Luho at higpit ng klasisismo. Kasaysayan ng dayuhang panitikan ng XVII-XVIII na siglo Pagpinta at sining

Habang nasa ibang bansa Kanlurang Europa nangingibabaw ang baroque, sa France isang malaking papel ang ginampanan ng klasisismo - isang direksyon na ang mga kinatawan ay bumaling sa sining ng unang panahon at Renaissance.

Sa simula ng siglo XVII. Ang France, na pagod sa mga digmaang sibil, ay pumasok sa panahon ng pagpapalakas ng absolutismo. Ang absolutong monarkiya, na umabot sa rurok nito sa ilalim ni Louis XIV, ang naging mapagpasyang puwersa sa pakikibaka laban sa pyudalismo at ang pangunahing makina ng kalakalan at industriya. Sa kalagitnaan ng siglo XVII. Ang France ay marahil ang pinakamalaking kapangyarihan sa kalakalan.

Ang relatibong katatagan sa larangang pampulitika at ang pag-unlad ng ekonomiya ay sinamahan ng pagtaas ng kultural na buhay ng bansa. Ang agham ng Pransya, sa partikular na pisika, matematika at pilosopiya, ay gumawa ng isang makabuluhang hakbang tungo sa pag-unlad. Malaking tagumpay ang pagtuturo ni Descartes, na nagtalo na ang dahilan ay ang pangunahing paraan ng pag-alam ng katotohanan. Kaya't dumating ang rasyonalismo na likas sa panitikang Pranses at sining, na partikular na katangian ng klasisismo.

Sa unang quarter ng siglo XVII. ang pinakamalaking masters sa France ay mga dayuhan (pangunahin ang Flemings).
Sa simula lamang ng ikalawang quarter ng ika-17 siglo, ang France ay naglagay ng sarili nitong mga kahanga-hangang kinatawan ng sining.

Ang pinuno ng sining ng korte at ang nangungunang kinatawan ng French Baroque sa unang kalahati ng ika-17 siglo. ay si Simon Vouet. Nag-aral si Vue ng pagpipinta sa Italy, kaya ma-trace ang kanyang pagpipinta impluwensya ng Caravaggio at Bolognese masters. Pagbalik mula sa Italya sa kanyang tinubuang-bayan, si Vue ay naging pintor ng korte. Para sa kanyang matikas at kagila-gilalas na mga canvases, ginamit niya ang mitolohiko at mga kuwento sa Bibliya("Hercules sa mga diyos ng Olympus", "Pagdurusa ni St. Eustathius"). Ang mga kuwadro na gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng labis na pagiging kumplikado ng komposisyon, labis na ningning ng kulay, mga ideyal na imahe. Ang mga canvase at pandekorasyon na mga pintura ng Voue ay napakapopular noong panahong iyon. Ang pintor ay ginaya ng marami mga Pranses na artista, ang kanyang mga mag-aaral ay kilalang-kilala sa kalaunan na mga master bilang P. Mignard, Ch. Lebrun at E. Lesueur.

Kasabay ng sining ng baroque na umunlad sa kabisera, ang mga lalawigan ng Pransya ay nagdala ng mga artista na ang pangunahing pamamaraan ay realismo. Isa sa mga pinakadakilang realista ng unang kalahati ng ika-17 siglo. naging Jacques Callot, na naging tanyag bilang isang mahuhusay na draftsman at engraver. Bagaman marami siyang mga gawa na may mga tema sa relihiyon, ang pangunahing lugar sa gawain ng master ay inookupahan ng mga pagpipinta sa pang-araw-araw na paksa. Ganyan ang kanyang graphic series na "Caprici", "Hunchbacks", "Beggars".

Maraming mga Pranses na artista sa unang kalahati ng siglo XVII. naging caravaggism. Kasama nila Jean Valentin, Georges de Latour.

Isang pangunahing papel sa pag-unlad ng realismo sa unang kalahati ng siglo XVII. ginampanan ng magkapatid na Lenin - sina Antoine, Louis at Mathieu. Sentral na lokasyon sinakop ng mga tema ng genre ang kanilang trabaho. Ang nakatatandang Antoine ay pangunahing nagpinta ng mga larawan ng grupo at mga eksena mula sa buhay ng petiburges at magsasaka. Sinimulan ng nakababatang si Mathieu ang kanyang karera sa mga kuwadro na naglalarawan sa buhay ng mga magsasaka. Si Mathieu Le Nain, na nabuhay nang matagal sa kanyang mga kapatid, ay naging isa sa mga pinakasikat na pintor ng portrait.

Ang gitnang kapatid na lalaki, si Louis Le Nain, ay nararapat na isa sa pinakasikat na pintor ng Pranses noong ika-17 siglo. Siya ang naging tagapagtatag ng genre ng magsasaka sa sining ng Pransya.

Louis Le Nain

Si Louis Le Nain ay ipinanganak noong 1593 sa lungsod ng Lane (Picardy) sa isang petiburges na pamilya. Kasama ang kanyang mga kapatid, lumipat si Louis sa Paris. Dito nagbukas sina Louis, Antoine at Mathieu ng kanilang sariling pagawaan. Marahil kasama si Mathieu, si Louis Le Nain ay bumisita sa Italya. Sa kanyang maagang mga gawa kapansin-pansin ang mga katangian ng caravaggism. Sa pamamagitan ng 1640 ang artist ay bumuo ng kanyang sariling natatanging estilo.

Maraming mga Pranses na artista ng siglo XVII. bumaling sa tema ng magsasaka, ngunit sa Louis Le Nain lamang siya ay ganap na nakakakuha bagong interpretasyon. Ang artista ay simple at totoo na naglalarawan sa buhay ng mga tao. Ang kanyang mga bayani, mahinhin at simple, ngunit puno ng panloob na dignidad, ang mga tao ay pumukaw ng isang pakiramdam ng malalim na paggalang.

Ang pinakamagandang gawa ni Louis Le Nain ay ginawa noong 1640s. Sa unang tingin, ang mga karakter ng kanyang mga ipininta ay tila walang kaugnayan sa pagkilos. Ngunit sa katunayan, ito ay malayo sa kaso: sila ay pinagsama ng isang katinig na saloobin sa pag-iisip at isang pangkalahatang pang-unawa sa buhay. Ang mga di-nakikitang mga sinulid ay nagbubuklod sa mga miyembro ng mahihirap pamilyang magsasaka nakikinig sa batang tumutugtog ng biyolin sa pagpipinta na "Peasant Meal". Ang pinipigilan at simpleng "Panalangin bago ang Hapunan" ay minarkahan ng isang mala-tula na pakiramdam, na walang sentimentalidad, ngunit sa parehong oras nakakaantig na komposisyon na "Pagbisita sa Lola".

Pagsapit ng 1640s nag-uugnay ng isang kahanga-hangang pagpipinta ni Louis Lenain "Ang pamilya ng thrush". Sa isang pakiramdam ng malaking pakikiramay, inilarawan ng artista ang isang milkmaid na tumanda nang maaga mula sa mga alalahanin, ang kanyang maalalahanin na asawang magsasaka, isang malakas, makapal ang pisngi na anak na lalaki at isang marupok, may sakit na anak na babae. Ang tanawin ay naisakatuparan na may kahanga-hangang kasanayan, kung saan ipinakita ang mga pigura at bagay ng buhay ng magsasaka. Ang tansong lata sa likod ng milkmaid, ang kahoy na bariles at batya sa paanan ng asno ay tila nakakagulat na totoo.

Ang obra maestra ni Louis Lenain ay ang "Forge" na sabay na isinulat. Kung kanina ay inilalarawan ng artista ang mga magsasaka sa panahon ng pahinga o pagkain, ngayon ay bumaling siya sa mga eksena ng paggawa ng tao. Ang pagpipinta ay kumakatawan sa isang panday, na napapalibutan ng mga miyembro ng pamilya, sa trabaho. Ang pakiramdam ng paggalaw at ang matingkad na pagpapahayag ng mga imahe ay nilikha ng isang mabilis, masiglang stroke, mga kaibahan ng liwanag at anino.

Namatay si Louis Le Nain noong 1648. Ang kanyang makatotohanang pagpipinta, na wala sa theatricality at showiness ng Baroque, ay halos isang daang taon bago ang panahon nito. Sa maraming paraan, salamat kay Louis Le Nain na ang kanyang mga kapatid ay nakakuha ng katanyagan sa mundo.

Mga tampok ng makatotohanang sining sa unang kalahati ng ika-17 siglo. makikita sa portraiture, kilalang kinatawan na si Philippe de Champaigne, isang Flemish sa pamamagitan ng kapanganakan. Ang lumikha ng mga relihiyosong komposisyon at pandekorasyon na mga pagpipinta, gayunpaman ay naging sikat si Champagne bilang isang mahuhusay na pintor ng larawan na lumikha ng makatotohanan at mahigpit na mga larawan ni Cardinal Richelieu at Arnaud d'Andilly.

Ipinanganak sa simula ng ika-17 siglo. ang klasiko ay nagiging nangungunang kalakaran na sa ikalawang quarter ng siglong ito. Ang mga klasikal na artista, pati na rin ang mga realista, ay malapit sa mga advanced na ideya ng panahong ito. Ang kanilang pagpipinta ay sumasalamin sa isang malinaw na pang-unawa sa mundo at ang ideya ng isang tao bilang isang taong karapat-dapat sa paggalang at paghanga. Kasabay nito, ang mga klasiko ay hindi naghangad na ihatid sa kanilang mga kuwadro na gawa ang katotohanan na nakapaligid sa kanila. Buhay ay lumitaw sa kanilang mga painting ennoble, at mga tao - perpekto at heroized. Ang mga pangunahing tema ng mga gawa ng mga klasikal na artista ay mga yugto mula sa sinaunang kasaysayan, mitolohiya, pati na rin ang mga kuwento sa Bibliya. Karamihan sa mga pamamaraan ng pagpipinta ay hiniram mula sa sinaunang sining. Lahat ng indibidwal at karaniwan ay hindi tinatanggap: ang mga pintor ay nagsusumikap na lumikha ng pangkalahatan at tipikal na mga imahe. Classicism ng unang kalahati ng ika-17 siglo. ipinahayag ang mga mithiin ng pinakamaliwanag na strata ng lipunang Pranses, na itinuturing na ang katwiran ang pinakamataas na pamantayan ng lahat ng maganda sa totoong buhay at sa sining.

Ang pinakadakilang master ng klasisismo sa pagpipinta ay si Nicolas Poussin.

Nicolas Poussin

Si Nicolas Poussin ay ipinanganak noong 1594 sa Normandy sa isang pamilyang militar, na nagmula sa isang mahirap marangal na pamilya. Natanggap ni Poussin ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa provincial master na si Quentin Varen. Ang sitwasyon ng isang maliit na bayan ng Norman ay hindi nag-ambag sa pag-unlad ng mga kakayahan ng isang baguhan na artista, at noong unang bahagi ng 1610s. Palihim na umalis si Poussin papuntang Paris mula sa kanyang mga magulang.

Sa kabisera, ang artist ay nagkaroon ng pagkakataon na maging malapit na pamilyar sa sining ng mga sikat na Italyano masters. Ang mga gawa ni Raphael ay gumawa ng isang mahusay na impression sa kanya. Sa Paris, nakilala ni Poussin ang sikat na makatang Italyano noon na si J. Marino at nagsagawa ng mga ilustrasyon para sa kanyang tulang Adonis.

Noong 1624 ang pintor ay umalis sa France at pumunta sa Italya, kung saan siya nanirahan sa Roma. Dito nagtrabaho si Poussin nang walang pagod: nag-sketch siya ng mga antigong estatwa, nag-aral ng panitikan at agham, pinag-aralan ang mga gawa ni Leonardo da Vinci at Albrecht Dürer.

Bagaman sa mga gawa ni Poussin, na natapos noong 1620s, ang mga tampok ng klasisismo ay lumitaw na, marami sa kanyang mga gawa sa panahong ito ay higit pa direksyong ito. Mga pinababang larawan at sobrang drama sa mga canvases gaya ng “The Martyrdom of St. Erasmus" at "Massacre of the Innocents", ilapit ang pagpipinta ni Poussin sa caravagism at baroque art. Kahit na sa huling pagpipinta na "Descent from the Cross" (c. 1630), kapansin-pansin pa rin ang isang matalim na pagpapahayag sa paglalarawan ng kalungkutan ng tao.

Ang isang makabuluhang papel sa pagpipinta ng Poussin ang klasiko ay nilalaro ng isang makatuwirang prinsipyo, samakatuwid, ang malinaw na lohika at isang malinaw na ideya ay makikita sa kanyang mga canvases. Ang mga katangiang ito ay katangian ng kanyang pagpipinta na "Death of Germanicus" (1626-1627). Ang mga tampok ng klasisismo ay ipinahayag na sa pagpili ng pangunahing karakter - isang matapang at matapang na kumander, na nilason ng masama at naiinggit na emperador ng Roma na si Tiberius.

Sa ikalawang kalahati ng 1620s. Si Poussin ay dinala ng gawa ni Titian, na ang sining ay nagkaroon malaking impluwensya sa French master at tumulong na ipakita ang kanyang talento nang lubos.

Sa panahong ito, nilikha ni Poussin ang pagpipinta na "Rinaldo at Armida" (1625-1627), na hango sa tula ni T. Tasso na "Jerusalem Liberated". Iniharap ng pintor ang medyebal na alamat ng crusading knight na si Rinaldo, na dinala ng mangkukulam na si Armida sa kanyang magagandang hardin, bilang isang balangkas mula sa isang sinaunang alamat: ang mga kabayo ni Armida, na may dalang karwahe, ay kahawig ng mga kabayo ng diyos ng araw ng Greece. Helios. Sa ibang pagkakataon, ang motif na ito ay matatagpuan nang higit sa isang beses sa mga gawa ng Poussin.

Kasunod ng mga mithiin ng klasisismo, ipinakita ni Poussin ang mga bayaning namumuhay nang buong pagkakasundo sa kalikasan. Ganyan ang kanyang mga satyr, cupids at nymphs, na ang masaya at masayang buhay ay nagaganap ganap na pagkakaisa may marilag at magandang kalikasan ("Apollo at Daphne", "Bacchanalia", "Kingdom of Flora" - lahat ng 1620-1630s).

Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng pintor ay ang pagpipinta na "Sleeping Venus". Tulad ng sa mga gawa ng mga dakilang masters ng Italian Renaissance, si Venus Poussin, na napapalibutan ng kasiya-siyang kalikasan, ay puno ng lakas ng kabataan. Tila ang payat na diyosa na ito, na nalubog sa isang matahimik na panaginip, ay isang magandang batang babae, na tila inagaw ng panginoon mula sa pang-araw-araw na buhay.

Ang balangkas ng pagpipinta na "Tancred at Erminia" ay kinuha mula sa tula ni Tasso.

Inilarawan ni Poussin ang sugatang Tancred, na nakahandusay sa tigang na mabatong lupa. Ang bayani ay suportado ng kanyang kaibigang si Vafrin.

Si Erminia, pagkababa sa kanyang kabayo, ay sumugod sa kanyang kasintahan upang balutan ang kanyang mga sugat ng isang hibla sa kanya. mahabang buhok putulin ng matalas na espada. Ang emosyonal na kagalakan ng larawan ay ibinibigay ng matingkad na pagkulay ng larawan, lalo na ang mga contrast ng kulay ng steel-grey at rich blue shades ng mga damit ni Erminia; ang drama ng sitwasyon ay binibigyang-diin ng tanawin, na iluminado ng maliwanag na pagmuni-muni ng papalubog na araw.

Sa paglipas ng panahon, ang mga gawa ni Poussin ay nagiging hindi gaanong emosyonal at dramatiko, pakiramdam at pangangatwiran sa kanila
ay balanse. Ang isang halimbawa ay ang dalawang bersyon ng pagpipinta na "The Arcadian Shepherds". Sa una, na isinagawa sa pagitan ng 1632 at 1635, ang artist ay naglalarawan ng mga pastol, residente. masayang bansa Arcadia, na biglang natuklasan ang isang libingan sa mga siksik na kasukalan, kung saan makikita ng isang tao ang inskripsiyon: "At ako ay nasa Arcadia." Ang inskripsiyong ito sa lapida ay nagbunsod sa mga pastol sa malalim na kalituhan at nagpaisip sa kanila tungkol sa hindi maiiwasang kamatayan.

Hindi gaanong emosyonal at dramatiko ang pangalawang bersyon ng The Arcadian Shepherds, na isinulat noong unang bahagi ng 1650s. Nababalot din ng kalungkutan ang mga mukha ng mga pastol, ngunit mas kalmado sila. Upang malasahan ang kamatayan sa pilosopiko, bilang isang hindi maiiwasang regularidad, ay tinawag ng isang magandang babae, na nagpapakilala sa stoic na karunungan.

Sa pagtatapos ng 1630s. Ang katanyagan ni Poussin ay lumampas sa Italya at umabot sa Paris. Inanyayahan ang artista sa France, ngunit sinubukan niyang ipagpaliban ang paglalakbay. At lamang Personal na sulat Ginagawa siya ni Louis XIII na maghanda para sa paglalakbay.

Noong taglagas ng 1640, bumalik si Poussin sa Paris, ngunit ang paglalakbay na ito ay hindi nagdala ng kagalakan sa kanya. Ang mga pintor ng korte, sa pangunguna ni S. Vue, ay nagbigay ng hindi magandang pagtanggap kay Poussin. "Ang mga hayop na ito," gaya ng tawag sa kanila ng artista sa kanyang mga sulat, ay pinalibutan siya ng isang network ng kanilang mga intriga. Nanghihina sa masikip na kapaligiran ng buhay sa korte, nagplano si Poussin na tumakas. Noong 1642, sa ilalim ng pagkukunwari ng sakit ng kanyang asawa, bumalik ang artista sa Italya.

Ang Parisian painting ng Poussin ay may halatang baroque features. Ang mga gawa ng panahong ito ay nakikilala sa pamamagitan ng malamig na pormalidad at pagiging epektibo sa teatro ("Ang Oras ay nagliligtas sa Katotohanan mula sa Inggit at Discord", 1642; "Ang Himala ni St. Francis Xavier", 1642). At sa kanyang mga huling gawa, hindi na tumaas si Poussin sa dating pagpapahayag at sigla ng mga imahe. Sa mga akdang ito, nanaig ang rasyonalismo at abstract na ideya kaysa pakiramdam (The Magnanimity of Scipio, 1643).

Sa pagtatapos ng 1640s. Ang Poussin ay pangunahing nagpinta ng mga landscape. Ngayon siya ay naaakit hindi ng tao, ngunit sa pamamagitan ng kalikasan, kung saan nakikita niya ang sagisag ng tunay na pagkakaisa ng buhay. Maingat na pinag-aaralan ng artist ang mga tanawin sa paligid ng Roma at gumagawa ng mga sketch mula sa kalikasan. Nang maglaon, ayon sa masigla at sariwang mga guhit na ito, isinulat niya ang tinatawag na. mga bayaning tanawin, na malawakang ginagamit sa pagpipinta noong ika-17 siglo. Mabatong masa, malalaking puno na may malalagong mga korona, malinaw na lawa at batis na dumadaloy sa mga bato - lahat ng bagay sa mga landscape na ito ng Poussin ay binibigyang-diin ang solemne na kadakilaan at perpektong kagandahan ng kalikasan ("Landscape with Hercules and Cacus", 1649; "Landscape with Polyphemus", 1649 ).

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, ang mga trahedya na tala ay nagsimulang tumunog nang mas malakas at mas malakas sa mga gawa ni Poussin. Ito ay lalong kapansin-pansin sa kanyang pagpipinta na "Winter" mula sa cycle na "Four Seasons" (1660-1664). Ang isa pang pangalan para sa canvas ay "The Flood". Inilarawan ng artista kakila-kilabot na larawan ang pagkamatay ng lahat ng nabubuhay na bagay: ang tubig ay bumaha sa lupa, na hindi nag-iiwan ng pagkakataon para sa sangkatauhan na magligtas; kumikidlat sa itim na kalangitan; ang buong mundo ay tila nagyelo at hindi gumagalaw, na parang nahulog sa malalim na kawalan ng pag-asa.

"Winter" ang huling larawan ni Poussin. Noong Nobyembre 1665 namatay ang artista. Ang mga pintor ng ika-18, ika-19 at ika-20 siglo ay bumaling sa sining ng kahanga-hangang Pranses na master nang higit sa isang beses.

Ang pinakamalaking klasikong pintor, kasama si Poussin, ay si Claude Lorrain, na nagtrabaho sa genre ng landscape.

Claude Lorrain

Si Claude Gellet ay ipinanganak noong 1600 sa Lorraine sa isang pamilyang magsasaka. Natanggap niya ang kanyang palayaw - Lorrain - mula sa kanyang lugar ng kapanganakan (Lorraine sa French Lorraine). Umalis nang walang mga magulang nang maaga, ang batang lalaki ay nagpunta sa Italya, kung saan siya ay nagtrabaho bilang isang lingkod para sa artist na si A. Tassi. Hindi nagtagal ay naging estudyante niya si Lorren.

Noong unang bahagi ng 1630s Si Lorrain ay isang medyo kilalang pintor. Gumagawa siya ng mga kinomisyong gawa, nagpinta ng mga pintura para kay Pope Urban VIII at Cardinal Bentivoglio. Ginugol ng artista ang halos buong buhay niya sa Roma, ngunit sikat hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa kanyang tinubuang-bayan - sa Pransya.

Si Lorrain ang naging tagapagtatag ng klasikong tanawin. Bagama't sa Italya ay lumitaw ang mga landscape sa mga gawa ng mga artista gaya nina Domenichino at Annibale Carracci, si Lorrain ang gumawa ng landscape na isang genre sa sarili nitong karapatan.

Ang mga kaakit-akit na tanawin ng Italya sa mga gawa ni Lorrain ay naging isang perpektong, klasikong imahe ng kalikasan. Hindi tulad ng magiting na mga tanawin ng Poussin, ang mga painting ni Lorrain ay malalim na liriko at puno ng pakiramdam ng personal na karanasan ng may-akda. Ang mga paboritong motif ng kanyang pagpipinta ay mga daungan ng dagat, malayong mga abot-tanaw na naliliwanagan ng madaling araw o nababaon sa takip-silim, mabagyong talon, mahiwagang bangin at madilim na mga tore sa matataas na mabatong baybayin.

Ang mga unang tanawin ng Lorrain ay ginawa sa brownish scheme ng kulay, medyo napuno sila ng mga elemento ng arkitektura (Campo Vaccino, 1635).

Karamihan ang pinakamahusay na mga gawa Si Lorrain, isa nang mature na artista, ay nilikha noong 1650s. Noong 1655, isinagawa ng pintor ang kanyang kahanga-hangang pagpipinta na "The Abduction of Europe", na naglalarawan ng isang kahanga-hangang sea bay, sa mga pampang kung saan lumalaki ang mga puno. Ang isang pakiramdam ng kapayapaan at katahimikan ay tumatagos sa kalikasan, at maging ang mga mitolohiyang larawan ng batang babae na sina Europa at Zeus, na naging isang toro, ay hindi nahuhulog sa pangkalahatang kalagayan ng larawan. Ang mga figure ng tao sa mga landscape ng Lorrain ay hindi gumaganap ng isang malaking papel; ang artist ay hindi nagpinta sa kanila mismo, ipinagkatiwala ang gawaing ito sa ibang mga masters. Ngunit ang mga tao sa kanyang mga pagpipinta ay hindi mukhang kalabisan, tila sila ay isang maliit na bahagi ng magandang mundo. Ito rin ay katangian ng sikat na canvas na "Acis at Galatea" (1657).

Sa paglipas ng panahon, nagiging mas emosyonal at nagpapahayag ang mga tanawin ni Lorrain. Ang artista ay naaakit sa pagbabago ng mga estado ng kalikasan, nagpinta siya ng mga landscape sa iba't ibang oras ng araw. Ang pangunahing visual na paraan sa kanyang pagpipinta ay kulay at liwanag. Noong 1660s Lumilikha si Lorrain ng mga kamangha-manghang mala-tula na canvases na "Umaga", "Tanghali", "Gabi" at "Gabi".

Si Lorrain ay kilala rin bilang isang mahuhusay na draftsman at engraver. Ang kanyang mga guhit na ginawa mula sa kalikasan ay kapansin-pansin - sa mga sariwa at buhay na buhay na mga sketch na ito ay mararamdaman ang banayad na pagmamasid ng pintor at ang kanyang kakayahang gumamit. simpleng paraan ipahayag ang kagandahan ng kapaligiran. Ang mga pag-ukit ni Lorrain ay isinagawa nang may mahusay na kasanayan, kung saan, tulad ng sa mga pagpipinta, hinahangad ng artista na ihatid ang mga epekto ng liwanag.

Nabuhay si Lorrain ng mahabang buhay - namatay siya noong 1682 sa edad na 82. Ang kanyang sining hanggang ika-19 na siglo. nanatiling isang huwaran sa bilog ng Italyano at Pranses na mga pintor ng landscape.

Ang ikalabing walong siglo ay naging huling hakbang panahon ng transisyon mula pyudalismo tungo sa kapitalismo. Bagama't napanatili ang lumang kaayusan sa karamihan ng mga bansa sa Kanlurang Europa, sa Inglatera ay unti-unting umusbong ang industriya ng makina, at sa France ang mabilis na pag-unlad ng mga kontradiksyon sa ekonomiya at uri ay naghanda ng lupa para sa burges na rebolusyon. Sa kabila ng hindi pantay na pag-unlad ng buhay pang-ekonomiya at kultura sa iba't-ibang bansa Europa, ang siglong ito ay naging panahon ng katwiran at kaliwanagan, ang siglo ng mga pilosopo, ekonomista, sosyologo.

Ang mga paaralang sining sa ilang bansa sa Kanlurang Europa ay nakararanas ng hindi pa nagagawang pag-unlad. Ang nangungunang lugar sa siglong ito ay kabilang sa sining ng France at England. Kasabay nito, ang Holland at Flanders, na nakaranas ng hindi pangkaraniwang pagtaas masining na kultura sa ika-17 siglo ay inilipat sa background. sining ng Espanyol sakop din ng mga phenomena ng krisis, ang muling pagbabangon nito ay magsisimula lamang sa katapusan ng ika-18 siglo.

1. Classicism (mula sa Latin classicus - huwaran) - ang artistikong istilo ng European na sining noong ika-17-19 na siglo, isa sa pinakamahalagang katangian kung saan ay ang pag-apila sa sinaunang sining bilang pinakamataas na modelo at pag-asa sa mga tradisyon ng mataas. Renaissance. Ang sining ng klasisismo ay sumasalamin sa mga ideya ng maayos na istraktura ng lipunan, ngunit sa maraming aspeto nawala ang mga ito kumpara sa kultura ng Renaissance. Ang mga salungatan ng indibidwal at lipunan, perpekto at katotohanan, damdamin at katwiran ay nagpapatotoo sa pagiging kumplikado ng sining ng klasisismo. Ang mga artistikong anyo ng klasisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahigpit na organisasyon, balanse, kalinawan at pagkakaisa ng mga imahe.

2. Ang pangunahing tampok ng arkitektura ng klasisismo ay ang pag-apila sa mga anyo ng sinaunang arkitektura bilang pamantayan ng pagkakaisa, pagiging simple, kahigpitan, lohikal na kalinawan at monumentalidad. Ang arkitektura ng klasisismo sa kabuuan ay nailalarawan sa pagiging regular ng pagpaplano at ang kalinawan ng volumetric na anyo. Ang pagkakasunud-sunod, sa mga proporsyon at mga anyo na malapit sa sinaunang panahon, ay naging batayan ng wikang arkitektura ng klasisismo. Ang Classicism ay nailalarawan sa pamamagitan ng simetriko-axial na komposisyon, pagpigil sa dekorasyong dekorasyon, at isang regular na sistema ng pagpaplano ng lungsod. Ang wikang arkitektura ng klasisismo ay nabuo sa pagtatapos ng Renaissance ng dakilang Venetian master na si Palladio at ng kanyang tagasunod na si Scamozzi. Ang mga Venetian ay lubos na nagpawalang-bisa sa mga prinsipyo ng sinaunang arkitektura ng templo kaya't inilapat nila ang mga ito kahit na sa pagtatayo ng mga pribadong mansyon gaya ng Villa Capra. Dinala ni Inigo Jones ang Palladianism sa hilaga sa England, kung saan sinunod ng mga lokal na arkitekto ng Palladian ang mga tuntunin ni Palladio na may iba't ibang antas ng katapatan hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Andrea Palladio. Villa Rotunda malapit sa Vicenza

3. Ang interes sa sining ng sinaunang Greece at Roma ay nagpakita ng sarili sa Renaissance, na, pagkatapos ng mga siglo ng Middle Ages, ay bumaling sa mga anyo, motif at plots ng sinaunang panahon. Ang pinakadakilang teorista ng Renaissance, si Leon Batista Alberti, noong ika-15 siglo. nagpahayag ng mga ideya na naglalarawan sa ilang mga prinsipyo ng klasisismo at ganap na ipinakita sa fresco ni Raphael na "The School of Athens" (1511). Ang sistematisasyon at pagsasama-sama ng mga tagumpay ng mga dakilang artista ng Renaissance, lalo na ang mga Florentine na pinamumunuan ni Raphael at ng kanyang mag-aaral na si Giulio Romano, ay bumubuo sa programa ng paaralan ng Bologna noong huling bahagi ng ika-16 na siglo, ang pinaka-katangiang kinatawan kung saan ay ang mga kapatid na Carracci. . Sa kanilang maimpluwensyang Academy of Arts, ipinangaral ng Bolognese na ang landas patungo sa taas ng sining ay nasa pamamagitan ng masusing pag-aaral ng pamana nina Raphael at Michelangelo, imitasyon ng kanilang kahusayan sa linya at komposisyon. Sa simula ng ika-17 siglo, dumagsa ang mga kabataang dayuhan sa Roma upang kilalanin ang pamana ng sinaunang panahon at Renaissance. Ang pinakatanyag na lugar sa kanila ay kinuha ng Pranses na si Nicolas Poussin, sa kanyang mga kuwadro na gawa, pangunahin sa mga tema ng sinaunang sinaunang panahon at mitolohiya, na nagbigay ng hindi maunahang mga halimbawa ng geometrically tumpak na komposisyon at maalalahanin na ugnayan ng mga pangkat ng kulay. Ang isa pang Frenchman, si Claude Lorrain, sa kanyang sinaunang mga tanawin sa paligid ng "walang hanggang lungsod" ay nag-streamline ng mga larawan ng kalikasan sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga ito sa liwanag ng papalubog na araw at pagpapakilala ng mga kakaibang eksena sa arkitektura.

Jacques-Louis David. "Ang Panunumpa ng Horatii" (1784). Ang malamig na makatwirang normativism ni Poussin ay nanalo ng pag-apruba ng korte ng Versailles at ipinagpatuloy ng mga pintor ng korte tulad ni Lebrun, na nakita ang klasikong pagpipinta bilang ang perpektong artistikong wika para sa pagpuri sa absolutist na estado ng "hari ng araw". Bagama't ang mga pribadong kliyente ay pinaboran ang mga pagkakaiba-iba ng Baroque at Rococo, ang monarkiya ng Pransya ay nagpapanatili ng Classicism sa pamamagitan ng pagpopondo sa mga institusyong pang-akademiko tulad ng School of Fine Arts. Ang Rome Prize ay nagbigay sa mga pinaka-mahuhusay na mag-aaral ng pagkakataon na bisitahin ang Roma para sa isang direktang kakilala sa mga dakilang gawa ng sinaunang panahon. Noong ika-19 na siglo, ang pagpipinta ng klasiko ay pumapasok sa panahon ng krisis at nagiging puwersang pumipigil sa pag-unlad ng sining, hindi lamang sa France, kundi pati na rin sa ibang mga bansa. Ang artistikong linya ni David ay matagumpay na ipinagpatuloy ni Ingres, habang pinapanatili ang wika ng klasisismo sa kanyang mga gawa, madalas siyang bumaling sa mga romantikong paksa na may oriental na lasa ("Turkish baths"); ang kanyang portrait na gawa ay minarkahan ng isang banayad na idealization ng modelo. Ang mga artista sa ibang mga bansa (tulad ng, halimbawa, Karl Bryullov) ay nag-imbak din ng mga klasikong hugis ng mga gawa na may diwa ng walang ingat na romantikismo; ang kumbinasyong ito ay tinatawag na akademya. Maraming art academies ang nagsilbing breeding ground nito. Sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang mga kabataang henerasyong nahilig sa realismo, na kinakatawan sa France ng Courbet circle, at sa Russia ng Wanderers, ay naghimagsik laban sa konserbatismo ng academic establishment.

4. Ang musika ng panahon ng classicism o ang musika ng classicism ay ang panahon sa pag-unlad ng European music humigit-kumulang sa pagitan ng 1730 at 1820. Ang konsepto ng classicism sa musika ay patuloy na nauugnay sa mga gawa ni Haydn, Mozart at Beethoven, na tinatawag na Viennese classics at tinutukoy ang direksyon ng karagdagang pag-unlad ng musikal na komposisyon.

Ang konsepto ng "musika ng klasiko" ay hindi dapat malito sa konsepto ng "klasikal na musika", na may higit pa pangkalahatang kahulugan bilang musika ng nakaraan, na tumayo sa pagsubok ng panahon. Ang aesthetics ng klasisismo ay batay sa paniniwala sa katwiran at pagkakatugma ng kaayusan ng mundo, na nagpakita ng sarili sa atensyon sa balanse ng mga bahagi ng trabaho, maingat na pagtatapos ng mga detalye, at ang pagbuo ng mga pangunahing canon ng musikal na anyo. Sa panahong ito, sa wakas ay nabuo ang anyo ng sonata, batay sa pagbuo at pagsalungat ng dalawang magkasalungat na tema, at natukoy ang klasikal na komposisyon ng mga bahagi ng sonata at simponya.

Sa panahon ng klasisismo, lumitaw ang isang string quartet, na binubuo ng dalawang violin, isang viola at isang cello, at ang komposisyon ng orkestra ay lumawak nang malaki.

Ang kronolohikal na balangkas para sa pagkakaroon ng klasisismo sa iba't ibang kultura ng Europa ay tinukoy bilang ang ikalawang kalahati ng ika-17 - ang unang tatlumpung taon ng ika-18 siglo, sa kabila ng katotohanan na ang mga maagang klasiko na uso ay makikita sa pagtatapos ng Renaissance, sa pagliko. ng ika-16-17 siglo. Sa loob ng mga kronolohikal na limitasyong ito, ang klasikong Pranses ay itinuturing na karaniwang sagisag ng pamamaraan. Malapit na nauugnay sa pamumulaklak ng French absolutism sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, nagbigay ito ng kulturang European hindi lamang sa mga mahusay na manunulat - Corneille, Racine, Moliere, Lafontaine, Voltaire, kundi pati na rin ang mahusay na teorista ng klasikong sining - Nicolas Boileau-Depreo .

Ang makasaysayang mga kinakailangan para sa paglitaw ng klasisismo ay nag-uugnay sa mga aesthetic na problema ng pamamaraan sa panahon ng paglala ng relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan sa proseso ng pagiging isang autokratikong estado, na, na pinapalitan ang panlipunang pagpapahintulot ng pyudalismo, ay naglalayong ayusin ang batas at malinaw na nakikilala sa pagitan ng mga saklaw ng pampubliko at pribadong buhay at ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at ng estado. Ang klasisismo ay umusbong sa tuktok ng panlipunang pagsulong ng bansang Pranses at estado ng Pransya. Ang batayan ng teorya ng klasisismo ay rasyonalismo, batay sa pilosopiya ni Descartes, tanging ang maganda at kahanga-hanga ang ipinahayag na paksa ng klasiko na sining, ang sinaunang panahon ay nagsilbi bilang isang etikal at aesthetic na ideal.

arkitektura - Ang Classicism ay makikita rin sa arkitektura: ang mga palasyo, simbahan, bagong Parisian square na nilikha ni Mansart at iba pang mga arkitekto ay minarkahan ng mahigpit na simetrya at marilag na pagiging simple. Ang Classicism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang maayos na pagkakasunud-sunod ng anyo, ang ideya ng pagpapailalim sa indibidwal sa pampublikong tungkulin. Ang batayan ng wikang arkitektura ng klasisismo ay ang pagkakasunud-sunod, sa mga proporsyon at mga anyo na malapit sa sinaunang panahon, mga symmetrical-axial na komposisyon, pagpigil ng pandekorasyon na dekorasyon, isang regular na sistema ng pagpaplano ng lungsod.

Panitikan-Ang mga "mababa" na genre - ang pabula (J. Lafontaine), satire (Boileau), komedya (Molière 1622-1673) - ay umabot din sa mataas na pag-unlad. Ang Pranses na manunulat na si Jean de La Fontaine ay kilala bilang may-akda ng mga fairy tales, comedies, fables, satirically depicting life in absolutist France. Ang theorist of French classicism, Nicolas Boileau-Despreo, sa kanyang akdang "Poetic Art" ay nagbalangkas ng mga prinsipyo ng classicism sa panitikan.

Mga pangunahing pangangailangan ng klasisismo sa panitikan

1. Bayani - "mga larawang walang mukha". Hindi sila nagbabago, bilang tagapagsalita para sa mga karaniwang katotohanan.

2. Ang paggamit ng karaniwang wika ay hindi kasama

3. Kinakailangan ng compositional rigor

4. Pagmamasid sa gawain ng tatlong pagkakaisa: oras, lugar at pagkilos.

Hindi ka dapat mag-atubiling ipakilala kami sa balangkas.

Dapat mong obserbahan ang pagkakaisa ng lugar dito.

Ngunit hindi natin dapat kalimutan, mga makata, ang tungkol sa katwiran:

Isang kaganapan bawat araw

Sa isang lugar, hayaan itong dumaloy sa entablado;

Sa kasong ito lamang ay mabibighani tayo.

5. Mahigpit na paghahati sa mga genre.

"Mataas": mga trahedya, epikong tula, odes, mga himno

Dapat silang bumuo ng mahahalagang problema sa lipunan, na gumagamit ng mga sinaunang paksa. Ang kanilang saklaw ay ang buhay ng estado at hukuman, relihiyon. Ang wika ay solemne, pinalamutian ng mga epithets at mythological parallel, epithets

"Mababa": komedya, satire, pabula

Ang kanilang tema ay ang buhay ng mga indibidwal, katutubong buhay. Ang wika ay kolokyal.

Itinuring na hindi katanggap-tanggap ang paghahalo ng mga genre!

Sculpture-Lahat ay napapailalim sa rationality: frozen na paggalaw, ang ideya ng sculpture at maging ang lokasyon nito sa isang parke o palasyo. Ang mga eskultura ng klasisismo, tulad ng isang three-dimensional na sagisag ng mga alamat, ay nagsasabi sa amin tungkol sa makapangyarihang kapangyarihan ng pag-iisip ng tao, tungkol sa pagkakaisa ng mga tao sa pagkamit ng mga karaniwang layunin. Nakapagtataka lang kung paano nasabi ng mga klasiko ang isang buong panahon sa buhay ng isang partikular na bansa sa tulong ng mga di-scale na komposisyon. Nagsusumikap para sa makatwirang paggamit ng espasyo na inookupahan ng eskultura, ang mga masters sa gayon ay sumunod sa isa pang prinsipyo ng klasisismo - isang pag-alis mula sa pribado. Sa isang solong karakter, kadalasang kinuha mula sa mitolohiya, ang diwa ng isang buong tao ay nakapaloob. At ang mga bayani ng kasalukuyan ay itinatanghal na may parehong kadalian sa sinaunang kapaligiran, na binibigyang diin lamang ang kanilang makasaysayang papel.

pagpipinta

Ang mga prinsipyo ng rasyonalistikong pilosopiya na pinagbabatayan ng klasisismo ay tumutukoy sa pananaw ng mga teorista at practitioner ng klasisismo sa isang gawa ng sining bilang bunga ng katwiran at lohika, na nagtagumpay sa kaguluhan at pagkalikido ng sensually perceived na buhay. Ang oryentasyon sa isang makatwirang simula, sa matibay na mga pattern ay nagpasiya ng matatag na normativity ng mga kinakailangan sa etika (subordination ng personal sa pangkalahatan, mga hilig - sa pangangatwiran, tungkulin, ang mga batas ng uniberso) at ang mga aesthetic na hinihingi ng klasisismo, ang regulasyon ng mga artistikong panuntunan ; ang pagsasama-sama ng mga teoretikal na doktrina ng klasisismo ay pinadali ng mga aktibidad ng Royal Academies na itinatag sa Paris - pagpipinta at iskultura (1648) at arkitektura (1671). Sa classicism painting, line at chiaroscuro ang naging pangunahing elemento ng form modeling, ang lokal na kulay ay malinaw na nagpapakita ng plasticity ng mga figure at bagay, naghihiwalay sa mga spatial na plano ng larawan (minarkahan ng kadakilaan ng pilosopikal at etikal na nilalaman, ang pangkalahatang pagkakaisa ng gawa ni N. Poussin, ang nagtatag ng klasisismo at ang pinakadakilang master ng klasisismo noong ika-17 siglo ; "mga ideal na tanawin" ni C. Lorrain). Klasisismo ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. (sa kasaysayan ng sining ng dayuhan ay madalas itong tinutukoy bilang neoclassicism), na naging isang pan-European na istilo, ay nabuo din pangunahin sa dibdib ng kulturang Pranses, sa ilalim ng malakas na impluwensya ng mga ideya ng Enlightenment. Sa arkitektura, ang mga bagong uri ng isang magandang mansyon, isang pampublikong gusali sa harap, isang bukas na plaza ng lungsod (J.A. Gabriel, J.J. Souflot), ang paghahanap para sa bago, hindi maayos na mga anyo ng arkitektura ay natukoy. nagsusumikap para sa matinding pagiging simple sa gawain ni K.N. Inaasahan ni Ledoux ang arkitektura ng huling yugto ng klasisismo - Imperyo. Ang civic pathos at lyricism na pinagsama sa kaplastikan ni J.B. Pigalya at Zh.A. Houdon, mga pandekorasyon na tanawin ni J. Robert. Ang matapang na drama ng makasaysayang at portrait na mga imahe ay likas sa mga gawa ng pinuno ng French classicism, ang pintor na si J.L. David.

Sa theatrical art, si K. ay nag-ambag sa isang mas malalim na pagsisiwalat ng ideya ng isang dramatikong gawain, na nagtagumpay sa pagmamalabis sa paglalarawan ng mga damdamin, katangian ng medyebal na teatro. Ang kasanayan sa pagsasagawa ng klasikong trahedya, na itinaas sa taas ng tunay na sining, ay sumunod sa mga aesthetic na prinsipyo na sinundan mula sa classicist aesthetics ng N. Boileau. Ang rationalistic na pamamaraan, ang malay-tao na trabaho sa papel ay nagiging pangunahing kondisyon para sa pagkamalikhain ng mga aktor. Ang aktor ng trahedya ay kailangang emosyonal na nagpapahayag ng tula, nang hindi sinusubukan na lumikha ng ilusyon ng mga tunay na karanasan ng bayani. Ngunit sa sining ng pag-arte, ipinakita ang isang kontradiksyon na katangian ni K. - ang prinsipyo ng pagbaling sa kalikasan, katwiran, at katotohanan ay limitado ng mga pamantayan ng magalang, maharlikang panlasa. Ang klasiko na pagganap sa kabuuan ay nakikilala sa pamamagitan ng karangyaan, static, ang mga aktor ay kumilos laban sa backdrop ng mga tanawin na walang makasaysayang at pang-araw-araw na konkreto (halimbawa, isang palasyo sa kalooban).

Ang batayan ng lahat ay ang isip. Tanging ang makatwiran ay maganda.

Ang pangunahing gawain ay upang palakasin ang ganap na monarkiya, ang monarko ay ang sagisag ng makatwiran.

Ang pangunahing tema ay ang salungatan ng personal at civic na interes, damdamin at tungkulin

Ang pinakamataas na dignidad ng isang tao ay ang pagtupad ng tungkulin, paglilingkod sa ideya ng estado

Pamana ng sinaunang panahon bilang isang modelo

(Paliwanag sa bibig: ang aksyon ay inilipat sa ibang oras, hindi lamang upang gayahin ang mga antigong sample, kundi pati na rin upang ang pamilyar na buhay ay hindi makagambala sa manonood, mambabasa upang madama ang mga ideya)

Ang panggagaya sa kalikasang "ginalaman".

Nabuo ang klasiko, nararanasan ang impluwensya ng iba pang mga pan-European na uso sa sining na direktang nakikipag-ugnayan dito: tinataboy nito ang mga aesthetics ng Renaissance na nauna rito at sinasalungat ang Baroque na sining na aktibong kasama nito, na puno ng kamalayan ng pangkalahatan. hindi pagkakasundo na nabuo ng krisis ng mga mithiin ng isang nakalipas na panahon. Ang pagpapatuloy ng ilan sa mga tradisyon ng Renaissance (paghanga sa mga sinaunang tao, pananampalataya sa katwiran, ang ideal ng pagkakaisa at sukat), K. ay isang uri ng antithesis sa kanya; Sa likod ng panlabas na pagkakasundo sa K. namamalagi ang panloob na antinomiya ng pananaw sa mundo, na ginagawa itong nauugnay sa Baroque (sa kabila ng kanilang malalim na pagkakaiba). Ang generic at ang indibidwal, ang publiko at ang pribado, isip at pakiramdam, sibilisasyon at kalikasan, na (sa isang kalakaran) ay kumilos bilang isang solong magkatugmang kabuuan sa sining ng Renaissance, ay polarized sa K. at nagiging kapwa eksklusibong mga konsepto.

2.Pagpaplano sa lungsod

Ang pinakamahalagang konsepto sa pagpaplano ng bayan at ang kanilang pagpapatupad sa kalikasan sa pagtatapos ng ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo ay nauugnay sa klasisismo. Sa panahong ito, ang mga bagong lungsod, parke, resort ay inilatag. Ang isang bagong organisasyon ng pag-areglo, na naglalayong malampasan ang hindi pagkakapantay-pantay ng lipunan at lumikha ng isang bagong pagkakasundo sa lipunan, ay iminungkahi sa huli XIX siglo ng mga utopiang sosyalista. Ang mga proyekto ng residential commune, phalansters (natanto, gayunpaman, sa napakaliit na dami) ay nagpapanatili ng imahe at spatial na tampok na katangian ng klasisismo.

Ang resulta ng mga teorya ng arkitektura ng Enlightenment, na itinakda at inulit sa maraming mga treatise ng huling bahagi ng ika-18 siglo, ay maaaring maipaliwanag bilang mga sumusunod: ang saklaw ng pagpaplano ng lunsod sa ganap na kawalan ng mga obra maestra ng arkitektura. Marahil ay tila mababaw ang ating paghatol. Sa katunayan, may mga arkitekto na hindi nais na lumikha ng mga obra maestra. Ang arkitektura para sa kanila ay hindi ang pagpapahayag at pag-apruba ng isang tiyak na konsepto ng mundo, relihiyon o politikal na mga ideyal. Ang kanyang misyon ay maglingkod sa komunidad. Ang konstruksiyon, kagandahang-asal, tipolohiya ay kinakailangang napapailalim sa gawaing ito. Dahil ang buhay ng lipunan ay mabilis na nagbabago, kinakailangan upang matugunan ang mga bagong pangangailangan at mga bagong uri ng mga gusali, iyon ay, upang magtayo hindi lamang ng isang simbahan o isang palasyo, ngunit isang middle-class na gusali ng tirahan, isang ospital, isang paaralan, isang museo, isang daungan, isang pamilihan, at iba pa.

Mula sa isang monumento ng gusali, ang isa ay dumarating sa isang gusali na nagpapahayag ng isang tiyak na tungkuling panlipunan, ang pagkakaisa ng mga naturang tungkulin ay lumilikha ng isang organismong lunsod, at ang istraktura nito ay ang koordinasyon ng mga tungkuling ito. Dahil ang panlipunang koordinasyon ay nakabatay sa mga prinsipyo ng rasyonalidad, ang mga plano sa lunsod ay nagiging mas makatwiran, ibig sabihin, sinusunod nila ang malinaw na hugis-parihaba o radial na geometriko na mga pattern na binubuo ng malalapad at tuwid na mga kalye, malalaking parisukat o bilog na mga parisukat. Ang ideya ng ugnayan sa pagitan ng lipunan ng tao at kalikasan ay ipinahayag sa lungsod sa pagpapakilala ng malawak na berdeng mga lugar, kadalasang mga parke malapit sa mga palasyo o hardin ng mga dating monasteryo na naging estado pagkatapos ng rebolusyon.

*Ang mga tampok ng panahon, estilo at pambansang tradisyon ay pinaka-malinaw na ipinahayag sa mga pangunahing parisukat ng malalaking lungsod at sa mga parisukat ng kabisera. Ang pag-aayos o muling pagtatayo ng mga parisukat ay kadalasang paraan ng pampulitikang pag-apruba ng naghaharing rehimen. Dahil sa haba ng panahong isinasaalang-alang - mula sa pagpapalakas ng absolutismo hanggang sa pagpapalakas ng burges na demokrasya - ang panlipunang papel ng pangunahing parisukat ay unti-unting nagbago: mula sa arkitektura at spatial na background ng rebulto ng hari, ito ay naging sibil. sentro ng kapitalistang lungsod sa pinakamaunlad na bansa.

3. Sa unang kalahati ng ika-17 siglo, ang kabisera ng France ay unti-unting naging isang city-residence mula sa isang city-fortress. Ang hitsura ng Paris ngayon ay tinutukoy hindi ng mga pader ng kuta at kastilyo, ngunit ng mga palasyo, parke, isang regular na sistema ng mga lansangan at mga parisukat.

Sa arkitektura, ang paglipat mula sa kastilyo patungo sa palasyo ay maaaring masubaybayan sa pamamagitan ng paghahambing ng dalawang gusali. Ang Luxembourg Palace sa Paris (1615 - 1621), ang lahat ng mga gusali ay matatagpuan sa kahabaan ng perimeter ng isang malaking patyo, na may makapangyarihang mga anyo nito ay kahawig pa rin ng isang kastilyo na nabakuran mula sa labas ng mundo. Sa palasyo ng Maisons - Laffite malapit sa Paris (1642 - 1650) wala nang saradong patyo, ang gusali ay may hugis-U na plano, na ginagawang mas bukas ang hitsura nito (bagaman napapalibutan ito ng moat). Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito sa arkitektura ay nakatanggap ng suporta ng estado: ang royal decree ng 1629 ay nagbabawal sa pagtatayo ng mga kuta ng militar sa mga kastilyo.

Sa paligid ng palasyo, ang arkitekto ngayon ay kinakailangang ayusin ang isang parke kung saan ang mahigpit na pagkakasunud-sunod ay naghari: ang mga berdeng puwang ay maayos na pinutol, ang mga eskinita ay nagsalubong sa tamang mga anggulo, ang mga kama ng bulaklak ay bumubuo ng mga regular na geometric na hugis. Ang nasabing parke ay tinatawag na regular o Pranses.

Ang tuktok ng pag-unlad ng isang bagong direksyon sa arkitektura ay ang Versailles - ang engrandeng tirahan sa harap ng mga hari ng Pransya malapit sa Paris.

Sa arkitektura ng relihiyon, itinanim ng mga Heswita ang istilo ng Kontra-Repormasyon, ngunit, sa kabila nito, hindi tinalikuran ng Pransya ang mga pambansang tradisyon nito, at nasa panahon na ng paghahari ni Louis XIII, nabigo ang isang pagtatangka na ganap na "pag-romansa" ang arkitektura ng simbahan. .

Sa panahon ni Henry IV, ang sekular na arkitektura ay gumaganap ng isang nangingibabaw na papel, ang malaking pansin ay binabayaran sa pagpaplano ng kapaligiran sa lunsod, at bilang isang resulta, ang Paris ay pinalamutian ng dalawang parisukat - ang Vosges at ang Dauphine. Ang arkitektura ng panahong ito ay pinangungunahan ng mannerism - mabigat na karangyaan, mga interior na pinalamutian nang mayaman, mga panel na pininturahan ng dekorasyon at ginintuan.

4. Ang kulto ng katwiran ay isa sa mga pangunahing katangian ng klasisismo, at samakatuwid, sa wala sa mga dakilang masters ng ika-17 siglo, ang makatuwirang prinsipyo ay gumaganap ng isang mahalagang papel tulad ng sa Poussin. Ang master mismo ay nagsabi na ang pang-unawa ng isang gawa ng sining ay nangangailangan ng puro deliberasyon at pagsusumikap sa pag-iisip. Ang rasyonalismo ay makikita hindi lamang sa may layuning pagsunod ni Poussin sa etikal at masining na ideyal, kundi pati na rin sa visual system na kanyang nilikha.

Gumawa siya ng isang teorya ng tinatawag na mga mode, na sinubukan niyang sundin sa kanyang trabaho.

Sa pamamagitan ng modus, ang Poussin ay nangangahulugang isang uri ng matalinghagang susi, ang kabuuan ng mga aparato ng matalinghaga-emosyonal na mga katangian at komposisyonal-larawang solusyon na pinaka-katugma sa pagpapahayag ng isang partikular na tema.

Ang isa sa mga katangian na halimbawa ng ideolohikal at artistikong programa ng klasisismo ay ang komposisyon ng Poussin na "The Death of Germanicus" (1626 - 1627, Minneapolis, Institute of Arts), na naglalarawan ng isang matapang at marangal na kumander ng Romano sa kanyang kamatayan, na nilason ng pagkakasunud-sunod ng ang kahina-hinala at naiinggit na emperador na si Tiberius.

Napakabunga para sa gawa ni Poussin ay ang pagkahilig para sa sining ng Titian sa ikalawang kalahati ng 1620s. Ang apela sa tradisyon ng Titian ay nag-ambag sa pagsisiwalat ng pinakamahalagang aspeto ng talento ni Poussin. Mahusay din ang papel ng colorism ni Titian sa pagbuo ng talento sa larawan ni Poussin.

Noong 1625 - 1627, ipininta ni Poussin ang pagpipinta na "Rinaldo at Armina" batay sa balangkas ng tula ni Tasso na "Jerusalem Liberated", kung saan ang isang yugto mula sa alamat ng medieval chivalry ay binibigyang-kahulugan sa halip bilang isang motif ng sinaunang mitolohiya. Binuhay muli ni Poussin ang mundo mga sinaunang alamat at sa iba pang mga canvases noong 1620s - 1630s: "Apollo and Daphne" (Munich, Pinakothek", "Bacchanalia" sa Louvre at London National Gallery, "The Kingdom of Flora" (Dresden, Gallery). Dito niya inilalarawan ang kanyang ideal - isang lalaki, namumuhay na nagkakaisa masayang buhay kasama ng kalikasan.

Kailanman sa trabaho ni Poussin ay hindi nagkaroon ng gayong matahimik na mga eksena, lumilitaw ang gayong magagandang larawan ng mga babae. Ito ay noong 1620s na ang isa sa mga pinaka-kaakit-akit na imahe ng Poussin ay nilikha - "Sleeping Venus", ang imahe ng diyosa ay puno ng naturalness at ilang espesyal na intimacy ng pakiramdam, tila inagaw diretso sa buhay.

5. Nagsimula ang Klasisismo sa Panahon ng Enlightenment Ang paglago ng kalayaan ng lipunan ay humantong sa paglitaw ng mga unang pampublikong konsiyerto, nabuo ang mga musikal na lipunan at orkestra sa mga pangunahing lungsod ng Europa. Mayroong mga radikal na pagbabago sa mga orkestra, hindi na kailangan ang isang harpsichord o isang organ, tulad ng sa pangunahing mga instrumentong pangmusika, mga instrumento ng hangin - clarinet, plauta, trumpeta, atbp., Sa kabaligtaran, kinuha ang kanilang lugar sa orkestra at lumikha ng isang bago, espesyal na tunog. Bagong komposisyon ang orkestra ay humantong sa paglitaw ng symphony - ang pinakamahalagang uri ng musika, ayon sa pamantayan na binubuo ng tatlong tempo - isang mabilis na simula, isang mabagal na gitna at muli isang mabilis na pagtatapos. Isa sa mga unang kompositor na gumamit ng symphonic format ay ang anak ni J.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Sa parehong panahon, ang piano, o pianoforte (ang tamang pangalan), ay nilikha. Pinayagan nito ang mga keyboardist na tumugtog ng musika sa iba't ibang variation, parehong mahina (piano) at mas malakas (forte), depende sa mga key na ginamit. Ang pinakakilalang kompositor ng classicism ay ang mga dakilang Austrian - sina Joseph Haydn at Wolfgang Amadeus Mozart. Gumawa si Haydn ng kamangha-manghang choral, operatic, orchestral at instrumental na musika - ngunit ang kanyang pinakamalaking tagumpay ay ang mga symphony, kung saan isinulat niya ang higit sa isang daan. Si Mozart ang pinakadakilang kompositor sa lahat ng panahon. Nabuhay maikling buhay, nag-iwan siya ng hindi kapani-paniwalang pamana ng musika - 41 symphony, halimbawa. Ang kanyang mga opera ay itinuturing na kanyang pinakamalaking tagumpay, kung saan ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang mahusay na musikero at bilang isang mahuhusay na manunulat ng dula, ang ilan sa kanyang pinakamagagandang opera ay Don Giovanni, The Marriage of Figaro, The Magic Flute. Sa pagtatapos ng ikalabing walong siglo , more one star of classical music is Ludwig van Beethoven, a composer who started compose music in the classical style inhear from Mozart and Haydn. Sa kalaunan ay nalampasan niya ito at literal na hinati ang istilong klasikal, na minarkahan ang bukang-liwayway ng isang bagong panahon na kilala bilang Romantikong panahon sa musika. Ang klasikal na panahon ay isang panahon kung kailan ipinakilala ng mga kompositor ang isang pakiramdam ng kagandahan sa musika. Ang malinaw at dalisay na musikang ito, na nagdadala ng kapayapaan at pagpapahinga, ay talagang mas malalim at makakahanap ka ng isang dramatikong ubod, nakakaantig na damdamin at walang hangganang pagmamaneho dito.

Classicism (fr. classicisme, mula sa lat. classicus - huwaran) - isang artistikong istilo sa sining ng Europa XVII - XIX na siglo.
Ang isang gawa ng sining, mula sa pananaw ng klasisismo, ay dapat na itayo batay sa mahigpit na mga canon. Ang klasiko ay tumatagal ng maraming mga patakaran at mga kanon mula sa sinaunang sining.

KLASISISMO - "ang mahusay na istilo ni Louis XIV" sa France
Ang klasisismo ay nabuo noong ika-17 siglo ng France, na sumasalamin sa pag-usbong ng absolutismo. Naunawaan ni Louis XIV ang kahalagahan ng sining bilang isang paraan upang itaguyod ang kanyang maharlikang kadakilaan.
Ang istilong ito ay repleksyon sikat na kasabihan"Sun King": "Ang estado ay ako."

Classicism mula sa salitang classical, huwaran! Ito ay kung kailan muling nakilala ng mga tao ang authentic sa sinaunang sining.
Ang klasisismo ay batay sa mga ideya ng rasyonalismo, na nabuo kasabay ng mga nasa pilosopiya ni Descartes. Ang isang gawa ng sining, mula sa punto ng view ng classicism, ay dapat na binuo sa batayan ng mga mahigpit na canon, at sa gayon ay inilalantad ang pagkakaisa at lohika ng uniberso mismo. Ang interes para sa klasisismo ay walang hanggan lamang, hindi nagbabago - sa bawat kababalaghan, hinahangad niyang kilalanin lamang ang mga mahahalagang, typological na mga tampok, itinatapon ang mga random na indibidwal na mga palatandaan. Ang aesthetics ng klasisismo ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa panlipunan at pang-edukasyon na tungkulin ng sining. Ang Classicism ay tumatagal ng maraming mga panuntunan at canon mula sa sinaunang sining (Aristotle, Horace).

Arkitektura

Ang silangang harapan ng Louvre (kung hindi man ay tinatawag na Colonnade) ay isang matingkad na halimbawa ng klasikong Pranses. Naglalaman ng higpit at kataimtiman, sukat at matinding pagiging simple.

Jules Hardouin-Mansart ipinanganak sa Paris noong Abril 16, 1646. Nag-aral sa kanyang tiyuhin sa tuhod na si François Mansart. Noong 1675, hinirang ni Louis XIV si Hardouin-Mansart bilang arkitekto ng korte. Ang unang order ng batang arkitekto ay ang muling pagsasaayos ng kastilyo ng Saint-Germain-en-Laye. Mula noong 1678, pinangunahan ni Hardouin-Mansart ang pagtatayo ng palasyo at parkeng grupo ng Versailles. Kasama sa kanyang akda ang: ang royal chapel (1689-1710), ang southern (1682) at northern (1685) na mga pakpak ng royal palace, ang facade ng parke, isang bilang ng mga interior (kasama si Ch. Lebrun), incl. Mirror gallery na may mga bulwagan ng Kapayapaan at Digmaan (1678-86), Grand Trianon Palace (1687).
Si Hardouin-Mansart ay ang may-akda ng pagpaplano at pag-unlad ng octahedral Place Vendôme (1685-1701), sa panahon ng pagtatayo kung saan ang isang uri ng facade na kalaunan ay naging laganap ay binuo na may mga arko sa basement floor, malalaking order pilasters uniting ang pangalawang at ikatlong palapag, at isang attic floor sa ilalim ng mataas na matarik na bubong . Siya rin ang nagmamay-ari ng may-akda ng isa pang Parisian square - Victory Square, bilog sa plano, na kung saan ay conceived bilang isang matagumpay.
Ang isa sa pinakamalaking gawa ng Hardouin-Mansart ay ang Cathedral of Les Invalides sa Paris (1680-1706), na isang malaking domed rotunda at itinuturing na isa sa mga pinaka perpektong gusali ng French classicism.
Namatay si Hardouin-Mansart sa Marly malapit sa Paris noong Mayo 11, 1708.

Taas 107 m
Paris, France.
Ang Cathedral of the Les Invalides, na isang malaking domed rotunda, ay isa sa pinakamahalagang monumental na istruktura noong ika-17 siglo. sa Paris. Ang harapan ng katedral ay isang halimbawa ng biyaya at simetrya. Ang gitnang bahagi ng façade ay nakausli pasulong at nilagyan ng mga haligi ng Doric sa unang baitang at Corinthian sa pangalawa; sa mga gilid ng harapan ay pinalamutian ng mga estatwa ng Saint Louis IX at Charlemagne nina Coustout at Coisevox. Ang katedral ay nakoronahan ng isang 27-m (sa diameter) na simboryo na nakapatong sa isang two-tier drum, na pinalamutian ng mga nakapares na haligi sa unang palapag at malalaking kalahating bilog na bintana sa pangalawa. Ang Cathedral ng Les Invalides ay naging isang mahalagang matataas na punto ng Paris; ang malakas na simboryo nito, na pinalamutian ng mga tropeo ng digmaan, ay makabuluhang nagbago sa panorama ng lungsod.

Sa ilalim ni Haring Louis XIV, ang Versailles ay naging de facto na kabisera ng France. Palasyo at parke ensemble ng Versailles. 1661 - 1689.
Arch. L. Levo (1612-1670), A. Le Nôtre (1613-1700), F. Orbe, J. A. Mansart (1646-1708).
Bilang resulta ng isang maringal na muling pagtatayo, ang palasyo ng hari ay naging isang kahanga-hangang palasyo at parkeng grupo, na naging tuktok ng pag-unlad ng klasisismo sa arkitektura ng Pransya noong ika-17 siglo.
Ang Versailles complex ay isang napakagandang tirahan sa harap ng mga haring Pranses, na itinayo hindi kalayuan sa Paris (18 km).
Ang Versailles ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
- kalubhaan ng mga panlabas na anyo
- ang ningning ng mga interior.

Palasyo at parke ensemble ng Versailles. 1661-89.

Palasyo at parke ensemble ng Versailles. 1661-89. Ang Mirror Gallery ay itinayo at pinalamutian ng arkitekto na si J.A. Mansart.
Ang gawaing pandekorasyon sa Versailles ay pinangunahan ni Charles Lebrun, ang unang pintor ng hari.

Ang isang maliit na saradong quadrangle ng lugar na may mga gupit na sulok ay napapalibutan ng mga gusaling pang-administratibo na may isang solong sistema ng dekorasyon. Ang ganitong paghihiwalay ay tipikal para sa lahat ng mga klasikong parisukat ng ika-17 siglo. Sa una, ang isang estatwa ng equestrian ni Louis XIV ay inilagay sa gitna ng parisukat (sa simula ng ika-19 na siglo ito ay pinalitan ng isang triumphal na haligi bilang parangal kay Napoleon I). Sa panahon ng pagtatayo ng Place Vendôme, gumawa si Hardouin-Mansart ng isang uri ng facade na kalaunan ay naging laganap na may mga arko sa basement floor, malalaking order pilaster na nagsasama sa ikalawa at ikatlong palapag, at isang attic floor sa ilalim ng mataas na matarik na bubong.

Pagpipinta

Nicolas Poussin (1593 - 1655), sa kanyang mga kuwadro na gawa, pangunahin sa mga tema ng sinaunang sinaunang panahon at mitolohiya, na nagbigay ng hindi maunahang mga halimbawa ng geometrically tumpak na komposisyon at maalalahanin na ugnayan ng mga pangkat ng kulay.

Claude Lorrain (1601 - 1682), sa kanyang mga sinaunang tanawin sa paligid ng "walang hanggang lungsod", pinasimple niya ang mga larawan ng kalikasan sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga ito sa liwanag ng papalubog na araw at pagpapakilala ng mga kakaibang eksena sa arkitektura.

ika-18 siglo

Sa huling quarter ng ika-18 siglo, umusbong ang tinatawag na "rebolusyonaryong klasisismo", na nagpapahayag ng mga mithiing sibiko ng burges na Enlightenment at burges na rebolusyonaryong adhikain.
Si Jacques Louis David (1748 - 1825) ay tinawag na artista ng Rebolusyong Pranses. Ang kanyang sobrang laconic at dramatic na artistikong wika ay nagsilbi na may pantay na tagumpay upang itaguyod ang mga mithiin ng Rebolusyong Pranses(“Death of Marat”) at ang Unang Imperyo (“Dedikasyon ng Emperador Napoleon I”).

Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. Ang klasiko ay ang nangungunang istilo ng sining sa France.
JACQUES LOUIS DAVID, (1748–1825) - Pintor ng Pranses; tagapagtatag ng French neoclassicism, dakilang artista Rebolusyong Pranses. Noong 1775-1780 nag-aral siya sa French Academy sa Roma, kung saan nag-aral siya ng sinaunang sining at ang gawain ng mga master ng Renaissance. Noong 1783 siya ay nahalal na miyembro ng Academy of Painting.
Aktibong lumahok sa rebolusyonaryong kilusan, noong 1792 siya ay nahalal sa Pambansang Kombensiyon, bumoto para sa pagkamatay ni Haring Louis XVI. Sumali sa radical-ex

PANGKASAYSAYAN - PROSESO NG PANITIKAN NG XVII SIGLO.

4. Klasisismo - ang nangungunang kalakaran sa panitikan noong ika-17 siglo.

Mga yugto ng pag-unlad nito

Nang ipahayag ang kulto ng katwiran, ang klasisismo ay humingi ng makatwirang regulasyon masining na pagkamalikhain. Dahil dito, ang kalinawan, pagiging simple at pagiging mapanghikayat sa lahat ng bagay: sa mga ideya, sitwasyon sa buhay, mga karakter ng tao. Ang perpekto ng maganda, na nakita ng klasisismo noong unang panahon, sinubukan niyang pagsamahin sa matalino.

Sa paghahanap nito para sa makatwirang mga alituntunin ng pagkamalikhain, ang klasisismo ay bumaling sa mga sinaunang teoryang pampanitikan - kinuha ni Aristotle, Horace, ang kanilang mga pananaw sa panitikan bilang isang modelo. Sa batayan ng "Poetics" ni Aristotle at "Epistle to Pizoniv" ni Horace, ang Pranses na si Nicolas Boileau ay nakabuo ng isang detalyadong regulasyon sa pagsulat sa aklat na "Poetic Art" (1674), na naging aesthetic na programa ng klasisismo.

Ang Classicism (mula sa Latin classicus - "huwarang", "perpekto") ay isang usong pampanitikan na lumitaw noong ika-17 siglo sa France at kumalat sa Europa sa simula ng ika-19 na siglo.

Dahil dito, ang pagbuo ng malakas na monarkiya na mga estado sa Europa, partikular sa France, ay nag-ambag sa pagtatatag ng klasisismo bilang isang usong pampanitikan. Sa maraming bansa, at higit sa lahat sa France, ang klasisismo ang naging unang opisyal masining na pamamaraan na kinikilala ng pamahalaan. Ang ideya ng pambansang pagkakaisa sa patakaran ng mga monarko ay nakapaloob sa mga gawa ng mga klasiko. Ang mga hari at tsar ay nagdala ng mga manunulat na mas malapit sa kanilang sarili, at sila naman, ay niluwalhati sila sa kanilang mga gawa, ipinahayag ang pangangailangan para sa pampublikong serbisyo sa mga interes ng estado. Ang mga prinsipyo ng estado at disiplina, na itinatag sa panahon ng absolutismo, ay nakaimpluwensya rin sa regulasyon sa sining. Ang mga gawa ay nagiging mas malinaw, balanse, matatag, sumusunod sa karaniwang tinatanggap na mga canon ng klasisismo.

Klasisismo

Ang mismong pangalan na "classicism" ay nagbigay-diin sa katotohanan na ang mga kinatawan ng direksyon ay sumunod sa sinaunang "classics". Gayunpaman, hindi natin dapat kalimutan na sa panahon ng Renaissance, ang unang panahon ay iginagalang din. Ang pagkakaiba sa pagpapanatili at pagbabagong-buhay ng sinaunang sining ay sa panahon ng Renaissance, ang pakiramdam ay pinahahalagahan, habang ang mga klasiko, sa kabaligtaran, ay ginusto ang isip.

Alinsunod sa doktrina ng klasisismo, ang panitikan ay dapat magabayan ng mga yari na napakasining na mga halimbawa, kung saan, una sa lahat, ang panitikang Romano ang namuno. Kumuha sila ng mga kuwento mula sa sinaunang mitolohiya at higit sa lahat mula sa kasaysayan ng Roma, mas madalas mula sa Lumang Tipan.

"Ang mga sinaunang may-akda para sa mga bagong manunulat ay isang "paaralan ng kasanayan sa patula," sabi ni Martin Opitz, isang kinatawan ng klasisismo ng Aleman. Ang antigong pamana para sa mga klasikal na artista ay isa ring tiyak na sukat at modelo. “Kailangan natin,” ang sabi ni J. Racine, “patuloy na tanungin ang ating sarili: ano ang sasabihin nina Homer at Virgil kung babasahin nila ang mga talatang ito? Ano kaya ang sasabihin ni Sophocles kung nakita niya itong eksenang ipinakita?

Ang pagbuo at pag-unlad ng klasikong kalakaran ay naganap sa patuloy na pakikibaka at polemiko sa panitikang baroque.

Kung ang pinaka-kapritsoso na mga kumbinasyon at haluang metal ay posible sa mga akdang pampanitikan ng baroque, ang teorya ng klasisismo ay kinokontrol ang imahinasyon ng may-akda. Nalikha ang klasiko buong linya mga kanon at tuntunin na kailangang sundin ng manunulat.

Mga pangunahing patakaran ng klasisismo:

1. Iginiit ng mga klasiko ang kawalang-hanggan ng perpekto ng kagandahan, na nag-udyok sa kanila na sundin ang tradisyon ng mga sinaunang panginoon. Naniniwala sila na kung ang ilang mga panahon ay lumikha ng mga halimbawa ng kagandahan, kung gayon ang gawain ng mga artista ng kasunod na mga panahon ay upang mapalapit sa kanila. Samakatuwid - ang pagtatatag ng mga pangkalahatang tuntunin na kinakailangan para sa artistikong pagkamalikhain.

2. Sa panitikan, nagkaroon ng malinaw na pamamahagi ayon sa ilang mga genre:

- mataas (oda, epiko, trahedya, bayani na tula);

- daluyan (mga akdang pang-agham, elehiya, satire);

- mababa (komedya, mga kanta, mga titik sa prosa, epigrams).

Ang mga tema para sa mga gawa ng matataas na genre ay ang mga kaganapan ng pambansa at kahalagahang pangkasaysayan, ang mga hari ay nakibahagi sa kanila, mga kilalang tao, courtier, atbp. Ang mga matataas na genre ay isinulat sa marangal, solemne na wika. Ang mga tema para sa medium at mababang genre ay agham, kalikasan, bisyo ng tao, bisyo sa lipunan. Ang mga kinatawan ng gitna at mababang uri ay kumilos sa kanila, ang talumpati ay lumapit sa istilong kolokyal. Kung sa matataas na genre ay niluwalhati ang mga ideya ng monarkiya at serbisyo publiko, kung gayon sa gitna at mababang genre ay pinagtibay ang mga ideya ng kaalaman sa mundo at kalikasan ng tao, ang mga bisyo ng lipunan at mga karakter ay naibulalas.

Itinakda ang mga hangganan ng inter-genre, at ang anumang haluang metal sa pagitan ng genre (halimbawa, tragicomedy) ay itinuturing na hindi katanggap-tanggap.

Para sa bawat genre, ang wika at mga karakter ay kinokontrol. Kaya, ang trahedya ng klasisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng kahanga-hanga, kalunos-lunos na pananalita, ang parehong mataas na damdamin, ang mga kabayanihan na personalidad ay binalangkas.

Ginamit sa komedya simpleng pananalita, obligado ang isang satirical jet, kumilos ang mga tauhan sa sambahayan. Ang mga anyo ng genre ng bagong panitikan ay hindi pinansin ng mga klasiko, lalo na ang mga prosa genre, na, sa kabila ng kanilang mahusay na katanyagan sa kontemporaryong panitikan, ay ibinaba sa background sa classicism. Ang mga nangingibabaw na genre ng klasikong panitikan ay oda at trahedya.

3. Ang isang mahalagang elemento sa aesthetics ng klasisismo ay ang doktrina ng katwiran bilang pangunahing pamantayan para sa artistikong katotohanan at kagandahan sa sining. Naniniwala ang mga klasiko na ang mga sinaunang master ay nagtrabaho ayon sa mga batas ng katwiran. Ang mga manunulat sa modernong panahon ay dapat ding sumunod sa mga batas na ito. Dito nagmula ang halos matematikal na katumpakan ng mga alituntunin ng sining ng klasisismo (ang hierarchy ng mga genre, ang pagkakaisa ng dramaturhiya, atbp.). Nag-iwan ito ng imprint ng malamig na dispassion, labis na lohika ng gawain ng mga klasiko.

4. Sa doktrina ng pagiging ganap ng perpekto ng maganda at may rasyonalismo, iniugnay ang pahayag tungkol sa pagiging pangkalahatan ng mga uri ng mga karakter ng tao. Batay sa "Characters" ni Theophrastus, iginiit ng mga klasiko ang kawalan ng pagbabago ng mga karakter ng tao. Samakatuwid, ang mga imahe na kanilang nilikha ay nakikilala sa pamamagitan ng abstractness at universality, ang sagisag ng mga karaniwang tampok lamang, at hindi mga indibidwal na tampok. Ang mga karakter ay halos hindi malinaw - sila ay binuo sa paligid ng imahe ng ilang nangungunang katangian ng karakter (karangalan, tungkulin, tapang, pagkukunwari, kasakiman, atbp.).

5. Ang mga karakter ay malinaw na nahahati sa positibo at negatibo.

6. Ang mga dramatikong akda (trahedya, komedya) ay sumunod sa tuntunin ng tatlong pagkakaisa - oras, lugar at aksyon. Ang dula ay muling ginawa ang mga pangyayaring naganap sa loob ng isang araw at sa isang lugar.

7. Ang isang malinaw na komposisyon ay dapat bigyang-diin ang lohika ng intensyon ng may-akda at ilang mga tampok ng mga karakter.

8. Ang klasiko sa kabuuan ay nailalarawan sa pamamagitan ng aristokrasya, oryentasyon sa mga kinakailangan, panlasa ng pinakamataas na antas ng lipunan, kahit na ang ilang mga kinatawan ng klasisismo ay lumabag sa panuntunang ito (halimbawa, Moliere)

9. Ang aesthetic na halaga para sa mga klasiko ay hindi sapat para lamang sa walang hanggan, walang tiyak na oras, tulad ng mga gawa ng sinaunang panahon. Kasunod ng mga sinaunang may-akda, ang mga klasiko mismo ay lumikha ng "walang hanggan" na mga imahe na magpakailanman na pumasok sa kaban ng panitikan sa mundo (Tartuffe, Sid, Horace, Phaedra, Andromache, ang mangangalakal - maharlika, kuripot, atbp.).

Iginiit ng mga klasiko ang tungkuling pang-edukasyon ng panitikan at sining. Bukod dito, ang paraan ng pagtuturo ng "magandang panlasa" ay hindi didacticism o moralizing. Upang turuan ang isang tao ay may kasiyahan na dapat ibigay ng sining.

Mga yugto ng pag-unlad ng klasisismo

Sa kasaysayan, ang klasisismo ay dumaan sa dalawang yugto. Ang unang yugto ay nauugnay sa pag-usbong ng mga monarkiya na estado, nang ang absolutismo ay nag-ambag sa pag-unlad ng lahat ng larangan ng lipunan (ekonomiya, pulitika, agham, kultura). Ang pangunahing gawain ng mga klasiko sa yugtong ito ay ang pagluwalhati sa monarkiya, ang pambansang pagkakaisa ng estado sa ilalim ng pamamahala ng hari. Halimbawa, si Francois Malherbe (1555 - 1628), pinagtibay ni Pierre Corneille ang ideyal ng isang matalinong monarko at ang kanyang mga tapat na sakop. Lalo na sikat ang mga imahe ni Corneille - Sid ("Sid" - 1673), Augustus ("Cinna, o ang Awa ni Augustus"), atbp.

Sa ikalawang yugto Makasaysayang pag-unlad ibinunyag ng monarkiya ang mga pagkukulang nito, na humantong sa pagbabago sa direksyon ng klasisismo. Ang mga manunulat ay hindi lamang niluwalhati ang mga monarko at ang mga panahon ng kanilang paghahari, ngunit pinuna rin ang mga bisyo sa lipunan, tinuligsa ang mga bisyo ng tao, bagaman hindi nila itinanggi ang absolutismo sa kabuuan. Kung sa unang yugto ay nangingibabaw ang oda, epiko, bayanihang tula, at ang mga masining na imahe ay marilag at dakila, kung gayon sa ikalawang yugto ang mga karakter ng mga bayani ay higit na katulad ng totoong tao, mga komedya, satire, epigram, atbp. ang nauna.

Konklusyon. Kaya sa sa mga pangkalahatang tuntunin ilagay ang classicism - hindi lamang bilang isang trend sa panitikan at sining ng XVII-XVIII siglo, ngunit din ng isang uri ng artistikong pagkamalikhain na may tiyak na mga prinsipyo, isang kahulugan at pag-unawa sa anyo, bilang isa sa mga constants ng European artistikong kultura. Sa Ukraine, ang ganitong uri ng artistikong pagkamalikhain ay lumitaw sa pagbagsak ng Kiev-Mohyla Academy (1632) at naging laganap sa pagtatapos ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo.

KlasisismoXVIIsa. At ang klasisismo ng paliwanag (maagaXVIIsa.). Ang panahon ng absolutismo sa France sa ilalim ni LouisXIV. Sibil na klasiko (tradisyon ng sinaunang Romano) at akademiko (korte, nauugnay sa Baroque). Ang kalubhaan at geometric na simetrya ng mga klasikal na anyo, matibay na artistikong canon, pagpigil. Ang primacy ng tungkulin kaysa sa pakiramdam, pangangatwiran kaysa sa puso. Dakila at kabayanihan, ang pagluwalhati ng mga larawan ng katapangan at makabayan na makabayan. Mag-apela para sa mga katulad na halimbawa sa sinaunang panahon (Poussin). Ang ideya ng pagkakaisa sa pagitan ng sining at kalikasan. Mga eksenang Arcadian sa Poussin at Lorrain.

sining ng Pranses noong ika-17 siglo

Ang ika-17 siglo ay ang panahon ng pagbuo ng isang estado ng Pransya, ang bansang Pranses. Sa ikalawang kalahati ng siglo, ang France ang pinakamakapangyarihang absolutist na kapangyarihan sa Kanlurang Europa. Ito rin ang panahon ng pagbuo ng French national school sa visual arts, ang pagbuo ng classicist trend, na ang lugar ng kapanganakan ay nararapat na itinuturing na France.

sining ng Pranses noong ika-17 siglo ay batay sa mga tradisyon ng French Renaissance. Sa larangan ng sining, ang proseso ng pagbuo ng klasisismo ay hindi gaanong pinag-isa.

Sa arkitektura, ang mga unang tampok ng bagong istilo ay nakabalangkas. Sa Palasyo ng Luxembourg, na itinayo para sa balo ni Henry IV, ang regent na si Marie de Medici (1615-1621), ni Salomon de Bros, marami ang kinuha mula sa Gothic at Renaissance, ngunit ang harapan ay naipahayag na sa isang order, na kung saan ay maging tipikal para sa klasisismo.

Sa pagpipinta at graphics, ang sitwasyon ay mas kumplikado, dahil ang mga impluwensya ng Mannerism, Flemish at Italian Baroque ay magkakaugnay dito. Ang gawain ng kahanga-hangang draftsman at engraver na si Jacques Callot (1593-1635), na nagtapos ng kanyang pag-aaral sa Italya at bumalik sa kanyang katutubong Lorraine noong 1621, ay malinaw na naiimpluwensyahan ng Marierism, ang pinakasikat na mga gawa ay dalawang serye ng mga ukit na "The Disasters of War" (pinag-uusapan natin ang tungkol sa 30 Years War)

Walang awa na mga larawan ng kamatayan, karahasan, pagnanakaw.

Malinaw na makikita ang impluwensya ng sining ng Dutch sa gawa ng mga pintor ng magkapatid na Le Nain, lalo na si Louis Le Nain. Inilalarawan ni Louis Le Nain (1593-1648) ang mga magsasaka na walang pastorality, walang exoticism sa kanayunan, nang hindi nahuhulog sa tamis at lambing.

Georges de Latour (1593-1652). Sa kanyang mga unang gawa sa mga tema ng genre, si Latour ay lumilitaw bilang isang artist na malapit sa Caravaggio (Sharp, Fortune Teller).

Nasa unang bahagi na ng kanyang mga gawa, ang isa sa mga pinakamahalagang katangian ng Latour ay ipinakita: ang hindi mauubos na pagkakaiba-iba ng kanyang mga imahe, ang ningning ng kulay, ang kakayahang lumikha ng mga monumental na makabuluhang imahe sa pagpipinta ng genre.

Ang ikalawang kalahati ng 30s-40s ay ang panahon ng pagiging malikhain ni Latour. Sa panahong ito, siya ay nagiging mas kaunti sa mga paksa ng genre, karamihan ay nagpinta ng mga relihiyosong pagpipinta. Ang masining na wika ng Latour ay isang harbinger ng istilong klasiko: mahigpit, nakabubuo na kalinawan, kalinawan ng komposisyon, balanse ng plastik ng mga pangkalahatang anyo, hindi nagkakamali na integridad ng silweta, estatika.

Klasisismo lumitaw sa tuktok ng panlipunang pagsulong ng bansang Pranses at estado ng Pransya. Ang batayan ng teorya ng klasisismo ay rasyonalismo, batay sa pilosopikal na sistema ni Descartes, ang paksa ng klasikal na sining ay ipinahayag lamang ang maganda at ang kahanga-hanga, sinaunang panahon ay nagsilbi bilang isang etikal at aesthetic na ideal.

Ang lumikha ng classicist trend sa French painting noong ika-17 siglo. naging Nicolas Poussin (1594-1665). Ang mga tema ng mga canvases ni Poussin ay magkakaiba: mitolohiya, kasaysayan, Bago at Lumang Tipan. Ang mga bayani ng Poussin ay mga taong may malakas na karakter at maringal na mga gawa, isang mataas na pakiramdam ng tungkulin sa lipunan at estado.

Sukat at kaayusan, ang balanseng komposisyon ay naging batayan ng nakalarawang gawain ng klasisismo. Makinis at malinaw na linear na ritmo, statuary plasticity, kung ano sa wika ng mga art historian ay tinatawag na "linear-plastic na simula", perpektong ihatid ang kalubhaan at kamahalan ng mga ideya at karakter. Ang kulay ay binuo sa consonance ng malakas, malalim na tono. Ganito ang "Kamatayan ni Germanicus",

"Tancred at Erminia".

Ang pagpipinta na "Tancred at Erminia" ay walang direktang paglalarawan. Ang komposisyon ay mahigpit na balanse. Ang form ay pangunahing nilikha sa pamamagitan ng line, contour, light at shade modeling. Ang lahat ay makatang kahanga-hanga, sukat at kaayusan ang naghahari sa lahat.

Ang pagkakaisa ng tao at kalikasan, isang masayang maayos na pananaw sa mundo ay katangian ng kanyang mga kuwadro na "The Kingdom of Flora" (1632),

"Natutulog na Venus"

"Venus at satyr".

Sa kanyang bacchanalia ay walang Titianian sensual joy of being, ang sensual na elemento dito ay pinaypayan ng kalinisang-puri, kaayusan, mga elemento ng lohika, ang kamalayan ng hindi magagapi na kapangyarihan ng isip ay pinalitan ang elemental na prinsipyo, lahat ay nakakuha ng mga tampok ng heroic, dakila. kagandahan.

Ang unang yugto ng gawain ni Poussin ay nagtatapos nang ang tema ng kamatayan, kahinaan at makalupang walang kabuluhan ay sumabog sa kanyang bucolic na interpretasyon ng mga tema. Ang bagong mood na ito ay maganda na ipinahayag sa kanyang mga Shepherds of Arcadia.

Mula sa katapusan ng 1940s hanggang 1950s, ang hanay ng mga kulay ng Poussin, na binuo sa ilang mga lokal na kulay, ay naging mas maramot. Ang pangunahing diin ay sa pagguhit, mga sculptural form, plastic completeness. Ang liriko na spontaneity ay umalis sa mga larawan, lumilitaw ang ilang lamig at abstraction. Ang pinakamaganda sa yumaong Poussin ay ang kanyang mga landscape. Si Poussin ang lumikha ng klasikong perpektong tanawin sa kabayanihan nitong anyo. Ang kabayanihan na tanawin ng Poussin (tulad ng anumang klasikong tanawin) ay hindi tunay na kalikasan, ngunit "pinabuting" kalikasan, na binubuo ng artista. Bandang 1648, isinulat ni Poussin ang "Landscape with Polyphemus",

kung saan ang pakiramdam ng pagkakaisa ng mundo, na malapit sa sinaunang alamat, marahil, ay ipinakita ang sarili nang malinaw at direkta. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, lumikha si Poussin ng isang kahanga-hangang siklo ng mga kuwadro na "The Seasons" (1660-1665), na walang alinlangan na may simbolikong kahulugan at nagpapakilala sa mga panahon ng pag-iral ng tao sa lupa.

Ang liriko na linya ng klasikal na idealized na tanawin ay binuo sa gawa ni Claude Lorrain (1600-1682). Ang tanawin ng Lorrain ay karaniwang may kasamang mga motif ng dagat, mga sinaunang guho, malalaking kumpol ng mga puno, kung saan inilalagay ang maliliit na pigura ng mga tao. Sa bawat oras na ang mga canvases ni Lorrain ay nagpapahayag ng ibang pakiramdam ng kalikasan, na may kulay na may matinding emosyonalidad. Ito ay nakamit pangunahin sa pamamagitan ng pag-iilaw. Ang hangin at liwanag ang pinakamalakas na aspeto ng talento ni Lorren.

Ang parehong mga artista ay nanirahan sa Italya, malayo sa pangunahing customer ng sining - ang korte. Iba't ibang uri ng sining ang umunlad sa Paris - opisyal, seremonyal, nilikha ng mga artista tulad ni Simon Vouet (1590-1649). Ang pandekorasyon, maligaya, solemne na sining ng Vouet ay eclectic, dahil pinagsasama nito ang mga pathos ng baroque art sa rationality ng classicism. Ngunit ito ay isang mahusay na tagumpay sa korte at nag-ambag sa pagbuo ng isang buong paaralan.

Mula sa simula ng independiyenteng paghahari ni Louis XIV, i.e., mula sa 60s ng ika-17 siglo, isang napakahalagang proseso ng regulasyon, kumpletong subordination at kontrol ng maharlikang awtoridad ang naganap sa sining, na napakahalaga para sa karagdagang pag-unlad nito. Nilikha noong 1648 Academy of Painting and Sculpture nasa ilalim na ngayon ng opisyal na hurisdiksyon ng unang ministro ng hari. Noong 1671 itinatag Academy of Architecture. Ang kontrol ay itinatag sa lahat ng uri ng buhay-sining. Opisyal na nagiging nangungunang istilo ng lahat ng sining ang klasiko.

Ang genre ng pagpipinta ay umuunlad din, na, sa pamamagitan ng mismong mga detalye nito, ay tila ang pinakamalayo sa pagkakaisa - ang portrait na genre. Ito ay, siyempre, isang pormal na larawan. Sa unang kalahati ng siglo, ang larawan ay napakalaki, marilag, ngunit simple din sa mga accessories, tulad ng sa pagpipinta ni Philippe de Champaigne (1602-1674). Sa ikalawang kalahati ng siglo, na nagpapahayag ng mga pangkalahatang uso sa pag-unlad ng sining, ang larawan ay nagiging mas at mas kahanga-hanga. Ang mga ito ay kumplikadong alegorikal na mga larawan. Sa Pierre Mignard (1612-1695) - karamihan ay babae. Lalo na sikat si Hyacinthe Rigaud (1659-1743) sa kanyang mga larawan ng hari. Ang pinaka-kawili-wili sa mga tuntunin ng scheme ng kulay ay ang mga larawan ni Nicolas Largillière (1656-1746).

Sa pagtatapos ng paghahari ni Louis XIV, ang mga bagong uso, mga bagong tampok ay lumitaw sa sining ng "grand style", at ang sining ng ika-18 siglo. upang umunlad sa ibang direksyon.