismo ang lahat ng uri ng sining: pagpipinta, musika, panitikan, arkitektura.

Ang kasaysayan ng paglitaw ng klasikal na istilo: mula sa unang panahon hanggang sa Renaissance

Ang klasiko, na ang pangunahing layunin ay turuan ang publiko batay sa isang tiyak na ideyal at pagsunod sa lahat ng karaniwang tinatanggap na mga canon, ay ganap na kabaligtaran, na tinanggihan ang lahat ng mga patakaran at isang paghihimagsik laban sa anumang artistikong tradisyon sa anumang direksyon.

Ang klasisismo ng probinsya sa Russia

Ang direksyon na ito ay katangian lamang para sa arkitektura ng Russia. Karamihan sa mga makasaysayang gusali ng St. Petersburg at Moscow, Yaroslavl, Pskov ay ginawa sa provincial classicism. Ang pinagmulan nito ay tumutukoy sa panahon ng Ginintuang Panahon. Ang mga klasikal na kinatawan ng mga istruktura ng arkitektura na ginawa sa istilo ng klasiko: Kazan Cathedral, Nikolsky Cossack Cathedral, atbp.

Mga Panahon: maaga, gitna, huli (mataas)

Sa pag-unlad nito, ang klasisismo ay dumaan sa 3 panahon, na maaaring ilista bilang mga sumusunod:

1. Maagang (1760s - unang bahagi ng 1780s) - ang kasagsagan ng direksyon, ang pag-ampon ng konsepto ng isang bagong estilo, ang kahulugan ng mga dahilan, at para sa kung anong mga tampok ang estilo ay partikular na nabibilang sa klasisismo;
2. Mahigpit o daluyan (1780s - 1790s) - pag-ugat ng istilo, paglalarawan sa maraming akdang pampanitikan at biswal, pagtatayo ng mga gusali;
3. Huli o mataas, pinangalanan (unang 30 taon ng ika-19 na siglo).

Ipinapakita ng larawan ang Arc de Triomphe sa Paris - isang matingkad na halimbawa ng klasisismo.

Mga katangian at tampok ng istilo ng mundo

Mga katangian ng mga klasiko sa lahat ng mga lugar ng pagkamalikhain:

• malinaw na mga geometric na hugis
• mataas na kalidad na mga materyales,
• marangal na pagtatapos at pagpigil.

Kamahalan at pagkakaisa, biyaya at karangyaan - ito ang mga pangunahing natatanging tampok ng klasisismo. Ang mga tampok na ito ay ipinakita sa ibang pagkakataon sa mga interior sa istilo.

Mga tampok na katangian ng klasisismo sa isang modernong interior

Mga tampok ng mahahalagang istilo:

• makinis na mga dingding na may malambot na mga motif ng bulaklak;
• mga elemento ng sinaunang panahon: mga palasyo at mga haligi;
• stucco;
• katangi-tanging parquet;
• tela ng wallpaper sa mga dingding;
• eleganteng, magandang kasangkapan.

Ang mga kalmado na hugis-parihaba na hugis, pinigilan at sa parehong oras ay magkakaibang pandekorasyon na disenyo, nababagay na mga sukat, marangal na hitsura, pagkakaisa at panlasa ay naging isang tampok ng istilong klasiko ng Russia.

Panlabas ng direksyon ng mga klasiko: mga gusali

Ang mga panlabas na palatandaan ng klasisismo sa arkitektura ay binibigkas, maaari silang makilala sa unang sulyap sa gusali.

1. Mga istruktura: matatag, napakalaking, hugis-parihaba at may arko. Ang mga komposisyon ay malinaw na binalak, ang mahigpit na simetrya ay sinusunod.
2. Mga anyo: malinaw na geometry, dami at monumentalidad; statues, columns, niches, rotunda, hemispheres, pediments, friezes.
3. Mga linya: mahigpit; regular na sistema ng pagpaplano; bas-relief, medalyon, pattern ng daloy.
4. Mga materyales: bato, ladrilyo, kahoy, stucco.
5. Bubong: kumplikado, masalimuot na hugis.
6. Mga nangingibabaw na kulay: rich white, green, pink, purple, sky blue, gold.
7. Mga elemento ng katangian: maingat na palamuti, mga haligi, pilaster, mga antigong burloloy, mga hagdan ng marmol, mga balkonahe.
8. Windows: kalahating bilog, hugis-parihaba, pinahabang paitaas, katamtamang pinalamutian.
9. Mga pintuan: hugis-parihaba, may panel, madalas na pinalamutian ng mga estatwa (leon, sphinx).
10. Dekorasyon: pag-ukit, pagtubog, tanso, ina-ng-perlas, inlay.

Panloob: mga palatandaan ng klasisismo at mga genre ng arkitektura

Sa loob ng mga lugar ng panahon ng klasisismo mayroong maharlika, pagpigil at pagkakaisa. Gayunpaman, ang lahat ng panloob na mga item ay hindi mukhang mga piraso ng museo, ngunit binibigyang-diin lamang ang maselan na artistikong lasa at kagalang-galang ng may-ari.

Ang silid ay may tamang hugis, puno ng isang kapaligiran ng maharlika, kaginhawahan, init, katangi-tanging karangyaan; hindi overloaded sa mga detalye.

Ang gitnang lugar sa panloob na dekorasyon ay inookupahan ng mga likas na materyales, pangunahin ang mahalagang mga kahoy, marmol, bato, sutla.

• Mga kisame: mataas ang ilaw, kadalasang multi-level, na may stucco, mga burloloy.
• Mga pader: pinalamutian ng mga tela, liwanag, ngunit hindi maliwanag, posible ang mga pilaster at haligi, stucco o pagpipinta.
• Panakip sa sahig: parquet na gawa sa mahalagang uri ng kahoy (merbau, kamshi, teak, jatoba) o marmol.
• Pag-iilaw: mga chandelier na gawa sa kristal, bato o mamahaling salamin; ginintuan na mga chandelier na may mga plafonds sa anyo ng mga kandila.
• Mga ipinag-uutos na katangian ng interior: mga salamin, fireplace, maaliwalas na mababang upuan, mababang tea table, magaan na handmade na carpet, mga painting na may mga antigong eksena, mga libro, malalaking plorera sa sahig na inilarawan sa pangkinaugalian, tripod flower stand.

Ang mga antigong motif ay kadalasang ginagamit sa palamuti ng silid: meanders, festoons, laurel garlands, string ng mga perlas. Ang mga mamahaling tela ay ginagamit para sa dekorasyon, kabilang ang mga tapiserya, taffeta at pelus.

Muwebles

Ang muwebles ng panahon ng klasisismo ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na kalidad at kagalang-galang, na gawa sa mamahaling materyales, pangunahin mula sa mahalagang kahoy. Kapansin-pansin na ang texture ng kahoy ay gumaganap hindi lamang bilang isang materyal, kundi pati na rin bilang isang pandekorasyon na elemento. Ang mga kagamitan sa muwebles ay ginawa sa pamamagitan ng kamay, pinalamutian ng mga larawang inukit, gilding, inlay, mamahaling bato at metal. Ngunit ang form ay simple: mahigpit na mga linya, malinaw na proporsyon. Ang mga mesa at upuan sa silid-kainan ay ginawa gamit ang mga eleganteng inukit na binti. Mga pinggan - porselana, manipis, halos transparent, na may pattern, pagtubog. Ang isa sa mga pinakamahalagang katangian ng muwebles ay itinuturing na isang sekretarya na may isang kubiko na katawan sa mataas na mga binti.

Arkitektura: mga teatro, simbahan at iba pang mga gusali

Ang Classicism ay bumaling sa mga pundasyon ng sinaunang arkitektura, gamit hindi lamang ang mga elemento at motif, kundi pati na rin ang mga pattern sa konstruksiyon. Ang batayan ng wikang arkitektura ay ang pagkakasunud-sunod na may mahigpit na simetrya nito, ang proporsyonalidad ng nilikha na komposisyon, ang regularidad ng layout at ang kalinawan ng three-dimensional na anyo.

Ang klasisismo ay ganap na kabaligtaran sa pagiging mapagpanggap at pandekorasyon na labis nito.

Ang mga unfortified palaces, garden at park ensembles ay nilikha, na naging batayan ng French garden na may mga tuwid na eskinita, trimmed lawn sa anyo ng mga cone at bola. Ang mga tipikal na detalye ng classicism ay accentuated hagdan, klasikong antigong palamuti, domes sa mga pampublikong gusali.

Ang late classicism (Empire) ay nakakuha ng mga simbolo ng militar ("Arc de Triomphe" sa France). Sa Russia, ang St. Petersburg ay maaaring tawaging canon ng istilo ng arkitektura ng klasisismo, sa Europa ito ay Helsinki, Warsaw, Dublin, Edinburgh.

Iskultura: mga ideya at pag-unlad

Sa panahon ng klasisismo, naging laganap ang mga pampublikong monumento na naglalaman ng lakas ng militar at karunungan ng mga estadista. Bukod dito, ang pangunahing solusyon para sa mga iskultor ay ang modelo ng pagpapakita ng mga sikat na figure sa anyo ng mga sinaunang diyos (halimbawa, Suvorov - sa anyo ng Mars). Naging tanyag sa mga pribadong indibidwal ang pag-utos ng mga lapida mula sa mga iskultor upang mapanatili ang kanilang mga pangalan. Sa pangkalahatan, ang mga eskultura ng panahon ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalmado, pagpigil sa mga kilos, walang kabuluhang mga ekspresyon, at kadalisayan ng mga linya.

Fashion: damit ng Europa at Russia

Ang interes sa sinaunang panahon sa pananamit ay nagsimulang magpakita mismo noong 80s ng siglong XVIII. Ito ay lalong maliwanag sa kasuotang pambabae. Isang bagong ideyal ng kagandahan ang lumitaw sa Europa, na ipinagdiriwang ang mga natural na anyo at magagandang linya ng pambabae. Ang pinakamagagandang makinis na tela ng mapusyaw na kulay, lalo na ang puti, ay nauso.

Ang mga damit ng kababaihan ay nawala ang kanilang mga frame, padding, at petticoats at kinuha ang anyo ng mahaba, draped tunika, gupitin sa mga gilid at naharang ng isang sinturon sa ilalim ng dibdib. Nakasuot sila ng pampitis na kulay balat. Ang mga sandalyas na may mga laso ay nagsisilbing sapatos. Ang mga istilo ng buhok ay kinopya mula pa noong unang panahon. Ang pulbos ay nananatili pa rin sa uso, kung saan natatakpan ang mukha, kamay, at décolleté.

Kabilang sa mga accessories, alinman sa kisei turbans na pinalamutian ng mga balahibo, o Turkish scarves o Kashmiri shawl ang ginamit.

Mula sa simula ng ika-19 na siglo, ang mga seremonyal na damit ay nagsimulang tahiin ng mga tren at isang malalim na neckline. At sa pang-araw-araw na damit, ang neckline ay natatakpan ng isang lace scarf. Unti-unti, nagbabago ang hairstyle, at ang pulbos ay nawawala sa paggamit. Ang maikling-crop na buhok, pinaikot sa mga kulot, nakatali sa isang gintong laso o pinalamutian ng isang korona ng mga bulaklak, ay dumating sa fashion.

Ang fashion ng kalalakihan ay umunlad sa ilalim ng impluwensya ng British. Nagiging sikat ang English cloth tailcoat, redingote (outerwear na kahawig ng frock coat), jabot at cuffs. Ito ay sa panahon ng klasisismo na ang mga relasyon ng mga lalaki ay naging uso.

Art

Pagpinta at sining

Sa pagpipinta, ang klasisismo ay nailalarawan din ng pagpigil at kahigpitan. Ang mga pangunahing elemento ng form ay linya at chiaroscuro. Binibigyang-diin ng lokal na kulay ang plasticity ng mga bagay at figure, at pinaghihiwalay ang spatial plan ng larawan. Ang pinakadakilang master ng XVII century. – Lorrain Claude, sikat sa kanyang “perpektong tanawin”. Ang mga sibil na pathos at liriko ay pinagsama sa "pandekorasyon na mga tanawin" ng Pranses na pintor na si Jacques Louis David (XVIII siglo). Sa mga artistang Ruso, maaaring isa-isa si Karl Bryullov, na pinagsama ang klasisismo sa (ika-19 na siglo).

Ang klasiko sa musika ay nauugnay sa mga dakilang pangalan tulad ng Mozart, Beethoven at Haydn, na nagpasiya ng karagdagang pag-unlad ng sining ng musikal.

Panitikan: mga bayani at personalidad sa mga akda

Ang panitikan sa panahon ng klasisismo ay nagsulong ng isip na sumakop sa damdamin. Ang salungatan sa pagitan ng tungkulin at pagnanasa ay ang batayan ng balangkas ng isang akdang pampanitikan, kung saan ang isang tao ay palaging nasa tensyon at dapat pumili kung aling desisyon ang gagawin. Ang wika ay nabago sa maraming bansa at ang mga pundasyon ng sining ng patula ay inilatag. Mga nangungunang kinatawan ng direksyon - Francois Malherbe, Corneille, Racine. Ang pangunahing prinsipyo ng komposisyon ng akda ay ang pagkakaisa ng oras, lugar at pagkilos.

Sa Russia, ang klasisismo ay bubuo sa ilalim ng tangkilik ng Enlightenment, ang mga pangunahing ideya kung saan ay pagkakapantay-pantay at katarungan. Ang pinakamaliwanag na may-akda ng panitikan ng panahon ng klasiko ng Russia ay si M. Lomonosov, na naglatag ng mga pundasyon ng versification. Ang pangunahing genre ay komedya at satire. Nagtrabaho sina Fonvizin at Kantemir sa ugat na ito.

Ang "ginintuang edad" ay itinuturing na panahon ng klasisismo para sa sining ng teatro, na umunlad nang napaka-dynamic at napabuti. Ang teatro ay medyo propesyonal, at ang aktor sa entablado ay hindi lamang naglaro, ngunit nabuhay, nakaranas, habang nananatili sa kanyang sarili. Ang istilo ng teatro ay ipinroklama bilang sining ng pagbigkas.

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (arkitektura);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (iskultura);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (pagpinta);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitzer (panitikan).

Video: mga tradisyon at kultura, mga natatanging tampok, musika

Konklusyon

Ang mga ideya ng panahon ng klasisismo ay matagumpay na ginagamit sa modernong disenyo. Ito ay nagpapanatili ng maharlika at kagandahan, kagandahan at kadakilaan. Ang mga pangunahing tampok ay wall painting, drapery, stucco, natural wood furniture. Mayroong ilang mga dekorasyon, ngunit lahat sila ay maluho: mga salamin, mga kuwadro na gawa, napakalaking chandelier. Sa pangkalahatan, ang estilo kahit na ngayon ay nagpapakilala sa may-ari bilang isang kagalang-galang, malayo sa mahirap na tao.

Nang maglaon, lumilitaw pa rin ito, na minarkahan ang pagdating ng isang bagong panahon - ito. ay ang kumbinasyon ng ilang mga modernong istilo, na kinabibilangan ng hindi lamang klasikal, kundi pati na rin ang baroque (sa pagpipinta), sinaunang kultura, at ang Renaissance.

1. Classicism (mula sa Latin classicus - huwaran) - ang artistikong istilo ng European na sining noong ika-17-19 na siglo, isa sa pinakamahalagang katangian kung saan ay ang apela sa sinaunang sining bilang pinakamataas na modelo at pag-asa sa mga tradisyon ng Mataas. Renaissance. Ang sining ng klasisismo ay sumasalamin sa mga ideya ng maayos na istraktura ng lipunan, ngunit sa maraming aspeto nawala ang mga ito kumpara sa kultura ng Renaissance. Ang mga salungatan ng personalidad at lipunan, perpekto at katotohanan, damdamin at katwiran ay nagpapatotoo sa pagiging kumplikado ng sining ng klasisismo. Ang mga artistikong anyo ng klasisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahigpit na organisasyon, balanse, kalinawan at pagkakaisa ng mga imahe.

2. Ang pangunahing tampok ng arkitektura ng klasisismo ay ang pag-apila sa mga anyo ng sinaunang arkitektura bilang pamantayan ng pagkakaisa, pagiging simple, kahigpitan, lohikal na kalinawan at monumentalidad. Ang arkitektura ng klasisismo sa kabuuan ay nailalarawan sa pagiging regular ng pagpaplano at ang kalinawan ng volumetric na anyo. Ang pagkakasunud-sunod, sa mga proporsyon at mga anyo na malapit sa sinaunang panahon, ay naging batayan ng wikang arkitektura ng klasisismo. Ang klasisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng simetriko na mga komposisyon ng axial, pagpigil sa dekorasyong dekorasyon, at isang regular na sistema ng pagpaplano ng lungsod. Ang wikang arkitektura ng klasisismo ay nabuo sa pagtatapos ng Renaissance ng dakilang Venetian master na si Palladio at ng kanyang tagasunod na si Scamozzi. Ang mga Venetian ay pinawalang-bisa ang mga prinsipyo ng sinaunang arkitektura ng templo kaya't inilapat nila ang mga ito kahit na sa pagtatayo ng mga pribadong mansyon gaya ng Villa Capra. Dinala ni Inigo Jones ang Palladianism sa hilaga sa England, kung saan sinunod ng mga lokal na arkitekto ng Palladian ang mga tuntunin ni Palladio na may iba't ibang antas ng katapatan hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Andrea Palladio. Villa Rotunda malapit sa Vicenza

3. Ang interes sa sining ng sinaunang Greece at Roma ay nagpakita ng sarili sa Renaissance, na, pagkatapos ng mga siglo ng Middle Ages, ay bumaling sa mga anyo, motif at plot ng sinaunang panahon. Ang pinakadakilang teorista ng Renaissance, si Leon Batista Alberti, noong ika-15 siglo. nagpahayag ng mga ideya na naglalarawan sa ilang mga prinsipyo ng klasisismo at ganap na ipinakita sa fresco ni Raphael na "The School of Athens" (1511). Ang sistematisasyon at pagsasama-sama ng mga nagawa ng mga dakilang artista ng Renaissance, lalo na ang mga Florentine na pinamumunuan ni Raphael at ng kanyang mag-aaral na si Giulio Romano, ay bumubuo sa programa ng paaralan ng Bologna noong huling bahagi ng ika-16 na siglo, ang pinaka-katangian na mga kinatawan nito ay ang magkapatid na Carracci. Sa kanilang maimpluwensyang Academy of Arts, ipinangaral ng Bolognese na ang landas patungo sa taas ng sining ay nasa pamamagitan ng masusing pag-aaral ng pamana nina Raphael at Michelangelo, imitasyon ng kanilang kahusayan sa linya at komposisyon. Sa simula ng ika-17 siglo, dumagsa ang mga kabataang dayuhan sa Roma upang kilalanin ang pamana ng sinaunang panahon at Renaissance. Ang pinakatanyag na lugar sa kanila ay inookupahan ng Pranses na si Nicolas Poussin, sa kanyang mga kuwadro na gawa, pangunahin sa mga tema ng sinaunang sinaunang panahon at mitolohiya, na nagbigay ng hindi maunahang mga halimbawa ng geometrically tumpak na komposisyon at maalalahanin na ugnayan ng mga pangkat ng kulay. Ang isa pang Frenchman, si Claude Lorrain, sa kanyang mga lumang tanawin sa paligid ng "walang hanggang lungsod" ay nag-streamline ng mga larawan ng kalikasan sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga ito sa liwanag ng papalubog na araw at pagpapakilala ng mga kakaibang eksena sa arkitektura.

Jacques-Louis David. "Ang Panunumpa ng Horatii" (1784). Ang malamig na makatwirang normativism ni Poussin ay nanalo ng pag-apruba ng korte ng Versailles at ipinagpatuloy ng mga pintor ng korte tulad ni Lebrun, na nakakita sa klasikong pagpipinta ng perpektong artistikong wika para sa pagpuri sa absolutistang estado ng "hari ng araw". Bagama't ang mga pribadong kliyente ay pinaboran ang mga pagkakaiba-iba ng Baroque at Rococo, ang monarkiya ng Pransya ay nagpapanatili ng Classicism sa pamamagitan ng pagpopondo sa mga institusyong pang-akademiko tulad ng School of Fine Arts. Ang Rome Prize ay nagbigay sa mga pinaka mahuhusay na mag-aaral ng pagkakataon na bisitahin ang Roma para sa isang direktang kakilala sa mga dakilang gawa ng unang panahon. Noong ika-19 na siglo, ang classicism painting ay pumapasok sa panahon ng krisis at nagiging puwersang pumipigil sa pag-unlad ng sining, hindi lamang sa France, kundi pati na rin sa ibang mga bansa. Matagumpay na ipinagpatuloy ni Ingres ang artistikong linya ni David, habang pinapanatili ang wika ng klasisismo sa kanyang mga gawa, madalas siyang bumaling sa mga romantikong plot na may oriental na lasa ("Turkish baths"); ang kanyang portrait na gawa ay minarkahan ng isang banayad na ideyalisasyon ng modelo. Ang mga artista sa ibang mga bansa (gaya ni Karl Bryullov) ay nag-imbak din ng mga klasikong hugis na gawa na may diwa ng walang ingat na romantikismo; ang kumbinasyong ito ay tinatawag na akademya. Maraming art academies ang nagsilbing breeding ground nito. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga kabataang henerasyong nahilig sa realismo ay naghimagsik laban sa konserbatismo ng akademikong pagtatatag, na kinakatawan sa France ng bilog na Courbet, at sa Russia ng mga Wanderers.

4. Ang musika ng panahon ng classicism o ang musika ng classicism ay tinatawag na panahon sa pag-unlad ng European music humigit-kumulang sa pagitan ng 1730 at 1820. Ang konsepto ng classicism sa musika ay patuloy na nauugnay sa mga gawa ni Haydn, Mozart at Beethoven, na tinatawag na ang Viennese classics at tinukoy ang direksyon ng karagdagang pag-unlad ng musikal na komposisyon.

Ang konsepto ng "musika ng klasisismo" ay hindi dapat malito sa konsepto ng "klasikal na musika", na may mas pangkalahatang kahulugan bilang musika ng nakaraan na tumayo sa pagsubok ng panahon. Ang estetika ng klasisismo ay batay sa paniniwala sa ang katwiran at pagkakaisa ng pagkakasunud-sunod ng mundo, na ipinakita ang sarili sa pansin sa balanse ng mga bahagi ng trabaho, maingat na pagtatapos ng mga detalye , ang pagbuo ng mga pangunahing canon ng musikal na anyo. Sa panahong ito, sa wakas ay nabuo ang anyo ng sonata, batay sa pagbuo at pagsalungat ng dalawang magkasalungat na tema, at natukoy ang klasikal na komposisyon ng mga bahagi ng sonata at simponya.

Sa panahon ng klasisismo, lumitaw ang isang string quartet, na binubuo ng dalawang violin, isang viola at isang cello, at ang komposisyon ng orkestra ay lumawak nang malaki.

Ang kronolohikal na balangkas para sa pagkakaroon ng klasisismo sa iba't ibang kultura ng Europa ay tinukoy bilang ang ikalawang kalahati ng ika-17 - ang unang tatlumpung taon ng ika-18 siglo, sa kabila ng katotohanan na ang mga maagang klasiko na uso ay makikita sa pagtatapos ng Renaissance, sa pagliko. ng ika-16-17 siglo. Sa loob ng mga kronolohikal na limitasyong ito, ang klasikong Pranses ay itinuturing na karaniwang sagisag ng pamamaraan. Malapit na nauugnay sa pag-usbong ng French absolutism sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, nagbigay ito ng kulturang European hindi lamang sa mga mahuhusay na manunulat - Corneille, Racine, Molière, Lafontaine, Voltaire, kundi pati na rin ang mahusay na teorista ng klasikong sining - Nicolas Boileau-Depreau .

Ang makasaysayang mga kinakailangan para sa paglitaw ng klasisismo ay nag-uugnay sa mga aesthetic na problema ng pamamaraan sa panahon ng paglala ng relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan sa proseso ng pagiging isang autokratikong estado, na, na pinapalitan ang panlipunang pagpapahintulot ng pyudalismo, ay naglalayong ayusin ang batas at malinaw na nakikilala sa pagitan ng mga saklaw ng pampubliko at pribadong buhay at ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at ng estado. Ang klasisismo ay umusbong sa tuktok ng panlipunang pagsulong ng bansang Pranses at estado ng Pransya. Ang batayan ng teorya ng klasisismo ay rasyonalismo, batay sa pilosopiya ni Descartes, ang paksa ng klasikal na sining ay ipinahayag lamang ang maganda at ang kahanga-hanga, sinaunang panahon ay nagsilbi bilang isang etikal at aesthetic na ideal.

arkitektura - Ang Classicism ay makikita rin sa arkitektura: ang mga palasyo, simbahan, bagong Parisian square, na nilikha ni Mansart at iba pang mga arkitekto, ay minarkahan ng mahigpit na simetrya, marilag na pagiging simple. Ang Classicism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang maayos na pagkakasunud-sunod ng anyo, ang ideya ng pagpapailalim sa indibidwal sa pampublikong tungkulin. Ang batayan ng wikang arkitektura ng klasisismo ay ang pagkakasunud-sunod, sa mga proporsyon at mga anyo na malapit sa sinaunang panahon, mga symmetrical-axial na komposisyon, pagpigil ng pandekorasyon na dekorasyon, isang regular na sistema ng pagpaplano ng lungsod.

Panitikan-Ang mga "mababa" na genre - ang pabula (J. Lafontaine), satire (Boileau), komedya (Molière 1622-1673) - ay umabot din sa mataas na pag-unlad. Ang Pranses na manunulat na si Jean de La Fontaine ay kilala bilang may-akda ng mga fairy tales, comedies, fables, satirically depicting life in absolutist France. Ang theorist of French classicism, Nicolas Boileau-Despreo, sa kanyang akdang "Poetic Art" ay nagbalangkas ng mga prinsipyo ng classicism sa panitikan.

Mga pangunahing pangangailangan ng klasisismo sa panitikan

1. Bayani - "mga larawang walang mukha". Hindi sila nagbabago, bilang tagapagsalita para sa mga karaniwang katotohanan.

2. Ang paggamit ng karaniwang wika ay hindi kasama

3. Kinakailangan ng compositional rigor

4. Pagmamasid sa gawain ng tatlong pagkakaisa: oras, lugar at pagkilos.

Hindi ka dapat mag-atubiling ipakilala kami sa balangkas.

Dapat mong obserbahan ang pagkakaisa ng lugar dito.

Ngunit hindi natin dapat kalimutan, mga makata, ang tungkol sa katwiran:

Isang kaganapan kada araw

Sa isang lugar, hayaan itong dumaloy sa entablado;

Sa kasong ito lamang ay mabibighani tayo.

5. Mahigpit na paghahati sa mga genre.

"Mataas": mga trahedya, epikong tula, odes, mga himno

Dapat silang bumuo ng mahahalagang problema sa lipunan, na gumagamit ng mga sinaunang paksa. Ang kanilang saklaw ay ang buhay ng estado at hukuman, relihiyon. Ang wika ay solemne, pinalamutian ng mga epithets at mythological parallel, epithets

"Mababa": komedya, satire, pabula

Ang kanilang tema ay ang buhay ng mga indibidwal, katutubong buhay. Ang wika ay kolokyal.

Itinuring na hindi katanggap-tanggap ang paghahalo ng mga genre!

Sculpture-Lahat ay napapailalim sa rationality: frozen na paggalaw, ang ideya ng sculpture at maging ang lokasyon nito sa isang parke o palasyo. Ang mga eskultura ng klasiko, tulad ng isang three-dimensional na sagisag ng mga alamat, ay nagsasabi sa amin tungkol sa makapangyarihang kapangyarihan ng pag-iisip ng tao, tungkol sa pagkakaisa ng mga tao sa pagkamit ng mga karaniwang layunin. Nakapagtataka lang kung paano nasabi ng mga klasiko ang isang buong panahon sa buhay ng isang partikular na bansa sa tulong ng mga di-scale na komposisyon. Nagsusumikap para sa makatwirang paggamit ng espasyo na inookupahan ng iskultura, ang mga masters sa gayon ay sumunod sa isa pang prinsipyo ng klasisismo - isang pag-alis mula sa pribado. Sa isang solong karakter, kadalasang kinuha mula sa mitolohiya, ang diwa ng isang buong tao ay nakapaloob. At ang mga bayani ng kasalukuyan ay itinatanghal na may parehong kadalian sa sinaunang kapaligiran, na binibigyang diin lamang ang kanilang makasaysayang papel.

pagpipinta

Ang mga prinsipyo ng rasyonalistikong pilosopiya na pinagbabatayan ng klasisismo ay nagpasiya ng pananaw ng mga teorista at practitioner ng klasisismo sa isang gawa ng sining bilang bunga ng katwiran at lohika, na nagtagumpay sa kaguluhan at pagkalikido ng sensually perceived na buhay. Ang oryentasyon sa isang makatwirang simula, sa matibay na mga pattern ay tumutukoy sa matatag na normativity ng mga kinakailangan sa etika (subordination ng personal sa pangkalahatan, mga hilig - sa pangangatwiran, tungkulin, ang mga batas ng uniberso) at ang mga aesthetic na hinihingi ng klasisismo, ang regulasyon ng mga artistikong panuntunan ; ang pagsasama-sama ng mga teoretikal na doktrina ng klasisismo ay pinadali ng mga aktibidad ng Royal Academies na itinatag sa Paris - pagpipinta at iskultura (1648) at arkitektura (1671). Sa classicism painting, line at chiaroscuro ang naging pangunahing elemento ng form modeling, ang lokal na kulay ay malinaw na nagpapakita ng plasticity ng mga figure at bagay, naghihiwalay sa mga spatial na plano ng larawan (minarkahan ng kadakilaan ng pilosopikal at etikal na nilalaman, ang pangkalahatang pagkakaisa ng gawa ni N. Poussin, ang nagtatag ng klasisismo at ang pinakadakilang master ng klasisismo noong ika-17 siglo ; "mga ideal na tanawin" ni C. Lorrain). Klasisismo noong ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. (sa kasaysayan ng sining ng dayuhan ay madalas itong tinutukoy bilang neoclassicism), na naging isang pan-European na istilo, ay nabuo din pangunahin sa dibdib ng kulturang Pranses, sa ilalim ng malakas na impluwensya ng mga ideya ng Enlightenment. Sa arkitektura, ang mga bagong uri ng isang magandang mansyon, isang pampublikong gusali sa harap, isang bukas na plaza ng lungsod (J.A. Gabriel, J.J. Souflot), ang paghahanap para sa bago, hindi maayos na mga anyo ng arkitektura ay natukoy. nagsusumikap para sa matinding pagiging simple sa gawain ni K.N. Inaasahan ni Ledoux ang arkitektura ng huling yugto ng klasisismo - Imperyo. Ang civic pathos at lyricism na pinagsama sa kaplastikan ni J.B. Pigalya at Zh.A. Houdon, mga pandekorasyon na tanawin ni J. Robert. Ang matapang na drama ng makasaysayang at portrait na mga imahe ay likas sa mga gawa ng pinuno ng French classicism, ang pintor na si J.L. David.

Sa theatrical art, si K. ay nag-ambag sa isang mas malalim na pagsisiwalat ng ideya ng isang dramatikong gawain, na nagtagumpay sa pagmamalabis sa paglalarawan ng mga damdamin, katangian ng medyebal na teatro. Ang kasanayan sa pagsasagawa ng klasikong trahedya, na itinaas sa taas ng tunay na sining, ay sumunod sa mga aesthetic na prinsipyo na sinundan mula sa classicist aesthetics ng N. Boileau. Ang rationalistic na pamamaraan, ang may malay na trabaho sa papel ay nagiging pangunahing kondisyon para sa pagkamalikhain ng mga aktor. Ang aktor ng trahedya ay kailangang emosyonal na nagpapahayag ng mga tula, hindi sinusubukan na lumikha ng ilusyon ng mga tunay na karanasan ng bayani. Ngunit sa sining ng pag-arte, ipinakita ang isang kontradiksyon na katangian ni K. - ang prinsipyo ng pagbaling sa kalikasan, katwiran, at katotohanan ay nilimitahan ng mga pamantayan ng magalang, maharlikang panlasa. Ang klasiko na pagganap sa kabuuan ay nakikilala sa pamamagitan ng karangyaan, static, ang mga aktor ay kumilos laban sa backdrop ng mga tanawin na walang makasaysayang at pang-araw-araw na konkreto (halimbawa, isang palasyo sa kalooban).

Ang batayan ng lahat ay ang isip. Tanging ang makatwiran ay maganda.

Ang pangunahing gawain ay upang palakasin ang ganap na monarkiya, ang monarko ay ang sagisag ng makatwiran.

Ang pangunahing tema ay ang salungatan ng personal at civic na interes, damdamin at tungkulin

Ang pinakamataas na dignidad ng isang tao ay ang pagtupad sa tungkulin, paglilingkod sa ideya ng estado

Pamana ng sinaunang panahon bilang isang modelo

(Oral na paliwanag: ang aksyon ay inilipat sa ibang oras, hindi lamang upang gayahin ang mga antigong sample, kundi pati na rin upang ang pamilyar na buhay ay hindi makagambala sa manonood, mambabasa upang malasahan ang mga ideya)

Ang panggagaya sa kalikasang "ginalaman".

Nabuo ang klasiko, nararanasan ang impluwensya ng iba pang mga pan-European na uso sa sining na direktang nakikipag-ugnayan dito: tinataboy nito ang mga aesthetics ng Renaissance na nauna rito at sinasalungat ang Baroque na sining na aktibong kasama nito, na puno ng kamalayan ng pangkalahatan. hindi pagkakasundo na nabuo ng krisis ng mga mithiin ng isang nakalipas na panahon. Ang pagpapatuloy ng ilan sa mga tradisyon ng Renaissance (paghanga sa mga sinaunang tao, pananampalataya sa katwiran, ang ideal ng pagkakaisa at sukat), K. ay isang uri ng antithesis sa kanya; Sa likod ng panlabas na pagkakasundo sa K. namamalagi ang panloob na antinomy ng pananaw sa mundo, na ginagawa itong nauugnay sa Baroque (para sa lahat ng kanilang malalim na pagkakaiba). Ang generic at indibidwal, publiko at pribado, katwiran at pakiramdam, sibilisasyon at kalikasan, na (sa isang kalakaran) ay kumilos bilang isang solong magkatugma na kabuuan sa sining ng Renaissance, ay polarized sa kultura at naging kapwa eksklusibong mga konsepto.

2.Pagpaplano sa lungsod

Ang pinakamahalagang konsepto sa pagpaplano ng lunsod at ang kanilang pagpapatupad sa uri ay nauugnay sa klasisismo. huling bahagi ng XVIII at ang unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa panahong ito, ang mga bagong lungsod, parke, resort ay inilatag. Ang isang bagong organisasyon ng pag-areglo, na naglalayong malampasan ang hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan at lumikha ng isang bagong pagkakasundo sa lipunan, ay iminungkahi sa pagtatapos ng ika-19 na siglo ng mga utopian na sosyalista. Ang mga proyekto ng mga residential commune, phalansters (natanto, gayunpaman, sa napakaliit na bilang) ay nagpapanatili ng imahe at spatial na tampok na katangian ng klasisismo.

Ang resulta ng mga teorya ng arkitektura ng Enlightenment, na binalangkas at paulit-ulit sa maraming treatise sa huling bahagi ng ika-18 siglo, ay maaaring maipaliwanag bilang mga sumusunod: ang saklaw ng pagpaplano ng lunsod sa kumpletong kawalan ng mga obra maestra ng arkitektura. Marahil ay tila mababaw ang ating paghatol. Sa katunayan, may mga arkitekto na hindi gustong lumikha ng mga obra maestra. Ang arkitektura para sa kanila ay hindi pagpapahayag at pag-apruba ng isang tiyak na konsepto ng mundo, relihiyon o politikal na mga ideyal. Ang kanyang trabaho ay maglingkod sa komunidad. Ang konstruksiyon, kagandahang-asal, tipolohiya ay kinakailangang napapailalim sa gawaing ito. Dahil ang buhay ng lipunan ay mabilis na nagbabago, kinakailangan upang matugunan ang mga bagong kinakailangan at mga bagong uri ng mga gusali, iyon ay, upang magtayo hindi lamang ng isang simbahan o isang palasyo, ngunit isang middle-class na gusali ng tirahan, isang ospital, isang paaralan, isang museo, isang daungan, isang pamilihan, at iba pa.

Mula sa isang monumento ng gusali, ang isa ay dumarating sa isang gusali na nagpapahayag ng isang tiyak na tungkuling panlipunan, ang pagkakaisa ng naturang mga tungkulin ay lumilikha ng isang organismo sa lunsod, at ang istraktura nito ay ang koordinasyon ng mga tungkuling ito. Dahil ang panlipunang koordinasyon ay nakabatay sa mga prinsipyo ng rasyonalidad, ang mga plano sa lunsod ay nagiging mas makatwiran, iyon ay, sinusunod nila ang malinaw na hugis-parihaba o radial na mga geometric na pattern, na binubuo ng malalapad at tuwid na mga kalye, malalaking parisukat o bilog na mga parisukat. Ang ideya ng ugnayan sa pagitan ng lipunan ng tao at kalikasan ay ipinahayag sa lungsod sa pagpapakilala ng malawak na berdeng mga lugar, kadalasang mga parke malapit sa mga palasyo o hardin ng mga dating monasteryo na naging estado pagkatapos ng rebolusyon.

* Ang pinaka-kapansin-pansin na mga tampok ng panahon, estilo at pambansang tradisyon ipinahayag sa mga pangunahing parisukat ng malalaking lungsod at sa mga parisukat ng kabisera. Ang pag-aayos o muling pagtatayo ng mga parisukat ay kadalasang paraan ng pampulitikang pag-apruba ng naghaharing rehimen. Dahil sa haba ng panahong isinasaalang-alang - mula sa pagpapalakas ng absolutismo hanggang sa pagpapalakas ng burges na demokrasya - ang panlipunang papel ng pangunahing parisukat ay unti-unting nagbago: mula sa arkitektura at spatial na background ng rebulto ng hari, ito ay naging sibil. sentro ng kapitalistang lungsod sa pinakamaunlad na bansa.

3. Sa unang kalahati ng ika-17 siglo, ang kabisera ng France ay unti-unting naging isang city-residence mula sa isang city-fortress. Ang hitsura ng Paris ay tinutukoy ngayon hindi ng mga pader ng kuta at kastilyo, ngunit ng mga palasyo, parke, isang regular na sistema ng mga lansangan at mga parisukat.

Sa arkitektura, ang paglipat mula sa kastilyo patungo sa palasyo ay maaaring masubaybayan sa pamamagitan ng paghahambing ng dalawang gusali. Ang Luxembourg Palace sa Paris (1615 - 1621), ang lahat ng mga gusali ay matatagpuan sa kahabaan ng perimeter ng isang malaking patyo, na may makapangyarihang mga anyo nito ay kahawig pa rin ng isang kastilyo na nabakuran mula sa labas ng mundo. Sa palasyo ng Maisons - Laffite malapit sa Paris (1642 - 1650) wala nang saradong patyo, ang gusali ay may hugis-U na plano, na ginagawang mas bukas ang hitsura nito (bagaman ito ay napapalibutan ng moat). Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito sa arkitektura ay nakatanggap ng suporta ng estado: ang royal decree ng 1629 ay nagbabawal sa pagtatayo ng mga kuta ng militar sa mga kastilyo.

Sa paligid ng palasyo, ang arkitekto ngayon ay kinakailangang ayusin ang isang parke kung saan ang mahigpit na pagkakasunud-sunod ay naghari: ang mga berdeng espasyo ay maayos na pinutol, ang mga eskinita ay nagsalubong sa tamang mga anggulo, ang mga kama ng bulaklak ay nabuo ng mga regular na geometric na hugis. Ang nasabing parke ay tinatawag na regular o Pranses.

Ang tuktok ng pag-unlad ng isang bagong direksyon sa arkitektura ay ang Versailles - ang engrandeng tirahan sa harap ng mga hari ng Pransya malapit sa Paris.

Sa arkitektura ng relihiyon, itinanim ng mga Heswita ang istilo ng Counter-Reformation, ngunit sa kabila nito, hindi tinalikuran ng Pransya ang mga pambansang tradisyon nito, at nasa panahon na ng paghahari ni Louis XIII, ang isang pagtatangka na ganap na "pag-romansa" ang arkitektura ng simbahan ay nabigo.

Sa panahon ni Henry IV, ang sekular na arkitektura ay gumaganap ng isang nangingibabaw na papel, ang malaking pansin ay binabayaran sa pagpaplano ng kapaligiran sa lunsod, at bilang isang resulta, ang Paris ay pinalamutian ng dalawang parisukat - ang Vosges at ang Dauphine. Ang arkitektura ng panahong ito ay pinangungunahan ng mannerism - mabigat na karangyaan, mga interior na pinalamutian nang mayaman, mga panel na pininturahan ng dekorasyon at ginintuan.

4. Ang kulto ng katwiran ay isa sa mga pangunahing katangian ng klasisismo, at samakatuwid, sa wala sa mga dakilang masters ng ika-17 siglo, ang makatuwirang prinsipyo ay gumaganap ng isang mahalagang papel tulad ng sa Poussin. Ang master mismo ay nagsabi na ang pang-unawa ng isang gawa ng sining ay nangangailangan ng puro deliberasyon at pagsusumikap sa pag-iisip. Ang rasyonalismo ay makikita hindi lamang sa may layuning pagsunod ni Poussin sa etikal at masining na ideyal, kundi pati na rin sa visual system na kanyang nilikha.

Gumawa siya ng isang teorya ng tinatawag na mga mode, na sinubukan niyang sundin sa kanyang trabaho.

Sa pamamagitan ng modus, ang Poussin ay nangangahulugang isang uri ng matalinghagang susi, ang kabuuan ng mga kagamitan ng matalinhaga-emosyonal na mga katangian at komposisyonal-larawang solusyon na pinaka-katugma sa pagpapahayag ng isang partikular na tema.

Ang isa sa mga katangiang halimbawa ng ideolohikal at masining na programa ng klasisismo ay ang komposisyon ng Poussin na "The Death of Germanicus" (1626 - 1627, Minneapolis, Institute of Arts), na naglalarawan ng isang matapang at marangal na kumander ng Romano sa kanyang kamatayan, na nilason sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng ang kahina-hinala at naiinggit na emperador na si Tiberius.

Napakabunga para sa gawa ni Poussin ay ang pagkahilig sa sining ng Titian sa ikalawang kalahati ng 1620s. Ang apela sa tradisyon ng Titian ay nag-ambag sa pagsisiwalat ng pinakamahalagang aspeto ng talento ni Poussin. Mahusay din ang papel ng colorism ni Titian sa pagbuo ng talento ng pictorial ni Poussin.

Noong 1625 - 1627, ipininta ni Poussin ang pagpipinta na "Rinaldo at Armina" batay sa balangkas ng tula ni Tasso na "Jerusalem Liberated", kung saan ang isang yugto mula sa alamat ng medieval chivalry ay binibigyang-kahulugan sa halip bilang isang motif ng sinaunang mitolohiya. Binuhay muli ni Poussin ang mundo mga sinaunang alamat at sa iba pang mga canvases noong 1620s - 1630s: "Apollo and Daphne" (Munich, Pinakothek", "Bacchanalia" sa Louvre at London National Gallery, "The Kingdom of Flora" (Dresden, Gallery). Dito niya inilalarawan ang kanyang ideal - isang tao, namumuhay ng isang masayang buhay kasama ng kalikasan.

Kailanman sa trabaho ni Poussin ay hindi nagkaroon ng gayong matahimik na mga eksena, ang mga magagandang larawang babae ay lumitaw. Noong 1620s na ang isa sa mga pinaka-kaakit-akit na imahe ng Poussin ay nilikha - "Sleeping Venus", ang imahe ng diyosa ay puno ng naturalness at ilang espesyal na intimacy ng pakiramdam, tila inagaw diretso sa buhay.

5. Nagsimula ang Klasisismo sa Panahon ng Enlightenment Ang paglago ng kalayaan ng lipunan ay humantong sa paglitaw ng mga unang pampublikong konsiyerto, nabuo ang mga musikal na lipunan at orkestra sa mga pangunahing lungsod ng Europe. Mayroong mga radikal na pagbabago sa mga orkestra, hindi na kailangan ng isang harpsichord o isang organ, tulad ng sa pangunahing mga instrumentong pangmusika, mga instrumento ng hangin - clarinet, flute, trumpeta, atbp., Sa kabaligtaran, kinuha ang kanilang lugar sa orkestra at lumikha ng isang bago, espesyal na tunog. Bagong komposisyon Ang orkestra ay humantong sa paglitaw ng isang symphony - ang pinakamahalagang uri ng musika, ayon sa pamantayan, na binubuo ng tatlong mga rate - isang mabilis na simula, isang mabagal na gitna at muli isang mabilis na pagtatapos. Ang isa sa mga unang kompositor na gumamit ng symphonic format ay ang anak ni J.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Sa parehong panahon, ang piano, o pianoforte (ang tamang pangalan), ay nilikha. Pinahintulutan nito ang mga keyboardist na tumugtog ng musika sa iba't ibang variation, parehong mahina (piano) at mas malakas (forte), depende sa mga key na ginamit. Ang pinakakilalang kompositor ng classicism ay ang mga dakilang Austrian - sina Joseph Haydn at Wolfgang Amadeus Mozart. Gumawa si Haydn ng kamangha-manghang choral, operatic, orchestral at instrumental na musika - ngunit ang pinakadakilang tagumpay niya ay ang mga symphony, kung saan sinulat niya ang higit sa isang daan. Si Mozart ang pinakadakilang kompositor sa lahat ng panahon. Ang pagkakaroon ng maikling buhay, nag-iwan siya ng isang hindi kapani-paniwalang pamana ng musika - 41 symphony, halimbawa. Ang kanyang mga opera ay itinuturing na kanyang pinakadakilang tagumpay, kung saan ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang mahusay na musikero at bilang isang mahuhusay na manunulat ng dula, ang ilan sa kanyang pinakamagagandang opera ay Don Giovanni, The Marriage of Figaro, The Magic Flute. Sa pagtatapos ng ikalabing walong siglo , more one star of classical music is Ludwig van Beethoven, a composer who started compose music in the classical style inhear from Mozart and Haydn. Sa kalaunan ay nalampasan niya ito at literal na hinati ang klasikal na istilo, na minarkahan ang bukang-liwayway ng isang bagong panahon na kilala bilang Romantikong panahon sa musika. Ang klasikal na panahon ay isang panahon kung kailan ipinakilala ng mga kompositor ang isang pakiramdam ng kagandahan sa musika. Ang malinaw at dalisay na musikang ito, na nagdudulot ng kapayapaan at pagpapahinga, ay talagang mas malalim at makakahanap ka ng isang dramatikong ubod, nakakaantig na damdamin at walang hangganang pagmamaneho dito.