Ang pinakawalang katotohanan na mga painting ay naibenta sa milyun-milyong dolyar. Ang pinakawalang katotohanan na mga pintura ay nabili sa milyun-milyong dolyar Ang sikat na pintor na Italyano na si Lucio Fontana at ang kanyang Spatial Concept

Ang rating ng pinakamahal na mga gawa ng mga buhay na artista ay isang konstruksiyon na nagsasalita tungkol sa papel at lugar ng artist sa kasaysayan ng sining na mas mababa kaysa sa edad at kalusugan.

Ang mga patakaran para sa pag-compile ng aming rating ay simple: una, ang mga transaksyon lamang sa mga gawa ng mga buhay na may-akda ay isinasaalang-alang; pangalawa, ang mga benta sa pampublikong auction lamang ang isinasaalang-alang; at pangatlo, ang panuntunan na "isang artista - isang gawa" ay sinusunod (kung ang dalawang talaan ay nabibilang kay Jones sa rating ng mga gawa, kung gayon ang pinakamahal na isa lamang ang nananatili, at ang iba ay hindi isinasaalang-alang). Ang pagraranggo ay isinasagawa sa mga tuntunin ng dolyar (sa halaga ng palitan sa petsa ng pagbebenta).

1. JEFF KOONS Kuneho. 1986. $91.075 milyon

Kapag mas matagal mong pinapanood ang auction career ni Jeff Koons (1955), mas nagiging kumbinsido ka na walang imposible para sa pop art. Maaari mong humanga ang mga eskultura ng Koons sa anyo ng mga laruan ng lobo, o maaari mong isaalang-alang ang mga ito na kitsch at masamang lasa - ang iyong karapatan. Isang bagay ang hindi maitatanggi: Ang mga pag-install ng Jeff Koons ay nagkakahalaga ng mabaliw na pera.

Sinimulan ni Jeff Koons ang kanyang paglalakbay sa katanyagan bilang pinakamatagumpay na buhay na artist sa mundo noong 2007, nang ang kanyang higanteng metal installation na Hanging Heart ay binili sa halagang $23.6 milyon sa Sotheby's. Ang gawa ay binili ng Larry Gagosian Gallery na kumakatawan sa Koons (sa kanilang sinulat sa pindutin na ito ay para sa interes ng Ukrainian billionaire na si Viktor Pinchuk.) Ang gallery ay nakakuha hindi lamang isang pag-install, ngunit, sa katunayan, isang gawa ng alahas art. 2.7 m weighs 1,600 kg), ngunit ito ay may katulad na layunin. Higit sa anim at kalahating libong oras ang ginugol sa paggawa ng isang komposisyon na may pusong natatakpan ng sampung patong ng pintura. Bilang resulta, napakalaking pera ang binayaran para sa kamangha-manghang "dekorasyon".

Sumunod ay ang pagbebenta ng Purple Balloon Flower sa halagang £12.92 milyon ($25.8 milyon) sa Christie's London noong Hunyo 30, 2008. Kapansin-pansin, pitong taon na ang nakalilipas, binili ng mga dating may-ari ng "Bulaklak" ang trabaho sa halagang $1.1 milyon. Madaling kalkulahin na sa panahong ito ang presyo nito sa merkado ay tumaas ng halos 25 beses.

Ang pagbagsak sa merkado ng sining noong 2008-2009 ay nagbigay sa mga may pag-aalinlangan ng isang dahilan upang siraan na ang fashion para sa Koons ay lumipas na. Ngunit nagkamali sila: kasama ang merkado ng sining, muling nabuhay ang interes sa mga gawa ng Koons. Ang kahalili ni Andy Warhol sa trono ng hari ng pop art ay nag-update ng kanyang personal na pinakamahusay noong Nobyembre 2012 sa pagbebenta sa Christie's ng isang multi-colored sculpture na "Tulips" mula sa "Triumph" series sa halagang $33.7 milyon, kasama ang komisyon.

Ngunit ang "Tulips" ay "bulaklak" sa literal at matalinghagang kahulugan. Pagkalipas lamang ng isang taon, noong Nobyembre 2013, sumunod ang pagbebenta ng stainless steel balloon dog (orange) na iskultura: ang presyo ng martilyo ay kasing dami ng $58.4 milyon! Isang napakagandang halaga para sa isang buhay na artista. Ang gawa ng isang kontemporaryong may-akda ay naibenta para sa presyo ng isang Van Gogh o Picasso painting. Yan ang mga berry...

Sa resultang ito, naghari si Koons sa tuktok ng mga ranggo ng mga buhay na artista sa loob ng ilang taon. Noong Nobyembre 2018, saglit siyang nalampasan ni David Hockney (tingnan ang pangalawang lugar sa aming pagraranggo). Ngunit pagkaraan lamang ng anim na buwan, bumalik sa normal ang lahat: noong Mayo 15, 2019, sa New York, sa auction ng post-war at kontemporaryong sining, nagbenta si Christie ng isang iskultura ng aklat-aralin para sa Koons noong 1986 - isang pilak na "Kuneho" gawa sa hindi kinakalawang na asero, na ginagaya ang isang lobo na may katulad na hugis.

Sa kabuuan, gumawa si Koons ng 3 tulad na mga eskultura kasama ang isang kopya ng may-akda. Kasama sa auction ang isang kopya ng "Rabbit" number 2 - mula sa koleksyon ng publisher ng kulto na si Cy Newhouse, co-owner ng publishing house na Conde Nast (mga magazine na Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, atbp.). Ang pilak na "Kuneho" ay binili ng "ama ng kaakit-akit" na si Cy Newhouse noong 1992 para sa isang kahanga-hangang halaga ayon sa mga pamantayan ng mga taong iyon - $ 1 milyon. Matapos ang 27 taon sa pakikibaka ng 10 bidder, ang presyo ng martilyo ng iskultura ay 80 beses na mas mataas kaysa sa nakaraang presyo ng pagbebenta. At sa komisyon ng Buyer's Premium, ang huling resulta ay isang record na $91.075 milyon para sa lahat ng buhay na artista.

2. DAVID HOKNEY Larawan ng artista. Pool na may dalawang figure. 1972. $90,312,500

Si David Hockney (1937) ay isa sa pinakamahalagang British artist noong ika-20 siglo. Noong 2011, si David Hockney ay binoto bilang pinaka-maimpluwensyang British artist sa lahat ng panahon sa isang survey ng libu-libong propesyonal na mga pintor at iskultor ng British. Kasabay nito, nalampasan ni Hockney ang mga masters tulad nina William Turner at Francis Bacon. Ang kanyang trabaho, bilang panuntunan, ay iniuugnay sa pop art, bagaman sa kanyang mga unang gawa ay higit siyang nahilig sa ekspresyonismo sa diwa ni Francis Bacon.

Ipinanganak at pinalaki si David Hockney sa England, Yorkshire. Ang ina ng hinaharap na artista ay pinanatili ang pamilya sa puritanical na mahigpit, at ang kanyang ama, isang simpleng accountant na gumuhit ng kaunti sa isang amateur na antas, ay hinikayat ang kanyang anak na magpinta. Sa kanyang unang bahagi ng twenties, lumipat si David sa California, kung saan siya nanirahan nang halos tatlong dekada. May dalawa pa siyang workshop doon. Ginawa ni Hockney ang mga bayani ng kanyang mga gawa bilang mga lokal na mayaman, ang kanilang mga villa, swimming pool, mga damuhan na naliligo sa araw ng California. Ang isa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa noong panahon ng mga Amerikano - ang pagpipinta na "Splash" - ay isang imahe ng isang bigkis ng spray na tumataas mula sa pool pagkatapos tumalon ang isang tao sa tubig. Upang ilarawan ang bigkis na ito, "nabubuhay" nang hindi hihigit sa dalawang segundo, nagtrabaho si Hockney sa loob ng dalawang linggo. Sa pamamagitan ng paraan, ang pagpipinta na ito ay ibinebenta sa Sotheby's sa halagang $5.4 milyon noong 2006 at sa loob ng ilang panahon ay itinuturing na kanyang pinakamahal na trabaho.

Si Hockney (1937) ay nasa kanyang otsenta na, ngunit nagtatrabaho pa rin siya at nag-imbento pa ng mga bagong artistikong pamamaraan gamit ang mga teknikal na inobasyon. Sa sandaling nakaisip siya ng ideya na gumawa ng malalaking collage mula sa mga larawan ng Polaroid, nag-print ng kanyang mga gawa sa mga fax machine, at ngayon ang artist ay masigasig na pinagkadalubhasaan ang pagguhit sa iPad. Ang mga kuwadro na iginuhit sa tablet ay tumatagal ng kanilang nararapat na lugar sa kanyang mga eksibisyon.

Noong 2005, sa wakas ay bumalik si Hockney mula sa States sa England. Ngayon ay nagpinta siya sa bukas na hangin at sa studio ng malalaking (kadalasang binubuo ng ilang bahagi) ng mga tanawin ng mga lokal na kagubatan at wastelands. Ayon kay Hockney, sa kanyang 30 taon sa California, siya ay naging hindi sanay sa simpleng pagbabago ng mga panahon kung kaya't ito ay tunay na nabighani at nabighani sa kanya. Ang buong cycle ng kanyang mga kamakailang gawa ay nakatuon, halimbawa, sa parehong tanawin sa magkaibang panahon ng taon.

Noong 2018, ilang beses na sinira ng mga painting ni Hockney ang $10 milyon. At noong Nobyembre 15, 2018, isang bagong ganap na rekord para sa gawain ng isang buhay na artista ang nakarehistro sa Christie's - $ 90,312,500 para sa pagpipinta na "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)".

3. GERHARD RICHTER Abstract na pagpipinta. 1986. $46.3 milyon

Klasikong pamumuhay Gerhard Richter (1932) pumapangalawa sa aming ranking. Ang German artist ay ang pinuno sa mga buhay na kasamahan hanggang sa 58 millionth record ng Jeff Koons struck. Ngunit hindi malamang na ang sitwasyong ito ay maaaring yumanig sa bakal na awtoridad ni Richter sa merkado ng sining. Ayon sa mga resulta ng 2012, ang taunang paglilipat ng auction ng German artist ay pangalawa lamang sa mga kina Andy Warhol at Pablo Picasso.

Sa loob ng maraming taon, walang naglalarawan sa tagumpay na bumagsak sa Richter ngayon. Sa loob ng mga dekada, sinakop ng artista ang isang katamtamang lugar sa kontemporaryong merkado ng sining at hindi naghangad ng katanyagan. Masasabi nating naunahan siya ng katanyagan nang mag-isa. Ang panimulang punto ay itinuturing ng marami bilang pagbili ng MoMA Museum ng New York noong 1995 ng serye ng Richter noong Oktubre 18, 1977. Ang American Museum ay nagbayad ng $3 milyon para sa 15 grayscale na pagpipinta at sa lalong madaling panahon ay nagsimulang mag-isip tungkol sa paghawak ng isang ganap na retrospective ng German artist. Ang engrandeng eksibisyon ay nagbukas pagkalipas ng anim na taon, noong 2001, at mula noon ang interes sa gawa ni Richter ay lumaki nang mabilis. Mula 2004 hanggang 2008, triple ang presyo ng kanyang mga painting. Noong 2010, ang mga gawa ni Richter ay nakakuha na ng $76.9 milyon, noong 2011, ayon sa website ng Artnet, ang mga gawa ni Richter sa auction ay nakakuha ng kabuuang $200 milyon, at noong 2012 (ayon sa Artprice) - $262.7 milyon - higit pa sa gawa ng alinmang ibang buhay na artista.

Bagama't, halimbawa, kay Jasper Johns, ang napakalaking tagumpay sa auction ay kaakibat lamang ng mga maagang gawa, ang ganitong matalim na dibisyon ay hindi pangkaraniwan para sa mga gawa ni Richter: pare-parehong stable ang demand para sa mga bagay mula sa iba't ibang panahon ng creative, kung saan marami sa Richter's. karera. Sa nakalipas na animnapung taon, sinubukan ng artist na ito ang kanyang sarili sa halos lahat ng tradisyonal na mga genre ng pagpipinta - portrait, landscape, marina, hubad, still life at, siyempre, abstraction.

Ang kasaysayan ng mga talaan ng auction ni Richter ay nagsimula sa isang serye ng mga still lifes na "Mga Kandila". Ang 27 photorealistic na larawan ng mga kandila noong unang bahagi ng 1980s, noong isinulat ang mga ito, ay nagkakahalaga lamang ng 15,000 German mark ($5,800) bawat trabaho. Ngunit wala pa ring bumili ng Kandila sa kanilang unang eksibisyon sa Max Hetzler Gallery sa Stuttgart. Pagkatapos ang tema ng mga kuwadro na gawa ay tinatawag na makaluma; Ngayon, ang "Mga Kandila" ay itinuturing na mga gawa para sa lahat ng oras. At nagkakahalaga sila ng milyun-milyong dolyar.

Noong Pebrero 2008 "Kandila", isinulat noong 1983, ay hindi inaasahang binili sa halagang £ 7.97 milyon ($16 milyon). Ang personal na rekord na ito ay tumayo ng tatlo at kalahating taon. Pagkatapos noong Oktubre 2011 isa pa "Kandila" (1982) napunta sa ilalim ng martilyo sa Christie's na para sa £ 10.46 milyon ($16.48 milyon). Sa rekord na ito, pumasok si Gerhard Richter sa nangungunang tatlong pinakamatagumpay na buhay na artista sa unang pagkakataon, na pumalit sa kanya sa likod nina Jasper Johns at Jeff Koons.

Pagkatapos ay nagsimula ang matagumpay na prusisyon ng "Abstract Paintings" ni Richter. Ang artist ay nagpinta ng gayong mga gawa sa isang natatanging pamamaraan ng may-akda: inilalapat niya ang isang halo ng mga simpleng pintura sa isang maliwanag na background, at pagkatapos ay pinahiran ang mga ito sa canvas na may mahabang scraper na kasing laki ng bumper ng kotse. Nagreresulta ito sa masalimuot na mga transition ng kulay, mga spot at guhitan. Ang pagsusuri sa ibabaw ng kanyang "Abstract Paintings" ay tulad ng mga paghuhukay: sa mga ito ay may mga bakas ng iba't ibang "figure" na tumitingin sa mga puwang ng maraming makulay na mga layer.

Nobyembre 9, 2011 sa auction ng moderno at post-war art na Sotheby's large-scale "Abstract na pagpipinta (849-3)" 1997 napunta sa ilalim ng martilyo para sa $20.8m (£13.2m). At makalipas ang anim na buwan, Mayo 8, 2012 sa auction ng post-war at kontemporaryong sining ni Christie sa New York "Abstract na pagpipinta (798-3)" Nagpunta ang 1993 para sa isang rekord $21.8 milyon(kabilang ang komisyon). Pagkalipas ng limang buwan - muli isang talaan: "Abstract na pagpipinta (809-4)" mula sa koleksyon ng rock musician na si Eric Clapton noong Oktubre 12, 2012 sa Sotheby's sa London ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa £ 21.3 milyon ($34.2 milyon). Ang hadlang ng 30 milyon ay kinuha ni Richter nang napakadali, na parang hindi tungkol sa modernong pagpipinta, ngunit tungkol sa mga obra maestra na isang daang taong gulang na - hindi kukulangin. Bagaman sa kaso ni Richter, tila ang pagsasama sa pantheon ng "dakila" ay naganap na sa panahon ng buhay ng artista. Ang mga presyo ng Aleman ay patuloy na tumataas.

Ang susunod na record ni Richter ay kabilang sa isang photorealistic na gawa - isang landscape "Cathedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 1968. Ang trabaho ay naibenta para sa 37.1 milyon sa Sotheby's auction Mayo 14, 2013. Ang tanawin ng pinakamagandang parisukat ay ipininta ng isang German artist noong 1968 sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng Siemens Electro, lalo na para sa opisina ng kumpanya sa Milan. Sa panahon ng pagsulat nito, ito ang pinakamalaking makasagisag na gawa ni Richter (halos tatlo hanggang tatlong metro ang laki).

Ang rekord ng Cathedral Square ay tumayo ng halos dalawang taon, hanggang Pebrero 10, 2015 hindi siya nagambala "Abstract na pagpipinta" ( 1986): ang presyo ng martilyo ay umabot sa £ 30.389 milyon ($46.3 milyon). Ang 300.5 × 250.5 cm Abstract Painting, na inilagay para sa auction sa Sotheby's, ay isa sa mga unang malakihang gawa ni Richter sa pamamaraan ng kanyang espesyal na may-akda sa pag-scrap ng mga layer ng pintura. Ang huling pagkakataon noong 1999, ang "Abstract Painting" na ito ay binili sa auction sa halagang $607 thousand (mula sa taong ito hanggang sa kasalukuyang pagbebenta, ang gawa ay ipinakita sa Ludwig Museum sa Cologne). Sa auction noong Pebrero 10, 2015, ang isang partikular na kliyenteng Amerikano sa mga hakbang sa auction na £2 milyon ay umabot sa presyo ng martilyo na $46.3 milyon. Ibig sabihin, mula noong 1999, tumaas ang presyo ng trabaho nang higit sa 76 na beses!

4. Tsui Zhuzhuo "Mga magagandang bundok na nababalutan ng niyebe." 2013. $39.577 milyon

Sa loob ng mahabang panahon ay hindi namin maingat na sinusunod ang pag-unlad ng sitwasyon sa merkado ng sining ng Tsino, hindi gustong mag-overload ang aming mga mambabasa ng labis na dami ng impormasyon tungkol sa "hindi aming" sining. Maliban sa dissident na si Ai Weiwei, na hindi kasing mahal ng isang matunog na artista, sa tingin namin ay napakarami at malayo sa amin ang mga may-akda ng Tsino para alamin kung ano ang nangyayari sa kanilang merkado doon. Ngunit ang mga istatistika, tulad ng sinasabi nila, ay isang seryosong babae, at kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pinakamatagumpay na buhay na may-akda sa mundo, kung gayon hindi natin magagawa nang walang kuwento tungkol sa mga natitirang kinatawan ng kontemporaryong sining ng Celestial Empire.

Magsimula tayo sa isang Chinese artist Cui Ruzhuo. Ang artista ay ipinanganak noong 1944 sa Beijing at nanirahan sa USA mula 1981 hanggang 1996. Pagkabalik sa China, nagsimula siyang magturo sa National Academy of Arts. Muling binibigyang-kahulugan ni Cui Ruzhuo ang tradisyonal na istilo ng pagpipinta ng tinta ng Tsino at nilikha ang malalaking scroll canvases na gustong ibigay ng mga negosyante at opisyal ng Tsino bilang mga regalo sa isa't isa. Sa Kanluran, kakaunti ang nalalaman tungkol sa kanya, bagama't marami ang dapat matandaan ang kuwento ng $3.7 milyon na scroll na napagkamalan na itinapon, napagkakamalang basura, ng mga tagapaglinis ng isang hotel sa Hong Kong. Kaya, ito ay ang scroll ni Cui Ruzhuo.

Si Cui Ruzhuo ay nasa kanyang 70s at ang merkado para sa kanyang trabaho ay umuunlad. Mahigit sa 60 gawa ng artist na ito ang tumawid sa $1 milyon na marka. Gayunpaman, ang kanyang mga gawa sa ngayon ay matagumpay lamang sa mga Chinese auction. Talagang kahanga-hanga ang mga rekord ni Cui Ruzhuo. Una ito "Landscape sa Niyebe" sa Poly Auction sa Hong Kong Abril 7, 2014 umabot sa presyong martilyo na HK$184 milyon ( US$23.7 milyon).

Eksaktong isang taon mamaya Abril 6, 2015 sa isang espesyal na Poly Auction sa Hong Kong na eksklusibong nakatuon sa gawain ng Cui Ruzhuo, isang serye "Ang Great Snowy Scenery ng Mountainous Jiangnan"(Ang Jiangnan ay isang makasaysayang rehiyon sa China, na sumasakop sa kanang pampang ng mas mababang bahagi ng Yangtze.) ng walong ink-on-paper na landscape ay umabot sa presyo ng martilyo na HK$236 milyon ( US$30.444 milyon).

Makalipas ang isang taon, naulit muli ang kasaysayan: sa solong auction ng Cui Ruzhuo, na ginanap ng Poly Auctions sa Hong Kong Abril 4, 2016 polyptych sa anim na bahagi "Mahusay na Snowcapped Mountains" Ang presyo ng martilyo noong 2013 (kabilang ang komisyon sa auction house) ay umabot sa HK$306 milyon (US$39.577 milyon). Sa ngayon, ito ay isang ganap na rekord sa mga Asian na nabubuhay na artista.

Ayon sa art dealer na si Johnson Chan, na nagtatrabaho sa kontemporaryong sining ng Tsino sa loob ng 30 taon, mayroong walang pasubali na pagnanais na itaas ang mga presyo para sa mga gawa ng may-akda na ito, ngunit ang lahat ng ito ay nangyayari sa antas ng presyo kung saan ang mga may karanasang kolektor ay malamang na hindi gusto. upang bumili ng isang bagay. “Nais ng mga Tsino na itaas ang mga rating ng kanilang mga artista sa pamamagitan ng pagpapalaki ng mga presyo para sa kanilang trabaho sa mga pangunahing internasyonal na auction tulad ng inorganisa ng Poly sa Hong Kong, ngunit walang duda na ang mga rating na ito ay ganap na gawa-gawa,” komento ni Johnson Chang sa Cui Ruzhuo's pinakabagong rekord.

Ito, siyempre, ay opinyon lamang ng isang solong dealer, at mayroon kaming isang tunay na rekord na naitala sa lahat ng mga database. Kaya't isaalang-alang natin siya. Si Cui Ruzhuo mismo, ayon sa kanyang mga pahayag, ay malayo sa kahinhinan ni Gerhard Richter pagdating sa kanyang tagumpay sa auction. Tila ang karerang ito para sa mga rekord ay seryosong nakakaakit sa kanya. "Umaasa ako na sa susunod na 5-10 taon ang mga presyo para sa aking mga gawa ay hihigit sa mga presyo para sa mga gawa ng Western masters tulad ng Picasso at Van Gogh. Ito ang pangarap ng mga Tsino,” sabi ni Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Bandila. 1983. $36 milyon

Ang ikatlong lugar sa ranggo ng mga buhay na artista ay kabilang sa isang Amerikano Kay Jasper Johns (1930). Ang kasalukuyang record na presyo para sa trabaho ni Jones ay $ 36 milyon. Napakaraming bayad para sa kanyang sikat "Bandila" sa auction ni Christie Nobyembre 12, 2014.

Ang isang serye ng mga "flag" na pagpipinta, na sinimulan ni Jones noong kalagitnaan ng 1950s, kaagad pagkatapos ng pagbabalik ng artist mula sa hukbo, ay naging isa sa mga sentral sa kanyang trabaho. Kahit na sa kanyang kabataan, ang artista ay interesado sa ideya ng isang handa, ang pagbabago ng isang pang-araw-araw na bagay sa isang gawa ng sining. Gayunpaman, ang mga watawat ni Jones ay hindi totoo, sila ay pininturahan ng langis sa canvas. Kaya, nakuha ng isang gawa ng sining ang mga katangian ng isang bagay mula sa ordinaryong buhay, ito ay kasabay ng imahe ng bandila at ng bandila mismo. Isang serye ng mga gawa na may mga flag ang nagdala kay Jasper Johns sa buong mundo na katanyagan. Ngunit hindi gaanong sikat ang kanyang mga abstract na gawa. Sa loob ng maraming taon, ang listahan ng mga pinakamahal na gawa, na pinagsama ayon sa mga patakaran sa itaas, ay pinamumunuan ng isang abstract "Maling simula". Hanggang 2007, ang napakaliwanag at pandekorasyon na canvas na ito, na ipininta ni Jones noong 1959, ay itinuturing na may-ari ng isang halos hindi naa-access na presyo para sa isang buhay na artista (kahit na isang panghabambuhay na klasiko) - $ 17 milyon. Iyan ay kung magkano ang kanilang binayaran para dito sa ginto para sa merkado ng sining 1988.

Interestingly, hindi tuloy-tuloy ang experience ni Jasper Johns bilang record holder. Noong 1989, nagambala siya sa gawain ng kanyang kasamahan na si Willem de Kooning: ang dalawang metrong abstraction na "Mixing" ay ibinenta sa Sotheby's sa halagang $ 20.7 milyon. Kailangang lumipat si Jasper Johns. Ngunit pagkatapos ng 8 taon, noong 1997, namatay si de Kooning , at " False start "Muling kinuha ni Jones ang unang linya ng auction rating ng mga buhay na artista sa loob ng halos 10 taon.

Ngunit noong 2007 nagbago ang lahat. Ang rekord ng False Start ay unang nalampasan ng gawa ng bata at ambisyosong Damien Hirst at Jeff Koons. Pagkatapos ay mayroong isang record sale para sa $ 33.6 milyon ng pagpipinta na "The Sleeping Benefit Inspector" ni Lusien Freud (ngayon ay namatay, at samakatuwid ay hindi nakikilahok sa rating na ito). Pagkatapos ay nagsimula ang mga talaan ni Gerhard Richter. Sa pangkalahatan, sa ngayon na may kasalukuyang rekord na 36 milyon, si Jasper Johns, isa sa mga masters ng American post-war art, na nagtatrabaho sa intersection ng neo-Dadaism, abstract expressionism at pop art, ay nasa isang marangal na ikatlong lugar.

6. ED RUSHAY Basagin. 1963. $30.4 milyon

Ang biglaang tagumpay ng pagpipinta na "Smash" ng isang Amerikanong artista Edward Ruscha (b. 1937) sa auction Christie's Nobyembre 12, 2014 dinala ang may-akda na ito sa bilang ng mga pinakamahal na buhay na artista. Ang nakaraang presyo ng rekord para sa gawain ni Ed Ruscha (madalas na ang pangalang Ruscha ay binibigkas sa Russian bilang "Rusha", ngunit ang tamang pagbigkas ay Ruscha) ay "lamang" $ 6.98 milyon: iyan ang kanilang binayaran para sa kanyang canvas na "Burning gas istasyon" noong 2007. Makalipas ang pitong taon sa kanya Basagin na may tinatayang $15–20 milyon, umabot ito sa presyo ng martilyo $30.4 milyon. Malinaw na ang merkado para sa mga gawa ng may-akda na ito ay umabot sa isang bagong antas - hindi para sa wala na pinalamutian ni Barack Obama ang White House ng kanyang mga gawa, at si Larry Gagosian mismo ay nagpapakita sa kanya sa kanyang mga gallery.

Si Ed Ruscha ay hindi kailanman naghangad na matapos ang digmaan sa New York na may pagkahumaling sa abstract expressionism. Sa halip, sa loob ng mahigit 40 taon, humingi siya ng inspirasyon sa California, kung saan lumipat siya mula sa Nebraska sa edad na 18. Ang artist ay nakatayo sa pinagmulan ng isang bagong trend sa sining, na tinatawag na pop art. Kasama sina Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud at iba pang mang-aawit kulturang masa Lumahok si Edward Ruscha sa eksibisyon ng Pasadena Museum noong 1962 na A New Image of Ordinary Things, na naging unang eksibisyon ng museo ng American pop art. Gayunpaman, si Ed Ruscha mismo ay hindi nagustuhan kapag ang kanyang trabaho ay iniuugnay sa pop art, conceptualism, o ilang iba pang uso sa sining.

Ang kanyang natatanging istilo ay tinatawag na "text painting". Mula sa huling bahagi ng 1950s, nagsimulang magpinta ng mga salita si Ed Ruscha. Tulad ng para kay Warhol ang isang lata ng sopas ay naging isang gawa ng sining, para kay Ed Ruscha, mga ordinaryong salita at parirala, na kinuha mula sa isang billboard o packaging sa isang supermarket, o mula sa mga kredito ng isang pelikula (Ang Hollywood ay palaging nasa tabi ni Ruscha, at hindi tulad ng marami sa kanyang mga kapwa artista, iginagalang ni Rushey ang "pabrika ng pangarap"). Ang mga salita sa kanyang mga canvases ay nakakuha ng mga katangian ng tatlong-dimensional na mga bagay, ito ay mga tunay na buhay na gawa sa mga salita. Kapag tinitingnan ang kanyang mga canvases, ang unang bagay na nasa isip ay ang visual at tunog na pang-unawa ng iginuhit na salita, at pagkatapos lamang nito - ang kahulugan ng semantiko. Ang huli, bilang panuntunan, ay hindi maaaring malinaw na matukoy; ang mga salita at pariralang pinili ni Ruscha ay maaaring bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan. Ang parehong maliwanag na dilaw na salitang "Smash" sa isang malalim na asul na background ay maaaring maisip bilang isang agresibong tawag upang basagin ang isang bagay o isang tao upang magkapira-piraso; bilang nag-iisang adjective na kinuha sa labas ng konteksto (bahagi ng ilang headline ng pahayagan, halimbawa), o bilang isang solong salita na nakuha sa isang urban stream ng mga visual na imahe. Nagagalak si Ed Ruscha sa kawalan ng katiyakan na ito. "Palagi akong may malalim na paggalang sa mga kakaiba, hindi maipaliwanag na mga bagay... Ang mga paliwanag, sa isang kahulugan, ay pumatay ng isang bagay," sabi niya sa isang panayam.

7. CHRISTOPHER WOOL Walang Pamagat (RIOT). 1990. $29.93 milyon

Amerikanong artista Christopher Wool(1955) unang pumasok sa ranggo ng mga buhay na artista noong 2013 - pagkatapos ng pagbebenta ng Apocalypse Now sa halagang $26.5 milyon. Ang rekord na ito ay agad na naglagay sa kanya sa isang par sa Jasper Johns at Gerhard Richter. Ang halaga ng makasaysayang transaksyon na ito - higit sa $ 20 milyon - ay nagulat sa marami, dahil bago ito ang mga presyo para sa mga gawa ng artist ay hindi lalampas sa $ 8 milyon. Gayunpaman, ang mabilis na paglaki ng merkado para sa mga gawa ni Christopher Wool ay maliwanag na sa oras na iyon : Kasama sa track record ng artist ang 48 mga transaksyon sa auction na nagkakahalaga ng higit sa $ 1 milyon, at 22 sa kanila (halos kalahati) ay naganap noong 2013. Pagkalipas ng dalawang taon, ang bilang ng mga gawa ni Chris Wool, na naibenta ng higit sa $ 1 milyon, ay umabot sa 70, at isang bagong personal na rekord ay hindi nagtagal. Sa auction Sotheby's May 12, 2015 work "Untitled (RIOT)" ay naibenta sa halagang $ 29.93 milyon kabilang ang Buyer's Premium.

Si Christopher Wool ay kilala sa kanyang malakihang itim na letra sa puting aluminum sheet. Sila ang, bilang panuntunan, ay nagtatakda ng mga tala sa mga auction. Ang lahat ng ito ay mga bagay mula sa huling bahagi ng 1980s at unang bahagi ng 1990s. Ayon sa alamat, isang gabi ay naglalakad si Wool sa New York noong gabi at biglang nakakita ng graffiti sa mga itim na titik sa isang bagong puting trak - ang mga salitang sex at luv. Ang tanawing ito ay humanga sa kanya nang labis na siya ay agad na bumalik sa studio at nagsulat ng kanyang sariling bersyon na may parehong mga salita. Ang taon ay 1987, at ang karagdagang paghahanap ng artist para sa mga salita at parirala para sa kanyang "literal" na mga gawa ay sumasalamin sa magkasalungat na diwa ng panahong ito. Ito ang tawag na "ibenta ang bahay, ibenta ang kotse, ibenta ang mga bata", na kinuha ni Wool mula sa pelikulang "Apocalypse Now", at ang salitang "FOOL" ("fool") sa malalaking titik, at ang salitang "RIOT" ("rebelyon"), kadalasang makikita sa mga headline ng pahayagan noong panahong iyon.

Mga salita at pariralang Wool na inilapat sa aluminum sheet gamit ang mga stencil na may alkyd o enamel paints, na sadyang nag-iiwan ng mga streak, stencil mark at iba pang ebidensya ng proseso ng paglikha. Hinati ng pintor ang mga salita upang hindi agad maunawaan ng manonood ang kahulugan. Sa una, makikita mo lamang ang isang kumpol ng mga titik, iyon ay, nakikita mo ang salita bilang isang visual na bagay, at pagkatapos ay binabasa at naiintindihan mo ang kahulugan ng parirala o salita. Gumamit ang Wool ng font na ginagamit ng militar ng US pagkatapos ng World War II, na nagpapataas ng impresyon ng isang order, isang direktiba, isang slogan. Ang mga gawang "liham" na ito ay itinuturing na bahagi ng urban landscape, bilang ilegal na graffiti na lumabag sa kalinisan ng ibabaw ng ilang bagay sa kalye. Ang seryeng ito ng mga gawa ni Christopher Wool ay kinikilala bilang isa sa mga tuktok ng linguistic abstraction, at samakatuwid ay lubos na pinahahalagahan ng mga mahilig sa kontemporaryong sining.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. $28.81 milyon

British Peter Doig(1959), kahit na kabilang siya sa henerasyon ng mga postmodernistang Koons at Hirst, pinili para sa kanyang sarili ang isang ganap na tradisyonal na genre ng landscape, sa mahabang panahon dating hindi pabor sa mga advanced na artista. Sa kanyang trabaho, muling binuhay ni Peter Doig ang kumukupas na interes ng publiko sa matalinghagang pagpipinta. Ang kanyang trabaho ay lubos na pinahahalagahan ng parehong mga kritiko at hindi mga espesyalista, at ang katibayan nito ay ang mabilis na pagtaas ng mga presyo para sa kanyang mga gawa. Kung noong unang bahagi ng 1990s ang kanyang mga landscape ay nagkakahalaga ng ilang libong dolyar, ngayon ang bayarin ay umaabot sa milyon-milyon.

Ang gawain ni Doig ay madalas na tinutukoy bilang mahiwagang realismo. Batay sa mga totoong landscape, lumilikha siya ng pantasya, mahiwaga at madalas na madilim na mga imahe. Gustong ilarawan ng artist ang mga bagay na inabandona ng mga tao: isang sira-sirang gusali na itinayo ni Le Corbusier sa gitna ng kagubatan o isang walang laman na puting canoe sa ibabaw ng lawa ng kagubatan. Bilang karagdagan sa kalikasan at imahinasyon, si Doig ay inspirasyon ng mga nakakatakot na pelikula, mga lumang postkard, mga larawan, mga baguhan na video, at iba pa. Ang mga painting ni Doig ay makulay, masalimuot, pandekorasyon at hindi nakakapukaw. Ang sarap magkaroon ng ganitong painting. Ang mababang produktibidad ng may-akda ay nagpapasigla rin sa interes ng mga kolektor: ang artist na naninirahan sa Trinidad ay lumilikha ng hindi hihigit sa isang dosenang mga pagpipinta sa isang taon.

Noong unang bahagi ng 2000s, ang mga indibidwal na landscape ng artist ay naibenta sa halagang ilang daang libong dolyar. Kasabay nito, ang gawa ni Doig ay kasama sa Saatchi Gallery, sa Biennale sa Whitney Museum at sa koleksyon ng MoMA. Noong 2006, nalampasan ang auction bar na $1 milyon. At nang sumunod na taon, naganap ang hindi inaasahang tagumpay: ang akdang "White Canoe", na inaalok sa Sotheby's noong Pebrero 7, 2007 na may pagtatantya na $0.8–1.2 milyon, ay lumampas sa paunang pagtatantya limang beses at naibenta sa halagang £5.7 milyon ($11.3 milyon). Sa oras na iyon, ito ay isang record na presyo para sa trabaho ng isang buhay na European artist.

Noong 2008, nagsagawa si Doig ng mga solong eksibisyon sa Tate Gallery at Museum of Modern Art sa Paris. Ang mga multi-milyong dolyar na tag ng presyo para sa trabaho ni Doig ay naging karaniwan. Ang personal na rekord ni Peter Doig ay na-update kamakailan nang ilang beses sa isang taon - mayroon lang kaming oras upang baguhin ang larawan at lugar ng artist na ito sa aming pagraranggo ng mga buhay na may-akda.

Sa ngayon, ang pinaka mamahaling trabaho Peter Doig's 1991 "Rosedale" snowscape. Kapansin-pansin, ang rekord ay itinakda hindi sa Sotheby's o Christie's, ngunit sa Phillips contemporary art auction. Nangyari ito noong Mayo 18, 2017. Isang view ng snow-covered Rosedale, isa sa mga kapitbahayan ng Toronto, ay ibinenta sa isang bumibili ng telepono sa halagang $28.81 milyon, tumaas ng humigit-kumulang $3 milyon mula sa nakaraang tala ($25.9 milyon para sa "Swallowed in the Mire"). Ang pagpipinta na "Rosedale" ay nakibahagi sa pangunahing eksibisyon ni Doig sa Whitechapel Gallery sa London noong 1998, at sa pangkalahatan ang gawaing ito ay sariwa para sa merkado, at samakatuwid ang rekord na presyo ay karapat-dapat.

9. FRANK STELLA Cape pines. 1959. $28 milyon

Si Frank Stella ay isang maliwanag na kinatawan ng abstraction ng post-painting at minimalism sa sining. Sa isang tiyak na yugto, ito ay tinutukoy bilang isang hard edge na istilo ng pagpipinta. Sa una, pinag-iba ni Stella ang mahigpit na geometricity, asetiko na monochrome at pagkakaayos ng kanyang mga kuwadro na gawa sa spontaneity at randomness ng mga canvases ng abstract expressionists tulad ni Jackson Pollock.

Noong huling bahagi ng 1950s, ang artista ay nakita ng sikat na may-ari ng gallery na si Leo Castelli at iginawad sa isang eksibisyon sa unang pagkakataon. Dito, ipinakita niya ang tinatawag na "Black Paintings" - mga canvases na pininturahan ng magkatulad na itim na mga linya na may manipis na mga puwang ng hindi pininturahan na canvas sa pagitan nila. Ang mga linya ay nagdaragdag ng hanggang sa mga geometric na hugis, medyo nakapagpapaalaala ng mga optical illusion, ang parehong mga larawang kumikislap, gumagalaw, umiikot, lumilikha ng isang pakiramdam ng malalim na espasyo kung titingnan mo ang mga ito nang mahabang panahon. paksa parallel lines na may manipis na dividing strips, si Stella ay nagpatuloy sa paggawa sa aluminyo at tanso. Ang mga kulay, ang pictorial na batayan at maging ang hugis ng mga kuwadro na gawa ay nagbago (bukod sa iba, ang mga gawa sa hugis ng mga titik U, T, L ay namumukod-tangi). Ngunit ang pangunahing prinsipyo ng kanyang pagpipinta ay binubuo pa rin sa kalinawan ng tabas, monumentalidad, simpleng anyo, monochrome. Sa mga sumunod na dekada, lumipat si Stella mula sa gayong geometric na pagpipinta tungo sa makinis, natural na mga anyo at linya, at mula sa mga monochromatic na pagpipinta tungo sa maliwanag at iba't ibang pagbabago ng kulay. Noong 1970s, nabighani si Stella ng malalaking pattern na ginagamit sa pagpinta ng mga barko. Ginamit sila ng artist para sa malalaking pagpipinta na may mga elemento ng assemblage - kasama niya ang mga piraso mga bakal na tubo o wire mesh.

Sa kanyang mga unang panayam, si Frank Stella ay tapat na nag-uusap tungkol sa mga kahulugang inilagay sa kanyang trabaho, o sa halip, tungkol sa kanilang kawalan: "Kung ano ang nakikita mo ay kung ano ang nakikita mo." Ang pagpipinta ay isang bagay sa sarili nito, hindi isang pagpaparami ng anuman. "Ito ay isang patag na ibabaw na may pintura at wala nang iba pa," sabi ni Stella.

Well, pinirmahan ni Frank Stella, ang "ibabaw na may pintura dito" ay maaaring nagkakahalaga ng milyun-milyong dolyar ngayon. Sa kauna-unahang pagkakataon sa pagraranggo ng mga buhay na artista, nakuha ni Frank Stella noong 2015 sa pagbebenta ng Delaware Crossing (1961) sa halagang $ 13.69 milyon, kasama ang komisyon.

Makalipas ang apat na taon, noong Mayo 15, 2019, isang bagong rekord ang naitakda ng maagang (1959) na gawaing “Cape of Pines”: ang presyo ng martilyo ay mahigit $28 milyon, kasama ang komisyon. Isa ito sa 29 na "black paintings" - ang mismong ginawa ni Stella sa kanyang debut sa kanyang unang eksibisyon sa New York. Ang nagtapos sa Princeton University na si Frank Stella ay 23 taong gulang noon. Madalas siyang walang sapat na pera para sa pintura ng langis para sa mga artista. Nag-moonlight ang batang artista bilang isang repair work, talagang nagustuhan niya puro kulay pintura ng pintor, at pagkatapos ay lumitaw ang ideya na gamitin ang pinturang ito sa canvas. Gamit ang itim na enamel na pintura, nagpinta si Stella ng mga parallel na guhit, na nag-iiwan ng mga manipis na linya ng hindi naka-primed na canvas sa pagitan ng mga ito. Bukod dito, nagsusulat siya nang walang mga pinuno, sa pamamagitan ng mata, nang walang paunang sketch. Hindi alam ni Stella kung gaano karaming mga itim na linya ang lilitaw sa isang partikular na pagpipinta. Halimbawa, sa pagpipinta na "Cape of Pines", mayroong 35 sa kanila. Ang pamagat ng akda ay tumutukoy sa pangalan ng kapa sa Massachusetts Bay - Point of pines. Sa simula ng ikadalawampu siglo, ito ay malaking parke atraksyon, at ngayon ito ay isa sa mga distrito ng lungsod ng Revere.

10. YOSHITOMO NARA Knife sa likod. 2000. $24.95 milyon

Si Yoshitomo Nara (1959) ay isa sa mga pangunahing tauhan ng Japanese neo-pop art. Japanese - dahil, sa kabila ng pandaigdigang katanyagan at maraming taon ng trabaho sa ibang bansa, ang kanyang trabaho ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng isang binibigkas na pambansang pagkakakilanlan. Ang mga paboritong karakter ni Nara ay mga batang babae at aso sa estilo ng Japanese manga at anime comics. Ang mga imahe na naimbento niya sa loob ng maraming taon ay "napunta sa mga tao": ang mga ito ay naka-print sa mga T-shirt, souvenir at iba't ibang "merch" ay ginawa sa kanila. Ipinanganak sa isang mahirap na pamilya, malayo sa kabisera, hindi lamang siya minamahal para sa kanyang talento, ngunit pinahahalagahan din bilang isang taong gumawa ng kanyang sarili. Ang artista ay gumagana nang mabilis at nagpapahayag. Nabatid na ang ilan sa kanyang mga obra maestra ay literal na natapos sa isang gabi. Ang mga pagpipinta at eskultura ni Yoshitomo Nara, bilang isang panuntunan, ay napaka-maigsi, at kahit na matipid sa nagpapahayag na paraan, ngunit palaging nagdadala ng isang malakas na emosyonal na singil. Ang mga teenager na babae sa Nara ay madalas na tumitingin sa manonood na may masamang duling. Sa kanilang mga mata - kawalang-galang, hamon at pagsalakay. Sa mga kamay - pagkatapos ay isang kutsilyo, pagkatapos ay isang sigarilyo. May opinyon na ang mga itinatanghal na kabuktutan ng pag-uugali ay isang reaksyon sa mapang-aping moralidad ng publiko, iba't ibang bawal, at mga prinsipyo ng edukasyon na pinagtibay ng mga Hapones. Ang halos medieval na kalubhaan at kahihiyan ay nagtutulak ng mga problema sa loob, lumikha ng lupa para sa isang naantalang emosyonal na pagsabog. Ang "Knife behind the back" ay malawak na sumasalamin sa isa sa mga pangunahing ideya ng artist. Sa gawaing ito ay may nasusuklam na hitsura ng isang batang babae, at isang kamay na nagbabanta sa kanyang likuran. Hanggang sa 2019, ang mga painting at eskultura ni Yoshitomo Nara ay tumawid na sa milyon, o kahit ilang milyon nang higit sa isang beses. Ngunit dalawampung milyon - sa unang pagkakataon. Si Nara ay isa sa pinakasikat na artistang ipinanganak sa Hapon. At ngayon ang pinakamahal sa buhay. Noong Oktubre 6, 2109, sa Sotheby's sa Hong Kong, kinuha niya ang titulong ito mula kay Takashi Murakami at kapansin-pansing nalampasan ang 90-taong-gulang na avant-garde artist na si Yayoi Kusama (ang pinakamataas na presyo ng auction para sa kanyang mga pagpipinta ay papalapit na sa $ 9 milyon).

11. ZENG FANZHI Ang huling Hapunan. 2001. $23.3 milyon

Sa Sotheby's Hong Kong Oktubre 5, 2013 taon scale canvas "Ang huling Hapunan" Artist ng Beijing Zeng Fanzhi (1964) ay naibenta sa halagang 160 milyong dolyar ng Hong Kong - $23.3 milyon USA. Ang pangwakas na halaga ng trabaho ni Fanzhi, na isinulat, siyempre, sa ilalim ng impluwensya ni Leonardo da Vinci, ay naging dalawang beses sa paunang pagtatantya na humigit-kumulang $10 milyon. Ang dating rekord ng presyo ni Zeng Fanzhi ay $ 9.6 milyon binayaran sa Christie's Hong Kong auction noong Mayo 2008 para sa trabaho Serye ng Maskara. 1996 No. 6".

Ang "The Last Supper" ay ang pinakamalaking (2.2 × 4 meters) na pagpipinta ni Fanzhi sa seryeng "Masks", na sumasaklaw sa panahon mula 1994 hanggang 2001. Ang siklo ay nakatuon sa ebolusyon ng lipunang Tsino sa ilalim ng impluwensya ng mga repormang pang-ekonomiya. Ang pagpapakilala ng mga elemento ng isang market economy ng pamahalaan ng PRC ay humantong sa urbanisasyon at pagkakawatak-watak ng mga Tsino. Inilalarawan ng Fanzhi ang mga naninirahan sa mga modernong lungsod ng Tsina, na kailangang makipaglaban para sa isang lugar sa araw. Ang kilalang komposisyon ng fresco ni Leonardo sa pagbabasa ng Fanzhi ay may ganap na naiibang kahulugan: ang eksena ay inilipat mula sa Jerusalem patungo sa silid-aralan ng isang paaralang Tsino na may mga tipikal na hieroglyphic board sa mga dingding. Ang "Kristo" at "mga apostol" ay naging mga pioneer na may mga iskarlata na kurbata, at si "Judas" lamang ang nagsusuot ng gintong kurbata - ito ay isang metapora para sa Kanluraning kapitalismo, na tumatagos at sumisira sa karaniwang paraan ng pamumuhay sa isang sosyalistang bansa.

Ang mga gawa ni Zeng Fanzhi ay estilistang malapit sa European expressionism at kasing dramatiko. Ngunit sa parehong oras ay puno sila ng mga simbolo at detalye ng Tsino. Ang versatility na ito ay umaakit sa mga Chinese at Western collectors sa gawa ng artist. Ang isang direktang kumpirmasyon nito ay ang pinagmulan ng The Last Supper: ang gawain ay inilagay para sa auction ng sikat na kolektor ng Chinese avant-garde noong 1980s at unang bahagi ng 1990s, ang Belgian baron na si Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN tulay. 1980. $20.6 milyon

Sa auction Christie's May 13, 2015 abstract na gawain "Tulay" 85 taong gulang na Amerikanong artista Robert Ryman(Robert Ryman) ay naibenta para sa $20.6 milyon isinasaalang-alang ang komisyon - dalawang beses na mas mahal kaysa sa mas mababang pagtatantya.

Robert Ryman(1930) ay hindi kaagad napagtanto na nais niyang maging isang artista. Sa edad na 23, lumipat siya sa New York mula sa Nashville, Tennessee, na gustong maging isang jazz saxophonist. Hanggang sa naging siya sikat na musikero, kailangang kumita ng dagdag na pera bilang security guard sa MoMA, kung saan nakilala niya sina Saul LeWitt at Dan Flavin. Ang una ay nagtrabaho sa museo bilang isang night secretary, at ang pangalawa bilang isang security guard at isang elevator operator. May inspirasyon ng mga gawa ng abstract expressionists na nakita niya sa MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock at Newman - si Robert Ryman ay nagpinta noong 1955.

Si Ryman ay madalas na tinutukoy bilang isang minimalist, ngunit mas gusto niyang tawaging "realist" dahil hindi siya interesado sa paglikha ng mga ilusyon, ipinakita lamang niya ang mga katangian ng mga materyales na kanyang ginagamit. Karamihan sa kanyang mga gawa ay pininturahan ng mga pintura ng lahat ng posibleng mga kulay. kulay puti(mula sa kulay-abo o madilaw-dilaw hanggang sa nakasisilaw na puti) batay sa isang laconic square na hugis. Sa panahon ng kanyang karera, sinubukan ni Robert Ryman ang maraming materyales at diskarte: nagpinta siya sa mga langis, acrylics, casein, enamel, pastel, gouache, atbp. sa canvas, steel, plexiglass, aluminum, papel, corrugated cardboard, vinyl, wallpaper, atbp. Ang kanyang Pinayuhan siya ng kaibigan, isang propesyonal na restorer, si Orrin Riley, tungkol sa causticity ng mga materyales na naisip niyang gamitin. Sabi nga ng isang artista, “Wala akong tanong Ano magsulat, ang pangunahing bagay - paano sumulat". Ang lahat ay tungkol sa texture, ang likas na katangian ng mga stroke, ang hangganan sa pagitan ng makulay na ibabaw at mga gilid ng base, pati na rin ang kaugnayan sa pagitan ng trabaho at ng dingding. Mula noong 1975, ang isang espesyal na tampok ng kanyang trabaho ay ang mga fixtures, na idinisenyo ni Ryman sa kanyang sarili at sadyang iniiwan ang mga ito na nakikita, na binibigyang-diin ang kanyang trabaho na "kasing totoo ng mga pader kung saan sila nakabitin ay totoo." Mas gusto ni Ryman na magbigay ng "mga pangalan" sa mga gawa kaysa sa "mga pamagat". Ang "pangalan" ay kung ano ang nakakatulong upang makilala ang isang gawa mula sa isa pa, at madalas na pinangalanan ni Ryman ang kanyang mga gawa sa pamamagitan ng mga tatak ng pintura, kumpanya, atbp., at ang "pamagat" ay nag-aangkin ng ilang uri ng mga alusyon at malalim na nakatagong kahulugan, ang pagkakaroon nito sa kanyang gawa na regular na itinatanggi ng artista. Walang iba kundi materyal at teknik ang mahalaga.

13. Damien Hirst Nakakaantok na tagsibol. 2002. $19.2 milyon

artistang Ingles Kay Damien Hirst (1965) ay nakatakdang maging unang kumuha ng unang lugar sa rating na ito sa isang hindi pagkakaunawaan sa buhay na klasikong Jasper Johns. Ang nabanggit na gawaing "False Start" ay maaaring manatiling isang hindi malulubog na pinuno sa mahabang panahon kung Hunyo 21, 2007 pag-install noong panahong iyon, 42 taong gulang na si Hirst "Natutulog Spring"(2002) ay hindi naibenta sa Sotheby's para sa £ 9.76 milyon, ibig sabihin, para sa $19.2 milyon. Ang trabaho, sa pamamagitan ng paraan, ay may medyo hindi pangkaraniwang format. Sa isang banda, ito ay isang display cabinet na may mga dummies ng mga tabletas (6,136 na tabletas), sa katunayan, isang klasikong pag-install. At sa kabilang banda, ang showcase na ito ay ginawang patag (10 cm ang lalim), kinuha sa isang frame at isinabit sa dingding tulad ng isang plasma panel, kaya ganap na nagbibigay ng kaginhawaan ng pagmamay-ari na likas sa mga painting. Noong 2002, ang kapatid ng pag-install, si Sleepy Winter, ay naibenta sa halagang $7.4 milyon, higit sa kalahati ng presyo. Ang isang tao ay "nagpaliwanag" ng pagkakaiba sa presyo sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga tablet ay mas kupas sa taglamig. Ngunit malinaw na ang paliwanag na ito ay ganap na walang batayan, dahil ang mekanismo ng pagpepresyo para sa mga naturang bagay ay hindi na nauugnay sa kanilang pandekorasyon na epekto.

Noong 2007, kinilala ng marami si Hirst bilang may-akda ng pinakamahal na gawain sa mga buhay na artista. Ang tanong, gayunpaman, ay mula sa kategoryang "depende sa kung paano magbilang." Ang katotohanan ay ang Hurst ay ibinenta para sa mamahaling pounds, at ang Jones para sa mga dolyar na ngayon ay bumagsak sa presyo, at kahit dalawampung taon na ang nakalipas. Ngunit kahit na magbilang tayo sa halaga ng mukha, nang hindi isinasaalang-alang ang 20-taong inflation, kung gayon ang trabaho ni Hirst ay mas mahal sa dolyar, at kay Jones sa pounds. Ang sitwasyon ay hangganan, at lahat ay malayang magpasya kung sino ang isasaalang-alang ang pinakamahal. Ngunit hindi gaanong nagtagal si Hurst sa unang pwesto. Sa parehong 2007, siya ay inilipat mula sa unang lugar ng Koons sa kanyang "Hanging Heart".

Sa bisperas lamang ng pandaigdigang pagbaba ng mga presyo para sa kontemporaryong sining, si Hirst ay nagsagawa ng isang hindi pa nagagawang gawain para sa isang batang artista - isang solong auction ng kanyang mga gawa, na naganap noong Setyembre 15, 2008 sa London. Ang balita ng pagkabangkarote ng Lehman Brothers na inihayag noong nakaraang araw ay hindi nakasira sa gana ng mga kontemporaryong mahilig sa sining: sa 223 na gawa na inaalok ng Sotheby's, lima lamang ang hindi nakahanap ng mga bagong may-ari (isa sa mga mamimili, sa pamamagitan ng paraan, ay si Viktor Pinchuk ). Trabaho "Golden Taurus"- isang malaking effigy ng isang toro sa formaldehyde, na nakoronahan ng isang gintong disc, - dinala £10.3m ($18.6m). Ito ang pinakamagandang resulta ni Hurst kung sinusukat sa pounds (sa currency kung saan ginawa ang deal). Gayunpaman, kami ay nagraranggo sa mga tuntunin ng mga dolyar, kaya (nawa'y patawarin kami ng Golden Calf) isasaalang-alang namin ang pinakamagandang benta ni Hirst bilang Sleepy Spring.

Mula noong 2008, si Hirst ay hindi nagkaroon ng mga benta ng Sleepy Spring at Golden Calf. Ang mga bagong rekord noong 2010s - para sa gawain ni Richter, Jones, Fanzhi, Wool at Koons - ay nag-udyok kay Damien sa ikaanim na linya ng aming rating. Ngunit huwag tayong gumawa ng isang kategoryang paghatol tungkol sa pagbaba ng panahon ng Hirst. Ayon sa mga analyst, si Hurst bilang isang "superstar" ay bumaba na sa kasaysayan, ibig sabihin ay bibilhin nila ito ng napakatagal na panahon; gayunpaman, ang pinakamalaking halaga sa hinaharap ay hinuhulaan para sa mga gawang nilikha sa pinaka-makabagong panahon ng kanyang karera, iyon ay, noong 1990s.

14. Maurizio Cattelan Siya. 2001. $17.19 milyon

Ang Italyano na si Maurizio Cattelan (1960) ay dumating sa sining pagkatapos magtrabaho bilang isang security guard, cook, gardener at furniture designer. Ang self-taught na may-akda ay naging sikat sa buong mundo para sa kanyang mga ironic na eskultura at pag-install. Naghulog siya ng meteorite sa Pope, ginawa niyang tropeo ng pangangaso ang asawa ng customer, napunit ang isang butas sa sahig ng Old Masters Museum, itinaas ang isang higanteng gitnang daliri sa stock exchange sa Milan, nagdala ng buhay na asno sa Frieze fair . Sa malapit na hinaharap, nangangako si Cattelan na mag-install ng ginintuang banyo sa Guggenheim Museum. Sa huli, ang mga kalokohan ni Maurizio Cattelan ay malawak na kinikilala sa mundo ng sining: inanyayahan siya sa Venice Biennale (ang pag-install na "Iba pa" noong 2011 - isang kawan ng dalawang libong kalapati na mukhang menacingly mula sa lahat ng mga tubo at beam sa mga pulutong ng mga bisita pagpasa sa ibaba), ayusin na mayroon siyang retrospective sa New York Guggenheim Museum (Nobyembre 2011) at, sa wakas, malaking pera ang binabayaran para sa kanyang mga eskultura.

Mula noong 2010, ang pinakamahal na gawa ni Maurizio Cattelan ay isang wax sculpture ng isang tao na sumilip sa isang butas sa sahig, sa panlabas na katulad ng artist mismo ("Untitled", 2001). Ang sculpture-installation na ito, na mayroong tatlong kopya kasama ang kopya ng may-akda, ay unang ipinakita sa Boijmans van Beuningen Museum sa Rotterdam. Pagkatapos ang pilyong karakter na ito ay tumingin sa isang butas sa sahig ng bulwagan na may mga pintura ng mga pintor ng Dutch noong ika-18 at ika-19 na siglo. Iniuugnay ni Maurizio Cattellan sa gawaing ito ang kanyang sarili sa isang mapangahas na kriminal na sumalakay sa sagradong espasyo ng museo hall na may mga painting ng mga dakilang master. Kaya, nais niyang alisin ang sining ng halo ng kabanalan na ibinibigay dito ng mga pader ng museo. Ang trabaho, para sa kapakanan ng pagpapakita na sa bawat oras na kailangan mong gumawa ng mga butas sa sahig, ay naibenta sa halagang $ 7.922 milyon sa Sotheby's.

Ang rekord ay tumagal hanggang Mayo 8, 2016, nang ang mas mapanuksong gawain ni Cattelan na Him, na naglalarawan sa isang lumuluhod na Hitler, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $17.189 milyon. Ang bagay ay kakaiba. Kakaiba ang pangalan. Mapanganib ang pagpili ng karakter. Tulad ng lahat ng iba pa sa Cattelan. Ano ang ibig sabihin Niya? "Kanya" o "Kanyang infernal na kamahalan"? Malinaw na tiyak na hindi natin pinag-uusapan ang pag-awit ng imahe ng Fuhrer. Sa gawaing ito, lumilitaw si Hitler sa isang walang magawa, nakakaawa na anyo. At walang katotohanan - ang pagkakatawang-tao ni Satanas ay ginawang kasing laki ng isang bata, nakasuot ng kasuotan ng mag-aaral at nakaluhod na may mapagpakumbabang ekspresyon sa kanyang mukha. Para kay Cattelan, ang larawang ito ay isang paanyaya upang pagnilayan ang kalikasan ng ganap na kasamaan at isang paraan upang maalis ang mga takot. Sa pamamagitan ng paraan, ang eskultura ng "Kanya" ay kilala sa mga taga-Kanluran. Ang kanyang mga kapatid sa serye ay nai-exhibit nang higit sa 10 beses sa mga nangungunang museo sa buong mundo, kabilang ang Pompidou Center at ang Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Walang Pamagat (S III Inilabas sa France Face 43.14). 2011. $16.8 milyon

Noong Mayo 17, 2017, isa sa pinakamakapangyarihang mga painting ni Marc Grotjan na inilagay para sa auction ay lumabas sa Christie's New York evening auction. Ang pagpipinta na "Walang Pamagat (S III Released to France Face 43.14)" ay ipinakita ng kolektor ng Paris na si Patrick Seguin na may tinatayang $13-16 milyon, at dahil ang pagbebenta ng lote ay ginagarantiyahan ng isang third party, walang sinuman ang partikular na nagulat. sa pamamagitan ng pagtatatag ng isang bagong personal na tala sa auction ng 49-taong-gulang na artist . Ang presyo ng martilyo na $14.75 milyon ($16.8 milyon kasama ang Buyer's Premium) ay nalampasan ang dating tala ng auction ni Grotjan ng higit sa $10 milyon, na naglagay sa kanya sa club ng mga buhay na artista na ang trabaho ay nagbebenta ng walong numero. Pitong-digit na parehong mga resulta (mga benta ng higit sa $1 milyon, ngunit hindi hihigit sa $10 milyon) sa alkansya sa auction na si Mark Grotyan sa halos tatlumpu.

Si Mark Grotjan (1968), kung saan nakita ng mga eksperto sa trabaho ang impluwensya ng modernismo, abstract minimalism, pop at op art, ay dumating sa kanyang corporate identity noong kalagitnaan ng 1990s, pagkatapos lumipat kasama ang kanyang kaibigan na si Brent Peterson sa Los Angeles at magbukas ng gallery doon "Kwarto 702". Tulad ng naaalala mismo ng artist, sa oras na iyon nagsimula siyang mag-isip tungkol sa kung ano ang nauna para sa kanya sa sining. Hinahanap niya ang motibo kung saan siya maaaring mag-eksperimento. At napagtanto ko na palagi siyang interesado sa linya at kulay. Ang mga eksperimento sa diwa ng rayonism at minimalism na may linear na pananaw, maraming nawawalang punto at maraming kulay na abstract na tatsulok na mga hugis sa kalaunan ay nagdala ng Grotjan sa buong mundo na katanyagan.

Mula sa abstract, makulay na mga landscape na may maraming horizon at nawawalang mga punto, napunta siya sa mga triangular na hugis na nakapagpapaalaala sa mga pakpak ng butterfly. Mga painting ni Grotjan 2001–2007 Tinatawag nila itong "Butterflies". Ngayon, ang paglipat ng nawawalang punto o paggamit ng ilang mga nawawalang punto nang sabay-sabay, na magkakahiwalay sa kalawakan, ay itinuturing na isa sa pinakamakapangyarihang mga diskarte ng artist.

Ang susunod na malaking serye ng mga gawa ay tinawag na "Mga Mukha"; sa mga abstract na linya ng seryeng ito ay maaaring hulaan ng isang tao ang mga tampok ng isang mukha ng tao, na pinasimple sa estado ng isang maskara sa diwa ng Matisse, Jawlensky o Brancusi. Sa pagsasalita tungkol sa pinakahuling pagpapasimple at pag-istilo ng mga anyo, tungkol sa komposisyon na solusyon ng mga kuwadro na gawa, kapag ang mga nakakalat na tabas ng mga mata at bibig ay tila nakatingin sa amin mula sa kasukalan, napansin ng mga mananaliksik ang koneksyon ng Grotjan's Faces sa sining ng primitive. mga tribo ng Africa at Oceania, habang ang artist mismo ay "gusto ang mga mata ng imahe na nakatingin sa labas ng gubat. Naiimagine ko minsan ang mga mukha ng mga baboon o unggoy. Hindi ko masasabi na ako ay sinasadya o hindi sinasadya na naimpluwensyahan ng primitive na sining ng Africa, sa halip, naimpluwensyahan ako ng mga artista na naimpluwensyahan nito. Picasso ang pinaka-halatang halimbawa."

Ang mga gawa ng seryeng "Mga Mukha" ay tinatawag na brutal at eleganteng, nakalulugod sa mata at nakalulugod sa isip. Sa paglipas ng panahon, ang texture ng mga gawang ito ay nagbabago din: upang lumikha ng epekto ng isang panloob na espasyo, ang artist ay gumagamit ng malawak na mga stroke ng makapal na pintura, kahit na Pollock-style spatter, ngunit ang ibabaw ng pagpipinta ay leveled upang, sa mas malapit na pagsusuri, ito ay tila ganap na patag. Ang auction-record-setting painting na Untitled (S III Released to France Face 43.14) ay kabilang sa bantog na seryeng ito ni Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Ang malungkot kong cowboy. $15.16 milyon

Hapon Takashi Murakami (1962) pumasok sa rating namin na may sculpture "Aking Lonely Cowboy", ibinebenta sa Sotheby's noong Mayo 2008 sa halagang $ 15.16 milyon. Sa pagbebentang ito, si Takashi Murakami ay matagal nang itinuturing na pinakamatagumpay na buhay na artistang Asyano - hanggang sa siya ay nalampasan ng pagbebenta ng The Last Supper ni Zeng Fanzhi.

Si Takashi Murakami ay nagtatrabaho bilang isang artist, sculptor, fashion designer at animator. Nais ni Murakami na kumuha ng isang bagay na talagang Hapon bilang batayan ng kanyang trabaho, nang walang Kanluranin o anumang iba pang paghiram. Sa kanyang mga taon ng pag-aaral, siya ay nabighani sa tradisyonal na Japanese na sining ng nihonga, nang maglaon ay pinalitan ito ng sikat na sining ng anime at manga. Kaya isinilang ang psychedelic na Mr DOB, mga pattern ng nakangiting mga bulaklak at maliwanag, makintab na fiberglass sculpture, na parang kalalabas lang nila sa mga pahina ng Japanese comics. Itinuturing ng ilan na ang sining ni Murakami ay fast food at ang sagisag ng kabastusan, ang iba ay tinatawag ang artist na Japanese na si Andy Warhol - at sa hanay ng huli, tulad ng nakikita natin, mayroong maraming napakayamang tao.

Hiniram ni Murakami ang pangalan para sa kanyang eskultura mula sa The Lonely Cowboys (1968) ni Andy Warhol, na hindi pa napapanood ng mga Hapones, gaya ng inamin niya, ngunit talagang gusto niya ang kumbinasyon ng mga salita. Si Murakami na may isang iskultura ay nasiyahan sa mga tagahanga ng erotikong komiks ng Hapon at pinagtawanan sila. Nadagdagan ang laki, at bukod sa, three-dimensional din, ang bayani ng anime ay nagiging isang fetish ng kultura ng masa. Ang masining na pahayag na ito ay lubos na nasa diwa ng klasikong Western pop art (tandaan ang set ng kasangkapan ni Allen Jones o ang Pink Panther ng Koons), ngunit may pambansang twist.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. $14,784,505

Ang KAWS ay ang pseudonym ng American artist na si Brian Donelly mula sa New Jersey. Siya ang pinakabatang kalahok sa aming rating, ipinanganak noong 1974. Nagsimula si Donelly bilang isang animator sa Disney (pagguhit ng mga background para sa cartoon na "101 Dalmatians" at iba pa). Bata pa lang ako ay interesado na ako sa graffiti. Noong una, ang kanyang signature na disenyo ay isang bungo na may "X" na kapalit ng mga eye socket. Ang gawain ng batang manunulat ay minahal ng mga show business people at mga tao mula sa industriya ng fashion: ginawa niya ang cover para sa Kanye West album, naglabas ng mga collaboration para sa Nike, Comme des Garçons at Uniqlo. Sa paglipas ng panahon, ang KAWS ay naging isang kilalang pigura sa kontemporaryong mundo ng sining. Ang kanyang signature na Mickey Mouse figurine ay nakarating sa mga museo, pampublikong espasyo at pribadong koleksyon. Minsan ang KAWS ay naglabas ng isang limitadong edisyon ng vinyl toy na may tatak na My Plastic Heart, at bigla silang naging paksa ng interes ng mataas na kolektor. Ang isa sa mga masigasig na kolektor ng mga "laruan" na ito ay ang tagapagtatag ng Black Star, rapper na si Timati: halos ganap niyang nakolekta ang buong serye ng "Cavs Companions".

Nagtakda ng rekord ang gawa ng KAWS para sa oeuvre ng isang artista - $14.7 milyon - sa Sotheby's Hong Kong auction noong Abril 1, 2019. Dati ito ay nasa koleksyon ng Japanese fashion designer na si Nigo. Meter canvas Ang KAWS Album ay isang parangal sa pabalat ng sikat na The Beatles album na "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" noong 1967. Sa halip na mga tao lamang, mayroon itong mga Kimpsons - mga inilarawang karakter mula sa serye ng cartoon ng Simpsons na may "X" sa halip na mga mata.

18. JIN SHAN Tajik na nobya. 1983. $13.89 milyon

Sa mga medyo bata at kontemporaryong Chinese artist, na lahat ay kabilang sa tinatawag na "new wave" noong huling bahagi ng 1980s sa Chinese art, ang aming rating ay hindi inaasahang kasama ang isang kinatawan ng isang ganap na naiibang henerasyon at ibang paaralan. Si Jin Shan (Jin Shangyi), na ngayon ay higit sa 80 taong gulang, ay kabilang sa mga mahuhusay na kinatawan ng unang henerasyon ng mga artista sa komunistang Tsina. Ang mga pananaw ng grupong ito ng mga artista ay nabuo sa isang malaking lawak sa ilalim ng impluwensya ng pinakamalapit na komunistang kaalyado - ang USSR.

opisyal sining ng Sobyet, sosyalistang realismo, pagpipinta ng langis, hindi pangkaraniwan kahit noon pa man para sa Tsina (kumpara sa tradisyonal na pagpipinta ng tinta ng Tsino) noong 1950s, ay nasa tugatog ng katanyagan, at ang artistang Sobyet na si Konstantin Methodievich Maksimov ay dumating sa Beijing Art University sa loob ng tatlong taon (mula 1954. hanggang 1957). Pumasok sa kanyang klase si Jin Shani, na noong panahong iyon ay ang pinakabata sa grupo. Palaging naaalala ng artista ang kanyang guro na may matinding init, na sinasabi na si Maksimov ang nagturo sa kanya na maunawaan at mailarawan nang tama ang modelo. Inilabas ni K. M. Maksimov ang isang buong kalawakan ng mga realistang Tsino, na ngayon ay mga klasiko.

Sa gawain ni Jin Shan ay madarama ng isa ang impluwensya ng parehong Sobyet " matinding istilo", at ang European school of painting. Ang artista ay nagtalaga ng maraming oras sa pag-aaral ng pamana ng Renaissance at klasisismo, habang itinuturing niyang kinakailangan upang mapanatili ang espiritu ng Tsino sa kanyang mga gawa. Ang pagpipinta na "Tajik Bride", na ipininta noong 1983, ay itinuturing na isang kinikilalang obra maestra, isang bagong milestone sa gawain ni Jin Shan. Siya ang inilagay sa auction ng China Guardian noong Nobyembre 2013 at naibenta nang maraming beses na mas mahal kaysa sa pagtatantya - para sa $ 13.89 milyon, kabilang ang komisyon.

19. BANKSY Ang Nabulok na Parlamento. 2008. $12.14 milyon

Nagsimulang lumabas ang mga wall painting na may tag na Banksy sa mga pader ng mga lungsod (una sa UK at pagkatapos ay sa buong mundo) noong huling bahagi ng 1990s. Ang kanyang pilosopiko at kasabay na matalas na graffiti ay nakatuon sa mga problema ng pag-atake ng estado sa mga kalayaan ng mga mamamayan, mga krimen laban sa kapaligiran, iresponsableng pagkonsumo, at ang kawalang-katauhan ng iligal na sistema ng paglipat. Sa paglipas ng panahon, ang pader ni Banksy ay "mga paninisi" ay nakakuha ng hindi pa nagagawang katanyagan sa media. Sa katunayan, siya ay naging isa sa mga pangunahing tagapagsalita opinyon ng publiko, kinondena ang pagpapaimbabaw ng mga estado at korporasyon, na nagbubunga ng lumalagong kawalang-katarungan sa sistemang kapitalista.

Ang kahalagahan ng Banksy, ang kahulugan ng "nerve ng oras" at ang katumpakan ng kanyang mga metapora ay pinahahalagahan hindi lamang ng madla, kundi pati na rin ng mga kolektor. Noong 2010s, daan-daang libo o higit pa sa isang milyong dolyar ang ibinigay para sa kanyang mga gawa. Umabot sa punto na ang graffiti ng Banksy ay nasira at ninakaw kasama ng mga piraso ng dingding.

Sa panahon ng advanced na digital surveillance, nananatiling hindi nagpapakilala si Banksy. Mayroong isang bersyon na ito ay hindi na isang tao, ngunit isang grupo ng ilang mga artista, na pinamumunuan ng isang mahuhusay na babae. Iyon ay magpapaliwanag ng marami. At ang panlabas na pagkakaiba-iba ng mga manunulat na nahuli sa mga lente ng mga camera ng mga saksi, at ang impersonal na stencil na paraan ng aplikasyon (nagbibigay ng mataas na bilis at hindi nangangailangan ng direktang pakikilahok ng may-akda), at ang nakakaantig na romantikismo ng mga paksa ng mga kuwadro na gawa. (mga bola, snowflake, atbp.). Magkagayunman, alam ng mga tao mula sa proyekto ng Banksy, kasama ang kanyang mga katulong, kung paano itikom ang kanilang mga bibig.

Sa 2019 ang pinaka mamahaling trabaho Si Banksy ay hindi inaasahang naging isang apat na metrong canvas na Devolved Parliament ("degraded", "decay" o "delegated" parliament). Ang mga chimpanzee na nakikipagtalo sa House of Commons ay tila kinukutya ang madla sa taon ng nakakahiyang Brexit. Nakapagtataka na ang pagpipinta ay ipininta 10 taon bago ang makasaysayang pagbabagong ito, at samakatuwid ay itinuturing ito ng isang tao na makahulang. Sa isang auction ng Sotheby noong Oktubre 3, 2019, isang hindi kilalang mamimili ang bumili ng langis sa halagang $12,143,000 sa isang matinding bidding - anim na beses ang presyo ng paunang pagtatantya.

20. JOHN CURREN "Matamis at simple." 1999. $12.007 milyon

Amerikanong artista John Curran (1962) na kilala sa kanyang satirical figurative paintings sa mapanuksong sekswal at sosyal na mga tema. Ang gawa ni Curren ay namamahala upang pagsamahin ang mga diskarte sa pagpipinta ng mga lumang masters (lalo na si Lucas Cranach the Elder at ang mga mannerists) at fashion photography mula sa makintab na magazine. Sa pagkamit ng mas katawa-tawa, madalas na binabaluktot ni Karren ang mga proporsyon ng katawan ng tao, pinalaki o binabawasan ang mga indibidwal na bahagi nito, inilalarawan ang mga bayani sa mga sirang, mannered na pose.

Nagsimula si Curren noong 1989 na may mga larawan ng mga batang babae na muling iginuhit mula sa isang album ng paaralan; nagpatuloy noong unang bahagi ng 1990s na may mga larawan ng mga busty beauties na inspirasyon ng mga larawan mula sa Cosmopolitan at Playboy; noong 1992, lumitaw ang mga larawan ng mayayamang matatandang babae; at noong 1994, pinakasalan ni Curren ang iskultor na si Rachel Feinstein, na naging pangunahing muse at modelo niya sa loob ng maraming taon. Sa huling bahagi ng 1990s, ang teknikal na kahusayan ni Currin, na sinamahan ng kitsch at grotesqueness ng kanyang mga painting, ay nagdala sa kanya ng katanyagan. Noong 2003, kinuha ni Larry Gagosian ang pag-promote ng artist, at kung ang isang dealer bilang Gagosian ang kukuha sa may-akda, kung gayon ang tagumpay ay garantisadong. Noong 2004, isang John Curran retrospective ang ginanap sa Whitney Museum.

Sa mga oras na ito, ang kanyang trabaho ay nagsimulang magbenta ng anim na numero. Ang kasalukuyang record para sa isang pagpipinta ni John Curran ay pagmamay-ari ng Sweet and Simple, na ibinebenta noong Nobyembre 15, 2016 sa Christie's sa halagang $12 milyon. Ngayon ay higit sa 50, ito ay talagang isang tagumpay sa karera. Ang kanyang nakaraang rekord noong 2008 ay $ 5.5 milyon (binayaran, sa pamamagitan ng paraan, para sa parehong gawain na "Cute and Simple").

21. BRICE MARDEN Ang Dumalo. 1996–1999 $10.917 milyon

Ang isa pang buhay na American abstract artist sa aming ranking ay si Bryce Marden (1938). Ang mga gawa ni Marden sa estilo ng minimalism, at mula noong huling bahagi ng 1980s - gestural painting, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang natatanging may-akda, bahagyang naka-mute na palette. Ang mga kumbinasyon ng kulay sa mga gawa ni Marden ay inspirasyon ng kanyang mga paglalakbay sa buong mundo - Greece, India, Thailand, Sri Lanka. Kabilang sa mga may-akda na nakaimpluwensya sa pagbuo ng Marden ay si Jackson Pollock (noong unang bahagi ng 1960s si Marden ay nagtrabaho bilang isang security guard sa Jewish Museum, kung saan personal niyang naobserbahan ang mga "drippings" ni Pollock), Alberto Giacometti (nakilala ang kanyang trabaho sa Paris) at Robert Rauschenberg (ang ilan habang nagtatrabaho si Marden bilang kanyang katulong). Ang unang yugto ng gawa ni Marden ay nakatuon sa mga klasikong minimalist na canvases, na binubuo ng mga may kulay na hugis-parihaba na bloke (pahalang o patayo). Hindi tulad ng maraming iba pang mga minimalist, na naghahanap ng perpektong kalidad ng mga gawa, na parang naka-print sa pamamagitan ng isang makina, at hindi iginuhit ng isang tao, napanatili ni Marden ang mga bakas ng gawa ng artist, na pinagsasama ang iba't ibang mga materyales (wax at oil paints). Mula noong kalagitnaan ng 1980s, sa ilalim ng impluwensya ng oriental calligraphy, ang geometric abstraction ay pinalitan ng parang meander na mga linya, ang background kung saan ay ang parehong mga patlang ng kulay ng monochrome. Ang isa sa mga gawang "meander" na ito - "The Attended" - ay ibinenta sa Sotheby's noong Nobyembre 2013 sa halagang $10.917 milyon, kasama ang komisyon.

22. ZHANG XIAOGANG Walang hanggang pag-ibig. $10.2 milyon

Ang isa pang kinatawan ng kontemporaryong sining ng Tsino ay isang simbolista at surrealist Zhang Xiaogang (1958). Sa Sotheby's Hong Kong Abril 3, 2011, kung saan ibinenta ang Chinese avant-garde mula sa koleksyon ng Belgian baron na si Guy Ullens, isang triptych ni Zhang Xiaogang "Walang hanggang pag-ibig" ay naibenta sa halagang $ 10.2 milyon. Sa oras na iyon, ito ay isang rekord hindi lamang para sa artist, ngunit para sa buong kontemporaryong sining ng Tsino. Sinasabing ang obra ni Xiaogang ay binili ng asawa ng bilyunaryo na si Wang Wei, na malapit nang magbukas ng sarili niyang museo.

Si Zhang Xiaogang, na mahilig sa mistisismo at pilosopiyang Silangan, ay sumulat ng kuwento " Walang hanggang pag-ibig sa tatlong bahagi - buhay, kamatayan at muling pagsilang. Itinampok ang triptych na ito sa iconic na China/Avant-Garde exhibition noong 1989 sa National museo ng sining. Noong 1989 din, ang mga demonstrasyon ng estudyante ay brutal na sinupil sa Tiananmen Square ng militar. Kasunod ng kalunos-lunos na kaganapang ito, nagsimulang humigpit ang mga turnilyo - isang eksibisyon Pambansang Museo nagkalat, maraming artista ang nandayuhan. Bilang tugon sa sosyalistang realismo na ipinataw mula sa itaas, lumitaw ang isang direksyon ng mapang-uyam na realismo, isa sa mga pangunahing kinatawan nito ay si Zhang Xiaogang.

23. BRUCE NAUMAN Walang magawa si Henry Moore. 1967. $9.9 milyon

Amerikano Bruce Nauman (1941), ang nagwagi sa pangunahing premyo ng 48th Venice Biennale (1999), ay matagal nang napunta sa kanyang record. Sinimulan ni Nauman ang kanyang karera noong dekada sisenta. Tinatawag siya ng mga connoisseurs, kasama sina Andy Warhol at Joseph Beuys, isa sa mga pinaka-maimpluwensyang pigura sa sining ng ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo. Gayunpaman, ang mayamang intelektwalidad at ganap na di-dekorasyon ng ilan sa kanyang mga gawa ay malinaw na pumigil sa kanyang mabilis na pagkilala at tagumpay sa pangkalahatang publiko. Madalas na nag-eeksperimento si Nauman sa wika, na nakatuklas ng mga hindi inaasahang kahulugan ng pamilyar na mga parirala. Ang mga salita ang naging pangunahing karakter ng marami sa kanyang mga gawa, kabilang ang mga neon pseudo-sign at panel. Tinawag mismo ni Nauman ang kanyang sarili na isang iskultor, bagaman sa nakalipas na apatnapung taon ay sinubukan niya ang kanyang sarili sa ganap na magkakaibang mga genre - iskultura, litrato, video art, pagtatanghal, graphics. Noong unang bahagi ng 1990s, binigkas ni Larry Gagosian ang mga makahulang salita: "Ang tunay na halaga ng gawain ni Naumann ay hindi pa natatanto." At kaya nangyari: Mayo 17, 2001 sa Christie's ni Naumann noong 1967 "Walang magawang Henry Moore (tanaw sa likuran)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ay nagtakda ng bagong record sa post-war art segment. Isang cast ng mga kamay ni Naumann na nakatali sa likod, na gawa sa plaster at wax, ay napunta sa ilalim ng martilyo para sa $ 9.9 milyon sa koleksyon ng French magnate na si Francois Pinault (ayon sa iba pang mga mapagkukunan, ang American Phyllis Wattis). Ang pagtatantya ng trabaho ay $2-3 milyon lamang, kaya ang resulta ay isang tunay na sorpresa para sa lahat.

Bago ang maalamat na pagbebentang ito, dalawa lamang sa mga gawa ni Naumann ang tumawid sa milyong dolyar na marka. At sa kanyang buong karera sa auction sa ngayon, anim na gawa lamang, bilang karagdagan sa "Henry Moore ...", ay nawala para sa pitong numero, ngunit ang kanilang mga resulta ay hindi pa rin maihahambing sa siyam na milyon.

Ang "Helpless Henry Moore" ay isa sa mga serye ng polemikong gawa ni Naumann sa pigura ni Henry Moore (1898–1986), isang British artist na itinuring na kabilang sa mga pinakadakilang iskultor noong ika-20 siglo noong dekada sisenta. Ang mga batang may-akda, na natagpuan ang kanilang sarili sa anino ng isang kinikilalang master, pagkatapos ay inatake siya ng mabangis na pagpuna. Ang gawa ni Naumann ay isang tugon sa kritisismong ito at kasabay nito ay isang pagmumuni-muni sa paksa ng pagkamalikhain. Ang pamagat ng akda ay nagiging isang pun dahil nag-uugnay ito ng dalawang kahulugan salitang Ingles nakatali - nakatali (literal) at tiyak na mapapahamak sa ilang kapalaran.

Pansin! Ang lahat ng mga materyales ng site at database ng mga resulta ng auction ng site, kabilang ang nakalarawan na impormasyon ng sanggunian tungkol sa mga gawa na ibinebenta sa mga auction, ay inilaan para sa paggamit lamang alinsunod sa Art. 1274 ng Civil Code ng Russian Federation. Ang paggamit para sa mga layuning pangkomersyo o sa paglabag sa mga patakarang itinatag ng Civil Code ng Russian Federation ay hindi pinapayagan. ang site ay hindi mananagot para sa nilalaman ng mga materyales na isinumite ng mga ikatlong partido. Sa kaso ng paglabag sa mga karapatan ng mga ikatlong partido, ang pangangasiwa ng site ay may karapatang alisin ang mga ito mula sa site at mula sa database batay sa kahilingan ng awtorisadong katawan.

10. Blood Red Mirror ni Gerhard Richter- naibenta sa halagang $1,314,500

Si Gerhard Richter (ipinanganak noong Pebrero 9, 1932, Dresden) ay ang pinakatanyag sa mga kontemporaryong artistang Aleman, ang kanyang gawa ay tinatawag na pinakakontrobersyal at kontrobersyal, at ang kanyang mga kuwadro ay ang pinakamahal sa mga gawa ng mga buhay na artista. Kaya, ang isa sa kanila ay nabili kamakailan sa Sotheby's sa halagang $20.8 milyon! Ang pagpipinta sa aming listahan ay naibenta noong Nobyembre 2008 sa parehong auction sa New York sa halagang 1.3 milyon. Ang Blood Red Mirror ("Blood Red Mirror") ay isang salamin sa mga pulang kulay ng dugo.

9. "Ang konsepto ng espasyo, naghihintay" Lucio Fontana- naibenta sa halagang $1.5 milyon

Lucho Fontana - pintor ng Italyano, iskultor, abstract artist. Inilatag niya ang pundasyon sa isang pagkakataon para sa sunod sa moda ng mga "cut" na mga kuwadro na gawa. At ang gawang ito ni Fontana, na ibinebenta noong 2010 sa halagang $1.5 milyon, ay talagang naka-indent.

8. "Green White" Ellsworth Kelly- naibenta sa halagang $1,650,500

Si Ellsworth Kelly ay isang kontemporaryong Amerikanong pintor at iskultor. Siya ang pinakamalaking kinatawan ng direksyon na "Hard-edge painting" - pagpipinta, na naglalaman ng mga figure (madalas, ngunit hindi kinakailangang geometriko) na may matalim, malinaw na mga contour. Ang Green White painting ay naibenta noong Nobyembre 2008 sa halagang $1,650,500.

7. "Walang Pamagat" Blinky Palermo

Si Blinky Palermo ay isang German abstract artist. Ang kanyang painting na "Untitled" ay naibenta sa halagang 1.7 milyon sa auction. Ang "Untitled", sa katunayan, tulad ng iba pang gawa ni Palermo, ay isang layering ng isang kulay sa isa pa.

6. "Cowboy", Ellsworth Kelly- naibenta sa halagang $1.7 milyon

Ang larawang "Cowboy" ay nagdala sa pamilyar na sa amin ni Kelly ng 1.7 milyong dolyar.

5. Peinture (Le Chien), Joan Miro- naibenta sa halagang $2,210,500

Si Joan Miro ay isang sikat na Catalan (Espanyol) na abstract artist. Ang mga gawa ng pintor ay kadalasang parang mga hindi magkakaugnay na guhit ng mga bata at naglalaman ng mga pigura na malabo na katulad ng mga tunay na bagay. Ang kanyang painting na "Dog" ay naibenta sa halagang $2,210,500 sa Christie's sa New York.

4. "Walang Pamagat" ni Cy Twombly- Nabenta sa halagang $2.3 milyon.

Si Cy Twombly ay isang Amerikanong pintor at abstract sculptor. Ang pagka-orihinal ng paraan ni Twombly ay nakasalalay sa magulong aplikasyon ng mga inskripsiyon, linya at mga gasgas sa canvas. Ang kanyang pagpipinta na "Untitled", na binili sa halagang $2.3 milyon, ay maaaring magmukhang gawa ng isang 5 taong gulang na bata na nagsasanay sa pagsulat ng titik na "e".

3. "White Fire I" ni Barnett Newman- naibenta sa halagang $3,859,500 dolyares

Si Barnett Newman ay isang Amerikanong artista, isang kilalang kinatawan ng abstract expressionism. Ang White Window I ay naibenta noong Nobyembre 13, 2002 sa halagang $3,859,500.

2. "Blue Fool" ("Blue Fool"), Christopher Wool- naibenta sa halagang $5 milyon

Ang Blue Fool painting ng kontemporaryong American artist na si Christopher Wool ay binili noong Mayo 2010 sa Christie's sa New York sa halagang $5,010,500.

1. "Walang Pamagat" (1961) Mark Rothko- naibenta sa halagang $28 milyon

Isang painting ni Rothko, isang nangungunang exponent ng abstract expressionism, isa sa mga lumikha ng color field painting, ay naibenta noong 2010 sa New York sa Sotheby's sa halagang $28,000,000.

10.06.13 technovoin

Maligayang pagdating sa mga pahina ng Art Veranda! Sa post ngayon, gusto kong sorpresahin ang aming mga mambabasa, dahil marami kaming pag-uusapan mamahaling mga painting, ngunit mahal hindi sa mga tuntunin ng kanilang kahalagahan, ngunit sa mga tuntunin ng gastos (panahon). Ito ang kaso kapag ang mga maginoo na yunit ay gumagawa ng mga kuwadro na "ginintuang". Sa pangkalahatan, ito kahangalan sa sining o sining ng walang katotohanan, na walang karaniwang mga ugat na may avant-garde na direksyon ng 50-60s. XX siglo.

Ang mga halimbawa ng pagpipinta na ipinakita sa ibaba ay mga pambihirang halimbawa ng kung paano ka makakakuha ng napakagandang pera para sa tahasang pag-daub.

1. "Blood Red Mirror". Pintor - . Presyo - $1.1 milyon.

Gusto kong tandaan na si Gerhard Richter ay isang mahusay na master at ang kanyang mga gawa ay sa maraming paraan ay hindi mabibili ng salapi. Ngunit hindi ko lubos na malinaw kung gaano kahalaga ang paglikha na ito? Dahil ang nakikita mo ay pulang pintura lamang na inilapat ni Richter sa salamin, na nagdaragdag ng kaunting gradient. Tila, iba ang iniisip ng kolektor na pumili ng "Blood Red Mirror" sa halagang $1.1 milyon.

2. "Ang konsepto ng espasyo, naghihintay". Pintor - . Presyo - $1.5 milyon.

3. "Green blot". Pintor - . Presyo - $1.6 milyon.

4. "Walang pamagat". Pintor - . Presyo - $1.7 milyon.

5. "Cowboy". Pintor - . Presyo - $1.7 milyon.

6. "Pagpinta (Aso)". Pintor - . Presyo - $2.2 milyon.

7. "Walang pamagat". Pintor - . Presyo - $2.3 milyon.

8. "White Fire I". Pintor - . Presyo - $3.8 milyon.

9. tanga. Pintor - . Presyo - $5 milyon.

10. "Walang pamagat". Pintor - . Presyo - $28 milyon.

Ganyan po mga sir. May pagnanais bang yumaman? Mga tagubilin: a) bumili ng painting sa isang flea market mula sa mga mas mura; b) bigyan siya ng isang malaking pangalan; c) huwag masyadong tamad na gumawa ng hindi kapani-paniwalang kuwento ng paglikha; d) exhibit sa isa sa mga pinakasikat na auction sa mundo. Paano kung bumaba ka sa kasaysayan, yakapin ka ng press, pag-usapan ka ng mga tao, magsulat ng script at, sa wakas, gumawa ng pelikula?!

No. 20. $75,100,000. "Royal Red and Blue", Mark Rothko, ibinenta noong 2012.

Ang maringal na canvas ay isa sa walong mga gawa na pinili mismo ng artist para sa kanyang landmark solo exhibition sa Art Institute of Chicago.

No. 19. $76,700,000. The Massacre of the Innocents ni Peter Paul Rubens, nilikha noong 1610.

Ang pagpipinta ay binili ni Kenneth Thompson sa Sotheby's sa London noong Hulyo 2002. Ang isang maliwanag at dramatikong gawa ni Rubens ay maaaring makipagkumpitensya para sa pamagat ng "pinaka hindi inaasahang tagumpay". Pinahahalagahan ni Christie ang pagpipinta na ito sa 5 milyong euro lamang.

No. 18. $78,100,000. Bola sa Moulin de la Galette ni Pierre-Auguste Renoir, ipininta noong 1876.

Ang trabaho ay naibenta noong 1990, sa oras na iyon ay nakalista ito bilang pangalawang pinakamahal na pagpipinta sa mundo na nabili. Ang obra maestra ay pagmamay-ari ni Ryoei Saito, Chairman ng Daishowa Paper Manufacturing Co. Nais niyang i-cremate ang canvas kasama niya pagkatapos ng kanyang kamatayan, ngunit ang kumpanya ay nagkaroon ng problema sa pananalapi dahil sa mga obligasyon sa pautang, kaya ang pagpipinta ay kailangang gamitin bilang collateral.

No. 17. 80 milyong dolyar. "Turquoise Marilyn" ni Andy Warhol, pininturahan noong 1964, ibinenta noong 2007

Nakuha ni G. Steve Cohen. Ang presyo ay hindi nakumpirma, ngunit ang figure na ito ay itinuturing na totoo.

No. 16. 80 milyong dolyar. "False Start", Jasper Johns, isinulat noong 1959

Ang pagpipinta ay pagmamay-ari ni David Geffen, na nagbebenta nito sa Citadel investment group CEO Kenneth S. Griffin. Ito ay kinikilala bilang ang pinakamahal na pagpipinta na naibenta sa panahon ng buhay ng artist, kulto master Jasper Johns.

No. 15. $82,500,000. "Portrait of Doctor Gachet", Vincent van Gogh, 1890.

Ang Japanese businessman na si Ryoei Saito ay bumili ng painting noong 1990 sa isang auction. Noong panahong iyon, ito ang pinakamahal na pagpipinta sa mundo. Bilang tugon sa sigaw ng publiko sa kagustuhan ni Saito na ipa-cremate sa kanya ang likhang sining pagkatapos ng kanyang kamatayan, ipinaliwanag ng negosyante na sa gayon ay ipinapahayag niya ang kanyang walang pag-iimbot na pagmamahal sa pagpipinta.

No. 14. $86,300,000. Triptych, Francis Bacon, 1976.

Ang tatlong bahaging obra maestra ni Bacon ay sinira ang kanyang dating rekord para sa mga benta na $52.68 milyon. Ang pagpipinta ay binili ng bilyonaryo ng Russia na si Roman Abramovich.

No. 13. $87,900,000. "Portrait of Adele Bloch-Bauer II", Gustav Klimt, 1912.

Ang nag-iisang modelo na inilalarawan ng dalawang beses ni Klimt at naibenta ilang buwan pagkatapos ng unang bersyon. Ito ay larawan ni Bloch-Bauer, isa sa apat na painting na nakakuha ng kabuuang $192 milyon noong 2006. Hindi kilala ang bumibili.

No. 12. $95,200,000. Dora Maar na may pusa, si Pablo Picasso, 1941

Ang isa pang pagpipinta ni Picasso, na napunta sa ilalim ng martilyo sa isang kamangha-manghang presyo. Noong 2006, nakuha ito ng isang misteryosong Russian na hindi kilalang tao, na sa parehong oras ay bumili ng mga gawa nina Monet at Chagall na nagkakahalaga ng $100 milyon.

No. 11. $104,200,000. "Boy with a pipe", Pablo Picasso, 1905.

Ito ang unang pagpipinta na bumagsak sa $100 milyon na hadlang noong 2004. Kakatwa, ang pangalan ng taong nagpakita ng matinding interes sa larawan ni Picasso ay hindi kailanman ginawa sa publiko.

No. 10. $105,400,000. Silver Car Crash (Double Crash), Andy Warhol, 1932

Ito ang pinakamahal na trabaho. sikat na alamat pop art, Andy Warhol. Ang pagpipinta ay naging isang bituin ng modernong sining, sa ilalim ng martilyo sa Sotheby's.

No. 9. $106,500,000. Hubad, Berdeng Dahon at Bust, Pablo Picasso, 1932

Ang sensual at makulay na obra maestra na ito ay ang pinakamahal na Picasso na naibenta sa auction. Ang pagpipinta ay nasa koleksyon ni Mrs. Sidney F. Brody at hindi na ipinakita sa publiko mula noong 1961.

No. 8. $110 milyon na "Bandila", Jasper Johns, 1958

Ang Bandila ay ang pinakasikat na gawain ni Jasper John. Ipininta ng pintor ang kanyang unang bandila ng Amerika noong 1954-55.

No. 7. $119,900,000. "The Scream", Edvard Munch, 1895

Ito ang pinakanatatangi at pinakamakulay na gawa sa apat na bersyon ng obra maestra ni Edvard Munch na The Scream. Isa lamang sa kanila ang nananatili sa pribadong mga kamay.

No. 6. $135,000,000. "Larawan ni Adele Bloch-Bauer I", Gustav Klimt.

Maria Altman utos ng hudisyal humingi ng karapatang pagmamay-ari ang pagpipinta, dahil ipinamana ito ni Adele Bloch-Bauer sa Austrian State Gallery, at kinansela ng kanyang asawa ang donasyon sa gitna ng mga kaganapan ng World War II. Nang pumasok sa mga legal na karapatan, ipinagbili ni Maria Altman ang larawan kay Ronald Lauder, na nagpakita nito sa kanyang gallery sa New York.

No. 5. $137,500,000. "Babae III", Willem de Kooning.

Ang isa pang pagpipinta na ibinenta ni Geffen noong 2006, ngunit sa pagkakataong ito ang bumili ay ang bilyunaryo na si Steven A. Cohen. Ang kakaibang abstraction na ito ay bahagi ng isang serye ng anim na obra maestra ng Kooning na ipininta sa pagitan ng 1951 at 1953.

No. 4. $140,000,000. "No. 5, 1948", Jackson Pollock.

Ayon sa The New York Times, ibinenta ng prodyuser at kolektor ng pelikula na si David Geffen ang pagpipinta kay David Martinez, managing partner ng FinTech Advisory, bagaman pinakabagong impormasyon hindi kinumpirma. Ang katotohanan ay nababalot ng misteryo.

– Vandrey

Ang sampung halimbawa ng pagpipinta sa ibaba ay matingkad na mga halimbawa kung paano ka makakakuha ng napakagandang pera para sa anumang prangka na daub (ipininta ng isang limang taong gulang na bata o binili sa isang flea market, halimbawa), na may malaking pangalan para dito, pagsulat ng isang hindi kapani-paniwalang kwento ng paglikha at inilalagay ito sa isa sa pinakasikat na mundo ng mga auction:

1. "Ang konsepto ng espasyo, naghihintay" Lucio Fontana - $ 1.5 milyon

Ang 'Concept of Space, Waiting' ng artist na si Lucio Fontana ay naibenta sa halagang $1.5 milyon sa auction sa London. Ang gawaing ito ay isang isang kulay na canvas na may mga longitudinal slits. Ang tanong sa isang milyon: tataas ba ang halaga ng pagpipinta na ito kung gagawa ka pa ng ilang butas dito?

2. "Blood Red Mirror" ni Gerhard Richter - $1.1 milyon

Ang "Mirror" ay naibenta sa halagang 1.1 milyon. Napagtatanto ang halaga ng iba pang mga gawa ni Gerhard Richter, mahirap maunawaan ang halaga ng isang ito. Pulang pintura lang na nilagyan ng slight gradient sa salamin diba? Marahil ang kolektor na bumili ng piraso na ito ay nais lamang na makita ang kanyang sarili sa isang salamin sa isang hindi karaniwang kulay.

3. Greenblot ni Ellsworth Kelly - $1.6 milyon

Ang pagpipinta na ito ay naibenta sa halagang $1.6 milyon. Sa pagkakaalam namin, karamihan sa mga gawa ni Ellsworth Kelly ay hindi nakakakuha ng malalaking halaga, ngunit ang canvas na ito ay isang exception. Oo, sa kabila ng katotohanan na ito ay isang canvas lamang na may deformed na bilog sa gitna, mayroong isang connoisseur at binayaran ito ng kasing halaga ng isang maliit na isla ng Thai.

4 Untitled (1961) Mark Rothko - $28 milyon

Ang gawaing ito ni Mark Rothko ay ibinenta sa auction ng higit sa $28 milyon. Ang "kakila-kilabot" ay malamang na isang pagmamalabis, ngunit ang "nakakainis" ay marahil ang pinaka eksaktong paglalarawan ang larawang ito. Ano ang masasabi mo kung ang iyong anak, pagkatapos mag-aral ng isang taon sa art school, ay magdadala ng gayong obra maestra sa bahay? Buweno, halimbawa: a) ipinagmamalaki nila at isinasabit ito sa dingding o c) sasabihin nila: "Napakahusay ... ngunit sa susunod ay subukang gumuhit ng isang bagay na mas makikilala."

5. "Walang Pamagat" Blinky Palermo - $1.7 milyon

Ang gawaing ito ay ibinenta sa auction sa halagang $1.7 milyon. Ang "Untitled", tulad ng iba pang gawa ni Palermo, ay kumbinasyon ng maraming kulay na mga guhit. Isa sa mga kritiko ng sining Inilarawan ang gawaing sining na ito tulad ng sumusunod: “Ang mga canvases ng Palermo ay nagbibigay ng kaunti sa manonood, kung mayroon man, nagbibigay lamang sila ng maliliit na pagbabago sa tono, walang mga painterly touch. Sa halip, ipinapakita nila sa manonood ang dalisay, hindi natunaw na kulay." Bravo! Nakapagtataka lang na may makakapaglarawan ng ganitong gawain na hindi mayaman sa mga elemento at nakakahanap pa ng mga positibong sandali dito!

6. "Pagpipinta (Aso)" ni Joan Miro - $2.2 milyon

Ang gawaing ito ni Joan Miró ay naibenta sa auction sa halagang $2.2 milyon. Sa iba pang magagandang gawa ni Miro, ang isang ito ay tila anomalya sa amin. Mahirap maunawaan kung bakit binili ng kolektor ang pagpipinta na ito - marahil ay nais lamang niyang magkaroon ng bahagi ng pamana ng dakilang master?

7. Puting Apoy I”, Barnett Newman – $3.8 milyon

Ang White Fire I ni Barnett Newman ay binili sa halagang $3.8 milyon. "Ang pangalang "White Fire" ay isang mystical term na nagmula sa Torah. Dahil dito, tiyak na puno ito ng malalim na espirituwal na pakiramdam na sinusubukang ipahiwatig ni Newman sa madla ng kanyang larawan. Talaga? Ang dalawang linya ba sa isang blangkong canvas ay direktang nauugnay sa Torah?

8. Untitled Cy Twombly - $2.3 milyon

Ang pagpipinta na ito ni Cy Twombly ay naibenta sa halagang $2.3 milyon sa auction ni Christie. Ang gawaing ito ay ginawa gamit ang mga kulay na lapis sa papel, iyon ay, sa parehong paraan, at sa parehong mga materyales kung saan sinusubukan nilang gumuhit ng mga unang titik sa kindergarten. Pagtingin sa gilid, parang limang taong gulang na bata na nagsasanay sa pagsulat ng letrang "e", di ba?

9 Cowboy, Ellsworth Kelly - $1.7 milyon

Ang koboy na si Ellsworth na si Kelly ay ibinenta sa auction sa halagang $1.7 milyon. Nag-aral si Kelly ng pagpipinta sa Museum of Fine Arts sa Boston at Paris sa loob ng mahigit apat na taon bago bumuo ng sarili niyang istilo. Nagpasya siyang lumikha ng isang istilo na halos binubuo ng mga bloke sa canvas. Maaaring isipin ng isang baguhan na ito ay isang masamang pagpipilian: ano ang espesyal sa polyhedra sa papel? Gayunpaman, mula sa isang pang-ekonomiyang punto ng view, Kelly tumama sa kuko sa ulo. Paano ang tungkol sa aesthetic? Halos hindi.

10 Blue Fool Christopher Wool - $5 milyon

At sa wakas, ang larawan na may simbolikong pangalan na "The Blue Fool" ay ang pinaka-karapat-dapat na konklusyon sa artikulong ito. Ibinenta ito sa auction ng mahigit $5 milyon. Mahirap pigilan ang pag-iisip na si Christopher, na dalubhasa sa pagsulat ng mga salita sa canvas, ay natawa nang ibenta ang painting na ito. Ang pagkumbinsi sa isang tao na bumili ng painting na may nakasulat na asul na "Fool" ay... bravo, Christopher!