Ang kompositor na si Anton Rubinstein at ang kanyang mga gawa. Kahulugan ng rubinstein anton grigorievich sa isang maikling talambuhay na encyclopedia Hospitable house Rubinsteinov

A. G. RUBINSTEIN

Si Anton Grigoryevich Rubinshtein (1829–1894) ay isa sa mga pangunahing pigura ng kulturang musikal ng Russia noong 60s–80s. Ang kanyang kahalagahan at impluwensya ay dahil sa kumbinasyon sa isang tao ng isang napakatalino na pianista, ang pinakamalaking tagapag-ayos ng buhay musikal at edukasyon sa musika, isang prolific na kompositor na nagtrabaho sa iba't ibang genre at lumikha ng maraming magagandang obra na nagpapanatili ng kanilang aesthetic na halaga hanggang ngayon. .

Ang lahat ng aspetong ito ng malikhaing aktibidad ni Rubinstein ay malapit na magkakaugnay. Ang isang karaniwang, pinag-isang tampok ay ang kanilang oryentasyong pang-edukasyon. Tinukoy ng mga ideya ng paliwanag ang repertoire, istilo at anyo ng pagganap - pianistic at conductor - mga aktibidad, at ang pagbuo ng mga pundasyon ng Russian musical pedagogy, at - sa isang espesyal na kahulugan - ang gawa ng kompositor ni Rubinstein.

Ang kaliwanagan ni A. G. Rubinshtein ay batay sa mga demokratikong pagbabago noong huling bahagi ng 50s at unang bahagi ng 60s. Hindi sinasadya na sa kanyang artikulong "Mayroong tatlo sa kanila ...", na ang mga bayani - A. G. at N. G. Rubinstein at M. A. Balakirev, B. V. Asafiev ay nagbigay ng subtitle: "Mula sa panahon ng pampublikong pagtaas ng musikang Ruso 50-60 - ika ng huling siglo" (). Matagal at matatag ang koneksyon ng pagganap at gawaing pang-organisasyon ni Rubinstein sa mga kagyat na gawain ng pambansang kultura. Ang mga pan-European na pinagmulan at mga aspeto ng kanyang kaliwanagan ay hindi gaanong binigyang-diin, at ang mga ito ay direktang nauugnay sa kanyang trabaho bilang isang kompositor. Ang ideya ng pagpasok ng kulturang musikal ng Russia sa lahat ng mga bahagi nito, kabilang ang pagkamalikhain ng kompositor, sa pamilya ng mga kulturang European, isang ideya na binigyang-kahulugan ng marami sa kanyang mga kontemporaryo bilang cosmopolitan, hindi pambansa at maging anti-nasyonal, ay nagkaroon. malalim na mga katwiran at ugat. At dito, hindi ang sukat ng personalidad ng mga artista ang mahalaga, kundi ang mga uso. Ang tema ng pagsasama ng musikang Ruso sa proseso ng pan-European ay nananatiling may kaugnayan sa mga pagmumuni-muni at pagsusulatan ng mga tagapagmana ni Rubinstein - sina Tchaikovsky at Taneyev.

Noong 1829 - ang taon ng kapanganakan ni Rubinstein - isinulat ni Goethe ang artikulong "Further on World Literature", na nagpatuloy sa kanyang maagang gawain na "On World Literature" at pinatunayan ang pangangailangang i-assimilate ang mga masining na ideya at anyo ng lahat ng sangkatauhan. Hindi ito tungkol sa pag-aalis ng mga pambansang panitikan, ngunit tungkol sa kanilang kadakilaan, unibersalisasyon at "tunay na pag-unlad" - sa oras na iyon ay iniugnay ng mahusay na artista at palaisip ang "hindi maiiwasan" ng paglikha ng isang panitikan sa mundo sa "patuloy na pagtaas ng bilis ng paraan ng transportasyon"! ( , 415 ). Si Goethe ay isa sa mga idolo ng musikero ng Russia: ang mga romansa ng 14-taong-gulang na si Anton Rubinstein ay nilikha sa kanyang mga salita, at nang maglaon ay maraming iba pang makabuluhang vocal opuses; sinimulan niya ang kanyang sikat na artikulong "Sa Musika sa Russia" na may isang sipi mula sa Goethe; Si Goethe at ang kanyang mga gawa ay patuloy na binabanggit sa "Mga kwentong Autobiograpikal" at mga titik.

Ang isa pang halimbawa, medyo malapit, ay ang malikhaing aktibidad ni F. Liszt. Si A. G. Rubinshtein ay nauugnay sa Hungarian na musikero sa loob ng maraming taon. Noong tagsibol ng 1846, ang binata na si Rubinstein ay bumisita sa Liszt sa unang pagkakataon sa Vienna, kalaunan ay nanatili sa kanya ng mahabang panahon sa Weimar, bumisita sa Budapest, at nagpapanatili ng mahusay na relasyon hanggang sa kanyang kamatayan. Noong 1854, nagtanghal si Liszt sa entablado ng Weimar - sa ilang dosenang mga opera mula Gluck at Mozart hanggang Wagner - "The Siberian Hunters" ng isang batang kompositor mula sa Russia, paulit-ulit na gumanap ng kanyang Second Symphony sa mga lungsod ng Germany (sikat sa panahon nito at kilalang-kilala. "Ocean"), na nakatuon kay Anton Grigoryevich ang piano fantasy na "Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen", at kabilang sa mga adaptasyon at transkripsyon ni Liszt ay nakahanap kami ng dalawang kanta ni Rubinstein - "Azra" at isa sa "Persian". Sa kabila ng kahalagahan ng mga pagkakaiba sa ideolohikal at masining sa larangan ng komposisyon, ang imahe ni Liszt - isang pianista at kompositor - ay hindi maaaring bumuo ng isang mas batang musikero. Ang isang malaking bilang ng mga nakasulat na opuses, propaganda - hindi lamang sa pamamagitan ng pagganap, ngunit sa pamamagitan ng paglikha ng mga transkripsyon - ng musika ng iba pang mga may-akda, ang lahat ng ito ay buod ng kategorya ng paliwanag. Ang pagtanggap sa kumbensyon ng paghahambing, ang isa ay makakahanap pa rin ng isang bagay na nauugnay sa katotohanan na si Liszt ay naglaro ng kanyang sariling mga transkripsyon ng mga symphony ni Beethoven (at ito ay isang kilalang katotohanan na narinig ni Stasov ang ilan sa kanila sa unang pagkakataon nang tumpak sa pagganap na ito ng Liszt! ), habang si Rubinstein ay binubuo ng mga multi-movement symphony na nakatuon sa European Classical Cycle: Enlightenment by Composer's Means!

Sa kulturang artistikong Ruso mismo - sa panitikan, sa teatro - ang mga tradisyong pang-edukasyon ng asimilasyon ng mga modelo ng Kanlurang Europa ay matagal nang naging malakas: lahat ng mga aktibidad ni Zhukovsky bilang isang tagasalin, classicist dramaturgy - ang mga trahedya ng Knyazhnin o Ozerov, na mga paraphrase. , mga pagbabago, muling pagsasalaysay ng mga Ruso, mga paglipat sa lupang Ruso noong sinaunang panahon, o Pranses, o Aleman at iba pang kababalaghan. Marami na ang nasabi tungkol sa "unibersal na pagtugon" ni Pushkin.

Sa aspetong ito - at sa pinaka-pangkalahatang mga termino - maaaring ilagay ng isa ang pangalan ng Rubinstein pagkatapos ng pangalan ng Glinka, bagaman magdudulot ito ng matinding protesta mula sa karamihan ng mga kontemporaryo ni Rubinstein, at maging ang mga susunod na henerasyon ng mga musikero at kritiko. Ang ganitong paghahambing ay talagang hindi walang kondisyon, sa anumang kaso, ang paghalili ni Rubinstein kaugnay sa Glinka ay hindi direkta, namamagitan, ngunit, sa isang tiyak na kahulugan, siya ang tagapagmana ng gawain ni Glinka. Panlabas na punto ng pakikipag-ugnayan: sa iba't ibang oras ang parehong musikero ay nag-aral sa Berlin kasama si Z. Dehn. Ang mga ideya ni Glinka sa ibang pagkakataon ay nag-aalala sa posibilidad at pagiging mabunga ng pag-master ng karanasan ng Western European polyphony sa batayan ng mga pambansang melo. Parehong iniisip ni Rubinstein ang tungkol sa parehong bagay, ngunit sa pangkalahatan tungkol sa asimilasyon ng isang bilang ng mga instrumental na genre (muli naming binibigyang-diin na ang pokus, at hindi ang sukat ng talento, ang tinatalakay), at tungkol sa pag-unlad ng sining ng musika sa pangkalahatan. Pansinin ang mga sandali ng "mana", iminumungkahi ni Protopopov na sa panahon ng pagpupulong ng dalawang musikero sa Berlin noong 1856, nang magtrabaho si Glinka kay Den, isang "pagpapalitan ng mga pananaw sa komposisyon ng mga fugues" ay maaaring maganap sa pagitan nila ( , 103 ).

Ang hitsura ni Rubinstein - isang tagapalabas, guro, kompositor, pampublikong pigura - ay tinutukoy ng mga kakaiba ng kanyang buhay at malikhaing landas. Nagsimula siya, tulad ng maraming kahanga-hangang mid-century, kasama ang kanyang guro na si A.I. Villuan sa isang concert tour ng malalaking lungsod Europa noong 1841-1843. Gayunpaman, sa lalong madaling panahon nakuha niya ang ganap na kalayaan: dahil sa pagkasira at pagkamatay ng kanyang ama, ang kanyang nakababatang kapatid na si Nikolai at ang kanyang ina ay bumalik mula sa Berlin patungong Moscow, habang si Anton ay lumipat sa Vienna at utang ang kanyang buong karera sa hinaharap sa kanyang sarili lamang. Ang kasipagan, kalayaan at katatagan ng pagkatao na binuo sa pagkabata at kabataan, ang mapagmataas na artistikong kamalayan sa sarili, ang demokrasya ng isang propesyonal na musikero, kung saan ang sining ay ang tanging pinagmumulan ng materyal na pag-iral - ang lahat ng mga tampok na ito ay nanatiling katangian ng musikero hanggang sa katapusan. ng kanyang mga araw.

Ang "karanasan sa intonasyon" na humubog sa tainga ni Rubinstein at, kasama nito, ang ilang mga tampok ng kanyang musikal na wika, ay lumabas na nauugnay sa isang lubhang magkakaibang hanay ng mga phenomena. Ang mga ito ay kadalasang minamaliit, ngunit lubhang mahalagang mga bata - Moscow musical impression, hinihigop nang direkta at sa pamamagitan ng Villuan. Dagdag pa, isang pianista na may patuloy na lumalawak na repertoire, isang tagapakinig ng mga konsyerto at pagtatanghal sa iba't ibang mga bansa sa Europa, pangunahin sa mga lungsod ng Alemanya at Austria, si Rubinstein ay sumisipsip ng parehong lumang musika at bago, lubos na masining na musika - at, madalas, pangalawa, epigone , dahil sa isang kasaganaan at iba't ibang mga konsiyerto at mga programa ng konsiyerto ay tumunog, siyempre, hindi lamang mga obra maestra. Ang malapit na malalim na kakilala sa musikang Ruso at pagtagos sa intonasyong Ruso ay dumating nang maglaon, ang pagpasok sa tunog na mundong ito ay malamang na hindi madali at posible dahil sa pambihirang pagtugon at pagiging madaling tanggapin ng likas na katangian ng musikero.

Siyempre, ang mga programa ng konsiyerto ni Rubinstein, ang kanyang mga komposisyon, at ang kanyang mga prinsipyo sa pagtuturo ay pinakamalinaw na nagsasalita tungkol sa mga aesthetic na saloobin, musikal na panlasa at predilections ni Rubinstein. Ngunit ang mga pananaw ng musikero ay nakatatak din sa kanyang pamanang pampanitikan. Ito ay nakolekta, sinuri at nagkomento sa pamamagitan ng mananaliksik ng talambuhay at gawain ni Rubinstein, ang may-akda ng isang dalawang-tomo na monograp na L.A. Barenboim (,). Ang mga artikulo at memorandum na may kaugnayan sa mga partikular na isyu ng musikal na teatro, buhay ng konsyerto, pedagogy, panitikan sa piano, pag-edit ng mga teksto ng mga klasikal na kompositor ay babanggitin sa iba pang mga seksyon ng kabanata, ngunit dito tatalakayin natin ang mga kakaibang dokumentong pampanitikan na nagpapakilala sa personalidad. ng isang musikero sa mas pangkalahatang anyo. . Ito ang mga "Autobiographical Stories", "Box of Thoughts" at "Conversation about Music (Music and Its Masters)". Ang una sa mga materyal na ito (na may pamagat na "Autobiographical Memoirs") ay nai-publish noong buhay ni Rubinstein sa shorthand at naproseso ni M. I. Semevsky, editor ng Russkaya Starina magazine, at, tulad ng itinatag ni L. A. Barenboim, ang mga saloobin ni Rubinstein ay sumailalim sa isang makabuluhang pagbaluktot (mga publikasyon noong 1889). Ang "Autobiographical Stories" ay isang napakahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa may-akda, kanyang pagkabata, pagtuturo, gutom na kabataan, mga pagpupulong sa mga magagaling na artista, ang kapalaran ng mga komposisyon, mga aktibidad sa Russia, mga pagtatanghal sa Europa at Amerika at, kung ano ang partikular na kawili-wili, ang kanyang sarili. -pagpapasiya. Tumpak na sinasalamin ng dalawang pahayag ang pagiging kumplikado ng makasaysayang "lokasyon" ni Rubinstein. Isang saksi sa mga rebolusyonaryong kaganapan sa Germany ("Nakita ko ang rebolusyon, kilala ko ang lahat"), nangatuwiran siya: "Iyon ang dahilan kung bakit ang aking buhay ay medyo interesado dahil pinagsasama nito ang dalawang panahon: bago at pagkatapos ng ika-48 taon" (, 74 ). Ang isa pa ay konektado sa marahil ang pinaka-dramatikong motibo ng kanyang buhay: "Ang aking sitwasyon ay kakaiba: sa Alemanya kinuha nila ako para sa isang Ruso, dito - para sa isang Aleman" (, 102 ).

Ang Kahon ng mga Kaisipan ay mayroon ding isang autobiographical, o sa halip, talaarawan, karakter - ilang daang mga pahayag sa iba't ibang mga isyu ng sining, kasaysayan, pulitika, moralidad, atbp., Madalas sa anyo ng mga aphorism (isinalin mula sa Aleman sa Russian, unang nai-publish sa 1904). Ito ay magiging walang saysay na subukan upang mahanap ang ideolohikal na pagkakaisa sa mosaic na tela na ito, hindi lamang makulay, ngunit puno din ng mga panloob na kontradiksyon. Gayunpaman, may mga mahahalagang pagtatapat at tala dito. Muling bumalik si Rubinstein sa isang sitwasyon na nagbibigay sa kanya ng maraming mahihirap na karanasan: "Para sa mga Hudyo, ako ay isang Kristiyano, para sa mga Kristiyano, isang Hudyo, para sa mga Ruso, ako ay isang Aleman, para sa mga Aleman, Ruso, para sa mga klasiko, ako ay isang innovator, para sa mga innovator, isang retrograde, atbp." ( , 186 ). Ang saloobin sa kanyang pagkamalikhain sa komposisyon at aktibidad sa musika bilang hindi Ruso (at sa dulong kanang pindutin din patungo sa kanyang personalidad) ay sinamahan si Rubinstein na may iba't ibang antas ng pagiging agresibo sa buong buhay niya, dahil nanirahan siya noong 50s Petersburg at nagsimulang mag-organisa ng Musical Society at ang Conservatory.

Ang "Pag-uusap tungkol sa Musika", na isinulat sa mga huling taon ng kanyang buhay, ay sumasalamin sa itinatag na mga pananaw na mahalaga para kay Rubinstein, na, dahil sa kanyang impluwensya bilang isang performer, figure at guro, ay nagkaroon ng epekto sa pag-unlad ng kulturang musikal ng Russia. . Ang unang bagay na dapat tandaan ay ang malawak na hanay ng mga phenomena na kasama ni Rubinstein sa aktibong pondo ng musikal na panitikan. Sa pinakaunang mga linya, ang isang "pantheon" ay ipinahayag - Bach, Beethoven, Schubert, Chopin at Glinka. Ang mga kompositor na ito ay binabanggit sa maraming paraan at insightfully sa mga pahina ng aklat. Ang ilang mga paghatol ay minarkahan ng lalim - halimbawa, tungkol sa "ikatlong istilo" ni Beethoven at sa kanyang pagkabingi. Ngunit ang countdown ay mula sa ika-16 na siglo, ang mga sinulat ng Palestrina, at sa isang karagdagang pagsusuri, na may iba't ibang antas ng detalye, sina Frescobaldi, Bird, Purcell, Couperin at Rameau, Corelli at Scarlatti ay binanggit. Ang saloobin patungo sa ilang mga genre, ang kanilang hierarchy ay malinaw na ipinahayag: kagustuhan para sa "purong" instrumental na musika. Ang programming ay binibigyang-kahulugan nang malawak, halos bilang kasingkahulugan ng kayamanan. Opera music, at sa pangkalahatan ay nauugnay sa salitang musika - paradoxically na may kaugnayan sa gawa mismo ni Rubinstein - bilang isang "pangalawang uri" ng musikal na sining. Ang lahat ng mga saloobing ito ay halos hindi umaangkop sa buhay ng musikal ng Russia, tulad ng bago ang pagbubukas ng mga konsyerto ng RMS at Conservatory, ngunit napakahalaga nila para sa mga susunod na panahon.

Napakalaki ng tungkulin ni Rubinstein sa pagpapalawak ng ugnayang pangkultura at musikal sa pagitan ng Russia at ng mga bansa sa Kanluran at Gitnang Europa, na ginagawa silang isang tunay na diyalogo. Sa mga taon kung kailan ang Russian composing at musical-performing art ay napakakaunting kilala sa ibang bansa - at ito ay nangyari hindi lamang noong 1850s, kundi pati na rin noong 60s at kahit noong 70s - Rubinstein ang pianist ay naging malawak na sikat sa mundo, ang Kanyang ang mga komposisyon ay naisagawa at nailathala sa maraming bansa. Ang Museo ng A. G. Rubinstein, na umiral sa St. Petersburg-Petrograd Conservatory mula 1900 hanggang Abril 1917, ay nangolekta ng mga materyales na nagpapakilala sa mahusay na katanyagan ng musikero sa iba't ibang sulok Earth (na ngayon ay nakaimbak sa RIIII). Ito ay, halimbawa, isang listahan ng mga publisher ng mga gawa ni Rubinstein, kabilang ang 27 dayuhang kumpanya - sa Berlin, Vienna, Leipzig, Paris, London, Milan, Mainz, Hamburg, kabilang ang mga pinakasikat - Bothe at Bock, Breitkopf at Hertel, Peters, Ricordi, Spina, Zhurber at iba pa. Ang impormasyong ito ay hindi nakakaapekto sa pagtatasa ng ilang mga gawa ni Rubinstein, ngunit nagpapakita ng kanilang pagkalat. Ganoon din ang masasabi tungkol sa pagganap ng kanyang mga komposisyon. Si Liszt, pagkatapos ng Siberian Hunters, ay nagsagawa ng Paradise Lost. Ang "Mga Anak ng Steppes" ay nasa Vienna. Sa Vienna, gayundin sa Berlin, Koenigsberg, Dusseldorf, ang "Babylon Pandemonium" ay ginanap noong unang bahagi ng 1870s. Ang opera na "Feramors", na ginanap sa Dresden noong 1863, pagkatapos ng rebisyon, na noong unang bahagi ng 70s, sa Vienna at Milan. Ang opera na "Maccabees", na itinanghal sa mga yugto ng Prague, Stockholm at Berlin sa loob ng isang taon noong 1875, ay nakita ang liwanag ng limelight sa sampung lungsod sa Europa sa loob ng unang dekada pagkatapos ng pagsulat nito ( , 76 ).

Siyempre, bigyang-diin natin ito, ang mga nabanggit na publikasyon at produksyon ay hindi, sa isang makabuluhang bilang ng mga kaso, mga katotohanan ng propaganda ng musikang Ruso, ang paaralan ng mga kompositor ng Russia. Ngunit, una, ang mga gawa ni Rubinstein, na organikong pumasok sa "pangunahing pondo" ng mga klasikong Ruso ("Ang Demonyo" noong 1882 at 1883, ayon sa pagkakabanggit, sa London at Leipzig, mga konsiyerto ng piano at iba pang mga piraso na medyo malawak), at pangalawa, ang ang tunay na katotohanan ng paglaganap ng musika ng kompositor mula sa Russia ay napakahalaga para sa umuusbong na internasyonal na pagkilala.

Ang awtoridad ni Rubinstein ay sa isang malaking lawak dahil sa kanyang pianistic na aktibidad, na may pandaigdigang artistikong kahalagahan. Maraming mga tugon mula sa mga lokal at dayuhang musikero at tagapakinig ang nagpapatotoo dito. Sa isang paraan o iba pa, ang pangalan at malikhaing aktibidad ng Rubinstein ay lumampas sa katanyagan ng lahat ng bagay na noong panahong iyon sa sining ng Russia.

Marami at magkakaibang mga mapagkukunan at katotohanan ang nagpapatotoo sa lugar na sinakop ng mga aktibidad at hitsura ni Rubinstein sa kultura ng Russia. Hindi magiging isang pagkakamali na igiit na walang isang musikero sa kanyang panahon ang pumasok nang may ganoong kasidhian sa kamalayan ng napakarami at tulad namumukod-tanging mga kontemporaryo ng Russia. Ang kanyang mga larawan ay ipininta ni V. G. Perov, I. E. Repin, I. N. Kramskoy, M. A. Vrubel. Maraming tula ang inialay sa kanya, higit pa sa iba pang musikero noong panahong iyon. Nabanggit siya sa sulat sa pagitan ng A. I. Herzen at N. P. Ogarev. Sina Leo Tolstoy at Turgenev ay nagsalita tungkol sa kanya nang may paghanga. Tanging ang katanyagan ni Tchaikovsky mula noong katapusan ng 80s ay maihahambing sa kaluwalhatian ng kanyang guro. Totoo, hindi tulad ng nakatatanda sa mga musikero, ang katanyagan ni Tchaikovsky ay isang katanyagan ng kompositor, na ganap na nakaugat sa kanyang musika, habang, ulitin natin, ang hypnotic na impluwensya ng pianism ni Rubinstein ay malakas na nakaimpluwensya sa pangkalahatang pagtatasa ng musikero.

Ang archive ay napanatili ang isang album ng mga artikulo-mga tugon sa pagkamatay ni Anton Grigorievich, na naglalaman ng higit sa 200 mga materyales. Naglalaman ito ng higit sa 50 lungsod, at isang listahan ng mga ito, para sa kamangha-manghang oras na iyon, ay nararapat na banggitin: Algiers, Amsterdam, Alexandria, Angouleme, Antwerp, Barcelona, ​​​​Berlin, Besancon, Bordeaux, Brussels, Budapest, Valencia, Valparaiso, Warsaw, Vienna, Venice , Geneva, Constantinople, Lisbon, Lausanne, London, Madrid, Manchester, Marseille, Mexico City, Milan, Monaco, Montreal, Nantes, New York, Palermo, Paris, Prague, Reims, Rome, Rotterdam, San Sebastian, Stockholm , Strasbourg , Toulouse, Turkey, Florence, Frankfurt ... Sa lahat ng mga lungsod na ito ng Luma at Bagong Mundo, isinulat nila ang tungkol sa mahusay na musikero ng Russia, at sa London, halimbawa, higit sa tatlumpung pahayagan at magasin, at sa Paris mga animnapung .

Kasabay ng konsepto ng kaliwanagan, ang kahulugan at kahalagahan ng mga gawain ni Rubinstein ay hindi mapaghihiwalay sa konsepto ng paaralan. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa isang buong kumplikado, kabilang ang samahan ng isang music school-conservatory (mamaya isang buong network ng mga ito), at ang paglikha ng isang piano school, at, sa huli, ang pagpapakilala sa Russian musical soil ng mismong phenomenon. ng paaralan bilang isang mulat na tradisyon at pagpapatuloy sa sining . Ang lahat ng ito ay may mahalaga, malalayong kahihinatnan para sa pambansang kultura.

Ang mga pananaw at artistikong kasanayan ng Rubinstein ay hindi agad na umunlad, sila ay minarkahan ng hindi pagkakapare-pareho, lalo na sa simula ng paglalakbay, ngunit din sa mga huling taon. Noong tagsibol ng 1855, sa panahon ng malapit na pakikipag-ugnayan kay Liszt, na hinimok ng huli sa aktibidad na kritikal sa musika, ang batang musikero, na gumugol ng hindi bababa sa walo sa dalawampu't limang taon ng kanyang buhay, simula sa edad na labing-isa, sa labas ng Russia, pangunahin sa Alemanya at Austria, na inilathala sa isang espesyal na magasing Viennese na "Blatter fur Musik, Theater und Kunst" na artikulong "Mga kompositor ng Russia". Ang immature na literary opus na ito, na ang may-akda mismo sa kalaunan, sa "Autobiographical Stories", na tinawag na "disenteng katangahan", ay nakakuha ng kilalang-kilala na iskandalo na katanyagan at sa loob ng maraming taon ay ibinilang kay Rubinstein. Siya mismo sa parehong "Mga Kuwento" ay naalaala ang kanyang unang artikulo tulad ng sumusunod: "Inangat ko si Glinka sa langit, dahil lagi ko siyang iginagalang: Inihambing ko siya kay Beethoven. Hindi ako gumagalang sa iba pang mga lokal na musikero" (, 83 ). Gayunpaman, ito ay bahagi lamang ng katotohanan, at samakatuwid ay hindi tumutugma sa katotohanan. Sa katunayan, isinulat ng may-akda ang tungkol kay Glinka bilang ang pinakadakilang kompositor na Ruso at nabanggit ang kanyang silid na vocal lyrics, "Kamarinskaya", hiwalay na mga aspeto ng musika ng parehong mga opera. Ngunit, ang pagbuo ng pangunahing malalim na maling tesis tungkol sa imposibilidad ng paglikha ng isang "pambansang opera", itinuring niya ang mga opera ni Glinka bilang isang kabiguan, na naging sanhi ng galit at galit ni Glinka mismo at ng iba pang mga musikero ng Russia. Matalas na binanggit ni Barenboim na ang mga paghatol ni Rubinstein sa isyung ito ay bahagyang dahil sa katotohanan na siya mismo ay nakaranas ng pagkatalo sa pagbuo ng "Russian" na mga opera na "Dmitry Donskoy" at "Fomka the Fool". Upang maunawaan ang mga artistikong abot-tanaw at, pinaka-mahalaga, ang oryentasyon ni Rubinstein, habang ipinakita nila ang kanilang mga sarili sa kanyang teksto noong 1855, dalawa pang pangkalahatang posisyon ang nagpapahiwatig: isang maling paglalarawan ng alamat ng awiting Ruso at isang hindi pagkakaunawaan ng dialectics ng pambansa at "unibersal" sa musika. Maaaring ipagpalagay na ang pagbibigay-diin sa all-European na karakter ng lahat ng genre, maliban sa song-romance, ay nauugnay sa isang makabuluhang "pag-ugat" ng karanasan sa pandinig ng musikero at mga mithiin sa mundo ng Viennese classicism - ang pinaka-unibersal at tunay. all-European style. Ang mga pananaw ni Rubinstein sa paaralan ng kompositor na Ruso ay para sa isang makabuluhang ebolusyon, ngunit, masasabi natin, hindi niya kailanman nakamit ang isang sapat na kumpleto, malalim at layunin na pag-unawa dito.

Ang teorya at kasanayan ni Rubinstein na may kaugnayan sa mga gawain ng konkretong buhay at edukasyon sa musika ay mas malapit sa mga kagyat na gawain ng pambansang kultura ng musika. Ang kanyang artikulong "On Music in Russia" (na inilarawan sa kabanata na "Musical Education", vol. 6), na inilathala sa unang isyu ng journal na "Vek" para sa 1861, mula sa punto ng view ng isang malawak na binibigyang kahulugan na propesyonalismo sa musika, itinaas ang tanong ng pagbubukas ng isang konserbatoryo. Dito ang "paaralan" ay kumilos bilang isang kinakailangang katangian, isang mahalagang pattern ng pag-unlad ng kultura ng Europa.

Ang hindi pagkakapare-pareho ng mga posisyon ni Rubinstein, kumbaga, "mula sa loob" ng kanyang kontemporaryong masining na katotohanan Bumalangkas si Asafiev: "Kumilos siya sa isang rebolusyonaryong paraan sa kahulugan ng" paglipat" ng buhay musikal ng Russia sa mga bagong track - mula sa amateurish na paggawa ng musika hanggang sa isang propesyonal na base. Ngunit siya rin ay isang "kontra-rebolusyonaryo", dahil sinubukan niyang mekanikal na ilipat ang mga anyo ng klasikal at romantikong musika sa lupa ng Russia bilang isang bagay ng imitasyon. Si Rubinstein ay hindi maaaring kumilos kung hindi man: ang mga pormang ito ay napakalakas at malinaw, habang ang gawain ng mga kompositor ng Russia ay nasa proseso pa ng paghahanap" (, 314 ).

Ang saloobin ni Rubinstein sa gawain ng mga indibidwal na kompositor, sa iba't ibang estilo at panahon, angkop na hawakan kaugnay ng kanyang gumaganap na gawain, ngunit dito sa pinaka-pangkalahatang anyo ay kinakailangang tandaan ang lawak ng aesthetic na plataporma ni Rubinstein na pianista. , gayunpaman, gumagawa ng ilang reserbasyon. Contemporaneous Western European innovators - Berlioz, Liszt at lalo na Wagner - siya ay tiyak na minamaliit at hindi naiintindihan ng sapat. Ngunit ang "gintong pondo" ng pamana ng musika, na nagsisimula kay Bach, ay sistematikong kasama sa kanyang pagganap at gawaing pedagogical, na direktang nauugnay sa organikong asimilasyon ng mga tradisyon ng Europa.

Ang lahat ng mga tampok na ito ay ipinakita, sa partikular, sa pagtuturo ni Rubinstein ng instrumentasyon at komposisyon noong 60s (ang kumbinasyon ng dalawang kursong ito ay sumasalamin sa kanilang praktikal na oryentasyon). Maraming mga gawain at gawain ng mag-aaral na napanatili sa archive ng Tchaikovsky, pati na rin ang malawak na mga memoir ng kanyang kaklase na si G. A. Laroche, mga memoir ng A. L. Spasskaya, A. I. Rubets at iba pang mga materyales ay nagpapatotoo sa mga kakaiba ng mga klase. Ang patuloy na pag-apila sa gawain ng mga kompositor ng Europa, pangunahin mula sa Beethoven hanggang Schumann, kapwa sa anyo ng mga tiyak na praktikal na gawain at bilang mga patnubay sa artistikong, ay ang batayan ng mga pag-aaral na ito. Kasabay nito, kilala na ang orkestra, gaya ng inilagay ni Laroche, ay "ang pinakabago", "post-Meyerber" - ang orkestra nina Berlioz at Wagner Rubinstein ay hindi nakilala, na, sa pamamagitan ng paraan, ay naging sanhi ng isang salungatan. kasama si Tchaikovsky na may kaugnayan sa "heretical" na komposisyon ng orkestra sa overture na "Thunderstorm".

Ang pagkilala kay Anton Grigorievich Rubinstein bilang ang pinakadakilang pianista ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay matatag na itinatag ang sarili sa kontemporaryong kultura ng mundo. Ang mga pagsusuri sa kanyang pianistic na sining ay kilala mula sa pagkabata ng mga natitirang musikero mula sa iba't ibang bansa - Chopin, Schumann, Liszt, Saint-Saens, Verdi, at marami pang ibang kompositor, performer, kritiko sa Kanlurang Europa.

Sa mga musikero ng Russia, kahit na ang mga matalim na tumanggi sa gawain ni Rubinstein bilang isang kompositor at sa larangan ng edukasyon sa musika, isang masigasig na pagtatasa sa kanya bilang isang pianista ay naghari din.

Noong huling bahagi ng dekada 60, tumugon si Cui sa isa sa mga konsiyerto sa St. Petersburg na ibinigay ng artist sa kanyang pagbabalik mula sa isang mahabang paglilibot: "... Dumating sa amin si Mr. Rubinstein na ngayon ay mas malakas na pianist kaysa sa iniwan niya. Hindi siya natalo. alinman sa kanyang mga pambihirang katangian: fullness sound, charming softness of playing, incomparable piano, pero inalis ang mga pagkukulang nito. . Rubinstein isang tunay na mahusay na tagapalabas "(). "Brilliant ... pianist", nakikipagkumpitensya kung kanino ay "katulad ng pagpunta sa bukas na pakikipaglaban sa isang leon" (, 1648 ) ay ang mga salita ni A. N. Serov. Sinabi ni A.P. Borodin tungkol kina Anton at Nikolai Rubinstein na "ang magkapatid na lalaki ay dapat kilalanin bilang pinakadakilang pianista sa ating panahon" (, 23 ). Sumulat si G. A. Laroche sa isang obitwaryo: "Para sa akin... ang piano ay personified sa Rubinstein; kaluskos, piano-bulong, piano-buntong-hininga, natutunan ang piano para sa synclite ng mga theoreticians, propetikong lira na nagpapaamo ng mga hayop at naglalagay ng bato sa mga templo at palasyo" ( , 167 ). Si V. V. Stasov, na, sa pamamagitan ng kanyang sariling pag-amin, ay "isang masigasig na tagahanga ng kanyang tunay na napakatalino na laro" ay nagsabi tungkol kay Anton Rubinstein nang napakalinaw (, 95 ). Ang artikulo ni Stasov na "The Hand of Rubinstein", na isinulat isang taon pagkatapos ng kamatayan ng musikero, ay isang kahanga-hanga at pambihirang halimbawa ng muling paglikha ng mga sining sa pagtatanghal sa pamamagitan ng mga impresyon ng mahusay na Tagapakinig. Naalala ni V.V. Stasov ang batang Rubinstein at ang pangkalahatang paghanga sa kanyang "paglalaro at ang kanyang lalong engrande, ngunit walang katapusan na eleganteng, kaakit-akit at madamdamin na pagganap" (, 152 ), at pagkatapos ay inilalarawan ang gabi sa makata na si Ya. P. Polonsky, na naganap na sa pagtatapos ng 1889. Inaasahan na tumugtog si Rubinstein: "Mula sa ikatlong silid," isinulat ni Stasov, "Narinig ko ang ilan sa kanyang makapangyarihang mga chord sa piano. Ang leon ay minasa ang kanyang maharlikang mga paa" (, 152 ). At pagkatapos, pagkatapos ng isang programa ng mga gawa nina Schubert, Schumann, Chopin at Liszt, sa kahilingan ni Stasov, ang pagganap ng "Quasi una fantasia" na sonata ni Beethoven: 1842, narinig ko itong pinakadakilang sonata na ginanap ni Liszt ... Alin sa mga dalawa sa itaas ang gumanap ng magandang larawan ni Beethoven? Liszt o Rubinstein? Hindi ko alam, pareho silang mahusay, parehong walang kapantay at walang katulad magpakailanman" (, 153–154 ).

Ang paghahambing kay Liszt, ang pinakadakilang pianista ng unang kalahati ng huling siglo, ay nangyayari pa rin ng higit sa isang beses sa Stasov, gayundin sa marami na sumulat tungkol kay Rubinstein sa panahon ng kanyang buhay at sa mga sumunod na taon. Ginampanan ni Barenboim ang gawain ng paghahambing na pagkilala sa mga sining ng pagtatanghal ni Rubinstein at mga kontemporaryong pianista na may pinakamaraming kumpleto sa binanggit na dalawang tomo na monograp. Kasunod ng E. Hanslick, G. Ehrlich, L. Hartmann, La Mara, L. Escudier, G. Laroche, N. Kashkin at iba pang mga kritiko, binibigyang pansin ng may-akda ng pag-aaral ang mga parallel na "A. Rubinstein - K. Tausig " at "A. Rubinstein - G. Bulow "(, v. 1, 39–42 , v. 2, 171–182 ). Nakolekta at sinuri din niya ang isang malaking bilang ng mga tugon sa mga talumpati ni Rubinstein.

Sinasabi, kahit na ang pinaka sa pinakamaikling posibleng paraan, tungkol sa pang-unawa ng laro ni Anton Rubinstein ng kanyang mga kontemporaryo sa Russia, imposibleng hindi banggitin, hindi bababa sa, P. I. Tchaikovsky, S. I. Taneyev at S. V. Rachmaninov. Ang mga pagsusuri ni Tchaikovsky na kritiko tungkol kay Rubinstein na pianista ay marami at mula pa sa iba't ibang dekada, ngunit tila walang isang pahayag ang magagawa nang walang epithet na "makinang". Halimbawa, sa isang artikulo ng 1874, si Rubinstein ay nailalarawan bilang "isang birtuoso na nagtataglay ng parehong makikinang na talento at isang matagal nang hinog, walang katulad na kasanayan" ( , 182 ). Sa kanyang "Autobiographical Description of a Journey Abroad in 1888", sinabi ni Pyotr Ilyich na si Rubinstein "salamat sa kanyang virtuoso genius ay matagal nang nakapasok sa ibang bansa at nakuha ang karapatan ng pagkamamamayan sa mga yugto at mga yugto ng konsiyerto ng buong mundo..." ( , 335 )

Walang katapusang pagpigil sa pagpapahayag ng mga damdamin, inamin ni Taneyev sa isang liham kay A. S. Arensky: "Ang laro ni Anton Grigorievich ay may napakaespesyal na epekto sa akin ... Nararanasan ko ang isang bagay na sa ilalim ng ibang mga pangyayari ay hindi ko kailanman nararanasan: isang uri ng nasusunog na pakiramdam ng kagandahan, kung sasabihin, ang kagandahang hindi nakakapagpakalma, bagkus ay nakakairita: Nararamdaman ko kung paano ang sunud-sunod na tala ay sumunog sa aking sarili: ang kasiyahan ay napakalalim, napakatindi na tila nagiging pagdurusa "(, 80–81 ).

Si Rachmaninov sa kanyang panayam na "Ten Characteristic Signs of a Beautiful Piano Playing" ay patuloy na bumabalik sa alaala ni Rubinstein. Ang kahusayan ni Rubinstein sa pedal ay "kahanga-hanga lang", at ang mga kakaibang katangian ng pagganap ng finale sa b-moll ng "Chopin's sonata" ay naaalala bilang ang pinakadakila sa mga pambihira na ibinibigay ng musika" (, vol. 3, 236 ). Binanggit ni Rachmaninoff ang espesyal na animation at inspirasyon ng mga interpretasyon ni Rubinstein, na tinatawag niyang "matinding artistikong interes" (, v. 3, 239 ). Ang imahe ng pianistic na sining ni Anton Rubinstein ay buhay sa imahinasyon ni Rachmaninoff hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Kung ang panayam na binanggit lamang ay tumutukoy sa 1910, kung gayon ang isa pa - "Ang interpretasyon ay nakasalalay sa talento at sariling katangian" - ay ibinigay na noong 1932, ngunit dito, din, ang pangalan ng mahusay na hinalinhan ay lilitaw nang paulit-ulit: ang isa sa mga seksyon ay tinatawag na "Rubinstein's Repertoire ", at ang panghuling - "Memories of Rubinstein" (, v. 3, 121–123 ).

Si Tchaikovsky, bahagyang si Taneyev, ngunit lalo na si Rakhmaninov ay ang mga may-akda ng mga gawa sa piano na bumubuo ng isang buong panahon sa musikang Ruso, at walang alinlangan na ang impluwensya ni Anton Rubinstein sa kanila ay hindi limitado sa kanyang mga komposisyon para sa piano, ngunit - at, marahil. , sa isang mas malaking lawak - ay tinutukoy ng artistikong taas at mga tampok ng kanyang pianistic na hitsura.

At kahit na napakahirap magsulat tungkol sa mga sining ng pagtatanghal ng mga panahon bago ang pagdating ng pag-record ng tunog, ang kabuuang magagamit na mga materyales ay nagpapahintulot sa amin na muling likhain ang larawan ng pianista, ang ebolusyon ng kanyang repertoire at paraan ng pagpapahayag. Ang masaganang kongkretong matalinghagang pahayag ni Rubinstein tungkol sa panitikan ng piano at mga tagalikha nito ay nagsisilbing seryosong karagdagang paraan ng paglalarawan.

Ang repertoire ni Anton Rubinstein sa simula ng kanyang artistikong karera ay tipikal ng anumang kababalaghan ng bata noong 1940s, maliban sa isang mataas na antas ng teknikal na kumplikado. Unti-unti, unti-unti at higit pa, mas malakas na lumalawak, sa pagtatapos ng aktibidad ng pagganap ng musikero, naabot niya ang isang sukat at komposisyon na kamangha-mangha hindi lamang para sa kanyang panahon, ngunit para sa buong kasaysayan ng sining ng pagganap, hanggang sa ating mga araw. .

Ilang sandali pagkatapos ng unang pampublikong pagtatanghal, nagtanghal na siya ng halos apatnapung piraso, kabilang ang Bach (Chromatic Fantasy and Fugue, atbp.), Handel, Mozart (Gig), Beethoven (Pathétic Sonata), Schubert-Liszt (kabilang ang "Forest tsar" !), Mendelssohn. Ang noon ay hindi maiiwasang mga dula nina Henselt at Thalberg, pati na rin ang mga etudes nina Kalkbrenner at Hertz, ay ipinakita sa makabuluhang bilang. Nasa mga konsyerto na ito, ang batang pianista ay nagsimulang maglaro ng kanyang sariling gawa - ang etude na "Ondine". Pinili ng mga tagasuri ang interpretasyon ng mga gawa nina Bach at Beethoven, at sinang-ayunan ni R. Schumann ang "Ondine".

Sa mga sumunod na taon, sa paglago ng aktibidad ng pag-compose ni Rubinstein, sa paglitaw ng kanyang maraming piyesa ng piano at konsiyerto para sa piano at orkestra, pati na rin ang mga ensemble, ang kanyang sariling mga komposisyon ay sumasakop sa isang pagtaas ng lugar sa kanyang mga programa. Kung minsan ang mga konsiyerto ay binubuo ng halos lahat ng mga ito.

Ito ay malinaw na ipinakita sa panahon ng paglilibot noong 1854–1858, na pangunahing naganap sa ibang bansa: sa Brussels, Weimar, Leipzig, Berlin, Hamburg, Munich, Vienna, Prague, Nice, Paris, London. Ang mga orihinal na konsiyerto ni Rubinstein, na gumaganap bilang isang pianist-soloist, conductor at kasama ng mga mang-aawit at instrumentalista, kasama ang kanyang Second and Third Symphony, Second and Third Piano Concertos, Sonatas for Piano and Cello, Piano and Violin Op. 18 at 19, trio no. 3, string quartet, maraming piraso ng piano, Mga Kanta ng Persia. Bilang karagdagan sa kanyang mga komposisyon, ginampanan niya ang bahagi ng piano sa mga ensemble ng kamara ng Beethoven at Mendelssohn, mga maliliit na piraso nina Chopin at Schumann. A. Vietan, J. Joachim, P. Viardo-Garcia, E. Lalo ay nakibahagi sa mga konsiyerto ng Rubinstein.

Ang repertoire ni Rubinstein ay nagbago sa organisasyon ng Russian Musical Society. Ang mga gawain ng pagtuturo sa publiko ng Russia ay nangangailangan ng pagsasama ng isang malawak na hanay ng mga gawa. Ang mga nangungunang lugar sa mga programa ni Rubinstein ay kinuha ng Bach at Mozart concerto, Beethoven's concertos at sonata, Schumann's piano at chamber ensemble works (marami sa kanila ay ginanap sa unang pagkakataon sa Russia), mga pangunahing gawa ni Chopin, mga piraso ni Glinka at Balakirev. Ngunit marami sa musikang Ruso ang nanatiling minamaliit niya. Maaaring walang tanong tungkol sa pagtatanghal, sabihin, "Mga Larawan sa isang Eksibisyon", ngunit napakaliit din niyang nilalaro si Tchaikovsky, na kadalasang nagdulot ng sama ng loob sa dating mag-aaral.

Ang pagpapalawak ng repertoire ni Rubinstein ay patuloy na nagpatuloy sa mga susunod na taon. Ang tuktok ng kanyang aktibidad bilang isang pianist-educator, ngunit mula rin sa artistikong bahagi, ay ang cycle ng Historical Concerts, na ginanap sa Russia at ilang European city at kabilang ang piano music mula sa pinagmulan hanggang sa kasalukuyan. Walang pagkakatulad sa pagganap na ito noong ika-19 na siglo.

Napakalaki ng pamana ni Rubinstein bilang isang kompositor. Maaaring ipangatuwiran na isa siya sa mga pinaka-prolific na may-akda (kung hindi ang pinaka-prolific) ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Siya ay nagtrabaho sa halos lahat ng mga genre na binuo sa oras na iyon. Gumawa siya ng labintatlong opera at limang spiritual oratorio opera, isang balete, isang cantata, isang cappella choir para sa iba't ibang komposisyon, anim na symphony at iba pang mga gawa para sa orkestra (tatlong programang musical-characteristic na mga pagpipinta, apat na overture, isang suite), siyam na pangunahing mga gawa para sa solo. mga instrumentong may orkestra (kabilang ang lima para sa piano, isa para sa byolin at isa para sa cello). Ang chamber-instrumental heritage ay quantitatively malaki at iba-iba sa komposisyon: anim na sonata para sa violin at piano, viola at piano; piano at sampung string quartets, quintets para sa piano at mga string, piano at wind instruments, string sextets at octets. Ang bilang ng mga piraso para sa solong piano ay lumampas sa dalawang daan; kabilang sa mga ito ay apat na sonata, anim na fugues na may mga prelude, suite, mga cycle ng mga piraso ng programa. Bilang karagdagan, may mga komposisyon para sa dalawang piano at piano apat na kamay. Ang seksyon ng chamber vocal music ay napakalawak: higit sa isang daan at animnapung romansa at kanta batay sa mga teksto ng Russian, Serbian, German at iba pang makata, pati na rin ang humigit-kumulang tatlumpung ensemble para sa iba't ibang komposisyon ng mga boses.

Ang pagkamayabong na ito sa panahon ng buhay ng kompositor ay nakakaakit ng pansin at kahit na, hindi makatwiran, sinisiraan siya. Sumulat si Liszt sa batang si Rubinstein: "Iginagalang ko ang iyong mga sinulat at marami akong pinupuri sa mga ito ... ngunit may ilang mga kritikal na reserbasyon na halos lahat ay nagtatagpo sa isang punto: na ang iyong labis na produktibo ay hindi pa nag-iiwan sa iyo ng paglilibang na kinakailangan para sa selyo ng ang sariling katangian ay higit na madarama at nang sa gayon ay makumpleto mo ang mga ito "(sinipi mula sa vol. 1, 178 ). Ang "multi-writing" ni Rubinstein ay ang usapan ng kritisismong Ruso, at sa katotohanan ang katangiang ito ng kompositor ay lubhang nakapinsala sa kanya. Marahil, ang ilang sikolohikal (o mental) na kakaiba ng musikero na ito ay gumagana dito, na, sa pamamagitan ng paraan, ay nagpakita mismo hindi lamang sa bilang at antas ng pagtatapos ng mga komposisyon, kundi pati na rin sa kanilang karakter (ipinahayag na "fresco" na pagsulat, "pangkalahatang plano"); hindi lamang sa larangan ng komposisyon, kundi pati na rin sa pagganap (priyoridad ng pangkalahatang ideya o mood kaugnay ng detalyadong elaborasyon at teknikal na pianistic na pagganap).

Makikita ng isa sa kalidad na ito ni Rubinstein ang isang koneksyon sa mga katangiang pangkakanyahan at pinagmulan ng kanyang musika. Ang European musical classicism ng pinakamahusay na mga kinatawan ng Viennese school - Ibig kong sabihin ang mga tampok ng isang tiyak na unibersalismo, at hindi tiyak na mga gawa - natural na pinapayagan para sa posibilidad na magtrabaho ayon sa mga modelo, ayon sa mga scheme, ayon sa prinsipyo ng pagpuno sa mga ito. . At ang European musical romanticism ay kasama ang saganang mga pahayag at ang kanilang improvisasyon. Ang parehong Liszt, na pumuna sa kanyang nakababatang kapatid, ay lumikha ng isang napakaraming dami, na higit sa isang libo, bilang ng mga opus. Ang pagkamayabong ni Rubinstein ay mayroon ding partikular na kahulugang Ruso, kung saan ito ay binibigyang kahulugan at napagtanto (siyempre, ng ilang mga grupo ng musikal - ibig sabihin, ang mga malapit sa konserbatoryo) halos bilang isang kasingkahulugan para sa propesyonalismo. Sipiin natin ang pahayag ni Laroche sa paksang ito, na tumutukoy sa estudyante ni Rubinstein na si Tchaikovsky, isang kompositor na nakatanggap ng mga katulad na panunuya; ang mahalaga dito ay hindi ang sukat ng talento, ngunit ang prinsipyong tinatalakay: “... Ang kakayahang sumulat ng mabilis, ang bilis ng komposisyon na ito at ang laging handa na imbensyon ay hindi ang huling tampok sa artistikong physiognomy ni G. Tchaikovsky, ” isinulat ni Laroche noong 1871. "Sa dilettantism na namamayani sa ating bansa , ang kalidad na ito ay ang pinakamalaking pambihira ... ang mabilis na mga hakbang na ginawa ni G. Tchaikovsky ay higit sa lahat ay dahil sa kanyang pagkamayabong "(, 33 ).

Ngunit kailangan nating aminin na ang bilang ng mga gawa na nilikha ni Rubinstein, ang kanyang mabilis na pagsulat ay kadalasang nasa baligtad na proporsyon sa artistikong kahalagahan at pagiging perpekto ng musika.

Ang posisyon ng pagbuo ng pagkamalikhain ni Rubinstein sa kontemporaryong Russian musical reality, bukod sa iba pang mga kompositor, ay napakasalungat at ambivalent. Ang kanyang musika ay patuloy na tumunog - mas madalas kaysa sa mga komposisyon ng iba pang mga domestic na may-akda. At ang sitwasyong ito ay hindi maipaliwanag lamang sa pamamagitan ng posisyon ng pinuno ng mga konsyerto ng RMS o sa pamamagitan ng kanyang reputasyon bilang isang pianista - nagsulat lamang siya ng higit sa iba, halos pinagsama (noong 1950s at 1970s, gayon pa man). Kinakatawan niya ang musikang Ruso sa mga konsyerto sa St. Petersburg at Moscow, ngunit gayundin sa ibang mga bansa - sa Kanlurang Europa, sa Hilagang Amerika. Gayunpaman, ang gawain ng karagdagang asimilasyon ng kultura at "paaralan" ng Kanlurang Europa, sa sarili nitong mahalaga, natural, hindi maiiwasan, ay naging (at tiyak na tila) laban sa mga pangunahing gawain ng paaralan ng pambansang kompositor. Gayunpaman, maaari itong maitalo na ang pamana ng Rubinstein ay isang mahalaga at organikong link sa pagbuo ng musikang Ruso.

Isinasaalang-alang ang mga pinagmulan at ebolusyon ng genre ng opera sa Russia, iniugnay ni Asafiev ang mga gawa ni Rubinstein sa "parallel currents" (ang mga opera ng Serov, Cui, Taneyev, Arensky, Rachmaninov at ilang iba pang mga kompositor ay inuri rin bilang ganoon) ( , 76 ). Gayunpaman, sa parehong libro, nagtalaga si Asafiev ng isang malaking lugar sa halos lahat ng genre ng gawa ni Rubinstein, na lubos na pinahahalagahan ang mga ito. Sa pagsasalita tungkol sa ebolusyon ng pag-iibigan ng Russia, inaangkin niya na "ang mga merito ng Rubinstein sa lugar na ito ay lubos na minamaliit" (, 76 ); sa seksyon sa symphonic music, binibigyang-diin ang malaking kahalagahang pangkasaysayan ng mga symphony ng kompositor na ito para sa musikang Ruso bilang pasimula sa mga simponya ni Tchaikovsky; ang seksyong "Instrumental Concerto" ay bubukas na may paglalarawan ng mga komposisyon ni Rubinstein. Sa pangkalahatan, sa mga tuntunin ng bilang ng mga sanggunian sa buong libro, si Rubinstein ay lumalampas, sabihin, Dargomyzhsky at Glazunov at nakatayo sa "antas" ng Borodin.

Ngunit gayon pa man, hindi lamang may kaugnayan sa genre ng opera, ngunit sa pangkalahatan, ang gawain ni Rubinstein ay madalas na binibigyang kahulugan bilang kasama ng pangunahing pangunahing mga phenomena, bilang "parallel" na may kaugnayan sa pangunahing landas. Ito ay tila hindi tama, at bilang isa sa mga kontraargumento, isasaalang-alang natin ang sumusunod na aspeto tungkol sa lugar at papel ng pagkamalikhain ng kompositor ni Anton Grigoryevich sa proseso ng pagbuo ng mga klasikong Ruso noong ika-19 na siglo.

Ang aktibidad ni Rubinstein ay naganap sa St. Petersburg, at ito ay palaging isinasaalang-alang sa loob ng balangkas ng musikal na kultura ng hilagang kabisera. Ngunit para sa St. Petersburg, kung saan pagkatapos ng unibersal na henyo - Glinka - ang malikhaing aktibidad ng Dargomyzhsky at mga miyembro ng "Mighty Handful", nang maglaon ay ang Belyaevsky Circle, ay nagbukas, para sa St. Petersburg, ang pangunahing pokus at mahahalagang tampok ng hitsura ng kompositor ni Rubinstein ay medyo alien. Ito ay hindi nagkataon na ang kahulugan, kahit na sa isang tiyak na lawak na may kondisyon - "Petersburg school" - ay hindi kasama ang Rubinstein, ay hindi nagpapahiwatig.

Marami pang mga dahilan upang maniwala na ang gawa ng kompositor na ito ay naglalaman ng ilan sa mga pinagmulan at tampok ng isa pang sangay ng pambansang pagkamalikhain - ang isa na itinalaga namin bilang "paaralan ng Moscow"; siya ay nauugnay sa mga pangalan, una sa lahat, ng Tchaikovsky at Taneyev. Mula sa "Demonyo" ang landas ay papunta sa "Eugene Onegin", ngunit pati na rin sa "Queen of Spades", mula sa Fourth Piano Concerto hanggang sa Una sa b-moll; kung wala ang mga unang symphony ni Rubinstein, ang makasaysayang hakbang sa mga siklo ni Tchaikovsky ay maging mahirap, at kung wala ang kanyang mga oratorio at espirituwal na opera - sa mga monumental na gawa ni Taneyev; marami ang sunud-sunod na konektado sa mga polyphonic na piraso ni Rubinstein. makasaysayang retrospective maging isang kinakailangang yugto sa daan patungo sa mga gawa ng kamara ni Borodin, Tchaikovsky, Taneyev. Ang impluwensya ni Rubinstein sa pinakakilalang kinatawan ng susunod na henerasyon ng Muscovites - Rachmaninoff - ay mas hindi direkta, ngunit hindi rin mapag-aalinlanganan.

Ngunit bilang karagdagan sa magkakaibang at mapapatunayang impluwensya ni A. Rubinstein sa mga master na ito (ang mga indibidwal na aspeto at katotohanan ng impluwensyang ito ay babanggitin sa ibaba), ang mga tampok na iniuugnay namin sa gawain ng mga musikero ng Moscow ay napakalinaw na nakikita sa mga komposisyon ni Rubinstein. Ito ay may matibay na katwiran na nasa talambuhay ni Anton Rubinstein. Mula sa edad na dalawa o tatlo hanggang sa edad na labing-isa, ang batang lalaki ay nanirahan nang walang pahinga sa Moscow at, sa kanyang kahanga-hangang pagkamaramdamin sa musika at memorya ng musika, walang alinlangan na sumisipsip ng maraming mga impression. Tulad ng nalalaman mula sa mga memoir at iba pang mga materyales, ang mga mag-aaral, opisyal, guro ay patuloy na nagtitipon sa mapagpatuloy na bahay ng mga Rubinstein, tumunog ang musika - kumanta sila, sumayaw. Ang tunog na kapaligiran ng Moscow sa mga taong iyon ay tinutukoy ng mga kanta at romansa ng Alyabyev, Varlamov, araw-araw na sayaw. Ang nag-iisang guro ni Rubinstein, si Alexander Ivanovich Villuan, na may malaking impluwensya sa kanyang mag-aaral, ay isang katutubong Muscovite, isang estudyante ng J. Field at F. Goebel (sa mga akda ng huli, natagpuan ni Borodin ang impluwensya ng "Russian Moscow"). Ang mga dula ni Villuan ay bahagi ng repertoire ng kabataang si Rubinstein. Ang mga pirasong ito, at lalo na ang piano concerto, mula sa punto ng view ng melody, mga paraan ng paglalahad, ay ganap na naaayon sa tradisyon ng Moscow.

Ang layer ng melos, na nagmula sa pang-araw-araw na pag-iibigan sa lunsod, ay nagpapakita ng sarili sa musika ni Rubinstein sa buong karera ng kompositor (nakukuha ang pansin sa mga tiyak na pagpapakita nito sa proseso ng pagsusuri ng mga indibidwal na komposisyon). Ang tampok na ito ng istilo ni Rubinstein ay hindi napansin ng kanyang mga kontemporaryo. Tungkol sa opera na "Children of the Steppes" (1860), sumulat si Balakirev kay Rimsky-Korsakov na sa loob nito ay "ginaya ng may-akda, ano sa palagay mo - kanino? Gurilev, Alyabyev at iba pang mga gypsy na may-akda na matagumpay na gumawa ng kanilang mga bagay sa gitna ng mga alipin, malaswa at hindi masining - sa Moscow" . Makalipas ang halos dalawang dekada, ang simponya ng Fifth ("Russian") ay nagdulot ng mga pag-atake ni Cui at iba pang mga kritiko, lalo na, na may kaugnayan sa mga tema ng mabagal na kilusan, na umalingawngaw bilang isang "malupit na pag-iibigan", atbp.

Kasabay nito, tiyak na ito at katulad na musikal na tematismo ang lubos na katulad ng melodics ni Tchaikovsky (isang paghahambing na pagsusuri, suportado ng mga musikal na teksto, ay bahagyang isinasagawa sa pag-aaral ni Barenboim (tingnan, vol. 2, 131–133, 294–296 ). Si Tchaikovsky, na unang dumating sa Moscow sa edad na 25, ay maaaring gumuhit dito at na sa kanyang mga unang opus ay organikong isalin ang melodic-harmonic complexes na katangian ng kapaligiran ng intonation ng Moscow. Ang mga halimbawa ng pag-iibigan ng Russia ng uri ng Varlamov-Alyabyev ay malamang na kilala ni Tchaikovsky - sila ay inaawit at pinatugtog kahit saan. Ngunit ito ay lubos na ibang bagay upang makatagpo ng tulad ng isang estilo sa isang symphony ng klasikal na uri! Rubinstein's Symphony No. 2 ("Ocean"), na, ayon kay Laroche, ang huli ay paulit-ulit na nilalaro kasama si Tchaikovsky sa mga taon ng kanyang pag-aaral, na naglalaman, halimbawa, ng isang tipikal na halimbawa ng ganitong uri bilang ang tema ng gilid na bahagi ng sonata allegro (tingnan ang halimbawa 12).

Kasabay nito, marami sa musikal na pag-iisip ni Rubinstein ang nagdala ng kanyang mga malikhaing gawain at solusyon na mas malapit sa pagsasanay ng mga kompositor ng St. Nalalapat ito kapwa sa mga pangkalahatang problema ng pagbuo ng mga genre, at sa mas tiyak, ngunit gayunpaman mahalagang mga isyu.

Ang isa sa mga pangkasalukuyan at pangunahing para sa pambansang paaralan ng kompositor ay ang kababalaghan na ayon sa kaugalian namin, kasunod ni Asafiev, ay tinatawag na "Musikang Ruso tungkol sa Silangan".

Siyempre, ang interes sa Silangan ay isang pangkaraniwang katangian ng Romantikong sining sa pangkalahatan. Ang Western European musical romanticism, gaya ng nalalaman, ay naghanap sa lugar na ito ng isang dahilan at isang paraan upang isama ang kulto ng kalikasan, mga tao at mga damdaming hindi nagalaw ng sibilisasyon. Kasabay nito, para sa karamihan, ang Silangan ay kumikilos bilang isang pangkalahatang kategorya, at ang mga pagpapakita ng lingguwistika nito - bilang ilang mga palatandaan, sa una ay may kondisyon. Sa paglipas ng panahon, sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo (halimbawa, sa musikang Pranses - mula kay David hanggang Bizet, Saint-Saens at Delibes), ang musikal na orientalismo ay nagiging mas konkreto, ang "malayong mga bansa" ay kinakatawan ng mga tunay na tema ng musikal. , ritmo, atbp.

Ang "Musikang Ruso tungkol sa Silangan" ay binuo sa sarili nitong espesyal na paraan. Walang alinlangan, ang hindi maihihiwalay na koneksyon sa romantikismo ay tumutukoy sa mga pahina ng musikang ito, na nagsisimula sa "Ruslan at Lyudmila". Ngunit pagsasama sa Imperyo ng Russia mga rehiyon ng Gitnang Asya at, higit sa lahat, ang Caucasus, ang pang-unawa sa Caucasus bilang ang lugar ng kapanganakan ng pag-ibig sa kalayaan at paghihimagsik at bilang isang lugar ng pagkatapon para sa mga kapansin-pansing mga Ruso, ang mataas na karanasan ng "panulaang Ruso tungkol sa Silangan" - ito at iba pang mga katotohanan at salik ang nagpasiya sa mga katangian ng "silangang" sangay ng pambansang musikal na pagkamalikhain. Ang mga tiyak na repraksyon nito, ang pagsisiwalat ng mga mapagkukunan ng alamat at mga prototype ay binibigyan ng malaking lugar sa panitikan tungkol sa Balakirev, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov.

Ang pagnanais na isama ang "Silangan" ay nakaapekto kay Rubinstein nang maaga. Bumalik noong 1850, nang matanggap ang libretto na "Dmitry Donskoy" mula sa V. A. Sollogub, ang batang kompositor ay bumaling sa isa pang manunulat - V. R. Zotov, na, sa kanyang kahilingan, "natapos ang pangalawang gawa - isang eksena malapit sa Tatars, the East" (, 81 ). Sa hinaharap, ang mga larawan ni Rubinstein ng Silangan at ang musika ng isang oriental na karakter, tulad ng iba pang mga kompositor ng Russia, ay pangunahing nauugnay sa Caucasus. Maraming beses niyang binisita si Tiflis, alam na alam ang mga pigura ng kulturang Georgian. Isa sa kanila, V.D. sa pag-aaral at pag-unlad ng lahat ng bagay na may kaugnayan sa musikang oriental" ( , 13 ). Itinatag ng isang modernong mananaliksik na si Rubinstein, habang nagtatrabaho sa "The Demon", ay bumaling sa koleksyon ng D. Eristavi "Potpourri of Georgian songs" (, 110 ). Ang katotohanan na ang oriental na lasa ng opera na ito ay naisalokal ni Rubinstein - alinsunod sa balangkas ni Lermontov - bilang Georgian, ay pinatunayan ng D. I. Arakishvili: "... ang mapang-akit na koro na "Pumunta kami sa maliwanag na Aragva" ay isinulat sa sikat na kanta ng Georgia. Ang kanta ni Prince Sinodal na "Turning into a Falcon" ay mayroon ding Georgian tune - bayati, pati na rin ang choir na "Nochenka" (sa saliw) na may "Bright Sun" (medyo binago ng may-akda). Ang sayaw ng mga lalaki ay isang bundok lezginka, kababaihan, ang unang tune ay marahil Georgian, ang pangalawa ay medyo may pagdududa, ang pangatlo ay matatagpuan sa kanila, lamang sa isang mas binuo at tapos na anyo. Ang awit pagkatapos ng sayaw ng lalaki (isang babae) ay oriental, ngunit mahirap sabihin kung anong nasyonalidad… Hindi maitatanggi si Rubinstein na higit pa o hindi gaanong tamang paglalarawan ng musika mula sa isang etnograpikong pananaw; tungkol sa pagbuo ng mga himig, ang kanyang talento ay matagal nang kinikilala sa pangkalahatan "(, 5–6 ).

Sa marami sa mga gawa ni Rubinshtein ay nakakatagpo tayo ng ritmo-intonasyon, mga harmonic complex na nabuo (o sa halip, binuo!) sa mga Kuchkist, na naging isang "tanda" ng Silangan. Ito ay napakalinaw na naririnig sa "Sayaw ng Kashmiri Brides" (opera "Feramors", 1861), na madalas na ginanap sa mga konsyerto, sa dulang "Pasha at Almeya" (piano cycle na "Costume Ball", 1879), " Lezginka" (isang koleksyon ng mga pambansang sayaw, 1868), sa iba pang mga gawa. Si Cui, na karaniwang hindi pumapabor kay Rubinstein na kompositor, ay sumulat tungkol sa "Feramores", lalo na binanggit ang binanggit na "Kashmiri" na sayaw: "... ang pagpili ng balangkas ay dapat ituring na masaya dahil ito ay oriental, at ang musikang oriental ay palaging gumagana para sa. Rubinstein" (, 490 ).

Ang paglahok ni Rubinstein sa pangkalahatang proseso ng artistikong pag-unlad ng musikang Ruso sa globo ng Silangan ay nakumpirma ng mga sandali ng pakikipag-ugnay sa malikhaing karanasan ng kanyang antipode - Mussorgsky. Ang isang ganoong sandali, kilalang-kilala, ay ang pagkakaisa ng tema ng Sayaw ng mga Persian ("Kovanshchina") na may tema ng gitnang seksyon ng unang sayaw mula sa "The Demon". Tunay na kilala na si Mussorgsky ay pamilyar sa opera na ito ni Rubinstein (narinig niya ito sa pagtatanghal ng may-akda sa isang gabi sa bahay ni D.V. Stasov), lumitaw ang "Khovanshchina" pagkalipas ng ilang taon, at sinisi ng mga kritiko ang may-akda nito para sa paghiram. Gayunpaman, tulad ng tamang paniniwala ni G. L. Golovinsky, "ang pagkakatulad ay dapat ... hanapin sa isang tiyak na modal-harmonic complex, na malakas na nauugnay ng parehong mga kompositor sa oriental sphere..." ( , 68 ).

Ang isa pang punto, na kawili-wiling pansinin sa mga tuntunin ng pagkakapareho ng mga adhikain ng dalawang magkaibang magkaibang kontemporaryo sa larangan ng "oriental reflections", ay ang pagsasama ng Jewish folk music sa monumental orientalism, sa biblikal na balangkas. Ang tala ng may-akda ni Mussorgsky sa koro na "Jesus Nun" (dating "Awit ng mga Libyan" mula sa "Salambo") ay direktang tumutukoy sa mga katutubong awit ng Israel. Sa ngayon, ang isang folklore prototype ng Mussorgsky choir na ito ay natagpuan sa isang koleksyon ng mga Hasidic na himig (vol. 1, Great Russia), na inilathala sa Tel Aviv noong 1945-1955 (tingnan. 70 ). Ang interpretasyon ng "Eastern" bilang Hudyo (mas tiyak, Moldavian-Jewish) ay napaka katangian ni Rubinstein, at sa kanyang gawain ay maraming artistikong katotohanan ng ganitong uri (ang ilan ay ibinigay sa ibaba na may kaugnayan sa mga katangian ng mga sagradong opera at oratorio. , tingnan ang pp. 107 - 111 ng volume na ito), sila ang bumubuo ng kontribusyon ng kompositor sa musikang "Eastern" ng Russia. Ito ay isang buhay na layer ng intonasyon. Nabatid na minsang nag-improvised si Rubinstein sa mga tema ng Moldavian folk songs habang bumibisita sa Liszt sa Weimar, sa ibang pagkakataon sa Paris. Tungkol sa tema na kinuha para sa Maccabees, sumulat si Anton Grigoryevich sa kanyang ina: "Ang kanta sa Maccabees ay ang parehong kanta na palagi mong tinutugtog sa amin. Kinuha ko ito dahil akala ko ito ay isang katutubong awit o sayaw ng mga Hudyo" ( , 32 ).

Tila, hindi nagkataon na direktang iniugnay ni Asafiev ang "walang pag-aalinlangan na likas na talino ni Rubinstein para sa Silangan" at ang katotohanan na, sa kanyang opinyon, "ang kanyang pinakamakapangyarihang mga opera ay Maccabees, The Demon and Shulamith" ( , 39 ).

Nakakita kami ng mga musical incarnation ng Silangan sa Rubinstein nang maraming beses. Dito, una sa lahat, dapat nating banggitin ang kahanga-hangang vocal cycle na "Persian Songs", kung saan ang globo ng lyrics ay katawanin. Sa pangkalahatan, ang Rubinsteinian East ay may sariling espesyal na emosyonal na accent: isinasama nito ang pagkalalaki, enerhiya, dynamism, at monumentality sa mga oratorio.

Ang aktibong interes ni Rubinstein sa mga pambansang kultura ay hindi limitado sa globo ng Silangan. Sa opera na "Children of the Steppes", halimbawa, ang mga kanta ng Ukrainian ay ginagamit kasama ng mga gypsy na kanta. Ang mga asosasyong "Western" ay marami sa instrumental at chamber-vocal genre, na tatalakayin sa ibaba. Ang isa sa mga partikular na aspeto na nag-uugnay kay Rubinstein sa iba pang mga kompositor ng Russia, sinabi ni Asafiev, ay ang "Schumannism", ang impluwensya ng Schumann, kung saan "wala sa mga pangunahing kompositor ng kalagitnaan ng huling siglo ang umalis. At dito, sa Russia, A. Rubinstein, at ang "Kuchkists" ... at Tchaikovsky, ngunit bawat isa sa kanyang sariling paraan at napaka Russian "(, 62 ).

Sa buong aktibidad ng pagbubuo ni Rubinstein, ang tanong ay itinaas (at karamihan ay nalutas nang negatibo) kung siya ay - at hanggang saan - isang kompositor na Ruso. Ang matinding pananaw ni Cui ay pinakadirektang ipinahayag: "Si Rubinstein, bagaman nakatira siya sa Russia at kung minsan ay nagsusulat ng mga opera sa mga plot ng Russia, kapwa sa nilalaman at sa anyo ng kanyang mga gawa ay dapat maiugnay sa Kanluranin, ngunit hindi sa mga kompositor ng Russia" (, 247 ). (Ang kritiko na ito sa kalaunan ay tinugunan ang mga katulad na panunumbat kina Tchaikovsky at Taneyev.) Sa katunayan, sa maraming mga kadahilanan ng isang personal, biographical na kalikasan, sa mga tuntunin ng sukat at mga tampok ng kanyang talento, ang kompositor na ito ay halos hindi maiugnay sa bilang ng mga pambansang tagalikha na ipinahayag ang kapalaran at mithiin ng bansa, ang mga tao. Ngunit, siyempre, hindi tama ang kategoryang konklusyon ni Cui, at ang paglahok ni Rubinstein sa proseso ng komposisyon at pag-unlad ng pagkamalikhain ng kompositor ng Russia ay magkakaiba at mapapatunayan.

Ito ay kagiliw-giliw na ang iba pang mga kontemporaryo ay nagpasiya "sa pamamagitan ng tainga" na ang musika ni Rubinstein ay kabilang sa pambansang tradisyon, kahit na hindi ito konektado sa alinman sa isang balangkas mula sa "Buhay na Ruso" o sa pamamagitan ng teksto ng isang makatang Ruso. Narito kung paano tumugon ang Russkiye Vedomosti reviewer noong 1873 sa pagganap ng Eighth Quartet, na nilikha ni Rubinstein "dalawang taon na ang nakalilipas sa St. Petersburg, para sa Russian quartet ng apat na batang lokal na birtuoso, na pinagsama-sama noong panahong iyon sa ilalim ng kanyang impluwensya at sa kanyang inisyatiba": " Marahil na ang dahilan kung bakit napakarami ng Russian melodic element sa kasiya-siyang quartet ni Rubinstein, na dinala nang may malaking tagumpay sa buong komposisyon. orihinal na five-beat na ritmo at maganda ang instrumento. Sa finale, lumilitaw ang isang malawak na melody sa istilong Ruso, napakatalino at mayamang disenyo" ( , 114 ). Ang may-akda ng pagsusuri ay si Tchaikovsky.

Ang "Russian melodic element" ay naroroon sa marami sa mga komposisyon ni Rubinstein. Kasabay nito, hindi natin pinag-uusapan ang mga tema ng bodega ng pag-iibigan, na genetically na nauugnay sa romansa sa lunsod ng Russia, ngunit talagang tungkol sa apela sa materyal ng katutubong kanta. Nalalapat din ito sa mga opera batay sa mga paksang Ruso, at sa napakalaking bilang sa instrumental na musika.

Dito - tulad ng sa "Eastern" sphere - umaangkop si Rubinstein masining na proseso lokal na musika. Ang isang posibleng halimbawa ay ang "Russian at Trepak" mula sa "Collection of National Dances" op. 82 para sa piano (halimbawa 24 a). Ang ideya ng pagsasama-sama ng matagal at pagsasayaw, na nagmumula sa Glinka, lalo na ang pagkagambala ng isang liriko na kanta na may tune, ay inilipat ng kompositor mula sa opera sphere patungo sa instrumental na musika. Ang katangian ay melodic turns, at ang modal structure (major - parallel minor), at ang square structure ng sayaw. Walang alinlangan, si Rubinstein ay nagtataglay ng banayad, matigas ang ulo, sensitibong tainga. Ang mga pagkakatulad ay nabanggit na sa panitikan Pangunahing tema ang unang bahagi ng "Russian" (Ikalimang) symphony ni Rubinstein (1880) na may tema ng pagpapakilala sa "Boris Godunov" (halimbawa 14 a).

Mula sa labas, ang mismong mga pangalan ng maraming mga opus ay nagsasalita tungkol sa pagpapatuloy ng mga pagtatangka na tumagos sa kaharian ng pambansang Ruso. Noong 1847, isinulat ni Rubinstein ang "Russian Song" para sa piano sa 4 na kamay, pagkalipas ng tatlong taon - "Two Fantasies on Russian Folk Songs" para sa piano, sa mga susunod na taon ay dalawang beses na "Russian Capriccio" (op. 75, No. 6 at op. 102); maraming mga dula na may temang katutubong awit ang bahagi ng mga siklo; Ang ikalimang symphony ay tinatawag na "Russian". Siyempre, ang punto ay hindi sa bilang ng mga naturang katotohanan, ngunit sa organic at artistikong panghihikayat ng pagpapatupad. Ngunit hindi maaaring balewalain ng isang tao ang katotohanan na noong 1960s, at kahit na sa paglaon, ang pagsipi ay nanatiling pinakamahalagang panlabas na "ebidensya" ng pambansang ugat. Mahirap husgahan ang pagkakumpleto, ang lalim ng pagpapatupad ng pambansa sa malapit na distansya. Pagkatapos ng lahat, halos lahat ng mga kontemporaryo ay nabigo na maunawaan at pahalagahan ang mahusay na pagkakatawang-tao ni Mussorgsky! Malinaw, ang lahat ng ito ay nagpapaliwanag sa itaas na masigasig at walang alinlangan na taos-puso na pagsusuri ng Tchaikovsky. Pagkatapos ng lahat, siya mismo sa oras na ito ay nagpapakilala ng isang katutubong kanta sa parehong quartet at ang klasikal na symphonic cycle.

Ito ay isang napakahalagang aspeto, ganap na naaayon sa tradisyon ng Glinka, na minarkahan ang isang tiyak na makasaysayang yugto: ang kumbinasyon ng mga Russian melos na may binuo, kumplikadong mga anyo, genre o pamamaraan ng pagtatanghal, ang pagpapakilala ng mga pambansang tema ng musika bilang batayan ng motivic o polyphonic development. Sa bagay na ito, ang mga merito ni Rubinstein, ang may-akda ng polyphonic compositions, ay dapat banggitin. Ang Protopopov ay nakakabit sa aktibidad ni Rubinstein "isang pambihirang mahalagang papel sa pagbuo ng polyphony ng Russia", na nasa isip ang mga panig ng pedagogical, gumaganap, at bumubuo; ayon sa patas na paghuhusga ng mananaliksik, ang pianoforte cycles of preludes and fugues (op. 53) "ay nagbigay daan para sa piano preludes at fugues ni Tchaikovsky (op. 21), Glazunov (op. 62, 101), Taneyev (op. 29), Arensky, nagsilbing paghahanda para sa symphonization ng fugue (Tchaikovsky. First suite para sa orkestra)" ( , 100 ). Ngunit ang pinaka-kawili-wili ay ang malikhaing karanasan ng "Russian Capriccio" (op. 102, 1878); Ang pangunahing formative na prinsipyo ng trabaho ay ang contrasting-thematic polyphony. Ang Protopopov ay nagpapakilala sa mga tema: ang una - sa diwa ng matagal na mga katutubong awit, ang pangalawa - ang apela nito, ang pangatlo - isang malawak na awit sa diwa ng mga kanta ng kabataan, at ang ika-apat - nakapagpapaalaala sa mga instrumental na himig ng sayaw na napapailalim sa pag-unlad ng motibo. , at sinasabing "ang epekto ng mga pamamaraan ng" Russian Capriccio "sa masining na intensyon Taneeva" ( , 105 ). Ito, sa katunayan, sa saklaw ng "Russian polyphony" ay nasa daan mula Glinka hanggang Taneyev.

Ang isang patas, matino na paghatol tungkol sa pambansang ugat ng gawain ni Rubinstein ay ipinahayag sa isang obitwaryo ni N. D. Kashkin. Pansinin na ito ay tiyak sa mga gawa sa mga paksang Ruso ("The Merchant Kalashnikov", "Goryusha") na ang "kondisyon" at kahit na "false Russian bug" ay ipinahayag (kung saan, sa pamamagitan ng paraan, ang may-akda ng artikulo dito ay tumutukoy kay Alyabyev, Varlamov at Gurilev), nagtapos si Kashkin: "Sa kabilang banda, maraming iba pang mga gawa, ang pambansang katangian na hindi pinansin ng may-akda, ay maaaring ligtas na maiugnay sa musikang sining ng Russia, kapwa sa mga tuntunin ng lapad ng pangkalahatang pattern, at sa mga tuntunin ng mga tampok ng artistikong realismo na abundantly nakakalat sa kanila, na bumubuo sa katangian ng kaakibat ng Russian art" (, 985–986 ).

Sa mga komposisyon ng Rubinstein, ang ilan ay nagpapanatili ng kanilang aesthetic na kahalagahan, patuloy na tumutunog sa entablado at entablado ng konsiyerto - medyo kakaunti ang mga ito; ang iba ay angkop sa kasaysayan at sa bagay na ito ay nararapat ding banggitin at pagsusuri. Ang kontribusyon ng kompositor sa pagbuo at pagbuo ng ilang mga genre ay hindi pantay, tiyak.

Sa napakalaking pamana ng dami at magkakaibang genre, ang pinakamahalagang lugar sa trabaho ni Rubinstein ay inookupahan ng mga opera. Ang una, Ang Labanan ng Kulikovo, ay isinulat noong 1850 at itinanghal makalipas ang dalawang taon sa Bolshoi Theatre. Ang huling, Goryusha, na nilikha noong 1888, ay nakita ang liwanag ng entablado ng Mariinsky Theatre noong 1889. Ang larawan ng operatic heritage ni Rubinstein ay lubhang magkakaibang. Dito nakikilala natin ang iba't ibang hilig sa genre: liriko ("Feramors", 1862; "Demon", 1871), komiks ("Sa mga magnanakaw", 1883, "Parrot", 1884), tradisyonal na grand opera ("Nero", 1876, isinulat para sa Parisian Grand Opera; mga tampok grand opera ganyan iba't ibang opera, bilang "Merchant Kalashnikov", 1879 at "Maccabees", 1884). Ang mga plot ay konektado sa mga makasaysayang kaganapan ("Labanan ng Kulikovo") at sa mga biblikal ("Maccabees"), sa oriental na pag-iibigan ("Feramors") at makasaysayang buhay ng Russia ("Goryusha", 1888), na may isang Persian fairy tale ( "Parrot") ... Ito ay kilala rin na sa simula ng 1950s ay kinuha si Rubinshtein para sa opera na Stenka Razin, ang planong ito ay hindi natupad. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, ayon sa mga memoir ng noon ay sikat na manunulat na si P. D. Boborykin, si Anton Grigorievich ay bumalik sa ideya ng isang libretto nang walang kabiguan sa isang makasaysayang tema na may mga hindi kathang-isip na mga karakter; tinawag niya ang balangkas na pinapangarap niya: "Isang kakila-kilabot na trahedya na sumiklab sa pagitan ng ama at anak. Ama - Peter, anak - Tsarevich Alexei" (, 466 ).

Ang mga libretto ng mga opera ni Rubinstein ay nilikha sa Russian at German, ayon sa pagkakabanggit, ng mga manunulat na Ruso at Aleman. Sa paglipas ng mga taon, nakipagtulungan si Rubinstein sa V. A. Sollogub at V. R. Zotov ("Labanan ng Kulikovo", ayon kay V. A. Ozerov), D. V. Averkiev ("Goryusha", ayon sa kanyang kuwento na "Hmelaya Night") , mula sa mga dayuhang may-akda - kasama si G. - S. Mosental ("Children of the Steppes", "Maccabees")" ni J. Rodenberg ("Feramors", pagkatapos ng T. Moore). Ang libretto ng opera na "Children of the Steppes" ay isinalin mula sa German ni Apollon Grigoriev. Over a mahabang panahon - mula sa simula ng 50s hanggang sa simula ng 70s, ang kompositor ay bumaling kay Lermontov: ang mga opera na "Revenge" ("Hadji Abrek"), "The Demon" at "The Merchant Kalashnikov" ay isinulat batay sa kanyang mga tula (Tandaan na ang gawa ni Lermontov ay hindi pangkaraniwang kaakit-akit para kay Rubinstein: nilikha din ang "Sirena" para sa contralto sa koro at orkestra ng kababaihan, ilang mga romance opuses.)

Ang ilang mga opera ay itinanghal sa unang pagkakataon sa Russia, ang iba sa Weimar, Vienna, Dresden, Berlin, Hamburg (apat na opera ang premiered sa huling lungsod).

Ang kapalaran ng mga opera ni Rubinstein ay nabuo sa iba't ibang paraan. Ang ilan, bagama't sila ay itinanghal kaagad o di-nagtagal pagkatapos ng paglikha, ay hindi nagtagal sa entablado. Ang iba ay dumanas ng matinding paghihirap sa kanilang pagtungo sa pagtatanghal sa Russia (na, sa pamamagitan ng paraan, ay nag-aalis ng alamat tungkol sa patuloy na pagtangkilik ng "mas mataas na mga lugar" na diumano'y tinatamasa ni Rubinstein). "Ang Russian Imperial Directorate of Theaters ay palaging binabalewala ako ... ang opisyal na mundo ay hindi pinarangalan ako," inamin ng kompositor sa kanyang mga bumababang taon (, 97, 98 ). Ang kapalaran ng Merchant Kalashnikov ay naging mahirap lalo na. Pinahintulutan ng censorship noong 1879, ang opera ay pinag-aralan sa ilalim ng direksyon ni E. F. Napravnik, kasama si B. B. Korsov mula sa pamagat na papel. Ang premiere, kung saan isinagawa ng may-akda, ay isang tagumpay noong Pebrero 22, 1880, ngunit ang opera ay agad na binawi. "Ang pagpapatupad ng kalaban ng opera ... ay nakapagpapaalaala sa pagpapatupad ng Narodnaya Volya I. O. Mlodetsky, na bumaril sa Ministro ng Panloob na si M. Loris-Melikov at binitay sa pamamagitan ng utos. Alexander III sa araw na kasabay ng araw ng premiere ng dula "(, 152 ).

Noong 1883, itinaas ni B. B. Korsov ang isyu ng pagtatanghal ng Kalashnikov. Dumating ito sa isang dress rehearsal, ngunit si K.P. Pobedonostsev, na naroroon dito, ay hindi nasisiyahan sa katotohanan na ang mga icon ay ipininta sa tanawin, at pinigilan ang pagtatanghal na ipakita. At sa pangatlong pagkakataon, noong 1889, ang opera ay binawi pagkatapos ng dalawang pagtatanghal, dahil hindi sumang-ayon ang may-akda na gumawa ng mga pagbabago. Ang Opera "Feramors", na nilikha noong unang bahagi ng 60s, ay una (at pagkatapos ay paulit-ulit) na itinanghal sa mga sinehan sa Kanlurang Europa, at sa Russia ito ay ginanap sa entablado ng Mariinsky Theatre noong 1898 lamang (bago ito ay ginanap sa St. Petersburg ng Music and Drama Circle, noon - mga mag-aaral ng conservatory).

Malinaw, ang mga opera ni Rubinstein (pati na rin ang maraming iba pang bagay mula sa kanyang pamana) sa mahabang panahon ay nagpapanatili ng sigla at kaakit-akit sa mga mata ng mga kontemporaryo at mga pigura ng mga sumunod na dekada. Si Tchaikovsky, na lubos na nagpahalaga sa musika ni Rubinstein noong 50-70s, pagkatapos makinig sa "Feramors" sa Berlin noong 1879, ay sumulat kay N. F. von Meck: "Ngayon ay nagbibigay sila ng "Feramors" sa opera. Ito ay isang opera ni Rubinstein, na isinulat niya sa panahon kung saan nabibilang ang lahat ng kanyang pinakamahusay na mga gawa, iyon ay, mga dalawampung taon na ang nakalilipas. Mahal na mahal ko siya…” 146 ).

Walang alinlangang alam ni Tchaikovsky ang gawaing ito noon pa man. Ang isang modernong mananaliksik ay nagpapahayag ng isang argumento na hindi walang panghihikayat na ang mga tampok ng dramaturgy ng "Feramors", lalo na ang paghantong sa finale, na direktang nagiging isang denouement, ay makikita sa "Eugene Onegin" (). Ngunit ang huli, hindi matagumpay na opera ni Rubinstein na si Goryusha ay umalingawngaw din sa gawain ng kanyang dating estudyante. (Nasa premiere si Tchaikovsky; sa mga araw na ito ay nagsagawa siya ng isa sa mga konsiyerto ng jubilee ni Rubinstein sa St. Petersburg.) Sa ikatlong yugto ng "Goryushi" sa ari-arian ng prinsipe, ang "nakatutuwang mga Aleman" ay naglalaro ng pantomime na may ballet na ang mga karakter ay Apollo. , Daphnitsa, Venus, Cupido, Diana; ang pantomime na ito, na ang musika ay nakatuon sa maagang klasisismo at ang stylization nito, na malinaw na nagsasaad sa drama (kahit melodramatism) ng pangunahing aksyon, ay nagbibigay ng epekto ng detatsment. Ang ballet interlude sa The Queen of Spades ni Tchaikovsky, na sa lalong madaling panahon ay naisulat, ay may parehong function, na may katulad na istilo. Nakipagtalo pa si N. F. Findeisen, na unang nagbigay-pansin sa koneksyon na ito, na ang orkestra ng pantomime ni Rubinstein ay mas angkop para sa panahon, habang sa "The Sincerity of the Shepherdess" ito ay "masyadong maluho" (, 85 ).

Ang tanong kung ano ang kahalagahan sa kasaysayan ng musika ng mga gawa na hindi nabibilang sa mga obra maestra, ngunit sumasalamin sa mga katangiang tendensya ng panahon o may epekto sa mga nangungunang tagumpay sa mga susunod na taon, ay napakahirap. Ngunit, sa anumang kaso, ang mga komposisyon na ito ay hindi dapat iwanan sa pansin kapwa sa pagsusuri ng gawain ng isang partikular na kompositor, at ang pagbuo ng isang partikular na genre at ang ebolusyon ng pambansang paaralan ng kompositor sa kabuuan. Hindi sinasadya na si Asafiev, na nagsasalita tungkol sa "Oedipus Rex" ni Stravinsky - ang balangkas nito, ang monumental na istilo nito, ay isinasaalang-alang na kinakailangang alalahanin ang linya ng pag-unlad ng Russian opera, na binalangkas ni Serov at "ipinagpapatuloy nina Rubinstein at Taneyev", na ay, sa pamamagitan ng mga masters na siya, tulad ng nabanggit na, ay iniuugnay sa "parallel currents" ( , 53 ).

Sa kasong ito, nasa isip ni Asafiev, una sa lahat, ang opera na "Maccabees", kung saan ang mga koro ay gumaganap ng isang malaking papel, ang musika ay isinulat na may "malaking stroke" at, sa kabuuan, ang isang pagkahilig sa oratorio ay kapansin-pansin. . Magiging likas din sa Orestea ni Taneyev ang epikong hindi nagmamadaling paglalahad ng mga kaganapan sa mahabang panahon na may maliwanag na nakausli na mga kasukdulan, katangian ng opera-oratorio.

Hindi rin walang malasakit na ang The Merchant Kalashnikov, sa maraming pangkalahatan at partikular na aspeto, ay sumanib sa mainstream ng opera at isang halimbawa (kahit na hindi masyadong nakakumbinsi sa artistikong mga termino) ng paglutas ng "karaniwang" mga gawain na iniharap ng kulturang sining. Una sa lahat, ang balangkas ng opera ay organikong umaangkop sa makasaysayang tema, kaya katangian ng 60s - ang pagliko ng 70s ("Boris Godunov", "Pskovityanka", "Voevoda"). Ang ideya ng "Stenka Razin" sa seryeng ito ay isa sa pinakauna. Alam na isinulat ni Rimsky-Korsakov ang "The Maid of Pskov" sa isang libretto batay sa isang dula ni L. A. Mey ni V. V. Krestovsky para kay Rubinstein noong kalagitnaan ng 1960s. At sa "Kalashnikov" ang impluwensya ng Korsakov opera na ito ay kapansin-pansin, lalo na, sa interpretasyon ng imahe ni Ivan the Terrible. Marahil, ang halaga ng "The Merchant Kalashnikov" ay nabawasan hindi lamang sa pamamagitan ng hindi gaanong kaunting artistikong merito, kundi pati na rin sa oras ng pagsulat - sa threshold ng 80s. Gayunpaman, noong 1880 F. I. Stravinsky ay umawit ng Grozny nang may pambihirang tagumpay, at si Korsov ay kumanta ng Kalashnikov; Lumahok din si Stravinsky sa produksyon noong 1889. Hindi nito nauubos ang buhay sa entablado ng The Merchant Kalashnikov: sa bisperas ng Unang Digmaang Pandaigdig, ang opera ay itinanghal sa Zimin Theatre ni A. A. Olenin, at ang huling matagumpay na produksyon ay naganap sa Kuibyshev noong 1960.

Ang ilan sa mga pinakamahusay na opera ni Rubinstein ay matatag na kasama sa repertoire ng mga sinehan at mahalaga bahagi malawak na larawan ng domestic operatic creativity. Tulad ng para sa "The Demon", ang gawaing ito ay isa sa mga pinaka repertoire. Ang pangalang ito ay palaging kasama sa playbill ng Mariinsky - Kirov, at ang Bolshoi, at maraming mga peripheral na teatro, na sumasalamin sa mga artistikong merito at tunay na kahalagahan ng opera.

Ang pangunahing kontribusyon ni Rubinstein sa pag-unlad ng opera sa Russia ay nauugnay sa genre ng lyrical opera. Ang mga kinakailangan para sa genre na ito ay lumitaw sa lupa ng Russia bago pa si Rubinstein, at sa "Mermaid" at "Stone Guest" ni Dargomyzhsky ay natanto na sila sa isang malaking lawak, kahit na sa iba't ibang paraan. Gayunpaman, sa mga gawa lamang ni Rubinstein, at pagkatapos ay Tchaikovsky, lumilitaw ang Russian lyric opera bilang isang itinatag na kababalaghan, at ang "The Demon", "Eugene Onegin" at "Iolanta" ay kumikilos bilang mga tuktok nito.

Kilalang-kilala ni Rubinstein si Rusalka (sa partikular, ginawa niya ang overture at mga sipi mula dito sa mga konsyerto ng RMS noong 1950s at 1960s) at naniniwala na ito ay "kabilang ang mga dakilang kagandahan" (sinipi mula sa:, vol. 1, 353 ). Siyempre, pamilyar din siya sa mga lyrique ng French operas, na may impluwensya kung saan kadalasang nauugnay ang iba't ibang genre na ito sa kulturang musikal ng Russia. Gayunpaman, magiging mali na isaalang-alang ang mga liriko na opera ni Rubinstein na pangunahing imitasyon. "Sa pagsasalita tungkol sa koneksyon ni Rubinstein sa French lyric opera, dapat tandaan na hindi siya isang epigone ng kasalukuyang, ngunit ang kanyang kontemporaryo at sa maraming paraan ay isang malikhaing "kapwa manlalakbay"," isinulat ni D. V. Zhitomirsky (, 88 ). Kinumpirma na ito ng ilang magkakasunod na paghahambing tungkol sa oriental na sangay ng genre: "Feramors" ay nilikha noong 1862, "The Pearl Seekers" ni Bizet - noong 1863, nang maglaon - "Jamila" ni Bizet at "Lakme" ni Delibes. Ngunit ang "Children of the Steppes" - isang opera na mayroon ding lyrical (lyrical-everyday) inclination - ay isinulat ni Rubinstein noong 1860, at nang sumunod na taon ay matagumpay itong naitanghal sa Vienna. Ang Demon ay maihahambing sa iba pang mga mature na halimbawa ng genre: Gounod's Faust, Massenet's Werther. Ang napaka-curious na pagsusuri ni Rubinstein ng Tom's Hamlet (1868) ay napanatili. Ito ay batay din sa gawain ng isang klasiko, isang balangkas na puno ng malaki, pandaigdigang mga ideya, malakas na hilig - at isang bahagi lamang ng ideolohikal at masining na nilalaman ang kinuha mula sa gawaing ito at ang balangkas nito, na patuloy na nagiging sanhi ng mga paghatol tungkol sa "pagbaba ", "landing". Tila ito ay isang regularidad lamang ng genre; pagkatapos ng lahat, ang "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky ay hindi nangangahulugang isang "encyclopedia of Russian life" tulad ng isang nobela sa taludtod ni Pushkin. Para sa pag-unlad ng lyric opera sa lupa ng Russia, mayroong mga kinakailangan. Ang malalim na sikolohiya ay nailalarawan sa mga dekada ng parehong panitikang Ruso at, sabihin nating, portraiture, na nag-iwan din ng marka sa kultura ng opera. Nang sumulat si Tchaikovsky na may kaugnayan kay Onegin na siya ay may pagkahilig sa opera, kung saan ang "mga nilalang na tulad ko ay nakakaranas ng mga sensasyon na naranasan ko rin at naiintindihan" at naghahanap siya ng "matalik ngunit malakas na drama" ( , 21, 22 ), ito ay, sa esensya, ang manifesto ng Russian lyric opera. Ito ay hindi nagkataon na sa lokal na panitikan nabuo ang terminong "lyrical-psychological opera". Tila na ang konsepto ng "lyric opera", bilang ito kinuha hugis sa kulturang Europeo, medyo tumutugma sa "Feramors", - "Demonyo" bahagyang lumalampas dito.

Bagaman ang liriko na opera, bilang panuntunan, ay hindi sapat na naglalaman ng buong lalim ng nilalaman ng mapagkukunang pampanitikan, gayunpaman ay sinubukan ni Rubinstein na ipakita ang mga pilosopiko, teomachic na mga problema ng tula ni Lermontov. Sampung taon lamang ang lumipas mula noong ang "Demonyo" ni Lermontov, na ipinagbawal sa isang pagkakataon sa pamamagitan ng censorship, ay unang ganap na nailimbag sa tinubuang-bayan ng makata. Simula sa pagliko ng 1870 at 1871 upang mabuo ang script ng opera sa kanyang sarili, ang kompositor ay nag-aplay na may kahilingan na isulat ang libretto, una kay Ya. P. Polonsky, pagkatapos ay kay A. N. Maikov. Sa huli, ang libretto ay ginawa ng isang batang manunulat, kalaunan ay isang kilalang iskolar ng Lermontov na si P. A. Viskovatov (Viskovaty). Ang gawain ni Rubinstein kasama si Viskovaty ay napakasalungat - kapwa dahil sa bilis ng paghahanda ng teksto, na hindi palaging nasiyahan sa kompositor na nagtrabaho nang napakabilis, at dahil sa mga makabuluhang pagkakaiba sa interpretasyon ng kumplikado, hindi maliwanag na konsepto ng tula. Pinatunayan ni Barenboim ang paghatol na "sa kanyang bersyon ng teksto ng opera, 'binasa' ni Rubinstein ang tula ni Lermontov sa pamamagitan ng mga mata ng isang progresibong tao sa kanyang panahon" ( , 2, 77 ).

Sa anumang kaso, ang mga pagtutol ng may-akda ng musika sa direktor ng imperyal na mga sinehan, na nilayon na ilipat ang aksyon sa ika-17 siglo sa panahon ng malaking pag-renew ng The Demon noong 1884, ay nakakumbinsi. Nagtalo si Rubinstein na, sa isang banda, "Ang Demonyo" ay kabilang sa lahat ng mga kapanahunan, lahat ng mga lupain", at sa kabilang banda, "kung pinili ni Lermontov ang Caucasus para sa kanyang tula, ito ay dahil ang Caucasus na nakita niya ay naakit siya sa kagandahan nito. at pagka-orihinal, at hindi ang Caucasus noong sinaunang panahon, na binasa niya mula sa mga libro "(, 61 ). Talagang sinubukan ng kompositor na pagsamahin ang isang pangunahing pilosopikal na plano (choral Prologue at Apotheosis, na nalutas sa isang oratorio vein, kung saan kumikilos ang mga puwersang transpersonal, kung saan nakikipagtalo ang Demonyo sa isang Anghel) at araw-araw, maging ang etnograpikong konkreto. At kung ang indibidwal na pagkahilig ni Rubinstein ay makikita sa pagpapakilala ng mga tampok ng oratorio, kung gayon ang mga "background" na sandali ay isang generic na tampok ng liriko na opera sa pangkalahatan. Gayunpaman, dapat aminin na hindi pilosopiya, hindi lalim ang pinakamalakas na bahagi ng "Demonyo", at higit sa lahat dahil, anuman ang isang interpretasyon ng balangkas o iba pa, wala sila sa musika mismo, tulad ng walang tunay na "demonismo" dito.

Ngunit may iba pa sa musika ng tunay na liriko na opera na ito na naging popular at minahal ng maraming henerasyon ng mga tagapakinig, at tungkol sa kung saan tumpak na sinabi ni Asafiev: "... ngayon ay malinaw na naririnig na ang opera na ito ni Rubinstein ay isa sa mga sensitibong mga gawa ng panahon sa nilalamang intonasyon nito. Maya-maya, ganoon din ang nangyari sa "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky ... "(, 362 ). At kung ang Demonyo ay itinuturing na hindi isang puwersa na katulad ni Satanas, Lucifer at laban sa Diyos, ngunit bilang isang liriko na bayani ng henerasyon, ito ay higit na nag-ambag sa pagpasok ng imahe ng entablado ng musika sa kamalayan ng mga kontemporaryo. Marahil ay hindi nagkataon na ang Demonyong ginanap ni P. A. Khokhlov (produksyon ng Moscow noong 1879) ay inihambing ng ilang mga kritiko sa liriko na bayani ng mga tula ng pinakasikat na makata noon na si S. Ya. Nadson - hindi mapakali, hindi nasisiyahan, nagsusumikap para sa kaligayahan at hindi makamit ito. Siyempre, ang imahe ng Demonyo (at ang opera na "The Demon" sa kabuuan) ay hindi masusukat na mas malaki kaysa sa liriko na bayani (at lahat ng mga liriko) ni Nadson, ngunit ang juxtaposition mismo, na lumitaw sa panahong iyon, ay katangian.

"Kami, mga mag-aaral," ay nagpapatotoo sa artist na si K. A. Korovin, "paminsan-minsan ay pumunta sa Bolshoi Theater, sa gallery, upang makinig sa opera, at lahat ay kumanta, ginagaya si Khokhlov," The Demon "" (, 549 ). Ang pagkakakilanlan na ito ng tagapakinig sa bayani ng opera sa teatro ng opera ng Russia ay marahil ang unang pagkakataon - bago iyon, ang mga pag-iibigan ay inaawit nang ganoon. At hindi ba ang romance basis ng "The Demon" ang dahilan nito? Para sa mga susunod na henerasyon, ang Demonyo - F. I. Chaliapin ay naging isang idolo (noong 1904 ay pumasok siya sa dula, dalawang taon bago itinanghal kasama si I. V. Tartakov - ang Demon at N. N. Figner - Sinodal).

Ang nasabing bayani sa opera bilang ang Demon ay isang tunay na masining na pagtuklas. "Ito ang unang bayani ng opera ng Russia ng isang purong indibidwal na bodega, sa paglalarawan kung saan ang diin ay ganap sa pagsisiwalat ng panloob na espirituwal na mundo, at hindi sa sagisag ng karaniwang araw-araw, mga katangiang panlipunan o isang malawak at pangkalahatang ideyang katutubong-kasaysayan," isinulat ni Yu. V. Keldysh (, 78 ).

Ang "Demon" ni Rubinstein ay sumisipsip at sumasalamin sa maraming tampok na tipikal ng liriko na opera noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Nalalapat ito lalo na sa dramaturhiya. Ang kasaganaan at pagkakaiba-iba ng mga eksenang masa na nauugnay sa pang-araw-araw na buhay, sa buhay; ang gitnang lugar ng mga liriko na eksena, at kabilang sa mga ito ang isang espesyal na isa - diyalogo; isang pag-alis mula sa mga saradong numero at isang tiyak na diskarte sa dramatikong teatro - ito ay, sa pinaka-pangkalahatang anyo, ang mga tampok ng dramaturgy na ito.

Bago ilarawan nang mas partikular ang mga istrukturang komposisyon ng opera, kinakailangang sagutin ang "fatal" na tanong para sa musikang Ruso noong 1960s-1980s (at kalaunan) tungkol sa saloobin ng kompositor kay Wagner. Sa madaling salita, hindi ito pinagkaiba ni Rubinstein mula sa karamihan ng iba pang mga domestic opera composers: siya ay labis na hindi sumasang-ayon, ngunit hindi niya iniwan ang epekto. Noong 1854, ipinaalam niya sa kanyang kaibigan na si M. Fredro na siya ay ganap na salungat kay Liszt "sa mga pangunahing punto ng kanyang mga pananaw sa musika, na binubuo sa katotohanan na nakikita niya kay Wagner ang isang propeta ng hinaharap sa opera ... "(, 54 ). Hindi malamang na sa oras na iyon ang batang musikero ay sapat na alam ang musika ng repormador ng Aleman. Ngunit kahit na sa kanyang pagbagsak ng mga taon, sa "Pag-uusap tungkol sa Musika" ("Music and Its Masters"), hindi nakipagkasundo si Rubinstein sa teorya o sa artistikong legacy ni Wagner. Karamihan sa mga sinabi sa mga pahinang ito ay tumutugma sa mga paghatol nina Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Taneyev na alam na natin ngayon tungkol sa mga balangkas ng Wagnerian kung saan walang sangkatauhan, mga bayani na "lumakad sa mga cothurns" at iniiwan silang walang malasakit, isang orkestra na ay "masyadong maganda", atbp. e. Ang konklusyon, gayunpaman, ay medyo maingat: "Si Wagner ay lumilikha ng isang bagong uri ng sining - isang musikal na drama. Kung may pangangailangan para dito at kung ito ay may mga gawa ng sigla - ang oras ay sabihin" (, 146 ).

Ngunit, salungat sa mga pahayag, ang komposisyon ng "Demonyo" ay tipikal ng post-Wagnerian opera. Sa pagkakaroon ng mga numero, ang mga eksena ng isang through structure ay nakakakuha ng mapagpasyang kahalagahan. Ang paglabo ng komposisyon ng numero ay pinadali ng pamamayani ng maliliit na arioso (halimbawa, sa buong bahagi ng Demonyo). Kahit na ang mga natapos na numero ay (at nakikita) bilang isang mahalagang bahagi ng eksena.

Ang isa pang proseso na tumatakbo nang magkatulad at humahantong din sa pag-aalis ng "monopolyo ng numero" ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang bagong relasyon sa pagitan ng recitative at aria. Sa pangkalahatan, ang operatic recitative ay ang mahinang punto ni Rubinstein, na patuloy na binibigyang pansin ng mga kritiko. Maging si Laroche, na sa pangkalahatan ay lubos na pinahahalagahan ang "Demonyo", si Laroche, na hindi makatiis kay Wagner, ay pinilit pa ring aminin (nakipag-ugnay dito sa kanyang antipode - Cui) ang mababang pagpapahayag ng mga recitatives ni Rubinstein. Ngunit, kung pag-uusapan natin ang tungkol sa kalakaran, ang recitative sa "Demonyo" ay inaawit sa pinakamataas, kung minsan ay halos nagiging isang arioso (ito ay pinaka-nagpapahayag at maliwanag sa pangunahing bahagi). Halimbawa, ang linya ng Messenger, na nag-uulat ng pagpatay kay Sinodal, ay kulang lamang ng isang kadenza upang maging isang kumpletong panahon. Ang colloquial function call ni Tamara: "My prince, wake up" ay isang closed structure. Ang mga "opisyal" na pag-uusap na dating nagaganap sa loob ng balangkas ng recitative, sa anumang kaso - mga pagbigkas, ay nagiging isang himig. Sa kabilang banda, ang mga recitative fragment ay tumagos sa loob ng numero. Ang pag-iibigan ng Demonyo na "On the Ocean of the Air" ay tila isang pamilyar na "numero", ngunit ang sinabi ni Tamara na "Sino ka? Ang aking tagabantay ba ay ..." ay nagtagumpay sa dating interpretasyon nito, na kasama ang posibilidad na kantahin ito nang hiwalay. (Siyempre, ang pagtatanghal ng konsiyerto ay ginagawa pa rin, ngunit nangangailangan ng pakikibagay.) Isa pang romansa (arioso) - "Huwag kang umiyak, anak" - ang Demonyo ay kumakanta hindi solo, ngunit kasama ang Yaya, ang Sugo, Gudal, ang Lingkod at ang koro; ang ensemble na ito (kasama si Tamara) ay tumutunog nang medyo matagal, pababa sa ppp, kapag - alinman sa nakapatong dito, o pinuputol ito, ang boses ng Demonyo ay lumilitaw sa likod ng mga eksena. Ang isang kahanga-hangang paghahanap sa entablado, na pinayaman ng katotohanan na si Tamara, na dating lumahok sa ensemble, narito ang isa lamang sa lahat na tumahimik - nakikinig siya. Maraming mga ganitong sikolohikal na solusyon na ipinahayag sa pamamagitan ng musika sa opera. Kaya, ang pag-iibigan na ito ay hindi rin isang "numero". Ang pagpapakilala ng diyalogo sa "dating" vocal number ay nagiging regularidad, na maaaring masubaybayan hanggang sa, halimbawa, sa mga opera ni Prokofiev.

Tinatanggihan ang "dalisay" na may bilang na istraktura, ang kompositor ay bumubuo ng mga malalaking istruktura ayon sa mga batas sa musika. Ang pagkakaroon ng arisen sa panahon ni Rubinstein at ipinakita sa kanyang operatic na wika, ang ugali na ito ay malinaw na ipahayag ang sarili sa maraming mga opera ng ika-20 siglo. Ito ang mga paraan ng paglikha ng pagkakaisa ng komposisyon, na nasubok na sa instrumental na musika, bilang mga pampakay na koneksyon at mga plano ng tonal. Halimbawa, ang pangalawang larawan ng "Demonyo" (Coast of the Aragva: choir of girls and the scene of Tamara) sa kabuuan ay may tonal-thematic arch at isang malinaw na tatlong bahagi ( Es major; muling pagbabalik mula sa Moderato Assai), pati na rin ang isang slender tonal plan: Es - Ges - D - (B) - Es. Ang kompositor ay malinaw na nag-iisip dito sa mga tuntunin ng sukat ng entablado. Ngunit ang buong pangalawang kilos ("Sa Kastilyo") ay nagpapakita ng ebolusyon ng mga operatikong anyo patungo sa mga binuong istruktura. Ang malaking interlude ng orkestra (204 na mga hakbang, at ang Panimula - ang Prologue sa opera - 86) ay naglalaman ng isang tema na pagkatapos ay lilitaw nang dalawang beses pa sa panahon ng pagkilos, at sa mga pinaka-dramatikong sandali: pagkatapos ng anunsyo ng pagkamatay ng lalaking ikakasal ( Moderato assai, 2/4, d-moll) at pagkatapos, kapag ang bangkay ng prinsipe ay dinala (dito, tulad ng sa Intermission, - c-moll); ang pagkakaroon ng isang tonality ng buong aksyon ( s - s) ay mga palatandaan ng kalakaran na ito. Sa ika-anim na eksena, simula sa paglitaw ng Demonyo pagkatapos ng arioso ni Tamara na "The Night is Quiet" at sa buong malaking sentral na eksena, isang maayos na tonal na plano ang natanto, na nakapaloob sa isang frame. cis - Des, at sa loob nito na naglalaman, kung kukuha tayo ng malalaking bahagi, E - cis - C - Bilang. Ang buong opera ay may simula at wakas d-F. Ang mas malalaking paghahambing ng Tertz ay paulit-ulit na lumitaw D(d) - B(b)– halimbawa, sa Prolog ( D-b sa unang pagpasok ng Demonyo) o sa ikalimang eksena ( d-b bago "Tulog ang tirahan"); madalas na paglilipat E(e) - C.

Ang isa pang tanda ng ebolusyon ay lilitaw (muli sa isang paraan na katangian ng panahon ng post-Wagner) sa ratio ng mga vocal at orchestral na lugar. Kadalasan ay kumikilos sila "sa isang pantay na katayuan": ang tema-melody sa pangunahing anyo nito ay pumasa sa orkestra, at ang tinig kung minsan ay duplicate ito, kung minsan ay umaalis mula dito (tulad, halimbawa, sa nabanggit na eksena ng Demonyo at Tamara, isang fragment na nagsisimula sa mga salitang "Ikaw ay mabuti sa akin at langit na maaari kong ibalik ... "). Sa ibang mga kaso, ang tema mula sa vocal na bahagi ay napupunta sa orkestra, na iniiwan ang boses sa background ayon sa tema (sa parehong eksena sa karagdagang: "Ano ang isang kuwento ng masakit na pag-agaw"). Katulad nito, sa ika-apat na eksena, "Ang gabi lamang ang takip nito," ang temang "Sa maaliwalas na karagatan" ay ginagampanan ng mga kuwerdas, habang ang isang malawak na pag-unlad ng orkestra ng mga temang romansa, tipikal ng Rubinstein, ay nagaganap. Lumilikha ito ng aktibong diyalogo na naging katangian ni Tchaikovsky sa kalaunan. Napakahalaga na ang mga istruktura ng instrumental na musika ay lumitaw sa orkestra. Kadalasan, lumilitaw ang isang malayang umaagos na recitative o dialogue ng mga character laban sa kanilang background (halimbawa, isang dalawang bahagi na anyo ng isang orkestra na pagpapakilala, na inuulit sa isang pagkakaiba-iba sa simula ng ikatlong eksena).

Ang pinakamahalagang tampok at pakinabang ng "Demonyo" ay nakapaloob sa intonational sphere. Malamang na walang mga leitmotif na tulad nito sa opera, bagaman ang dalawang tema na paulit-ulit na lumilitaw ay nauugnay sa globo ng Demonyo: ang aktibong triplet na tema ng orkestra na Panimula ay madilim, nagbabala, sa pinangyarihan ng labanan, sa oras ng kamatayan. ng Sinodal, at ang afirmative, halos himno, vocal sa sarili nitong paraan.kalikasan, isang himig na nauugnay sa mga salitang "At ikaw ang magiging reyna ng mundo" (halimbawa 1,). Maraming mga eksena ng ikalawa at pangatlong mga painting na nauugnay sa linya ng Tamara-Sinodal ay pinagsama-sama ng isang karaniwang inisyal at iba pang mga intonasyon (halimbawa 3 a, b). Sa sikolohikal, ang kompositor ay gumagamit ng mga alaala sa mga vocal na tema ng Demon sa orkestra, na lumilikha ng isang "presence effect".

Ngunit una sa lahat, ang tunog ng mundo ng opera ay dapat na katangian bilang pagmamahalan. Ang isang karaniwang intonational na kapaligiran ay nilikha, at pagkatapos ay kahit na walang direktang pag-uulit ng mga tema, na parang "mga kristal" ng komunidad ay "nahuhulog". Kadalasan, ito ay tumutukoy sa romansa - melodiko at genre - kalikasan ng mga bahagi ng boses: Ang mga arioso ng demonyo ay direktang tinatawag na romansa, habang ang romansa ay, sa esensya, ang arioso ni Tamara na "Tahimik na Gabi". Ngunit ang instrumental na bahagi ng opera ay higit na nakabatay sa parehong melodic, harmonic at textural na solusyon. Ang isang halimbawa ay isang fragment mula sa panimula ng orkestra hanggang sa ikalimang eksena (halimbawa 4).

Si Barenboim, sa kanyang monograpiya, ay napakatumpak na itinuro na ang "sex-ness" - ang pag-aari ng melody, na inihayag ni Asafiev at pagkatapos niya ni Mazel sa materyal ng musika ni Tchaikovsky, ay naging "sa "The Demon" na isa sa mga mahalagang pundasyon ng melodic na pagkakaisa ng isang pangunahing musikal at dramatikong gawain" (, vol. 2, 84 ; Tingnan din ). Ito ay tumutukoy sa isang hexachord mula sa V hanggang III na mga hakbang, ang klasikong halimbawa kung saan ay "Ano ang inihahanda para sa akin sa darating na araw" sa Onegin. Mayroong hindi mabilang na mga halimbawa ng "leitingtonation" na ito ng opera, magbibigay lamang kami ng ilan, na nagsasaad ng mga sitwasyon sa entablado: Tamara sa isang masayang pag-asam ng isang pulong sa Synodal (pangalawang eksena, halimbawa 5 a), sa isang patay na lalaking ikakasal (ika-apat eksena, halimbawa 5 b), sa isang selda na may Demonyo (ika-anim na larawan, halimbawa 5 c), pagluwalhati sa nobya (ika-apat na larawan, saliw ng orkestra ng koro, halimbawa 5 d); farewell duet nina Gudal at Tamara (ikaapat na eksena, halimbawa 5 e); ang unang pag-iibigan ng Demonyo (ikaapat na eksena, halimbawa 5 e).

Ang isa pang katangian ng intonasyon ay nauugnay sa interpretasyon ng pagitan ng isang pinababang ikaapat (halimbawa 6 a, b).

Si Tchaikovsky, na nasa St. Petersburg sa premiere, sa Moscow - sa mga pagtatanghal noong 1883 at 1886, sa Kyiv - noong 1890, ay umamin na siya ay "pinag-aralan nang mabuti ang Demon." Binigyang-diin niya ang tungkol sa opera: "may mga magagandang bagay sa The Demon, ngunit mayroon ding maraming ballast" (, 372 ). Sa bandang huli sa talaarawan: "Itinuturing kong ang opera na ito ang pinakamahusay sa Rubinstein's" ( , 132 ). Noong 1892, isinagawa ni Tchaikovsky ang The Demon sa Opera Association ng I. P. Pryanishnikov. Maraming mga tampok ng dramaturhiya at wika ng opera na ito, na lubos na kilala ni Pyotr Ilyich, ay binuo pareho sa Onegin at sa The Queen of Spades. mga obra maestra sa pinaka-pangkalahatang kahulugan, bilang karagdagan sa intonational na kapaligiran ng lahat ng mga opera sa itaas, ito ay kinakailangan upang ituro ang mas tiyak na mga tampok at pamamaraan.Siyempre, ang mga immanent na batas ay nagpapatakbo sa makasaysayang ebolusyon ng genre.At kung ang pangangalaga ng isang solong tonality sa ikaapat na eksena ng Queen of Spades ay malamang na independiyenteng pagpapakita ng isang tiyak at malakas na pagkahilig, kung gayon sa ibang mga kaso posible na magtatag ng isang mapapatunayang pagpapatuloy. Kaya, ang larawang "Summer Garden" sa "The Queen of Spades" sa maraming aspeto ay kahawig ng pangalawang larawan ng "The Demon": pagkatapos ng koro, pagkatapos ng mood ng kawalang-ingat - isang matalim na banggaan, contrasting juxtaposition, Tamara ay "nakakatakot" tulad ni Lisa, at ang Demonyo, tulad ni Herman, ay namangha. ang cell (ang ikaanim na larawan ng "Demon") ay dapat na espesyal na nabanggit sa ganitong kahulugan. Mula sa punto ng view ng wika, nagpapahayag na paraan, ang simula nito ay isang direktang pag-asa sa mga panimulang seksyon ni Tchaikovsky (halimbawa 7). Arioso (romance) "The Night is Quiet" at ayon sa sitwasyon (ang pag-asa ng isang demonyong bayani na tumama sa imahinasyon), at maging ayon sa teksto ng libretto ("gabi"), at ayon sa mga ikatlo na pumipintig sa ang orkestra ay "humahantong" sa entablado nina Liza at Herman, sa arioso "Nasaan ang mga luhang ito", sa iba pang mga kaganapan sa tagpong ito: "Ako ang nakinig" - "Patawarin mo ako, makalangit na nilalang", "Oh. , makinig ka dahil sa panghihinayang" (Demonyo), "Iwan mo ako ...", "Please, umalis ka na!" (Tamara)... Dito tama lang na aminin na si Modest Tchaikovsky, ang librettist ng The Queen of Spades, ay hindi nakaligtas sa impluwensya ng pinakamahusay na opera ni Rubinstein. Sa isang pagkakataon, pinag-aralan ni M. I. Tchaikovsky ang The Demon nang detalyado at naglathala ng isang artikulo tungkol sa unang pagganap.

Ang isang uri ng sphere ng musical stage, vocal at symphonic creativity ng Rubinstein ay mga sagradong opera at oratorio. Sa kasong ito, dapat isaalang-alang ang mga genre na ito nang magkasama. Ang may-akda mismo ay hindi palaging nakikilala sa pagitan nila. Sa "Autobiographical Stories" tinawag niya ang "Paradise Lost" at "Babylon Pandemic" sa isang parirala alinman sa mga spiritual opera o oratorio (, 97 ). Ang nag-iisang "pure" oratorio - "Paradise Lost" - sa paglipas ng panahon, ay ginawang muli (binawasan) para sa entablado. Ang kompositor ay nagtrabaho sa genre ng espirituwal na opera mula sa murang edad hanggang sa katapusan ng kanyang buhay: Paradise Lost (1856), Christ (1893), at sa pagitan nila - The Babylonian Pandemic (1869), Shulamit (Shulamith, 1883) at " Moses" (1891).

Ang sagradong opera ay isang hindi pangkaraniwang at malamang na hindi organikong genre para sa musikang Ruso. Gayunpaman, si Rubinstein ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa espirituwal na opera - praktikal at teoretikal, at imposibleng balewalain ang mga gawang ito. Ang talambuhay ng musikero ay walang pag-aalinlangan na ang mga paunang impulses ay konektado sa gawain at ang pangangailangang itatag ang kanyang pangalan sa kulturang musikal ng Kanlurang Europa, pati na rin sa impluwensya ni Mendelssohn at lalo na si Liszt. Noong 1854, si Rubinstein, pagkatapos makipag-usap kay Liszt sa Weimar, ay sinamahan ang huli sa isang paglalakbay sa Halle, kung saan ginanap ang isang serye ng mga choral concert. Di-nagtagal, ang parehong musikero ay pumunta sa Netherlands, kung saan nakinig sila sa mga oratorio nina Handel at Haydn. Nakilala rin ni Anton Grigoryevich ang mga obra maestra ng pagpipinta; Ang "Descent from the Cross" ni Rubens ay gumawa ng isang mahusay na impresyon sa kanya. Sa pakikipagsulatan kay Liszt, lumitaw ang tema ng unang oratorio ni Rubinstein. Si Liszt, na lumikha ng kanyang mga oratorio noong 1860s at 70s, ay aktibong sumuporta sa mga intensyon ng kanyang kaibigang Ruso. “Nakuha mo na ba ang Paradise Lost? Naniniwala ako na ito ang magiging gawaing pinaka may kakayahang manalo sa kaluwalhatian ng kompositor," nabasa namin sa isang liham na may petsang Hunyo 3, 1855 (). Noong Hulyo 7, 1855, ipinaalam ni Anton Grigorievich kay Liszt sa Weimar: “Ipapadala ko sa iyo ang unang bahagi ng Paradise Lost in clavieraustug kapag natapos ko ito; mabait na ibalik ito kasama ng iyong mga pahayag, dahil sa palagay ko ang gawaing ito ay magagawa lamang sa pamamagitan ng pagkonsulta sa mga taong pinakamalapit sa mga matataas na lugar na ito ”(, 71 ). Sa tag-araw ng sumunod na taon, si Rubinstein ay nagpunta sa Weimar partikular na upang ipaalam kay Liszt ang nakumpletong marka ng Paradise Lost. Ang oratorio ay ginanap na may malaking tagumpay sa ilalim ng baton ng Liszt noong Marso 1, 1858 sa parehong lugar.

Sa ilang mga pagbubukod (malakas ang loob, aktibong musikal na mga imahe ni Satanas at lalo na ang mga rebelde), ang musika ng oratorio ay hindi maliwanag o independiyente. Ang mga madaling mahulaan na tradisyon ay bumalik sa Handel at Mendelssohn. Gayunpaman, para sa talambuhay ng kompositor ng Rubinstein mayroong hindi bababa sa dalawang mahahalagang bagay. Una, ang pamilyar sa genre, na itinuturing niya, tulad ng nabanggit na, na napakahalaga, at, pangalawa, isang apela sa ideolohikal at makasagisag na globo at maging ang balangkas, na sa kalaunan ay uulitin sa pinakamahusay na gawaing opera - "Ang Demonyo". Ang tula ni D. Milton ay binibigyang kahulugan ang mga biblikal na motif sa isang malupit na plano: Si Satanas (Lucifer) na naghimagsik laban sa Diyos ay ang kanyang pinakamatingkad at kaakit-akit na imahe.

Ngunit mali na isipin na si Rubinstein ay naudyukan na lumikha ng isang oratorio at kalaunan ay mga espiritwal na opera lamang sa pagnanais na bumuo ng musika na akma sa tradisyon ng Europa at madaling maitanghal sa anumang lungsod ng Aleman (na, nagkataon, nangyari: ang huling espirituwal na opera, "Christ", ay ginanap sa Berlin ilang sandali bago ang pagkamatay ng kompositor). Siya ay sinapian ng mga pag-iisip ng isang mataas na kaayusan. Simula noong 60s, pinangarap niyang isama ang mga pangkalahatang problema sa moral at etikal, mga plot, at mga imahe. At ang arena para sa aplikasyon ng mga ideyang ito ay ang musikal na teatro, bilang ang pinaka-demokratikong, kung saan makikita ng isa ang saloobin patungo sa genre ng opera na katangian ng Russia.

Ang isang purong personal na nuance na konektado sa mga plot at ideya ng "espirituwal na mga opera" ay kawili-wili din dito: ang ateismo ni Rubinstein. Sa "Kahon ng mga Kaisipan" ay makikita natin ang sumusunod na pagtatapat: "Ito ay isang pagkakamali na ipalagay na ang isang pintor ... ay dapat na isang mananampalataya at relihiyoso upang tama at mahusay na bumuo ng isang relihiyosong balangkas ... Ang kanyang relihiyon ay aesthetics, hindi ito nangangailangan ng anumang relihiyon ng simbahan mula sa artist, maaari siyang gumawa ng kanyang sariling mga imahe na mga banal. Hayaan itong magsilbing sagot sa mga nagtataka kung bakit, sa kabila ng aking hindi relihiyon, mas gusto kong magtrabaho sa mga espirituwal na paksa "(, 202–203 ). Ang katotohanan na ang opera, na palaging tinutugunan sa masa ng mga tagapakinig, ay dapat na batay sa makabuluhang mga ideya, ang kompositor ay nagsabi sa ibang lugar: "Ang folk ay isang napakalaking salita. Ano ang ibig sabihin ng folk? Isang folk theater kung saan ang mga hangal na kuwento ay ibinigay? ito ... Shakespeare's, Goethe's plays ay dapat na ibinigay sa katutubong teatro! 104 ).

Ang mga saloobin sa paglikha ng isang espesyal na teatro, na nagmamay-ari nito mula sa kanyang kabataan, pormal na ginawa ni Rubinstein noong unang bahagi ng 1880s. Ang kanyang artikulo ay nai-publish sa anyo ng isang liham kay Joseph Levinsky (pagsasalin sa Russian:, 27–34 ). Sa loob nito, isinulat ng kompositor na siya ay palaging nabigo sa static na kalikasan ng mga oratorio, ang kontradiksyon sa pagitan ng drama ng mga plot at ang kanilang sagisag sa entablado ng konsiyerto. Ang kabanalan ng mga kuwento sa Bibliya, mula sa kanyang pananaw, ay hindi maaaring maging hadlang sa pagtatanghal sa entablado, at ang mga gawa ni Bach, Handel o Mendelssohn ay dapat na makinabang nang malaki kapag inilipat sa teatro. Kasabay nito, iginiit ng may-akda na siya ay hinihimok lamang ng mga pagsasaalang-alang ng kasiningan, at sa anumang paraan ay hindi "pagpapanatili ng mga interes, layunin at layunin ng simbahan."

Nagustuhan ni Rubinstein na magtrabaho sa genre ng espirituwal na opera dahil ang huli ay tumutugma sa kanyang pagkahilig sa mga monumental na anyo at kahanga-hangang musika. Noong 1869, sa gitna ng isang hindi pangkaraniwang matagumpay na paglilibot sa Europa, pinangarap niyang umalis sa entablado ng konsiyerto, nakaramdam ng kalungkutan dahil sa imposibilidad ng pagsuko sa komposisyon, at ang kanyang mga iniisip ay partikular na bumaling sa sagradong opera. Lumilikha siya ng "Babylonian pandemonium". Weimar Duke Karl-Alexander, sa kanyang mga unang taon na umakit kay Goethe na magtrabaho, sa pagliko ng 70s at 80s ay nais na iwanan ang isang musikero ng Russia sa korte sa Weimar at tumugon nang may simpatiya sa "plano para sa pag-aayos ng isang espirituwal na teatro ng opera" . Ang "Sulamit" ay lumitaw din Laban sa background ng pinaka-aktibong aktibidad ng konsiyerto, pianistic at conductor, na nagpabigat kay Rubinstein. Ang may-akda ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa mga gawaing ito, at sa kanyang mga humihinang taon na tinawag na "Moises" "ang pinaka-kapansin-pansin" sa kanyang mga gawa. Ito ay kagiliw-giliw na ang genre na ito ng pagkamalikhain ni Rubinstein ay kalaunan ay pinili ng kritiko ng musika, aesthetician, kompositor na si A.P. Koptyaev: "Ang mga espirituwal na opera ay ang pinakamahusay sa nilikha ng aming artist" ( , 225 ). Isinasaalang-alang ni Koptyaev ang ilang mga uso na lumitaw sa pagliko ng siglo at tinasa ang artistikong intensyon ni Rubinstein bilang nangangako: "ang kanyang ideya ay ganap na napaaga", siya ay "isang pioneer ng isang bagong negosyo" ( , 210 ). Sa katunayan, ang pagpapakilala - sa isang bagong makasaysayang turn - ng mga biblikal na kuwento sa European opera, ang pagtagos ng oratorio dito ay hindi malayo.

Mula sa isang masining, mahigpit na musikal na pananaw, ang mga sagradong opera ni Rubinstein ay hindi masyadong interesado. Ang mga ito, tulad ng nabanggit na, ay nakasulat sa mga tradisyon ng Handel at higit pa - Mendelssohn. Ang mga koro ang pinakamatagumpay sa kanila. Sa "Babylonian Pandemonium" ang pinakamahusay na mga pahina ay tiyak na mga choral, na naglalarawan ng mga pagtatalo, pag-aaway ng mga tao, mga anghel at mga demonyo (ang ganitong motif ay lilitaw din sa "Demonyo", at ang imahe ng rebeldeng Nimrod, tulad ng naunang Lucifer. mula sa "Paradise Lost", inaasahan katangian ng karakter ang pangunahing tauhan ng pinakamahusay na opera ni Rubinstein) Ang mga declamatory fragment kung saan nagaganap ang aksyon ay sobrang static, at, tila, hindi mababago ng pagsasakatuparan sa entablado ang impresyong ito. Sa opera na "Sulamit" ang proporsyon ng mga koro ay mas maliit, ang bilang ng mga ensemble ay tumaas; alinsunod sa balangkas, ang liriko na stream ay karaniwang malakas. Napakaganda ng kanta ng Pastol (2nd scene, Es-dur). Naalala ng mga kontemporaryo ang kahanga-hangang pagganap ng bahaging ito ni IV Ershov. Sa "Kristo" ay kapansin-pansin din ang lyricalization ng mito, ang pangunahing karakter ay nailalarawan sa pamamagitan ng malambot, emosyonal na musika. Tulad ng iba pang "anti-Wagnerians" ng Russia, hindi nakatakas si Rubinstein sa malakas na impluwensya ng German reformer sa kanyang mga sagradong opera at, marahil, sa genre na ito na hinahangad niya ang pagsalungat sa kanya (ang papel ng koro, ang saloobin patungo sa orkestra, atbp.).

Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay ay ang genre na "Western" sa simula, tema at tampok nito ay binigyang-kahulugan ni Rubinstein bilang isang uri ng sangay ng "Musikang Ruso tungkol sa Silangan". Bilang halimbawa, sumangguni tayo sa tatlong "silangang" koro ng tatlong tribo - ang mga inapo ni Shem, Ham at Japheth sa "Babylonian Pandemonium". Ang koro ng mga inapo ni Sim ay masyadong nagpapahayag sa isang dobleng harmonic mode laban sa background ng isang ostinato bass (halimbawa 8). Sa kasukdulan ng koro na ito ay isang malakas na pagkakaisa ng matataas na boses at ng orkestra (halimbawa 9). Sa musikang ito, malinaw na maririnig ang isang Jewish accent (sa kalaunan, ang Rich Jew ni Mussorgsky mula sa Pictures at an Exhibition ay magsasalita sa parehong mode at gayundin sa isang octave).

Tungkol sa kasunod na koro ng mga inapo ni Ham, isinulat ng isa sa mga kritiko ng Viennese na ang himig nito ay tumunog sa mga lansangan ng Cairo (ang paghatol na ito ay ibinigay ni Barenboim). Ngunit walang alinlangan ang malinaw na koneksyon nito sa pang-araw-araw na musikang sayaw ng mga Hudyo - dito maipapakita ang hindi tuwirang karanasan ni Anton Grigoryevich na parang bata - isang lugar sa Bessarabian, na ang mga himig ay naaalala at tinugtog ng kanyang ina.

Ang isa sa mga melodies na ito, na ginamit sa opera Maccabees, ay kilala sa amin mula sa mga tagubilin ng mismong kompositor (sa isang liham, halimbawa 10).

Sa koro ng Japhetides, isang tune ng Caucasian na pinagmulan ang tunog - ang parehong ginamit ni Glinka sa unang (Turkish) na numero ng dance suite mula sa "Ruslan at Lyudmila".

Ang mga koro ng "Babylonian Pandemonium" ay palaging pumukaw sa paghanga ng mga kritiko at ng publiko. Si Tchaikovsky, na tumugon sa pagganap ng mga sipi mula sa oratorio sa Moscow, ay nagsabi: "Ang koro ng mga Semites ay lalong mabuti, lahat ay puno ng isang meloncholic-tender na mood na katangian ng mga melodies ng tribong ito. , lumulubog nang malalim sa kaluluwa ng mga tagapakinig"(, 39 ). Noong 1889 - sa anibersaryo ng konsiyerto ng Rubinstein sa St. Petersburg - ang mga koro mula sa oratorio na ito ay isinagawa ni Pyotr Ilyich; sa kanyang personal na aklatan sa Klin, isang edisyon ng marka, na may tuldok na mga tala na likas sa isang konduktor, ay napanatili. Ang Babylonian Pandemonium ay lubos na pinahahalagahan ng mga musikero sa Kanluran - Liszt, Hanslick, mga kolumnista para sa mga pahayagan ng Viennese.

Sa Moses, marahil ang pinakanagpapahayag na bilang ay ang engrandeng koro ng makalangit na puwersa na nagtatapos sa ikatlong larawan. Ito ay pinangungunahan ng isang nagpapahayag at angkop na ipinakilalang tunog ng organ bilang isang saliw sa bahagi ng Tinig ng Diyos.

Sa "Moses", sa "Babylonian Pandemonium" madalas mayroong mga sandali ng sound-picture (tulad ng nangyari kay Handel, gayundin kay Taneyev). Ito ay isang uri ng sphere ng programming ni Rubinstein. Mula sa pananaw ng musikal na dramaturhiya, isang tampok ng mga opera-oratorio na ito (at ang sekular na opera na Maccabee na nasa tabi nila), gaya ng ipinahiwatig, ay ang hindi nagmamadaling pag-unlad ng mga kaganapang pangmusika ng plot, na sinamahan ng maikli, maliwanag, mabisang mga kasukdulan.

Ang mga "espirituwal na opera" ni Rubinstein (sa anyo ng mga oratorio, sa entablado ng konsiyerto) ay madalas na ginanap sa Russia at sa ibang bansa, at kasama sa "pondo" ng tunog ng musikang Ruso.

Ang instrumental na legacy ni Rubinstein, sa mas malaking lawak kaysa sa operatiko, ay kailangang tingnan "mula sa loob" ng panahon nito; marami sa loob nito, nang hindi nagpapakita o nawala ang artistikong kaugnayan nito, ay nagpapanatili ng sarili nitong mga makasaysayang merito.

Noong 1960s at 1970s, sa kauna-unahang pagkakataon sa musikang Ruso, ang mga instrumental na genre ay nagsimulang maglaro ng isang kilalang papel. Hindi pa kailanman naipahayag ang "mundo ng kompositor" sa buong lawak sa symphonic, chamber-ensemble o piano music. Maraming mga genre ang hindi umiiral sa lupa ng Russia. Ang mahaba at kumplikadong proseso ng kanilang asimilasyon ay nagpapakita ng parehong orihinal na genetic alienness at ang makasaysayang hindi maiiwasan at pagiging mabunga ng kanilang pagpapakilala at pag-unlad. At pagkatapos nito, ang pinakamahalagang tanong ay lumitaw tungkol sa organikong pakikipag-ugnayan sa mga pangunahing tampok ng pambansang pag-iisip ng musikal - isinasaalang-alang ang ebolusyon nito - at tungkol sa mga aesthetic na merito ng mga gawa. Sa lugar na ito, ang kakaibang gawaing pang-edukasyon ng pagkamalikhain ng kompositor ni Rubinstein ay pinakamalinaw na inihayag.

Muli nating bigyang pansin ang katotohanan na ang napakalaking awtoridad ni Rubinstein, na nabuo salamat sa kanyang pagganap at mga aktibidad sa musika at organisasyon, ay makabuluhang nakaimpluwensya sa dami ng bahagi ng pagganap ng kanyang musika, pati na rin ang pang-unawa at pagsusuri ng mga kontemporaryo. . Nagdulot din ito ng matinding pagsalungat, ngunit sa isang paraan o iba pa, ang kanyang mga isinulat ay hindi napapansin. Anuman ang mga ito o iba pang mga multi-movement symphony, sonata o concerto ng Rubinstein, sila sa anumang kaso ay bumuo ng isang ideya ng pagkakaroon (posibilidad, pangangailangan) ng isang Russian symphony, Russian sonata o Russian concerto. Sa napakalaking paghihirap na naranasan ni Glinka sa kanyang mga mature na taon upang lumikha ng isang paikot na symphony - at hindi madaig ang pakiramdam ng hindi organikong koneksyon sa pagitan ng pambansang tema at magtrabaho sa mga modelong "German". Mahigit isang dekada na ang lumipas, at natural na para kay Tchaikovsky, na nagsisimula sa kanyang karera sa pag-compose, na magsulat kaagad ng isang tunay na Russian symphony pagkatapos ng kanyang pag-aaral kay Rubinstein. Kabilang sa mga kadahilanan na humantong sa paglitaw ng Unang Symphony ni Tchaikovsky ay hindi lamang ang pag-unlad ng musika sa Kanlurang Europa, hindi lamang ang pag-aaral sa konserbatoryo, kundi pati na rin ang pagkakaroon ng tatlong Rubinstein symphony sa panahong iyon. Bagaman kahit ngayon sa panitikan ay may mga paghatol na ayon sa pagkakasunud-sunod ng pinakamaagang halimbawa ng isang Russian symphony ay Op. 1 Rimsky-Korsakov, hindi ito totoo: Si Rimsky-Korsakov mismo ay pinabulaanan ang naturang pahayag. "Bakit mo tinawag ang symphony na ito na unang Ruso? Ngunit nakalimutan mo na ba ang "Ocean" ni Rubinstein at ang kanyang iba pang mga symphony ... ”, tumutol siya kay Cui noong Disyembre 1863 bilang tugon sa isang liham mula sa huli ( , 253 ).

Siyempre, mauunawaan ng isa ang pinagmulan ng gayong mga pagkakaiba: Ang Unang Symphony ni Rubinstein, na isinulat noong 1850, ay talagang hindi "Russian"; hindi niya nagustuhan ang trabaho sa mga modelong "Aleman", bukod dito, itinuturing niyang kailangan ang gawaing ito, hindi maiiwasan sa kasaysayan. Ang mga pagmumuni-muni ni Alschwang sa mga sosyo-sikolohikal na katwiran para sa paglitaw ng mga symphony sa Russia ay tila napakalalim, na nagpapakita kung paano "nagtutugma" ang malikhaing aktibidad ni Rubinstein sa mga gawain ng panahong iyon. Sinabi ng mananaliksik na ang genre ng cyclic symphony "ay nanatiling hindi nabuo sa Russia hanggang sa ang malawak na kilusang panlipunan noong 1950s at 1960s ay ginawa ang naturang pag-unlad na kailangan," ibig sabihin hindi lamang ang mga musical prerequisite na wasto, kundi pati na rin "ang pagpapalalim ng subjective-psychological na mundo. mga tagapakinig" ( , 74 ). "Maaaring tumutol," pagpapatuloy ni Alschwang, "na ang unang mga symphony ng Russia - ni A. Rubinstein (First Symphony, 1850), Tchaikovsky (First Symphony, 1866) at Rimsky-Korsakov (First Symphony, 1865) - ay ang resulta lamang. ng mga impluwensya sa Kanluran: isa sa mga kompositor na ito, natutunan niyang magsulat ng mga symphony habang naninirahan sa Alemanya, at itinuro ito sa isa pa sa conservatory, at ang pangatlo, nang hindi nag-aaral sa conservatory, ay naglaro ng sapat na mga klasikal na symphony sa kanyang kabataan at nagsimulang magsulat isang symphony mismo, na nagpapakilala doon, tulad ng isang musikero ng Russia, isang kanta ng Russia ... "(, 75 ). Ang pagtutol sa ganitong uri ng mga paghatol, ang may-akda ay gumuhit ng isang pagkakatulad sa mga proseso ng pampanitikan ng panahon at nagtapos: "Parehong ang symphony at ang sikolohikal na nobela ng 60s ay nagpapahayag ng kamalayan sa sarili ng indibidwal sa mahirap na mga kondisyon ng krisis ng buhay ng Russia" ( , 76 ).

Ang isang bagong kalidad ay ipinakita ng Rubinstein's Second Symphony "Ocean" (unang edisyon sa 4 na bahagi - 1851). Ito ay walang alinlangan na artistikong merito, ay patuloy na gumanap at nanalo ng pagkilala sa maraming mga bansa sa Europa at sa USA. Ito ay kilala na mahal siya ni Tchaikovsky (ibig sabihin, ang apat na bahagi na orihinal na bersyon). Hindi nawala ang pagiging bago ni Pyotr Ilyich sa kanya. Sa isang liham kay N. F. von Meck, na nangangatwiran na ang isang bago at magandang tema ay maaaring itayo "sa mga tala ng isang triad", itinuro niya ang mga tema mula sa mga opera nina Wagner at Verdi at nagpatuloy: "At napakagandang sariwang pag-iisip ng ang unang bahagi ng "Ocean" ni Rubinstein!" - at isinulat mula sa memorya ang tema ng pangunahing bahagi ( , 318 ). Sa isang kritikal na artikulo ng 1873, tinawag ni Tchaikovsky ang Ikalawang Symphony na pinakasukdulang punto ng aktibidad ng pagbubuo ni Rubinstein, isang gawa ng "masigla, bata, ngunit mahusay na itinatag na talento" ( , 108 ). Inilalarawan ang mga panlasa sa musika ni Hanslick, isinulat ni Laroche na ang Austrian musicologist ay maingat na sinusuri ang gawain ni Rubinstein sa pangkalahatan, ngunit "ito ay karagatan o hindi bababa sa unang bahagi nito, ginagawa niya ang buong hustisya" ( , 18 ). Sa kabilang banda, ang kaparehong "Kadagatan" ay paulit-ulit na hinatulan sa bilog ng mga musikero ng St. Petersburg - kapwa ni Serov at ng mga Balakirevites, at naging literal na isang byword, isang kasingkahulugan para sa routine, monotony, "wateriness".

Sina Serov (1859) at Borodin (1869) ay naglathala ng mga negatibong pagsusuri pagkatapos ng sunud-sunod na pagtatanghal ng symphony. Sa parehong taon, nang si Rimsky-Korsakov, na gumagawa ng isang paglalakbay sa dagat, ay tumutol kay Cui tungkol sa priyoridad sa paglikha ng isang symphony sa domestic na lupa at pinaalalahanan ang pagkakaroon ng "Ocean", sumulat din siya kay Balakirev na "ang bagyo ay mas masahol pa kaysa sa lahat ng Karagatan ng Grubinshtein" (, 48 ).

Ang Ikalawang Symphony ay ipinaglihi bilang isang gawain sa programa. Ang tema ng symphony, gaya ng iniulat mismo ng may-akda, ay ang tao at ang mga elemento, ang tagumpay ng kalooban ng tao; pagkonkreto ng programa ng unang bahagi, isinulat niya: "Ang buhay at paggalaw ng tubig at hangin, alon at hangin" (, v. 1, 133 – 134 ). Ang programa, tulad ng nakikita natin, ay napaka-pangkalahatan, bagaman maraming mga pahina ang nailalarawan, kung hindi sa pamamagitan ng direktang representasyon ng tunog, pagkatapos ay sa pamamagitan ng ilang uri ng landscape (sense of space, transfer of variability, atbp.). Sa bagay na ito, ang "Ocean" ay bumalik sa programmatic symphonism ni Mendelssohn. Ang mga pagkakatulad sa Mendelssohn ay matatagpuan din sa mga temang pangmusika.

Ayon sa isang bilang ng mga mahahalagang tampok, ang symphony ay kabilang sa tradisyon musikal na klasiko, at higit sa lahat - ang symphonism ni Beethoven. Sa pangkalahatang mga termino, ito ay ipinahayag sa affirmative na konsepto at ang susi C na nauugnay dito (sa ibang pagkakataon, parehong lilitaw sa Taneyev's Fourth Symphony); sa saklaw at kabuluhan ng sonata allegro ng unang kilusan at ang mga intonasyonal na koneksyon dito ng scherzo, finale, at bahagyang Andante; sa makabuluhang gawaing pampakay at ang pagpapakilala ng pag-unlad sa iba pang mga seksyon; sa binibigkas na karakter ng genre ng scherzo; sa interpretasyon ng mga indibidwal na seksyon ng form (tatlong bahagi na istraktura ng pangunahing bahagi, dynamization ng reprises). Madaling makita na ang huling mga katangiang ito ay lilitaw din sa Tchaikovsky.

Tulad ng para sa intonational na nilalaman ng pampakay, dito pinagsasama ng kompositor ang dalawang magkakaibang mga layer sa loob ng balangkas ng isang kilusan. Ang tema ng pangunahing bahagi ay napaka "klasikal" (halimbawa 11). Ang pangalawang tema, tulad ng nabanggit na, ay nagmula sa Russian romance sphere (halimbawa 12). Sa pamamagitan ng paraan, pareho sa Una, maliit na independiyenteng symphony, at sa Pangatlo, ang mga tema ng mga gilid na bahagi ng Allegri ay may parehong karakter; ito ay kaya isang prinsipyo.

Ang mga pagkukulang ng "Ocean" ay tipikal ng mga gawa ng malaking anyo ni Rubinstein. Ang malaking sukat ng cycle ay walang sapat na "pagbibigay" sa musikal na nilalaman. Mayroong magagandang melodies (halimbawa, ang tema ng ikalawang bahagi), may mga segment ng matinding dramatikong pag-unlad, at hiwalay na mga diskarte sa pag-iwas. Kasama sa huli ang mga fanfares na pumuputol sa tela (bahaging nagkokonekta) - sila ay mapaalalahanan ng "fatal" fanfares ng Tchaikovsky's Fourth (halimbawa 13).

Ngunit mayroong maraming oras ng pagmamarka, pag-uulit, at sa pangwakas - ito ay mas mahina kaysa sa iba pang mga bahagi - ang affirmative end (kabilang ang Meno mosso epilogue) ay hindi kapani-paniwalang nakaunat, natunaw, nakakapagod sa "pangkalahatang mga anyo ng paggalaw". Ang improvisasyon at kadalian ng paglalahad ng mga musikal na kaisipan ay inorganically na pinagsama sa mga istruktura, una, sa halip ay mahigpit na itinakda, at pangalawa, masyadong monumental.

Kasabay ng klasikal na estilistang oryentasyon ng "Kadagatan", hindi maaaring sabihin na ang romantikong uri ng pagbigkas ay kapansin-pansin din sa gawaing ito - tiyak bilang isang pagnanais na magsalita nang buo, "ipaliwanag ang sarili."

Ang isang medyo malinaw na ebolusyon ay maaaring masubaybayan sa mga symphony ni Rubinstein. Isang sensitibong tagapakinig, isang walang kapagurang pianista at konduktor, marami siyang na-absorb na musika, ipinasa ito sa kanya. Walang alinlangan na, halimbawa, ang folk-song warehouse ng finale ng kanyang huling, Sixth Symphony (1886), at sa gayon ang konsepto ng cycle, ay hindi nanatili nang walang impluwensya ng Tchaikovsky's Fourth. Walang alinlangan, sa konteksto ng Russian symphony na umuunlad at nagbubunga ng pinakamayamang bunga sa simula ng 1880s, bagaman nahuhuli sa mga pinakamahusay na halimbawa nito sa lalim ng pag-unawa at pagmuni-muni ng mga pangunahing problema ng buhay ng isang Ruso, ang Nalikha din ang Fifth Symphony (1880). Ang tema ng tauhan ng awiting bayan ang batayan ng mga sukdulang bahagi nito. Sa una, ang pangunahin at gilid na mga bahagi ay ipinakita bilang mga tema at ang nagtatagal at sayaw na mga kanta ay nakikipag-ugnayan (mga halimbawa 14 a, b).

Sa pangkalahatan, ang ebolusyon ng mga symphony ni Rubinstein patungo sa romantikismo ay kapansin-pansin, na nagpakita na sa Ikaapat ("Dramatic"), na nilikha noong 1874 at ginanap noong 1875.

Ang dramatikong konsepto ng cycle, na mas subjective-lyrical na imahe, una sa lahat ay umaakit ng pansin. Pagkatapos ng tatlong major, ito ang una sa tatlong minor symphony ni Rubinstein. Ang mga pagsusumikap ng kompositor ay naglalayong makamit ang pagkakaisa ng cycle, at kasama ang mga aktwal na pampakay na koneksyon, ang papel ng intonational na koneksyon at pagbabago ay mahusay. Ang mga pinagmulan ng intonational na nilalaman ay matatagpuan sa medyo mahaba (26 na sukat) na panimula sa unang paggalaw, na maaari ding bigyang kahulugan bilang tumutukoy sa simponya sa kabuuan (halimbawa 15). Una sa lahat, mula dito - na parang sa anyo ng isang apela - ang unang tema ng Allegro ay ipinanganak, na sumasakop sa isang malaking lugar sa pag-unlad (halimbawa 16). Ang mismong tema ng pagpapakilala, na tumutunog din sa pag-unlad, ay lumilitaw din sa epilogue ng unang bahagi. Napaka-kahanga-hanga sa elaborasyon (letter K) ay ang contrapuntal na kumbinasyon ng introduction theme sa double magnification (kalahating tagal, trombones) at ang tema ng pangunahing bahagi sa dominanteng organ point. Ang "pagmula" ng thematism mula sa paunang materyal, ang sabay-sabay na tunog ng tema at ang pagbabago nito ay magiging katangian ni Taneyev sa kanyang Ika-apat na Symphony. At tulad ng mamaya sa Taneyev, isang bagong tema, na nagmula sa paunang isa, ay tumunog sa dulo ng cycle (mga titik C at D) (halimbawa 17).

Ang isa pang tema ng unang paggalaw, na may katangiang istraktura ng pagitan, ay malapit na kahawig ng g-moll fugue. Ito ay tunog ng muffled at madilim, at pagkatapos ay nagbabago sa paunang tema ng finale (halimbawa 18 a, b).

Ang pagbibigay-diin sa "hindi pangkaraniwang istraktura", ang pagbabago ni Tchaikovsky sa mga proseso ng paghubog ng Ika-apat na Symphony, N.V. Tumanina ay nagsasaad: "Ang pinaka-katangian na linya sa pagitan ng pag-unlad at muling pagbabalik para sa sonata form ay wala, mula noong simula ng muling pagbabalik at pagtatapos ng pag-unlad. tila nagsasama sa isa't isa sa sandali ng pinakamataas na rurok" ( , 459 ). Ang parehong "lumalagong pag-unlad sa isang reprise" ay makikilala rin ang unang bahagi ng Ikaanim, "Pathetic". Ngunit ang "pagpapataw" ng simula ng muling pagbabalik sa pinakamataas na punto ng pag-unlad ay natupad na ni Rubinstein sa unang bahagi ng Ika-apat na Symphony.

Kabalintunaan, ang naunang, mas "klasiko" na mga symphony ni Rubinstein ay palaging naglalaman ng thematicism na genetically na nauugnay sa pang-araw-araw na pag-iibigan, habang sa Ikaapat ay hindi. Ito ay kagiliw-giliw na ang Rubinstein cycle na ito, na tiyak na nabibilang sa isang malaking lawak ng musikal na romanticism ng Schumann type, ay nakita ni Tchaikovsky bilang dating pabalik sa yumaong Beethoven: "Ang estilo ng kanyang (Rubinstein. - L.K.) symphony ay medyo malapit. nauugnay sa mga gawa ng huling panahon ni Beethoven" ( , 251 ). Sa kanyang detalyadong pagsusuri, binanggit ni Tchaikovsky ang kasaganaan, ngunit hindi sapat na pag-unlad ng mga kaisipang pangmusika, ilang rhapsody ng unang kilusan, at lalo na itinatampok ang pangwakas, "kung saan ang parehong nangungunang mga tema ay nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang kagandahan, inspirasyon at apoy" ( , 251 ). Ang linya ng lyrical-dramatic imagery, na nakapaloob sa Fourth Symphony, ay ipinagpatuloy ng kompositor sa Sixth.

Ang isang paglalarawan ng symphonic na gawa ni Rubinstein ay hindi magiging kumpleto nang hindi binabanggit ang iba pang mga gawa para sa orkestra. Kabilang sa mga ito ang mga musical-characteristic na mga painting na "Ivan the Terrible" (1869) at "Don Quixote" (1870). Ang mismong katotohanan ng paglikha ng programa ay gumagana sa pagliko ng 1960s at 1970s ay muling nagpapakita ng mahusay na sensitivity ng kompositor sa mga hinihingi ng kulturang musikal ng Russia. Ito ay sa oras na ito na si Tchaikovsky, na sinenyasan ni Balakirev, ay sumulat ng kanyang overture-faetasia na "Romeo and Juliet" at ang tula na "Fatum", Mussorgsky - "Night on Bald Mountain", Balakirev ay nagsimulang magtrabaho sa "Tamara". At hindi nagkataon na ang "mga larawan" ni Rubinstein ay nagustuhan ng mga "Kuchkists" halos higit sa lahat ng kanyang mga sinulat. Ang "Ivan the Terrible" ay ginanap sa isa sa mga konsyerto ng Free Music School na isinagawa ni Balakirev, at sa rekomendasyon ng huli, ang baguhan na publisher ng musika na si V.V. Bessel ay nag-utos ng isang pag-aayos para kay Tchaikovsky. Sa lalong madaling panahon ang isang kamakailang mag-aaral ng Rubinstein ay nagsagawa ng isang pag-aayos ng pangalawang symphonic piece. Lalo na nagustuhan ni Don Quixote si Pyotr Ilyich. Sumulat siya kay Balakirev na ito ay "isa sa pinakakawili-wili at pinaka-maingat na natapos na mga gawa ni Rubinstein" (, 249 ).

Nilapitan ng kompositor ang paglalarawan ng mga bayani ng kanyang mga pagpipinta sa pagkakakilanlan sa musika sa iba't ibang paraan: kung ang "Ivan the Terrible" ay may posibilidad na maging isang multifaceted psychological portrait, kung gayon ang "Don Quixote" ay sumasalamin sa ilang mga yugto ng nobela ni Cervantes. Ang tunog na mundo ng Don Quixote, sa kabila ng programa, oras at konteksto ng paglikha, ay pangunahing klasikal: ang marka ay mas malapit sa Egmont kaysa sa mga symphonic na tula ng mga romantiko. Ang Rubinstein ay naghahatid ng mahusay na pampakay na gawain, kahanga-hangang pag-aayos ng mga pag-unlad, mga kasukdulan; Ang mga indibidwal na yugto ay napaka nagpapahayag, ngunit sa halip ay palitan ang isa't isa kaysa magkaisa sa ilang uri ng organikong kabuuan.

Sa larangan ng musikang piano, malinaw na isinama ni Rubinstein ang kababalaghang nabuo noong ika-19 na siglo - ang panahon ng romantikismo, ang panahon ng pianoforte, mga birtuoso, mga guest performer: siya ay isang kompositor-pianista. Kung pinag-uusapan natin ang konteksto ng musikang Ruso, kung gayon si Rubinstein ang naging unang kompositor kung saan ang mga komposisyon ng trabaho para sa piano ay kinuha ang isa sa mga nangungunang lugar at naglalaman ng hindi gaanong mahalagang mga ideya sa artistikong kaysa sa kanyang sariling mga symphony o mga ensemble ng silid. At kung ang personalidad ng may-akda noong ika-19 na siglo ay palaging nakuha sa kanyang mga gawa, kung gayon ang mga gawa ng piano ni Rubinstein ay nagdadala ng parehong imahe ng isang tao at ang imahe ng isang pianista - mga katangian at tampok na nauugnay hindi lamang sa pananaw sa mundo, pananaw sa mundo, pag-iisip ng musikal. , ugali, ngunit din sa karakter pianism, kahit na may istraktura ng kamay. Patuloy na gumaganap ng kanyang musika, isinulat ni Rubinstein ang "para sa kanyang sarili", at, ayon sa mga kontemporaryo, tila hindi ito tutunog mula sa iba, at ang mga merito nito sa labas ng pagganap ng may-akda ay hindi lubos na mauunawaan. Sa anumang kaso, ang mga katangian ng pagtugtog ni Rubinstein, na nakuha ng mga nakarinig sa kanya, ay tila nabuhay sa mga nota ng mga komposisyon ng piano: ang kayamanan at kapangyarihan ng mga chord, ang kumbinasyon ng paggalaw ng octave na may iba't ibang mga kaliskis at arpeggios, ang " may markang" himig.

Tulad ng iba pang mga seksyon ng legacy ni Rubinstein, kabilang din dito ang mga maliliwanag na pahina na nagpapanatili ng artistikong interes; at isang malaking bilang ng mga "passing" na mga dula na mayroon lamang historikal na kahalagahan, ngunit walang maliit na kahalagahan.

Sa loob ng apat na dekada ng kanyang aktibidad sa pag-compose - mula sa huling bahagi ng 40s hanggang sa huling bahagi ng 80s - si Rubinstein ay bumaling sa genre ng concerto o iba pang pangunahing gawain para sa solong piano at orkestra. Ang unang dalawa, isang bahagi at tatlong bahagi, ay hindi nakaligtas, ang pangatlo ay ginawang muli sa isang piano octet, na inilathala bilang isang op. 9, at ang real score ay mula sa concerto sa e-moll, op. 25, na binuo noong 1850. Ito ang pang-apat na karanasan ng kompositor, na halos hindi na tumawid sa edad na dalawampu, sa genre ng concerto. Pagkaraan ng isang taon, ang Ikalawang Konsiyerto, F-dur, ay binubuo, at ang huli, Ikalima, op. 94 - noong 1874. Pagkatapos nito, tatlong one-movement play ang ginawa (Russian capriccio, fantasy "Eroica" at Concert piece).

Ang mga konsiyerto ni Rubinstein ay naglalaman ng magkakaibang makasagisag na mga globo na nakatagpo ng tagapakinig sa kanyang sariling mga simponya: pagkalalaki, kabayanihan, at liriko. Marahil, ang malaking pansin sa genre ay dahil sa kakaibang istilo ng piano ni Rubinstein, na tinukoy ng mga mananaliksik - Barenboim at Alekseev - bilang isang konsiyerto. Ito ay parehong isang malaking kayamanan ng pagtatanghal, na makikita sa texture, at kumpetisyon bilang isang dramatikong prinsipyo. Ngunit, higit sa lahat, ito ang nilalaman at mga compositional scale ng panitikang piano na kanyang nilikha. Nang walang pagsalungat sa "konsiyerto" sa "silid", si Rubinstein na nasa 40-50s ay "inilatag ang pundasyon ng makatotohanang liriko-kabayanihan na istilo ng konsiyerto, na sa isang tiyak na lawak ay tumutukoy sa karagdagang pag-unlad ng Russian piano concerto" (, v. 1 , 129 ). Sa orihinal na aspeto nito, ang ideya ng isang kumpetisyon sa pagitan ng piano at orkestra ay makikita sa isa sa mga fragment ng "Box of Thoughts" na may kaugnayan sa Third Concerto sa G-dur. Ang kompositor ay nagpinta ng isang kamangha-manghang eksena na pinangarap niya: ang piano ay dumating sa templo, kung saan ang mga instrumentong orkestra ay kinokolekta, humiling na tanggapin sa bilang ng mga nagsisimula, sumailalim sa isang pagsusulit upang magparami ng iba't ibang mga timbre at melodies, at sa wakas ay idineklara ang sarili bilang isang independent. orkestra (, 192 ). Inilaan ng may-akda na paunang salitain ang larawang ito sa Ikatlong Konsiyerto bilang isang programa. Sa katunayan, ang marka ng konsiyerto ay naglalaman ng mga nagpapahayag na mga yugto ng paghahambing sa pagitan ng bahagi ng pianist-soloist at indibidwal na mga instrument at grupo ng orkestra. Ang sukat ng ideya ay ipinakita rin dito sa interpretasyon ng pangwakas (ang ikatlong bahagi): naglalaman ito ng mga tema ng unang dalawang bahagi. Ang isa pang variant ng paglutas ng finale sa parehong oras at pagkamit ng pagkakaisa ng cycle ay ipinakita ng Sonata op., na bihira sa mga tuntunin ng pagganap. 89 para sa piano 4 na kamay (1870). Sa isang tiyak na kahulugan, ang isang tao ay maaaring magsalita dito ng leittematism, dahil ang tema na pinagtibay sa loob ng balangkas ng unang kilusan (bilang ang tema ng pangunahing bahagi at ang coda) ay gumaganap ng isang mahalagang papel bilang pagtatapos ng sonata sa kabuuan. . Ang malakihang apat na kilusang Fantasy para sa Piano at Orchestra ay napuno ng tunog ng isang liriko-bayanihang tema - sa kasong ito, maaari nating pag-usapan ang pagpapatupad ng monothematic na prinsipyo ng Liszt sa isang paikot na anyo. Ang pagbibigay ng pangkalahatang kahulugan sa finale sa pamamagitan ng pag-synthesize ng thematism ng cycle, at lalo na salamat sa leittematism, ay magiging napaka-katangian sa ibang pagkakataon at malinaw na magpapakita mismo, halimbawa, sa Taneyev.

Ang isang maayos na sistema ng pampakay at intonasyonal na mga koneksyon sa pagitan ng mga bahagi ay maaaring masubaybayan sa pinakamahusay, pinaka repertoire piano concerto - d-moll, op. 70 (1864). Sa tunay na mahusay na komposisyon na ito, dalawang makasagisag-emosyonal na mga globo, ang kumbinasyon ng kung saan ay halos ang core ng estilo ni Anton Rubinstein at na napansin ng lahat ng mga nagsusulat tungkol sa musika ng kompositor na ito, ay natagpuan ang isang matingkad na pagpapahayag - kabayanihan at liriko. Sa ilang mga gawa ay hindi sila nakapaloob sa makabuluhan at puro tema, sa iba ay nababawasan ang impresyon dahil sa hindi sapat na artistikong organisasyon ng anyo.

Ang tema ng pangunahing bahagi - tulad ng martsa, ngunit may nagpapahayag na malambing na mga balangkas - nakukuha sa pag-igting nito (halimbawa 19). Tulad ng sa maraming iba pang symphonic at concert sonata allegri, ang tema ng side part ay may romance character (halimbawa 20).

Sa pangkalahatan, ang komposisyon na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng saturation na may lyrical melody. Sa pangalawang tema ng pangunahing bahagi, halimbawa, kasama ang isang malambing na himig, ang isang counterpoint na cantilena ay tumutunog na hindi mas mababa dito sa kagandahan (halimbawa 21). Nagtatapos ang three-movement cycle kasama ang kaakit-akit na Andante sa karakter ng isang barcarolle at ang "classic" na finale ng sayaw, gaya ng madalas na nangyayari kay Rubinstein, sa major na may parehong pangalan.

Sa susunod na mga dekada, ang konsiyerto ay ginanap ni N. Rubinstein, Bulow, Tausig, Hoffman, at mga pianista ng Sobyet ng mas lumang henerasyon - Igumnov, Goldenweiser. Ginampanan din ito ni Rachmaninov, at napansin ng mga mananaliksik sa kanyang Ikalawang Konsiyerto ang mga tampok ng kilalang pagkakatulad sa pagitan ng tema ng pangunahing bahagi ng unang kilusan at ang pangkalahatang katangian ng gitnang kilusan na may kaukulang mga seksyon ng d-moll "nogo ni Rubinstein. .

Ang mga sonata ni Rubinstein - tulad ng First Symphony, karamihan sa mga cycle ng chamber ensemble - ay nakakuha ng makasaysayang kahalagahan lalo na bilang isang katotohanan ng kasaysayan ng musikang Ruso. Ito ay kilala na ang may-akda ay kusang-loob na nilalaro ang mga ito; sa Moscow, ang ilan ay ginanap ni N. G. Rubinshtein. Kaugnay ng genre ng many-movement sonata, pati na rin ang cyclical symphony ng klasikal na uri, ang pinaka-sensitibong musikero sa likas na pagkamalikhain ng kompositor ng Russia, tulad ni Balakirev, ay nakaranas ng "materyal na pagtutol". Sa kanyang pagbagsak ng mga taon, sumulat siya kay S.K. Bulich: "Gusto mong gumawa ako ng isang sonata. Sonata ... na aking muling binubuo at palaging nananatiling hindi nasisiyahan ". Hindi rin nakumpleto ang mga pagtatangka ni Mussorgsky na gumawa ng sonata noong 1950s at 1960s.

Si Rubinstein ay malayo sa pagdududa sa posibilidad at pangangailangan ng paglikha ng "normal" na European sonata ng mga kompositor na Ruso. Ang kanyang mga sonata, hindi orihinal, na hindi kasama sa "pangunahing pondo" ng musikang piano ng Russia, sa parehong oras ay nagbigay daan para sa mga sonata ni Tchaikovsky at mga kompositor ng mga susunod na henerasyon, lalo na sa paaralan ng Moscow. Malinaw, bago maging isang pagpapahayag ng espirituwal na paghahanap ng mga kompositor ng Russia, sonata ng piano ay dapat na dumaan sa yugto ng "akademikong" pagpapakilala sa lupang Ruso, bagaman, siyempre, ang impluwensya ng mga sonata ng mga romantikong Kanlurang Europa ay napakahalaga din.

Kasama sa pamana ng piano ni Rubinstein ang isang malaking bilang ng mga indibidwal na piraso at piraso na pinagsama sa mga cycle. Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga asosasyon sa Kanlurang Europa, kung gayon sa mga komposisyon ng malalaking anyo - mga concerto at sonata cycle - ang kompositor ay kumilos bilang isang konduktor ng mga tradisyon ni Beethoven, at sa globo ng maliliit na anyo, ang Schumann's, bahagyang Mendelssohn's, ay nauuna. Ngunit, tulad ng makikita natin sa ibaba, ang mga pangunahing genre at tampok ng Russian pianism, maging ito man ay isang pantasya sa isang katutubong kanta o kahit na ang mga kakaibang interpretasyon ng instrumento, ay walang alinlangan na nakakaapekto sa musika ng piano ni Rubinstein. Sumulat siya ng mga dula sa buong buhay niya. Ang pinakamaagang - ang pag-aaral na "Ondine", na isinulat at isinagawa ng isang labintatlong taong gulang na bata na kababalaghan, ay ginawaran ng nakapagpapatibay na pagsusuri ni Schumann nang ito ay nai-publish sa susunod na taon, 1843.

Ang mga dula ni Rubinstein ay nailalarawan sa pagiging tiyak ng genre. Para sa kalahating siglo - mula sa apat na polka, na binubuo noong 1843-1844, hanggang sa polonaise at nocturne na kasama sa op. 118, na isinulat sa taon ng kanyang kamatayan, nakatagpo tayo ng mga tarantellas, barcarolles, krakowiaks at mazurkas, impromptu at lullabies, scherzos at ballads, elegies, waltzes, serenades, chardashi, atbp., atbp. Madaling mapansin na mayroong maraming mga genre ng sayaw. Nang hindi pinupunan ang mga sayaw ng sikolohikal na nilalaman, "pinalaki" ni Rubinstein ang kanilang disenyo, na inilapit ito sa konsiyerto. Ito ay ang kaso mula noong unang mga taon. Noong 1850, ang batang musikero ay gumanap ng dalawa sa kanyang mga pantasya sa mga tema ng mga awiting Ruso ("Down the mother along the Volga" "Luchinushka", op. 2). Kumakatawan sa mga pagkakaiba-iba sa isang katutubong tema, tradisyonal para sa kultura ng piano ng Russia, ang mga pantasya ni Rubinstein ay may malinaw na karakter sa konsiyerto, bagama't walang panlabas na kagalingan.

Ito ay paulit-ulit na nabanggit na ang estilo ng piano ni Rubinstein, na sumasalamin sa mga kakaiba ng kanyang pianistic na hitsura, una sa lahat ay naglalaman ng malambing na paraan ng pagtugtog. Ang melodismo ay isang pangunahing katangian ng musikal na pag-iisip ng kompositor na ito. Hindi nagkataon na marami ang direktang tinatawag na "Romance" o "Melody". Nasa unang bahagi ng 1850s, si Melody F-dur (op. 3, no. 1) ay nakakuha ng malawak na katanyagan at naging, kumbaga, ang "emblem" ng kompositor. Sa simula ng ika-20 siglo, pinamagatan ng manunulat na si Boborykin ang kanyang mga memoir tungkol kay Rubinstein na "Melodie en fa" (). Ngunit kahit sa labas ng pagganap ng may-akda, ang F-major na "Melody" ay nananatili ang kagandahan nito dahil sa tindi ng lyrical expression. Ang pahayag ng may-akda na "ben marcato ed espressivo il canto" (halimbawa 22) ay hindi rin sinasadya. Ang Opus 3 ay inilathala ng mga mamamahayag na Ruso, Italyano, Aleman. Ito ay inilabas sa orihinal, sa iba't ibang mga kaayusan - para sa bawat isa sa mga instrumento ng pangkat ng string, para sa mga instrumento ng hangin na may piano.

Ang mga huling salitang "il canto" ay nakatanggap ng isang "non-portable" na kahulugan: nang maglaon ang dula ay na-subtext at inilathala ni Jurgenson bilang isang romansa ( tekstong Ruso ni A. Razmadze, Aleman ni P. Ellerberg). Alam ng panitikan sa musika ang maraming mga pag-aayos ng mga kanta para sa piano, at, kung pag-uusapan natin ang tungkol sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, namumukod-tangi sa kanilang independiyenteng artistikong halaga, halimbawa, Schubert - Liszt. Ang mga baligtad na halimbawa ay napakabihirang. Ang gawa ni Rubinstein sa piano ay naglalaman ng isa pa - at mas sikat - halimbawa ng pagsasaayos ng isang dula sa isang romansa: ito ang Romansa (op. 44 No. 1) mula sa cycle na "Petersburg Evenings", ang himig na kasunod na nabuo ang teksto ng Ang tula ni Pushkin na "Night" na may nakakagulat na pagiging natural (simula Mula noong 1881, ang pag-iibigan ay nai-publish kapwa para sa mga instrumento at para sa boses at piano). Sa mga piraso ng piano ng Rubinstein ay marami pang iba, mga tema ng musika na maaaring nabibilang sa vocal music. Ang mga melodies na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang paraan ng pag-awit ng mga sangguniang tunog, gamit ang mga nagpapahayag na posibilidad ng stepwise scale na paggalaw, at sunud-sunod na pag-unlad ng alon bilang isang paraan upang masakop ang kasukdulan.

Bago ang Rubinstein, walang mga cycle ng mga piraso sa Russian piano literature, ngunit ang parehong kompositor karamihan sa mga piraso ay pinagsama sa isang paraan o iba pa. Siyempre, sa maraming mga kaso, sa ilalim ng isang numero ng opus, makakahanap kami ng dalawa o higit pang mga piraso na hindi panloob na konektado sa anumang paraan - kapwa sa mga unang gawa at kabilang sa mga nilikha sa dulo ng malikhaing landas (bagaman kung minsan sila ay may isang karaniwang solong pangalan, halimbawa, "Memories of Dresden" o .118). Ngunit maraming mga opus ay hindi mga koleksyon, hindi mga album, ngunit mga siklo sa kakanyahan, at ang mga prinsipyo ng pagsasama-sama ng mga piraso sa mga ito ay napaka-magkakaibang. Minsan ito ay isang commonality ng genre (Three Serenades, op. 22; Six Preludes, op. 24; Six Free-Style Fugues with Preludes, op. 53; Six Etudes, op. 81). Minsan - isang espesyal na genre-style na gawain (Suite, op. 38, na kinabibilangan ng Prelude, Minuet, Gigue, Sarabande, Gavotte, Passacaglia, Allemande, Courante, Passpier at Bourret - isang mahusay at promising innovation para sa Russian music!). Minsan ito ay ang intensyon na lumikha mga sikolohikal na larawan, ilarawan ang mga panloob na estado (Anim na dula, op. 51 - "Mapanglaw", "Paglalaro", "Mga Pangarap", "Caprice", "Passion", "Coquetry"); ang parehong - sa pamamagitan ng disenyo - album ng mga portrait ay isang cycle ng 24 piraso "Stone Island", op. 10. Ang isang bilang ng mga cycle ay malinaw na bumalik sa Schumann's, ngunit sa halip sa pamamagitan ng mga panlabas na tampok. Pantasya mula sa sampung numero na "Ball", op. Ang 14 ay sa halip ay isang dance suite na hindi nagpapanggap na buo. Malinaw, ang tula ng karnabal ay umaakit sa kompositor, at pagkalipas ng maraming taon ay isinulat niya ang apat na kamay na siklo na "Costume Ball" (20 piraso, op. 103). Ito ay kawili-wili bilang isang musikal na paglalakbay, hindi lamang sa Kanluran at Silangan, kundi pati na rin sa iba't ibang panahon. Ang elemento ng sayaw ay nangingibabaw din dito: ang cycle ay nagbubukas sa isang pagpapakilala, nakapagpapaalaala sa mga solemne na ballet entre, at nagtatapos sa isang detalyadong numero, na tinatawag ding "Mga Sayaw". Ang mga hiwalay na numero ay, tulad ng, ipinares na mga larawan: "Marquis at Marquise (XVIII siglo)", "Boyar at Boyar (XVI siglo)", kung minsan - nang hindi nagpapahiwatig ng panahon: "Neapolitanong mangingisda at Neapolitan na babae", atbp. Ladoharmonic, Ang mga ritmikong aspeto ng musikal na wika sa suite na ito ay nagpapatunay sa nabanggit na pagiging sensitibo ni Rubinstein sa pambansa. Ang stylization ng "A nobleman and a lady (the court of Henry III)" ay napaka-matagumpay, "Cossack and a Little Russian woman", "Toreador and an Andalusian" ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang intonational at genre na hitsura. Siyempre, ang Silangan ay hindi wala nito, at kabilang sa "Eastern" No. 12 ay nakatayo - "Pasha at Almeya", na may katangian na melodic-harmonic na mga liko na nakatagpo na ng mga Kuchkist at Rubinstein mismo. "Costume ball", tulad ng iba pang apat na kamay na dalawa mga komposisyon ng piano Rubinshtein, dinadala ang gumaganap na staff na ito mula sa saklaw ng paggawa ng home music sa stage ng konsiyerto. Ang saturation ng tunog ay tumutugma sa pagkaunawa ni Rubinstein sa piano bilang isang orkestra (alalahanin ang "Programa" ng Ikatlong Konsiyerto).

Mas mahalaga na tandaan na kung ang ideya ng cycle ay genetically konektado sa gawain ni Schumann, kung gayon ang sagisag ng mga imahe at sayaw ng iba't ibang mga tao, ang iba't ibang mga bansa sa piano album ay medyo orihinal. Ang "Children's Album" ni Tchaikovsky ay nilikha din sa ilalim ng spell ni Schumann, ngunit ang panloob na "maliit na cycle" ng mga piraso ng French-German-Italian ay maaaring may mas malapit na halimbawa: Ang maaga at napakatagumpay na karanasan ni Rubinstein - Koleksyon ng mga Pambansang Sayaw para sa Piano, op . 82 (1868). Ang "set" ng mga dula ay nagpapahiwatig: Russian at Trepak, Lezginka, Mazurka, Czardash, Tarantella, Waltz at Polka. At kung ang Mazurka - pagkatapos ng mazurkas ni Chopin, Czardas - pagkatapos ng mga rhapsodies ni Liszt o ang ganap na Schubertian Waltz ay hindi naglalaman ng mga artistikong pagtuklas, kung gayon ang Caucasian at Russian spheres ay walang kondisyon na matagumpay para sa kompositor. Lezginka (tatlong taon bago ang "Demonyo") - "Caucasian sketch", na binubuo ng ilang mga yugto; seksyon Allegro - tulad ng isang quote mula sa "Ruslan" (halimbawa 23).

Ang nabanggit na "Russian Trepak" No. 1 ay kagiliw-giliw na ihambing sa unang bahagi ng dula ni Mussorgsky na "Souvenir d" na simula, pagkatapos ay ganap na hindi alam ni Rubinstein. Ang mga sandali ng pagkakatulad ay muling nagpapakita ng sensitivity ng intonasyon ni Rubinstein (halimbawa 24 a, b).

Sa malawak na legacy ng Rubinstein, ang vocal music, kasama ang pianoforte, ay nagpapanatili ng artistikong kahalagahan sa pinakamalaking lawak. Gayunpaman, kahit dito kailangan nating pag-usapan ang tungkol lamang sa isang maliit na bahagi ng mga pag-iibigan at pag-ikot sa maraming dose-dosenang. Tulad ng ilang ibang genre ng pagkamalikhain ni Rubinstein, ang kanyang mga romansa at vocal ensemble ay nasa intersection ng Western European at Russian na mga tradisyon at dumadaloy sa mainstream ng aming vocal music.

Sagana, sakim sa pag-master ng iba't ibang uri ng mga gawa sa lugar na ito, gumawa si Rubinstein ng ilang medyo malalaking komposisyon para sa boses at orkestra (kung minsan ay may koro, halimbawa, "Sirena" sa mga salita ni Lermontov, katulad ng uri sa opera. stage) at higit sa 160 indibidwal o , mas madalas, pinagsama sa mga cycle ng vocal piece, na tinawag niyang romansa, kanta, ballad, tula para sa boses at piano. Ang mga tekstong pampanitikan na pinili ni Rubinstein ay lubhang magkakaibang. Humigit-kumulang tatlumpung makatang Ruso - mula Zhukovsky hanggang Nadson, mula kay Denis Davydov at Delvig hanggang Minsky at Merezhkovsky - ay kumakatawan sa iba't ibang mga panahon, iba't ibang mga pang-istilong hangarin. Sumulat ang kompositor ng sampung romansa at kanta sa mga salita nina Pushkin at Lermontov, kahit na higit pa - sa mga tula nina A. K. Tolstoy at Koltsov, bumaling sa mga teksto ng Turgenev, Krylov, Polonsky. Walang alinlangan, siya ay sensitibo sa mga potensyal na musikal na posibilidad ng tula, na kinumpirma ng apela sa marami sa mga tekstong ito - sa mga huling taon - ni Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov at iba pang mga may-akda. Isang napakalawak na listahan ng mga makatang Kanlurang Europa, kung saan ang mga taludtod - Aleman, Pranses, Italyano, Polish, Ingles - isinulat ni Rubinstein. At dito, kasama ang mga pangalan ni Dante, Goethe, Lamartine, Uhland, Heine, nakita namin ang maraming mga pangalan ng hindi gaanong kilalang mga manunulat, na ang mga tula ay umaakit sa kompositor sa pamamagitan ng likas na katangian ng imahe, pagkahilig sa genre o pambansang kulay. Ang mga romansa at kanta ni Rubinstein ay ginanap nang napakalawak, na inilathala nang hiwalay at bilang bahagi ng iba't ibang serye (kabilang ang mga koleksyon ng repertoire ng mga konserbatoryo) at, sa gayon, napunta, tulad ng iba pang mga gawa ng musikero na ito, sa pangunahing pondo ng pagpapatunog ng musikang Ruso. Ang mga dedikasyon ng kanyang mga gawa sa O. A. Petrov, N. N. Figner, F. I. Stravinsky, B. B. Korsov, E. A. Lavrovskaya, I. V. Tartakov at iba pang sikat na bokalista ay nagsasalita tungkol sa mga koneksyon ni Rubinstein sa mga mang-aawit.

Bago magpatuloy sa pagkilala sa pamana ng awit-romance, sandali nating pag-isipan ang isang kawili-wiling cycle para sa mga boses at piano na karapat-dapat sa atensyon at pagganap, op. 91 - "Mga Tula at Requiem para kay Mignon mula sa Mga Taon ng Pagtuturo ni Wilhelm Meister" hanggang sa mga teksto ni Goethe. Nalikha ang cycle noong 1872, nang isinulat ang dalawa pang katulad na komposisyon: Hecuba (aria para sa contralto na may orkestra) at Hagar sa Disyerto (dramatikong eksena para sa contralto, soprano at tenor na may orkestra), pareho sa mga tekstong Aleman. Ang "Mga Tula at Requiem para kay Mignon" ay mas madulang mga eksena. Kasama sa cycle ang Mignon (soprano), Harpist (baritone), Friedrich (tenor), Aurelius (alto), Filina (soprano); Ang Requiem para kay Mignone ("Sino ang naghahanap sa atin sa isang tahimik na daungan?") ay ginaganap ng isang quartet ng mga lalaki, isang male quartet at isang mixed choir, na sinasabayan ng piano at harmonium. Ang mga hiwalay na numero, na binuo sa prinsipyo ng kaibahan, ay nagdaragdag sa isang kumpletong larawan, at ang pagkakaisa ng cycle ay wala sa paggalaw ng balangkas, hindi sa aksyon, ngunit, higit sa lahat, sa pinag-isang poetics ng "classical- romantikong" uri. Sa gitna ng mga eksena (number 7 out of 14) ay ang soulful duet ng Minion at Harper (halimbawa 25).

Nagkaroon na ng patas na paghatol na ang mahinang panig vocal na pagkamalikhain Ang Rubinstein ay hindi sapat na declamatory expressiveness. Maaaring ipagpalagay na ang isa sa mga dahilan para dito ay ang kakulangan ng malalim na sikolohiya sa musika ni Rubinstein sa pangkalahatan at sa mga romansa sa partikular.

Gayunpaman, nagkaroon din si Rubinstein ng matagumpay na mga eksperimento sa larangan ng declamatory-recitative vocal pieces, na pangunahing nauugnay sa unang pagkakatawang-tao ng mga pabula ni Krylov sa musikang Ruso. Halos sampung taon bago ang satirical romances ni Dargomyzhsky, bago pa man ang Mussorgsky's Raik, nagsulat si Rubinstein ng mga nakakatawa, matalas, mapanuksong mga play-sketch. Binibigyang pansin ni Vasina-Grossman ang katotohanan na apat sa anim na napiling pabula ay nakatuon sa tema ng sining - ang tunay at haka-haka na mga master at hukom nito: "The Cuckoo and the Eagle", "The Donkey and the Nightingale", "The Quartet ", "Parnassus". Ang "Fables" ay nilikha ng kompositor sa pagliko ng 1940s at 1950s, nang marami sa kanyang mga ideya at plano ng panlipunan at pang-edukasyon na kalikasan ay ganap na umaasa sa mga dilettante ng mataas na lipunan, sa kanilang pagtangkilik. Ang mga maliliit na piraso ay mga larawang pangmusika ng hangal na Asno, ang mapangahas na pagtuturo ng Nightingale, katamtaman at walang kakayahan na mga "quartetists" kung saan ang cuckoo at asno ay umiiyak, ang mga nightingale trills ay muling ginawa. Ang mismong pangalan ng cycle - "Six Fables by I. Krylov" - ang nagdala ng literary text sa unahan, at ang priyoridad na ito ng salita ay makikita sa mga musical feature ng vocal part (kombinasyon ng pag-awit at halos "dry" recitative , ritmikong kalayaan) at saliw (mga sandali ng representasyon ng tunog). Hindi malinaw na hindi malilimutan, ang mga piraso ng Krylov cycle ay kawili-wili bilang sariwa at bagong karanasan ng Russian vocal music. Ipinakita nila ang pagiging sensitibo kung saan nilapitan ni Rubinstein ang solusyon ng "karaniwang" mga problema ng panahon.

Ang simula ng declamatory ay nauuna din sa ilang iba pang mga gawa, halimbawa, ang balad sa mga salita ni Turgenev na "He Stands Silently Before the Governor" (1891), na kilala ni Chaliapin at napanatili pa rin sa repertoire ng baritones at basses. Ito rin ay isang uri ng eksena kung saan may mga "party" ng tagapagsalaysay, ng Gobernador at ng malayang tulisan. Ang ritmikong bahagi ng linya ng boses ay tumpak na ginawa ng kompositor: tatlong beses lamang sa panahon ng ballad ay mayroong isang intra-pantig na chant (kung saan naaalala ng bayani kung paano siya kumanta at nagpista sa bahay ng Voyevoda at hinalikan ang kanyang asawa); ang tagapagsalaysay at ang Gobernador ay may pagbigkas, na sinusuportahan ng isang masamang saliw. Ang isang napaka-kakaibang declamation, na nauugnay sa pagnanais ng kompositor na ipakita ang mga pambansang katangian, ay ipinakita sa "Serbian Melodies" sa mga salita ng Vuk Karadzic (op. 105).

Ngunit ang pinakamahalagang bahagi ng pamana ng pagmamahalan ni Rubinstein ay nasa ibang direksyon. Ang himig ng pag-awit, pangkalahatan, walang detalye at paglalarawan sa pananalita, ang pinagbabatayan ng karamihan sa mga piyesang tinig ng kompositor na ito. Dito nagtagpo ang mga linya ng pag-iibigan ng Russia, si Glinka sa unang lugar, at ang German Lied - lalo na ang gawain ni Schumann. Ang mga palatandaan ng awit-romance na melody ni Rubinstein ay, sa esensya, kapareho ng mga melodic ng kanyang instrumental - piano at iba pang - komposisyon. Sa kasong ito, ang pangkalahatan ng thematism ay lumitaw hindi dahil sa diskarte ng vocal melodies sa instrumental na uri (ito ang mangyayari, halimbawa, kay Taneyev), ngunit, sa kabaligtaran, dahil sa melodiousness ng mga instrumental.

Gayunpaman, ang mga pattern ng instrumental na musika ay makikita sa mga romansa at kanta ni Rubinstein. Hindi bababa sa lahat, marahil, sa pagpapalawak ng pag-andar ng piano - ito ay mangyayari sa susunod na panahon. Sa vocal lyrics ni Rubinstein, mas pangkalahatang mga pattern ng organisasyon ng musikal na tela ay ipinahayag. Si Cui, sa nabanggit na sketch ng pag-unlad ng romansa ng Russia, ay sinisisi si Rubinstein para sa pag-uulit ng mga salita at parirala, na, ayon sa kritiko, ay binabaluktot ang artistikong anyo ng mga tula, at tumuturo sa pagtatapos ng romansa na "Do I? marinig ang iyong boses" bilang isang halimbawa. Sa katunayan, may ilang mga ganoong kaso, ngunit bilang isang patakaran, ang mga ito ay batay sa aktwal na mga pattern ng musikal. Kahit na sa "Krylov's Fables", kung saan nabanggit ang pinaka-kakayahang umangkop na pagsunod sa tekstong pampanitikan, ang kompositor ay bumubuo ng isang medyo mahigpit na anyo (halimbawa, "Ang Donkey at ang Nightingale" ay isang kumplikadong dalawang bahagi na may extension).

Ang vocal music ni Rubinstein, hindi bababa sa instrumental, ay naglalaman ng mga dayuhang larawan at tema. At bagama't ang ilan sa mga kanta at romansa ay sumasalamin sa "Espanyol" o "Silangan" sa pamamagitan ng prisma ng Aleman na tula, ang kompositor ay nakakagawa ng mga melodic, ritmo, at mga texture na malapit sa mga tunay na sample. Ang ganyan, halimbawa, ay "Fatma" sa mga salita ni F. Dan (1881) o ang sikat na "Azra" (teksto ni G. Heine). Ganyan ang dalawang kantang Espanyol (op. 76 Nos. 5 at 6) na isinalin sa German ni E. Geibel. Ang pangalawa sa kanila, "Pandero" ay isang tiyak na tagumpay (halimbawa 26). Sa pamamagitan ng mga salin ng Aleman ni F. Bodenstedt, nakita rin ni Rubinstein ang "Persian Songs" ng Azerbaijani na makata na si Mirza Shafi (op. 34, 1854). Sa pamamagitan ng paraan, pinahintulutan nito si Asafiev na maiugnay ang cycle na "Twelve Persian Songs" sa grupo, na pinagsasama ang mga cycle at indibidwal na pag-play ni Rubinstein sa mga taludtod ng mga makatang Aleman. Sa katunayan, ang mga ito ay mga tekstong ipinanganak sa "Russian" East at itinakda sa Aleman ng isang manunulat at tagasalin na nanirahan at nagtrabaho sa Moscow at Tiflis, pamilyar kina Herzen at Lermontov, na nauugnay sa Nekrasov, Tyutchev, Turgenev, na inilathala sa Berlin dalawang tomo "Lermontov's Poetic Heritage". Ang mga pagsasalin ng mga kanta ni Mirza Shafi, ang makata kung saan kumuha ng mga aralin si Bodenstedt sa mga wikang Oriental, ay nai-publish noong 1851 at naging isang malaking tagumpay. Nakilala ni Rubinstein si Bodenstedt.

Pinili ng kompositor ang labindalawa sa isa at kalahating daang pagsasalin ni Bodenstedt at batay sa mga ito ay nilikha ang kanyang pinakamahusay na ikot ng boses, na maaaring lubos na pahalagahan kahit na sa konteksto ng pag-iibigan ng Russia noong ika-19 na siglo, kung ihahambing sa mga natitirang halimbawa nito. Binanggit ni Liszt ang mga Kanta ng Persia na may mahusay na pag-apruba, na hinuhulaan ang kanilang pinakamalawak na tagumpay. Hinangaan sila ni Stasov, at si Cui, sa isang sanaysay tungkol sa pag-unlad ng romansa ng Russia, ay nagtalo na ang siklo na ito lamang ay sapat na para sa may-akda nito na "kumuha ng isang lugar ng karangalan sa aming mga kompositor ng romansa" (, 58 ).

Ang "Labindalawang Kanta" ay pinangungunahan ng mga maliliwanag na kulay, masasayang mood, na karaniwang nakikilala ang vocal lyrics ni Rubinstein. Ang cycle ay nakakagulat na kapaki-pakinabang, hindi ito naglalaman ng karaniwang kumbinasyon ni Rubinstein ng masining, nagpapahayag - at mahina, "pagpasa". Sa matalinghaga at pampakay na pagkakaiba-iba wikang musikal sa lahat ng mga kanta ay may iisang pinagmulan at karaniwang ritmo at intonasyon at mga tampok na textural. Sa isang pagtatangka na maunawaan kung ano ang nagpapahintulot sa batang kompositor, na hanggang noon ay hindi pa nakapunta sa Caucasus o sa mga bansa ng dayuhang Silangan, na mahinhin at organikong isalin ang mga tampok ng Eastern musical thinking, si Vasina-Grossman sa nabanggit na monograph ay tumuturo sa "isang tradisyon na umiral na noong Sa batayan ng isang paghahambing na pagsusuri ng mga teksto ng musika, si Barenboim ay naglalagay ng isang hypothesis tungkol sa intonational na pagkakatulad ng mga musikal na tema, pati na rin ang mga pamamaraan ng kanilang pag-unlad, sa mga halimbawa ng Moldavian folklore, na kilala sa Rubinstein mula pagkabata. Ang triplet vocalizations ng "Zuleika" ay talagang may maraming pagkakatulad sa mga contour ng doina (halimbawa 27), habang ang piano introduction sa "The Unopened Flower" ay nauugnay sa mga instrumental na himig na ibibigay ni Balakirev sa kanyang inspirasyon. "Islamea" makalipas ang isang dekada at kalahati (halimbawa 28) Ang katangiang "stringing triplets" (Vasina-Grossman) sa tema ng kantang "Clubs wave" ay pinagsama sa "empty" fifths at fourths sa bahagi ng piano, at lahat-lahat - isang malawak, malayang umaagos na melody, banayad na tonal harmonic na mga kulay, malambot na syncopations, napapanatiling bass - lumikha ng isang musikal na imahe ng isang matamis, malungkot na pananabik (halimbawa 29).

Sa kabuuan, ang pamana ni Rubinstein bilang isang kompositor ay organikong umaangkop sa realidad ng musika sa kanyang panahon. Ang pagiging malapit na konektado sa maraming mga phenomena ng musikang Ruso, kinakatawan nito ang mga mahahalagang tendensya ng prosesong all-European, na malinaw na ipinakita sa mga gawa ni Liszt, Mendelssohn, Frank, at lalo na si Brahms. Nalalapat ito sa komposisyon ng genre at interpretasyon ng mga indibidwal na genre, gayundin sa mga proseso ng pagbuo ng istilo (synthesis ng mga tampok ng romanticism, classicism, at bahagyang baroque). Ang isang pangkalahatang pagtatasa ng malikhaing aktibidad ni Rubinstein at ang kahalagahan nito para sa pagpapaunlad ng kulturang sining ng Russia ay posible lamang sa pagbubuod ng iba't ibang aspeto ng aktibidad na ito. Ang napakalaking tagumpay ni Rubinstein - isang pianista, konduktor, kompositor, guro, tagapag-ayos ng buhay musikal ng bansa - kumilos sa pagkakaisa, salamat sa kung saan ang kanyang pangalan ay naging at nanatiling maalamat sa mahabang panahon.

Si Anton Rubinstein ay ipinanganak noong Nobyembre 28, 1829 sa nayon ng Vykhvatynets, lalawigan ng Podolsk. Nagmula siya sa isang mahirap na pamilyang mangangalakal na Judio. Ang batang lalaki ay nagsimulang tumugtog ng piano sa ilalim ng gabay ng kanyang ina, at pagkatapos ay naging isang mag-aaral ng pianista na si Alexander Villuan.

Ginawa niya ang kanyang unang pampublikong pagpapakita sa edad na sampu sa Moscow. Sinimulan ni Rubinstein ang kanyang karera sa musika, tulad ng maraming kahanga-hangang mid-century, kasama ang kanyang guro sa isang concert tour sa mga pangunahing lungsod ng Europe noong unang bahagi ng 1840s. Kasabay nito, ang kanyang mga unang gawa ay nai-publish.

Mula noong 1844, si Anton Grigorievich ay nanirahan at nagtrabaho sa ibang bansa, kung saan nag-aral siya ng teorya ng musika kasama si Siegfried Dehn, nakipag-usap kay Felix Mendelssohn at Franz Liszt, na may kapansin-pansing impluwensya sa pagbuo ng malikhaing personalidad ng kompositor. Gayunpaman, hindi nagtagal ay nakuha nito ang ganap na kalayaan. Dahil sa pagkasira at pagkamatay ng kanyang ama, ang nakababatang kapatid na si Nikolai at ang kanyang ina ay umalis sa Berlin, habang si Anton ay lumipat sa Vienna at utang ang kanyang buong karera sa hinaharap sa kanyang sarili lamang.

Ang kasipagan at pagsasarili na nabuo sa pagkabata at kabataan ay nanatili sa musikero hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Noong 1848 bumalik si Rubinstein sa Russia at nanirahan sa St. Petersburg. Siya ay gumanap bilang isang pianista at konduktor, pangunahin sa kanyang sariling mga gawa.

Siya ang naging unang musikero ng Russia na ang katanyagan ay tunay sa buong mundo. Sa paglipas ng mga taon, nagbigay siya ng mga konsiyerto sa Europa at USA. At halos palaging kasama niya ang kanyang sariling mga gawa sa piano sa mga programa, nagsagawa ng kanyang sariling mga komposisyon ng orkestra.

Pumasok si Rubinstein sa kasaysayan ng kultura ng Russia bilang ang nagpasimula at isa sa mga tagapagtatag ng Russian Musical Society, ang nangungunang organisasyon ng konsiyerto na nag-ambag sa pagbuo ng regular na buhay ng konsiyerto at edukasyon sa musika sa mga lungsod ng Russia. Sa kanyang sariling inisyatiba, ang unang St. Petersburg Conservatory sa bansa ay nilikha, na naging direktor nito.

Si Pyotr Tchaikovsky ay nasa pinakaunang pagtatapos ng kanyang mga mag-aaral. Lahat ng uri, lahat ng sangay ng malikhaing aktibidad ni Rubinstein ay pinag-isa ng ideya ng paliwanag. At composer din. Napakalaki ng malikhaing pamana ng kompositor at sumasaklaw sa lahat ng pangunahing genre ng musika.

Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ni Rubinstein: ang opera na "Demon" at "Persian Songs". Sa The Demon, nabuo ang genre ng Russian lyrical opera, na sa lalong madaling panahon ay isinama sa Eugene Onegin. Ang mga romansa ay live at tunog: "Gabi", "Ang aking boses para sa iyo ay parehong banayad at banayad", ang mga tula na ito ni Alexander Pushkin ay itinakda ng kompositor sa kanyang unang bahagi ng piano na "Romance", at Epithalama mula sa opera na "Nero", at ang Ikaapat na Konsiyerto para sa Piano at Orchestra .

Ang mga huling taon ng kanyang buhay, si Rubinstein ay nanirahan pangunahin sa Dresden, naglalakbay sa iba't ibang lungsod para sa mga konsiyerto ng kawanggawa, gumagawa ng panitikan at gawaing pedagogical at, siyempre, pagsulat ng musika.

Ang isa sa mga pinakadakilang pianista, ang nagtatag ng Russian pianistic na paaralan, si Anton Grigorievich Rubinstein, ay namatay noong Nobyembre 20, 1894 sa Peterhof. Siya ay inilibing sa Nikolsky cemetery ng Alexander Nevsky Lavra, ngunit kalaunan ay muling inilibing sa Necropolis of Masters of Arts.

Mga gawa ni Anton Rubinstein

Sa mga gawa ni Rubinstein ay mayroong 5 sagradong opera (oratorios):

"Nawalang langit"
"Babel"
"Moises"
"Si Kristo" (hanggang 2011 ito ay itinuturing na hindi na maibabalik)
isang eksena sa Bibliya sa 5 mga eksena - "Shulamith",

"Dmitry Donskoy" (1849; batay sa trahedya ni V. A. Ozerov, na itinanghal noong 1852 - Bolshoi Theater, St. Petersburg).
"Demonyo" (1875).
"Merchant Kalashnikov" (1880).
"Nero" (1877).
"Loro".
"Siberian hunters, o Fortieth Bear" (sa German).
"Feramores" (1862).
"Hadji-Abrek".
"Foomka-tanga".
"Mga anak ng steppes".
Maccabees (1874, libretto ni S. Mosenthal, pinalabas noong Abril 17, 1875, Berlin Opera).
"Sa mga Magnanakaw"
Goryusha (1889).

Theatrical at musical na balita

Ang Hulyo 11 ay nagmamarka ng limampung taon mula nang unang lumitaw si A. G. Rubinstein sa publiko bilang isang pianista. Si A. G. Rubinstein mismo ay gumawa ng tala tungkol sa taon at araw ng kanyang kapanganakan sa Album ng M. I. Semevsky (ed. 1888). Sumulat siya: "Ipinanganak noong Nobyembre 18, 1829." Si Rubinstein ay ipinanganak sa lalawigan ng Kherson, sa nayon ng Vykhvatynets, malapit sa lungsod ng Dubossary, sa isang mahirap na pamilyang mangangalakal ng mga Hudyo, at bilang isang bata siya ay dinala sa Moscow.

Ginugol ni Rubinstein ang kanyang pagkabata sa lungsod na ito, kung saan ang kanyang ama, si Grigory Abramovich Rubinstein, ay may pabrika ng lapis. Ang huli ay namatay apatnapung taon na ang nakalilipas; Ang ina ni Rubinstein, si Kaleria Khristoforovna, ay nakatira pa rin sa Odessa; siya ngayon ay 78 taong gulang. Siya ang unang nakapansin ng talento sa musika sa maliit na si Anton, na, habang limang taong gulang pa lamang, ay kumanta ng lahat ng uri ng motibo nang tama. Si Mrs. Rubinstein ay nagturo sa kanya sa una nang pabiro, at nag-aral sa isang bata na 1½ taon. Natanggap niya ang kanyang karagdagang edukasyon sa musika sa ilalim ng patnubay ni A. I. Villuan, na nagturo sa kanya hanggang sa edad na 13. Bilang isang sampung taong gulang na batang lalaki, ginawa niya ang kanyang unang pampublikong pagpapakita sa paligid ng Moscow, sa bulwagan ng Petrovsky Park, sa isang charity concert na inayos ng yumaong Villuan, ang tanging propesor ng piano ni Rubinstein. Allegro mula sa Hummel's A-moll Concerto, Liszt's Chromatic Gallop, Thalberg's Fantasy, atbp. magpatotoo na ang isang sampung taong gulang na batang lalaki, kahit na sa kanyang maliit na edad, ay nakamit na ang napakalaking birtuosidad na kinakailangan ng mga pirasong ito. Namatay si AI Villuan hindi pa katagal - sa pagtatapos ng dekada sitenta. Pagkatapos ng unang konsiyerto, si Rubinstein ay masigasig na nakatuon ang kanyang sarili sa musika, at noong 1840, isang sampung taong gulang na batang lalaki, ay sumama kay Villouin sa Paris. Sa mga musikero, binigyang-pansin siya nina Franz Liszt at Chopin; pagkatapos ay naglakbay si Villuan at ang kanyang alagad sa buong Europa at binisita ang lahat ng mga korte. Ang paglalakbay sa ibang bansa ay tumagal ng halos tatlong taon. Kasabay nito, hindi tumigil si Rubinstein sa pag-aaral ng teorya ng musika, na itinuro sa kanya ni Den sa Berlin. Bumalik si Rubinstein sa Russia noong 1846, at mula noon ay maaari na siyang tawaging permanenteng residente ng St. Petersburg, maliban, siyempre, para sa kanyang madalas na mga paglilibot sa konsiyerto. Hanggang 1862, si Rubinstein ay bihirang maglakbay sa ibang bansa. Sa wakas, noong 1862, inanyayahan siya ng Grand Duchess na si Elena Pavlovna na mag-ambag sa tagumpay ng pundasyon ng Russian Musical Society at Conservatory, kung saan si Anton Grigorievich ang direktor hanggang 1867, at kung saan napatunayan din niyang isang mahusay na tagapangasiwa. Ang pagkakaroon ng pag-recruit ng isang mahusay na kawani ng mga propesor at ibinigay ang pagiging direktor sa maaasahang mga kamay, umalis si Anton Grigorievich sa konserbatoryo noong 1867 at itinalaga ang kanyang sarili sa purong masining, aktibidad ng konsiyerto.

Halos bawat taon ay nagbibigay siya ng mga konsyerto sa ibang bansa, at lahat ng mga ito ay sinamahan ng napakalaking tagumpay, lalo na ang kanyang paglalakbay sa Estados Unidos noong 1872-1873; sa lahat ng oras ng kanyang pamamalagi doon ay nagsilbi siyang paksa ng pangkalahatang pagkamangha at tunay na kasiyahan. Sa kanyang pagdating mula sa Amerika, inilaan ni Rubinstein ang kanyang sarili pangunahin sa komposisyon at mga indibidwal na konsiyerto sa Russia para sa susunod na sampung taon, at pagkatapos ay nagsagawa ng kanyang huling musikal na paglalakbay sa mga kabisera ng Europa noong taglamig ng 1885-1886, nang siya ay nag-replay sa puso ng daan-daang mga ang pinakamahusay na piano na gawa ng mga kompositor ng huling tatlong siglo. Ibinigay ni Rubinstein ang mga makasaysayang konsiyerto na ito sa Moscow, St. Petersburg, Vienna, Berlin, Leipzig, Paris, Brussels at London. Hindi banggitin ang kagalakan na dulot ng hindi pangkaraniwang pagtatanghal, ang alaala ng birtuoso ay pumukaw ng sorpresa, dahil ang lahat ng mga piyesa ay tinutugtog ng piyanista sa puso. Saanman siya ay isang malaking tagumpay, si Rubinstein ay lalo na pinarangalan ng musikal na Vienna, na nagbigay ng isang kahanga-hangang piging bilang karangalan sa kanya. Ang huling birtuoso na gawa ng bayani ng araw ay maaaring ituring na kanyang mga lektura sa panitikan ng piano, na naganap noong huling kursong pagsasanay 1888-89, na ganap na matalik at kasabay nito ay pang-agham. Sa mga lekturang ito, ipinakilala ni Rubinstein ang mga batang tagapakinig sa halos lahat ng panitikan ng piano, simula sa panahon ng mga unang eksperimento nito at dinala ito hanggang sa kasalukuyan.

Ngunit ang mga aktibidad ng makikinang na birtuoso ay hindi limitado sa A. G. Rubinshtein. Nagsimulang mag-compose sa edad na labing-isa, sumulat siya ng higit sa isang daang mga gawa para sa piano at orkestra, kabilang ang 21 opera, 2 oratorio, 6 symphony, 5 piano concerto, maraming trio, quartets, quintets, sonata, atbp. Bilang karagdagan , sumulat siya ng higit pang 100 romansa, isang masa ng mga piraso ng piano salon, mga koro, mga overture at mga symphonic na tula. Si Rubinstein bilang isang kompositor ay naging tanyag lalo na nitong mga nakaraang taon, pagkatapos ng kanyang symphonic painting na "John the Terrible" at "Don Quixote". Si Rubinstein ay lalong matagumpay sa oriental na musika. Gumawa siya ng maraming oriental na motif at, gaya ng sinasabi nila, dinala ang mga ito sa liwanag ng Diyos. Noong 1879 natapos ni Rubinstein ang opera na The Merchant Kalashnikov. Ang kanyang opera na The Demon ay ibinigay sa unang pagkakataon sa Moscow sa parehong 1879, noong Oktubre, at noong 1884 ang ika-100 na pagtatanghal ng opera na ito ay naganap sa St. Petersburg: si Rubinstein mismo ang nagsagawa. Sa parehong taon, ang kanyang opera na Nero ay ginanap sa entablado ng Imperial Italian Opera. Sa kasalukuyang panahon ay tinatapos niya, ayon sa Novoe Vremya, isang bagong opera na tinatawag na The Hoppy Night, sa isang libretto ni Mr. Averkiev.

Imposibleng ipasa sa katahimikan ang mga katangian ni A. G. Rubinshtein bilang isang guro. Nangunguna sa konserbatoryo, nagsisilbi siyang isang halimbawa ng isang perpektong saloobin patungo sa sining, alam niya kung paano pukawin ang mga mag-aaral na may lakas para sa trabaho, isang uhaw sa kaalaman, pag-ibig sa sining. Sa lahat ng ito, kilala si Rubinstein bilang isang mahusay na konduktor. Ang pagiging konduktor ng mga konsyerto ng Russian Musical Society sa loob ng 7 taon, ipinakilala niya ang publiko sa St. Petersburg kay Berlioz, Liszt at Schumann, upang ang kanyang mga merito sa bagay na ito ay napakahalaga. Imposibleng ipasa sa katahimikan ang mga serbisyong ibinigay ni A. G. Rubinstein sa pambansang sining sa pamamagitan ng pagtatatag ng Russian Musical Society noong 1859, at noong 1862 ang konserbatoryo ng Lipunang ito. Sa loob ng limang taon mula sa pagkakatatag nito, siya ang direktor ng conservatory na ito, at mula noong 1887 muli siyang tinawag upang pamahalaan ang kanyang brainchild.

Nananatili itong idagdag na si Anton Grigoryevich, bilang isang tao, ay mahal na mahal para sa kanyang direktang karakter, kawalang-interes at pagmamahal sa kanyang kapwa. Ang mga pondong nalikom ni G. Rubinstein sa pamamagitan ng mga konsyerto para sa mga layunin ng kawanggawa ay umaabot sa daan-daang libong rubles. Ang lahat ng pinagsama-samang ito ay nagbibigay ng karapatang ipalagay na ang pagdiriwang ng limampung taong aktibidad ng sikat na kompositor at birtuoso, na ipinagpaliban sa Nobyembre 18, ang kanyang kaarawan, ay magkakaroon ng napakagandang sukat. Hindi bababa sa hindi lamang Russia, ngunit ang buong mundo ng musika ay makikilahok dito. Sa pagkakaalam namin, ang apela ng komite para sa pag-aayos ng pagdiriwang sa iba't ibang mga institusyong pangmusika sa Russia at iba pang mga bansa ay pumukaw ng pangkalahatang simpatiya. Ang mga propesor at guro ng Conservatory ay nag-donate ng 4,000 rubles para sa isang scholarship na pinangalanang bayani ng araw. Bilang karagdagan, iminungkahi sa mga dating mag-aaral na nakatapos ng kurso sa St. Petersburg Conservatory sa ilalim ni A. G. Rubinstein na bumuo ng mga cantata sa mga tula na isinulat para sa darating na pagdiriwang. Ang lahat ng mga kompositor na nakapag-aral sa Conservatory ay naghahanda ng album ng kanilang mga komposisyon para sa regalo kay A. G. Rubinstein. Sa iba't ibang lungsod ng Russia, ang mga pirma ay inaayos upang mangolekta ng mga donasyon para sa parehong layunin. Ang Direktor ng Russian Musical Society ay nagtatanghal ng album-catalog na binubuo ng mga guhit na ginawa ni ang pinakamahusay na mga artista at kasabay nito ay pinalamutian ng mga tema mula sa mga gawa ni A. G. Rubinstein, na nakaayos sa magkakasunod na pagkakasunud-sunod. Sa lahat ng posibilidad, ang pagdiriwang ay masira sa loob ng ilang araw, tulad ng dapat gawin seremonyal na pagpupulong sa Assembly of the Nobility, isang pulong sa Conservatory, upang magbigay ng isang konsiyerto mula sa mga gawa ng bayani ng araw, kung saan ang lahat ng mga choral society ng St.

("Russian Antiquity", 1890, book 1, p. 242).

Sa pagkamatay ni A. G. Rubinstein

Ang paglilibing ng katawan ng namatay na pianist-composer na si A. G. Rubinshtein ay naka-iskedyul sa Nobyembre 18, "ang kaarawan ng namatay," ayon sa mga pahayagan ng St. Ngunit ang petsang ito ng kaarawan ni A. G. Rubinshtein ay hindi tama. Batay sa kanyang mga autobiographical memoir, na inilagay niya limang taon na ang nakalilipas sa "Russian Antiquity" (1889, No. 11), ang Nobyembre 16, 1829 ay dapat kilalanin bilang kaarawan ng yumaong kompositor. Sa simula ng kanyang mga memoir, sinabi ni A. G. Rubinshtein ang sumusunod na verbatim:

"Ako ay isinilang noong 1829, noong Nobyembre 16, sa nayon ng Vykhvatynets, sa hangganan ng lalawigan ng Podolsk at Bessarabia, sa pampang ng Dniester River. Ang nayon ng Vykhvatynets ay matatagpuan tatlumpung versts mula sa lungsod ng Dubossary at limampung versts mula sa Balta.

Hanggang ngayon, hindi ko alam nang eksakto hindi lamang ang araw, kundi pati na rin ang taon ng aking kapanganakan; sa ganito ang patotoo ng aking matandang ina, na nakalimot sa oras ng aking kapanganakan, ay nagkamali; ngunit ayon sa pinakahuling ebidensyang dokumentaryo - tila walang duda na ang Nobyembre 16, 1829 ay ang araw at taon ng aking kapanganakan, ngunit dahil ipinagdiwang ko ang aking kaarawan noong ika-18 sa buong buhay ko, ito ay nasa ikapitong dekada na - hindi ko kailangang ilipat ang holiday ng aking pamilya; hayaan itong manatili sa ika-18 ng Nobyembre."

Kaya naman kusang-loob na tinuturing ng yumaong kompositor ang Nobyembre 18 bilang holiday ng kanyang pamilya. Ngunit para sa kasaysayan, ang kaarawan ni A. G. Rubinstein ay dapat isaalang-alang noong Nobyembre 16, 1829.

("Moscow Vedomosti", 1894, No. 309).

AT AKO.<D. D. Yazykov>

Bibliograpiya

Romansa "Pagnanais"

"Miscellanions" - isang koleksyon ng mga gawa sa piano (1872).

Mga Alaala ("Russian Antiquity", 1889, book 11, pp. 517-562). Ang Gedankenkorb ni Anton Rubinstein (Leipzig, inedit ni Hermann Wolf, 1897).

Mga kaisipan at aphorismo. Pagsasalin mula sa Aleman ni N. Strauch. Edisyon G. Malafovsky. SPb., 1904.

Tungkol sa kanya:

"Galatea", Part I, No. 6, p. 486-487; Bahagi IV, Blg. 29, p. 205-206 (1839).

"Moscow Vedomosti", 1839, No. 54.

"Mayak", 1814, bahagi 19-21, ed. V, p. 74.

"Moscow Vedomosti", 1843, No. 43.

"St. Petersburg Vedomosti", 1843, No. 53.

"St. Petersburg Vedomosti", 1844, No. 58 at 66.

"Moscow Vedomosti", 1847, No. 149.

"Ilustrasyon", 1848, No. 16, p. 248-249.

"Moskvityanin", 1849, v. 1, aklat. 2, p. 55.

"Sunday Leisure", 1866, No. 162.

"Modern Chronicle", 1868, No. 34 (artikulo ni G. A. Laroche).

"World Illustration", 1870, No. 55.

"Niva", 1870, No. 32.

"Musical Light", 1872, No. 11.

"Diksyunaryo ng musika" P. D. Perepelitsyn. M., 1884, p. 306-307.

"Russian Antiquity", 1886, libro. 5, p. 440-441 ("Mga Memoir" ni I. M. Lokhvitsky).

"Russian Antiquity", 1889, aklat. 11 ("Memoirs of M. B. R-ga).

"Russian Antiquity", 1890, libro. 1, p. 242 at 247-280 ("Biographical sketch ng A. I. Villuan").

"Birzhevye Vedomosti", 1894, No. 309.

Moscow Vedomosti, 1894, No. 308-311, 313, 316, 318, 320-322, 326, 331.

"Bagong Panahon", 1894, No. 6717-6727, 6729, 6743 na may mga guhit. annexes sa No. 6720 at 6727.

"Russian Thought", 1894, libro. 12, dep. II, p. 267-271.

"Russian Review", 1894, aklat. 12, p. 971-986.

"Moscow Vedomosti", 1895, No. 9.

"Observer", 1895, aklat. 3, p. 96-122.

Sofia Kavos-Dekhtereva. A. G. Rubinshtein. Biographical sketch at musical lectures (kurso ng piano literature, 1888-1889). SPb., 1895, 280 pp., na may dalawang larawan at 35 halimbawa ng musika.

"Yearbook of the Imperial Theatres", season 1893-1894, p. 436-446 (G. A. Laroche).

"Bulletin of Europe", 1894, libro. 12, p. 907-908.

"Russian Messenger", 1896, aklat. 4, p. 231-242.

"A. G. Rubinstein sa kanyang mga espirituwal na opera" ("Musical Newspaper", 1896, Setyembre, artikulo ni A. P. Koptyaev).

"Russian Antiquity", 1898, libro. 5, p. 351-374 ("Memoirs" ni V. Bessel).

"Moscow Vedomosti", 1898, No. 128, 135.

"Historical Bulletin", 1899, aklat. 4, p. 76-85 (M. A. Davidova).

Catalog ng museo na pinangalanang A. G. Rubinshtein. Mula sa port. at isang snapshot. para sa 4 na segundo. mga sheet. SPb., 1903.

"Moscow Vedomosti", 1904, No. 309, 322, 324 ("In Memory of Rubinstein" ni Adelaide Gippius).

"Russian Vedomosti", 1904, No. 303, 311.

Manykin-Nevstruev N. Sa ika-10 anibersaryo ng pagkamatay ni A. G. Rubinshtein, na may isang larawan, 1904.

"Russian Messenger", 1905, aklat. 1, p. 305-323 (M. Ivanova).

"Russian Antiquity", 1909, libro. 11, p. 332-334 (Mga Memoir ni Yulia Fedorovna Abaza).

N. Bernstein. Talambuhay ni A. G. Rubinstein (Universel Bibliothek, 1910).

"Family Journal", 1912, No. 1 (Memoirs of Prof. A. Puzyrevsky).

"Russian Word", 1914, No. 258 (Memoirs of N. D. Kashkin).

Rubinstein, Anton Grigorievich

Ruso na kompositor at birtuoso, isa sa pinakadakilang pianista noong ika-19 na siglo. Genus. Nobyembre 16, 1829 sa nayon ng Vikhvatinets, sa Bessarabia. Nag-aral muna siya sa kanyang ina, pagkatapos ay kay Villuan, isang estudyante ng Field. Ayon kay R., kaibigan at pangalawang ama niya si Villuan. Siyam na taon R. ay nagsalita na sa publiko sa Moscow, noong 1840 - sa Paris, kung saan sinaktan niya ang mga awtoridad tulad ng Aubert, Chopin, Liszt; tinawag siya ng huli na tagapagmana ng kanyang laro. Napakatalino ng kanyang concert tour sa England, Netherlands, Sweden, Germany. Sa Breslau R. ginanap ang kanyang unang komposisyon para sa piano na "Ondine". Noong 1841, naglaro si R. sa Vienna. Mula 1844 hanggang 1849 Si R. ay nanirahan sa ibang bansa, kung saan ang kanyang mga tagapayo ay ang sikat na counterpointist na si Den at kompositor na si Meyerbeer. Si R. Mendelssohn ay may labis na mainit na saloobin sa mga kabataan. Pagbalik sa St. Petersburg, siya ay naging pinuno ng musika sa korte ng Grand Duchess Elena Pavlovna. Ang isang serye ng kanyang mga piyesa ng piano at ang opera na "Dmitry Donskoy" ay nabibilang sa oras na ito. 1854-1858 R. na ginugol sa ibang bansa, nagbibigay ng mga konsiyerto sa Holland, Germany, France, England, Italy. Sa pagtatapos ng 50s, ang mga klase ng musika ay inayos sa palasyo ng Grand Duchess Elena Pavlovna, kung saan nagturo sina Leshetitsky at Venyavsky at ginanap ang mga konsiyerto sa ilalim ng direksyon ni R., na may pakikilahok ng isang amateur choir. Noong 1859, itinatag ni R., sa tulong ng mga kaibigan at sa ilalim ng tangkilik ng Grand Duchess Elena Pavlovna, ang Russian Musical Society (tingnan). Noong 1862, binuksan ang "Music School", na noong 1873 ay natanggap ang pangalan ng Conservatory (tingnan). Si R., na hinirang na direktor nito, ay nais na kumuha ng pagsusulit para sa isang diploma ng isang libreng artista ng paaralang ito at itinuring na unang nakatanggap nito. Mula noong 1867, muling nagpakasawa si Mr.. R. sa konsiyerto at pinahusay na aktibidad ng kompositor. Ang partikular na napakatalino na tagumpay ay sinamahan ng kanyang paglalakbay sa Amerika noong 1872. Hanggang 1887, si Mr.. R. ay nanirahan sa ibang bansa, pagkatapos ay sa Russia. Mula 1887 hanggang 1891 muli ang direktor ng St. Petersburg. konserbatoryo. Ang kanyang mga pampublikong musikal na lektura ay nabibilang sa panahong ito (32 ang bilang, mula Setyembre 1888 hanggang Abril 1889). Bilang karagdagan sa napakatalino na paghahatid ng mga gawa ng piano ng mga may-akda ng lahat ng nasyonalidad, mula sa ika-16 na siglo hanggang sa makabago, nagbigay si R. ng isang mahusay na sanaysay sa mga lekturang ito. Makasaysayang pag-unlad musika, na naitala mula sa mga salita ng lecturer mismo at inilathala ni S. Kavos-Dekhtyareva. Ang isa pang recording ay inilathala ni Ts. A. Cui, sa ilalim ng pamagat na "History of Piano Music Literature" (St. Petersburg, 1889). Sa parehong tagal ng panahon, sa inisyatiba ng R., lumitaw ang mga pampublikong konsiyerto. Ang mga lektyur na nabanggit ay nauna noong 1885-86. makasaysayang konsiyerto na ibinigay ni R. sa St. Petersburg at Moscow, pagkatapos ay sa Vienna, Berlin, London, Paris, Leipzig, Dresden, Brussels. Noong 1889, ang kalahating siglong anibersaryo ng artistikong aktibidad ni R. ay taimtim na ipinagdiwang sa St. Petersburg. Pagkatapos umalis sa conservatory, muling nanirahan si R. alinman sa ibang bansa o sa Russia. Namatay siya sa Peterhof noong Nobyembre 8, 1894 at inilibing sa Alexander Nevsky Lavra.

Bilang isang birtuoso na pianista, wala siyang karibal. Ang pamamaraan ng mga daliri at, sa pangkalahatan, ang pagbuo ng mga kamay ay para sa R. isang paraan lamang, isang kasangkapan, ngunit hindi isang layunin. Isang indibidwal na malalim na pag-unawa sa kung ano ang kanyang ginampanan, isang kahanga-hanga, iba't ibang ugnayan, kumpletong pagiging natural at kadalian ng pagganap ang nasa puso ng laro ng pambihirang pianista na ito. Sinabi mismo ni R. sa kanyang artikulong "Russian Music" ("Vek", 1861): "Ang pagpaparami ay ang pangalawang paglikha. Sa pagkakaroon ng kakayahang ito, magagawa niyang ipakita ang isang katamtamang komposisyon bilang maganda, na nagbibigay ng mga kakulay ng kanyang sariling imahe; kahit sa mga gawa ng isang mahusay na kompositor, makakahanap siya ng mga epekto na nakalimutan niyang ituro, o hindi niya naisip. Ang hilig sa pagsusulat ay inagaw si R. noong siya ay 11 taong gulang. Sa kabila ng kawalan ng pagpapahalaga sa talento ni R. bilang kompositor ng publiko at bahagyang ng mga kritiko, siya ay nagsumikap at nagsumikap sa halos lahat ng uri ng musikal na sining. Ang bilang ng kanyang mga komposisyon ay umabot sa 119, hindi binibilang ang 12 opera at isang malaking bilang ng mga gawa sa piano at romansa na hindi minarkahan bilang opus. Sumulat si R. ng 50 gawa para sa piano, kabilang ang 4 na piano concerto na may isang orkestra at isang pantasiya na may isang orkestra; pagkatapos ay mayroong 26 na mga gawa para sa pag-awit ng konsiyerto, solo at choral, 20 mga gawa sa larangan ng chamber music (violin sonatas, quartets, quintets, atbp.), 14 na gawa para sa orkestra (6 symphony, Quixote", "Faust", the overtures "Antony at Cleopatra", isang concert overture, isang solemne overture, isang dramatic symphony, isang musical picture na "Russia", na isinulat para sa pagbubukas ng isang eksibisyon sa Moscow noong 1882, atbp.). Bilang karagdagan, sumulat siya ng mga konsyerto para sa biyolin at para sa cello at orkestra, 4 na sagradong opera (oratorios): "Paradise Lost", "Tower of Babel", "Moses", "Christ" at isang eksena sa Bibliya sa 5 eksena - "Shulamith" , 13 opera: "Dmitry Donskoy o ang Labanan ng Kulikovo" - 1849 (3 kilos), "Hadji Abrek" (1 kilos), "Siberian Hunters" (1 kilos), "Fomka the Fool" (1 gawa), "Demonyo "(3 kilos) - 1875, "Feramores" (3 kilos), "Merchant Kalashnikov" (3 kilos) - 1880, "Mga Bata ng Steppes" (4 na kilos), "Maccabees" (3 kilos) - 1875 ., " Nero" (4 acts) - 1877, "Parrot" (1 act), "At the Robbers" (1 act), "Goryusha" (4 acts) - 1889, at ang ballet na "The Vine". Marami sa R.' Ang mga opera ay ibinigay sa ibang bansa: "Moises" - sa Prague noong 1892, "Nero" - sa New York, Hamburg, Vienna, Antwerp, "Demon" - sa Leipzig, London, "Children of the Steppes" - sa Prague , Dresden, "Maccabees" - sa Berlin, "Feramors" - sa Dresden, Vienna, Berlin, Koenigsberg Danzig, "Christ" - sa Bremen (1895). Sa Kanlurang Europa, tinangkilik ni R. ang parehong pansin, kung hindi higit pa, tulad ng sa Russia. Para sa mabubuting gawa, nag-donate si R. ng maraming sampu-sampung libo, sa tulong ng kanyang mga charity concert. Para sa mga batang kompositor at pianista, nag-organisa siya ng mga kumpetisyon tuwing limang taon sa iba't ibang mga sentro ng musika sa Europa, sa interes mula sa kapital na nilayon para sa layuning ito. Ang unang kumpetisyon ay sa St. Petersburg, sa ilalim ng pamumuno ni R., noong 1890, ang pangalawa - sa Berlin, noong 1895. Ang aktibidad ng pedagogical ay hindi paboritong libangan ni R.; gayunpaman, lumabas sa kanyang paaralan si Cross, Terminskaya, Poznanskaya, Yakimovskaya, Kashperova, Holliday. Bilang isang konduktor, si P ay isang malalim na tagapagsalin ng mga may-akda na kanyang ginampanan at, sa mga unang taon ng pagkakaroon ng mga konsyerto ng lipunang musikal ng Russia, isang propagandista ng lahat ng maganda sa musika. Ang pangunahing akdang pampanitikan ng R.: " sining ng Russia"(" Century ", 1861), isang autobiography na inilathala ni M. I. Semevsky noong 1889 at isinalin sa German (" Anton Rubinstein "s Erinnerungen", Leipzig, 1893) at "Music and its representatives" (1891; isinalin sa maraming wikang banyaga) .

Tingnan ang "A. G. R.", biographical sketch at musical lectures ni S. Kavos-Dekhtyareva (St. Petersburg, 1895); "Anton Grigorievich R." (mga tala sa kanyang talambuhay ni Dr. M. B. R-ga., St. Petersburg, 1889; ibid., 2nd edition), "Anton Grigorievich R." (sa mga memoir ni Laroche, 1889, ib.); Emil Naumann, "Illustrirte Musikgeschichte" (B. at Stuttgart); B. C. Baskin, "Mga kompositor ng Russia. A. G. R." (M., 1886); K. Galler, sa Blg. 721, 722, 723 ng "World Illustration" para sa 1882; Albert Wolff, "La Gloriole" ("Mémoires d" un parisien", P., 1888); "Ang paparating na ika-50 anibersaryo ng artistikong aktibidad ng A. G. R." ("Tsar Bell"); "Sa ika-50 anibersaryo ng A. G. R.", Don Mequez (Odessa, 1889); "A. G. R." (biographical sketch ng H. M. Lissovsky, "Musical Calendar-Almanac", St. Petersburg, 1890); Riemen, "Opera-Handbuch" (Leipzig, 1884); Zabel, "Anton Rubinstein. Ein Künsterleben" (Leipzig, 1891); "Anton Rubinstein", sa English journal na "Review of Reviews" (No. 15, December 1894, L.); "A. G. R.", artikulo ni V. S. Baskin ("Observer", Marso, 1895); M. A. Davidov, "Memories of A. G. R." (St. Petersburg, 1899).

(Brockhaus)

Rubinstein, Anton Grigorievich

Anton Grigorievich Rubinstein.

Ang pinakadakilang pianista, natatanging kompositor at pampublikong pigura; ay ipinanganak noong 1829 sa nayon ng Vykhvatintsy, sa hangganan ng mga lalawigan ng Podolsk at Bessarabian, sa isang tavern, kung saan huminto ang kanyang ina sa daan; namatay noong 1894 sa St. Petersburg. Ang mga ninuno ni R. ay kabilang sa mayayamang Jewish intelligentsia ng lungsod ng Berdichev. Noong si R. ay isang taong gulang, ang kanyang lolo (isang magaling na Talmudist; ang kanyang larawan ay nasa museo ng R. sa St. Petersburg Conservatory), na nabangkarote, na-convert sa Kristiyanismo kasama ang kanyang mga anak at apo. Noong 1834, ang ama ni R. at ang kanyang pamilya ay lumipat sa Moscow. Ang unang guro ni R. ay ang kanyang ina, na nagsimulang magturo sa kanyang anak kung paano tumugtog ng piano noong siya ay anim na taong gulang. Walong taong gulang, lumipat si R. sa pinakamahusay na pianista ng Moscow noong panahong iyon, A. I. Villuan. Sa kanyang ikasampung taon, nagtanghal siya sa publiko sa unang pagkakataon sa isang charity concert at sa tagumpay na nagselyado sa kanyang artistikong hinaharap. Sa pagtatapos ng 1840, si Mr.. R. kasama si Villouan ay nagtungo sa Paris, kung saan nagtanghal siya sa mga konsyerto at nakilala si Chopin, Liszt, Viettan at iba pa. Sa payo ni Liszt, na tinawag si R. "ang kahalili ng kanyang laro," naglibot si Villuan sa Europa kasama ang kanyang estudyante. Saanman ang mga pagtatanghal ni R. ay sinamahan ng pambihirang tagumpay, kaya't ang Philharmonic Society sa Berlin ay naghalal sa kanya bilang isang honorary member, at ang publisher na si Schlesinger ay naglathala ng kanyang unang sketch na "Ondine", 1842. Nang isaalang-alang ni Villuan na natapos ang kanyang gawain at tumigil sa pag-aaral kay R. ., ang ina ni R. ay sumama sa kanya at kasama ang kanyang bunsong anak na si Nikolai (tingnan) sa Berlin, kung saan nag-aral si R. sa sikat na counterpointist na si Den. Nakilala ni R. dito sina Mendelssohn at Meyerbeer. Ang impluwensya ng mga musikero na ito ay may kapaki-pakinabang na epekto sa artistikong direksyon ng R. Mula noong 1846, nagsimula si R. ng isang malayang buhay, lumipat sa Vienna, kung saan siya ay nagkaroon ng tagumpay sa ilang sandali bago, umaasa na makahanap ng suporta dito. Ngunit ang pag-asa sa Liszt at matataas na opisyal ay hindi natupad. Sinabi ni List na upang maging isang dakilang tao, dapat umasa lamang sa sariling lakas at paghandaan pagsubok . Sa loob ng dalawang taon, kinailangan ni R. na mamuhay mula sa kamay hanggang sa bibig, tumakbo sa mga aralin sa sentimos, kumanta sa mga simbahan. At dito pinatigas ng 17-anyos na batang lalaki ang kanyang pagkatao at nagkamit ng makamundong karanasan. Sa pagtatapos ng pananatili ni R. sa Vienna, medyo bumuti ang kanyang sitwasyon salamat sa hindi inaasahang tulong ni Liszt. Matapos ang isang matagumpay na paglilibot sa konsiyerto ng Hungary, bumalik si R. sa Russia. Sa simula ng kanyang buhay sa St. Petersburg, lubos na inilaan ni R. ang kanyang sarili sa gawaing pedagogical at malikhaing. Sa mga opera na isinulat niya, unang itinanghal si Dmitry Donskoy (noong 1852), na hindi naging matagumpay, at pagkatapos ay ang Fomka the Fool (noong 1853), na ginanap nang hindi gaanong tagumpay. Sa kabila ng mga kabiguan, ang mga pagtatanghal na ito ay naglagay ng R. Mula 1854 hanggang 1858, nilibot ni R. ang Europa, na nagbigay ng mga konsiyerto na may malaking tagumpay; nagtanghal din siya ng sarili niyang mga komposisyon. Sa paglipas ng mga taon, nagawa ni R. na lumikha ng maraming mga gawa. Kabilang sa mga ito ang mga opera, symphony, tula at mga piyesa ng piano. Sa pagbabalik ni Rubinstein sa kanyang tinubuang-bayan noong 1858, nagsimula ang isang mabungang panahon sa kanyang aktibidad, na gumaganap ng isang makasaysayang papel sa buhay musikal ng Russia. Bago siya, naghari ang dilettantism sa Russia, at ang aktibidad ng musika ay ang karamihan ng isang maliit na grupo ng mga tao. Ang mga musikal na lipunan na umiral sa isang limitadong bilang ay naglabas ng isang miserableng pag-iral. Walang mga propesyonal na musikero, at walang mga institusyon na nagtataguyod ng pagpapalaganap ng edukasyong pangmusika at sining. Sa tulong ng Grand Duchess Elena Pavlovna at mga kilalang public figure, pinamamahalaan ni R. na itatag noong 1859 sa St. Petersburg ang "Russian Musical Society" at kasama nito ang mga klase ng musika, na pagkaraan ng tatlong taon ay naging isang konserbatoryo. Nahalal si R. sa unang direktor nito, na siyang unang nakatanggap ng titulong "libreng artista" pagkatapos ng pagsusulit sa konserbatoryo. Nagturo siya sa conservatory piano, theory, instrumentation at nagturo ng choral, orchestral at ensemble classes. Sa kabila ng walang kapagurang aktibidad, si R. ay nakakahanap ng oras para sa malikhaing gawain, at para sa mga pagtatanghal bilang isang birtuoso. Sa pag-alis ng conservatory noong 1867, muling itinalaga ni Mr.. R. ang kanyang sarili sa aktibidad ng konsiyerto, pangunahin sa ibang bansa. Ang kanyang artistikong kapanahunan ay umabot sa rurok nito sa oras na ito. Bilang isang pianista, nanalo siya ng unang pwesto sa mga pinakakilalang kinatawan ng kuta. sining, ngunit bilang isang kompositor ay nakakuha ng atensyon ng lahat. Sa panahong ito, nilikha niya ang pinakamahusay na mga gawa: ang mga opera na "Demon", "Feramors", "Maccabees", "The Merchant Kalashnikov" at ang oratorio "Babylon Pandemic". Sa mga paglalakbay sa konsiyerto ng panahon ng 1872-73, dapat tandaan ang isang paglalakbay sa Amerika kasama si Venyavsky (tingnan), kung saan 215 na mga konsyerto ang ibinigay sa loob ng walong buwan, na may napakalaking tagumpay. Noong 1882, bumalik si Mr.. R. sa konserbatoryo, ngunit hindi nagtagal ay umalis muli ito. Noong 1887, si Mr.. R. sa ikatlong pagkakataon ay inanyayahan sa direktor ng St. Petersburg. konserbatoryo (hanggang 1891). Mula noong 1887, si Mr.. R. ay nagbigay ng mga konsyerto ng eksklusibo sa kawanggawa. mga layunin. Bilang isang pianista sa subtlety, nobility, inspirasyon, lalim at spontaneity ng kanyang performance, si R. ang pinakadakilang master sa lahat ng panahon at mga tao. Hindi niya ipinadala ang mga gawa, ngunit sa pamamagitan ng pagpaparami, muli siyang lumikha, tumagos sa espirituwal na diwa ng may-akda. Bilang isang kompositor, walang alinlangan na kabilang siya sa mga namumukod-tanging tagalikha noong ika-19 na siglo. Hindi siya lumikha ng alinman sa isang paaralan o isang bagong direksyon, ngunit sa lahat ng kanyang isinulat, higit sa larangan ng vocal at pagiging malikhain ng piano dapat maiugnay sa pinakamahusay na mga halimbawa ng panitikan sa mundo. R. ay may isang espesyal na lugar sa lugar ng oriental na pangkulay. Dito siya ay kapansin-pansin at nakakamit ng napakatalino na mga resulta minsan. Ang pinakamahusay na mga gawa sa lugar na ito ay ang mga kung saan ang Jewish kaluluwa ng R. upang confidently uriin ang mga ito bilang purong Jewish melodies. Sa lugar na ito, ang malikhaing imahe ni R. ay mas ganap at maliwanag na binalangkas at ang kanyang Hudyo na pinagmulan at pananaw sa mundo ay mas malinaw na ipinahayag. Medyo kakaiba ang kanyang pagkahumaling sa "mga espiritwal na opera", na isinulat niya pangunahin sa mga paksang biblikal. Ang kanyang minamahal na pangarap ay lumikha ng isang espesyal na teatro para sa mga opera na ito. Bumaling siya sa mga kinatawan ng komunidad ng mga Hudyo ng Paris na may kahilingan na magbigay ng pinansiyal na suporta para sa pagpapatupad ng kanyang ideya, ngunit, handa na upang matupad ang kanyang pagnanais, hindi sila nangahas na simulan ang kasong ito. Noong 1889, sa araw ng ika-50 anibersaryo ng artistikong aktibidad ni R., isang taos-pusong talumpati ang iniharap sa kanya mula sa "O-va for the dissemination of enlightenment among the Jews", kung saan siya ay naging miyembro halos mula sa ang pinakasimula. Napanatili ni R. ang pinakamatapat na pakikipag-ugnayan sa maraming Hudyo. Siya ay nasa mahusay na pakikipagkaibigan sa isang bilang ng mga manunulat na Hudyo (Yu. Rozenberg, R. Levenshtein, S. Mozental); ang manunulat na si Auerbach, ang biyolinistang si Joachim at ang kritiko na si G. Ehrlich ay namumukod-tangi sa kanyang mga kaibigan sa Berlin. Ang unang tagapaglathala ng R. ay ang Jew Schlesinger, at ang kilalang tao sa musika na si R. Singer ay gumamit ng mga tagubilin sa mga pinagmumulan ng Heb. himig para sa opera Maccabees. Bilang isang tao, bilang isang pampublikong pigura, si R. ay bihirang kadalisayan at maharlika. Pantay-pantay ang pakikitungo niya sa lahat ng tao, anuman ang pinagmulan at posisyon. Hindi niya gusto ang mga kompromiso at dumiretso at masigla patungo sa kanyang layunin. Sa memorya ng R. binuksan noong 1900, isang museo na ipinangalan sa kanya sa St. Petersburg. konserbatoryo; sa parehong lugar noong 1902, isang marmol na estatwa niya ang itinayo, at sa site ng bahay sa Vykhvatintsy, kung saan siya ipinanganak, isang gusaling bato ang itinayo at noong 1901 isang pampublikong paaralan na pinangalanan sa kanya ang binuksan na may pinahusay na pagtuturo. ng Musika. Ang R. Peru ay nagmamay-ari ng mga artikulo sa pahayagan na nilimbag muli sa aklat ni Cavos-Dekhtereva na "Music and Its Representatives", "Thoughts and Notes", at isang autobiography na inilathala sa "Russian Antiquity" (1889, No. 11).

D. Chernomordikov.

(Heb. enc.)

Rubinstein, Anton Grigorievich

Mahusay na pianista, kahanga-hangang kompositor at nagtatanim ng edukasyong pangmusika sa Russia, b. Nobyembre 16, 1829 sa may. Vykhvatintsakh, malapit sa bayan ng Dubossary (distrito ng Baltic, lalawigan ng Podolsk); isip. mula sa pagpalya ng puso noong Nobyembre 8, 1894 sa St. Peterhof (malapit sa St. Petersburg), sa kanyang dacha. Ang kanyang ama, isang Hudyo na pinanggalingan, na nabautismuhan noong si Anton ay isang taong gulang, ay umupa ng lupa malapit sa Vykhvatintsy, at noong 1835 ay lumipat kasama ang kanyang pamilya sa Moscow, kung saan bumili siya ng pabrika ng lapis at pin; ina, nee Lowenstein (1805-1891), na nagmula sa Silesia, isang masigla at edukadong babae, ay isang mahusay na musikero at ang unang guro ng kanyang anak, na sinimulan niyang turuan na tumugtog ng piano. mula 6½ taong gulang. Walong taon si R. ay naging estudyante ng Villuan, na nag-aral hanggang sa edad na 13 at pagkatapos nito ay wala na siyang guro. 10 taon (1839) R. unang gumanap sa Moscow sa isang charity concert. Sa pagtatapos ng 1840, dinala siya ni Villouin sa Paris Conservatory; sa ilang kadahilanan, hindi pumasok si R. sa konserbatoryo, ngunit matagumpay na naglaro sa mga konsyerto sa Paris, nakilala si Liszt, na tinawag siyang "kanyang kahalili", Chopin, Vietan, at iba pa. Sa payo ni Liszt, pumunta si R. sa Alemanya, sa pamamagitan ng Holland , England, Sweden at Norway. Sa lahat ng mga estadong ito, at pagkatapos ay sa Prussia, Austria at Saxony, naglaro si R. nang walang gaanong tagumpay sa mga konsyerto at sa mga korte. Ang parehong bagay ay nangyari sa St. Petersburg, kung saan si R. at ang kanyang guro ay dumating noong 1843, pagkatapos ng 2½ taon na nasa ibang bansa. R. nag-aral ng isa pang taon sa Moscow kasama si Villuan; Noong 1844, dinala siya ng kanyang ina at ang kanyang bunsong anak na si Nikolai (tingnan) sa Berlin upang bigyan sila ng pangkalahatang edukasyon doon at magbigay ng pagkakataong seryosong makisali sa teorya ng musika. Nag-aral ng teorya si R. sa pamumuno ni Den noong 1844-46; sa parehong oras, kasama ang kanyang kapatid, madalas niyang binisita sina Mendelssohn at Meyerbeer, na may malaking impluwensya sa kanya. 1846, pagkamatay ng kanyang asawa, ang ina ni R. ay bumalik sa Moscow, habang siya mismo ay lumipat sa Vienna. Dito nanirahan si R. mula kamay hanggang bibig, kumanta sa mga simbahan, nagbigay ng mga aralin sa sentimos. Ang kanyang konsiyerto noong 1847 ay nagkaroon ng kaunting tagumpay. Gayunpaman, nang maglaon, salamat sa tulong ni Liszt, ang kanyang posisyon sa Vienna ay bumuti. Ang concert tour ni R. kasama ang flutist na si Heindel mula sa Hungary noong 1847 ay isang malaking tagumpay; parehong pupunta sa Amerika, ngunit pinigilan ni Den si R., at bumalik siya sa Russia noong 1849, at ang dibdib na may mga manuskrito ng kanyang mga komposisyon ay kinuha na kahina-hinala dahil sa customs revolution. opisyal at namatay (ang unang nakalimbag na gawain ni R. - ang pag-aaral ng piano na "Ondine" - nagdulot ng isang nakikiramay na pagsusuri kay Schumann sa kanyang pahayagan). Ang Opera R. "Dmitry Donskoy" (1852) ay nagkaroon sa St. Petersburg. maliit na tagumpay, ngunit nakatawag pansin sa kanya V. K. Elena Pavlovna, sa korte kung saan si R. ay naging isang malapit na tao, na kasunod na ginawang mas madali para sa kanya na magtrabaho sa pagtatanim ng musika. edukasyon sa Russia. Sa kanyang sariling utos, sumulat si R. ng ilang one-act na opera (tingnan sa ibaba). Noong 1854-58 R. nagbigay ng mga konsiyerto sa Germany, France, England at Austria. Sa kanyang pagbabalik sa Russia noong 1858, si R., kasama si V. Kologrivov (tingnan), ay nagtakdang magtrabaho sa pagtuklas ng R. M. O.; ang batas ay naaprubahan noong 1859 at mula noon ang Lipunan ay umunlad nang hindi karaniwan, na sa kasalukuyan ang pangunahing sentro ng pedagogical at artistikong musika. mga aktibidad sa Russia. Ang mga konsiyerto ni O-va ay idinirek ni R.; naging direktor din siya ng konserbatoryo, na itinatag noong 1862 sa ilalim ng Lipunan, kung saan, sa kanyang sariling malayang kalooban, pumasa siya sa pagsusulit sa teorya ng musika at tumugtog ng piano. para sa pamagat ng "libreng artist" (ang pagsusuri "jury" ay binubuo ng Bakhmetiev, Tolstoy, Mauer, K. Lyadov at iba pa). Itinuro ni R. ang pagtugtog ng piano sa konserbatoryo, instrumentasyon, nanguna sa mga klase sa ensemble, choral at orchestral na mga klase, sa pangkalahatan ay inilaan niya ang lahat ng kanyang lakas sa Ob-vu. Noong 1867, umalis si R. sa konserbatoryo, dahil hindi siya nakahanap ng simpatiya sa direktor para sa kanyang kahilingan para sa isang mas mahigpit na pagpili ng mga mag-aaral; bago pa man noon (1865) pinakasalan niya si Prinsesa V. A. Chekuanova. Umalis sa konserbatoryo, itinalaga ni R. ang kanyang sarili sa aktibidad ng konsyerto sa ibang bansa, kung minsan ay pumupunta sa Russia. Season 1871-72 R. nagsagawa ng symphony concerts ng musika. Lipunan sa Vienna; sa loob ng 8 buwan ng 1872-73, nagbigay si R. ng 215 na konsiyerto kasama si G. Venyavsky sa Hilaga. America, kung saan nakatanggap siya ng humigit-kumulang 80,000 rubles mula sa negosyante; Higit pang R. ay hindi kailanman nangahas na maglakbay tulad nito: "walang lugar para sa sining, ito ay trabaho sa pabrika" - sinabi niya. Sa kanyang pagbabalik mula sa Amerika, R. strenuously indulged sa komposisyon; marami sa mga opera ni R. ang itinanghal sa unang pagkakataon at maraming beses sa ibang bansa bago makarating sa Russia (tingnan sa ibaba). Siya rin ang nagpasimula ng "espirituwal na opera", iyon ay, mga opera sa mga kuwento sa Bibliya at ebanghelyo, na bago sa kanya ay binibigyang-kahulugan lamang sa anyo ng isang oratorio, hindi inilaan para sa entablado. Kahit sa ibang bansa, o higit pa sa Russia, si R. ay nabigo, gayunpaman, na makita ang kanyang "mga espiritwal na opera" sa entablado (tingnan sa ibaba para sa mga eksepsiyon); ginaganap ang mga ito sa anyo ng mga oratorio. Kasabay nito, hindi umalis si R. sa aktibidad ng konsiyerto; sa ilang mga konsiyerto na ibinigay sa alinmang lungsod, ang isa ay para sa karamihang bahagi ay nakatuon sa mga layunin ng kawanggawa. Sa kanyang mga paglalakbay, tiyak na naglakbay si R. sa buong Europa, maliban sa Romania, Turkey at Greece. Noong 1882-83, muling inanyayahan si R. na magdirekta ng mga konsyerto ng I. R. M. O.; sa huling konsiyerto ay binigyan siya ng isang address mula sa publiko, kung saan kinilala siya ng humigit-kumulang 6,500 signatories bilang pinuno ng musika. negosyo sa Russia. Noong 1885-86, nagsagawa si R. ng mahabang planong serye ng mga "makasaysayang konsyerto". Sa St. Petersburg, Moscow, Berlin, Vienna, Paris, London, Leipzig, Dresden at Brussels, binigyan sila ng 7 (sa huling 2 lungsod 3) na mga konsyerto, kung saan ginanap ang mga natatanging komposisyon ng piano sa lahat ng panahon at mga tao. Sa bawat lungsod, isang kumpletong serye ng mga konsyerto ang inulit nang walang bayad para sa mga mag-aaral at hindi sapat na musikero. Bahagi ng mga pondong nalikom ng mga konsiyerto na ito ay napunta sa pagtatatag ng "Rubinstein Competition". Noong 1887, muling inanyayahan si R. sa direktor ng St. Petersburg. conservatory, ngunit noong 1891 umalis sa conservatory para sa parehong mga dahilan tulad ng unang pagkakataon. 1888-89 binasa para sa mga mag-aaral sa high school ang isang one-of-a-kind na kurso sa kasaysayan ng panitikan ng piano, na sinamahan ng pagtatanghal ng mga 800 piraso. Si R. din ang tagapag-ayos at konduktor ng una sa St. Petersburg. mga pampublikong konsiyerto (1889, I. R. M. O.). Mula 1887, si R. ay hindi nagbigay ng mga konsiyerto sa kanyang sariling pabor, ngunit gumanap lamang para sa mga layunin ng kawanggawa; ang huling pagkakataon na naglaro siya sa isang konsiyerto para sa kapakinabangan ng mga bulag sa St. Petersburg. noong 1893. Ang mga aktibidad sa pagtuturo ay hindi nasiyahan sa espesyal na pakikiramay ni R. Siya ay kusang-loob na nakipagtulungan sa mga mahuhusay at pre-school na mga mag-aaral. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay sina: Cross, Terminskaya, Poznanskaya, Kashperova, Holliday, I. Hoffman at iba pa.Noong 1889 (Nobyembre 17-22), lahat ng edukadong Russia ay nagdiwang na may hindi pangkaraniwang solemnidad sa St. Ika-50 anibersaryo ng artistikong aktibidad ni R. (pagbati mula sa higit sa 60 deputasyon, humigit-kumulang 400 telegrama mula sa buong mundo, isang anibersaryo ng konserbatoryo, mga konsyerto at isang pagtatanghal ng opera mula sa mga gawa ni R., atbp.; isang medalya ay natumba sa kanyang karangalan, isang pondo ang nakolekta sa kanyang pangalan at iba pa). R. ay inilibing sa Alexander Nevsky Lavra. Noong 1900 sa St. Petersburg. nagbukas ang konserbatoryo ng museo na pinangalanang R. (mga manuskrito, iba't ibang publikasyon, larawan, bust, titik, atbp.). Noong 1901 sa may. Binuksan ni Vykhvatintsy ang isang 2-class na paaralan ng M. N. P. na pinangalanang R., na may pinahusay na pagtuturo ng musika. Noong 1902 sa St. Petersburg. isang marmol na estatwa ni R. ang inilagay sa konserbatoryo. Ang mga talambuhay ni R ay nakasulat sa Ingles. Sinabi ni Al. M "Arthur" ohm (London 1889), sa Aleman. V. Vogel "em ("A. R.", Leipzig 1888), V. Zabel "em (Leipzig, 1892) at E. Kretschmann" ohm (Leipzig, 1892), sa French A. Soubies "ohm (Paris , 1895); Mga edisyong Ruso: V. Baskin, "A. G. R." (St. Petersburg, 1886), N. Lisovsky, "A. G. R." (St. Petersburg, 1889), Zverev, "A. G. R." (Moscow, 1889), N. Lisovsky, "A. G. R." ("Music calendar-almanac for 1890"; na may listahan ng mga komposisyon, atbp.), S. Kavos-Dekhtyareva, "A. G. R." (St. Petersburg, 1895; sa paglalapat ng musika. lektura ni R. at iba pa), ang koleksyon na "A. G. R. 50 taon ng kanyang aktibidad sa musika" (St. Petersburg, 1889). Ang mga autobiographical na memoir ni R. ay lubhang kawili-wili (Russian Antiquity, 1889, No. 1); hiwalay na ed. na may apendiks ng mga memoir ni Laroche, R. et al., 1889). Tingnan din ang J. Rodenberg "Meine Erinnerungen at A. R." (1895), isang jubilee catalog ng mga gawa ni R. (ed. Zenfa, Leipzig, 1889) at isang catalog na pinagsama-sama ni V. Baskin sa St. Petersburg; "Catalogue ng St. Petersburg Museum na pinangalanang A. G. R." (1902; pinagsama-sama nang hindi sapat na maingat, ngunit naglalaman ng maraming kawili-wiling data), Cui, "Kasaysayan ng Panitikan ng Piano" (kurso R., St. Petersburg, 1889; mula sa "Nedelya", 1889). Mga akdang pampanitikan ni R.: ilang artikulo sa pahayagan tungkol sa konserbatoryo, espirituwal na opera, atbp. [muling inilimbag. sa aklat ni K.-Dekhtyareva]; "Music and Its Representatives" (1892 at mas bago; isinalin sa German at English; isang napaka-kagiliw-giliw na libro na nagpapakilala kay R.); "Gedankenkorb" (posthumous ed. 1897; "Thoughts and Notes").

Sa tabi ng Liszt, si R. ay isa sa mga pinakadakilang pianista na umiral. Kasama sa kanyang repertoire ang lahat ng anumang interes na naisulat para sa FP. Ang pamamaraan ni R. ay napakalaki at komprehensibo, ngunit ang nakikilala at pangunahing tampok ng kanyang laro, na nagbigay ng impresyon ng isang bagay na kusang-loob, ay hindi gaanong kinang at kadalisayan, ngunit ang espirituwal na bahagi ng paghahatid - isang makinang at independiyenteng interpretasyong patula. ng mga gawa ng lahat ng mga panahon at mga tao, at muli - ngunit hindi gaanong nabigyang pansin ang maingat na paggiling ng mga detalye, ngunit sa integridad at lakas ng pangkalahatang konsepto. Ang huli ay nagpapakilala rin sa akda ni R. Siya ay may mga gawa o bahagi ng mga akda na mahina, ngunit halos walang pahinang pinaghirapan. Minsan siya ay hindi sapat na mahigpit sa kanyang sarili, puno ng tubig, kontento sa unang pag-iisip na dumating kasama, pagbuo nito masyadong sketchily, ngunit ang pag-unlad na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng parehong kadalian at spontaneity tulad ng sa kanyang pinakamahusay na mga gawa. Hindi kataka-taka na sa gayong mga katangian, ang hindi pantay na pagkamalikhain ni R. ay hindi pangkaraniwang masagana at maraming nalalaman; halos walang bahagi ng komposisyon na hindi niya ginalaw, at ang mga perlas ay nakikita sa lahat ng dako. R. ay hindi maaaring maiugnay sa anumang partikular na paaralan; at the same time, ang talent niya. hindi masyadong orihinal na lumikha ng kanyang sariling paaralan. Tulad ng kanyang mag-aaral na si Tchaikovsky, si R. ay isang eclecticist, ngunit sa isang mas konserbatibong tono lamang. Ang elementong Ruso sa mga gawa ng R. ("Kalashnikov", "Goryusha", "Ivan the Terrible" at marami pang iba) ay ipinahayag halos maputla, maliit na orihinal; ngunit ito ay hindi pangkaraniwang malakas at orihinal sa musikal na ilustrasyon ng Silangan ("Demonyo", "Shulamith", bahagyang "Maccabees", "Babylonian pandemonium", "Feramors", "Persian songs", atbp.). Ang mga opera ni R. ay pinakamalapit sa uri sa Meyerbeer. Ang pinakasikat ay "Demonyo" at "Maccabees" (ang una - lalo na sa Russia, ang pangalawa - sa ibang bansa); maraming dilag sa iba niyang opera, na hindi gaanong kilala dito kaysa sa ibang bansa. Ang mga opera ni R. ay lalong handang itanghal sa Hamburg (tingnan sa ibaba). Ang mga komposisyon ng silid ni R. ay mas malawak, na pinakamalapit sa mga klasikal na halimbawa sa genus na ito ng Beethoven, Schumann, at bahagyang Mendelssohn. Ang impluwensya ng huling dalawa ay higit na malinaw sa maraming romansa ni R., karamihan sa mga ito ay nakasulat sa pareho, hindi palaging angkop sa kasong ito, pandekorasyon na pagsulat, tulad ng kanyang mga opera at oratorio. Ang pinakamahusay sa mga romansa ni R.: "Persian Songs", "Azra", "Dew Shines", "Jewish Melody", "Prisoner", "Desire", "Night", atbp. Ang mga symphonic na gawa ni R. kamakailan ay nagsimulang gumanap nang mas madalas (mas madalas kaysa sa iba, ang 2nd symphony, Antony at Cleopatra, Ivan IV, Don Quixote, at iba pa). Sa kabilang banda, ang kanyang mga komposisyon sa piano, na, bilang karagdagan sa ipinahiwatig na mga impluwensya, ay sumasalamin din sa impluwensya nina Chopin at Liszt, ay kasama pa rin sa sapilitang repertoire ng paaralan at entablado; bilang karagdagan sa mga etudes at isang bilang ng mga maliliit na komposisyon, ang mga piano concerto ay nararapat na espesyal na pansin, lalo na ang ika-4 - isang tunay na perlas ng panitikan ng konsiyerto sa mga tuntunin ng lakas at kagandahan ng musika. kaisipan at kakayahan ng kanilang pag-unlad. Ang mga gawang musikal at pampanitikan ni R. ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagka-orihinal at katumpakan ng pag-iisip; Sa iba pang mga bagay, sinabi niya tungkol sa kanyang sarili: "Itinuring ako ng mga Hudyo na isang Kristiyano, mga Kristiyano - isang Hudyo; ang mga klasiko - isang Wagnerian, ang mga Wagnerian - isang klasiko; ang mga Ruso - isang Aleman, ang mga Aleman - isang Ruso." Hindi karaniwang masigla at direkta, mabait, nagsusumikap para sa malawak na abot-tanaw, walang kakayahan sa anumang kompromiso, sa kanyang opinyon ay nakakahiya para sa sining, na pinaglingkuran niya sa buong buhay niya sa iba't ibang uri ng mga anyo at anyo - R. ay isang halos perpektong uri ng isang tunay na artist at artist sa kanyang pinakamahusay.ang kahulugan ng mga salitang ito. Ang kanyang personal na kagandahan nang siya ay lumitaw sa entablado bilang isang pianist (at bahagyang isang konduktor) ay hindi pangkaraniwan, na si R. ay katulad din ni Liszt.

Ang mga gawa ni R. PERO . Para sa entablado: 15 opera: "Dmitry Donskoy" ("Labanan ng Kulikovo") sa 3 mga gawa, libretto gr. Sologub at Zotova, 1850 (Spanish St. Petersburg, 1852); "Fomka the Fool", 1 araw (St. Petersburg, 1853); "Paghihiganti" (hindi Espanyol); "Mga mangangaso ng Siberia", 1 d. (Weimar, 1854); "Khadzhi-Abrek", 1 araw, ayon kay Lermontov (hindi ginagamit); "Mga Bata ng Steppes", 4 d., teksto ni Mosenthal batay sa kuwentong "Janko" ni K. Beck ("Die Kinder der Haide", Vienna, 1861, Moscow, 1886, Prague, 1891, Dresden, 1894, Weimar, Kassel, atbp.); "Feramors", lyric opera noong 3 d., teksto ni J. Rodenberg batay sa "Lalla Rook" ni T. Moore (Dresden; "Lalla Rook", 2 d., 1863; kalaunan ay itinanghal sa isang reworked form sa maraming iba pang German lungsod; Vienna , 1872, London; St. Petersburg, 1884, musikal at drama bilog; Moscow, 1897, pagtatanghal ng konserbatoryo); The Demon, fantasy opera in 3 acts, libretto ni Viskovaty pagkatapos ng Lermontov (nagsimula bago ang 1872, Espanyol sa St. Petersburg, 1875; Moscow, 1879; Leipzig, Hamburg, Cologne, Berlin, Prague, Vienna, London, 1881, atbp.) ; "Maccabees", 3 d., libretto ni Mozental batay sa drama ng parehong pangalan ni O. Ludwig. ("Die Makkabäer"; Berlin, 1875, royal opera, pagkatapos ay itinanghal sa karamihan ng mga yugto ng Aleman; St. Petersburg at Moscow, 1877, Imperial theaters, sa ilalim ng direksyon ni R.); "Heron", 4 d., libretto ni J. Barbier (isinulat noong 1877 para sa Paris Grand Opéra, ngunit hindi pumunta doon; Hamburg, 1879, Berlin, 1880, Vienna, Antwerp, London, North America; St. Petersburg at Moscow, 1884 , Italian opera, Moscow Private Stage, 1903); The Merchant Kalashnikov, 3 acts, libretto ni Kulikov pagkatapos ng Lermontov (St. Petersburg, 1880, 1889, Mariinsky Theatre; ang parehong mga oras ay agad na tinanggal mula sa repertoire para sa mga dahilan ng censorship; Moscow, Private Opera, 1901, na may mga pagbawas); "Among the Robbers", comic opera, 1 d., Hamburg 1883; "Parrot", comic opera, 1 d., Hamburg, 1884; Shulamith, biblical opera sa 5 card, teksto ni J. Rodenberg pagkatapos ng Song of Songs, Hamburg, 1883; Goryusha, 4 d., libretto ni Averkiev batay sa kanyang sariling kuwento na The Hoppy Night (sa St. Petersburg ito ay ipinakita minsan, 1889, sa panahon ng pagdiriwang ng ika-50 anibersaryo ng R.; Moscow, Private Opera, 1901). Sacred Operas: Paradise Lost, op. 54, teksto pagkatapos ng Milton, oratorio sa 3 bahagi, na isinulat noong 50s (Weimar), kalaunan ay ginawang isang espirituwal na opera (Leipzig, 1876, atbp.); "Babylonian pandemonium" op. 80, teksto ni J. Rodenberg, oratorio sa 1 kilos at 2 bahagi, nang maglaon ay ginawang espirituwal na opera (Koenigsberg, 1870); "Moises", op. 112, spiritual opera sa 8 card. (1887, ginamit minsan para sa R. sa Prague Theatre, 1892, Bremen, 1895); "Kristo", op. 117, spiritual opera sa 7 card. may prologue at epilogue (Berlin, 1888; St. Petersburg, mga sipi, 1886). Ballet "Vine", 3d. at 5 card. (Bremen, 1892). AT. Para sa orkestra: 6 na symphony (I. F-dur op. 40; II. C-dur op. 42 ["Ocean" sa 5 paggalaw; dalawa pang paggalaw ang idinagdag sa ibang pagkakataon]; III. A-dur op. 56; IV. D-moll, op. 95, "dramatic", 1874; V. G-moll, op. 107, ang tinatawag na "Russian"; VI. A-moll, op. 111, 1885); 2 musical-characteristic na larawan: "Faust" op. 68 at "Ivan the Terrible" op. 79; musical-humorous na larawang "Don Quixote" op. 87; overtures: "Triumphal" op. 43, "Concert" B-dur op. 60, "Antony at Cleopatra" op. 116, "Solemn" A-dur (op. 120, posthumous composition); musika. pagpipinta ng "Russia" (Moscow exhibition, 1882), fantasy "Eroica" sa memorya ng Skobelev, op. 110; suite Es-dur, op. 119. C. Para sa ensemble ng silid: octet D-dur op. 9 para sa piano, string quartet, flute, clarinet at horn; string sextet D-dur op. 97; 3 quintets: op. 55 F-dur para sa piano, flute, clarinet, horn at bassoon; op. 59, F-dur, para sa mga instrumentong kuwerdas; op. 99 G-moll para sa piano. at string quartet; 10 string quartets (op. 17, G minor, G minor, F minor; op. 47 E minor, B major, D minor; op. 90 G minor, E minor; op. 106 As -dur, F-moll); 2 piano quartets: op. 55 (pag-aayos ng may-akda ng quintet op. 55) at op. 66 C-dur; 5 piano trios: op. 15 (F major at G minor), op. 52 sa B-dur, op. 85 A-dur, op. 108 C menor. D. Para sa fp. sa 2 kamay: 4 na sonata (op. 12 E-dur, 20 C-moll, 41 F-dur, 100 A-moll), etudes (op. 23-6, op. 81-6, 3 walang op. , cm op. 93, 104, 109); 2 acrostics (op. 37 5 no., op. 114 5 no.): op. 2 (2 pantasya sa mga kantang Russian), 3 (2 melodies), 4, 5 (3), 6 (tarantella), 7, 10 ("Stone Island" 24 no.), 14 ("Ball", 10 no. ) , 16 (3), 21 (3 caprices), 22 (3 serenade), 24 (6 preludes), 26 (2), 28 (2), 29 (2 funeral march), 30 (2, barcarolle F-moll) , 38 (Suite 10 No.), 44 ("Petersburg Evenings", No. 6), 51 (6), 53 (6 fugues na may prelude), 69 (5), 71 (3), 75 (" Peterhof Album" 12 No.), 77 (pantasya), 82 (Album ng mga pambansang sayaw 7 No.), 88 (tema na may mga pagkakaiba-iba), 93 ("Miscellanées", 9 na bahagi, 24 No.), 104 (6) , 109 (" Musical Evenings", 9 no.), 118 ("Souvenir de Dresde" 6 no.); saka, walang op.: " martsa ng Turko"Beethoven from" Ruines d "Athènes", 2 barcarolles (A-moll at C-dur), 6 pole, "Trot de cavalerie", 5 cadenzas para sa concertos C-dur, B-dur, C-moll, G-dur Beethoven at D-moll Mozart; waltz-caprice (Es-dur), Russian serenade, 3 morceaux caractéristiques, Hungarian fantasy, atbp. E. Para sa fp. 4 na kamay: op. 50 ("Character-Bilder" 6 No.), 89 (Sonata D-dur), 103 ("Costume Ball", 20 No.); F. Para sa 2 fp. op. 73 (pantasya F-dur); G. Para sa mga instrumento at orkestra: 5 piano concerto (I. E-dur op. 25, II. F-dur op. 35, III. G-dur op. 45, IV. D-minor op. 70, V. Es-dur op. 94), piano fantasy C-dur op. 84, piano "Caprice russe" op. 102 at "Concertstuck" op. 113; violin concerto G-dur op. 46; 2 cello concerto (A-dur op. 65, D-moll op. 96); "Romance et caprice" para sa violin at orchestra op. 86. H. Para sa indibidwal na mga instrumento at piano: 3 sonata para sa byolin at piano. (G-dur op. 13, A-minor op. 19, H-minor op. 98); 2 sonata para sa cello at piano. (D-dur op. 18, G-dur op. 39); sonata para sa viola at piano. (F-moll op. 49); "3 morceaux de salon" op. 11 para sa violin na may piano. ako. Para sa pag-awit kasama ang orkestra: op. 58 ("E dunque ver", eksena at aria para sa kudeta.), op. 63 ("Sirena", kontra at babaeng koro), op. 74 ("Morning" cantata para sa male choir), op. 92 (dalawang contralto arias: "Hecuba" at "Hagar sa Disyerto"), Ang Awit ni Zulima mula sa opera na "Revenge" (counter and chorus). K. Para sa vocal ensemble. Koro: op. 31 (6 male quartets), op. 61 (4 na lalaki na may fp.), 62 (6 na halo-halong); duets: op. 48 (12), 67 (6); "Die Gedichte und das Requiem für Mignon" (mula sa "Wilhelm Meister" ni Goethe), op. 91, 14 Nos. para sa soprano, contralto, tenor, baritone, boses ng mga bata at koro ng lalaki na may piano. at harmonium. L. Mga romansa at kanta: op. 1 ("Schadahüpferl" 6 kleine Lieder im Volksdialekt), op. 8 (6 Russian romances), 27 (9, sa mga salita ni Koltsov), 32 (6 German, mga salita ni Heine), 33 (6 German), 34 (12 Persian na kanta sa German na text ni Bodenstedt), 35 (12 Russian hanggang mga salita ng iba't ibang may-akda ), 57 (6 German), 64 (6 na pabula ni Krylov), 72 (6 German), 76 (6 German), 78 (12 Russian), 83 (10 German, French, Italian, English), 101 (12 sa mga salita ni A. Tolstoy), 105 (10 Serbian melodies, sa mga salitang Ruso ni A. Orlov), 115 (10 German); bilang karagdagan, mga 30 romansa na walang op. (higit sa isang ikatlo sa mga tekstong Ruso; kasama ang balad na "Before the Governor" at "Night", ginawang muli mula sa piano romance op. 44). 10 opus "s of R.'s children's works were also published (romance and piano pieces; op. 1 Ondine - isang piano study).

(E.).

Rubinstein, Anton Grigorievich

(ipinanganak 28.XI.1829 sa nayon ng Vykhvatintsy, lalawigan ng Podolsk, namatay noong 20.XI.1894 sa Peterhof) - Ruso. kompositor, birtuoso pianista, konduktor, guro, musikero pigura. Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa musika mula sa kanyang ina. Noong 1837 siya ay naging estudyante ng pianist-guro na si A. Villuan. Sa edad na 10, nagsimula siyang magsalita sa publiko. Mula 1840 hanggang 1843 ay gumanap siya nang may tagumpay sa maraming bansa sa Europa. Mula 1844 hanggang 1846 pinag-aralan niya ang teorya ng komposisyon sa Berlin kasama si Z. Den, noong 1846-47 siya ay nasa Vienna. Sa kanyang pagbabalik sa Russia, nanirahan siya sa St. Petersburg. Mula 1854 hanggang 1858 nagbigay siya ng mga konsyerto sa ibang bansa. Isa sa mga organizers, director at conductor Russian Musical Society(1859). Itinatag sa St. Petersburg mus. mga klase, binago (1862) sa unang konserbatoryo sa Russia, direktor at prof. kung saan siya ay hanggang 1867. Ang susunod na 20 taon ay nakatuon siya sa mga malikhaing aktibidad at konsiyerto. Ang pinaka makabuluhang mga kaganapan sa panahong ito ay isang paglalakbay sa konsiyerto kasama ang violinist na si G. Venyavsky sa mga lungsod ng Amerika (1872-73), kung saan sa 8 buwan. 215 na mga konsyerto ang naganap, at ang grand cycle ng "Historical Concerts" (1885-86), na kinabibilangan ng 175 na mga gawa na ginanap nang dalawang beses sa 7 lungsod ng Russia at Western. Europa. Mula 1887 hanggang 1891 - pangalawang direktor at prof. Petersburg Conservatory. Ang mga huling taon ng kanyang buhay (1891-94) ay ginugol nang nakararami. sa Dresden. Nakipagkaibigan siya kay F. Liszt, F. Mendelssohn, D. Meyerbeer, C. Saint-Saens, G. Bülov at iba pa. Institute ng France(mula noong 1874). R. pumasok sa kasaysayan ng pambansa at pandaigdigang musika. kultura bilang isa sa mga pinakadakilang pianista sa mundo at tagalikha ng Russian. paaralan ng piano; isang malikhaing aktibong kompositor, na ang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang lyric-romantic orientation, melody, expressiveness, banayad na paggamit ng oriental na kulay; tagapagtatag ng propesyonal na musika. edukasyon sa Russia; organizer ng regular na buhay ng konsiyerto. Kabilang sa mga estudyante ni R. ay sina P. Tchaikovsky, ang kritiko na si G. Laroche, ang pianista na si I. Hoffman, at iba pa.

Mga gawa: 16 na opera, kabilang ang Dmitry Donskoy (1852), Theramors (1863), The Demon (1875), Maccabees (1875), Nero (1879), The Merchant Kalashnikov "(1880); ballet "Vine" (1893); oratorio "Paradise Lost" (1855), "Babylon Pandemic" (1869); 6 symphony (II - "Ocean", 1851; IV - "Dramatic", 1874; V - "Russian", 1880), musika. mga kuwadro na "Faust" (1864), "Ivan the Terrible" (1869), "Don Quixote" (1870), fantasy "Russia" (1882) at iba pang mga produksyon. para sa orc.; 5 concerto para sa piano may orc.; camera-instrumento. ans., kasama ang Octet para sa p., duh. i fp., Quintet para sa fp. at espiritu. mga instrumento, Quintet, 10 quartets, 2 piano. quartet, 5 fp. trio; sonatas para sa diff. kasangkapan at fp.; mga piraso para sa piano, kabilang ang mga cycle na "Stone Island" (24 na larawan), ang Album ng Mga Pambansang Sayaw, ang Peterhof Album; "Mixture", "Costume Ball" (para sa pianoforte 4 na mga kamay), sonata, mga cycle ng mga pagkakaiba-iba, atbp.; St. 160 romansa at kanta, kabilang ang "Persian Songs", "Krylov's Fables", "Singer", "Prisoner", "Night", "Before the Governor", "Pandero", "Azra", "Cover me with Flowers" , " Mga kumikinang na hamog"; ang mga aklat na "Autobiographical Memories" (1889), "Music and Its Representatives" (1891), "Thoughts and Aphorisms" (1893).

Si Anton Rubinshtein ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng kulturang musikal ng Russia. Ang mga gawa tulad ng sketch na "Ondine", ang mga opera na "Christ", "Dmitry Donskoy", "The Demon", ang symphonic poems na "Faust", "Ivan the Terrible" at marami pang iba ay nagdala sa kanya ng pagkilala sa buong mundo. Siya ang itinuturing na tagapagtatag ng pag-unlad ng pianismo. Maraming mga komposisyong ginawa niya ang napakalaking tagumpay kahit sa ating panahon.

kwento ng pagkabata

Ang sikat na may-akda, konduktor at guro ng musika sa mundo ay si Anton Grigorievich Rubinshtein. Nagsimula ang kanyang talambuhay noong Nobyembre 16, 1829 sa nayon ng Vykhvatynets, lalawigan ng Podolsk, sa isang mayamang pamilyang Hudyo. Ang kanyang Romanovich ay isang mangangalakal sa loob ng ilang henerasyon. Si Nanay, si Karelia Khristoforovna, ay isang musikero. Gayundin, ang mahusay na musikero ay may dalawa mga nakababatang kapatid na babae at kapatid. Noong mga tatlong taong gulang si Anton, lumipat ang kanyang pamilya sa Moscow.

Ang simula ng malikhaing aktibidad

Ang bayani ng ating kuwento ay ipinakilala sa unang pinagmulan ng sining ng musika ng kanyang ina. Sa edad na pito, kumuha si Anton Rubinshtein ng mga aralin mula sa A.I. Villuana, salamat sa pagtugtog niya ng piano. Ang unang pagtatanghal sa edad na sampu ay nagbukas ng daan para sa kanya upang sumikat. Kaagad pagkatapos ng isang matagumpay na pagtatanghal, pumunta siya, na sinamahan ng kanyang tagapagturo, sa isang concert tour sa Europa.

Pagkalipas ng ilang taon, lumipat ang pamilya Rubinstein sa Berlin. Doon siya nagpatuloy sa pag-aaral ng musika, ngunit ngayon ang sikat na Siegfried Den ay naging kanyang guro. Dito nakilala ng batang musikero ang namumukod-tanging Felix Mendelssohn at Giacomo Meyerbeer.

Noong labing pitong taong gulang si Anton, pagkamatay ng kanyang ama, ang kanyang ina at nakababatang kapatid na lalaki ay bumalik sa Moscow, at si Rubinstein ay nanirahan sa Vienna. Upang kahit papaano ay mabuhay, nagbibigay siya ng mga indibidwal na aralin sa musika sa mga bata mula sa mayayamang pamilya.

Tatlong taon pagkatapos ng paglipat, muli siyang pumunta sa Russia. Nang tumira sa Rubinstein, nagsasagawa siya. Bilang karagdagan, nagbibigay siya ng mga pribadong konsiyerto sa royal court, na isang malaking tagumpay. Gayundin sa oras na ito, ang kanyang malikhaing aktibidad ay kaakibat ng mga sikat na kompositor at cellist, tulad ng M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, M.Yu. Vielgorsky, K.B. Schubert.

Mga likhang sining

Noong 1850, naganap ang isang pagtatanghal ng konsiyerto, kung saan ang bida ng ating kuwento ay nag-debut bilang isang konduktor. At makalipas ang dalawang taon, isinulat niya ang isa sa mga pinakadakilang opera - "Dmitry Donskoy". Di-nagtagal pagkatapos ng unang karanasan bilang isang kompositor, lumikha si Anton Rubinstein ng tatlong one-act na gawa: "Revenge", "Siberian Hunters" at "Fomka the Fool". Gayundin sa oras na ito, ginagawa niya ang unang hindi matagumpay na mga hakbang upang lumikha ng isang institusyong pangmusika sa St. Petersburg.

Noong 1854, nagpasya si Rubinstein na lumipat sa bayan ng Weimar ng Aleman, kung saan nakilala niya si F. Liszt, na tumulong sa kanya sa pagtatanghal ng opera. Sa taglamig ng 1854, ang kompositor ay nagbibigay ng isang konsiyerto sa Gewandhaus, na nagtatapos sa mahusay na tagumpay. Pagkatapos ng tagumpay na ito, pumunta siya sa isa pang concert tour ng mga pangunahing lungsod tulad ng Vienna, Munich, Hamburg, Nice.

Pag-uwi

Pagkalipas ng ilang taon, pagdating sa Russia, itinuro ni Anton Rubinstein ang lahat ng kanyang pagsisikap sa pagbubukas ng Russian Musical Society. Dito, gumaganap ng mga gawa, na siya ay gumaganap bilang isang konduktor ng orkestra. Bilang karagdagan, ang kompositor ay hindi tumitigil sa kanyang mga aktibidad sa paglilibot sa ibang bansa. Matapos buksan ang mga klase, muling inorganisa ang Samahan sa Unang Konserbatoryo ng Russia. Ang sikat na pianista na si Rubinstein ay hindi lamang isa sa mga unang pinuno nito, kundi isang orkestra at konduktor ng koro, isang propesor ng piano at pag-aayos.

Noong 1867, dahil sa mga hindi pagkakasundo na may kaugnayan sa papel na ginagampanan ng paaralan ng musika na kanyang binuksan, na bumangon na may hindi gaanong sikat na mga musical figure noong panahong iyon, iniwan niya ang post ng direktor.

mahusay na gawain

Pagkalipas ng ilang taon, isinulat ni Anton Rubinstein ang pinakadakilang gawain - "Demonyo". Ang mga censor niya ang hindi nagpatuloy sa kanya sa loob ng apat na taon. Samantala, ang kompositor ay ang pinuno ng mga konsiyerto ng "Society of Friends of Music sa Vienna".

Noong 1873, naglakbay siya sa Amerika kasama si Henryk Wieniawski (biyolinista). Pagbabalik pagkatapos ng isang taon sa Peterhof, isinulat ng kompositor ang Ikaapat at Ikalimang Symphony para sa Maccabees at Merchant Kalashnikov.

Noong 1885-1886, isang bilang ng mga makabuluhang makasaysayang konsiyerto ang naganap sa mga lungsod ng Gitnang Europa, kung saan halos lahat ng solong gawa para sa piano ay ginanap. Makalipas ang isang taon, muling hinirang si Rubinstein sa isang posisyon sa pamumuno sa konserbatoryo.

Nobyembre 8, 1894, habang nasa Peterhof, namatay si Anton Grigorievich Rubinstein. Siya ay inilibing sa Necropolis, sa sementeryo ng mga masters of art.

Tagumpay

Walang alinlangan, gumawa si Anton Rubinstein ng malaking kontribusyon sa paglikha ng unang paaralan ng musika sa Russia. Talambuhay nito natatanging tao nagpapatotoo na sa buong buhay niya siya ay isang ideolohikal na manlalaban para sa kultural na kaliwanagan ng mga tao. Samakatuwid, siya rin ay itinuturing na tagapagtatag ng edukasyong pangmusika. Ang kanyang mga estudyante ay mga sikat na tao tulad ng P.I. Tchaikovsky, I. Hoffman, G.A. Laroche.

Halos lahat ay sumasaklaw sa malikhaing pamana ni Anton Rubinstein. Ang mga obra maestra na isinulat niya ay naging matingkad na mga halimbawa ng Russian lyric opera.

Kaya, sa buong buhay niya ay sumulat siya ng isang malaking bilang ng mga gawa, kabilang ang 13 opera, 6 symphony, 5 oratorio at konsiyerto para sa piano at orkestra, higit sa 120 romansa at kanta, higit sa 200 komposisyon para sa piano.

Matagumpay din ang kanyang mga pagtatangka bilang may-akda ng ilang mga libro, tulad ng Autobiographical Stories, Music and Its Representatives, Box of Thoughts. Sa kanila, hayagang inilarawan ng may-akda ang kanyang mga pananaw sa buhay, musikal at malikhaing aktibidad ng maraming sikat na kompositor ng nakaraan at kasalukuyan.

Kaya, maaari nating sabihin nang may kumpiyansa na si Anton Rubinstein ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa kultura ng musika. Ang talambuhay ng dakilang taong ito ay nagpapakita na sa kanyang mga gawa ay binuksan niya ang daan para sa paglikha ng mga dakilang nilikha.

Para sa kanyang mga propesyonal na aktibidad, siya ay iginawad sa Order of Merit sa Larangan ng Sining at Agham.

kompositor, pianista, konduktor, guro ng musika. 1829–1894

Si Anton Rubinstein ay ipinanganak noong Nobyembre 28, 1829 sa nayon ng Pridnestrovian ng Vykhvatints, lalawigan ng Podolsk. Siya ang ikatlong anak na lalaki sa isang mayamang pamilyang Hudyo. Ang ama ni Rubinstein - si Grigory Romanovich Rubinstein - ay nagmula sa Berdichev, sa oras na ipinanganak ang mga bata siya ay isang mangangalakal ng pangalawang guild. Ina - Kaleria Khristoforovna Rubinstein - isang musikero, ay nagmula sa Prussian Silesia.

Noong Hulyo 25, 1831, 35 miyembro ng pamilya Rubinstein, simula sa kanilang lolo, ang mangangalakal na si Ruven Rubinstein mula sa Zhytomyr, ay nagbalik-loob sa Orthodoxy sa St. Nicholas Church sa Berdichev. Ang impetus para sa binyag, ayon sa mga huling alaala ng ina ng kompositor, ay ang Decree of Emperor Nicholas I ng 1827 sa conscription ng mga bata para sa 25 taon ng serbisyo militar bilang cantonists sa proporsyon ng 7 para sa bawat 1000 Jewish na mga bata. Ang mga batas ng Pale of Settlement ay tumigil sa paglalapat sa pamilya, at makalipas ang isang taon ang mga Rubinstein ay nanirahan sa Moscow, kung saan binuksan ng kanilang ama ang isang maliit na pabrika ng lapis at pin. Sa paligid ng 1834, ang aking ama ay bumili ng bahay sa Ordynka.

Sa mapagpatuloy na bahay ng mga Rubinstein, ang mga mag-aaral, opisyal, guro ay patuloy na nagtitipon, tumunog ang musika. Ang tunog na kapaligiran ng Moscow sa mga taong iyon ay tinutukoy ng mga kanta at romansa ng Alyabyev, Varlamov, araw-araw na sayaw. Natanggap ni Anton Rubinstein ang kanyang unang mga aralin sa piano mula sa kanyang ina, at sa edad na pito ay naging estudyante siya ng French pianist na si A.I. Villuan.

Noong 1839, ginawa ni Rubinstein ang kanyang unang pampublikong pagpapakita, at sa lalong madaling panahon, sinamahan ni Villuan, nagpunta sa isang malaking paglilibot sa konsiyerto sa Europa. Naglaro siya sa Paris, kung saan nakilala niya sina Frederic Chopin at Franz Liszt, sa London ay mainit siyang tinanggap ni Queen Victoria. Sa pagbabalik, binisita nina Villuan at Rubinstein ang Norway, Sweden, Germany at Austria na may mga konsiyerto.

Matapos gumugol ng ilang oras sa Russia, noong 1844 si Anton Rubinstein, kasama ang kanyang ina at nakababatang kapatid na si Nikolai, ay nagpunta sa Berlin, kung saan nagsimula siyang mag-aral ng teorya ng musika sa ilalim ng gabay ni Siegfried Dehn, kung saan nag-aral si Mikhail Glinka ilang taon bago. . Sa Berlin, bumuo si Anton Rubinstein ng mga malikhaing pakikipag-ugnayan kay Felix Mendelssohn at Giacomo Meyerbeer.

Noong 1846, namatay ang kanyang ama, ang kanyang kapatid na si Nikolai at ang kanyang ina ay bumalik sa Russia, at lumipat si Anton sa Vienna. Sa kanyang pagbabalik sa Russia noong taglamig ng 1849, salamat sa pagtangkilik ni Grand Duchess Elena Pavlovna, ang balo ni Grand Duke Mikhail Pavlovich, si Anton Rubinstein ay nakapag-settle sa St. Petersburg at nakikibahagi sa malikhaing gawain. Madalas din siyang gumaganap bilang isang pianista sa korte, na may malaking tagumpay sa mga miyembro ng imperyal na pamilya at personal na kasama si Emperador Nicholas I.

Noong 1850, ginawa ni Anton Rubinstein ang kanyang debut bilang isang konduktor, noong 1852 ay lumitaw ang kanyang unang pangunahing opera na si Dmitry Donskoy, pagkatapos ay sumulat siya ng tatlong one-act na opera sa mga paksa ng mga mamamayan ng Russia.

Pagkatapos ng isa pang paglalakbay sa ibang bansa noong tag-araw ng 1858, bumalik si Rubinstein sa Russia, kung saan noong 1859 hiniling niya ang pagtatatag ng Russian Musical Society. Ito ay posible lamang sa suporta ni Elena Pavlovna. Pinondohan niya ang proyektong ito ng malalaking donasyon, kabilang ang mga nalikom mula sa pagbebenta ng mga diamante na personal niyang pagmamay-ari. Si Anton Rubinstein ay nakikilahok sa mga konsyerto, kumikilos bilang isang konduktor. Ang unang symphony concert sa ilalim ng kanyang direksyon ay ginanap noong Setyembre 23, 1859.

Ang mga elementarya na klase ng conservatory ay binuksan sa palasyo ni Elena Pavlovna noong 1858. Nang sumunod na taon, binuksan ang mga klase sa musika sa Lipunan, na noong 1862 ay ginawang unang konserbatoryo ng Russia. Si Rubinstein ang naging unang direktor, konduktor ng orkestra at koro, propesor ng piano at instrumento. Kabilang sa kanyang mga estudyante ay si P.I. Chaikovsky.

Ang hindi mauubos na enerhiya ay nagbigay-daan kay Anton Rubinstein na matagumpay na pagsamahin ang gawaing ito sa aktibong pagganap, pag-compose, at mga aktibidad sa musika at pang-edukasyon.

Ang mga aktibidad ni Rubinstein ay hindi palaging nakakahanap ng pag-unawa: maraming mga musikero ng Russia, na kung saan ay mga miyembro ng "Mighty Handful" na pinamumunuan ni V.V. Stasov, ay natatakot sa labis na "akademiko" ng konserbatoryo at hindi itinuturing na mahalaga ang papel nito sa pagbuo ng paaralan ng musikal ng Russia. Ang mga lupon ng korte ay tutol kay Anton Rubinstein, isang salungatan kung saan pinilit siyang umalis sa posisyon ng direktor ng konserbatoryo noong 1867. Si Anton Rubinstein ay patuloy na nagbibigay ng mga konsiyerto, tinatangkilik ang mahusay na tagumpay.

Ang taong 1871 ay minarkahan ng paglitaw ng pinakamalaking obra ni Anton Rubinstein, ang opera na The Demon, na itinanghal sa unang pagkakataon makalipas lamang ang apat na taon.

Noong 1871–1872 season, pinamunuan ni Rubinstein ang mga konsiyerto ng Society of Friends of Music sa Vienna. Nang sumunod na taon, naganap ang matagumpay na paglilibot ni Anton Rubinstein sa Estados Unidos kasama ang biyolinistang si Henryk Wieniawski.

Pagbalik sa Russia noong 1874, nanirahan si Anton Rubinstein sa kanyang villa sa Peterhof. Ang Ikaapat at Ikalimang symphony, ang mga opera Maccabees at The Merchant Kalashnikov ay nabibilang sa panahong ito ng gawain ng kompositor, ang huli ay pinagbawalan ng censorship ilang araw pagkatapos ng premiere. Sa panahon ng 1882-1883, muli siyang tumayo sa podium ng mga konsiyerto ng symphony ng Russian Musical Society, at noong 1887 muli niyang pinamunuan ang Conservatory. Noong 1885-1886 nagbigay siya ng isang serye ng "Historical Concerts" sa St. Petersburg, Moscow, Vienna, Berlin, London, Paris, Leipzig, Dresden at Brussels, na gumaganap ng halos buong umiiral na piano solo repertoire.

Ayon sa kanyang mga memoir, “Kapansin-pansin ang kabutihang-loob ni Rubinshtein; ayon sa isang tinatayang pagkalkula, nag-donate siya ng humigit-kumulang 300,000 rubles para sa iba't ibang mabubuting gawa, hindi binibilang ang walang bayad na pakikilahok sa mga konsyerto na pabor sa lahat ng mga mag-aaral na palaging tinatangkilik ni Anton Grigorievich, at hindi isinasaalang-alang ang mga pamamahagi na walang nakakita at hindi binibilang.