Paano naiiba ang impresyonismo ng Russia sa pagpipinta mula sa Pranses? Ang kahulugan ng salitang impresyonismo Ano ang mga impresyonistang artista.

Ang impresyonismo ay isang kilusan sa sining ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang lugar ng kapanganakan ng bagong direksyon ng pagpipinta ay France. Ang pagiging natural, mga bagong pamamaraan ng paghahatid ng katotohanan, ang mga ideya ng istilo ay nakaakit ng mga artista mula sa Europa at Amerika.

Ang impresyonismo ay nabuo sa pagpipinta, musika, panitikan, salamat sa mga sikat na masters - halimbawa, sina Claude Monet at Camille Pissarro. Mga masining na pamamaraan, ginagamit para sa pagpipinta, gawing nakikilala at orihinal ang mga canvases.

Impression

Ang terminong "impresyonismo" sa una ay may mapanghamak na konotasyon. Ginamit ng mga kritiko ang konseptong ito upang sumangguni sa pagkamalikhain ng mga kinatawan ng istilo. Ang konsepto ay unang lumitaw sa magazine na "Le Charivari" - sa isang feuilleton tungkol sa "Salon of the Rejected" "Exhibition of the Impressionists". Ang batayan ay ang gawa ni Claude Monet na “Impression. Sumisikat na araw" Unti-unti, nag-ugat ang termino sa mga pintor at nakakuha ng ibang konotasyon. Ang kakanyahan ng konsepto mismo ay walang tiyak na kahulugan o nilalaman. Pansinin ng mga mananaliksik na ang mga pamamaraan na ginamit ni Claude Monet at ng iba pang mga impresyonista ay naganap sa gawain nina Velazquez at Titian.

Ang impresyonismo ay unang umusbong sa France sa pagtatapos XIX na siglo. Bago ang paglitaw ng kilusang ito, ang mga still life, portrait at maging ang mga landscape ay pangunahing ipininta ng mga artist sa mga studio. Ang mga impresyonistang pagpipinta ay madalas na nilikha sa bukas na hangin, at ang kanilang mga paksa ay tunay na panandaliang mga eksena mula sa modernong buhay. At bagama't ang impresyonismo ay unang pinuna, hindi nagtagal ay nakaakit ito ng maraming tagasunod at nagpasimula ng mga katulad na paggalaw sa musika at panitikan.

Mga sikat na French Impressionist Artist

Hindi kataka-taka na ang impresyonismo sa pagpipinta ay naging isa sa mga pinakatanyag na uso sa pinong sining: ang mga artista na nagtrabaho sa istilong ito ay nag-iwan ng mga kamangha-manghang magagandang canvases, liwanag, tulad ng hininga ng sariwang hangin, puno ng liwanag at mga kulay. Marami sa mga magagandang gawa na ito ay isinulat ng mga sumusunod na masters ng impresyonismo, na alam ng bawat may paggalang sa sarili na connoisseur ng world painting.

Edouard Manet

Sa kabila ng katotohanan na ang buong gawa ni Edouard Manet ay hindi mailalagay lamang sa loob ng balangkas ng impresyonismo, ang pintor ay higit na nakaimpluwensya sa paglitaw ng ng kasalukuyang ito, at iba pa Mga artistang Pranses Itinuring ng mga nagtatrabaho sa istilong ito na siya ang tagapagtatag ng impresyonismo at ang kanilang inspirasyon sa ideolohiya. mabuting kaibigan Ang mga masters ay iba pang sikat na impresyonistang Pranses: Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, pati na rin ang isang impresyonistang artista na may katulad na apelyido, na nakakalito sa mga bagong dating sa mundo ng pagpipinta - Claude Monet.

Matapos matugunan ang mga artistang ito, ang mga impresyonistikong pagbabago ay naganap sa gawain ni Manet: nagsimula siyang mas gusto na magtrabaho sa bukas na hangin, liwanag, maliliwanag na kulay, isang kasaganaan ng liwanag at fractional na komposisyon ay nagsimulang mangibabaw sa kanyang mga pagpipinta. Bagama't mula sa madidilim na kulay hindi pa rin siya tumatanggi, at mas pinipili ang pagpinta sa mga landscape pang-araw-araw na genre- ito ay makikita sa mga gawa ng pintor na "Bar at the Folies Bergere", "Music in the Tuileries", "Breakfast on the Grass", "At Father Lathuille's", "Argenteuil" at iba pa.

Claude Monet

Marahil ay narinig na ng lahat ang pangalan ng French artist na ito kahit isang beses sa kanilang buhay. Si Claude Monet ay isa sa mga tagapagtatag ng impresyonismo, at ang kanyang pagpipinta na "Impression: The Rising Sun" ang nagbigay ng pangalan sa kilusan.

Noong 60s ng ika-19 na siglo, ang impresyonistang pintor ay isa sa mga unang naging interesado sa pagpipinta sa sariwang hangin, at marami sa kalaunan ay lumikha ng isang bagong pang-eksperimentong diskarte upang gumana. Binubuo ito ng pagmamasid at paglarawan sa parehong bagay sa iba't ibang oras ng araw: ito ay kung paano nilikha ang isang buong serye ng mga canvases na may tanawin ng harapan ng Rouen Cathedral, sa tapat kung saan nanirahan ang artist upang hindi mawala sa paningin. ang gusali.

Kapag nag-explore ng impresyonismo sa pagpipinta, huwag palampasin ang Monet's Field of Poppies sa Argenteuil, Walk to the Cliff at Pourville, Women in the Garden, Lady with an Umbrella, Boulevard des Capucines, at ang Watermen series. lilies."

Pierre Auguste Renoir

Ang impresyonistang artist na ito ay may kakaibang pananaw sa kagandahan, na ginawang isa si Renoir sa mga pinakatanyag na kinatawan direksyong ito. Una sa lahat, sikat siya sa kanyang mga painting ng mataong buhay at paglilibang sa Paris. huli XIX mga siglo. Si Renoir ay mahusay sa pagtatrabaho sa kulay at chiaroscuro; ang kanyang pambihirang kakayahang magpinta ng mga hubo't hubad, na may kakaibang rendering ng mga tono at texture, ay partikular na napapansin.

Mula pa noong 80s, ang impresyonistang artista ay nagsimulang mas sumandal sa klasikal na istilo ng pagpipinta at naging interesado sa pagpipinta ng Renaissance, na pinilit siyang isama ang mas matalas na mga linya at mas malinaw na komposisyon sa kanyang mga mature na gawa. Sa panahong ito nilikha ni Pierre Auguste Renoir ang ilan sa mga pinaka hindi nasisira na mga gawa sa kanyang panahon.

Bigyang-pansin ang mga pagpipinta ni Renoir gaya ng "The Luncheon of the Rowers", "Ball at the Moulin de la Galette", "Dance in the Village", "Umbrellas", "Dance at Bougival", "Girls at the Piano" .

Edgar Degas

Sa kasaysayan ng sining, si Edgar Degas ay nanatili bilang isang impresyonistang artista, bagaman siya mismo ay tumanggi sa label na ito, na mas pinipiling tawagan ang kanyang sarili bilang isang independiyenteng artista. Sa katunayan, mayroon siyang isang tiyak na interes sa pagiging totoo, na nakikilala ang artist mula sa iba pang mga impresyonista, ngunit sa parehong oras ay gumamit siya ng maraming mga diskarte sa impresyonista sa kanyang trabaho, lalo na, "naglaro" siya ng liwanag sa parehong paraan at mahilig maglarawan. mga eksena mula sa buhay lungsod.

Palaging naaakit si Degas ng pigura ng tao, madalas niyang inilalarawan ang mga mang-aawit, mananayaw, labandera, sinusubukang ilarawan ang katawan ng tao sa iba't ibang posisyon, halimbawa, sa mga canvases na "Dance Class", "Rehearsal", "Concert in the Ambassador Cafe" , “Opera Orchestra”, “ Dancers in blue."

Camille Pissarro

Si Pissarro ang tanging pintor na nakibahagi sa lahat ng walong Impresyonistang eksibisyon mula 1874 hanggang 1886. Bagama't kilala ang mga impresyonistang pagpipinta sa kanilang mga tagpo ng mga pista opisyal sa lunsod at bansa, ang mga pagpipinta ni Pissarro ay nagpapakita sa manonood ng pang-araw-araw na buhay ng mga magsasakang Pranses, na naglalarawan sa kalikasan sa kanayunan sa iba't ibang kondisyon at sa ilalim ng iba't ibang kondisyon ng pag-iilaw.

Kapag nakikilala ang mga kuwadro na ipininta ng impresyonistang artist na ito, una sa lahat, sulit na makita ang mga gawa na "Boulevard Montmartre sa Gabi", "The Harvest at Eragny", "The Reapers Resting", "The Garden at Pontoise" at "Entering ang Nayon ng Voisin”.

Sa pinakamahalagang direksyon ng modernismo na nakaimpluwensya sa kurso at pag-unlad ng sining noong ika-20 siglo. magkaugnay cubism, abstract art, dadaism, surrealism, constructivism sa arkitektura, dodecaphony at aleatoric sa musika. Ang akda nina J. Joyce at M. Proust ay may mapagpasyang impluwensya sa pag-unlad ng panitikan. Higit na binibigyang pansin ang impresyonismo bilang unang yugto sa pagbuo ng modernismo. Dahil kilala ang cubism at abstract art, hindi sila partikular na tinatalakay.

Kahit na isang maikling paglalarawan ng pinahihintulutan tayo ng mga pangunahing direksyon at paaralan ng modernismo na mailarawan ang panloob na heterogeneity nito at kasabay nito ay nararamdaman ang panloob, malalim na pagkakaisa nito.

Siyempre, dapat itong isaalang-alang kultura ng sining ng huling siglo ay hindi maaaring bawasan lamang sa modernismo. Kasabay nito, mayroon ding sining na nagpatuloy sa mga tradisyon ng nakaraang kultura, partikular sa tradisyon ng realismo, at mga phenomena ng isang intermediate na uri na nag-uugnay sa modernismo sa mga tradisyonal na anyo ng sining. Sa simula ng 30s. Nagkaroon din ng isang sining ng isang saradong lipunan na ganap na naiiba sa modernismo, maaaring sabihin ng isa na eksaktong kabaligtaran nito.

Impresyonismo

Ang impresyonismo ay ang hangganan ng modernismo. Ito ang simula ng paggalaw ng sining mula sa paglalarawan ng mga panlabas na bagay hanggang sa paglalarawan ng damdamin ng isang tao, at pagkatapos ay sa paglalarawan ng kanyang mga ideya.

Impresyonismo (mula sa Pranses. impresyon – impression) ay kumakatawan sa direksyon sa sining, panitikan at musika ng huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo. Nagkaroon ito ng hugis French painting 60–70s XIX na siglo Ang pangalan ng kilusan ay lumitaw pagkatapos ng unang eksibisyon ng mga artista noong 1874, kung saan ipinakita ang pagpipinta ni C. Monet na "Impression. Sunrise". Ang core ng unang grupo ng mga impresyonista ay sina O. Renoir, C. Monet, C. Pissarro, Sisley, Degas at iba pa.

Nabuo bilang tanda ng romantikismo, ang impresyonismo ay hindi kailanman ganap na humiwalay sa mga mithiin ng huli. Ang mga Impresyonista ay direktang naimpluwensyahan o hindi direktang epekto tulad ng mga ideya ng romantikismo bilang pagtanggi sa mga tuntunin at batas sa sining, ang matapang na pagpapahayag ng kalayaan bilang pangunahing at tanging batas nito, ang kumpletong pagpapalaya ng mga damdamin, ang pagpapakilala ng mga konsepto ng oras at paggalaw sa sining, ang ideya ng kalayaan at indibidwalismo ng pintor, romantikong ideya tungkol sa pagkakumpleto ng isang gawa ng sining, mga ideya tungkol sa tao, pagkamalikhain, maganda at pangit, atbp. Ang impresyonismo ay mas matino kaysa romantikismo, ngunit sa likod ng kahinahunan na ito ay mayroon pa ring romantikong background.

Ang impresyonismo ay isang hindi matatag at gumagalaw na sistema, isang kumbinasyon ng romantisismo at "naturalismo", katwiran at damdamin, subjective at layunin, tula at agham, kalayaan at mahigpit na batas, walang pigil na salpok at ang balangkas na pumipigil dito.

Isa sa mga pinagmumulan na nagpakain ng impresyonismo ay ang pag-ukit ng kulay ng Hapon, na malawakang ipinakita noong 1867 sa Paris. Walang kakaiba dito: muli ang romantisismo (pagkatapos ng Rococo) ay nakakuha ng atensyon ng mga Europeo sa Silangan. Ang pagkahilig sa sining ng Hapon ay parehong fashion at isa sa mga palatandaan ng panahon, na makikita sa panlasa ng panahon. Si Baudelaire, Goncourt, Manet, Degas, Whistler ay ang mga unang connoisseurs at collectors ng Japanese prints, kimonos, fans, at porcelain. Gaya ng isinulat ni J. Tugendhold, sa mga Japanese print ay walang linear na geometric na perspective, na itinuro ng European Academy, ngunit mayroon silang aerial perspective, ang sinag ng araw ay dumadaloy sa kanila, umiikot ang fog sa umaga, at banayad na ulap ng singaw at usok. nanginginig. Ang mga Hapones ang unang nakaunawa sa kanilang mahusay na likas na ugali na ang kalikasan ay hindi isang koleksyon ng mga katawan, ngunit isang walang katapusang chain ng patuloy na nagbabagong mga phenomena. Sila ang unang naglarawan ng buong serye ng parehong tanawin sa magkaibang liwanag at sa loob magkaibang panahon ng taon. Ito ang "100 Views of Mount Fuji" ni Hokusai, "53 Views of Tokaido Station" ni Hiroshige. Itinuro ng Academy kung paano bumuo ng isang komposisyon na para bang pinag-iisipan ng artista ang eksenang inilalarawan niya, nakaupo nang nakaharap sa balkonahe ng teatro at nakikita ito sa pahalang na linya. Ininterpret ng mga Hapon ang komposisyon na parang ang artista aktor ang inilalarawang eksena. Iyon ang dahilan kung bakit sila ay may isang pamamayani ng mga slanted na linya sa mga pahalang; Iyon ang dahilan kung bakit sila ay madalas na may isang namumulaklak na sangay o iba pang detalye sa harapan, na nakakubli sa kabuuan, kahit na magkakasuwato na konektado dito. Gamit ang halimbawa ng mga Hapon, naunawaan ng mga artistang Pranses ang lahat ng kagandahan ng kawalaan ng simetrya, ang lahat ng kagandahan ng sorpresa, ang lahat ng mahika ng pagmamaliit. Gamit ang halimbawa ng mga Hapon, nakumbinsi sila sa kagandahan ng mga light sketch, mga snapshot na ginawa gamit ang ilang linya at ilang spot.

Gayunpaman, hindi dapat palakihin ang impluwensya ng sining ng Hapon sa impresyonismo. Ang mga Hapon, hindi tulad ng mga impresyonista, ay hindi kailanman nagpinta nang direkta mula sa buhay. Ang mga impresyon ng mga Impresyonista ay nagmula sa direktang pandama na pang-unawa, habang sa mga Hapon - mula sa emosyonal na karanasan, na sinamahan ng mahigpit na pagsunod sa mga tradisyonal na pamamaraan.

Tinawag ni T. Mann ang pagpipinta ng impresyonista bilang isang “enchanted garden,” na nagbibigay-diin sa kanyang debosyon sa mga mithiin ng makalupang buhay. Para sa mga aesthetic na pagtuklas, ang mga Impresyonista ay nangangailangan lamang ng mga katamtamang sulok ng kalikasan, ang mga pampang ng Seine, at ang mga lansangan ng Paris. Ang pang-araw-araw na buhay, naniniwala sila, ay maganda, at hindi kailangan ng artista ang pino o ang katangi-tangi.

Inihambing ng mga Impresyonista ang kanilang sining sa salon at opisyal na sining, ang kagandahan ng pang-araw-araw na katotohanan sa magarbo at mapagpanggap na kagandahan ng pagpipinta ng salon, batay sa mga prinsipyong pang-akademiko. Tumanggi silang magsulat ng mga paksang mitolohiya, iniiwasan nila ang "panitikan" (pagkatapos ang salitang ito ay unang ginamit), na nauugnay sa kanila sa kasinungalingan ng salon, kung saan, ayon kay G. de Maupassant, ang mga dingding ay napuno ng sentimental at romantikong mga kuwadro na gawa, makasaysayan at hindi mahinhin na mga kuwadro, na kanilang isinasalaysay, at binibigkas, at itinuturo, at binibigyang-moralidad, at kahit na tiwali. Iniwasan ng mga impresyonista ang pagkasentimental, kalunos-lunos, at anumang sadyang kadakilaan ng imahe. Sa pamamagitan ng pagpapatibay ng isang bagong pananaw sa mundo, ginawa nilang demokrasya ang ideya ng kagandahan.

Ang paghahambing ng mga Impresyonista sa mga Russian Itinerant, na nakipaglaban din sa salon-academic na sining, masasabi nating ang mga resulta ay ganap na naiiba. Tinanggihan ng mga Russian Itinerant, kasama ang kagandahan ng salon, ang kagandahan ng pagpipinta sa pangkalahatan, iginiit una sa lahat ang moral at rebolusyonaryong kahalagahan ng sining. Ang mga impresyonista, na tinanggihan ang matamis, nakakaakit na kagandahan ng salon, ay hindi iniwan ang paghahanap para sa kagandahan, ngunit sa iba pang mga anyo.

Bago ang mga Impresyonista, ang mga artista, kahit na ang mga pinaka-"picturesque", ay palaging pinupunan ang nakikita sa mga kilala sa canvas. Hinahangad ng mga Impresyonista na makuha ang pabagu-bagong sandali, na papalapit sa dalisay na anyo. Ang kaalaman ay nagbigay daan sa impresyon. Pangunahin ang impresyonismo tungkol sa pagkakaiba-iba at paggalaw. Upang maiparating ang mga instant na pagbabago sa mundo, binawasan ng mga impresyonista ang oras ng paglikha ng isang larawan, na dinadala ito nang mas malapit hangga't maaari sa totoong oras ng itinatanghal na natural na kababalaghan. Ang konsepto ng bilis ng paglikha ng isang gawa ay nauugnay din sa mga kinakailangan para sa antas ng pagkumpleto nito.

Binago ng impresyonismo ang ideya hindi lamang ng paksa pagpipinta, ngunit tungkol din sa larawan.

Ang mga impresyonistang artista ay hindi itinakda bilang kanilang espesyal na layunin na hindi kumpleto, sketchiness ng larawan at kahubaran pamamaraan ng pagpipinta. Kasabay nito, mula sa punto ng view ng mga kinakailangan para sa antas ng pagtatapos, maaari nating pag-usapan ang dalawahang hindi kumpleto ng mga gawa ng mga Impresyonista. Una, ito ay ang panlabas na sharpness ng tapusin, na madalas na sanhi ng kawalang-kasiyahan sa mga kontemporaryo. Pangalawa, ang incompleteness bilang pagiging bukas ng buong pictorial system, pare-pareho ang pag-iimik, haba ng oras, wika nga, isang ellipsis sa dulo ng parirala. Dahil sa kakaibang pagmamaliit, ang mga kuwadro na gawa ng mga Impresyonista ay mahirap na makilala nang hindi malabo, ngunit naglalaman ang mga ito ng kanilang kapana-panabik na apela. Kung kinakailangan mag-withdraw simpleng formula impresyonismo, maaaring ito ay: "variability, duality, reversibility, understatement."

Ang pagkakaroon ng pagbabago sa ideya ng pagpipinta, ang impresyonismo ay umabot sa isang espesyal na antas pag-activate ng viewer (kahit sa pamamagitan ng pag-iirita sa kanya ng "hindi kumpleto"). Ang manonood ay naging, kumbaga, isang kasabwat sa paglikha ng imahe at isang co-author ng artist.

Noong kalagitnaan ng 80s. XIX na siglo Nagsimula ang krisis ng impresyonismo. Maraming mga artista na dati nang sumunod sa kilusan ang natagpuan na ang balangkas nito ay masyadong makitid. Ang pag-uusap ay bumaling sa katotohanan na ang mga prinsipyo ng impresyonismo ay nag-aalis ng larawan ng mga intelektwal at moral na bahagi nito. At kahit na noong 90s. Ang impresyonismo ay dumating sa malawak na pagkilala; ito ay kasabay ng simula ng kanyang pagbagsak bilang isang holistic na kilusan at ang paglitaw ng iba pang mga direksyon sa loob nito. Ang ilan sa kanila ay nais na kahit papaano ay gawing makabago ang impresyonismo, ang iba ay karaniwang naghahanap ng mga bagong paraan. Poetic painting ng mga impresyonista, ang kanilang mataas, maliwanag na pang-unawa Araw-araw na buhay, ang kakayahang magbigay ng liriko na pangkulay sa nababago, panandaliang mga pagpapakita nito ay nagsimulang magbigay daan sa iba pang mga uso at mood.

Kasama sa mga kilusang sumubok na gawing makabago ang impresyonismo, sa partikular, neo-impresyonismo (o pointillism). Nabuo si J. Seurat hindi pangkaraniwang pamamaraan, at sinubukan ni P. Signac na teoretikal na patunayan ang bagong kilusan. Ang mga pagkakaiba sa pagitan ng neo-impressionism at impressionism ay makabuluhan. Ang mga hiwalay na brushstrokes na katangian ng mga Impresyonista ay ginawang tuldok; Kinailangan kong iwanan ang pag-record ng sandali, dahil ang pagpipinta, na naglalayong makuha ang sandali, ay halos hindi kayang pag-usapan ang tungkol sa walang hanggan; Ang spontaneity at naturalness ng paningin at imahe, ang interes sa maingat na itinayo at maalalahanin, kahit na static na komposisyon, at ang priyoridad ng kulay kaysa sa liwanag ay umatras sa background. Ang isang pointillist artist, na lumilikha ng anumang hugis o anino sa tulong ng isang malaking bilang ng mga tuldok na stroke, ay hindi nangangailangan ng mga linya o contour. Ang lalim ng imahe ay nakakamit dahil sa katotohanan na ang mga bagay sa harap ay mas malaki at unti-unting nagiging mas maliit habang lumilipat sila sa pananaw. Sa malayo, ang mga tuldok ng kulay ay optically na nagsasama, na nagbibigay ng nakakagulat na natural na impresyon ng liwanag, anino, at paglipat mula sa isang tono patungo sa isa pa. Ayon kay Seurat, hindi ang artista gamit ang kanyang brush, ngunit ang mata ng manonood ang dapat maghalo ng mga may kulay na tuldok sa isang buhay na optical range.

Hindi nagtagal ang Neo-Impresyonismo. May mga negatibong aspeto din pala ang bagong teknolohiya. Ni-level niya ang individuality ng artist. Bilang karagdagan, ang neo-impresyonismo ay nagpahayag ng pagiging impassivity ng artist at tinanggihan ang spontaneity na katangian ng impresyonismo. Ang mga gawa ng mga pointillist artist ay maaaring mahirap makilala sa isa't isa. Naramdaman ito, si C. Pissarro, na noong una ay nadala ng sistemang ito, pagkatapos ay sinira ang lahat ng kanyang mga canvases na ginawa sa ganitong paraan.

Ang panahon, na tumagal ng humigit-kumulang mula 1886 hanggang 1906, ay karaniwang tinatawag post-impressionism. Ang medyo karaniwang terminong ito ay tumutukoy sa isang yugto ng panahon, ang mga hangganan nito ay natutukoy, sa isang banda, sa pamamagitan ng huling eksibisyon ng mga Impresyonista, sa kabilang banda, sa panahon ng paglitaw ng mga unang modernistang kilusan, tulad ng Fauvism at Kubismo.

Si Paul Cézanne ay may napakahalagang impluwensya sa pagbuo ng sining ng modernismo. Bilang isang kontemporaryo ng mga Impresyonista, nangaral siya ng isang kabaligtaran na diskarte sa kalikasan: hindi upang makuha ang mga panandaliang estado nito, ngunit upang ipakita ang matatag na kakanyahan nito. Inihambing ni Cézanne ang impressionistic fragility, ang impressionistic na "magandang sandali" na may condensed materiality, ang tagal ng estado at binigyang diin ang constructiveness. Ang pagpipinta ni Cezanne ay malakas ang loob; ito ay bumubuo ng isang larawan ng mundo, tulad ng pagtatayo ng isang gusali. Ang mga elementong ibinigay ay: kulay, volumetric na anyo, spatial depth at eroplano ng larawan. Mula sa mga simpleng simulang ito, binuo ni Cézanne ang kanyang mga mundo, kung saan mayroong isang bagay na kahanga-hangang engrande, sa kabila ng maliit na sukat ng kanyang mga canvases at kakaunting hanay ng mga paksa (Mount Saint-Victoire sa Aix, isang lawa na may tulay, mga bahay, mga bangin, mga mansanas. at isang pitsel sa isang tablecloth).

Si Cezanne ay pangunahing artista para sa mga artista. Wala sa mga kasunod na artista ang nakatakas sa kanyang impluwensya, bagaman para sa karamihan ng mga hindi propesyonal na manonood siya ay mahirap, at sa unang tingin, boring sa kanyang panlabas na monotony: wala siyang kawili-wiling mga plot, o liriko, o isang palette na nakalulugod sa mata.

Sa isang matatag, makapal na orange-green-blue palette, nililok ni Cézanne ang kanyang mga landscape na may kulay. Walang "mood" sa kanila, ngunit ang isang bihirang tanawin ng isa pang artist ay maaaring tumayo sa tabi nila sa parehong pader. Sa mga landscape, mas gusto ni Cézanne ang isang mataas na abot-tanaw, upang ang espasyo ng lupa ay tumutugma sa eroplano ng canvas; inililipat niya ang mga plano, ginagawang pangkalahatan ang masa. Ginagawa pa niya ang mga reflection sa tubig na napakalaking at arkitektura. Hindi niya kinikilala ang amorphism sa anumang bagay at nakikita ang makapangyarihang mga puwersa ng pagbuo sa kalikasan. Para kay Cezanne, ang pagpipinta ay isang plastik na konsepto ng nakikita, isang konsepto, hindi isang imitasyon. Ang konsepto ay nagmumula sa paglutas ng mga kontradiksyon sa pagitan ng mga katangian ng kalikasan at mga katangian ng isang pagpipinta. Ang kalikasan ay nasa tuluy-tuloy na paggalaw at pagbabago, ngunit ang isang pagpipinta ay static sa kalikasan, at ang gawain ng artist ay upang dalhin ang paggalaw sa katatagan at balanse. Sa kalikasan mayroong walang katapusang iba't ibang mga kakaibang anyo, sa espiritu ng tao Karaniwang bawasan ang mga ito sa iilan, mas simple. Payo ni Cezanne: "...I-interpret ang kalikasan sa pamamagitan ng isang silindro, isang bola, isang kono." Ang mga volume ni Cezanne ay talagang may posibilidad na pasimplehin, dahil hindi niya nais na sirain ang eroplano. Ang kanyang layunin ay isalin ang mga natural na phenomena sa wika ng mga kategoryang may larawan, na nag-iingat na ang pakiramdam ng eroplano ay napanatili, na nagsasama-sama sa isang pakiramdam ng lakas ng tunog at lalim. Nakamit niya ito sa pamamagitan ng isang espesyal na organisasyon ng espasyo, kung minsan ay gumagamit ng mga pagpapapangit at paglilipat at pagsasama-sama ng ilang mga punto ng view sa mga itinatanghal na bagay sa isang komposisyon.

Sa buhay pa ni Cezanne, ang ibabaw ng mesa ay tila tumaob sa tumitingin, na itinatag ang eroplano ng larawan, at ang prutas na nakalatag sa mesa ay ipinapakita mula sa ibang anggulo. "Nailed" sa eroplano, na matatagpuan na parang isa sa itaas ng isa, ang mga bilugan na dami ng prutas ay nakikita na may dobleng intensity, at ang mga prutas mismo ay mukhang napakalaki, malinis. Kasabay nito, pinababayaan ng artista ang texture ng mga bagay: ang kanyang mga mansanas ay hindi ang uri na gusto mong kainin, tila sila ay gawa sa ilang matigas, malamig at siksik na sangkap, tulad ng isang pitsel at kahit isang mantel.

Hindi tulad ng mga Impresyonista, mas naaakit si Cézanne sa materyalidad at kadakilaan ng anyo kaysa sa pagbabago ng paglalaro ng liwanag at anino. Inuna ng mga Impresyonista ang pangangailangan na kumpletuhin ang isang pagpipinta sa isang hakbang upang magkaroon ng oras upang makuha ang isang "instant" na sensasyon sa canvas. Mas gusto ni Cezanne na bumalik sa napiling lugar nang maraming beses, na lumilikha ng isang mas detalyado at "artipisyal" na imahe. Ang mga impresyonista, na nagsisikap na "kumuha ng sandali," ay gumamit ng malambot, mahangin na mga hagod; Gumamit si Cezanne ng malalakas, may kumpiyansa na mga hampas, na ginagawang mas matingkad ang kanyang mga canvases. Sa kanyang pagtanggi na bulag na sundin ang mga batas ng linear na pananaw, si Cézanne ay lumayo pa. Sa pagsisikap na ilarawan ang isang three-dimensional na mundo sa isang patag na canvas, binaluktot niya ang mga proporsyon at pananaw kung kinakailangan ito ng isang partikular na prinsipyo ng komposisyon.

Nagawa ni Cezanne na lumikha ng isang espesyal na artistikong wika. Ang ideya na ang isang pagpipinta ay hindi isang window na bukas sa mundo (Renaissance), ngunit isang dalawang-dimensional na eroplano na may sariling mga batas matalinghagang wika, naging sentro ng pagpipinta ng avant-garde noong ika-20 siglo. Hindi nagkataon na tinawag ni Picasso ang kanyang sarili na "apo ni Cezanne."

Sa pagpipinta ni Cezanne ay may posibilidad na magkaroon ng pagkakaiba sa pagitan ng mga plastik (pictorial) na halaga at mahigpit na mga halaga ng tao: sa mga tuntunin ng kanyang mga paghahanap, isang bundok, isang mansanas, isang Harlequin, isang naninigarilyo, atbp. ay naging pantay. Hindi nakilala ni Cezanne ang mga masining na prinsipyo na naiba sa kanyang sarili. Wala siyang kahit katiting na interes sa sining ng Hapon. Ang dekorasyon, stylization, bukas na kulay, contouring, na nabighani sa marami sa kanyang mga kontemporaryo, ay nagpukaw ng negatibong saloobin sa kanya. Tulad ng "diwang pampanitikan" at genreismo, sa ilalim ng impluwensya nito, naniniwala si Cézanne, ang artista ay "maaaring makaiwas sa kanyang tunay na pagtawag - ang kongkretong pag-aaral ng kalikasan." Hindi niya gusto ang Gauguin o Van Gogh, at tila hindi niya napansin ang Toulouse-Lautrec.

Ang gawa ng Toulouse-Lautrec ay balintuna, ngunit makatao rin. Hindi siya "naglalagay ng stigmatize ng bisyo," ngunit hindi rin niya ito inihaharap bilang masarap na ulam: pareho ay hindi kasama ng artist's sense of belonging, the involvement of this world - siya ay katulad din nila, "no worse or better." Ang masining na wika ng Lautrec ay nailalarawan sa pamamagitan ng: isang maliwanag na katangian ng imahe, pagpapahayag, at matinding laconicism. Handa siyang gumuhit ng mga poster. Itinaas ng kanyang pandekorasyon na regalo at lapidary expression ang genre na ito sa taas ng tunay na sining. Kabilang sa mga tagapagtatag ng "inilapat na mga graphic" ng modernong lungsod - mga poster, poster, advertisement - ang Lautrec ay nangunguna sa lugar.

Sa loob lamang ng limang taon ng trabaho, nakagawa si V. Van Gogh ng humigit-kumulang 800 mga painting at hindi mabilang na mga guhit; karamihan sa kanila ay nilikha sa huling dalawa o tatlong taon ng kanyang buhay. Isang katulad na kwento Hindi ako marunong magpinta. Nakuha ni Van Gogh ang kanyang inspirasyon hindi lamang mula sa mga ideya ng impresyonismo, kundi pati na rin sa pag-ukit ng Hapon, na nakatulong sa kanya na lumayo mula sa naturalismo tungo sa isang mas nagpapahayag at malinaw na paraan. Unti-unti, nagiging mas matapang ang kulay sa kanyang mga kuwadro na gawa, at nagiging mas malaya, mas masigla ang kanyang istilo, na tumutulong sa pintor na maiparating sa canvas ang mga damdaming nakakabighani sa kanya. Hindi tulad ng Symbolists at P. Gauguin, na ang trabaho ay naiimpluwensyahan ng simbolismo, si Van Gogh ay hindi kailanman nagpinta ng isang kathang-isip na mundo: siya ay hindi interesado sa pagpipinta ng "mga hindi kapani-paniwalang nilalang," ang kanyang mga pagpipinta ay palaging may matatag na makatotohanang batayan. Si Van Gogh ay palaging nagtrabaho mula sa buhay; ang ilang mga kuwadro na ipininta niya, kasunod ng payo ni Gauguin, mula sa memorya o imahinasyon, ay naging mas mahina. "Ang pagpapahayag ng iyong sarili" para kay Van Gogh ay nangangahulugan ng pagpapahayag ng mga damdamin, kaisipan, mga asosasyong ipinanganak ng kanyang nakita at naobserbahan: mga tao, kalikasan, mga bagay.

Ang matinding paghahanap ni Van Gogh para sa pinakamataas na kahulugan ng buhay, na hindi iniwan sa kanya, ay tumutukoy sa pambihirang kumbinasyon ng drama at kasiyahan na nagmamarka sa kanyang mature na pagkamalikhain. Ito ay puno ng isang nagdurusa na kasiyahan sa kagandahan ng mundo, na puno ng mga emosyonal na kaibahan. Nakikita nito ang pagpapahayag sa isang nakalarawang wika na binuo sa magkakaibang mga pagkakatugma ng kulay at mas nagpapahayag kaysa dati. Ang istilong nakalarawan ni Van Gogh ay nagbibigay-daan sa iyo na direktang makipag-ugnayan sa artist, madama ang kanyang pagnanasa at mataas na intensity ng kaluluwa. Ito ay pinadali din ng mataas na tempo ng trabaho na malinaw na ipinahayag sa kanyang mga kuwadro na gawa - mga suntok gamit ang isang brush, tulad ng isang latigo, makukulay na clots, dissonant zigzags, tunog tulad ng isang tandang escaping. Ang mga kuwadro ay nagpapahiwatig din ng mga dramatikong pagbabago sa mood ng artist; Bilang isang taong relihiyoso, minsan niyang napansin na ang mundong nilikha ng Diyos ay ang kanyang hindi matagumpay na sketch.

• Cm:. Dmitrieva N. A. Maikling kwento sining M., 1993. Isyu. III. pp. 55-56.
• Tingnan: Ibid. P. 83.

Ang pinakakaraniwang tema para sa mga Impresyonista ay landscape, ngunit naantig din nila ang maraming iba pang mga tema sa kanilang trabaho. Si Degas, halimbawa, ay naglalarawan ng mga karera ng kabayo, ballerina at labandera, at si Renoir ay naglalarawan ng mga kaakit-akit na babae at bata. Sa mga impresyonistikong landscape na nilikha sa labas, ang isang simple, pang-araw-araw na motif ay madalas na binabago ng malawak na gumagalaw na liwanag, na nagdadala ng isang pakiramdam ng kasiyahan sa larawan. Sa ilang mga pamamaraan ng impresyonistikong konstruksyon ng komposisyon at espasyo, ang impluwensya ng Japanese engraving at bahagyang photography ay kapansin-pansin. Ang mga Impresyonista ang unang lumikha ng isang multifaceted na larawan ng pang-araw-araw na buhay ng isang modernong lungsod, na kinukuha ang pagka-orihinal ng tanawin nito at ang hitsura ng mga taong naninirahan dito, ang kanilang buhay, trabaho at libangan.

Ang mga impresyonista ay hindi nagsikap na hawakan ang talamak mga suliraning panlipunan, pilosopiya o nakakagulat na pagkamalikhain, nakatuon lamang sa sa iba't ibang paraan pagpapahayag ng mga impresyon ng nakapaligid na pang-araw-araw na buhay. Sinusubukang "makita ang sandali" at ipakita ang mood.

Pangalan" Impresyonismo" lumitaw pagkatapos ng 1874 na eksibisyon sa Paris, kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Monet na "Impression". Rising Sun" (1872; ang pagpipinta ay ninakaw mula sa Marmottan Museum sa Paris noong 1985 at ngayon ay nasa mga listahan ng Interpol).

Mahigit pitong impresyonistang eksibisyon ang ginanap sa pagitan ng 1876 at 1886; sa pagkumpleto ng huli, si Monet lamang ang patuloy na mahigpit na sumunod sa mga mithiin ng Impresyonismo. Ang mga "impresyonista" ay tinatawag ding mga artista sa labas ng France na nagsulat sa ilalim ng impluwensya ng French Impressionism (halimbawa, ang Englishman na si F.W. Steer).

Mga impresyonistang artista

Mga sikat na painting ng mga impresyonistang artista: