Kwento. Pagpipinta sa impresyonismo: mga tampok, kasaysayan

Impresyonismo(French impressionnisme, mula sa impression - impression) - isang trend sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, na nagmula sa France at pagkatapos ay kumalat sa buong mundo, na ang mga kinatawan ay hinahangad na pinaka natural na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos. at pagkakaiba-iba, upang ihatid ang kanilang mga panandaliang impression .

1. Paglaya mula sa mga tradisyon ng realismo (walang mitolohiko, biblikal at makasaysayang mga pagpipinta, tanging modernong buhay).

2. Pagmamasid at pag-aaral ng nakapaligid na katotohanan. Hindi kung ano ang nakikita niya, ngunit kung paano niya nakikita mula sa posisyon ng pinaghihinalaang "visual essence ng mga bagay"

3. Araw-araw na buhay ng isang modernong lungsod. Sikolohiya ng naninirahan sa lungsod. Ang dynamics ng buhay. Ang bilis, ang ritmo ng buhay.

4. "Epekto ng matagal na sandali"

5. Maghanap ng mga bagong form. Maliit na sukat ng mga gawa (etudes, framing). Hindi tipikal, ngunit random.

6. Serialization ng mga painting (Monet's "Hacks")

7. Ang pagiging bago ng sistema ng pagpipinta. Bukas puro kulay. Relief, ang pinakamayamang koleksyon ng mga reflexes, nanginginig.

8. Paghahalo ng mga genre.

Edouard Manet - innovator. Mula sa bingi siksik na tono hanggang sa magaan na pagpipinta. Fragmentation ng mga komposisyon.

"Olympia"- umaasa sa Titian, Giorgione, Goya. Ipinakita ni Victoria Muran. Ang Venus ay inilalarawan bilang isang modernong cocotte. Sa paanan ng isang itim na pusa. Isang itim na babae ang nag-aalok ng bouquet. Ang background ay isang madilim, mainit na tono ng katawan ng babae na parang perlas sa asul na mga kumot. Ang lakas ng tunog. Walang black and white modeling.

"Almusal sa Damo"- modelo at dalawang artist + landscape + still life. Ang mga itim na sutana na coat ay bumubuo ng kaibahan sa hubad na katawan.

"Flutist"- ang impresyon ng musika.

"Bar Folies-Bergere" - ang babae ay isang bartender. Ang kilig ng isang silip na sandali. Ang kalungkutan ng isang mataong lungsod. Ang ilusyon ng kaligayahan. Inilagay ko ito sa buong canvas (hindi naa-access sa aking mga iniisip, ngunit naa-access sa mga customer ng bar). Ang isang buong bulwagan ng mga bisita ay isang imahe ng mundo.

Claude Monet - tinalikuran ang tradisyonal na pagkakasunud-sunod (undercoating, glazing, atbp.) - ala prima

"Impresyon. Sumisikat na araw" - Fieria dilaw, orange, berde. Ang bangka ay isang visual accent. Mailap, hindi natapos na tanawin, walang mga contour. Pagkakaiba-iba ng kapaligiran ng liwanag-hangin. Ang mga sinag ng liwanag ay nagbabago ng paningin.

"Almusal sa Damo" - gilid ng kagubatan, karanasan sa piknik , maitim na berdeng gamma na may halong kayumanggi at itim. Ang mga dahon ay basa. Ang mga damit ng babae at ang mantel ay iluminado, puno ng hangin, liwanag sa mga dahon.

Boulevard des Capucines sa Paris pira-piraso. Pinutol ang dalawang tao na nakatingin sa boulevard mula sa balkonahe. Ang pulutong ng mga tao ay ang buhay ng lungsod. Kalahati sa liwanag mula sa papalubog na araw at kalahati sa anino mula sa gusali. Walang visual center, instant impression.


"Mga bato sa Belle-Ile"- nangingibabaw ang gumagalaw na masa ng tubig (mga makapal na stroke). Masiglang inilapat ang mga iridescent shades. Ang mga bato ay makikita sa tubig, at ang tubig ay makikita sa mga bato. Pakiramdam ang kapangyarihan ng mga elemento, kumukulong berdeng asul na tubig. Mataas na komposisyon ng abot-tanaw.

"Gare Saint-Lazare" - ang loob ng istasyon ay ipinapakita, ngunit ang steam locomotive at ang singaw na nasa lahat ng dako ay mas kawili-wili (pagkahumaling sa fog, lilac haze).

Pierre Auguste Renoir- isang artist ng kagalakan, na kilala lalo na bilang isang master ng isang sekular na larawan, hindi walang sentimentalidad.

"Swing"- napuno ng mainit na mga kulay, ang kabataan ay ipinakita, ang batang babae ay humanga.

"Bola sa Moulin de la Gallette" - eksena sa genre. Araw. Mga kabataan, estudyante, katulong sa tindahan, atbp. Sa mga mesa sa ilalim ng mga puno ng acacia, isang dance floor. Banayad na daloy ( sinag ng araw sa likod).

"Larawan ni Jeanne Samary" - mga babaeng bulaklak. Charming, feminine, graceful, touching, direct actress. Malalim na mata, bahagyang maaraw na ngiti.

"Larawan ni Madame Charpentier kasama ang mga bata"- isang eleganteng sekular na babae sa isang itim na damit na may tren at dalawang batang babae na asul. Tapestry table, aso, parquet - lahat ay nagsasalita ng kayamanan ng pamilya.

Edgar Degas- hindi sumulat sa bukas na hangin, ang kulto ng linya at pagguhit. Mga komposisyon sa pahilis (mula sa ibaba hanggang sa itaas)); S-shaped, spiral shapes + isang window kung saan ilaw + ilaw mula sa mga spotlight. Langis, pagkatapos ay kama.

"Ballet Girls", "Mga Mananayaw"- sumalakay sa buhay ng mga ballerina. Ang mga stroke ay nagkokonekta sa pagguhit at pagpipinta. Patuloy na bilis ng pagsasanay.

"Blue Dancers"- walang sariling katangian - isang solong korona ng mga katawan. Sa isang sulok ay may liwanag pa rin mula sa mga rampa, at sa kabilang sulok ay anino ng mga pakpak. Sandali pang artista at ordinaryong mga tao. Mga nagpapahayag na silhouette, cornflower blue na damit. Fragmentation - hindi tumitingin ang mga tauhan sa manonood.

"Apsent" - lalaki at babae ay nakaupo sa isang cafe. Ash gamma. Ang isang lalaki na may tubo ay tumingin sa isang direksyon, at isang lasing na babae na may hiwalay na hitsura - masakit na kalungkutan.

Camille Pissarro - mahilig sa mga landscape, kabilang ang mga tao, mga cart sa mga ito. Ang motibo ng kalsada sa paglalakad. Gustung-gusto ang tagsibol at taglagas.

"Pasok sa nayon ng Voisin» - isang madilim, malambot na tanawin, mga puno sa kahabaan ng kalsada - balangkas ang pasukan, ang kanilang mga sanga ay naghahalo, natutunaw sa kalangitan. Dahan-dahan, mahinahon, naglalakad ang kabayo. Ang mga bahay ay hindi lamang mga bagay sa arkitektura, ngunit mga tirahan para sa mga tao (mainit na mga pugad).

"Opera Passage sa Paris"(serye) - isang kulay-abo na maulap na araw. Ang mga bubong ay bahagyang pinulbos ng niyebe, ang simento ay basa, ang mga gusali ay nalulunod sa isang tabing ng niyebe, ang mga dumadaan na may mga payong ay nagiging mga anino. Ang kulay ng mahalumigmig na hangin ay bumabalot. Lilac-asul, kulay ng oliba. Maliit na stroke.

Alfred Sisley- hinahangad na mapansin ang kagandahan ng kalikasan, ang epikong katahimikan na likas sa rural landscape.

"Frost sa Louveciennes" - umaga, sariwang estado, mga bagay ay naliligo sa liwanag (fusion). Walang mga anino (fine nuances), dilaw-orange na kulay. Tahimik na sulok, hindi minamadaling lungsod. Ang pakiramdam ng kadalisayan, hina, pag-ibig para sa lugar na ito

Impresyonismo sa Russia. bubuo sa ibang pagkakataon at sa isang pinabilis na bilis kaysa sa France

V.A.Serov - walang malasakit sa akademikong pagguhit ay gustong ipakita ang kagandahan ng kalikasan sa kulay.

"Babae na may mga peach"- isang larawan ni Verochka Mamontova. Ang lahat ay natural at walang limitasyon, ang bawat detalye ay konektado sa isa't isa. Ang kagandahan ng mukha ng isang batang babae, ang tula ng isang imahe ng buhay, isang makulay na pagpipinta na puspos ng liwanag. Ang kagandahan at pagiging bago ng pag-aaral, organikong pinagsama ang dalawang trend, dalawang pwersa na bumuo ng isang solong anyo ng pictorial vision. Ang lahat ay tila napakasimple at natural, ngunit may napakaraming lalim at kabuuan sa pagiging simple na ito!! Sa sukdulang pagpapahayag, ipinarating ni V. Serov ang liwanag na bumubuhos sa isang kulay-pilak na batis mula sa bintana at pinupuno ang silid. Ang batang babae ay nakaupo sa mesa at hindi abala sa anumang bagay, na para bang siya ay talagang umupo sa isang sandali, awtomatikong kinuha ang isang peach at hinawakan ito, nakatingin sa iyo nang simple at tapat. Ngunit ang kapayapaang ito ay panandalian lamang, at ang pagnanasa sa malikot na paggalaw ay sumilip dito.

"Mga bata"- nagpapakita ng espirituwal na mundo ng mga bata (mga anak). Ang matanda ay nakatingin sa paglubog ng araw, at ang nakababata ay nakaharap sa manonood. Iba ang pananaw sa buhay.

"Mika Morozov"- umupo sa isang upuan, ngunit gumulong pababa sa manonood. Naiparating ang pagkasabik ng bata.

"Chorus Girl"- etude. Nagpinta siya gamit ang makatas na mga stroke ng brush, malawak na mga stroke sa mga dahon, mga stroke alinman sa patayo o pahalang at naiiba sa texture ⇒ dynamism, hangin at liwanag. Ang kumbinasyon ng kalikasan at mga batang babae, pagiging bago, kamadalian.

"Paris. Boulevard des Capucines" - makulay na kaleidoscope ng mga kulay. Artipisyal na pag-iilaw - entertainment, pandekorasyon na theatricality.

I.E. Grabar - kusa, emosyonal na simula.

« Pebrero azure»- Nakita ko ang isang birch mula sa antas ng lupa at nagulat ako. Ang mga huni ng bahaghari ay pinag-isa ng asul ng kalangitan. Ang birch ay napakalaki (sa buong canvas).

"Marso Snow"- ang batang babae ay nagdadala ng mga balde sa pamatok, ang anino ng puno sa natunaw na niyebe.

Nagbukas ng bagong sining ang impresyonismo - mahalaga kung paano nakikita ng artista, mga bagong anyo at paraan ng pagtatanghal. Mayroon silang sandali, mayroon tayong kahabaan sa oras; mas kaunti ang dynamics natin, mas romanticism.

Mane Almusal sa damo Mane Olympia

Manet "Bar Folies-Bergere" Mane flutist"

Monet "Impresyon. Rising Sun Monet "Breakfast on the Grass" - "Boulevard des Capucines in Paris"

Monet "Mga Bato sa Belle-Ile"» Monet Gare Saint-Lazare

Monet Boulevard des Capucines sa ParisRenoir"Swing"

Renoir "Ball at the Moulin de la Gallette" Renoir "Portrait of Jeanne Samary"

Renoir "Portrait of Madame Charpentier with Children"

Degas "Blue Dancers" Degas "Apsent"

Pissarro -"Opera Passage sa Paris"(serye) Pissarro "Pasok sa nayon ng Voisin»

Sisley "Frost in Louveciennes" Serov "Girl with Peaches"

Serov "Mga Bata" Serov "Mika Morozov"

Korovin "Chorus Girl" Korovin "Paris. Boulevard of the Capucines»

Grabar "February azure" Grabar "March snow"

Impresyonismo (fr. impressionnisme, mula sa impresyon- impresyon) - isang trend sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, na nagmula sa France at pagkatapos ay kumalat sa buong mundo, na ang mga kinatawan ay naghangad na bumuo ng mga pamamaraan at pamamaraan na naging posible na pinaka natural at malinaw na makuha ang tunay na mundo sa kanyang kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba, upang ihatid ang kanilang mga panandaliang impresyon. Karaniwan, ang terminong "impresyonismo" ay nangangahulugang isang direksyon sa pagpipinta (ngunit ito, una sa lahat, isang pangkat ng mga pamamaraan), bagaman ang mga ideya nito ay natagpuan din ang kanilang sagisag sa panitikan at musika, kung saan ang impresyonismo ay lumitaw din sa isang tiyak na hanay ng mga pamamaraan. at mga teknik sa paglikha ng pampanitikan at mga gawang musikal, kung saan hinangad ng mga may-akda na ihatid ang buhay sa isang sensual, direktang anyo, bilang salamin ng kanilang mga impression

Ang gawain ng artist sa oras na iyon ay ang pinaka-makatwirang imahe ng katotohanan, hindi nagpapakita ng mga subjective na damdamin ng artist. Kung inutusan siya pormal na larawan- pagkatapos ay kinakailangan upang ipakita ang customer sa isang kanais-nais na liwanag: walang mga deformidad, hangal na mga ekspresyon ng mukha, atbp. Kung ito ay isang relihiyosong kuwento, kung gayon kinakailangan na pukawin ang isang pakiramdam ng paggalang at pagkamangha. Kung ang landscape - pagkatapos ay ipakita ang kagandahan ng kalikasan. Gayunpaman, kung hinamak ng artista ang mayamang tao na nag-utos ng larawan, o isang hindi naniniwala, kung gayon walang pagpipilian at ang natitira lamang ay upang bumuo ng kanyang sariling natatanging pamamaraan at pag-asa para sa suwerte. Gayunpaman, sa ikalawang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, ang pagkuha ng litrato ay nagsimulang aktibong umunlad at ang makatotohanang pagpipinta ay nagsimulang unti-unting lumihis, dahil kahit na noon ay napakahirap na ihatid ang realidad na kapani-paniwala tulad ng sa photography.

Sa maraming paraan, sa pagdating ng mga Impresyonista, naging malinaw na ang sining ay maaaring magkaroon ng halaga bilang suhetibong representasyon ng may-akda. Pagkatapos ng lahat, ang bawat tao ay nakikita ang katotohanan nang iba at tumutugon dito sa kanyang sariling paraan. Mas nakakatuwang makita kung paano nakikita ang katotohanan sa mga mata ng iba't ibang tao at kung anong mga emosyon ang kanilang nararanasan sa parehong oras.

Ang artista ay may napakalaking pagkakataon para sa pagpapahayag ng sarili. Bukod dito, ang pagpapahayag ng sarili mismo ay naging mas malaya: kumuha ng isang hindi karaniwang balangkas, paksa, magsabi ng iba maliban sa relihiyon o makasaysayang mga paksa, gumamit ng iyong sariling natatanging pamamaraan, atbp. Halimbawa, nais ng mga Impresyonista na magpahayag ng isang panandaliang impresyon, ang unang damdamin. Kaya naman malabo at parang hindi tapos ang kanilang trabaho. Ginawa ito upang magpakita ng instant na impresyon, kapag ang mga bagay ay hindi pa nahuhubog sa isip at kaunting pag-apaw lamang ng liwanag, mga halftone at malabong contour ang nakikita. Mauunawaan ako ng mga myopic na tao) isipin na hindi mo pa nakikita ang buong bagay, nakikita mo ito mula sa malayo o simpleng hindi tumitingin, ngunit nakabuo na ng ilang uri ng impresyon tungkol dito. Kung susubukan mong ilarawan ito, malamang na mapupunta ka sa isang bagay tulad ng mga impresyonistang pagpipinta. Isang bagay na parang sketch. Iyon ang dahilan kung bakit naging mas mahalaga para sa mga Impresyonista hindi kung ano ang inilalarawan, ngunit kung paano.

Ang mga pangunahing kinatawan ng genre na ito sa pagpipinta ay: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Hiwalay, dapat kilalanin si Umlyam Turner bilang kanilang hinalinhan.

Sa pagsasalita tungkol sa balangkas:

Ang kanilang mga pagpipinta ay kumakatawan lamang sa mga positibong aspeto ng buhay, nang hindi nakakaapekto mga suliraning panlipunan, kabilang ang tulad ng gutom, sakit, kamatayan. Nang maglaon, humantong ito sa pagkakahati sa mga Impresyonista mismo.

Mga scheme ng kulay

Ang mga Impresyonista ay nagbigay ng malaking pansin sa kulay, sa panimula ay tinatanggihan ang mga madilim na lilim, lalo na ang itim. Ang gayong pansin sa kulay ng kanilang trabaho ay nagdala ng kulay mismo sa isang napakahalagang lugar sa larawan at nag-udyok sa mga susunod na henerasyon ng mga artista at taga-disenyo na maging matulungin sa kulay.

Komposisyon

Ang komposisyon ng mga Impresyonista ay kahawig ng pagpipinta ng Hapon, ang mga kumplikadong mga scheme ng komposisyon ay ginamit, iba pang mga canon (hindi gintong ratio o sentro). Sa pangkalahatan, ang istraktura ng larawan ay naging mas madalas na walang simetriko, mas kumplikado at kawili-wili mula sa puntong ito ng view.

Ang komposisyon ng mga Impresyonista ay nagsimulang magkaroon ng isang mas independiyenteng kahulugan, ito ay naging isa sa mga paksa ng pagpipinta, sa kaibahan sa klasikal, kung saan mas madalas (ngunit hindi palaging) dinadala ang papel ng isang pamamaraan ayon sa kung saan ang anumang gawain ay binuo. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naging malinaw na ito ay isang patay na dulo, at ang komposisyon mismo ay maaaring magdala ng ilang mga emosyon at suportahan ang balangkas ng larawan.

Mga nangunguna

El Greco - dahil gumamit siya ng mga katulad na pamamaraan sa paglalagay ng pintura at nakakuha ng kulay mula sa kanya simbolikong kahulugan. Nakilala rin niya ang kanyang sarili sa isang napaka orihinal na paraan, sariling katangian, na hinangad din ng mga Impresyonista.

Pag-ukit ng Hapon - dahil nakakuha ito ng mahusay na katanyagan sa Europa ng mga taong iyon at ipinakita na ang isang larawan ay maaaring itayo ayon sa ganap na magkakaibang mga patakaran kaysa sa mga klasikal na canon ng sining ng Europa. Nalalapat ito sa komposisyon, paggamit ng kulay, pagdedetalye, at iba pa. Gayundin, sa Japanese at sa pangkalahatan ay oriental na mga guhit at ukit, ang mga pang-araw-araw na eksena ay inilalarawan nang mas madalas, na halos wala sa sining ng Europa.

Ibig sabihin

Ang mga Impresyonista ay nag-iwan ng maliwanag na marka sa sining ng daigdig, pagbuo ng mga natatanging pamamaraan sa pagsulat at pagkakaroon ng malaking epekto sa lahat ng kasunod na henerasyon ng mga artista sa kanilang matingkad at di malilimutang mga gawa, protesta laban sa klasikal na paaralan at natatanging gawa na may kulay. Nagsusumikap para sa maximum na kamadalian at katumpakan sa paglipat ng nakikitang mundo, nagsimula silang magpinta pangunahin sa open air at itinaas ang kahalagahan ng isang sketch mula sa kalikasan, na halos pumalit sa tradisyonal na uri ng pagpipinta, maingat at dahan-dahang nilikha sa studio.

Patuloy na nilinaw ang kanilang palette, pinalaya ng mga Impresyonista ang pagpipinta mula sa makalupang at kayumanggi na barnis at mga pintura. Ang kondisyon, "museum" na kadiliman sa kanilang mga canvases ay nagbibigay daan sa isang walang katapusang magkakaibang paglalaro ng mga reflexes at may kulay na mga anino. Hindi nila masusukat na pinalawak ang mga posibilidad ng pinong sining, na inilalantad hindi lamang ang mundo ng araw, liwanag at hangin, kundi pati na rin ang kagandahan ng mga fog ng London, ang hindi mapakali na kapaligiran ng buhay ng isang malaking lungsod, ang pagkalat ng mga ilaw sa gabi nito at ang ritmo. ng walang tigil na paggalaw.

Dahil sa mismong paraan ng pagtatrabaho sa open air, ang tanawin, kabilang ang urban landscape na kanilang natuklasan, ay sumakop sa isang napakahalagang lugar sa sining ng mga Impresyonista. Gayunpaman, hindi dapat ipagpalagay na ang kanilang pagpipinta ay nailalarawan lamang ng isang "landscape" na pang-unawa sa katotohanan, kung saan sila ay madalas na sinisiraan. Medyo malawak ang thematic at plot range ng kanilang trabaho. Ang interes sa tao, at sa partikular sa modernong buhay ng France, ay likas sa isang bilang ng mga kinatawan ng kalakaran na ito sa isang malawak na kahulugan. Ang kanyang nagpapatibay sa buhay, karaniwang demokratikong kalunos-lunos ay malinaw na sumasalungat sa burges na kaayusan sa daigdig.

Kasabay nito, ang impresyonismo at, gaya ng makikita natin mamaya, ang post-impressionism ay dalawang panig, o sa halip, dalawang magkasunod na yugto ng panahon ng pangunahing pagbabagong iyon na nagmarka ng hangganan sa pagitan ng sining ng moderno at modernong panahon. Sa ganitong kahulugan, ang impresyonismo, sa isang banda, ay nakumpleto ang pag-unlad ng lahat pagkatapos ng Renaissance art, ang nangungunang prinsipyo kung saan ay ang pagmuni-muni ng nakapaligid na mundo sa mga visual na maaasahang anyo ng katotohanan mismo, at sa kabilang banda, ito ay ang simula ng pinakamalaking kaguluhan sa kasaysayan ng fine art pagkatapos ng Renaissance, na naglatag ng mga pundasyon para sa isang qualitatively bagong sining. yugto -

sining ng ikadalawampu siglo.

"Isang bagong mundo ang isinilang nang ipininta ito ng mga Impresyonista"

Henri Kahnweiler

XIX na siglo. France. Ang hindi akalain na nangyari sa pagpipinta. Isang grupo ng mga batang artista ang nagpasya na iwaksi ang 500 taong gulang na tradisyon. Sa halip na malinaw na pagguhit, gumamit sila ng malawak na "sloppy" na brushstroke.

At ganap nilang inabandona ang karaniwang mga imahe, na naglalarawan sa lahat ng magkakasunod. At mga kababaihan ng madaling kabutihan, at mga ginoo ng kahina-hinalang reputasyon.

Ang publiko ay hindi handa para sa pagpipinta ng Impresyonista. Pinagtatawanan at pinagalitan sila. At higit sa lahat, wala silang binili sa kanila.

Ngunit nasira ang paglaban. At ang ilang mga Impresyonista ay nabuhay upang makita ang kanilang tagumpay. Totoo, mahigit 40 na sila. Gaya ni Claude Monet o Auguste Renoir. Ang iba ay naghintay ng pagkilala lamang sa dulo ng kanilang buhay, tulad ni Camille Pissarro. Isang tao ang hindi tumupad dito, tulad ni Alfred Sisley.

Anong rebolusyonaryo ang ginawa ng bawat isa sa kanila? Bakit hindi sila tinanggap ng publiko nang matagal? Narito ang 7 sa pinakasikat na French Impressionist sa mundo.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edward Mane. Self portrait na may palette. 1878 Pribadong koleksyon

Si Manet ay mas matanda kaysa sa karamihan ng mga Impresyonista. Siya ang kanilang pangunahing inspirasyon.

Si Manet mismo ay hindi nag-claim na siya ang pinuno ng mga rebolusyonaryo. Siya ay isang tao ng mundo. Nangangarap ng mga opisyal na parangal.

Ngunit naghintay siya ng napakatagal na panahon para makilala. Nais makita ng publiko mga diyosang Griyego or still lifes at worst, para magmukhang maganda sa dining room. Nais magsulat si Manet modernong buhay. Halimbawa, courtesans.

Ang resulta ay "Almusal sa Grass". Dalawang dandies ay nakakarelaks sa kumpanya ng mga kababaihan ng madaling birtud. Ang isa sa kanila, na parang walang nangyari, ay nakaupo sa tabi ng mga nakabihis na lalaki.

Edward Mane. Almusal sa damuhan. 1863, Paris

Ikumpara ang kanyang "Breakfast on the Grass" sa "Romans in the Decline" ni Thomas Couture. Nag-splash ang painting ni Couture. Agad na sumikat ang artista.

Inakusahan ng kahalayan ang "Breakfast on the Grass". Ang mga buntis na kababaihan ay ganap na hindi inirerekomenda na tumingin sa kanya.

Thomas Couture. Ang mga Romano ay bumababa. 1847 Musée d'Orsay, Paris. artchive.ru

Sa pagpipinta ni Couture, makikita natin ang lahat ng katangian ng akademya (tradisyonal na pagpipinta noong ika-16-19 na siglo). Mga haligi at estatwa. Mga taong Apollonian. Mga tradisyonal na naka-mute na kulay. Ang mannerism ng postura at kilos. Isang balangkas mula sa isang malayong buhay ng isang ganap na magkakaibang mga tao.

Ang "Breakfast on the Grass" ni Manet ay ibang format. Bago sa kanya, walang nag-portray ng mga courtesan na ganoon kadali. Malapit sa mga kagalang-galang na mamamayan. Bagaman maraming mga lalaki noong panahong iyon ang gumugol ng kanilang oras sa paglilibang sa ganitong paraan. Ito ay totoong buhay totoong tao.

Minsan ay naglarawan siya ng isang kagalang-galang na babae. Pangit. Hindi niya ito kayang purihin gamit ang isang brush. Nabigo ang ginang. Iniwan siya nitong luhaan.

Edward Mane. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org

Kaya nagpatuloy siya sa pag-eksperimento. Halimbawa, may kulay. Hindi niya sinubukang ilarawan ang tinatawag na natural na kulay. Kung nakita niya ang kulay abong-kayumanggi na tubig bilang maliwanag na asul, pagkatapos ay itinatanghal niya ito bilang maliwanag na asul.

Ito, siyempre, ay nakakainis sa publiko. "Kung tutuusin, kahit na ang Dagat Mediteraneo ay hindi maaaring magyabang ng isang asul na gaya ng tubig sa Manet," sabi nila.

Edward Mane. Argenteuil. 1874 Museo ng Fine Arts, Tournai, Belgium. wikipedia.org

Ngunit ang katotohanan ay nananatili. Sa panimula binago ni Manet ang layunin ng pagpipinta. Ang larawan ay naging sagisag ng sariling katangian ng artist, na nagsusulat ayon sa gusto niya. Kalimutan ang tungkol sa mga pattern at tradisyon.

Hindi siya pinatawad ng mga inobasyon sa mahabang panahon. Ang pagkilala ay naghihintay lamang sa katapusan ng buhay. Ngunit hindi na niya ito kailangan. Siya ay naghihirap na namamatay mula sa isang sakit na walang lunas.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Self-portrait sa isang beret. 1886 Pribadong koleksyon

Si Claude Monet ay maaaring tawaging isang impresyonista sa aklat-aralin. Dahil siya ay tapat sa direksyon na ito lahat ng kanyang mahabang buhay.

Hindi siya nagpinta ng mga bagay at tao, ngunit isang solong kulay na pagtatayo ng mga highlight at spot. Paghiwalayin ang mga stroke. Nanginginig ang hangin.

Claude Monet. Paddle pool. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org

Ipininta ni Monet hindi lamang ang kalikasan. Magaling din siya sa mga urban landscape. Isa sa pinakasikat -.

Maraming photography sa painting na ito. Halimbawa, ang paggalaw ay inihahatid gamit ang malabong imahe.

Bigyang-pansin: ang malayong mga puno at mga pigura ay tila nasa isang manipis na ulap.

Claude Monet. Boulevard des Capucines sa Paris. 1873 (Gallery of European and American Art of the 19th-20th century), Moscow

Sa harap natin ay isang tumigil na sandali ng mataong buhay ng Paris. Walang pagtatanghal. Walang nagpo-pose. Ang mga tao ay inilalarawan bilang isang koleksyon ng mga stroke. Ang ganitong kawalan ng plot at ang epekto ng "freeze frame" ay ang pangunahing tampok ng impresyonismo.

Noong kalagitnaan ng dekada 1980, ang mga artista ay naging disillusioned sa Impresyonismo. Ang aesthetics ay, siyempre, mabuti. Ngunit ang walang pakana ng maraming inaapi.

Si Monet lang ang nagpatuloy, pinalabis ang impresyonismo. Nabuo ito sa isang serye ng mga pagpipinta.

Dose-dosenang beses niyang inilarawan ang parehong tanawin. Sa iba't ibang oras ng araw. AT magkaibang panahon ng taon. Upang ipakita kung gaano karaming temperatura at liwanag ang maaaring magbago sa parehong view na hindi nakikilala.

Kaya mayroong hindi mabilang na mga haystacks.

Mga painting ni Claude Monet sa Museum of Fine Arts, Boston. Kaliwa: Haystack sa paglubog ng araw sa Giverny, 1891 Kanan: Haystack (snow effect), 1891

Mangyaring tandaan na ang mga anino sa mga kuwadro na ito ay may kulay. At hindi kulay abo o itim, gaya ng nakaugalian bago ang mga Impresyonista. Ito ay isa pa sa kanilang mga imbensyon.

Nakuha ni Monet ang tagumpay at materyal na kagalingan. After 40, nakalimutan na niya ang kahirapan. May bahay at magandang hardin. At ginawa niya ito para sa kanyang kasiyahan sa maraming taon na darating.

Basahin ang tungkol sa pinaka-iconic na pagpipinta ng master sa artikulo

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Self-portrait. 1875 Sterling at Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

Ang impresyonismo ay ang pinakapositibong pagpipinta. At ang pinaka-positibo sa mga Impresyonista ay si Renoir.

Wala kang makikitang drama sa kanyang mga painting. Hindi man lang siya gumamit ng itim na pintura. Tanging ang kagalakan ng pagiging. Kahit na ang pinaka-banal na Renoir ay mukhang maganda.

Hindi tulad ng Monet, mas madalas na nagpinta ng mga tao si Renoir. Hindi gaanong mahalaga ang mga tanawin para sa kanya. Sa mga pagpipinta, ang kanyang mga kaibigan at kakilala ay nagpapahinga at nag-e-enjoy sa buhay.

Pierre-Auguste Renoir. Almusal ng mga Rower. 1880-1881 Phillips Collection, Washington, USA. wikimedia.commons.org

Hindi mo makikita sa Renoir at pagiging maalalahanin. Tuwang-tuwa siyang sumali sa mga Impresyonista, na ganap na tumanggi sa mga paksa.

Tulad ng sinabi niya mismo, sa wakas ay mayroon siyang pagkakataon na magpinta ng mga bulaklak at tawagin ang mga ito ng simpleng "Bulaklak". At huwag gumawa ng anumang kwento tungkol sa kanila.

Pierre-Auguste Renoir. Babaeng may payong sa hardin. 1875 Museo ng Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Pinakamainam ang pakiramdam ni Renoir sa piling ng mga babae. Hiniling niya sa kanyang mga kasambahay na kumanta at magbiro. Kung mas bobo at walang muwang ang kanta, mas mabuti para sa kanya. Pinagod siya ng daldal ng isang lalaki. Hindi nakakagulat na ang Renoir ay kilala sa mga hubad na pagpipinta.

Ang modelo sa painting na "Nude in Sunlight" ay tila lumilitaw sa isang makulay na abstract na background. Dahil para kay Renoir ay walang pangalawa. Ang mata ng modelo o ang lugar ng background ay katumbas.

Pierre-Auguste Renoir. Hubad sa sikat ng araw. 1876 ​​Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org

Si Renoir ay nabuhay ng mahabang buhay. At hindi kailanman ilagay ang brush at palette. Kahit na ang kanyang mga kamay ay ganap na nakagapos ng rayuma, itinali niya ang brush sa kanyang braso gamit ang isang lubid. At nagpinta siya.

Tulad ni Monet, naghintay siya ng pagkilala pagkatapos ng 40 taon. At nakita ko ang aking mga kuwadro na gawa sa Louvre, sa tabi ng mga gawa ng mga sikat na masters.

Basahin ang tungkol sa isa sa mga pinakakaakit-akit na larawan ng Renoir sa artikulo

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Self-portrait. 1863 Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon, Portugal. kultura.com

Si Degas ay hindi isang klasikal na impresyonista. Hindi niya gustong magtrabaho sa open air (sa labas). Hindi ka makakahanap ng isang sadyang maliwanag na palette sa kanya.

Sa kabaligtaran, mahal niya ang isang malinaw na linya. Marami siyang itim. At eksklusibo siyang nagtrabaho sa studio.

Ngunit siya pa rin ay palaging inilalagay sa isang par sa iba pang mahusay na impresyonista. Dahil isa siyang impresyonista ng kilos.

Hindi inaasahang mga anggulo. Asymmetry sa pag-aayos ng mga bagay. Nahuli ang mga karakter. Narito ang mga pangunahing katangian ng kanyang mga kuwadro na gawa.

Itinigil niya ang mga sandali ng buhay, hindi pinahintulutan ang mga karakter na mamulat sa kanilang katinuan. Tingnan mo man lang ang kanyang "Opera Orchestra".

Edgar Degas. Opera Orchestra. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org

Sa harapan ay ang likod ng isang upuan. Nakatalikod sa amin ang musikero. At sa background ang mga ballerina sa entablado ay hindi magkasya sa "frame". Ang kanilang mga ulo ay walang awang "pinutol" sa gilid ng pagpipinta.

Kaya't ang mga mananayaw na minahal niya ay malayo sa palaging inilalarawan magagandang pose. Minsan bumabanat lang sila.

Ngunit ang ganitong improvisasyon ay haka-haka lamang. Siyempre, pinag-isipang mabuti ni Degas ang komposisyon. Isa lang itong freeze frame effect, hindi totoong freeze frame.

Edgar Degas. Dalawang ballet dancer. 1879 Shelbourne Museum, Wermouth, USA

Mahilig magpinta ng mga babae si Edgar Degas. Ngunit ang sakit o ang mga katangian ng katawan ay hindi nagpapahintulot sa kanya na magkaroon ng pisikal na pakikipag-ugnayan sa kanila. Hindi siya nagpakasal. Walang nakakita sa kanya na may kasamang babae.

Ang kawalan ng mga totoong plot sa kanyang personal na buhay ay nagdagdag ng banayad at matinding erotismo sa kanyang mga imahe.

Edgar Degas. Ballet star. 1876-1878 Musee d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org

Mangyaring tandaan na sa larawang "Ballet Star" lamang ang ballerina mismo ang iginuhit. Ang kanyang mga kasamahan sa backstage ay halos hindi makilala. Ilang paa lang.

Hindi ito nangangahulugan na hindi natapos ni Degas ang larawan. Ganyan ang pagtanggap. Panatilihin lamang ang pinakamahalagang bagay na nakatutok. Gawing mawala ang iba, hindi mabasa.

Basahin ang tungkol sa iba pang mga pagpipinta ng master sa artikulo.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edward Mane. Larawan ni Berthe Morisot. 1873 Marmottan Monet Museum, Paris.

Si Bertha Morisot ay bihirang ilagay sa unahan ng mga dakilang Impresyonista. I'm sure undeserved yun. Sa kanya lamang makikita mo ang lahat ng mga pangunahing tampok at pamamaraan ng impresyonismo. At kung gusto mo ang istilong ito, mamahalin mo ang kanyang trabaho nang buong puso.

Mabilis at mapusok si Morisot, na inilipat ang kanyang impresyon sa canvas. Ang mga figure ay tila malapit nang matunaw sa kalawakan.

Berthe Morisot. Tag-init. 1880 Fabre Museum, Montpellier, France.

Tulad ni Degas, madalas niyang iniwan ang ilang detalye na hindi natapos. At maging ang mga bahagi ng katawan ng modelo. Hindi namin makilala ang mga kamay ng batang babae sa pagpipinta na "Summer".

Ang landas ni Morisot sa pagpapahayag ng sarili ay mahirap. Hindi lamang siya nakikibahagi sa "sloppy" na pagpipinta. Babae pa rin siya. Noong mga panahong iyon, ang isang babae ay dapat na nangangarap ng kasal. Pagkatapos nito, ang anumang libangan ay nakalimutan.

Samakatuwid, tinanggihan ni Bertha ang kasal sa loob ng mahabang panahon. Hanggang sa nakahanap siya ng lalaking gumagalang sa kanyang hanapbuhay. Si Eugene Manet ay kapatid ng pintor na si Edouard Manet. Masunurin siyang nagdala ng easel at mga pintura para sa kanyang asawa.

Berthe Morisot. Eugene Manet kasama ang kanyang anak na babae sa Bougival. 1881 Marmottan Monet Museum, Paris.

Ngunit ito ay nasa ika-19 na siglo pa rin. Hindi, hindi nagsuot ng pantalon si Morisot. Ngunit hindi niya kayang bayaran ang ganap na kalayaan sa paggalaw.

Hindi siya maaaring pumunta sa parke upang magtrabaho nang mag-isa, nang hindi kasama ng isang taong malapit sa kanya. Hindi ko kayang umupo mag-isa sa isang cafe. Samakatuwid, ang kanyang mga pagpipinta ay mga tao mula sa bilog ng pamilya. Asawa, anak, kamag-anak, yaya.

Berthe Morisot. Isang babaeng may anak sa isang hardin sa Bougival. 1881 Pambansang Museo ng Wales, Cardiff.

Hindi na hinintay ni Morisot ang pagkilala. Namatay siya sa edad na 54 mula sa pulmonya, na halos wala sa kanyang trabaho ang naibenta sa kanyang buhay. Sa kanyang death certificate, may gitling sa column na "occupation". Hindi akalain na matawag na artista ang isang babae. Kahit na siya talaga.

Basahin ang tungkol sa mga pagpipinta ng master sa artikulo

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Self-portrait. 1873 Musée d'Orsay, Paris. wikipedia.org

Camille Pissarro. Non-confrontational, makatwiran. Marami ang nagtuturing sa kanya bilang isang guro. Kahit na ang pinaka-masungit na mga kasamahan ay hindi nagsasalita ng masama tungkol kay Pissarro.

Siya ay isang tapat na tagasunod ng impresyonismo. Sa matinding pangangailangan, may asawa at limang anak, nagsumikap pa rin siya sa paborito niyang istilo. At hindi na lumipat sa pagpipinta ng salon para maging mas sikat. Hindi alam kung saan siya nakakuha ng lakas para lubos na maniwala sa sarili.

Upang hindi mamatay sa gutom, pininturahan ni Pissarro ang mga tagahanga, na sabik na nabili. At ang tunay na pagkilala ay dumating sa kanya pagkatapos ng 60 taon! Pagkatapos ay sa wakas ay nagawa niyang kalimutan ang tungkol sa pangangailangan.

Camille Pissarro. Stagecoach sa Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paris

Makapal at siksik ang hangin sa mga painting ni Pissarro. Hindi pangkaraniwang pagsasanib ng kulay at dami.

Ang artist ay hindi natakot na ipinta ang pinaka-nababagong phenomena ng kalikasan, na lumilitaw sa isang sandali at nawala. Unang niyebe, nagyeyelong araw, mahabang anino.

Mayroong isang opinyon na ang pagpipinta sa impresyonismo ay hindi sumasakop sa isang mahalagang lugar. Ngunit ang impresyonismo sa pagpipinta ay kabaligtaran. Ang pahayag ay napaka-kabalintunaan at kontradiksyon. Ngunit ito ay sa una lamang, mababaw na sulyap.

Marahil, na sa lahat ng millennia ng pag-iral sa arsenal ng sangkatauhan ng masining na sining, wala nang bago, rebolusyonaryo ang lumitaw. Ang impresyonismo ay nasa anumang modernong art canvas. Malinaw itong makikita pareho sa mga frame ng pelikula ng sikat na master, at kabilang sa pagtakpan ng magazine ng mga kababaihan. Pinasok niya ang musika at mga libro. Ngunit noong unang panahon ay iba ang lahat.

Pinagmulan ng Impresyonismo

Noong 1901, sa Pransya, sa kweba ng Combarel, hindi sinasadyang natuklasan ang mga kuwadro na bato, na ang pinakabata ay 15,000 taong gulang. At ito ang unang impresyonismo sa pagpipinta. Dahil hindi itinakda ng primitive artist na basahin ang moralidad sa manonood. Pasimple niyang ipininta ang buhay na nakapaligid sa kanya.

At pagkatapos ang pamamaraang ito ay nakalimutan sa loob ng maraming, maraming taon. Ang sangkatauhan ay nag-imbento ng iba At ang paglipat ng mga damdamin sa pamamagitan ng visual na pamamaraan ay tumigil na maging pangkasalukuyan para sa kanya.

Sa ilang mga paraan, ang mga sinaunang Romano ay malapit sa impresyonismo. Ngunit bahagi ng kanilang pagsisikap ay natatakpan ng abo. At kung saan hindi naabot ni Vesuvius, dumating ang mga barbaro.

Ang pagpipinta ay napanatili, ngunit nagsimulang ilarawan ang mga teksto, mensahe, mensahe, kaalaman. Siya ay tumigil sa pagiging isang pakiramdam. Naging parabula, paliwanag, kwento. Tingnan ang tapiserya mula sa Bayeux. Siya ay kahanga-hanga at hindi mabibili. Ngunit hindi ito isang larawan. Ito ay pitumpung metro ng linen na komiks.

Pagpipinta sa impresyonismo: ang simula

Mabagal at marilag na binuo ang pagpipinta sa mundo sa loob ng libu-libong taon. Lumitaw ang mga bagong kulay at diskarte. Natutunan ng mga artista ang kahalagahan ng pananaw at ang kapangyarihan ng isang makulay na mensaheng iginuhit ng kamay sa isipan ng tao. Ang pagpipinta ay naging isang akademikong agham at nakuha ang lahat ng mga tampok ng monumental na sining. Siya ay naging clumsy, prim at moderately bongga. Kasabay nito, pino at hindi natitinag, tulad ng isang canonical relihiyosong postulate.

Ang mga talinghaga sa relihiyon, panitikan, mga eksena sa genre na itinanghal ay nagsilbing pinagmulan ng mga plot para sa mga pagpipinta. Ang mga stroke ay maliit at hindi mahalata. Ang glazing ay ipinakilala sa ranggo ng dogma. At ang sining ng pagguhit sa nakikinita na hinaharap ay nangako na mag-ossify tulad ng isang primeval na kagubatan.

Nagbabago ang buhay, mabilis na umuunlad ang teknolohiya, at ang mga artista lamang ang nagpatuloy sa paggawa ng mga prim portrait at makinis na sketch ng mga country park. Ang kalagayang ito ay hindi nababagay sa lahat. Ngunit ang pagkawalang-kilos ng kamalayan ng lipunan ay napagtagumpayan ng kahirapan sa lahat ng oras.

Gayunpaman, ang ika-19 na siglo ay nasa bakuran na, na matagal nang lumipas sa ikalawang kalahati nito. Ang mga prosesong panlipunan na dating tumatagal ng maraming siglo ay naganap na ngayon sa harap ng mga mata ng isang henerasyon. Mabilis na umunlad ang industriya, medisina, ekonomiya, panitikan, at lipunan mismo. Noon ang pagpipinta ay nagpakita ng sarili sa impresyonismo.

Maligayang kaarawan! Impresyonismo sa pagpipinta: mga kuwadro na gawa

Ang impresyonismo sa pagpipinta, tulad ng mga pagpipinta, ay may eksaktong petsa ng kapanganakan nito - 1863. At ang kanyang kapanganakan ay hindi walang mga kuryusidad.

Ang sentro ng sining ng mundo noon, siyempre, ay ang Paris. Taun-taon itong nagho-host ng malalaking Parisian salon - mga eksibisyon sa mundo at pagbebenta ng mga painting. Ang hurado, na pumili ng mga gawa para sa mga salon, ay nabaon sa mga maliliit na panloob na intriga, walang kwentang pag-aaway at matigas ang ulo na nakatuon sa mga senile na panlasa ng mga akademya noon. Bilang resulta, ang mga bago, maliliwanag na artista, na ang talento ay hindi tumutugma sa ossified academic dogmas, ay hindi nakarating sa eksibisyon sa salon. Sa panahon ng pagpili ng mga kalahok sa eksibisyon noong 1863, higit sa 60% ng mga aplikasyon ang tinanggihan. Ito ay libu-libong pintor. Isang iskandalo ang namumuo.

Emperor-gallery

At sumiklab ang iskandalo. Ang kawalan ng kakayahan na magpakita ay pinagkaitan ng malaking bilang ng mga artista ng kanilang kabuhayan at pag-access sa pangkalahatang publiko. Kabilang sa mga ito ang mga pangalan na kilala na ngayon sa buong mundo: Monet at Manet, Renoir at Pizarro.

Malinaw na hindi ito nababagay sa kanila. At nagkaroon ng malaking buzz sa press. Umabot sa punto na noong Abril 22, 1863, binisita ni Napoleon III ang Paris Salon at, bilang karagdagan sa paglalahad, sinasadyang suriin ang ilan sa mga tinanggihang gawa. At wala akong nakitang kapintasan sa kanila. At ginawa pa ang pahayag na ito sa press. Iyon ang dahilan kung bakit, kasabay ng mahusay na Paris Salon, isang alternatibong eksibisyon ng mga pagpipinta na may mga gawa na tinanggihan ng hurado ng salon ay binuksan. Napunta ito sa kasaysayan sa ilalim ng pangalang "Exhibition of Outcasts".

Kaya, ang Abril 22, 1863 ay maaaring ituring na kaarawan ng lahat ng modernong sining. Sining na naging malaya sa panitikan, musika at relihiyon. Bukod dito, ang pagpipinta mismo ay nagsimulang magdikta sa mga tuntunin nito sa mga manunulat at kompositor, sa unang pagkakataon na mapupuksa ang mga subordinate na tungkulin.

Mga kinatawan ng impresyonismo

Kapag pinag-uusapan natin ang tungkol sa impresyonismo, una sa lahat ang ibig sabihin ay impresyonismo sa pagpipinta. Ang mga kinatawan nito ay marami at multifaceted. Sapat na pangalanan ang pinakasikat: Degas, Renouan, Pizarro, Cezanne, Morisot, Lepic, Legros, Gauguin, Renoir, Thilo, Forrain at marami, marami pang iba. Sa unang pagkakataon, itinakda ng mga Impresyonista ang gawain ng pagkuha hindi lamang ng isang static na larawan mula sa buhay, ngunit pag-agaw ng isang pakiramdam, isang damdamin, isang panloob na karanasan. Ito ay isang instant cut, isang high-speed na larawan ng panloob na mundo, ang emosyonal na mundo.

Kaya't ang mga bagong contrast at kulay, hanggang ngayon ay hindi ginagamit sa pagpipinta. Kaya't ang malaki, matapang na mga stroke at ang patuloy na paghahanap para sa mga bagong anyo. Walang dating linaw at kislap. Malabo at panandalian ang larawan, parang mood ng isang tao. Hindi ito kasaysayan. Ito ang mga damdamin nakikita ng mata. Tingnan mo sila. Medyo naputol silang lahat sa kalagitnaan ng pangungusap, medyo panandalian. Hindi ito mga painting. Ito ay mga sketch na dinala sa mapanlikhang pagiging perpekto.

Ang paglitaw ng post-impressionism

Ito ay ang pagnanais na magdala ng isang pakiramdam sa unahan, at hindi isang frozen na temporal na fragment, na rebolusyonaryo at makabagong para sa oras na iyon. At pagkatapos ay mayroon lamang isang hakbang na natitira sa post-impressionism - isang trend ng sining na dinala sa unahan hindi damdamin, ngunit pattern. Mas tiyak, ang paglipat ng artist ng kanyang panloob, personal na katotohanan. Ito ay isang pagtatangka na sabihin hindi ang tungkol sa labas ng mundo, ngunit tungkol sa panloob, sa pamamagitan ng paraan na nakikita ng artist ang mundo. pang-unawa.

Ang impresyonismo at post-impresyonismo sa pagpipinta ay napakalapit. At ang dibisyon mismo ay napaka kondisyon. Ang parehong mga alon ay malapit sa oras, at ang mga may-akda mismo, kadalasang pareho, bilang isang panuntunan, ay malayang lumipat mula sa isang estilo patungo sa isa pa.

At gayon pa man. Tingnan ang gawain ng mga Impresyonista. Medyo hindi natural na mga kulay. Isang mundo na pamilyar sa amin, ngunit sa parehong oras ay isang maliit na kathang-isip. Ito ay kung paano ito nakita ng artista. Hindi niya tayo binibigyan ng kalikasang kontemporaryo sa kanya. Inihahayag lang niya ng kaunti ang kanyang kaluluwa para sa amin. Ang kaluluwa nina Bonnard at Toulouse-Lautrec, Van Gogh at Denis, Gauguin at Seurat.

Impresyonismo ng Russia

Ang karanasan ng impresyonismo, na nakakuha ng buong mundo, ay hindi rin iniwan ang Russia. Samantala, sa ating bansa, sanay sa mas nasusukat na buhay, hindi nauunawaan ang pagmamadali at adhikain ng Paris, hindi maalis ng impresyonismo ang akademiko. Siya ay tulad ng isang ibon na lumipad sa pag-alis, ngunit nagyelo sa kalagitnaan ng langit.

Ang impresyonismo sa pagpipinta ng Russia ay hindi nakatanggap ng dynamism ng French brush. Sa kabilang banda, nakakuha siya ng isang bihis na semantiko na nangingibabaw, na ginawa siyang isang maliwanag, medyo nakahiwalay na kababalaghan sa sining ng mundo.

Ang impresyonismo ay isang pakiramdam na ipinahayag sa anyo ng isang pagpipinta. Hindi siya nagtuturo, hindi humihingi. Angkinin niya.

Ang impresyonismo ay nagsilbing panimulang punto para sa Art Nouveau at expressionism, constructivism at avant-garde. Ang lahat ng modernong sining, sa katunayan, ay nagsimula sa ulat nito noong Abril 20, 1863. Ang impresyonistang pagpipinta ay isang sining na ipinanganak sa Paris.

Impresyonismo (mula sa Pranses " impresyon"- impression) ay isang trend sa sining (panitikan, pagpipinta, arkitektura), lumitaw ito sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo sa France at mabilis na naging laganap sa ibang mga bansa sa mundo. Ang mga tagasunod ng bagong direksyon, na naniniwala na ang akademiko, tradisyonal na mga diskarte, halimbawa, sa pagpipinta o arkitektura, ay hindi maaaring ganap na maihatid ang kabuuan at pinakamaliit na mga detalye ng mundo sa kanilang paligid, lumipat sa paggamit ng ganap na bagong mga diskarte at pamamaraan, una sa lahat sa pagpipinta, pagkatapos ay sa panitikan at musika. Ginawa nilang posible na ilarawan ang lahat ng kadaliang mapakilos at pagkakaiba-iba ng totoong mundo nang mas malinaw at natural sa pamamagitan ng hindi pagpapakita ng photographic na hitsura nito, ngunit sa pamamagitan ng prisma ng mga impresyon at emosyon ng mga may-akda tungkol sa kanilang nakita.

Ang may-akda ng terminong "impressionism" ay itinuturing na Pranses na kritiko at mamamahayag na si Louis Leroy, na, sa ilalim ng impresyon ng pagbisita sa eksibisyon ng isang pangkat ng mga batang artista na "Salon of the Outcasts" noong 1874 sa Paris, tinawag silang mga impresyonista sa ang kanyang feuilleton, isang uri ng "impressionists", at ang pahayag na ito ay medyo dismissive at ironic na kalikasan. Ang batayan para sa pangalan ng terminong ito ay ang pagpipinta ni Claude Monet na nakita ng kritiko na "Impression. Sumisikat na araw". At kahit na sa una ay marami sa mga kuwadro na gawa sa eksibisyon na ito ay mahigpit na pinuna at tinanggihan, nang maglaon ang direksyon na ito ay tumanggap ng mas malawak na pagkilala mula sa publiko at naging tanyag sa buong mundo.

Impresyonismo sa pagpipinta

(Claude Monet "Mga Bangka sa Beach")

Ang bagong istilo, paraan at pamamaraan ng paglalarawan ay hindi naimbento ng mga French Impressionist artist mula sa simula, ito ay batay sa karanasan at mga nagawa ng mga artista ng mga pinaka mahuhusay na pintor ng Renaissance: Rubens, Velasquez, El Greco, Goya. Mula sa kanila, kinuha ng mga Impresyonista ang mga pamamaraan ng mas maliwanag at mas malinaw na paghahatid ng mundo sa kanilang paligid o ang pagpapahayag ng mga kondisyon ng panahon bilang paggamit ng mga intermediate na tono, ang paggamit ng maliwanag o kabaligtaran na pamamaraan ng mapurol na mga stroke, malaki o maliit, na nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging abstract. Ang mga sumusunod sa bagong direksyon sa pagpipinta ay maaaring ganap na inabandona ang tradisyonal na akademikong paraan ng pagguhit, o ganap na muling ginawa ang mga pamamaraan at pamamaraan ng paglalarawan sa kanilang sariling paraan, na nagpapakilala ng mga pagbabago tulad ng:

  • Ang mga bagay, bagay o figure ay inilalarawan nang walang tabas, pinalitan ito ng maliliit at magkakaibang mga stroke;
  • Ang isang palette ay hindi ginamit para sa paghahalo ng mga kulay, ang mga kulay ay pinili na umakma sa bawat isa at hindi nangangailangan ng pagsasama. Minsan ang pintura ay pinipiga sa canvas nang direkta mula sa isang metal tube, na bumubuo ng isang dalisay, kumikinang na kulay na may epekto ng brushstroke;
  • Ang praktikal na kawalan ng itim;
  • Ang mga canvases ay halos ipininta sa bukas na hangin, mula sa buhay, upang mas malinaw at malinaw na ihatid ang kanilang mga damdamin at impresyon sa kanilang nakita;
  • Ang paggamit ng mga pintura na may mataas na kapangyarihan sa pagtakip;
  • Direktang paglalapat ng mga sariwang stroke sa basa pa rin na ibabaw ng canvas;
  • Paglikha ng mga siklo ng mga pagpipinta upang pag-aralan ang mga pagbabago sa liwanag at anino ("Haystacks" ni Claude Monet);
  • Kakulangan ng paglalarawan ng mga talamak na isyu sa lipunan, pilosopikal o relihiyon, makasaysayang o makabuluhang mga kaganapan. Ang mga gawa ng mga Impresyonista ay puno ng positibong emosyon, walang lugar para sa dilim at mabibigat na pag-iisip, mayroon lamang magaan, saya at kagandahan ng bawat sandali, katapatan ng damdamin at prangka ng damdamin.

(Edouard Manet "Pagbabasa")

At kahit na hindi lahat ng mga artista ng direksyong ito ay sumunod sa partikular na katumpakan sa pagganap ng lahat ng eksaktong mga tampok ng istilo ng impresyonismo (piniwesto ni Edouard Manet ang kanyang sarili bilang isang hiwalay na artista at hindi kailanman lumahok sa mga pinagsamang eksibisyon (mayroong 8 sa kabuuan mula 1874 hanggang 1886). Si Degas ay nagtrabaho lamang sa kanyang sariling pagawaan) hindi nito pinigilan ang mga ito sa paglikha ng mga obra maestra ng pinong sining, na pinananatili pa rin sa pinakamahusay na mga museo at pribadong koleksyon sa buong mundo.

Mga pintor ng Impresyonistang Ruso

Humanga sa mga malikhaing ideya ng mga French Impressionist, ang mga artistang Ruso sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo ay lumikha ng kanilang orihinal na mga obra maestra ng pinong sining, na kalaunan ay nakilala sa ilalim ng pangkalahatang pangalang "Russian Impressionism".

(V. A. Serov "Babaeng may mga milokoton")

Ang kanyang pinaka mga kilalang kinatawan ay itinuturing na Konstantin Korovin ("Portrait of a Chorus Girl", 1883, "Northern Idyll", 1886), Valentin Serov ("Open Window. Lilac", 1886, "Girl with Peaches", 1887), Arkhip Kuindzhi ("North" , 1879, "Dnepr sa umaga" 1881), Abram Arkhipov ("North Sea", "Landscape. Sketch na may log house"), "late" impressionist Igor Grabar ("Birch Alley", 1940, "Winter Landscape", 1954).

(Borisov-Musatov "Autumn Song")

Ang mga pamamaraan at paraan ng paglalarawan na likas sa impresyonismo ay naganap sa gawain ng mga kilalang artistang Ruso tulad ng Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus. Mga klasikal na canon impresyonismong Pranses sa mga pagpipinta ng mga artistang Ruso ay sumailalim sa ilang mga pagbabago, bilang isang resulta kung saan ang direksyon na ito ay nakakuha ng isang orihinal na pambansang pagtitiyak.

Mga dayuhang impresyonista

Ang isa sa mga unang gawa na ginawa sa istilo ng impresyonismo ay ang pagpipinta ni Edouard Manet na "Luncheon on the Grass", na ipinakita sa publiko noong 1860 sa Paris Salon of the Rejected, kung saan ang mga canvases na hindi pumasa sa pagpili ng Paris Salon of Arts ay maaaring lansagin. Ang larawan, na ipininta sa isang istilo na lubhang naiiba sa tradisyonal na paraan ng paglalarawan, ay nagdulot ng maraming pagpuna at nag-rally ng mga tagasunod ng bagong artistikong direksyon sa paligid ng artist.

(Edouard Manet "Sa Tavern ni Papa Lathuille")

Ang pinakasikat na mga impresyonistang artista ay kinabibilangan nina Edouard Manet ("Bar at the Folies Bergère", "Music at the Tuileries", "Breakfast on the Grass", "Papa Lathuille's", "Argenteuil"), Claude Monet ("Field of Poppies at Argenteuil ”, “Walk to the Cliff in Pourville”, “Women in the Garden”, “Lady with an Umbrella”, “Capuchin Boulevard”, isang serye ng mga gawa na “Water Lilies”, “Impression. Rising Sun”), Alfred Sisley ( “Country Avenue” , "Frost at Louveciennes", "Bridge at Argenteuil", "Early Snow at Louveciennes", "Lawns in Spring"), Pierre-Auguste Renoir ("Breakfast of the Rowers", "Ball at the Moulin de la Galette", "Sayaw sa Nayon", "Mga Payong", "Sayaw sa Bougival", "Mga Babae sa Piano"), Camille Pizarro ("Montmartre Boulevard sa Gabi", "Pag-aani sa Eragny", "Reapers Resting", " Hardin sa Pontoise", "Entrance sa Village of Voisin") , Edgar Degas (“Dance Class”, “Rehearsal”, “Concert at the Ambassador Cafe”, “Opera Orchestra”, “Dancers in Blue”, “Absinthe Drinkers” ), Georges Seurat ("Linggo", "Can-Can", "The Models") at iba pa.

(Paul Cezanne "Pierrot at Harlequin"")

Apat na artista noong dekada 90 ng ika-19 na siglo ay lumikha ng bagong direksyon sa sining batay sa impresyonismo at tinawag ang kanilang mga sarili na post-impressionist (Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Ang kanilang gawain ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglipat hindi ng mga panandaliang sensasyon at mga impresyon mula sa nakapaligid na mundo, ngunit sa pamamagitan ng kaalaman sa tunay na kakanyahan ng mga bagay, na nakatago sa ilalim ng kanilang panlabas na shell. Ang kanilang pinaka sikat na mga gawa: Pauls Gauguin ("Isang pilyong biro", "La Orana Maria", "Pakikibaka ni Jacob sa isang anghel", "Dilaw na Kristo"), Pauls Cezanne ("Pierrot at Harlequin", "Big Bathers", "Lady in Blue") , Vincent Van Gogh ( Starlight Night”, “Sunflowers”, “Irises”), Henri de Toulouse-Lautrec (“Laundress”, “Toilet”, “Learning to dance at the Moulin Rouge”).

Impresyonismo sa iskultura

(Auguste Rodin "Ang Nag-iisip")

Bilang isang hiwalay na kalakaran sa arkitektura, hindi nabuo ang impresyonismo; mahahanap mo ang mga indibidwal na tampok at palatandaan nito sa ilang mga komposisyon at monumento ng eskultura. Sculpture ang estilo na ito ay nagbibigay ng isang libreng plasticity ng malambot na mga form, lumikha sila ng isang kamangha-manghang pag-play ng liwanag sa ibabaw ng mga figure at nagbibigay ng isang tiyak na pakiramdam ng hindi kumpleto, sculptural character ay madalas na itinatanghal sa sandali ng paggalaw. upang gumana sa direksyong ito isama ang mga eskultura ng sikat na French sculptor na si Auguste Rodin (“The Kiss”, “The Thinker”, “The Poet and the Muse”, “Romeo and Juliet”, “ Walang hanggang tagsibol”), Italian artist at sculptor na si Medardo Rosso (mga figure na gawa sa clay at plaster na puno ng wax upang makamit ang isang natatanging light effect: "The Gatekeeper and Procurer", "Golden Age", "Motherhood"), Russian makinang na tipak Pavel Trubetskoy (tansong bust ni Leo Tolstoy, monumento Alexander III Sa Petersburg).