Kultura ng musika at sining ng Enlightenment. Musical Art sa Edad ng Enlightenment Russian Spiritual Choir Concert

Noong ika-18 siglo, karamihan sa mga estado sa Europa ay niyakap ng kilusang paliwanag. Salamat sa mga reporma ni Peter ako Ang Russia ay aktibong sumali sa prosesong ito, na sumali sa mga tagumpay ng sibilisasyong European. Ang pagliko nito patungo sa Europa, na nagbunga ng kababalaghan ng "Russian Europeanness", ay naganap sa isang tipikal na paraan ng Ruso - biglaan at tiyak. Pakikipag-ugnayan sa mas matatag mga paaralan ng sining Pinahintulutan ng Kanlurang Europa ang sining ng Russia na dumaan sa landas ng "pinabilis na pag-unlad", na pinagkadalubhasaan ang mga teoryang aesthetic ng Europa, mga sekular na genre at mga anyo sa isang maikling panahon sa kasaysayan.

Ang pangunahing tagumpay ng Russian Enlightenment ay ang pag-usbong ng personal na pagkamalikhain, na pumapalit sa walang pangalan na gawain ng mga artista ng Sinaunang Russia. Ang pormula ng Lomonosov ay ipinatupad: "ang lupain ng Russia ay manganganak ng sarili nitong mga Platon at mabilis na mga Newton."

Darating ang oras para sa aktibong pagbuo ng isang sekular na pananaw sa mundo. Ang sining ng templo ay nagpapatuloy sa pag-unlad nito, ngunit unti-unting nawawala sa background sa buhay kultural ng Russia. Ang sekular na tradisyon ay pinalalakas sa lahat ng posibleng paraan.

Sa musika ng XVIII siglo, tulad ng sa panitikan at pagpipinta, isang bagong istilo ang itinatag, malapit sa European klasisismo.

Ang mga bagong anyo ng buhay ng mataas na lipunan - paglalakad sa mga parke, pagsakay sa kahabaan ng Neva, mga ilaw, bola at "mga pagbabalatkayo", mga pagtitipon at diplomatikong pagtanggap - nag-ambag sa malawakang pag-unlad instrumental na musika. Sa utos ni Petrava, lumitaw ang mga brass band ng militar sa bawat regiment. Ang mga opisyal na selebrasyon, bola at kasiyahan ay inihanda ng dalawang court orchestra at isang court choir. Ang halimbawa ng hukuman ay sinundan ng St. Petersburg at Moscow maharlika, na nagsimula ng mga home orchestra. Ang mga orkestra ng kuta at mga teatro sa musika ay nilikha din sa mga marangal na estate. Ang amateur na paggawa ng musika ay kumakalat, ang pagtuturo ng musika ay nagiging obligadong bahagi ng marangal na edukasyon. Sa pagtatapos ng siglo, isang magkakaibang buhay musikal ang nailalarawan sa buhay hindi lamang ng Moscow at St. Petersburg, kundi pati na rin ng iba pang mga lungsod ng Russia.

Kabilang sa mga makabagong musikal na hindi alam sa Europa ay horn orchestra , nilikha ng Russian imperial chamber musician I.A. Maresh sa ngalan ni S.K. Naryshkin. Gumawa si Maresh ng isang mahusay na coordinated ensemble na binubuo ng 36 na sungay (3 octaves). Ang mga musikero ng serf ay nakibahagi dito, na gumanap ng papel na live na "mga susi", dahil ang bawat sungay ay maaari lamang gumawa ng isang tunog. Kasama sa repertoire ang klasikal na musikang European, kabilang ang mga kumplikadong komposisyon nina Haydn at Mozart.

Noong 30s ng XVIII siglo sa Russia, nilikha ang opera ng korte ng Italyano, ang mga pagtatanghal na ibinigay sa mga pista opisyal para sa "pinili" na publiko. Sa panahong ito, naakit ng St. Petersburg ang maraming pangunahing musikero sa Europa, karamihan ay mga Italyano, kabilang ang mga kompositor na sina F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya noong 1755 nagsulat siya ng musika para sa unang opera na may tekstong Ruso. Ito ay libretto ni A.P. Sumarokov sa isang balangkas mula sa Metamorphoses ni Ovid. Ginawa ang Opera sa genre ng Italyano serye , ay tinawag Cephalus at Prokris.

Sa panahon ng Petrine, ang mga pambansang genre ng musika tulad ng partes concerto at cant ay patuloy na umuunlad.

Ang mga Kants ng panahon ni Peter the Great ay madalas na tinatawag na "Vivats" dahil puno sila ng mga pagluwalhati ng mga tagumpay at pagbabagong-anyo ng militar ("Magsaya, Rossko land"). Ang musika ng "maligayang pagdating" na mga kanta ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga pagliko, mga solemne na ritmo ng polonaise. Ang kanilang pagtatanghal ay madalas na sinasabayan ng tunog ng mga trumpeta at kampana.

Ang panahon ng Petrine ay ang kasukdulan sa pag-unlad ng pag-awit ng choral partes. Ang napakatalino na master ng partes concert na si V.P. Kinuha ni Titov ang lugar ng unang musikero sa korte ng Tsar Peter. Siya ang inutusan na magsulat ng isang solemne na konsiyerto sa okasyon ng tagumpay ng Poltava na napanalunan ng mga tropang Ruso noong 1709 ("Rtsy us now" - ang pangalang "Poltava triumph" ay itinatag sa likod ng komposisyon).

Sa kalagitnaan ng XVIII siglo, ang pagnanais para sa mga epekto ng koro sa mga konsyerto ng partesny ay umabot sa mga hypertrophied na anyo: lumitaw ang mga komposisyon, ang mga marka nito ay umabot sa 48 na boses. Sa ikalawang kalahati ng siglo, isang bagong artistikong kababalaghan, isang espirituwal na konsiyerto, ang pinalitan ang solemne na konsiyerto ng mag-asawa.Kaya, sa buong ika-18 siglo, ang pag-awit ng choral ng Russia ay napunta sa isang mahabang paraan ng ebolusyon - mula sa monumental na istilo ng mga bahagi, na nagbubunga ng mga asosasyon sa estilo ng arkitektura ng Baroque, hanggang sa mataas na mga halimbawa ng klasisismo sa gawain ni M. S. Berezovsky at D. S. Bortnyansky, na lumikha. ang klasikal na uri ng espiritwal na konsiyerto ng Russia.

Konsiyerto ng espirituwal na koro ng Russia

Noong XVIII siglo, ang nilalaman ng genre ng mga choral works ay lumawak nang malaki. Mayroong mga choral arrangement ng mga katutubong kanta, choral opera music, dance music na may choir (ang pinakasikat na halimbawa ay ang polonaise ni Kozlovsky na "Thunder of victory" sa mga salita ni Derzhavin, na sa dulo XVIII naging pambansang awit ng Imperyo ng Russia).

Ang nangungunang genre ng koro ay ang espiritwal na konsiyerto ng Russia, na nagsilbing isang uri ng simbolo ng sinaunang pambansang tradisyon. Ang espirituwal na konsiyerto ay umabot sa rurok nito noong panahon ni Catherine (1762- 1796). Ito ay isang magandang oras para sa kulturang Ruso. Ang isang pagtatangka na buhayin ang diwa ng mga reporma ni Pedro ay higit na matagumpay. Ang pulitika, ekonomiya, agham at kultura ay muling nakatanggap ng isang impetus para sa pag-unlad. Ipinagpatuloy ang pagsasanay sa pagtuturo sa mga pinaka mahuhusay na kinatawan ng agham at sining sa ibang bansa. Ang malapit na ugnayang pangkultura sa pagitan ng Russia at ng napaliwanagan na Europa ay hindi maaaring makatulong ngunit maimpluwensyahan ang paglitaw ng mga unang karanasan ng pagkamalikhain ng propesyonal na kompositor.

Sa panahong ito, higit sa 500 mga gawa ng genre ng konsiyerto ang nilikha. Halos lahat ng mga kompositor ng Russia ng ikalawang kalahati na kilala sa amin ay lumingon sa kanya. siglo XVIII.

Ipinanganak sa kailaliman ng partesnoy polyphony, ang espirituwal na konsiyerto sa buong pag-unlad nito ay isinama ang dalawang prinsipyo - ang tradisyon ng pag-awit ng simbahan at ang bagong sekular na pag-iisip sa musika. Ang konsiyerto ay nakakuha ng katanyagan bilang ang culminating bahagi ng serbisyo sa simbahan at bilang isang adornment ng mga seremonya ng hukuman. Siya ang pokus ng mga tema at larawan na humipo sa malalim na mga problemang moral at pilosopikal.

Kung ang “partes concerto ay maihahambing sa isang tiyak na lawak sa concerto grosso , pagkatapos ay mayroon ang istraktura ng isang klasikal na choral concerto karaniwang mga tampok may sonata-symphony cycle. Ito ay karaniwang binubuo ng tatlo o apat na magkakaibang bahagi na may magkakaibang mga pamamaraan ng pagtatanghal. Sa huling bahagi, bilang panuntunan, ang mga pamamaraan ng polyphonic development ay nanaig.

Ang mga natitirang dayuhang kompositor na nanirahan sa St. Petersburg (D. Sarti, B. Galuppi) ay gumawa ng malaking kontribusyon sa pagbuo ng konsiyerto ng klasikal na koro ng Russia. Ang pinakamataas na tagumpay ng Russian choral music ng Enlightenment ay nauugnay sa mga pangalan ng M.S. Berezovsky at D.S. Bortnyansky.

Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777)

Si M. S. Berezovsky ay isang natitirang master ng Russian choral music noong ika-18 siglo, isa sa mga unang kinatawan ng pambansang paaralan ng kompositor. Ang mga nabubuhay na gawa ng kompositor ay maliit sa dami, ngunit napaka makabuluhan sa kanilang makasaysayang at masining na kakanyahan. Sa musikal na kultura ng 60-70s ng XVIII na siglo, nagbubukas ito ng isang bagong yugto - ang panahon ng klasiko ng Russia.

Ang pangalan ni Berezovsky ay tinawag sa mga tagapagtatag ng classical choral concerto a cap p ella : ang kanyang mga gawa, kasama ang gawa ng Italyano na kompositor na si Galuppi, ay kumakatawan sa unang yugto sa pagbuo ng genre na ito.

Ang tugatog ng M.S. Si Berezovsky ay naging isang konsiyerto "Huwag mo akong tanggihan sa aking katandaan" . Ito ay kinikilala sa pangkalahatan ang obra maestra ng musikang Ruso noong ika-18 siglo, na nakatayo sa isang par na may pinakamataas na tagumpay ng kanyang kontemporaryong sining ng Europa. Maliit sa sukat, ang konsiyerto ay itinuturing bilang isang epikong monumental na gawain. Ang kanyang musika, na nagpapakita ng magkakaibang espirituwal na mundo isang tao, tumatama sa lalim ng emosyon at pagiging tunay ng buhay.

Parehong sa teksto at sa musika ng konsiyerto, malinaw na maririnig ang personal na intonasyon. Ito ay isang unang tao na pagsasalita. Isang pakiusap, pagtawag sa Makapangyarihan ( ako bahagi), ay pinalitan ng isang larawan ng pag-uusig sa isang tao ng masasamang kaaway ( II bahagi - "Magpakasal at tularan siya") . Pagkatapos ay sumusunod bagong paksa- isang panalangin ng pag-asa ("Diyos ko, nabigo" - III bahagi), at sa wakas, ang pangwakas, puno ng mga protestang kalunos-lunos, na nakadirekta laban sa kasamaan at kawalang-katarungan (“Mapahiya at mapahamak ang mga naninirang-puri sa aking kaluluwa.”) Ang mismong katotohanan na ang lahat ng mga tema ng konsiyerto ay may tiyak, tiyak na emosyonal na mga tampok ay nagsasalita ng pangunahing kabaguhan ng estilo, na nagtagumpay sa abstract neutralidad ng mga tema ng pag-awit ng partes.

Ang apat na bahagi ng akda ay konektado hindi lamang sa pamamagitan ng isang dramatikong konsepto at tonal na lohika, kundi pati na rin ng mga hibla ng intonasyon: ang malamyos na tema na tumutunog sa mga unang sukat ng konsiyerto ay nagiging intonational na batayan ng lahat ng iba pang mga imahe. Ito ay lalong mahalaga na ang paunang intonational na butil ay binago sa isang pabago-bago at assertive na tema ng panghuling fugue na "Hayaan silang mahiya at mawala ...", na siyang pinakatuktok sa pag-unlad ng buong cycle.

Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)

D. S. Bortnyansky binuo ang pangunahing uri ng Russian classical choral concerto, pinagsasama ang mga elemento ng sekular na instrumentalismo sa musika at vocal na musika ng simbahan sa musika. Bilang isang tuntunin, ang kanyang mga konsyerto ay may tatlong bahagi, alternating ayon sa prinsipyong mabilis - mabagal - mabilis. Kadalasan ang unang bahagi, ang pinakamahalaga sa cycle, ay naglalaman ng mga palatandaan ng sonata, na ipinahayag sa isang paghahambing ng dalawang magkasalungat na tema, na itinakda sa isang tonic-dominant ratio. Ang pagbabalik sa pangunahing susi ay nangyayari sa dulo ng kilusan, ngunit walang pampakay na pag-uulit.

Ang Bortnyansky ay nagmamay-ari ng 35 na konsiyerto para sa isang 4-voice mixed choir, 10 concerto para sa 2 choirs, isang bilang ng iba pang mga himno ng simbahan, pati na rin ang mga sekular na koro, kasama ang patriotikong choral song na "A Singer in the Camp of Russian Warriors" sa lyrics. V. A. Zhukovsky (1812).

Isa sa malalim at mature na gawa ng master - Concert No. 32 minarkahan ng P.I. Tchaikovsky bilang "ang pinakamahusay sa lahat ng tatlumpu't lima". Ang teksto nito ay kinuha mula sa ika-38 na salmo ng Bibliya, kung saan mayroong ganitong mga linya: “Sabihin mo sa akin, Panginoon, ang aking wakas at ang bilang ng aking mga araw, upang malaman ko kung anong edad ang akin ... Dinggin mo, Panginoon, ang aking panalangin. , at dinggin mo ang aking daing; huwag kang tumahimik sa aking mga luha ... ". Mayroong tatlong mga paggalaw sa konsiyerto, ngunit walang kaibahan sa pagitan nila. Ang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng pagkakaisa ng malungkot na elegiac mood at ang integridad ng pampakay. Ang unang bahagi ay bubukas na may isang tema na itinakda sa tatlong tinig at nakapagpapaalaala sa Awit XVII siglo. Ang ikalawang bahagi ay isang maikling yugto ng isang mahigpit na bodega ng koro. Ang detalyadong finale, na nakasulat sa anyo ng isang fugue, ay lumampas sa laki ng unang dalawang bahagi. Ang musika ng finale ay pinangungunahan ng isang tahimik na banayad na sonority, na naghahatid ng namamatay na panalangin ng isang taong namamatay.

Mga koleksyon ng mga kanta sa Russia

Para sa lahat ng advanced na kultura ng Russia XVIII siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na interes sa paraan ng pamumuhay, mga kaugalian at kaugalian ng mga tao. Nagsisimula ang sistematikong koleksyon at pag-aaral ng alamat. Ang sikat na manunulat na si Mikhail Dmitrievich Chulkov ay pinagsama-sama ang unang koleksyon ng Russian ng mga teksto ng katutubong kanta.

Sa kauna-unahang pagkakataon, ang mga musikal na notasyon ng mga katutubong kanta ay ginawa, ang mga naka-print na koleksyon kasama ang kanilang mga pagsasaayos ay lilitaw: Vasily Fedorovich Trutovsky ("Koleksyon ng mga simpleng kanta ng Ruso na may mga tala"), Nikolai Alexandrovich Lvov at Ivan Prach ("Koleksyon ng mga katutubong kanta ng Russia kasama ang kanilang mga boses").

Kasama sa koleksyon ng Lvov-Prach ang 100 kanta, na marami sa mga ito ay mga klasikong halimbawa ng alamat ng Russia: "Oh, ikaw, canopy, my canopy", "May isang birch sa bukid", "Kung sa hardin, sa hardin" . Sa paunang salita sa koleksyon ("Sa Russian Folk Singing"), itinuro ni N. Lvov sa unang pagkakataon sa Russia ang natatanging pagka-orihinal ng polyphony ng Russian folk choral.

Ang mga kanta mula sa mga koleksyong ito ay ginamit pareho ng mga mahilig sa musika at kompositor na humiram sa kanila para sa kanilang mga gawa - mga opera, instrumental na pagkakaiba-iba, symphonic overtures.

Sa kalagitnaan ng XVIII siglo, mayroong isang natatanging koleksyon ng mga epiko ng Russia at mga makasaysayang kanta na tinatawag "Koleksyon ni Kirsha Danilov" . Walang maaasahang impormasyon tungkol sa compiler nito. Ipinapalagay na si Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) ay isang mang-aawit-improviser, isang buffoon na nakatira sa pagmimina ng Urals. Ni-record niya ang mga himig ng mga kanta sa isang linya nang walang teksto, na inilagay nang hiwalay.

Russian National Composer School

Pagbuo sa ikalawang kalahati ng XVIII siglo ng unang sekular sa Russia paaralan ng kompositor. Ang kanyang kapanganakan ay ang culmination ng Russian Enlightenment . Ang lugar ng kapanganakan ng paaralan ay St. Petersburg, kung saan umunlad ang talento ng pinakamaliwanag na mga kinatawan nito. Kabilang sa mga ito ang mga tagapagtatag ng Russian opera V.A. Pashkevich at E.I. Fomin, master ng instrumental music I.E. Khandoshkin, mga natatanging tagalikha ng klasikal na espirituwal na konsiyerto M.S. Berezovsky at D.S. Bortnyansky, ang mga tagalikha ng silid na "Russian song" O.A. Kozlovsky at F.M. Dubyansky at iba pa.

Karamihan sa mga kompositor ng Russia ay nagmula sa katutubong milieu. Nakuha nila ang masiglang tunog ng alamat ng Russia mula pagkabata. Natural at lohikal, samakatuwid, ay ang pagsasama ng mga katutubong kanta sa Russian opera music (opera ni V. A. Pashkevich at E. I. Fomin), sa mga instrumental na komposisyon (pagkamalikhain ng I. E. Khandoshkin).

Ayon sa tradisyon ng mga nakaraang siglo, ang mga vocal genre, parehong sekular at templo, ay pinakalawak na binuo sa Age of Enlightenment. Kabilang sa mga ito ang spiritual choral concerto, ang comic opera at ang chamber song. Tulad ng sa alamat, sa mga genre na ito ang saloobin sa salita bilang ang priority na batayan ng musika ay napanatili. Ang librettist ay itinuturing na may-akda ng opera, at ang makata ay itinuturing na may-akda ng kanta; ang pangalan ng kompositor ay madalas na nananatili sa mga anino, at sa paglipas ng panahon ay nakalimutan.

Russian comic opera

Kapanganakan ng National Composer School XVIII Ang mga siglo ay malapit na nauugnay sa pag-unlad ng opera ng Russia. Nagsimula ito sa isang musikal na komedya, na umaasa sa mga komedya na gawa ng mga manunulat at makata ng Russia: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky.

Ang comic opera ay araw-araw sa nilalaman nito, na may isang hindi kumplikado ngunit kamangha-manghang balangkas mula sa pang-araw-araw na buhay ng Russia. Ang kanyang mga bayani ay matatalas na magsasaka, mga serf, maramot at sakim na mayayamang tao, walang muwang at magagandang babae, masasama at mababait na maharlika.

Ang dramaturgy ay batay sa paghahalili ng mga pakikipag-usap na diyalogo sa musikal na mga numero batay sa mga Ruso mga awiting bayan. Ipinahiwatig ng mga makata sa libretto kung aling “boses” (popular na awit) ang isa o ibang aria na dapat kantahin. Ang isang halimbawa ay ang pinakamahal na opera ng Russia XVIII siglo "Si Melnik ay isang mangkukulam, isang manlilinlang at isang matchmaker" (1779) A. Ablesimov na may musika ni M. Sokolovsky. Ang manunulat ng dulang si A. O. Ablesimov ay agad na sumulat ng kanyang mga teksto batay sa isang tiyak na materyal ng kanta. Ang kontribusyon ni M. Sokolovsky ay binubuo sa pagproseso ng mga kanta, na maaaring magawa ng isa pang musikero (hindi nagkataon na ang may-akda ng musika ay naiugnay kay E. Fomin sa mahabang panahon).

Ang pag-unlad ng comic opera ay pinadali ng talento ng mga natitirang aktor ng Russia - E.S. Yakovleva (sa kasal ni Sandunova, sa entablado - Uranova), serf actress na si P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevsky.

Isang natitirang papel sa pagbuo ng opera ng Russia XVIII naglaro ang siglo Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742-1797) isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Russia XVIII siglo. Ang pinakamahusay sa kanyang mga opera ("Kasawian mula sa Karwahe", "Ang Miserly", "St. Petersburg Gostiny Dvor") ay napakapopular; XIX siglo. Si Pashkevich ay isang master ng ensemble writing, matalas at mahusay na naglalayong comedic characterizations. Matagumpay na na-reproduce ang mga intonasyon ng pagsasalita sa mga bahagi ng boses, inasahan niya ang mga prinsipyong kinalaunan. malikhaing pamamaraan Dargomyzhsky at Mussorgsky.

Pinatunayan ng isang multi-talented na artista ang kanyang sarili sa opera Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). Ang kanyang opera "Mga coach sa base" .(1787) ay nakikilala sa pamamagitan ng kahusayan sa pagpoproseso ng koro ng mga katutubong himig ng iba't ibang genre. Para sa bawat kanta, nakahanap siya ng sariling istilo ng pagpoproseso. Itinatampok sa opera ang mga nagtatagal na kanta na "The nightingale does not sing at Father's" at "The falcon flies high", ang mga masiglang sayaw na kanta na "The birch raged in the field", "Young young, young young", "Mula sa ilalim ng oak, mula sa ilalim ng elm”. Maraming mga kanta na napili para sa "Coachmen", pagkalipas ng tatlong taon, halos hindi nagbabago, ay pumasok sa "Collection of Russian Folk Songs" ni N.L. Lvova - I. Pracha.

Sa kanyang iba pang akda, ang melodrama na Orpheus (batay sa isang teksto ni Y. Knyaznin batay sa isang sinaunang mito, 1792), si Fomin ay naglalaman ng isang trahedya na tema sa unang pagkakataon sa isang Russian opera. Ang musika ng melodrama ay naging isa sa pinakamagagandang likha ng sining ng Russia ng Enlightenment.

Sa overture, na nauna sa melodrama, ganap na nahayag ang talento ni Fomin bilang isang symphonist. Sa loob nito, ang kompositor, na may kamangha-manghang pakiramdam ng istilo, ay pinamamahalaang ihatid ang kalunos-lunos na kalunos-lunos sinaunang alamat. Sa katunayan, ginawa ni Fomin ang unang hakbang patungo sa paglikha ng symphonism ng Russia. Kaya sa mga bituka ng teatro, tulad ng sa Kanlurang Europa, ang hinaharap na symphony ng Russia ay ipinanganak.

Ang mga opera ni Fomin ay pinahahalagahan lamang sa gitna XX siglo. Sa buhay ng kompositor, hindi masaya ang kanilang kapalaran sa entablado. Opera "Coachmen on the base", na isinulat para sa Home theater nanatiling hindi kilala sa pangkalahatang publiko. Ang pagtatanghal ng komiks na The Americans (sa isang libretto ng batang I.A. Krylov) ay ipinagbawal (ang direktor ng mga imperyal na sinehan ay hindi nagustuhan, sa panahon ng pagbuo ng balangkas, ang mga Indian ay magsusunog ng dalawang European).

Sambahayan vocal lyrics

Ang pagsilang ng isang bagong layer ng alamat ay may malaking repormatoryong kahalagahan sa katutubong sining - awit sa lungsod.Bumangon ito batay sa isang katutubong awit ng magsasaka, na "inangkop" sa pamumuhay sa kalunsuran - isang bagong paraan ng pagganap: ang himig nito ay sinasabayan ng saliw ng chord ng ilang instrumento.

Sa kalagitnaan ng XVIII siglo sa Russia, isang bagong uri ng vocal music ang umuusbong - "Kantang Ruso" . Ang tinatawag na mga gawa para sa boses na may instrumental na saliw, na nakasulat sa mga tekstong patula ng Russia. Lyrical sa nilalaman, ang "mga kanta ng Russia" ay ang mga nangunguna sa pag-iibigan ng Russia.

Ang ninuno ng "Russian song" ay isang kilalang dignitaryo sa korte ni Catherine II , isang edukadong mahilig sa musika Grigory Nikolaevich Teplov , may-akda ng unang Russian na naka-print na songbook na "Samantala, katamaran ..." (1759) Sa mga tuntunin ng estilo at paraan ng pagtatanghal, ang mga kanta ni Teplov ay kumakatawan sa isang transisyonal na genre mula sa cant hanggang sa romansa na may saliw. Karaniwang couplet ang anyo ng kanyang mga kanta.

Ang genre ng "kantang Ruso" ay malapit na konektado sa tradisyon ng alamat. Hindi kataka-taka, samakatuwid, na maraming mga kanta ng may-akda ang naging folk ("Here the postal troika rushes" ni Ivan Rupin sa lyrics ni F. N. Glinka).

Sa pagtatapos ng XVIII mga siglo, ang mga mahuhusay na master ng chamber vocal genre ay itinataguyod - Fedor Dubyansky at Osip Kozlovsky . Ang "mga kanta ng Ruso" na nilikha nila, na mayroon nang isang medyo binuo na bahagi ng piano at isang mas kumplikadong anyo, ay maaaring ituring na mga unang pag-iibigan ng Russia. Ang mga dayandang ng buhay sa lunsod ay malinaw na naririnig sa kanila ("The Dove Dove Moans" ni Dubyansky, "Sweet Evening Sat", "A Cruel Fate" ni Kozlovsky).

Ang "Russian songs" ay malawakang ginagamit na mga tula ng mga sikat na makata: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Sa kanilang matalinghagang nilalaman, sila ay nauugnay sa mga tipikal na mood ng sining. sentimentalismo. Bilang isang patakaran, ito ay mga lyrics ng pag-ibig: ang mga pagdurusa at kasiyahan ng pag-ibig, paghihiwalay, pagkakanulo at paninibugho, "isang malupit na pagnanasa."

Ang hindi kilalang "Mga Kantang Ruso" na inilathala ni F. Meyer ("Koleksyon ng pinakamahusay na mga awiting Ruso", 1781) ay napakapopular din.

Chamber instrumental na musika

Noong 70-80s ng XVIII siglo, nagsimula ang pagbuo ng instrumentalism ng propesyonal na kamara sa Russia. Sa oras na ito, pinagkadalubhasaan ng mga musikero ng Russia ang mga kumplikadong anyo ng instrumental na musika, pagbuo ng mga genre ng solo sonata, mga pagkakaiba-iba, at ensemble ng silid. Ang prosesong ito ay malapit na konektado sa lahat ng mga lugar ng paggawa ng musika sa bahay. Ang musika ng urban o estate life sa mahabang panahon ay nanatiling "nutrient medium" kung saan ang mga maagang usbong ng pambansang istilo ng instrumental ay hinog.

Ang unang Russian instrumental ensembles ay nabibilang kay Dmitry Bortnyansky. Ito ay isang piano quintet at ang Chamber Symphony, na talagang isang septet para sa piano, alpa, dalawang violin, viola da gamba, bassoon at cello.

Lalo na paborito ang lahat ng uri ng mga piyesa ng sayaw - minuet, polonaises, ecossess, country dances - at mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng katutubong awit para sa iba't ibang instrumento. Maraming ganoong mga pagkakaiba-iba para sa biyolin na nilikha Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804), isang kinatawan ng paaralan ng St. Petersburg - isang kompositor, isang natatanging birtuoso na biyolinista, konduktor at guro. Si Khandoshkin ay sikat sa sining ng improvisasyon, mahusay din siyang tumugtog ng viola, gitara at balalaika.

Sa kasaysayan ng musikang Ruso, ang pangalan ng Khandoshkin ay nauugnay sa paglikha ng pambansang paaralan ng biyolin. Karamihan nito malikhaing pamana bumuo ng mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng Russian folk songs at sonata para sa violin, dalawang violin, violin at viola o violin na may bass. Gamit ang mga komposisyong ito, ang Russian chamber instrumental music sa unang pagkakataon ay umalis sa malapit na bilog ng home music-making, pagkuha ng isang birtuoso saklaw. Mahalaga rin na makamit nila ang isang medyo organic na pagkakaisa ng European instrumental language at Russian folklore. Naniniwala ang mga mananaliksik na ang mga himig ng ilan sa mga kanta na kinuha ng kompositor bilang mga tema para sa mga pagkakaiba-iba ay una niyang naitala.

Ang mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng Russian para sa piano ay isinulat ni Trutovsky (halimbawa, sa tema ng katutubong awit na "Sa kagubatan mayroong maraming mga lamok), Karaulov, pati na rin ang mga dayuhang musikero na nagtrabaho sa Russia.

Ang papel ng mga dayuhang musikero sa pagbuo ng musikang Ruso ay dalawang beses. Ang mga patas na paninisi ng progresibong publiko ay sanhi ng bulag na paghanga ng mga aristokratikong bilog para sa lahat ng dayuhan, na nauugnay sa pagmamaliit ng sining ng Russia. Kasabay nito, ang mga aktibidad ng mga dayuhang kompositor, performer at guro ay nag-ambag sa pangkalahatang pagtaas ng kultura ng musika at edukasyon ng mga lokal na propesyonal na musikero.

Ang kapalaran ng kanyang malikhaing pamana ay dramatiko: karamihan sa mga gawa ng kompositor na tumunog sa kabuuan ika-19 na siglo, nanatili sa mga manuskrito at itinago sa Court Singing Chapel. Sa mga unang dekada XX siglo, ang buong pinakamayamang archive ng kapilya na may mga natatanging autograph ng maraming kompositor na Ruso ay sinunog.

Ang tagumpay at pagkilala, ang pagtangkilik ng pinakamataas na tao ay dumating sa Berezovsky nang maaga. Nasa murang edad, na naging sikat sa Russia, sa lalong madaling panahon siya ay naging unang kompositor ng Russia na tinanggap bilang isang miyembro ng sikat na Bologna Academy. Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng mataas na pagkakaiba, bumalik sa kanyang tinubuang-bayan pagkatapos ng 9 na taong pananatili sa ibang bansa, hindi nakamit ni Maxim Berezovsky ang anumang kapansin-pansing posisyon. Ang kanyang enrollment sa kapilya ng hukuman para sa katamtamang posisyon ng isang ordinaryong empleyado ay malinaw na hindi tumutugma sa natanggap karanasang banyaga o mga malikhaing posibilidad. Malinaw, nagdulot ito ng matinding pagkabigo sa kompositor, kahit na ang kanyang mga espiritwal na komposisyon ng koro ay natutunan ng lahat ng mga mahilig sa pag-awit sa simbahan at lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kapanahon. kapilya, militar at serf orkestra, pribadong teatro, o pinag-aralan sa bahay. Sa kultural na kapaligiran XVIII siglo, ang musika ay sumasakop sa pinakamababang posisyon, ito ay ganap na nakasalalay sa pagtangkilik, at ang musikero mismo sa aristokratikong lipunan ay sinakop ang posisyon ng isang semi-servant. Ang mga likha ng mga may-akda ng Russia ay madalas na itinuturing na "pangalawang klase" na musika kung ihahambing sa mga gawa ng mga Aleman o Italyano. Wala ni isang domestic master ang nakaabot ng mataas na posisyon sa korte.

Ang matalino at tusong miller na si Thaddeus, na nagpapanggap na isang makapangyarihang mangkukulam, ay ganap na nilito ang mga ulo ng kanyang mapanlikhang mga kapitbahay. Gayunpaman, ang lahat ay nagtatapos sa isang maligayang kasal ng batang babae na si Anyuta at ang guwapong batang nayon na si Filimon.

Sa postal station - isang set-up - nagtitipon ang mga kutsero. Kabilang sa kanila ang batang kutsero na si Timofey, na nagtagumpay kapwa sa mukha, talino, at kagalingan ng kamay. Kasama niya ang isang batang magandang asawa, si Fadeevna, na nagmamahal sa kanyang asawa. Ngunit si Timothy ay may maiinggit at pinakamasamang kaaway - ang magnanakaw at buhong na si Filka Prolaza. Ang Filka na ito ay nangangarap na ibenta ang masuwerteng si Timothy bilang isang recruit at angkinin ang kanyang asawa, na matagal nang umaakit sa kanya. At si Timothy ay magiging isang sundalo, kung hindi para sa isang dumaan na opisyal. Tinutulungan niyang palayain si Timothy bilang nag-iisang breadwinner ng isang pamilyang magsasaka mula sa serbisyo. Si Filka mismo ay nakapasok sa mga sundalo.

Melodrama - dula-dulaan na may musika na kahalili ng pagbigkas, at kung minsan ay ginaganap nang sabay-sabay sa pagbigkas ng teksto.

Ang relihiyon sa unang pagkakataon ay naging paksa ng matinding pagpuna. Ang pinaka-masigasig at mapagpasyang kritiko nito, at lalo na sa Simbahan, ay si Voltaire.

Sa pangkalahatan, ang ika-18 siglo ay minarkahan ng isang matalim na pagpapahina ng mga relihiyosong pundasyon ng kultura at ang pagpapalakas ng sekular na katangian nito.

pilosopiya ng ika-18 siglo binuo sa malapit na pagtutulungan at pakikipagtulungan sa agham at natural na agham. Ang isang malaking tagumpay ng kooperasyong ito ay ang paglalathala ng "Encyclopedia" sa 35 volume (1751 - 1780), na inspirasyon at na-edit ni Diderot at D "Alamber. Ang mga nilalaman ng "Encyclopedia" ay mga advanced na ideya at pananaw sa mundo at tao. Ito ay isang koleksyon ng mahalagang kaalaman at impormasyon tungkol sa pag-unlad ng agham,
sining at sining.

Noong ika-18 siglo, ang siyentipikong rebolusyon na nagsimula nang mas maaga ay nagwakas, at ang agham- isinasaisip ang natural na agham - nakakamit nito klasikal na anyo. Ang mga pangunahing tampok at pamantayan ng naturang agham ay ang mga sumusunod:

Objectivity ng kaalaman;

Ang karanasan sa pinagmulan nito;

Ang pagbubukod ng lahat ng bagay na subjective mula dito.

Ang hindi pangkaraniwang pagtaas ng awtoridad ng agham ay humahantong sa katotohanan na nasa ika-18 siglo na ang mga unang anyo ng scientism, na naglalagay ng agham sa lugar ng relihiyon. Sa batayan nito, nabuo din ang tinatawag na scientistic utopianism, ayon sa kung saan ang mga batas ng lipunan ay maaaring maging ganap na "transparent", ganap na kilala; at pulitika - na batay sa mahigpit na mga batas sa siyensiya, walang pinagkaiba sa mga batas ng kalikasan. Ang ganitong mga pananaw, sa partikular, ay pinangangasiwaan ni Diderot, na tumingin sa lipunan at tao sa pamamagitan ng prisma ng natural na agham at mga batas ng kalikasan. Sa pamamaraang ito, ang isang tao ay tumigil sa pagiging paksa ng katalusan at pagkilos, ay pinagkaitan ng kalayaan at nakilala sa isang ordinaryong bagay o makina.

Sa pangkalahatan, ang sining ng siglo XVIII- kung ihahambing sa nauna - tila hindi gaanong malalim at kahanga-hanga, lumilitaw na mas magaan, mahangin at mababaw. Nagpapakita ito ng isang balintuna at may pag-aalinlangan sa kung ano ang dating itinuturing na marangal, pinili at dakila. Ang prinsipyong Epicurean, ang pananabik para sa hedonismo, ang diwa ng kasiyahan at kasiyahan ay kapansin-pansing pinahusay dito. Kasabay nito, ang sining ay nagiging mas natural, mas malapit sa katotohanan. Higit pa rito, ito ay nanghihimasok ng higit at higit sa buhay panlipunan, pakikibaka at pulitika, nagiging kampi.

sining ng ika-18 siglo ay sa maraming paraan ay isang direktang pagpapatuloy ng nakaraang siglo. Ang mga pangunahing estilo ay klasiko at baroque pa rin. Kasabay nito, mayroong panloob na pagkakaiba-iba ng sining, ang pagkapira-piraso nito sa dumaraming bilang ng mga uso at direksyon. Lumilitaw ang mga bagong istilo, at mga detalye rococo at sentimentalismo.

Klasisismo pangunahing kumakatawan sa isang Pranses na artista J.-L. David (1748 - 1825). Malaki makasaysayang mga pangyayari, ang tema ng tungkuling sibiko.

Baroque bilang "mahusay na istilo" ng panahon ng absolutismo, unti-unting nawawala ang impluwensya nito, at sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ang istilo rococo. Isa sa pinakasikat na kinatawan nito ay ang artista O. Fragonard (1732 - 1806). Ang kanyang "Bathers" ay isang tunay na apotheosis ng buhay, senswal na kagalakan at kasiyahan. Kasabay nito, ang laman at mga anyo na inilalarawan ni Fragonard ay lumilitaw na parang incorporeal, mahangin at kahit na panandalian. Sa kanyang mga gawa, ang virtuosity, grace, sophistication, light at air effects ay nauuna. Sa espiritung ito isinulat ang larawang "Swing".

Sentimentalismo(ikalawang kalahati ng ika-18 siglo) ay sumalungat sa kulto ng natural na pakiramdam sa pangangatwiran. Isa sa mga nagtatag at pangunahing tauhan ng sentimentalismo ay J.-J. Rousseau. Siya ang nagmamay-ari ng sikat na kasabihan: "Ang isip ay maaaring mali, ang pakiramdam - hindi kailanman!". Sa kanyang mga gawa - "Julia, o New Eloise", "Confession", atbp - inilalarawan niya ang buhay at mga alalahanin ng mga ordinaryong tao, ang kanilang mga damdamin at pag-iisip, umaawit ng kalikasan, kritikal na sinusuri ang buhay sa lunsod, na idealize ang patriyarkal na buhay ng magsasaka.

Ang Pinakadakilang Artist ng ika-18 Siglo wala sa istilo. Kabilang dito ang pangunahing artista ng Pransya A. Watteau (1684 - 1721) at Espanyol na pintor F. Goya (1746 - 1828).

Pagkamalikhain Watteau ("Morning toilet", "Pierrot", "Pilgrimage to the island of Cythera") ay pinakamalapit sa Rococo style. Kasabay nito, ang impluwensya nina Rubens at Van Dyck, Poussin at Titian ay nararamdaman sa kanyang mga gawa. Siya ay nararapat na itinuturing na tagapagpauna ng romantikismo at ang unang mahusay na romantiko sa pagpipinta.

Sa kanyang trabaho, si F. Goya ("Portrait of Queen Marie-Louise", "Mach on the Balcony", "Portrait of Sabasa Garcia", isang serye ng mga ukit na "Caprichos") ay nagpapatuloy sa makatotohanang kalakaran ng Rembrandt. Sa kanyang mga gawa ay makikita ang impluwensya ni Poussin, Rubens at iba pang magagaling na artista. Kasabay nito, ang kanyang sining ay organikong pinagsama sa Espanyol na pagpipinta - lalo na sa sining ng Velázquez. Si Goya ay isa sa mga pintor na ang gawa ay may malinaw na pambansang katangian.

Sining sa musika ay nakakaranas ng walang uliran na paglago at kaunlaran. Kung ang XVII Ang siglo ay itinuturing na siglo ng teatro, kung gayon XVIII siglo ay wastong matatawag na siglo ng musika. Ang kanyang prestihiyo sa lipunan ay tumataas nang husto kaya napunta siya sa unang lugar sa mga sining, na inilipat ang pagpipinta mula doon.

Ang musika ng ika-18 siglo ay kinakatawan ng mga pangalan tulad ng F. Haydn, K. Gluck, G. Handel. Kabilang sa mga magagaling na kompositor ay nararapat na bigyang pansin I. S. Bach (1685 - 1750) at AT. A. Mozart (1756- 1791).

Si Bach ang huling mahusay na henyo ng panahon ng Baroque. Matagumpay siyang nagtrabaho sa halos lahat mga genre ng musika maliban sa opera. Ang kanyang musika ay nauuna sa panahon nito, inaasahan ang maraming susunod na istilo, kabilang ang Romantisismo. Ang gawa ni Bach ay ang rurok ng sining ng polyphony. Sa larangan ng vocal at dramatic music, ang pinakasikat na obra maestra ng kompositor ay ang cantata "Passion according to Matthew", na nagsasabi tungkol sa mga huling araw ng buhay ni Kristo. Ang pinakadakilang kaluwalhatian kay Bach sa panahon ng kanyang buhay ay dinala musika ng organ. Sa larangan ng musika para sa clavier, ang makikinang na likha ng kompositor ay "Mabait na Clavier" na isang uri ng encyclopedia ng mga istilo ng musika noong XVII - XVIII na siglo.

Sa mga gawa ng kompositor ng Austrian na si W. A. ​​​​Mozart, ang mga prinsipyo ng klasisismo ay pinagsama sa mga aesthetics ng sentimentalism. Kasabay nito, si Mozart ang nangunguna sa romanticism - ang unang mahusay na romantiko sa musika. Ang kanyang trabaho ay sumasaklaw sa halos lahat ng mga genre, at saanman siya ay kumikilos bilang isang matapang na innovator. Sa panahon ng buhay ni Mozart, ang kanyang mga opera ay nagtamasa ng pinakamalaking tagumpay. Ang pinakasikat sa kanila ay "The Wedding of Figaro", "Don Juan", "The Magic Flute". Karapat-dapat din ng espesyal na pagbanggit "Requiem".

Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, nagsimula ang Panahon ng Enlightenment, na sumaklaw sa buong kasunod na ika-18 siglo. Ang mga pangunahing tampok ng oras na ito ay malayang pag-iisip at rasyonalismo. Nagkaroon ng kultura ng Enlightenment, na nagbigay sa mundo

Pilosopiya

Ang buong kultura ng Enlightenment ay batay sa mga bagong ideyang pilosopikal na binuo ng mga nag-iisip noong panahong iyon. Ang mga pangunahing masters ng pag-iisip ay sina John Locke, Voltaire, Montesquieu, Rousseau, Goethe, Kant at ilang iba pa. Sila ang nagpasiya ng espirituwal na hugis ng ika-18 siglo (na tinatawag ding Age of Reason).

Naniniwala ang mga Adepts of the Enlightenment sa ilang mahahalagang ideya. Isa na rito ang lahat ng tao ay likas na pantay-pantay, bawat tao ay may kanya-kanyang interes at pangangailangan. Upang matugunan ang mga ito, kinakailangan upang lumikha ng isang hostel na komportable para sa lahat. Ang pagkatao ay hindi nabubuo sa sarili nitong - ito ay nabuo sa paglipas ng panahon dahil sa katotohanan na ang mga tao ay may pisikal at espirituwal na lakas, pati na rin ang katalinuhan. Ang pagkakapantay-pantay ay dapat una sa lahat ay binubuo sa pagkakapantay-pantay ng lahat sa harap ng batas.

Ang kultura ng Enlightenment ay isang kultura ng kaalaman na magagamit ng lahat. Naniniwala ang mga nangungunang nag-iisip na sa pamamagitan lamang ng paglaganap ng edukasyon matatapos ang kaguluhan sa lipunan. Ito ay rasyonalismo - ang pagkilala sa katwiran bilang batayan ng pag-uugali at kaalaman ng tao.

Sa Panahon ng Enlightenment, nagpatuloy ang mga debate tungkol sa relihiyon. Ang paghihiwalay ng lipunan mula sa inert at konserbatibong simbahan (pangunahin ang Katoliko) ay lumalaki. Sa mga edukadong mananampalataya, ang ideya ng Diyos ay lumaganap, tulad ng isang uri ng ganap na mekaniko, na nagdala ng kaayusan sa orihinal na umiiral na mundo. Salamat sa maraming siyentipikong pagtuklas, lumaganap ang pananaw na ang sangkatauhan ay maaaring magbunyag ng lahat ng mga lihim ng sansinukob, at ang mga bugtong at mga himala ay isang bagay ng nakaraan.

Mga direksyon sa sining

Bukod sa pilosopiya, nagkaroon din ng masining na kultura ng Enlightenment. Sa oras na ito, ang sining ng Old World ay kasama ang dalawang pangunahing lugar. Ang una ay klasisismo. Siya ay nakapaloob sa panitikan, musika, sining. Ang direksyong ito ay nangangahulugan ng pagsunod sa sinaunang Romano at Griyegong mga prinsipyo. Ang ganitong sining ay nakikilala sa pamamagitan ng simetrya, rationality, purposefulness at mahigpit na pagsunod sa form.

Sa loob ng balangkas ng romantikismo, ang artistikong kultura ng Enlightenment ay tumugon sa iba pang mga kahilingan: emosyonalidad, imahinasyon, at ang malikhaing improvisasyon ng artista. Madalas mangyari na sa isang gawain ang dalawang magkasalungat na pamamaraang ito ay pinagsama. Halimbawa, ang anyo ay maaaring tumutugma sa klasisismo, at ang nilalaman - sa romantikismo.

Lumitaw din ang mga pang-eksperimentong istilo. Ang sentimentalismo ay naging isang mahalagang kababalaghan. Wala itong sariling istilong anyo, ngunit sa tulong nito napakita ang mga ideya noon tungkol sa kabaitan at kadalisayan ng tao, na likas na ibinibigay sa mga tao. Ang artistikong kultura ng Russia sa Age of Enlightenment, tulad ng European, ay may sariling maliliwanag na gawa na kabilang sa trend ng sentimentalism. Ganito ang kwento ni Nikolai Karamzin "Poor Liza".

Kulto ng kalikasan

Ang mga sentimentalista ang lumikha ng kulto ng kalikasan na katangian ng Enlightenment. Ang mga nag-iisip noong ika-18 siglo ay naghanap dito ng isang halimbawa ng maganda at magandang bagay na dapat sana ay pinagsikapan ng sangkatauhan. pagkakatawang-tao mas magandang mundo lumabas na aktibong lumilitaw sa oras na iyon sa mga parke at hardin ng Europa. Nilikha sila bilang perpektong kapaligiran para sa perpektong tao. Kasama ang kanilang komposisyon Galleria ng sining, mga aklatan, museo, templo, teatro.

Naniniwala ang mga Enlightener na ang bagong "likas na tao" ay dapat bumalik sa kanyang natural na estado - iyon ay, kalikasan. Ayon sa ideyang ito, ang kulturang sining ng Russia sa panahon ng Enlightenment (o sa halip, arkitektura) ay ipinakita si Peterhof sa mga kontemporaryo. Ang mga sikat na arkitekto na sina Leblon, Zemtsov, Usov, Quarenghi ay nagtrabaho sa pagtatayo nito. Salamat sa kanilang mga pagsisikap, lumitaw ang isang natatanging grupo sa baybayin ng Gulpo ng Finland, na kinabibilangan ng isang natatanging parke, mga kahanga-hangang palasyo at mga fountain.

Pagpipinta

Sa pagpipinta, ang artistikong kultura ng Enlightenment Europe ay umunlad sa direksyon ng higit na sekularismo. Ang simula ng relihiyon ay nawawalan na ng saligan kahit na sa mga bansang iyon kung saan dati ay medyo kumpiyansa: Austria, Italy, Germany. Ang pagpipinta ng landscape ay pinalitan ng isang mood landscape, at pinalitan ng isang intimate portrait ang ceremonial portrait.

Sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ang kulturang Pranses ng Enlightenment ay nagbunga ng istilong Rococo. Ang ganitong sining ay binuo sa kawalaan ng simetrya, mapanukso, mapaglaro at mapagpanggap. Ang mga paboritong karakter ng mga artista ng direksyon na ito ay sina Bacchantes, nymphs, Venus, Diana at iba pang mga figure. sinaunang mitolohiya, at ang mga pangunahing plot ay pag-ibig.

Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng French Rococo ay ang gawa ni Francois Boucher, na tinawag ding "ang unang pintor ng hari." Nagpinta siya ng mga teatro, mga ilustrasyon para sa mga libro, mga larawan para sa mga mayayamang bahay at mga palasyo. Ang kanyang pinakatanyag na canvases ay: "The Toilet of Venus", "The Triumph of Venus", atbp.

Si Antoine Watteau, sa kabaligtaran, ay higit na bumaling sa modernong buhay. Sa ilalim ng kanyang impluwensya, nabuo ang istilo ng pinakadakilang pintor ng portrait ng Ingles na si Thomas Gainsborough. Ang kanyang mga imahe ay nakikilala sa pamamagitan ng espirituwalidad, espirituwal na pagpipino at tula.

Ang pangunahing Italyano na pintor noong ika-18 siglo ay si Giovanni Tiepolo. Ang master ng mga ukit at fresco na ito ay itinuturing ng mga istoryador ng sining bilang ang huling mahusay na kinatawan ng paaralang Venetian. Sa kabisera ng sikat na republika ng kalakalan, lumitaw din ang veduta - isang pang-araw-araw na tanawin ng lunsod. Ang pinakasikat na tagalikha sa genre na ito ay sina Francesco Guardi at Antonio Canaletto. Ang mga cultural figure na ito ng Enlightenment ay nag-iwan ng malaking bilang ng mga kahanga-hangang painting.

Teatro

Ang ika-18 siglo ay ang ginintuang panahon ng teatro. Sa Panahon ng Enlightenment, ang sining na ito ay umabot sa tugatog ng katanyagan at pagkalat nito. Sa Inglatera ang pinakadakilang manunulat ng dula ay si Richard Sheridan. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa, A Trip to Scarborough, The School for Scandal, and Rivals, ay nilibak ang imoralidad ng burgesya.

Ang teatro na kultura ng Europa sa panahon ng Enlightenment ay pinaka-dynamic na nabuo sa Venice, kung saan 7 mga teatro ang gumana nang sabay-sabay. Ang tradisyonal na taunang city carnival ay umakit ng mga bisita mula sa buong Old World. Sa Venice, nagtrabaho ang may-akda ng sikat na "Tavern" na si Carlo Goldoni. Ang manunulat ng dulang ito, na sumulat ng kabuuang 267 mga gawa, ay iginagalang at pinahahalagahan ni Voltaire.

karamihan sikat na komedya Ang siglo XVIII ay "The Marriage of Figaro", na isinulat ng dakilang Pranses na si Beaumarchais. Sa dulang ito, natagpuan nila ang embodiment ng mood ng isang lipunan na may negatibong saloobin sa absolutong monarkiya ng mga Bourbon. Ilang taon pagkatapos ng publikasyon at mga unang produksyon ng komedya, isang rebolusyon ang naganap sa France na nagpabagsak sa lumang rehimen.

Ang kulturang Europeo sa panahon ng Enlightenment ay hindi homogenous. Sa ilang mga bansa, ang sining ay may sariling pambansang katangian. Halimbawa, isinulat ng mga manunulat ng dulang Aleman (Schiller, Goethe, Lessing) ang kanilang pinakanamumukod-tanging mga gawa sa genre ng trahedya. Kasabay nito, ang teatro ng Enlightenment ay lumitaw sa Germany ilang dekada mamaya kaysa sa France o England.

Si Johann Goethe ay hindi lamang isang kahanga-hangang makata at manunulat ng dula. Ito ay hindi para sa wala na siya ay tinatawag na isang "universal henyo" - isang connoisseur at theorist ng sining, isang siyentipiko, isang nobelista at isang espesyalista sa maraming iba pang mga larangan. Ang kanyang mga pangunahing gawa ay ang trahedya na si Faust at ang dulang Egmont. Ang isa pang namumukod-tanging pigura ng German Enlightenment, hindi lamang sumulat ng "Deceit and Love" at "Robbers", ngunit nag-iwan din ng mga akdang pang-agham at pangkasaysayan.

Fiction

Ang pangunahing pampanitikan genre ng ika-18 siglo ay ang nobela. Ito ay salamat sa mga bagong libro na nagsimula ang tagumpay ng burges na kultura, na pinalitan ang dating pyudal na lumang ideolohiya. Ang mga gawa ng hindi lamang artistikong manunulat, kundi pati na rin ang mga sosyologo, pilosopo, at ekonomista ay aktibong nai-publish.

Ang nobela, bilang isang genre, ay lumago mula sa pang-edukasyon na pamamahayag. Sa pamamagitan nito, ang mga nag-iisip noong ika-18 siglo ay nakahanap ng bagong anyo para sa pagpapahayag ng kanilang panlipunan at mga ideyang pilosopikal. Si Jonathan Swift, na sumulat ng Gulliver's Travels, ay namuhunan sa kanyang trabaho ng maraming alusyon sa mga bisyo ng kontemporaryong lipunan. Isinulat din niya ang "The Tale of the Butterfly". Sa polyetong ito, kinutya ni Swift ang mga utos at alitan noon ng simbahan.

Ang pag-unlad ng kultura sa panahon ng Enlightenment ay matutunton sa paglitaw ng mga bagong genre ng panitikan. Sa oras na ito, lumitaw ang epistolary novel (isang nobela sa mga titik). Ganito, halimbawa, ang sentimental na gawain ni Johann Goethe na The Sufferings of Young Werther, kung saan nagpakamatay ang pangunahing tauhan, gayundin ang Persian Letters ni Montesquieu. Lumitaw ang mga dokumentaryo na nobela sa genre ng pagsulat ng paglalakbay o mga paglalarawan sa paglalakbay (Paglalakbay sa France at Italya ni Tobias Smollett).

Sa panitikan, ang kultura ng Enlightenment sa Russia ay sumunod sa mga utos ng klasisismo. Noong ika-18 siglo, ang mga makata na sina Alexander Sumarokov, Vasily Trediakovsky, Antioch Kantemir ay nagtrabaho. Ang mga unang shoots ng sentimentalism ay lumitaw (ang nabanggit na Karamzin kasama ang "Poor Liza" at "Natalya, boyar na anak na babae"). Ang kultura ng Enlightenment sa Russia ay lumikha ng lahat ng mga kinakailangan para sa simula ng bagong XIX na siglo lokal na panitikan, na pinamumunuan nina Pushkin, Lermontov at Gogol, ay nakaligtas sa ginintuang edad nito.

musika

Ito ay sa panahon ng Age of Enlightenment na nabuo ang modernong musikal na wika. Si Johann Bach ay itinuturing na tagapagtatag nito. Ang mahusay na kompositor na ito ay nagsulat ng mga gawa sa lahat ng mga genre (ang exception ay opera). Si Bach ay itinuturing pa rin na hindi maunahang master ng polyphony ngayon. Ang isa pang Aleman na kompositor na si Georg Handel ay nagsulat ng higit sa 40 mga opera, pati na rin ang maraming sonata at suite. Siya, tulad ni Bach, ay nakakuha ng inspirasyon mula sa mga paksa ng Bibliya (ang mga pamagat ng mga gawa ay tipikal: "Israel sa Ehipto", "Saul", "Mesiyas").

Ang isa pang mahalagang musical phenomenon noong panahong iyon ay ang Viennese school. Ang mga gawa ng mga kinatawan nito ay patuloy na isinagawa ng mga akademikong orkestra ngayon, salamat sa kung saan ang mga modernong tao ay maaaring mahawakan ang pamana na iniwan ng kultura ng Enlightenment. Ang ika-18 siglo ay nauugnay sa mga pangalan ng mga henyo tulad ng Wolfgang Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven. Ang mga kompositor ng Viennese na ito ang muling nag-isip ng mga lumang anyo at genre ng musika.

Si Haydn ay itinuturing na ama ng klasikal na symphony (sinulat niya ang higit sa isang daan sa kanila). Marami sa mga gawaing ito ay batay sa katutubong sayaw at mga kanta. Ang tuktok ng trabaho ni Haydn ay ang cycle ng London symphony, na isinulat niya sa kanyang mga paglalakbay sa England. Kultura ng Enlightenment at anumang iba pang panahon kasaysayan ng tao bihirang gumawa ng gayong mabungang mga manggagawa. Bilang karagdagan sa mga symphony, si Haydn ay kinikilala na may 83 quartets, 13 masa, 20 opera at 52 clavier sonatas.

Si Mozart ay hindi lamang sumulat ng musika. Siya ay tumugtog ng harpsichord at violin na walang kapantay, na pinagkadalubhasaan ang mga instrumentong ito sa murang edad. Ang kanyang mga opera at konsiyerto ay nakikilala sa pamamagitan ng iba't ibang uri ng mood (mula sa poetic lyrics hanggang sa saya). Ang pangunahing mga gawa ni Mozart ay itinuturing na kanyang tatlong symphony, na isinulat sa parehong taon 1788 (mga numero 39, 40, 41).

Ang isa pang mahusay na klasiko, si Beethoven, ay mahilig sa mga bayaning plot, na makikita sa mga overture na Egmont, Coriolanus at ang opera na Fidelio. Bilang isang performer, humanga siya sa kanyang mga kasabayan sa pamamagitan ng pagtugtog ng piano. Sumulat si Beethoven ng 32 sonata para sa instrumentong ito. Ginawa ng kompositor ang karamihan sa kanyang mga gawa sa Vienna. Nagmamay-ari din siya ng 10 sonata para sa violin at piano (ang pinakasikat ay ang "Kreutzer" sonata).

Nagdusa si Beethoven ng malubhang pagkawala ng pandinig na dulot niya. Ang kompositor ay nagpakamatay at sa desperasyon ay isinulat ang kanyang maalamat na Moonlight Sonata. Gayunpaman, kahit na ang isang kakila-kilabot na sakit ay hindi sinira ang kalooban ng artista. Pagtagumpayan ang kanyang sariling kawalang-interes, si Beethoven ay nagsulat ng maraming higit pang mga symphonic na gawa.

English Enlightenment

Ang England ay ang lugar ng kapanganakan ng European Enlightenment. Sa bansang ito, mas maaga kaysa sa iba, noong ika-17 siglo, isang burges na rebolusyon ang naganap, na nagbigay ng lakas sa pag-unlad ng kultura. England ay naging magandang halimbawa panlipunang pag-unlad. Ang pilosopo na si John Locke ay isa sa mga una at pangunahing teorista ng ideyang liberal. Sa ilalim ng impluwensya ng kanyang mga isinulat, isinulat ang pinakamahalagang dokumento sa politika ng Enlightenment - ang Deklarasyon ng Kalayaan ng Amerika. Naniniwala si Locke na ang kaalaman ng tao ay tinutukoy ng pandama at karanasan, na pinabulaanan ang dating popular na pilosopiya ni Descartes.

Ang isa pang mahalagang palaisip sa Britanya noong ika-18 siglo ay si David Hume. Ang pilosopo, ekonomista, mananalaysay, diplomat at publicist na ito ay nag-update ng agham ng moralidad. Ang kanyang kontemporaryong Adam Smith ay naging tagapagtatag ng modernong teoryang pang-ekonomiya. Ang kultura ng Enlightenment, sa madaling salita, ay nauna sa maraming modernong konsepto at ideya. Ganyan lang ang gawa ni Smith. Siya ang unang nagtutumbas ng kahalagahan ng pamilihan sa kahalagahan ng estado.

Mga nag-iisip ng France

Ang mga pilosopong Pranses noong ika-18 siglo ay nagtrabaho bilang pagsalungat sa umiiral noon na sistemang panlipunan at pampulitika. Rousseau, Diderot, Montesquieu - lahat sila ay nagprotesta laban sa mga domestic order. Ang kritisismo ay maaaring magkaroon ng iba't ibang anyo: ateismo, idealisasyon ng nakaraan (ang mga republikang tradisyon ng unang panahon ay pinuri), atbp.

Ang 35-volume na "Encyclopedia" ay naging kakaibang phenomenon ng kultura ng Enlightenment. Binubuo ito ng mga pangunahing nag-iisip ng Age of Reason. Julien La Mettrie, Claude Helvetius at iba pang mga kilalang intelektwal noong ika-18 siglo ay nag-ambag sa mga indibidwal na volume.

Matalas na pinuna ni Montesquieu ang pagiging arbitraryo at despotismo ng mga awtoridad. Ngayon siya ay nararapat na itinuturing na tagapagtatag ng burges liberalismo. Si Voltaire ay naging isang halimbawa ng pambihirang talino at talento. Siya ang may-akda ng mga satirical na tula, pilosopikal na nobela, pampulitikang treatise. Dalawang beses ang nag-iisip na napunta sa bilangguan, mas maraming beses na kailangan niyang magtago sa pagtakbo. Si Voltaire ang lumikha ng fashion para sa freethinking at skepticism.

German Enlightenment

Ang kultura ng Aleman noong ika-18 siglo ay umiral sa mga kondisyon ng pagkapira-piraso sa politika ng bansa. Ang mga advanced na kaisipan ay nagtaguyod ng pagtanggi sa pyudal na mga bakas at pambansang pagkakaisa. Hindi tulad ng mga pilosopong Pranses, ang mga nag-iisip ng Aleman ay maingat sa mga isyu na may kaugnayan sa simbahan.

Tulad ng kulturang Ruso ng Enlightenment, nabuo ang kulturang Prussian na may direktang pakikilahok ng autokratikong monarko (sa Russia ito ay Catherine II, sa Prussia - Frederick the Great). Mahigpit na sinuportahan ng pinuno ng estado ang mga advanced na mithiin ng kanyang panahon, bagaman hindi niya ibinigay ang kanyang walang limitasyong kapangyarihan. Ang sistemang ito ay tinawag na "napaliwanagan na absolutismo."

Ang pangunahing Enlightener ng Germany noong ika-18 siglo ay si Immanuel Kant. Noong 1781 inilathala niya ang pangunahing gawaing Critique of Pure Reason. Ang pilosopo ay bumuo ng isang bagong teorya ng kaalaman, pinag-aralan ang mga posibilidad ng talino ng tao. Siya ang nagpatunay sa mga pamamaraan ng pakikibaka at mga legal na anyo mga pagbabago sa sistemang panlipunan at estado, hindi kasama ang matinding karahasan. Malaki ang kontribusyon ni Kant sa paglikha ng teorya ng panuntunan ng batas.

Sa musika sa pagtatapos ng XVII-XVIII na siglo. ang wika ay nagsimulang magkaroon ng hugis, na pagkatapos ay ang buong Europa ay magsasalita. Ang una ay ang mga Aleman na kompositor na sina Johann Sebastian Bach (1685-1750) at Georg Friedrich Handel (1685-1759) Grinenko G.V. Mambabasa sa kasaysayan ng kultura ng daigdig.- M.: 1998, p.-398..

Ang mahusay na kompositor ng Aleman at organista na si Bach ay nagtrabaho sa lahat ng mga genre ng musika maliban sa opera. Siya ay isang hindi maunahang master ng symphony. Kasama sa kanyang orkestra na musika ang mga konsyerto para sa mga keyboard at violin, mga orkestra na suite. Mahalaga ang musika ni Bach para sa clavier at organ, ang kanyang mga fugues at chorales.

Tulad ni Bach, gumamit si Handel ng mga paksa sa Bibliya para sa kanyang mga gawa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay ang mga oratorio "Israel sa Ehipto", "Messiah". Sumulat si Handel ng higit sa 40 opera, gayundin ng mga organ concerto, sonata, at suite.

Ang Viennese classical na paaralan at ang pinakakilalang mga master nito - Haydn, Mozart at Beethoven - ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa musikal na sining ng Europa. Ang mga klasikong Viennese ay muling nag-isip at pinatunog ang lahat ng mga genre at anyo ng musika sa isang bagong paraan.

Si Joseph Haydn (1732-1809), ang guro nina Mozart at Beethoven, ay tinawag na "ama ng symphony". Gumawa siya ng mahigit 100 symphony. Marami sa kanila ay batay sa mga tema ng mga katutubong awit at sayaw, na binuo ng kompositor na may kamangha-manghang sining. Ang tuktok ng kanyang trabaho ay "12 London Symphonies", na isinulat sa panahon ng matagumpay na paglalakbay ng kompositor sa England noong dekada 90. Sumulat si Haydn ng maraming magagandang quartets at clavier sonata, higit sa 20 opera, 14 na masa, isang malaking bilang ng mga kanta at iba pang komposisyon, ang nagdala ng symphony at quartet sonata sa klasikal na pagiging perpekto. Sa pagtatapos ng kanyang karera, lumikha siya ng dalawang monumental na oratorio - "The Creation of the World" at "The Seasons", na nagpapahayag ng mga saloobin tungkol sa kadakilaan ng uniberso ng buhay ng tao.

Si Wolfgang Amadeus Mozart (1756--1791) bilang isang bata ay humanga sa kanyang mga pambihirang kakayahan: siya ay isang birtuoso na tagapalabas, gumawa ng musika sa maraming dami. Ang mga pambihirang kakayahan ni Wolfgang ay nabuo sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama, ang biyolinista at kompositor na si Leopold Mozart. Mula noong 1781, si Mozart ay naninirahan sa Vienna, kung saan umunlad ang kanyang malikhaing henyo. Sa mga opera na "The Abduction from the Seraglio", "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni", "The Magic Flute" Mozart na may kamangha-manghang kasanayan ay lumilikha ng magkakaibang at buhay na buhay na mga karakter ng tao, ay nagpapakita ng buhay sa mga kaibahan nito, na lumilipat mula sa biro hanggang sa malalim. kaseryosohan, mula sa saya - hanggang sa banayad na mga liriko ng patula.

Ang parehong mga katangian ay likas sa kanyang mga symphony, sonatas, concertos, quartets, kung saan siya ay lumilikha ng pinakamataas na klasikal na halimbawa ng mga genre. Ang mga tugatog ng klasikal na symphonism ay ang kanyang tatlong symphony (isinulat ni Mozart ang tungkol sa 50 sa kabuuan): "E Flat Major" (No. 39) - ang buhay ng isang tao ay puno ng kagalakan, paglalaro, kagalakan galaw ng sayaw; "G minor" (No. 40) - malalim na liriko na tula ng kilusan kaluluwa ng tao, ang dramatikong katangian ng kanyang mga mithiin; Ang "C Major" (No. 41), na tinatawag na "Jupiter" ng mga kontemporaryo, ay yumakap sa buong mundo kasama ang mga kaibahan at kontradiksyon nito, na nagpapatibay sa katwiran at pagkakatugma ng istraktura nito.

Ang musika ni Mozart ay ang pinakamataas na tagumpay ng klasisismo sa pagiging perpekto ng mga melodies at anyo.

"Music should strike fire from people's hearts," sabi ni Ludwig van Beethoven (1770-1827), na ang gawa ay kabilang sa pinakamataas na tagumpay ng henyo ng tao. Isang taong may republikang pananaw, iginiit niya ang dignidad ng artist-creator. Si Beethoven ay naging inspirasyon ng mga kuwento ng kabayanihan. Ito ang kanyang nag-iisang opera na "Fidelio" at ang mga overture na "Egmont", "Leonora", "Coriapan", piano sonata No. 23. Ang pananakop ng kalayaan bilang isang resulta ng isang matigas na pakikibaka ay ang pangunahing ideya ng kanyang trabaho.

Ang buong mature na malikhaing buhay ni Beethoven ay konektado kay Vienna, kung saan natuwa na siya kay Mozart sa kanyang paglalaro bilang isang binata, nag-aral kasama si Haydn, at naging sikat bilang pianist dito. Ang elemental na puwersa ng mga dramatikong pag-aaway, ang kadakilaan ng pilosopiko na mga liriko, makatas, kung minsan ay bastos na katatawanan - lahat ng ito ay makikita natin sa walang katapusang mayamang mundo ng kanyang mga sonata (sumulat siya ng 32 sonata sa kabuuan). Ang mga liriko-dramatikong larawan ng Ika-labing-apat ("Lunar") at ang Ika-labingpitong Sonatas ay sumasalamin sa kawalan ng pag-asa ng kompositor sa pinakamahirap na yugto ng kanyang buhay, nang si Beethoven ay malapit nang magpakamatay dahil sa pagkawala ng pandinig. Ngunit ang krisis ay napagtagumpayan: ang hitsura ng Ikatlo ("Kabayanihan") Symphony ay minarkahan ang tagumpay ng kalooban ng tao. Sa pagitan ng 1803 at 1813 nilikha niya ang karamihan sa mga symphonic na gawa. Ang iba't ibang mga malikhaing hangarin ay tunay na walang limitasyon. Naakit din ang kompositor ng mga genre ng kamara (ang vocal cycle na "To a Distant Beloved"). Hinahangad ni Beethoven na tumagos sa kaloob-looban ng panloob na mundo ng tao.

Ang apotheosis ng kanyang trabaho ay ang Ikasiyam ("Koral") Symphony at ang Solemne Mass. Kasama sa ikasiyam na symphony ang isang sipi mula sa "Ode to Joy" ni Schiller, na pinili bilang anthem ng Europe.

Ang artikulong ito ay maaaring magsilbing karagdagang materyal para sa mga aralin sa musika sa mga baitang 7-8. Nag-aalok ito ng materyal para sa isang malalim na pag-aaral ng kultura ng musika noong ika-17-18 siglo. Sa musika ng panahong iyon, nabuo ang isang wika, na kasunod ay "magsasalita" sa buong Europa.

I-download:

Preview:

"Musika ng Enlightenment"

Ang kilusang paliwanag ay may malaking epekto sa buhay musikal. Sa musika noong ika-17 - ika-18 na siglo. na ang wikang musikal ay nabubuo, kung saan ang buong Europa ay kasunod na "magsasalita". Ang una ay sina Johann Sebastian Bach (1685-1750) at Georg Friedrich Handel (1685-1759). Si Bach ay isang mahusay na kompositor at organista, nagtrabaho siya sa lahat ng mga genre ng musika maliban sa opera. Dinala niya ang polyphonic art na lumitaw sa Europa noong Middle Ages sa pagiging perpekto. Ang lalim ng pag-iisip ni Bach, ang kanyang mga damdamin ay ganap na nahayag sa gawaing organ, ang pag-amin ng kaluluwa ay tunog. Sa anim na henerasyon ng mga Bach, halos lahat ay organista, trumpeter, flutista, violinist, bandmaster at cantor. landas buhay magaling na kompositor Ito ay patuloy na pakikibaka para sa karapatang maging malikhain. Si Handel, tulad ni Bach, ay gumamit ng mga paksa sa Bibliya para sa kanyang mga gawa.

Noong ika-18 siglo, sa ilang mga bansa (Italy, Germany, Austria, France, atbp.) ay may mga proseso ng pagbuo ng mga bagong genre at anyo ng instrumental na musika, na sa wakas ay nabuo at umabot sa kanilang rurok sa tinatawag na "Viennese classical school".Ang Viennese classical school, na organikong sumisipsip ng mga advanced na tagumpay ng pambansang musikal na kultura, ay isang malalim na pambansang kababalaghan, na nakaugat sa demokratikong kultura ng mga Austrian. Ang mga kinatawan ng artistikong direksyon na ito ay sina J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Bawat isa sa kanila ay maliwanag na personalidad. Kaya, ang istilo ni Haydn ay nakikilala sa pamamagitan ng isang maliwanag na pananaw sa mundo, ang nangungunang papel ng genre at pang-araw-araw na elemento. Para sa istilo ni Mozart, mas katangian ang liriko-dramatikong simula. Ang istilo ni Beethoven ay ang sagisag ng kabayanihan ng pakikibaka. Gayunpaman, kasama ang mga pagkakaiba na tumutukoy sa pagiging natatangi ng bawat isa sa mga kompositor na ito, pinag-isa sila ng realismo, isang prinsipyong nagpapatibay sa buhay at demokrasya. Ang pag-iisip, na nakatuon sa Panahon ng Enlightenment patungo sa rasyonalismo at abstract generalization, ay humantong sa paglitaw ng mga bagong genre: SYMPHONY, SONATA, CONCERT. Ang mga genre na ito ay kinuha ang anyo ng isang sonata-symphony cycle, ang core nito ay ang sonata allegro. Ang SONATA ALLEGRO ay isang proporsyonal at simetriko na konstruksyon, na binubuo ng tatlong pangunahing seksyon - paglalahad, pag-unlad at muling pagbabalik.

Para sa Vienna klasikal na paaralan ay nailalarawan sa pamamagitan ng artistikong istilo ng klasisismo, na nagmula sa France noong ika-17 siglo.Batay sa mga ideya ng pagiging regular, ang katwiran ng pagkakasunud-sunod ng mundo, ang mga masters ng istilong ito ay nagsusumikap para sa malinaw at mahigpit na mga anyo, magkatugma na mga pattern, ang sagisag ng mataas mga mithiing moral. Itinuring nila ang mga gawa ng sinaunang sining bilang ang pinakamataas, hindi malalampasan na mga halimbawa ng pagkamalikhain ng artistikong, samakatuwid ay bumuo sila ng mga sinaunang plot at larawan. Ang klasisismo sa maraming paraan ay sumalungat sa Baroque sa kanyang hilig, pagkakaiba-iba, hindi pagkakapare-pareho, iginiit ang mga prinsipyo nito sa iba't ibang uri ng sining, kabilang ang musika.Ang aktibidad ng mga kompositor ng Viennese classical na paaralan ay inihanda ng artistikong karanasan ng kanilang mga nauna at kontemporaryo, kabilang ang Italyano at Pranses na opera at instrumental na kultura, ang mga tagumpay ng musikang Aleman. Ang isang malaking papel sa pagbuo ng Viennese classical na paaralan ay ginampanan ng musikal na buhay ng Vienna - ang pinakamalaking musical center, ang musical folklore ng multinational Austria. Ang sining ng mga klasikong Viennese ay malapit na nauugnay sa pangkalahatang pagtaas ng kultura ng Austro-Aleman, na may paliwanag, na sumasalamin sa mga humanistic na mithiin ng ikatlong estate sa bisperas ng Dakila. rebolusyong Pranses. Ang mga malikhaing ideya ng mga klasikong Viennese ay malapit na nauugnay sa mga pananaw ni G.E. Lessing, I.G. Herder, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, na may ilang mga probisyon ng French encyclopedists.

Ang sining ng mga kinatawan ng Viennese classical na paaralan ay nailalarawan sa pamamagitan ng universality ng artistikong pag-iisip, pagkakapare-pareho, kalinawan ng artistikong anyo. Ang mga damdamin at talino, trahedya at komiks, tumpak na pagkalkula at pagiging natural, kadalian ng pagpapahayag ay organikong pinagsama sa kanilang mga gawa.Ang musika ng mga kompositor ng Viennese classical na paaralan ay isang bagong yugto sa pag-unlad ng musikal na pag-iisip. Ang kanilang musikal na wika ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mahigpit na pagkakasunud-sunod na sinamahan ng panloob na pagkakaiba-iba at kayamanan. Bawat isa sa mga masters ng Viennese classical school ay may kakaibang personalidad. Sina Haydn at Beethoven ay pinakamalapit sa larangan ng instrumental na musika, pantay na pinatunayan ni Mozart ang kanyang sarili sa parehong operatic at instrumental na genre. Higit na nahilig si Haydn sa layunin ng mga imahe ng katutubong genre, katatawanan, biro, Beethoven - tungo sa kabayanihan, Mozart, bilang isang unibersal na artista - patungo sa iba't ibang lilim ng karanasang liriko. Ang gawain ng mga kompositor ng Viennese classical na paaralan, na kabilang sa taas ng kultura ng sining ng mundo, ay may malaking epekto sa karagdagang pag-unlad ng musika.

Karamihan kumplikadong hugis instrumental music - SYMPHONY (Greek "consonance"). Ito ay dinisenyo upang itanghal ng isang symphony orchestra. Ang mga posibilidad ng genre na ito ay mahusay: pinapayagan ka nitong ipahayag ang pilosopikal at moral na mga ideya sa pamamagitan ng musikal na paraan, upang pag-usapan ang mga damdamin at karanasan. Ang genre ay nabuo noong kalagitnaan ng ika-18 siglo sa gawain ng mga kinatawan ng Viennese classical na paaralan. Ang mga kompositor ay bumuo ng isang sonata-symphony cycle sa apat na bahagi, na naiiba sa likas na katangian ng musika, tempo at mga pamamaraan ng pagbuo ng tema. Ang unang paggalaw, na binuo sa anyo ng sonata at kadalasang ginaganap sa isang mabilis na tulin, ay puno ng dramatikong nilalaman. Minsan ito ay nauunahan ng mabagal na pagpapakilala. Ang pangalawang paggalaw ay mabagal, mapagnilay-nilay; ito ang liriko na sentro ng komposisyon. Ang pangatlo ay kabaligtaran sa pangalawa: mobile, live na musika ay alinman sa sayaw o mapaglaro. Hanggang sa simula ng siglo XIX. ginamit ng mga kompositor ang anyo ng minuet (fr. menuet, mula sa menu - "maliit, maliit"), isang karaniwang sayaw ng salon noong ika-18 siglo. Nang maglaon, ang minuet ay pinalitan ng scherzo (mula sa Italian scherzo - "joke") - ito ang pangalan ng maliliit na vocal o instrumental na gawa, mabilis sa tempo at mapaglarong nilalaman. Ang pang-apat, kadalasang mabilis, ang paggalaw ay ang pangwakas ng symphony; dito nabubuod ang mga resulta ng pagbuo ng mga tema at larawan ng akda.Ang isa sa mga pinaka-kumplikado at mayaman sa nilalaman na mga anyo ng musika, ang sonata, ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa unang kalahati ng ika-18 siglo. at nakuha ang huling anyo nito sa ikalawang kalahati ng siglo sa mga gawa ng mga kompositor ng Viennese classical na paaralan. Ang SONATA FORM ay ang prinsipyo ng presentasyon ng musical material. Hindi ito nagsasangkot ng mekanikal na paghahalili ng mga bahagi at seksyon, ngunit ang pakikipag-ugnayan ng mga tema at masining na larawan. Ang mga paksa - pangunahin at pangalawa - ay maaaring magkasalungat sa isa't isa o umakma sa isa't isa. Ang pagbuo ng mga tema ay dumadaan sa tatlong yugto - paglalahad, pagbuo at paglalagom. Ang mga paksa ay lumabas sa eksposisyon (mula sa Latin na expositio - "pagtatanghal, pagpapakita"). Ang pangunahing isa ay tumutunog sa pangunahing susi, na tumutukoy sa pangalan ng susi ng buong komposisyon. Ang pangalawang tema ay karaniwang ipinakita sa ibang tono - isang kaibahan ang lumitaw sa pagitan ng mga tema. Sa pag-unlad, ang karagdagang pagbuo ng mga tema ay nagaganap. Maaari silang magkaroon ng matinding kontradiksyon sa isa't isa. Minsan pinipigilan ng isa ang isa o, sa kabaligtaran, napupunta sa mga anino, na iniiwan ang ganap na kalayaan sa pagkilos ng "karibal". Ang parehong mga tema ay maaaring lumitaw sa ibang liwanag, halimbawa, ang mga ito ay isasagawa sa pamamagitan ng ibang komposisyon ng mga instrumento, o mababago nila ang karakter nang malaki. Sa isang reprise (French reprise, mula sa reprendre - "renew, repeat"), ang mga paksa sa unang tingin ay bumalik sa kanilang orihinal na estado. Gayunpaman, ang pangalawang tema ay tumutunog na sa pangunahing susi, kaya nauuwi sa pagkakaisa sa pangunahing isa. Ang paglalagom ay resulta ng isang kumplikadong landas, kung saan ang mga tema ay pinayaman ng karanasan ng paglalahad at pag-unlad. Ang mga resulta ng pag-unlad ay minsan ay naayos sa isang karagdagang seksyon - code (mula sa Italian coda - "buntot"), ngunit ito ay opsyonal. Ang anyo ng sonata ay karaniwang ginagamit sa unang bahagi ng sonata at symphony, at gayundin (na may maliliit na pagbabago) sa ikalawang bahagi at sa pangwakas.

Ang isa sa mga pangunahing genre ng instrumental na musika ay SONATA (Italian sonata, mula sa sonare - "tunog"). Ito ay isang maraming bahagi (karaniwang tatlo o apat na bahagi) na gawain. Sa gawain ng mga masters ng Viennese classical na paaralan, ang sonata, tulad ng symphony, ay umabot sa rurok nito. Hindi tulad ng isang symphony, ang isang sonata ay inilaan para sa isang instrumento (karaniwan ay isang piano) o para sa dalawa (isa sa kung saan ay isang piano). Ang unang bahagi ng mga gawa ng genre na ito ay nakasulat sa anyong sonata. Narito ang mga pangunahing musikal na tema ng akda. Ang pangalawang paggalaw, kadalasang kalmado at mabagal, ay kabaligtaran nang husto sa una. Ang pangatlo ay ang pangwakas, na isinagawa sa mabilis na bilis. Siya ay nagbubuod at sa wakas ay tinukoy ang pangkalahatang katangian ng akda.

Si Joseph Haydn ay itinuturing na nagtatag ng Viennese classical na paaralan. Ang pag-usbong ng mga genre tulad ng symphony (mayroon siyang isang daan at apat sa kanila, hindi binibilang ang mga nawala), ang string quartet (walumpu't tatlo), at ang clavier sonata (limampu't dalawa) ay nauugnay sa gawain ni Haydn . Ang kompositor ay nagbigay ng maraming pansin sa mga konsyerto para sa iba't ibang mga instrumento, mga ensemble ng silid at sagradong musika.

Si Franz Joseph Haydn ay ipinanganak sa nayon ng Rorau (Austria) sa pamilya ng isang master ng karwahe. Mula sa edad na walong siya ay nagsimulang kumanta sa St. Stephen's Chapel sa Vienna. Ang hinaharap na kompositor ay kailangang kumita sa pamamagitan ng pagkopya ng mga tala, pagtugtog ng organ, clavier at violin. Sa labing pito taon Haydn nawalan ng boses at napaalis sa choir. Makalipas lamang ang apat na taon ay nakahanap siya ng permanenteng trabaho - nakakuha siya ng trabaho bilang accompanist sa sikat na Italian opera composer na si Nicola Porpore (1686-1768). Pinahahalagahan niya ang talento sa musika ni Hayd at nagsimulang turuan siya ng komposisyon. Noong 1761 Si Haydn ay pumasok sa serbisyo ng mayayamang Hungarian na prinsipe na si Esterhazy at gumugol ng halos tatlumpung taon sa kanilang korte bilang isang kompositor at pinuno ng kapilya. Noong 1790 ang kapilya ay natunaw, ngunit pinanatili ni Haydn ang suweldo at posisyon ng bandmaster. Nagbigay ito ng pagkakataon sa master na manirahan sa Vienna, maglakbay, at magbigay ng mga konsyerto. Noong dekada 90. Si Haydn ay nanirahan at nagtrabaho nang mabunga sa London sa mahabang panahon. Nakamit niya ang katanyagan sa Europa, ang kanyang trabaho ay pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo - ang kompositor ay naging may-ari ng maraming mga honorary degree at titulo. Si Joseph Haydn ay madalas na tinutukoy bilang "ama" ng symphony. Ito ay sa kanyang trabaho na ang symphony ay naging nangungunang genre ng instrumental na musika. Sa mga symphony ni Haydn, kawili-wili ang pagbuo ng mga pangunahing tema. Ang pagsasakatuparan ng himig sa iba't ibang mga susi at mga rehistro, na nagbibigay ng ganito o ganoong mood, ang kompositor sa gayon ay natutuklasan ang mga nakatagong posibilidad nito, nagbubunyag ng mga panloob na kontradiksyon: ang himig ay nagbabago o bumabalik sa orihinal nitong kalagayan. Si Haydn ay may banayad na pagkamapagpatawa, at ang ugali ng personalidad na ito ay makikita sa kanyang musika. Sa maraming simponya, ang ritmo ng ikatlong kilusan (minuet) ay sadyang mabigat, na para bang sinusubukan ng may-akda na ilarawan ang malamya na mga pagtatangka ng isang karaniwang tao na ulitin ang mga matikas na galaw ng isang magiting na sayaw. Witty Symphony No. 94 (1791). Sa gitna ng ikalawang bahagi, kapag ang musika ay kalmado at tahimik, biglang narinig ang timpani strike - upang ang mga nakikinig ay "hindi magsawa". Ito ay hindi nagkataon na ang gawain ay tinawag na "Sa labanan ng timpani, o Sorpresa." Madalas gumamit si Haydn ng onomatopoeia (kumanta ang mga ibon, gumagala ang oso sa kagubatan, atbp.). Sa mga symphony, madalas na bumaling ang kompositor sa mga katutubong tema.

Ang mga kinatawan ng Viennese classical na paaralan, at higit sa lahat Haydn, ay kinikilala sa pagbuo ng isang matatag na komposisyon orkestra ng symphony. Dati, kontento lang ang mga kompositor sa mga instrumento na, sa sa sandaling ito ay magagamit. Ang hitsura ng isang matatag na komposisyon ng orkestra - maliwanag na tanda klasisismo. tunog mga Instrumentong pangmusika sa gayon ay dinala sa isang mahigpit na sistema, na sumunod sa mga tuntunin ng instrumentasyon. Ang mga patakarang ito ay batay sa kaalaman sa mga kakayahan ng mga instrumento at ipinapalagay na ang tunog ng bawat isa ay hindi isang katapusan sa sarili, ngunit isang paraan ng pagpapahayag ng isang tiyak na ideya. Ang isang matatag na komposisyon ay nagbigay ng isang integral, homogenous na tunog sa orkestra.

Bilang karagdagan sa instrumental musika Haydn nagbigay-pansin sa mga opera at espirituwal na komposisyon (lumikha ng maraming masa sa ilalim ng impluwensya ni Handel), bumaling sa genre ng oratorio (The Creation of the World, 1798; The Seasons, 1801).

Mula sa sandali ng paglitaw nito, ang opera ay hindi alam ang anumang mga break sa pag-unlad. Reporma sa Opera sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. ay higit sa lahat ay isang kilusang pampanitikan. Ang ninuno nito ay ang Pranses na manunulat at pilosopo na si J.J. Rousseau. Nag-aral din si Rousseau ng musika, at kung sa pilosopiya ay tinawag niya ang pagbabalik sa kalikasan, kung gayon sa genre ng opera ay itinaguyod niya ang pagbabalik sa pagiging simple.Ang ideya ng reporma ay nasa himpapawid. Ang pag-usbong ng iba't ibang uri ng comic opera ay isa sa mga sintomas; ang iba ay ang mga Letters on Dance and Ballets ng French choreographer na si J. Nover (1727–1810), na bumuo ng ideya ng balete bilang isang drama, at hindi lamang isang palabas. Ang taong nagbigay-buhay sa reporma ay si K.V. Gluck (1714–1787). Tulad ng maraming rebolusyonaryo, nagsimula si Gluck bilang isang tradisyonalista. Sa loob ng ilang taon ay nagsagawa siya ng sunud-sunod na trahedya sa lumang istilo at bumaling sa comic opera sa halip sa ilalim ng presyon ng mga pangyayari. Ang Opera sa Vienna ay nahahati sa tatlong pangunahing sangay. Ang nangungunang lugar ay inookupahan ng isang seryosong Italian opera (Italian opera seria), kung saan ang mga klasikal na bayani at diyos ay nanirahan at namatay sa isang kapaligiran ng mataas na trahedya. Hindi gaanong pormal ang comic opera (opera buffa), batay sa balangkas nina Harlequin at Columbine mula sa komedya ng Italyano (commedia dell "arte), na napapaligiran ng mga walanghiyang alipures, kanilang mga huwarang master at lahat ng uri ng rogue at crooks. Kasama nitong mga Italyano forms, ang German comic opera (singspiel) na binuo ), na ang tagumpay ay, marahil, sa kanyang paggamit ng kanyang katutubong wikang Aleman na naa-access ng pangkalahatang publiko. Bago pa man magsimula ang operatic career ni Mozart, itinaguyod ni Gluck ang pagbabalik sa pagiging simple ng ikalabing pitong siglo. opera, na ang mga plot ay hindi na-mute ng mahabang solo arias na naantala ang pag-unlad ng aksyon at nagsilbi bilang para sa mga mang-aawit lamang ang mga okasyon upang ipakita ang kapangyarihan ng kanilang mga boses.

Sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanyang talento, pinagsama ni Mozart ang tatlong direksyon na ito. Bilang isang tinedyer, sumulat siya ng isang opera ng bawat uri. Bilang isang mature na kompositor, nagpatuloy siya sa pagtatrabaho sa lahat ng tatlong direksyon, kahit na ang tradisyon ng opera seria ay kumukupas.Ang trabaho ni Mozart ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa Viennese classical na paaralan. Sa kanyang mga gawa, ang klasikal na higpit at kalinawan ng mga anyo na sinamahan ng malalim na emosyonalidad. Ang musika ng kompositor ay malapit sa mga uso sa kultura ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo na tinutugunan sa damdamin ng tao ("Storm and Drang", bahagyang sentimentalismo). Si Mozart ang unang nagpakita ng hindi pagkakapare-pareho ng panloob na mundo ng indibidwal.

Si Wolfgang Amadeus Mozart ay ipinanganak sa Salzburg (Austria). Ang pagkakaroon ng isang kahanga-hangang musikal na tainga at memorya, natuto siyang tumugtog ng harpsichord sa murang edad, at sa edad na limang isinulat niya ang kanyang mga unang komposisyon. Ang unang guro ng hinaharap na kompositor ay ang kanyang ama na si Leopold Mozart, isang musikero sa kapilya ng Salzburg Archbishop. Mahusay na pagmamay-ari ni Mozart hindi lamang ang harpsichord, kundi pati na rin ang organ at violin; Siya ay sikat bilang isang napakatalino na improviser. Mula sa edad na anim ay nilibot niya ang Europa. Sa labing-isang nilikha niya ang unang opera Apollo at Hyacinth, at sa labing-apat na siya ay nagsasagawa na sa teatro ng Milan sa premiere ng kanyang sariling opera Mithridates, Hari ng Pontus. Sa parehong oras, siya ay nahalal na miyembro ng Philharmonic Academy sa Bologna. Tulad ng maraming musikero noong panahong iyon, si Mozart ay nasa serbisyo sa korte (1769-1781) - siya ay isang accompanist at organist kasama ang arsobispo ng lungsod ng Salzburg. Gayunpaman, ang independiyenteng kalikasan ng master ay nagdulot ng matinding kawalang-kasiyahan ng arsobispo, at pinili ni Mozart na umalis sa serbisyo. Sa mga natitirang kompositor ng nakaraan, siya ang naging unang pumili ng buhay ng isang malayang artista. Noong 1781 Lumipat si Mozart sa Vienna, nagkaroon siya ng pamilya. Kumita siya ng pera mula sa mga bihirang edisyon ng kanyang sariling mga komposisyon, mga aralin sa piano at mga pagtatanghal (ang huli ay nagsilbing insentibo sa paglikha ng mga piano concerto). Binigyang-pansin ni Mozart ang opera. Ang kanyang mga gawa ay isang buong panahon sa pagbuo ng ganitong uri ng musikal na sining. Naakit ng opera ang kompositor na may pagkakataong ipakita ang relasyon ng mga tao, ang kanilang mga damdamin at adhikain. Hindi nagsikap si Mozart na lumikha ng isang bagong operatic form - ang kanyang musika mismo ay makabago. Sa mga mature na gawa, tinalikuran ng kompositor ang mahigpit na pagkakaiba sa pagitan ng seryoso at comic opera - isang musikal at dramatikong pagganap ang lumitaw kung saan ang mga elementong ito ay magkakaugnay. Bilang resulta, walang kakaibang positibo at negatibong mga karakter sa mga opera ni Mozart, ang mga karakter ay masigla at multifaceted, hindi konektado. Madalas bumaling si Mozart sa mga mapagkukunang pampanitikan. Kaya ang opera na The Marriage of Figaro (1786) ay isinulat batay sa dula ng French playwright na si P.O. Beaumarchais Crazy Day, o The Marriage of Figaro, na ipinagbawal ng mga censor. pangunahing paksa Ang mga opera ay pag-ibig, na, gayunpaman, ay masasabi tungkol sa lahat ng mga gawa ni Mozart. Gayunpaman, mayroon ding panlipunang subteksto sa akda: Si Figaro at ang kanyang minamahal na si Susanna ay matalino at masigla, ngunit sila ay mababa ang pinagmulan, ngunit mga tagapaglingkod lamang sa bahay ni Count Almaviva. Ang kanilang pagsalungat sa panginoon (tanga at nalokong aristokrata) ay pumukaw ng pakikiramay ng may-akda - ito ay lubos na halata na siya ay nasa panig ng mga magkasintahan. Sa opera na "Don Giovanni" (1787), isang medyebal na kuwento tungkol sa isang mananakop ng mga puso ng kababaihan ay nakatanggap ng isang musikal na sagisag. Energetic, temperamental, self-will at malaya sa lahat ng moral na pamantayan, ang bayani ay sinasalungat sa katauhan ng Commander ng isang mas mataas na kapangyarihan, na nagpapakilala sa isang makatwirang pagkakasunud-sunod. Ang pilosopikal na paglalahat ay magkakasamang umiiral dito kasama ang mga intriga sa pag-ibig at mga elemento ng genre. Ang trahedya at komiks ay bumubuo ng isang hindi mapaghihiwalay na pagkakaisa. Ang tampok na ito ng opera ay binigyang-diin ng may-akda mismo, na nagbibigay sa kanyang trabaho ng subtitle na "Merry Drama". Tila nagtatagumpay ang hustisya sa huling - pinarusahan si bise (Don Juan). Ngunit ang musika ng opera ay mas banayad at mas kumplikado kaysa sa isang pinasimpleng pag-unawa sa gawain: ito ay nagbubunga ng pakikiramay sa nakikinig para sa bayani, na nanatiling tapat sa kanyang sarili kahit na sa harap ng kamatayan. Ang philosophical tale-parable na "The Magic Flute" (1791) ay isinulat sa singspiel genre. Ang pangunahing ideya ng gawain ay ang hindi maiiwasang tagumpay ng mabuti laban sa kasamaan, isang tawag para sa katatagan ng loob, para sa pag-ibig, para sa pag-unawa sa mas mataas na kahulugan nito. Ang mga bayani ng opera ay sumasailalim sa mga malubhang pagsubok (katahimikan, apoy, tubig), ngunit nagtagumpay sila sa kanila nang may dignidad at naabot ang larangan ng kagandahan at pagkakaisa.

Itinuring ni Mozart na musika ang pangunahing, bagama't napaka-demand niya sa teksto ng libretto. Sa kanyang mga opera, ang papel ng orkestra ay tumaas nang malaki. Sa bahaging orkestra madalas nabubunyag ang saloobin ng may-akda sa mga tauhan: maaaring lumilitaw ang isang mapanuksong motibo, o lumilitaw ang isang magandang himig ng tula. Sa isang matulungin na tagapakinig, ang mga detalyeng ito ay nagsasabi ng higit pa kaysa sa teksto. Ang arias ay nanatiling pangunahing katangian ng portrait, at ang relasyon ng mga character ay inilarawan sa vocal ensembles. Nagawa ng kompositor na ihatid sa mga ensemble ang mga kakaibang katangian ng karakter ng bawat karakter.Si Mozart ay naging isa rin sa mga nagtatag ng klasikal na genre ng CONCERT. Ang konsiyerto ay batay sa kompetisyon sa pagitan ng soloista at ng orkestra, at ang prosesong ito ay palaging napapailalim sa mahigpit na lohika. Ang kompositor ay nagmamay-ari ng dalawampu't pitong konsiyerto para sa piano at orkestra, pito para sa biyolin at orkestra. Sa ilang mga gawa, ang nakikinig ay tinatamaan ng birtuosidad, kasiyahan, sa iba sa drama at emosyonal na mga kaibahan. Ang mga interes ng master ay hindi limitado sa opera at instrumental na musika. Gumawa rin siya ng mga espirituwal na gawa: mga misa, cantatas, oratorio, requiems. Ang musika ng requiem (1791), na nilayon para sa mga soloista, koro at orkestra, ay lubhang kalunos-lunos (nagtrabaho si Mozart sa komposisyon noong siya ay may sakit na, sa katunayan, bago siya mamatay). Ang mga bahagi ng komposisyon, na nakapagpapaalaala sa mga opera aria at ensemble, ay nagpaparamdam sa musika, at ang mga polyphonic (pangunahing "Panginoon, maawa ka!") ay nagpapakilala sa espirituwal na prinsipyo, ang pinakamataas na hustisya. Ang pangunahing larawan ng requiem ay isang taong naghihirap sa harap ng matinding Banal na hustisya. Ang master ay walang oras upang makumpleto ang requiem; ito ay natapos ayon sa mga sketch ng kompositor ng kanyang mag-aaral na si F.K. Susmayr.

Sa kasaysayan, ang gawain ni Ludwig van Beethoven (1770-1827) ay kabilang sa paaralan ng Viennese, na ang mga aesthetic ideals ay nabuo sa panahon ng French bourgeois revolution. Kaugnay nito, pumasok sa kanyang akda ang tema ng kabayanihan. "Ang musika ay dapat mag-ukit ng apoy mula sa dibdib ng tao" - ito ang mga salita ng Aleman na kompositor na si Ludwig van Beethoven, na ang mga gawa ay nabibilang sa pinakamataas na tagumpay ng kultura ng musika.Sa musika, ang kanyang trabaho, sa isang banda, ay nagpatuloy sa mga tradisyon Klasisismo ng Vienna, sa kabilang banda, nakuha ang mga tampok ng bagong romantikong sining. Mula sa klasisismo sa mga gawa ni Beethoven - kadakilaan ng nilalaman, mahusay na utos ng mga anyo ng musikal, apela sa mga genre ng symphony at sonata. Mula sa romanticism - isang matapang na eksperimento sa larangan ng mga genre na ito, interes sa vocal at piano miniatures. Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak sa Bonn (Germany) sa pamilya ng isang musikero sa korte. Nagsimula siyang mag-aral ng musika mula pagkabata sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama. Gayunpaman, ang tunay na tagapagturo ng Beethoven ay ang kompositor, konduktor at organista na si K.G. Nave. Itinuro niya sa batang musikero ang mga pangunahing kaalaman sa komposisyon, tinuruan siyang tumugtog ng clavier at organ. Mula sa edad na labing-isang, si Beethoven ay nagsilbi bilang isang assistant organist sa simbahan, pagkatapos ay court organist, concertmaster sa Bonn Opera House. Sa edad na labing-walo, pumasok siya sa Faculty of Philosophy sa Unibersidad ng Bonn, ngunit hindi nagtapos dito at pagkatapos ay gumawa ng maraming self-education. Noong 1792 Lumipat si Beethoven sa Vienna. Kumuha siya ng mga aralin sa musika mula kay J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (ang pinakamalaking musikero ng panahong iyon). Ipinakilala ni Albrechtsberger si Beethoven sa mga gawa nina Handel at Bach. Kaya naman ang makikinang na kaalaman ng kompositor sa mga anyo ng musikal, pagkakatugma at polyphony. Si Beethoven ay nagsimulang magbigay ng mga konsiyerto; naging sikat. Nakilala siya sa mga lansangan, inanyayahan sa mga solemne na pagtanggap sa mga bahay ng mga matataas na tao. Marami siyang kinatha: nagsulat siya ng mga sonata, mga concerto para sa piano at orkestra, mga symphony.

Sa loob ng mahabang panahon, walang nahulaan na si Beethoven ay tinamaan ng isang malubhang karamdaman - nagsimula siyang mawalan ng pandinig. Kumbinsido sa kawalan ng lunas ng sakit, nagpasya ang kompositor na mamatay at noong 1802. naghanda ng testamento, kung saan ipinaliwanag niya ang mga dahilan ng kanyang desisyon. Gayunpaman, napagtagumpayan ni Beethoven ang kawalan ng pag-asa at natagpuan ang lakas upang magsulat pa ng musika. Ang daan palabas sa krisis ay ang Ikatlo ("Kabayanihan") Symphony. Noong 1803-1808. nagtrabaho din ang kompositor sa paglikha ng mga sonata; sa partikular, ang Ikasiyam para sa violin at piano (1803; nakatuon sa Parisian violinist na si Rudolf Kreutzer, kaya tinawag itong "Kreutzer"), ang Dalawampu't-ikatlo ("Appassionata") para sa piano, ang Fifth at Sixth symphony (parehong 1808) . Ang ikaanim ("Pastoral") symphony ay may subtitle na "Memories of Rural Life". Ang gawaing ito ay naglalarawan ng iba't ibang estado ng kaluluwa ng tao, na pansamantalang inalis mula sa panloob na mga karanasan at pakikibaka. Ang symphony ay naghahatid ng mga damdaming nagmumula sa pakikipag-ugnayan sa mundo ng kalikasan at buhay sa kanayunan. Ang istraktura nito ay hindi pangkaraniwan - limang bahagi sa halip na apat. Ang symphony ay may mga elemento ng figurativeness, onomatopoeia (kumanta ng mga ibon, dumadagundong ang kulog, atbp.). Ang mga natuklasan ni Beethoven ay kasunod na ginamit ng maraming romantikong kompositor. Ang tugatog ng symphonic work ni Beethoven ay ang Ninth Symphony. Ito ay ipinaglihi noong 1812, ngunit ang kompositor ay nagtrabaho dito mula 1822 hanggang 1823. Ang simponya ay engrande sa sukat; ang finale ay lalong hindi karaniwan, na parang isang malaking cantata para sa koro, soloista at orkestra, na isinulat sa teksto ng ode na "To Joy" ni J.F. Schiller. Ang premiere ng symphony ay naganap noong 1825. sa Vienna Opera House. Para sa pagpapatupad ng plano ng may-akda, ang orkestra sa teatro ay hindi sapat, kailangan nilang mag-imbita ng mga baguhan: dalawampu't apat na violin, sampung violas, labindalawang cello at double basses. Para sa isang Viennese classical orchestra, ang ganitong komposisyon ay hindi pangkaraniwang makapangyarihan. Bilang karagdagan, ang bawat bahagi ng koro (bass, tenor, alto at soprano) ay kasama ang dalawampu't apat na mang-aawit, na lumampas din sa karaniwang mga pamantayan. Sa panahon ng buhay ni Beethoven, ang Ninth Symphony ay nanatiling hindi maintindihan ng marami; hinahangaan lamang ito ng mga nakakakilala sa kompositor, ang kanyang mga estudyante at tagapakinig ay naliwanagan sa musika. Sa paglipas ng panahon, ang pinakamahusay na mga orkestra sa mundo ay nagsimulang isama ang symphony sa kanilang repertoire, at nakahanap ito ng bagong buhay.

Kaya, ang tugatog sa pag-unlad ng musical classicism ay ang gawain nina Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven. Sila ay nagtrabaho pangunahin sa Vienna at bumuo ng isang direksyon sa musikal na kultura ng ikalawang kalahati ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo - ang Viennese classical na paaralan. Tandaan na ang klasisismo sa musika sa maraming paraan ay hindi katulad ng klasisismo sa panitikan, teatro o pagpipinta. Sa musika, imposibleng umasa sa mga sinaunang tradisyon, dahil halos hindi sila kilala. Bilang karagdagan, ang nilalaman ng mga musikal na komposisyon ay madalas na nauugnay sa mundo ng mga damdamin ng tao, na hindi pumapayag sa mahigpit na kontrol ng isip. Gayunpaman, ang mga kompositor ng Viennese classical na paaralan ay lumikha ng isang napaka-maayos at lohikal na sistema ng mga patakaran para sa pagbuo ng isang gawa. Salamat sa gayong sistema, ang pinaka-kumplikadong mga damdamin ay binihisan ng malinaw at perpektong anyo. Ang pagdurusa at kagalakan ay naging paksa ng pagmuni-muni para sa kompositor, hindi karanasan. At kung sa iba pang mga uri ng sining ang mga batas ng klasisismo sa simula ng siglong XIX. tila lipas na sa panahon sa marami, kung gayon sa musika ang sistema ng mga genre, mga anyo at mga alituntunin ng pagkakaisa na binuo ng paaralang Viennese ay nagpapanatili ng kahalagahan nito hanggang sa araw na ito.