Mahiwagang larawan. Mystical painting (16 na larawan)

Mayroong isang pamahiin na ang pagpipinta ng isang larawan ay maaaring magdala ng malas sa modelo. Sa kasaysayan ng pagpipinta ng Russia mayroong ilang mga sikat na pagpipinta na nakabuo ng isang mystical na reputasyon.

"Ivan the Terrible at ang kanyang anak na si Ivan Nobyembre 16, 1581." Ilya Repin

Si Ilya Repin ay may reputasyon bilang isang "nakamamatay na pintor": marami sa mga larawang ipininta niya ay biglang namatay. Kabilang sa mga ito ay Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, artistang Italyano na si Mercy d'Argenteau at Fyodor Tyutchev.

Ang pinakamadilim na pagpipinta ni Repin ay "Ivan the Terrible Kills His Son." Isang kawili-wiling katotohanan: hindi pa rin alam kung pinatay ni Ivan IV ang kanyang anak o kung ang alamat na ito ay talagang naimbento ng sugo ng Vatican na si Antonio Possevino.

Ang larawan ay gumawa ng isang mapagpahirap na impresyon sa mga bisita sa eksibisyon. Ang mga kaso ng hysteria ay naitala, at noong 1913, ang pintor ng icon na si Abram Balashov ay napunit ang pagpipinta gamit ang isang kutsilyo. Kalaunan ay idineklara siyang baliw.

Isang kakaibang pagkakataon: ang artist na si Myasoedov, kung saan ipininta ni Repin ang imahe ng Tsar, sa lalong madaling panahon ay halos patayin ang kanyang anak na si Ivan sa galit, at ang manunulat na si Vsevolod Garshin, na naging sitter para kay Tsarevich Ivan, nabaliw siya at nagpakamatay.

"Larawan ng M. I. Lopukhina." Vladimir Borovikovsky

Si Maria Lopukhina, na nagmula sa pamilya ng bilang ng Tolstoy, ay naging modelo ng artist sa edad na 18, makalipas ang ilang sandali. sariling kasal. Kahanga-hanga magandang babae ay malusog at puno ng lakas, ngunit namatay pagkalipas ng 5 taon. Makalipas ang mga taon, isusulat ng makata na si Polonsky na "Iniligtas ni Borovikovsky ang kanyang kagandahan ...".

May mga alingawngaw tungkol sa koneksyon ng pagpipinta sa pagkamatay ni Lopukhina. Ipinanganak urban legend, na hindi ka maaaring tumingin sa larawan sa loob ng mahabang panahon - ang malungkot na kapalaran ng "modelo" ay sasapitin.

Ang ilan ay nagsabi na ang ama ng batang babae, isang Master ng Masonic Lodge, ay nakuha ang espiritu ng kanyang anak na babae sa larawan.

Pagkalipas ng 80 taon, ang pagpipinta ay nakuha ni Tretyakov, na hindi natatakot sa reputasyon ng larawan. Ngayon ang pagpipinta ay nasa koleksyon Tretyakov Gallery.

"Hindi kilala." Ivan Kramskoy

Ang pagpipinta na "Hindi Kilala" (1883) ay pumukaw ng malaking interes sa publiko ng St. Ngunit tumanggi si Tretyakov na bilhin ang pagpipinta para sa kanyang koleksyon. Kaya, nagsimula ang paglalakbay ng "The Stranger" sa pamamagitan ng mga pribadong koleksyon. Hindi nagtagal ay nagsimulang mangyari ang mga kakaibang bagay: iniwan siya ng asawa ng unang may-ari nito, nasunog ang bahay ng pangalawa, nabangkarote ang pangatlo. Ang lahat ng mga kasawian ay iniugnay sa nakamamatay na larawan.

Ang artist mismo ay hindi nakatakas sa problema; sa lalong madaling panahon pagkatapos ng pagpipinta ng larawan, namatay ang dalawang anak ni Kramskoy.

Ang pagpipinta ay ibinebenta sa ibang bansa, kung saan patuloy itong nagdala ng walang anuman kundi kasawian sa mga may-ari nito, hanggang sa bumalik ang pagpipinta sa Russia noong 1925. Nang ang larawan ay natapos sa koleksyon ng Tretyakov Gallery, tumigil ang mga kasawian.

"Troika". Vasily Perov

Si Perov ay hindi makahanap ng isang modelo para sa gitnang batang lalaki sa loob ng mahabang panahon, hanggang sa nakilala niya ang isang babae na naglalakbay sa Moscow sa isang peregrinasyon kasama ang kanyang 12-taong-gulang na anak na si Vasya. Nagawa ng artist na hikayatin ang babae na hayaan si Vasily na mag-pose para sa larawan.

Pagkalipas ng ilang taon, muling nakilala ni Perov ang babaeng ito. Ito ay lumabas na isang taon pagkatapos ng pagpipinta ay namatay si Vasenka, at ang kanyang ina ay espesyal na pumunta sa artist upang bilhin ang pagpipinta gamit ang kanyang huling pera.

Ngunit ang canvas ay nabili na at naipakita sa Tretyakov Gallery. Nang makita ng babae si Troika, lumuhod siya at nagsimulang manalangin. Naantig, ang pintor ay nagpinta ng larawan ng kanyang anak para sa babae.

"Natalo ang demonyo." Mikhail Vrubel

Ang anak ni Vrubel, si Savva, ay biglang namatay pagkatapos na makumpleto ng artist ang larawan ng batang lalaki. Ang pagkamatay ng kanyang anak ay isang dagok para kay Vrubel, kaya nag-concentrate siya sa kanyang huling pagpipinta, "The Defeated Demon."

Ang pagnanais na tapusin ang pagpipinta ay lumago sa pagkahumaling. Patuloy na tinapos ni Vrubel ang pagpipinta kahit na ipinadala ito sa eksibisyon.

Hindi binibigyang pansin ang mga bisita, dumating ang artista sa gallery, kinuha ang kanyang mga brush at nagpatuloy sa paggawa. Nakipag-ugnayan ang mga nag-aalalang kamag-anak sa doktor, ngunit huli na - dinala ng tabes spinal cord si Vrubel sa libingan, sa kabila ng paggamot.

"Mga sirena". Ivan Kramskoy

Nagpasya si Ivan Kramskoy na magpinta ng isang larawan batay sa kuwento ni N.V. Ang "May Night, o ang Nalunod na Babae" ni Gogol. Sa unang eksibisyon sa Association of Itinerants, ang pagpipinta ay isinabit sa tabi ng pastoral na "The Rooks Have Arrived" ni Alexei Savrasov. Sa pinakaunang gabi, ang pagpipinta na "Rooks" ay nahulog mula sa dingding.

Di-nagtagal ay binili ni Tretyakov ang parehong mga pagpipinta, "The Rooks Have Arrived" ay naganap sa opisina, at ang "Mermaids" ay ipinakita sa bulwagan. Mula sa sandaling iyon, ang mga tagapaglingkod at miyembro ng sambahayan ni Tretyakov ay nagsimulang magreklamo tungkol sa malungkot na pag-awit na nagmumula sa bulwagan sa gabi.

Bukod dito, nagsimulang mapansin ng mga tao na sa tabi ng pagpipinta ay nakaranas sila ng pagkasira.

Nagpatuloy ang mistisismo hanggang matandang yaya hindi nagpayo na alisin ang mga sirena mula sa liwanag hanggang sa dulong bahagi ng bulwagan. Sinunod ni Tretyakov ang payo, at tumigil ang kakaiba.

"Sa pagkamatay ni Alexander III." Ivan Aivazovsky

Nang malaman ng artista ang tungkol sa pagkamatay ng emperador Alexandra III, nabigla siya at pininturahan ang larawan nang walang anumang order. Ayon kay Aivazovsky, ang pagpipinta ay dapat na sumisimbolo sa tagumpay ng buhay laban sa kamatayan. Ngunit, nang matapos ang pagpipinta, itinago ito ni Aivazovsky at hindi ipinakita ito sa sinuman. Ang pagpipinta ay unang inilagay sa pampublikong pagpapakita lamang makalipas ang 100 taon.

Ang pagpipinta ay nasira sa mga fragment, ang isang krus ay inilalarawan sa canvas, Peter at Paul Fortress at ang pigura ng isang babaeng nakaitim.

Ang kakaibang epekto ay na, mula sa isang tiyak na anggulo, ang babaeng pigura ay nagiging isang tumatawa na lalaki. Nakikita ng ilan ang silweta na ito bilang Nicholas II, habang ang iba ay nakikita si Pakhom Andreyushkin, isa sa mga teroristang nabigo sa pagtatangkang pagpatay sa emperador noong 1887.

Ang mga pagpipinta ng mga magagaling na artista ay hindi lamang makapagpapasaya at makapagbibigay ng aesthetic na kasiyahan, ngunit pumukaw din ng mystical awe at kahit na takot. Maraming mga pagpipinta ng mga master ay puno ng mga misteryo. Ang kwento natin ay tungkol sa kanila.

Ang mahuhusay na pininturahan na mga kuwadro ay palaging nagbubunga ng panloob na pagkamangha at paghanga sa mga mahilig sa sining. Ang mga kuwadro na gawa ng mga dakilang panginoon ay nakakabighani at nakakabighani, dahil ang magagandang mga kuwadro na gawa ay gumising sa mga pinakakilalang bagay sa mga kaluluwa, kung ano ang madalas na sinisikap ng isang tao na itago kahit na mula sa kanyang sarili. Tinawag ito ni Carl Jung na walang malay.

Samakatuwid ang mga larawan mga sikat na artista ay itinuturing na mga mahiwagang mensahe kung saan nabubunyag ang mga lihim ng mundo. Upang malutas ang mga ito, kailangan mong maging matulungin hangga't maaari sa mga detalye at simbolo ng mga kuwadro na gawa.

Higit sa isang henerasyon ng mga istoryador ng sining ang magsisikap na malutas ang mga code ng Hieronymus Bosch, isipin ang code ng mga kuwadro na gawa ni Leonardo da Vinci, at Michelangelo, at Botticelli, at mag-freeze sa kasiyahan sa harap ng mga painting ng Dutch. Ano ang masasabi natin tungkol sa mga kuwadro na gawa sa panahon ng modernismo at postmodernismo, kung saan ang kagandahan, espirituwalidad at katumpakan ng mga linya ay nagbigay daan sa mga simbolo ng kultura, mga linya ng interweaving at mga cubic form.

Ang mga pagpipinta na may kahulugan nina Pablo Picasso at Frida Kahlo, Jackson Pollock at Salvador Dali ay nagpapakita ng mga trahedya at mystical na panig ng pagkakaroon ng modernong tao. Upang basahin ang mga ito, kailangan mong magkaroon ng malawak na kaalaman at malikhaing intuwisyon.

Iminumungkahi namin ang pagbisita virtual na gallery at alamin kung aling mga sikat na painting ng mga artist ang puno ng misteryo o kung aling mga dramatikong kwento na nauugnay sa kanila:

"Ang Huling Hapunan" (Leonardo da Vinci)

Marami ang mapapansin na ang obra maestra na ito ay hindi eksaktong isang pagpipinta, ngunit isang fresco. Gayunpaman, ang isang fresco ay ang parehong canvas, ginagawa lamang sa mamasa-masa na plaster. Ang mga tao ay nagsimulang magsalita tungkol sa sikreto ng pagpipinta na ito noong ika-19 na siglo, nang ang mga isipan ng aristokrasya ay nabihag ng iba't ibang mga mistikal na turo, ang mga Masonic lodge at iba't ibang mga lihim na lipunan ay umunlad sa Europa. Noong ika-21 siglo, muling nabuhay ang interes sa fresco salamat sa aklat ni Dan Brown na The Da Vinci Code at sa serye sa TV na Da Vinci's Demons.

Sa katunayan, ito ay isang nilikha pinakadakilang artista Ang panahon ng Renaissance ay naglalaman ng maraming mga lihim na palatandaan na bumubuo sa subtext ng fresco. Una sa lahat, dapat tandaan na ang artist ay nagtrabaho sa paglikha nito sa loob ng tatlong taon, hanggang 1498 (malinaw na hindi sumulat si Leonardo sa mamasa-masa na lupa - ito ay isang dahilan upang isaalang-alang " huling Hapunan"isang pagpipinta, hindi isang fresco). Ang komposisyon ay kinomisyon ng Doge ng Venice, Ludovico Sforza, isang sikat na rake, mystic, merchant at intriguer.

Mga konsepto ng katapatan sa buhay pamilya ay dayuhan sa Sforza, siya ay hindi mapigilan sa kanyang mga hilig, kung saan ang kanyang banal na asawang si Duchess Beatrice d'Este ay nagdusa. Sa kabila ng katotohanan na siya ay isa sa mga pinaka magagandang babae Sa panahon ng Renaissance, niloko siya ni Ludovico nang may kamangha-manghang pagkakapare-pareho sa pinakamahusay na hetaera ng Venice.

Tanging ang pagkamatay ni Beatrice ang nagpilit kay Sforza na muling pag-isipan ang kanyang mga priyoridad at huminto sa paghahanap ng pag-ibig. Upang mapanatili ang kanyang memorya, inatasan ng Duke ng Venice ang Da Vinci's The Last Supper.

Ang unang misteryo ng canvas ay konektado sa background na ito: si Apostol Juan, nakaupo kanang kamay mula kay Kristo, sa panlabas ay mas katulad ng isang babae kaysa sa isang lalaki. Ito ay kung paano ipinanganak ang hula na ito ay si Maria Magdalena - ang asawa ni Hesus. Kinumpirma rin ito ng sign na nilikha ng mga tilts ng dalawang character na ito. Lumilitaw ang isang pigura na kahawig ng isang kumbinasyon ng dalawang tatsulok, na sa mga mistikal na turo ay nangangahulugang ang koneksyon ng pambabae at panlalaki na mga prinsipyo bilang batayan ng uniberso.

Ang pangalawang bugtong ay ang imahe ni Judas. Sa simula ng trabaho sa pagpipinta, mabilis na nakahanap si Leonardo ng isang sitter para sa imahe ni Jesus. Siya ay naging isang batang mang-aawit mula sa koro ng simbahan. Ang kanyang kagandahan at kagwapuhan ay tumama sa artista.

Ngunit para kay Judas ay tumagal ng halos tatlong taon upang makahanap ng isang modelo. Isang araw, nakita ni Leonardo ang isang lasenggo sa isang kanal. Dinala niya siya sa refectory at sa ilang araw ay pininturahan niya ang antipode ni Kristo. Matapos makipag-usap sa sitter, nalaman ng artista na ang kanyang buhay ay bumaba mula sa sandaling siya ay nag-pose upang lumikha ng imahe ni Jesus da Vinci. Kaya, si Kristo at ang nagkanulo sa kanya ay itinatanggal mula sa isang tao, tatlong taon ang pagitan.

Ang ikatlong misteryo ay mayroong self-portrait ni Leonardo sa painting. Ito ay si Apostol Tadeo, na nakaupo sa pangalawa mula sa kanan.

Ang ikaapat na code ay ang umuulit na numero tatlo. Tingnang mabuti ang canvas, ang lahat ng mga character ay pinagsama-sama sa tatlo. Ipinapakita nito ang simbolikong cipher ng Holy Trinity - ang Anak, ang Espiritu at ang Diyos.

"Ang Paglikha ni Adan" (Michelangelo)

Ang isang fresco ng isa sa mga sikat na Renaissance masters, na nilikha noong ika-16 na siglo, ay naglalarawan sa Diyos na iniunat ang kanyang kamay kay Adan. Ito ang ikaapat sa siyam na eksena mula sa Genesis na inilarawan ng may-akda sa Sistine Chapel. Ang pagpipinta ay naglalarawan sa Diyos na humihinga ng kaluluwa sa isang bagong likhang tao.

Natuklasan ng mga anatomista na ang lilang balabal ng Lumikha, kung saan tinitipon ang mga anghel, ay kahawig ng utak ng tao sa balangkas. Si Michelangelo, tulad ng lahat ng mga artista noong panahong iyon, ay nag-aral ng anatomy nang detalyado, kaya alam na alam niya kung ano ang hitsura ng organ na ito. Pero bakit niya siya inilarawan sa isang painting na may relihiyosong paksa?

Iminungkahi ng mga kritiko ng sining na sa ganitong paraan ipinahiwatig ng progresibong artista at palaisip na ang puwersang nagtutulak at nagpapaunlad sa isang tao ay ang isip. Bilang karagdagan, mayroong isang bilang ng mga nuances na dapat mong bigyang pansin:

1. Ang postura ni Adan ay simetriko sa postura ng Diyos. Gayunpaman, ang unang tao ay nakakarelaks, at tanging ang banal na pag-iisip lamang ang makakapagpuno sa kanya ng enerhiya.
2. Ang mga bayani, na nababalot ng balabal ng Lumikha, ay lumikha ng balangkas ng utak ng tao. Bukod dito, binalangkas ni Michelangelo ang pituitary gland, ang pons (nagpapadala ng mga impulses mula sa utak patungo sa spinal cord), at ang vertebral arteries na may mga linya.

Ang pagpipinta ay isang mahusay na mensahe mula sa isang progresibong humanist artist na naniniwala sa kapangyarihan ng pag-iisip ng tao.

“Mga Kawikaan sa Flemish” (Pieter Bruegel the Elder)

Ang pagpipinta ay nilikha ng isang Dutch na pintor noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Sa unang tingin, simple lang ang plot nito - isang ordinaryong araw sa market square. Gayunpaman, ang canvas ay may 112 na magkakahiwalay na komposisyong bahagi na naglalaman ng mga sikat na pariralang expression.

Tingnang mabuti ang larawan at makikita mo ang mga ilustrasyon ng mga idyoma: iuntog ang iyong ulo sa dingding; itali ang diyablo sa isang unan; pagsasabit ng kampana sa isang pusa (hindi makatwirang gawa); magsalita gamit ang dalawang bibig; magprito ng herring para sa caviar, atbp.

Ang larawang ito ay may matalas na interes hindi lamang para sa mga istoryador ng sining at mga dalubhasa sa kultura, kundi pati na rin sa mga philologist.

"Danae" (Harmens van Rijn Rembrandt)

Ipininta ng Dutch artist ang larawang ito sa loob ng 11 taon (1636–1647). Sa unang sulyap, ang pangunahing tauhang babae ay itinatanghal sa canvas sinaunang mitolohiyang Griyego Si Danae, na itinago sa piitan ng sarili niyang ama. Ang dahilan nito ay isang propesiya ayon sa kung saan ang hari ng Argos ay mahuhulog sa kamay ng kanyang apo.

Ang Danaë ni Rembrandt ay isang simbolo ng impermanence ng lalaki. Sa pag-aaral ng pagpipinta, natuklasan ng mga art historian na sa singsing na daliri ni Danae ay naroon singsing sa kasal, bagama't, ayon sa alamat, siya ay isang dalagang walang asawa noong siya ay nakulong. Bilang karagdagan, ang larawan ay hindi nagpakita ng ginintuang ulan na pinaulanan ni Zeus upang ipanganak ang buhay sa Danaë.

Ang pangalawang punto na nakalilito sa mga mananaliksik ay ang mukha ng pangunahing tauhang babae ay hindi kamukha ni Saskia van Uylenburch, ang batang asawa ni Rembrandt, na nagsilbing modelo para sa lahat ng kanyang mga pintura noong 1630s. Ito ay mas kakaiba, dahil ang "Danae" ay isinulat ng artista upang palamutihan ang kanyang sariling tahanan. Kaya sino ang nakunan niya sa canvas sa halip na ang kanyang asawa?

Ang sagot ay dumating noong 1950s, nang ang mga art historian ay nagsimulang gumamit ng X-ray upang pag-aralan ang mga pagpipinta. Ito ay lumabas na sa simula ay kinopya si Danae mula sa Saskia, at pagkatapos ay muling isinulat ng artist ang kanyang imahe, na nagbibigay ng mga tampok ng nars ng kanyang anak na si Gertje Dirks. Pagkatapos ng kamatayan ni Saskia, siya ay naging kanyang kasintahan, kasama at bagong muse.

"Kwarto sa Arly" (Vincent Van Gogh)

Hindi makayanan ang pag-uusig ng Parisian beau monde, si Vincent Van Gogh ay tumakas mula sa kabisera ng France. Noong tagsibol ng 1888, nagretiro siya sa isang maliit na gusali sa Arley, na binili ng pera mula sa isang mana. Sa wakas ay natagpuan ng artista ang kanyang sariling tahanan at sariling studio. Siya ay nanirahan sa Arly nang ilang panahon, naghihintay ng isa pang takas sa Paris, si Paul Gauguin. Kasama niya, nais ni Van Gogh na lumikha ng isang kapatiran ng mga artista.

Ang pagpipinta na "Bedroom in Arly", o "Yellow Bedroom", ay dokumentaryong ebidensya ng sakit sa isip ng pintor. Gamit ito, maaaring pag-aralan ng mga psychiatrist ang mga pagbabago sa isang taong dumaranas ng schizophrenia. Narito ang mga palatandaan na dapat abangan:

1. Matindi, kung hindi mapanghimasok dilaw. Mukhang hindi natural sa loob ng kwarto. Ang lahat ay tungkol sa foxglove, sa tulong kung saan nalabanan ni Vincent Van Gogh ang mga epileptic seizure. Ang regular na paggamit ng gamot na ito ay humahantong sa mga pagbabago sa pang-unawa sa kulay. Nakikita ng mga tao ang mundo sa dilaw-berde.
2. Isang pares ng mga bagay sa silid: dalawang upuan, dalawang unan, dalawang larawan, isang pares ng mga ukit ni Van Gogh. Sa ganitong paraan, sinubukan ng may-akda na makahanap ng kapayapaan ng isip at makayanan ang kalungkutan.
3. Ang mga saradong shutter ay isang simbolo ng panloob na paghihiwalay ng artist at isang pakiramdam ng seguridad.
4. Ang salamin sa dingding ay binili ni Van Gogh upang lumikha ng mga self-portraits. Tumanggi ang mga tao na mag-pose para sa kanya dahil hindi nila nakikita ang kanyang mga ipininta bilang pagkamalikhain.
5. Malaki ang naging papel ng pulang kumot sa kama sa buhay ng pintor. Sa isa sa kanyang mga pag-atake, pinutol niya ang kanyang tainga at, nakabalot sa kumot na ito, sinubukang pagtagumpayan ang takot na bumalot sa kanya.

Larawan - display panloob na mundo artista. Sa kaso ni Van Gogh, ang "Bedroom at Arly" ay ang kwento ng kanyang kalungkutan at kabaliwan.

"Ang Sigaw" (Edvard Munch)

Ang "The Scream" ay isa sa mga pinaka-mystical na pagpipinta noong ikadalawampu siglo. Kinatawan niya ang premonisyon ng isang unibersal na trahedya na humawak sa artista sa isa sa kanyang mga lakad. Nakita ni Munch ang madugong paglubog ng araw na nagliliyab sa kalangitan, at sa loob ay narinig niya ang sigaw ng paghihirap ng kalikasan. Ito mismo ang gusto niyang ipakita sa kanyang canvas.

Isang lalaking walang buhok, na ang balangkas ay kahawig ng isang kalansay, ay bumuka ang kanyang bibig at tinakpan ang kanyang mga tainga sa kakila-kilabot - ito ay kung paano siya tinamaan ng nakakatusok na alulong ng kalikasan. Ang pakiramdam na naranasan ng pintor at naaninag sa canvas ay naging makahulang. Ang "The Scream" ay naging simbolo ng ikadalawampu siglo - isang siglo ng karahasan, digmaan, kalupitan, pagkapoot sa tao, at pagpapahirap sa kapaligiran.

Ang larawan ay nauugnay sa isang serye mga misteryosong kwento. Kaya, ang lahat ng mga may-ari ng Scream ay nagdusa ng kasawian - pagkasira, kamatayan, aksidente. Nang dumating ang pagpipinta sa museo, maraming manggagawa ang nagpakita ng kapabayaan sa paggawa nito at ibinagsak ang canvas. Pagkaraan ng ilang sandali, ang isa ay nagpakamatay, at ang isa naman ay nasunog hanggang sa mamatay sa isang aksidente sa sasakyan. Ang mga kasawiang ito ay nauugnay sa nakamamatay na epekto ng obra maestra.

Ang mga siyentipiko ay tiwala na, tulad ng sa kaso ni Van Gogh, ang canvas ay ang sagisag mental disorder ang lumikha nito - si Edvard Munch.

"Ang Matandang Mangingisda" (Tivadar Kostka Chontvari)

Isang parmasyutiko mula sa Hungary, na nakakita ng isang makahulang panaginip, ibinenta ang parmasya, binili ang lahat ng kailangan para sa pagpipinta, at natutunan ang kasanayan mula sa mga pintor ng Lebanese.

Sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan sa simula ng ikadalawampu siglo, ipinakita niya ang isang orihinal na gawa - ang pagpipinta na "The Old Fisherman". Tila walang espesyal tungkol dito: ang publiko ay walang ideya kung ano ang napakahiwaga tungkol sa pagpipinta na ito. Ito ay tungkol sa subtext, na hindi gaanong madaling basahin. Posible lamang itong malutas pagkatapos ng 50 taon.

Si Chontvari ay nagpinta ng kakaiba at bahagyang nakakatakot na mga pagpipinta, kaya hindi sila sikat. Dahil dito, namatay siya sa kahirapan, at napunta sa basurahan ang kanyang mga ipininta. Ilang mga painting lamang ng master ang nakaligtas at napunta sa museo ng lungsod ng Pecs. Kabilang sa mga ito ang "The Old Fisherman".

Naisip ng isa sa mga empleyado ng museo na gumamit ng salamin upang ipakita ang subtext ng obra maestra. Ito ay lumabas na kung hatiin mo ang larawan sa kalahati ng isang salamin, pagkatapos ay nabuo ang dalawang magkasalungat na plot: ang una ay naglalarawan sa Diyos na naglalayag sa isang bangka sa isang tahimik na dagat, at ang pangalawa ay naglalarawan ng diyablo sa isang mabagyong dagat. Ito ay isang metapora para sa pagiging kumplikado ng pagkakaroon na nilikha ng isang Hungarian artist.

Ito ay isang maliit na bahagi lamang ng mga sikat na painting na pumukaw ng mystical awe at pagsamba. Ang mga likha nina Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt at Kazemir Malevich ay nagbubunga ng kasiyahan, kakila-kilabot at pagsamba. Ang mga ito ay nalutas, hinahangaan, at tumatagal sila ng mga taon upang maunawaan ang kanilang nilalaman. Ang pag-unawa sa mga misteryo ng mahusay na mga pagpipinta ay isang hakbang tungo sa pag-unawa sa tao at sa mundo.

Mga sikat na balita

17:56

Ang pinong sining ay palaging itinuturing na malapit na nauugnay sa mystical sphere. Pagkatapos ng lahat, ang anumang imahe ay isang masiglang imprint ng orihinal, lalo na kung pinag-uusapan natin tungkol sa mga portrait. Ito ay pinaniniwalaan na sila ay nakakaimpluwensya hindi lamang sa kung saan sila isinulat, kundi pati na rin sa ibang mga tao. Hindi mo kailangang tumingin sa malayo para sa mga halimbawa: lumiko tayo sa Russian mga pintura noong ika-19 na siglo– simula ng ikadalawampu siglo.

Ang mistisismo ng larawan ni Maria Lopukhina

Ang mga kagiliw-giliw na dilag na tumitingin sa amin mula sa mga kuwadro na gawa ng magagaling na pintor ay mananatiling ganoon din: bata, kaakit-akit at puno ng mahahalagang enerhiya. Gayunpaman, ang tunay na kapalaran ng magagandang modelo ay hindi palaging nakakainggit na tila sa unang tingin. Ito ay napakadaling makita mula sa halimbawa ng sikat na larawan ni Maria Lopukhina, na ipininta ni Vladimir Borovikovsky.

Si Maria Lopukhina, nagmula sa pamilya ng bilang ng Tolstoy, kaagad pagkatapos ng kanyang sariling kasal (siya ay 18 taong gulang) ay nag-pose para kay Vladimir Borovikovsky. Ang larawan ay kinomisyon ng kanyang asawa. Sa oras ng pagsulat, si Maria ay mukhang napakarilag. Ang kanyang mukha ay nagniningning ng labis na alindog, espirituwalidad at panaginip... Walang alinlangan na isang mahaba at mahabang buhay ang naghihintay sa kaakit-akit na modelo. masayang buhay. Ito ay isang hindi maunawaan na katotohanan, ngunit si Maria ay namatay sa pagkonsumo noong siya ay 23 taong gulang lamang.

Makalipas ang ilang sandali, isusulat ng makata na si Polonsky na "Iniligtas ni Borovikovsky ang kanyang kagandahan ...". Gayunpaman, kaagad pagkatapos ng pagkamatay ng batang kagandahan, hindi lahat ay magbahagi ng opinyon na ito. Pagkatapos ng lahat, sa oras na iyon ay may usapan sa Moscow na ito ay ang masamang larawan na dapat sisihin sa pagkamatay ni Maria Lopukhina.

Nagsimula silang umiwas sa larawang ito, na para bang mula sa isang multo. Naniniwala sila na kung titingnan siya ng dalaga, malapit na siyang mamatay. Ayon sa ilang mga ulat, ang mahiwagang larawan ay pumatay ng humigit-kumulang sampung batang babae na may edad na mag-asawa. Sinabi nila na ang ama ni Mary, isang sikat na mistiko, pagkatapos mamatay ang kanyang anak na babae, ay hinikayat ang kanyang espiritu sa pagpipinta na ito.

Gayunpaman, halos isang daang taon na ang lumipas, hindi natakot si Pavel Tretyakov at nakuha ito biswal na larawan para sa sarili mong gallery. Pagkatapos nito, ang larawan ay "huminahon." Ngunit ano ito - walang laman na tsismis, isang kakaibang pagkakataon ng mga pangyayari, o mayroon bang mas nakatago sa likod ng misteryosong kababalaghan? Sa kasamaang palad, malamang na hindi natin malalaman ang sagot sa tanong na ito.

Ilya Repin - isang bagyo para sa mga sitter?

Hindi malamang na may magtaltalan na si Ilya Efimovich Repin ay isa sa mga pinakadakilang pintor ng Russia. Ngunit may isang kakaiba at kalunos-lunos na pangyayari: marami na nagkaroon ng karangalan na maging kanyang mga sitter ay namatay sa lalong madaling panahon. Kabilang sa mga ito ay Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, at ang artistang Italyano na si Mercy d'Argenteau. Sa sandaling kinuha ng artista ang larawan ni Fyodor Tyutchev, namatay din siya. Siyempre, sa lahat ng pagkakataon ay may mga layuning dahilan para sa kamatayan, ngunit narito ang mga pagkakataon... Maging ang mabibigat na lalaki na nag-pose para kay Repin para sa canvas na "Mga Barge Haulers sa Volga" ay sinasabing maagang ibinigay ang kanilang mga kaluluwa sa Diyos.

Gayunpaman, ang karamihan nakakatakot na kwento nangyari sa pagpipinta na "Ivan the Terrible and his son Ivan November 16, 1581," na sa ating panahon ay mas kilala bilang "Ivan the Terrible Kills His Son." Kahit na ang mga balanseng tao ay hindi mapalagay kapag tumitingin sa canvas: ang eksena ng pagpatay ay ipininta nang masyadong makatotohanan, napakaraming dugo sa canvas na tila totoo.

Ang pagpipinta na ipinakita sa Tretyakov Gallery ay gumawa ng kakaibang impresyon sa mga bisita. Ang ilan ay umiyak sa harap ng larawan, ang iba ay nahulog sa pagkahilo, at ang iba ay nagdusa ng hysterical fit. At ang batang pintor ng icon na si Abram Balashov ay pinutol ang canvas gamit ang isang kutsilyo noong Enero 16, 1913. Siya ay ipinadala sa isang mental hospital, kung saan siya namatay. Ang canvas ay naibalik.

Nabatid na matagal na nag-isip si Repin bago kumuha ng pelikula tungkol kay Ivan the Terrible. At sa magandang dahilan. Ang artist na si Myasoedov, kung saan ipininta ang imahe ng Tsar, sa lalong madaling panahon sa galit ay halos patayin ang kanyang batang anak, na tinawag ding Ivan, tulad ng pinatay na Tsarevich. Ang imahe ng huli ay batay sa manunulat na si Vsevolod Garshin, na kasunod na nabaliw at nagpakamatay sa pamamagitan ng pagtapon ng sarili sa isang hagdanan...

Isang pagpatay na hindi nangyari

Ang kwento na si Ivan the Terrible ay isang son-killer ay isang mito lamang.

Ito ay pinaniniwalaan na pinatay ni Ivan the Terrible ang kanyang anak sa galit na may suntok sa templo mula sa kanyang mga tauhan. Ang iba't ibang mga mananaliksik ay nagbibigay ng iba't ibang dahilan: mula sa isang domestic away hanggang sa pulitikal na alitan. Samantala, wala sa mga source ang direktang nagsasaad na ang prinsipe at tagapagmana ng trono ay pinatay ng sarili niyang ama!

Ang "Piskarevsky Chronicler" ay nagsabi: "Sa 12 ng gabi ng tag-araw ng Nobyembre 7090 sa ika-17 araw... ang pagkamatay ni Tsarevich John Ioannovich." Ang Novgorod Fourth Chronicle ay nag-uulat: "Sa parehong taon (7090) si Tsarevich John Ioannovich ay nagpahinga sa Matins sa Sloboda." Ang sanhi ng kamatayan ay hindi pa inihayag.
Noong 60s ng huling siglo, binuksan ang mga libingan ni Ivan the Terrible at ng kanyang anak. Ang bungo ng prinsipe ay walang katangian ng pinsala pinsala sa utak. Samakatuwid, walang filicide?! Ngunit saan nanggaling ang alamat tungkol sa kanya?

Ang may-akda nito ay ang Heswita monghe na si Anthony Possevino (Antonio Possevino), na ipinadala sa Moscow bilang isang ambassador mula sa Papa na may panukala. Simbahang Orthodox sumailalim sa awtoridad ng Vatican. Ang ideya ay hindi nakatagpo ng suporta mula sa Russian Tsar. Samantala, si Possevin ay naging saksi umano sa isang family scandal. Nagalit ang Emperor sa kanyang buntis na manugang na babae, ang asawa ng kanyang anak na si Ivan, para sa kanyang "malaswang hitsura" - maaaring nakalimutan niyang magsuot ng sinturon, o magsuot lamang siya ng isang kamiseta, kapag siya ay dapat na magsuot. apat. Sa init ng panahon, sinimulan nang bugbugin ng biyenan ang kapus-palad na babae na may tungkod. Ang prinsipe ay tumayo para sa kanyang asawa: bago ito, ipinadala na ng kanyang ama ang kanyang unang dalawang asawa sa monasteryo, na hindi maaaring magbuntis mula sa kanya. Si John the Younger ay hindi hindi makatwirang natakot na mawala sa kanya ang pangatlo - papatayin lang siya ng kanyang ama. Sinugod niya ang pari, at sa matinding karahasan ay hinampas niya ang kanyang tungkod at tinusok ang templo ng kanyang anak. Gayunpaman, maliban kay Possevin, walang isang pinagmumulan ang nagpapatunay sa bersyong ito, bagama't nang maglaon ay kinuha ito ng ibang mga istoryador, sina Staden at Karamzin.

• Iminumungkahi ng mga modernong mananaliksik na ang Heswita ay gumawa ng alamat bilang pagganti sa katotohanan na kailangan niyang bumalik sa korte ng papa "nang walang slurp."

Sa panahon ng paghukay, ang mga labi ng mga lason ay natagpuan sa mga tisyu ng buto ng prinsipe. Ito ay maaaring magpahiwatig na si John the Younger ay namatay dahil sa pagkalason (na hindi karaniwan sa mga panahong iyon), at hindi dahil sa pagkatamaan ng matigas na bagay!

Gayunpaman, sa pagpipinta ni Repin ay tiyak na nakikita natin ang bersyon ng filicide. Isinasagawa ito nang may pambihirang verisimilitude na hindi mo maiwasang maniwala na ito mismo ang nangyari sa katotohanan. Samakatuwid, siyempre, ang "killer" na enerhiya.

At muli ay nakilala ni Repin ang kanyang sarili

Sa sandaling naatasan si Repin na lumikha ng isang malaking monumental na canvas na "Ceremonial Meeting" Konseho ng Estado" Ang pagpipinta ay natapos sa pagtatapos ng 1903. At noong 1905, sumiklab ang unang rebolusyong Ruso, kung saan nahulog ang mga pinuno ng mga opisyal na inilalarawan sa canvas. Ang ilan ay nawalan ng kanilang mga post at titulo, ang iba ay nagbayad pa ng kanilang buhay: Ministro V.K. Plehve at Grand Duke Si Sergei Alexandrovich, dating gobernador-heneral ng Moscow, ay pinatay ng mga terorista.

Noong 1909, nagpinta ang pintor ng larawan na kinomisyon ng Saratov City Duma. Halos hindi pa niya natapos ang trabaho nang barilin si Stolypin sa Kyiv.

Sino ang nakakaalam - marahil kung si Ilya Repin ay hindi gaanong talino, ang mga trahedya ay maaaring hindi nangyari. Noong ika-15 siglo, ang siyentipiko, pilosopo, alchemist at salamangkero na si Cornelius Agrippa ng Nettesheim ay sumulat: "Mag-ingat sa brush ng pintor - ang kanyang larawan ay maaaring maging mas buhay kaysa sa orihinal."

Mystical painting na "Stranger" ni Ivan Kramskoy

Ang larawan ay mahimalang nakaligtas sa dalawang panahon ng malawakang interes sa sarili nito, at sa isang ganap iba't ibang panahon. Sa unang pagkakataon - pagkatapos maisulat noong 1883, ito ay itinuturing na sagisag ng aristokrasya at napakapopular sa mga sopistikadong publiko ng St. Petersburg.

Sa hindi inaasahan, isa pang pagsulong ng interes sa "Hindi Alam" ang naganap sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Ang mga apartment ay pinalamutian ng mga reproduksyon ng gawa ni Kramskoy na pinutol mula sa mga magazine, at ang mga kopya ng "The Unknown" ay isa sa mga pinakasikat na order mula sa mga artist sa lahat ng antas. Totoo, sa ilang kadahilanan ang pagpipinta ay kilala na sa ilalim ng pangalang "Estranghero," marahil sa ilalim ng impluwensya ng gawain ni Blok ng parehong pangalan. Kahit na ang "Stranger" na mga kendi ay nilikha gamit ang pagpipinta ni Kramskoy sa kahon. Kaya, ang maling pamagat ng akda sa wakas ay “nabuhay.”

Maraming mga taon ng pananaliksik sa "sino ang inilalarawan sa pagpipinta ni Kramskoy" ay hindi nagbunga ng mga resulta. Ayon sa isang bersyon, ang prototype ng "simbolo ng aristokrasya" ay isang babaeng magsasaka na nagngangalang Matryona, na pinakasalan ang maharlikang si Bestuzhev.

Ang "The Stranger" ni Ivan Kramskoy ay isa sa mga pinaka mahiwagang obra maestra ng pagpipinta ng Russia.

Sa unang sulyap, walang mystical sa portrait: ang kagandahan ay nakasakay sa Nevsky Prospect sa isang bukas na karwahe.

Itinuring ng marami ang pangunahing tauhang babae ni Kramskoy na isang aristokrata, ngunit ang isang naka-istilong velvet coat na may fur at asul na satin ribbons at isang naka-istilong beret na sumbrero, kasama ng mga penciled na kilay, kolorete at pamumula sa kanyang mga pisngi, ay minarkahan siya bilang isang ginang ng noon ay demi-monde. Hindi isang patutot, ngunit malinaw na pinananatiling babae ng ilang marangal o mayaman na lalaki.

Gayunpaman, nang tanungin ang artista kung ang babaeng ito ay umiral sa katotohanan, ngumiti lamang siya at nagkibit-balikat. Sa anumang kaso, walang nakakita sa orihinal.
Samantala, tumanggi si Pavel Tretyakov na bumili ng isang larawan para sa kanyang gallery - marahil ay natatakot siya sa paniniwala na ang mga larawan ng mga dilag ay "sumipsip ng lakas" mula sa mga buhay na tao.

Ang "Estranghero" ay nagsimulang maglakbay sa mga pribadong pagpupulong. At sa lalong madaling panahon siya ay nakakuha ng katanyagan. Iniwan siya ng asawa ng unang may-ari nito, nasunog ang bahay ng pangalawa, at nabangkarote ang pangatlo. Ang lahat ng mga kasawiang ito ay iniugnay sa nakamamatay na larawan.

Si Kramskoy mismo ay hindi nakatakas sa sumpa. Wala pang isang taon matapos ang paglikha ng "Unknown," ang kanyang dalawang anak na lalaki ay sunod-sunod na namatay.

Ang "sumpain" na larawan ay nagpunta sa ibang bansa. Sinabi nila na doon siya nagdulot ng lahat ng uri ng kaguluhan sa kanyang mga may-ari. Noong 1925, ang "The Stranger" ay bumalik sa Russia at gayunpaman ay kinuha ang lugar nito sa Tretyakov Gallery. Mula noon, wala nang mga insidenteng naganap.

Siguro ang buong punto ay ang larawan ay dapat na kinuha ang nararapat na lugar nito mula pa sa simula?

Halos bawat makabuluhang gawa ng sining ay may misteryo, isang "double bottom" o isang lihim na kuwento na gusto mong alisan ng takip.

Musika sa puwitan

Hieronymus Bosch, "The Garden of Earthly Delights", 1500-1510.

Fragment ng bahagi ng isang triptych

Mga pagtatalo tungkol sa mga kahulugan at mga nakatagong kahulugan Ang pinakasikat na gawa ng Dutch artist ay hindi humupa mula nang lumitaw ito. Ang kanang pakpak ng triptych na tinatawag na "Musical Hell" ay naglalarawan sa mga makasalanan na pinahirapan sa underworld sa tulong ng mga Instrumentong pangmusika. Ang isa sa kanila ay may mga music notes na nakatatak sa kanyang puwitan. Ang estudyante sa Oklahoma Christian University na si Amelia Hamrick, na nag-aral ng pagpipinta, ay nagsalin ng 16th-century notation sa isang modernong twist at nag-record ng "500-year-old butt song from hell."

Hubad na si Mona Lisa

Ang sikat na "La Gioconda" ay umiiral sa dalawang bersyon: ang hubo't hubad na bersyon ay tinatawag na "Monna Vanna", ito ay ipininta ng hindi kilalang artist na si Salai, na isang estudyante at sitter ng dakilang Leonardo da Vinci. Maraming mga istoryador ng sining ang sigurado na siya ang naging modelo para sa mga pagpipinta ni Leonardo na "John the Baptist" at "Bacchus". Mayroon ding mga bersyon na si Salai, na nakasuot ng damit ng isang babae, ay nagsilbing imahe ng Mona Lisa mismo.

Matandang Mangingisda

Noong 1902 Hungarian artist Ipininta ni Tivadar Kostka Chontvari ang pagpipinta " Matandang Mangingisda" Mukhang walang kakaiba sa larawan, ngunit inilagay ni Tivadar dito ang isang subtext na hindi kailanman ipinahayag sa buong buhay ng artist.

Ilang tao ang naisip na maglagay ng salamin sa gitna ng larawan. Ang bawat tao ay maaaring maging katulad ng Diyos (nadoble kanang balikat Ang matanda) at ang Diyablo (ang kaliwang balikat ng matanda ay nadoble).

May balyena ba?

Hendrik van Antonissen, Shore Scene.

Mukhang, ordinaryong tanawin. Mga bangka, mga tao sa baybayin at isang desyerto na dagat. At tanging ang isang X-ray na pag-aaral ay nagpakita na ang mga tao ay nagtipon sa baybayin para sa isang dahilan - sa orihinal na tinitingnan nila ang bangkay ng isang balyena na nahugasan sa pampang.

Gayunpaman, nagpasya ang artist na walang sinuman ang gustong tumingin sa isang patay na balyena, at muling isinulat ang pagpipinta.

Dalawang "Almusal sa Damo"

Edouard Manet, "Luncheon on the Grass", 1863.

Claude Monet, "Pananghalian sa Grass", 1865.

Ang mga artista na sina Edouard Manet at Claude Monet ay minsan nalilito - pagkatapos ng lahat, pareho silang Pranses, namuhay nang sabay at nagtrabaho sa istilo ng impresyonismo. Hiniram pa ni Monet ang pamagat ng isa sa pinakasikat na painting ni Manet, "Luncheon on the Grass," at isinulat ang sarili niyang "Luncheon on the Grass."

Doble sa Huling Hapunan

Leonardo da Vinci, "Ang Huling Hapunan", 1495-1498.

Nang isulat ni Leonardo da Vinci ang The Last Supper, binigyan niya ng partikular na kahalagahan ang dalawang pigura: si Kristo at si Judas. Matagal siyang naghahanap ng mga modelo para sa kanila. Sa wakas, nakahanap siya ng isang modelo para sa imahe ni Kristo sa mga batang mang-aawit. Si Leonardo ay hindi nakahanap ng modelo para kay Judas sa loob ng tatlong taon. Ngunit isang araw ay nakasalubong niya ang isang lasenggo sa kalye na nakahiga sa isang kanal. Siya ay isang binata na natanda na sa sobrang pag-inom. Inanyayahan siya ni Leonardo sa isang taberna, kung saan nagsimula siyang magpinta kay Judas mula sa kanya. Nang matauhan na ang lasenggo, sinabi niya sa artista na minsan na itong nagpa-pose sa kanya. Ilang taon na ang nakalipas, nang kumanta siya sa koro ng simbahan, ipininta ni Leonardo si Kristo mula sa kanya.

"Night Watch" o "Day Watch"?

Rembrandt, "Night Watch", 1642.

Isa sa pinakasikat na mga painting ni Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenburg," ay nakabitin sa magkakaibang silid sa loob ng humigit-kumulang dalawang daang taon at natuklasan lamang ng mga art historian noong ika-19 na siglo. Dahil ang mga figure ay tila lumilitaw sa isang madilim na background, tinawag itong "Night Watch," at sa ilalim ng pangalang ito ay pumasok ito sa treasury ng mundo ng sining.

At sa panahon lamang ng pagpapanumbalik na isinagawa noong 1947, natuklasan na sa bulwagan ang pagpipinta ay pinamamahalaang natatakpan ng isang layer ng soot, na nag-distort sa kulay nito. Matapos linisin ang orihinal na pagpipinta, sa wakas ay nahayag na ang eksenang kinakatawan ni Rembrandt ay aktwal na nagaganap sa araw. Ang posisyon ng anino mula sa kaliwang kamay ni Kapitan Kok ay nagpapakita na ang tagal ng pagkilos ay hindi hihigit sa 14 na oras.

Nabaligtad na bangka

Henri Matisse, "Ang Bangka", 1937.

Sa New York Museum kontemporaryong sining noong 1961, ipinakita ang pagpipinta ni Henri Matisse na "The Boat". Pagkaraan lamang ng 47 araw ay may nakapansin na ang pagpipinta ay nakabitin nang patiwarik. Ang canvas ay naglalarawan ng 10 lilang linya at dalawang asul na layag sa puting background. Ang pintor ay nagpinta ng dalawang layag para sa isang dahilan; ang pangalawang layag ay isang salamin ng una sa ibabaw ng tubig.
Upang hindi magkamali sa kung paano dapat mag-hang ang larawan, kailangan mong bigyang-pansin ang mga detalye. Ang mas malaking layag ay dapat na nasa tuktok ng pagpipinta, at ang tuktok ng layag ng pagpipinta ay dapat na patungo sa kanang sulok sa itaas.

Panlilinlang sa self-portrait

Vincent van Gogh, "Self-Portrait na may Pipe", 1889.

May mga alamat na pinutol umano ni Van Gogh ang kanyang sariling tainga. Ngayon ang pinaka-maaasahang bersyon ay nasira ni van Gogh ang kanyang tainga sa isang maliit na away na kinasasangkutan ng isa pang artist, si Paul Gauguin.

Ang self-portrait ay kawili-wili dahil ito ay sumasalamin sa katotohanan sa isang baluktot na anyo: ang artista ay inilalarawan na ang kanyang kanang tainga ay nakabenda dahil siya ay gumagamit ng salamin kapag nagtatrabaho. Sa katunayan, ang kaliwang tainga ang naapektuhan.

Alien bear

Ivan Shishkin, "Umaga sa kagubatan ng pino", 1889.

Ang sikat na pagpipinta ay nabibilang hindi lamang kay Shishkin. Maraming mga artista na magkaibigan sa isa't isa ay madalas na gumamit ng "tulong ng isang kaibigan," at si Ivan Ivanovich, na nagpinta ng mga landscape sa buong buhay niya, ay natatakot na ang kanyang mga nakakaantig na oso ay hindi magiging ayon sa gusto niya. Samakatuwid, lumingon si Shishkin sa kanyang kaibigan, ang artist ng hayop na si Konstantin Savitsky.

Ipininta ni Savitsky marahil ang pinakamahusay na mga oso sa kasaysayan ng pagpipinta ng Russia, at inutusan ni Tretyakov na hugasan ang kanyang pangalan sa canvas, dahil ang lahat ng nasa larawan "mula sa konsepto hanggang sa pagpapatupad, lahat ay nagsasalita tungkol sa paraan ng pagpipinta, tungkol sa malikhaing pamamaraan, katangian ni Shishkin."

Ang inosenteng kwento ng "Gothic"

Grant Wood," Amerikanong Gothic", 1930.

Ang gawa ni Grant Wood ay itinuturing na isa sa pinakakakaiba at nakapanlulumo sa kasaysayan ng pagpipinta ng Amerika. Ang larawan kasama ang malungkot na ama at anak na babae ay puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanismo at retrograde na katangian ng mga taong inilalarawan.
Sa katunayan, hindi nilayon ng artista na maglarawan ng anumang kakila-kilabot: sa isang paglalakbay sa Iowa, napansin niya ang isang maliit na bahay sa estilong gothic at nagpasya na ilarawan ang mga taong, sa kanyang opinyon, ay magiging perpekto bilang mga naninirahan. Ang kapatid na babae ni Grant at ang kanyang dentista ay na-immortalize dahil ang mga character na Iowans ay labis na nasaktan.

Paghihiganti ni Salvador Dali

Ang pagpipinta na "Figure at a Window" ay ipininta noong 1925, nang si Dali ay 21 taong gulang. Sa oras na iyon, hindi pa pumasok si Gala sa buhay ng artista, at ang kanyang muse ay ang kanyang kapatid na si Ana Maria. Ang relasyon ng magkapatid na lalaki at kapatid na babae ay lumala nang sumulat siya sa isa sa mga pintura na "kung minsan ay dumura ako sa larawan ng aking sariling ina, at ito ay nagbibigay sa akin ng kasiyahan." Hindi mapapatawad ni Ana Maria ang gayong nakakagulat na pag-uugali.

Sa kanyang 1949 na aklat, Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, isinulat niya ang tungkol sa kanyang kapatid nang walang anumang papuri. Ikinagalit ng libro si Salvador. Sa loob ng isa pang sampung taon pagkatapos noon, galit niyang inaalala siya sa bawat pagkakataon. At kaya, noong 1954, lumitaw ang pagpipinta na "Isang Batang Birhen na Nagpasasa sa Kasalanan ng Sodomy sa Tulong ng mga Sungay ng Kanyang Sariling Kalinisang-puri". Ang pose ng babae, ang kanyang mga kulot, ang tanawin sa labas ng bintana at ang color scheme ng painting ay malinaw na umaalingawngaw sa "Figure at the Window." May isang bersyon na naghiganti si Dali sa kanyang kapatid para sa kanyang libro.

Dalawang mukha si Danae

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Maraming mga lihim ng isa sa mga pinakasikat na pagpipinta ni Rembrandt ang nahayag lamang noong 60s ng ikadalawampu siglo, nang ang canvas ay naiilaw sa X-ray. Halimbawa, ipinakita ng pagbaril na sa isang maagang bersyon ang mukha ng prinsesa, na pumasok sa isang pag-iibigan kay Zeus, ay katulad ng mukha ni Saskia, ang asawa ng pintor, na namatay noong 1642. Sa panghuling bersyon ng pagpipinta, nagsimula itong maging katulad ng mukha ni Gertje Dirks, ang maybahay ni Rembrandt, kung saan nakatira ang artista pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang asawa.

Ang dilaw na kwarto ni Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Kwarto sa Arles", 1888 - 1889.

Noong Mayo 1888, nakuha ni Van Gogh ang isang maliit na studio sa Arles, sa timog ng France, kung saan tumakas siya mula sa mga artista at kritiko ng Paris na hindi nakaintindi sa kanya. Sa isa sa apat na silid, nag-set up ng kwarto si Vincent. Noong Oktubre, handa na ang lahat, at nagpasya siyang ipinta ang "Van Gogh's Bedroom sa Arles." Para sa artist, ang kulay at ginhawa ng silid ay napakahalaga: ang lahat ay kailangang pukawin ang mga saloobin ng pagpapahinga. Kasabay nito, ang larawan ay idinisenyo sa nakababahala na mga dilaw na tono.

Ipinaliwanag ito ng mga mananaliksik ng gawa ni Van Gogh sa pamamagitan ng katotohanan na ang artist ay kumuha ng foxglove, isang lunas para sa epilepsy, na nagiging sanhi ng malubhang pagbabago sa pang-unawa ng kulay ng pasyente: ang buong nakapaligid na katotohanan ay pininturahan ng berde at dilaw na tono.

Walang ngipin ang pagiging perpekto

Leonardo da Vinci, "Portrait of Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

Ang pangkalahatang tinatanggap na opinyon ay ang Mona Lisa ay perpekto at ang kanyang ngiti ay maganda sa misteryo nito. Gayunpaman, naniniwala ang American art critic (at part-time na dentista) na si Joseph Borkowski na, sa pamamagitan ng kanyang ekspresyon sa mukha, ang pangunahing tauhang babae ay nawalan ng maraming ngipin. Habang pinag-aaralan ang pinalaki na mga larawan ng obra maestra, natuklasan din ni Borkowski ang mga peklat sa kanyang bibig. "Siya ay "ngumingiti" nang ganoon dahil sa nangyari sa kanya," ang paniniwala ng eksperto. "Ang ekspresyon ng mukha niya ay tipikal ng mga taong nawalan ng ngipin sa harapan."

Major sa kontrol ng mukha

Pavel Fedotov, "Major's Matchmaking", 1848.

Ang publiko, na unang nakakita ng pagpipinta na "Major's Matchmaking," ay tumawa nang buong puso: pinunan ito ng artist na si Fedotov ng mga ironic na detalye na naiintindihan ng madla noong panahong iyon. Halimbawa, ang mayor ay malinaw na hindi pamilyar sa mga alituntunin ng marangal na kagandahang-asal: nagpakita siya nang walang kinakailangang mga bouquet para sa nobya at sa kanyang ina. At binihisan ng kanyang mga magulang na mangangalakal ang nobya sa isang panggabing ball gown, bagaman ito ay araw (lahat ng mga lampara sa silid ay pinatay). Malinaw na sinubukan ng batang babae ang isang low-cut na damit sa unang pagkakataon, nahihiya at sinubukang tumakas sa kanyang silid.

Bakit nakahubad si Liberty?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Kalayaan sa mga Barricades", 1830.

Ayon sa kritiko ng sining na si Etienne Julie, ibinase ni Delacroix ang mukha ng babae sa sikat na Parisian revolutionary - ang labandera na si Anne-Charlotte, na pumunta sa mga barikada pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang kapatid sa kamay ng mga maharlikang sundalo at pumatay ng siyam na guwardiya. Inilarawan siya ng artista na walang hubad ang kanyang mga suso. Ayon sa kanyang plano, ito ay isang simbolo ng kawalang-takot at pagiging hindi makasarili, pati na rin ang tagumpay ng demokrasya: ang hubad na dibdib ay nagpapakita na ang Liberty, bilang isang karaniwang tao, ay hindi nagsusuot ng corset.

Hindi parisukat na parisukat

Kazimir Malevich, "Itim suprematist square", 1915.

Sa katunayan, ang "Black Square" ay hindi talaga itim at hindi parisukat: wala sa mga gilid ng quadrangle ang kahanay sa alinman sa iba pang mga gilid nito, at sa wala sa mga gilid ng parisukat na frame na naka-frame sa larawan. At ang madilim na kulay ay ang resulta ng paghahalo ng iba't ibang kulay, kung saan walang itim. Ito ay pinaniniwalaan na hindi ito kapabayaan ng may-akda, ngunit isang may prinsipyong posisyon, ang pagnanais na lumikha ng isang pabago-bago, mobile na anyo.

Natuklasan ng mga espesyalista mula sa Tretyakov Gallery ang inskripsiyon ng may-akda sa sikat na pagpipinta Malevich. Ang nakasulat sa inskripsiyon ay: "Ang labanan ng mga itim sa madilim na kuweba." Ang pariralang ito ay tumutukoy sa pamagat ng nakakatawang pagpipinta ng Pranses na mamamahayag, manunulat at artist na si Alphonse Allais, "The Battle of Negroes in a Dark Cave in the Dead of Night," na isang ganap na itim na parihaba.

Melodrama ng Austrian Mona Lisa

Gustav Klimt, "Portrait of Adele Bloch-Bauer", 1907.

Ang isa sa pinakamahalagang pagpipinta ni Klimt ay naglalarawan sa asawa ng Austrian sugar magnate na si Ferdinad Bloch-Bauer. Lahat ng Vienna ay tinatalakay ang mabagyong pag-iibigan ni Adele at sikat na artista. Nais ng nasugatan na asawa na maghiganti sa kanyang mga manliligaw, ngunit pumili ng isang hindi pangkaraniwang paraan: nagpasya siyang utusan si Klimt ng isang larawan ni Adele at pilitin siyang gumawa ng daan-daang mga sketch hanggang sa magsimulang sumuka ang artist mula sa kanya.

Gusto ni Bloch-Bauer na tumagal ang trabaho ng ilang taon, para makita ng sitter kung paano humihina ang damdamin ni Klimt. Gumawa siya ng isang mapagbigay na alok sa artista, na hindi niya maaaring tanggihan, at ang lahat ay naging ayon sa senaryo ng nalinlang na asawa: ang gawain ay natapos sa loob ng 4 na taon, ang mga mahilig ay matagal nang lumamig sa isa't isa. Hindi alam ni Adele Bloch-Bauer na alam ng kanyang asawa ang relasyon nila ni Klimt.

Ang pagpipinta na nagbigay-buhay kay Gauguin

Paul Gauguin, "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?", 1897-1898.

Ang pinakasikat na pagpipinta ni Gauguin ay may isang kakaiba: ito ay "basahin" hindi mula kaliwa hanggang kanan, ngunit mula kanan pakaliwa, tulad ng mga Kabbalistic na teksto kung saan interesado ang artist. Sa ganitong pagkakasunud-sunod na ang alegorya ng espirituwal at pisikal na buhay ng tao ay nagbubukas: mula sa pagsilang ng kaluluwa (isang natutulog na bata sa ibabang kanang sulok) hanggang sa hindi maiiwasang oras ng kamatayan (isang ibon na may butiki sa mga kuko nito sa kaliwang sulok sa ibaba).

Ang pagpipinta ay ipininta ni Gauguin sa Tahiti, kung saan ang pintor ay nakatakas mula sa sibilisasyon ng ilang beses. Ngunit sa pagkakataong ito ang buhay sa isla ay hindi nagtagumpay: ang kabuuang kahirapan ay humantong sa kanya sa depresyon. Nang matapos ang canvas, na magiging kanyang espirituwal na testamento, kinuha ni Gauguin ang isang kahon ng arsenic at pumunta sa mga bundok upang mamatay. Gayunpaman, hindi niya kinakalkula ang dosis, at nabigo ang pagpapakamatay. Kinaumagahan, umindayog siya sa kanyang kubo at nakatulog, at nang magising, nakalimutan niyang uhaw sa buhay. At noong 1898, nagsimulang umunlad ang kanyang negosyo, at nagsimula ang isang mas maliwanag na panahon sa kanyang trabaho.

112 salawikain sa isang larawan

Pieter Bruegel the Elder, "Mga Kawikaan ng Olandes", 1559

Inilarawan ni Pieter Bruegel the Elder ang isang lupain na tinitirhan ng mga literal na larawan ng mga kawikaang Dutch noong mga panahong iyon. Ang pagpipinta ay naglalaman ng humigit-kumulang 112 nakikilalang mga idyoma. Ang ilan sa mga ito ay ginagamit pa rin ngayon, halimbawa, tulad ng: "langoy laban sa agos", "iuntog ang iyong ulo sa dingding", "may sandata sa ngipin" at "kumakain ng maliliit na isda ang malalaking isda".

Ang ibang mga salawikain ay sumasalamin sa katangahan ng tao.

Subjectivity ng sining

Paul Gauguin, "Breton Village in the Snow", 1894

Ang pagpipinta ni Gauguin na "Breton Village in the Snow" ay naibenta pagkatapos ng kamatayan ng may-akda sa halagang pitong franc lamang at, bukod dito, sa ilalim ng pangalang "Niagara Falls." Ang lalaking may hawak ng auction ay hindi sinasadyang nakasabit nang patiwarik ang painting dahil may nakita siyang talon dito.

Nakatagong larawan

Pablo Picasso, "Blue Room", 1901

Noong 2008, inihayag ng infrared radiation na nakatago sa ilalim ng Blue Room ang isa pang larawan - isang larawan ng isang lalaking nakasuot ng suit na may bow tie at nakapatong ang ulo sa kanyang kamay. "Sa sandaling nagkaroon si Picasso bagong ideya, kinuha niya ang brush at isinama iyon. Ngunit hindi siya nagkaroon ng pagkakataon na bumili ng bagong canvas sa tuwing bibisita siya ng muse,” paliwanag ng art historian na si Patricia Favero ang posibleng dahilan nito.

Hindi available na mga Moroccan

Zinaida Serebryakova, "Hubad", 1928

Isang araw si Zinaida Serebryakova ay nakatanggap ng isang mapang-akit na alok - upang pumunta sa isang malikhaing paglalakbay upang ilarawan ang mga hubad na pigura ng mga oriental na dalaga. Ngunit ito ay naging imposible lamang na makahanap ng mga modelo sa mga lugar na iyon. Ang tagasalin ni Zinaida ay sumagip - dinala niya ang kanyang mga kapatid na babae at kasintahan sa kanya. Walang sinuman bago o mula noon ay nakapag-capture sarado mga babaeng oriental hubad.

Kusang pananaw

Valentin Serov, "Portrait of Nicholas II in a jacket," 1900

Sa loob ng mahabang panahon, hindi maipinta ni Serov ang isang larawan ng Tsar. Nang tuluyang sumuko ang artista, humingi siya ng tawad kay Nikolai. Si Nikolai ay medyo nabalisa, umupo sa mesa, iniunat ang kanyang mga braso sa harap niya... At pagkatapos ay nagising ang artist - narito ang imahe! Isang simpleng lalaking militar na naka-jacket ng isang opisyal na may malinaw at malungkot na mga mata. Ang larawang ito ay itinuturing na pinakamahusay na paglalarawan ng huling emperador.

Isa pang deuce

© Fedor Reshetnikov

Ang sikat na pagpipinta na "Deuce Again" ay pangalawang bahagi lamang ng isang artistikong trilohiya.

Ang unang bahagi ay "Dumating sa bakasyon." Malinaw na isang mayamang pamilya, mga pista opisyal sa taglamig, isang masayang mahusay na mag-aaral.

Ang ikalawang bahagi ay "A deuce again." Isang mahirap na pamilya mula sa labas ng uring manggagawa, ang taas ng taon ng paaralan, ang nalulungkot na stunner, na muling humawak ng deuce. Sa itaas na kaliwang sulok makikita mo ang pagpipinta na "Dumating para sa Bakasyon".

Ang ikatlong bahagi ay "Re-examination". Isang bahay sa kanayunan, tag-araw, lahat ay naglalakad, isang malisyosong ignoramus, na nabigo sa taunang pagsusulit, ay napilitang umupo sa loob ng apat na pader at magsiksikan. Sa kaliwang sulok sa itaas makikita mo ang pagpipinta na "Deuce Again."

Paano ipinanganak ang mga obra maestra

Joseph Turner, Ulan, Singaw at Bilis, 1844

Noong 1842, naglakbay si Gng. Simon sakay ng tren sa England. Biglang bumuhos ang malakas na ulan. Tumayo ang matandang ginoo na nakaupo sa tapat niya, binuksan ang bintana, inilabas ang ulo at tumitig ng halos sampung minuto. Hindi napigilan ng babae ang pag-usisa, binuksan din ng babae ang bintana at nagsimulang tumingin sa harapan. Pagkalipas ng isang taon, natuklasan niya ang pagpipinta na "Rain, Steam and Speed" sa isang eksibisyon sa Royal Academy of Arts at nakilala niya ang parehong yugto sa tren.

Aralin sa Anatomy mula kay Michelangelo

Michelangelo, "Ang Paglikha ni Adan", 1511

Naniniwala ang isang pares ng mga eksperto sa neuroanatomy na Amerikano na si Michelangelo ay talagang nag-iwan ng ilang anatomical na mga guhit sa isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa. Naniniwala sila na ang kanang bahagi ng pagpipinta ay naglalarawan ng isang malaking utak. Nakakagulat, kahit na ang mga kumplikadong bahagi ay matatagpuan, tulad ng cerebellum, optic nerves at pituitary gland. At ang kapansin-pansing berdeng laso ay perpektong tumutugma sa lokasyon ng vertebral artery.

"Ang Huling Hapunan" ni Van Gogh

Vincent Van Gogh, Café Terrace sa Gabi, 1888

Naniniwala ang researcher na si Jared Baxter na ang painting ni Van Gogh na "Cafe Terrace at Night" ay naglalaman ng naka-encrypt na dedikasyon sa "Last Supper" ni Leonardo da Vinci. Sa gitna ng larawan ay may kasamang waiter mahabang buhok at sa isang puting tunika na nakapagpapaalaala sa mga damit ni Kristo, at sa paligid niya ay may eksaktong 12 bisita sa cafe. Itinuon din ni Baxter ang pansin sa krus na nasa likod mismo ng waiter na nakaputi.

Larawan ng alaala ni Dali

Salvador Dali, "The Persistence of Memory", 1931

Hindi lihim na ang mga saloobin na bumisita kay Dali sa panahon ng paglikha ng kanyang mga obra maestra ay palaging nasa anyo ng napaka-makatotohanang mga imahe, na pagkatapos ay inilipat ng artist sa canvas. Kaya, ayon sa may-akda mismo, ang pagpipinta na "The Persistence of Memory" ay ipininta bilang isang resulta ng mga asosasyon na lumitaw mula sa paningin ng naprosesong keso.

Ano ang sinisigaw ni Munch?

Edvard Munch, "The Scream", 1893.

Nagsalita si Munch tungkol sa ideya ng isa sa mga pinaka misteryosong pagpipinta sa pagpipinta sa mundo: "Naglalakad ako sa isang landas kasama ang dalawang kaibigan - lumulubog ang araw - biglang naging pula ang langit, huminto ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal. ang bakod - tumingin ako sa dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fjord at sa lungsod - lumipat ang aking mga kaibigan, at tumayo ako na nanginginig sa pananabik, naramdaman ang walang katapusang hiyawan na tumatagos sa kalikasan." Ngunit anong uri ng paglubog ng araw ang maaaring labis na matakot sa artista?

Mayroong isang bersyon na ang ideya ng ​​​​​​​​​​ipinanganak kay Munch noong 1883, nang mangyari ang ilang malalakas na pagsabog ng bulkang Krakatoa - napakalakas na binago nila ang temperatura ng atmospera ng Daigdig ng isang degree. Napakaraming alikabok at abo ang kumalat sa buong mundo, kahit na umabot sa Norway. Sa ilang magkakasunod na gabi, ang mga paglubog ng araw ay tila malapit nang dumating ang apocalypse - isa sa mga ito ang naging mapagkukunan ng inspirasyon para sa artist.

Isang manunulat sa mga tao

Alexander Ivanov, "Ang Pagpapakita ni Kristo sa mga Tao", 1837-1857.

Dose-dosenang mga sitter ang nag-pose para kay Alexander Ivanov para sa kanya pangunahing larawan. Ang isa sa kanila ay kilala nang hindi bababa sa artist mismo. Sa likuran, sa mga manlalakbay at Romanong mangangabayo na hindi pa nakarinig ng sermon ni Juan Bautista, makikita mo ang isang karakter sa isang tunika ng damit. Isinulat ito ni Ivanov mula kay Nikolai Gogol. Malapit na nakipag-ugnayan ang manunulat sa artista sa Italya, partikular sa mga isyu sa relihiyon, at binigyan siya ng payo sa proseso ng pagpipinta. Naniniwala si Gogol na si Ivanov "ay matagal nang namatay para sa buong mundo, maliban sa kanyang gawain."

Ang Gout ni Michelangelo

Raphael Santi, "Ang Paaralan ng Athens", 1511.

Lumilikha sikat na fresco"The School of Athens", immortalized ni Raphael ang kanyang mga kaibigan at kakilala sa mga imahe sinaunang mga pilosopong Griyego. Ang isa sa kanila ay si Michelangelo Buonarotti "sa papel" ni Heraclitus. Sa loob ng maraming siglo, itinago ng fresco ang mga lihim ng personal na buhay ni Michelangelo, at iminungkahi ng mga modernong mananaliksik na ang kakaibang angular na tuhod ng artist ay nagpapahiwatig na siya ay may magkasanib na sakit.

Ito ay malamang, dahil sa mga kakaibang uri ng pamumuhay at mga kondisyon sa pagtatrabaho ng mga artista ng Renaissance at ang talamak na workaholism ni Michelangelo.

Salamin ng mag-asawang Arnolfini

Jan van Eyck, "Portrait of the Arnolfini couple", 1434

Sa salamin sa likod ng mag-asawang Arnolfini ay makikita mo ang repleksyon ng dalawa pang tao sa kwarto. Malamang, ang mga ito ay mga saksi na naroroon sa pagtatapos ng kontrata. Ang isa sa kanila ay si van Eyck, na pinatunayan ng inskripsiyong Latin na inilagay, salungat sa tradisyon, sa itaas ng salamin sa gitna ng komposisyon: "Narito si Jan van Eyck." Ito ay kung paano karaniwang tinatakan ang mga kontrata.

Paano ang isang kawalan ay naging isang talento

Rembrandt Harmens van Rijn, Self-Portrait sa Edad ng 63, 1669.

Pinag-aralan ng mananaliksik na si Margaret Livingston ang lahat ng self-portraits ni Rembrandt at natuklasan na ang artist ay nagdusa mula sa strabismus: sa mga larawan ang kanyang mga mata ay tumitingin sa iba't ibang direksyon, na hindi sinusunod sa mga larawan ng ibang tao ng master. Ang sakit ay nagresulta sa pagiging mas mahusay ng artist na makita ang katotohanan sa dalawang dimensyon kaysa sa mga taong may normal na paningin. Ang phenomenon na ito ay tinatawag na "stereo blindness" - ang kawalan ng kakayahang makita ang mundo sa 3D. Ngunit dahil ang pintor ay kailangang gumawa ng isang two-dimensional na imahe, ang mismong kapintasan ni Rembrandt ay maaaring isa sa mga paliwanag para sa kanyang kahanga-hangang talento.

Walang kasalanan si Venus

Sandro Botticelli, "Kapanganakan ni Venus", 1482-1486.

Bago ang hitsura ng The Birth of Venus, ang imahe ng isang hubad na babaeng katawan sa pagpipinta ay sumisimbolo lamang sa ideya ng orihinal na kasalanan. Si Sandro Botticelli ang una sa mga pintor sa Europa na walang nakitang kasalanan sa kanya. Bukod dito, ang mga istoryador ng sining ay sigurado na ang paganong diyosa ng pag-ibig ay sumisimbolo sa fresco imaheng Kristiyano: ang kanyang hitsura ay isang alegorya ng muling pagsilang ng isang kaluluwa na sumailalim sa seremonya ng binyag.

Lute player o lute player?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "The Lute Player", 1596.

Sa loob ng mahabang panahon ang pagpipinta ay ipinakita sa Hermitage sa ilalim ng pamagat na "The Lute Player". Sa simula lamang ng ika-20 siglo, sumang-ayon ang mga istoryador ng sining na ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang binata (marahil ang kakilala ni Caravaggio, ang artist na si Mario Minniti, ay nag-pose para sa kanya): sa mga tala sa harap ng musikero ay makikita ang isang pag-record ng bass linya ng madrigal ni Jacob Arkadelt na “You know that I love you” . Ang isang babae ay halos hindi makagawa ng ganoong pagpipilian - mahirap lamang ito sa lalamunan. Bilang karagdagan, ang lute, tulad ng violin sa pinakadulo ng larawan, ay itinuturing na isang lalaking instrumento sa panahon ni Caravaggio.

Guys, inilalagay namin ang aming kaluluwa sa site. Thank you for that
na natuklasan mo ang kagandahang ito. Salamat sa inspirasyon at goosebumps.
Sumali sa amin sa Facebook At Sa pakikipag-ugnayan sa

Minsan makakaranas ka makapangyarihang damdamin o makadama ng tunay na takot sa pamamagitan lamang ng pagtingin sa larawan. At ito ay naiintindihan, dahil ang artist ay naglalagay ng isang tiyak na enerhiya sa kanyang trabaho. At kung mas may talento ang artista, mas maraming kapangyarihan ang maaari niyang ilipat sa kanyang nilikha.

website nakolekta lamang ang gayong "nakamamatay" na mga kuwadro na may malakas at hindi maipaliwanag na kapangyarihang masining.

Isleworth Mona Lisa

90% ng mga bisita sa Louvre ang pumupunta doon para lang tingnan ang pinakamisteryosong pagpipinta sa mundo - ang maalamat na Mona Lisa. Marami pa ring hindi nalutas na mga lihim ng larawan. Ito ay kilala rin na nag-aambag sa Stendhal syndrome. Ito ay isang karamdaman kung saan ang isang tao ay lubos na nakikita ang mga gawa ng sining: disoriented sa kalawakan, ang mga tao ay literal na dinadala sa loob ng pagpipinta. Kung ano ang makikita sa kabilang panig ng La Gioconda ay hindi alam, ngunit ang mga katotohanan ay nagsasalita para sa kanilang sarili: nagdulot ito ng mga bisita sa parehong pagsalakay at pagpapakamatay.

Ngunit kakaunti ang nakakaalam na may isa pang bersyon ng La Gioconda - ang Isleworth Mona Lisa, na marahil ay kabilang sa brush ng parehong Leonardo da Vinci at ipininta taon na ang nakalilipas. O kinakatawan lamang nito ang orihinal na pagpipinta, at ang kilalang bersyon ay ipininta ni Leonardo makalipas ang 20 taon sa kanyang studio. Ang pagpipinta na ito ay natagpuan higit sa isang siglo na ang nakalipas sa isang pribadong koleksyon, at ngayon ay naka-display sa Prado Museum sa Madrid. Marahil balang araw ang partikular na pagpipinta na ito ay makakatulong na maunawaan ang lahat ng mga lihim ng sikat na La Gioconda.

Postal na karwahe

Ang pagpipinta na ito ay ipininta ng pintor na si Laura P. mula sa isang larawan. Bukod dito, ang may-akda ng litrato, si James Kidd, ay nagsabi na hindi siya kumuha ng litrato ng sinumang tao na nakatayo sa kaliwa ng stagecoach. Ito ay hindi inaasahang lumitaw sa panahon ng proseso ng pagbuo ng litrato (makikita mo ang orihinal na larawan).

Isinabit ng artista ang natapos na gawain sa kanyang opisina, ngunit hiniling sa kanya na agad na kunin ang canvas mula doon. Ito ay sa hitsura ng pagpipinta na ang isang poltergeist ay tila nasa silid, at ang pagpipinta mismo ay palaging nakabitin nang baluktot, sa kabila ng katotohanan na ito ay naitama sa bawat oras. Dagdag pa naulit ang kasaysayan sa ibang mga bahay na "nagsisilungan" sa pagpipinta. Sa huli kailangan itong sunugin.

Umiiyak na batang lalaki

Mayroong isang buong serye ng mga pagpipinta ng umiiyak na mga bata ng Italian artist na si Bruno Amadio. Ito ay mga larawan ng 65 na ulila na ibinenta ng artista sa mga turista pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig.

Ang pinakasikat na pagpipinta sa seryeng ito ay ang "The Crying Boy," na opisyal na kinikilala bilang isinumpa sa ilang rehiyon ng England. Ayon sa alamat, nagsindi ng posporo ang may-akda ng painting sa harap ng posing boy para paiyakin ito. Simula noon, ang mga pagpaparami ng pagpipinta na ito ay nasangkot sa 50 sunog sa buong Inglatera.

Babaeng Ulan

Ang pagpipinta na "Woman of the Rain," na ipininta ng Vinnitsa artist na si Svetlana Taurus, ay gumagawa din ng isang kakaibang impresyon. Inamin ng artista na pininturahan niya ang larawan sa loob lamang ng 5 oras, at kasabay nito ay parang may gumagabay sa kanyang kamay. Ibinalik ito ng lahat ng mga mamimili ng canvas, nagrereklamo ng hindi pagkakatulog, pagkabalisa at pakiramdam na may patuloy na nanonood sa kanila.

Larawan ng Kastilang Heneral Bernardo de Galvez

Kung nagsusulat ka ng isang nobela tungkol sa mga multo, dapat talagang bisitahin mo ang hotel."