Impresyonismo sa French Painting. Ang pangunahing katangian ng impresyonismo Impresyonismo sa tema ng sining

Ang lahat ay may mga pinagmulan sa isang lugar sa nakaraan, kabilang ang mga painting na nagbago sa panahon, at ang kasalukuyang mga uso ay malayo sa malinaw sa lahat. Ngunit ang lahat ng bago ay nakalimutan nang husto, at upang maunawaan ang kontemporaryong pagpipinta, hindi na kailangang malaman ng isang tao ang kasaysayan ng sining mula sa sinaunang panahon, sapat lamang na alalahanin ang pagpipinta noong ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay panahon ng pagbabago hindi lamang sa kasaysayan, kundi pati na rin sa sining. Lahat ng nauna: klasisismo, romantikismo, at higit pa sa akademya - mga agos na nililimitahan ng ilang partikular na limitasyon. Sa France noong 1950s at 1960s, ang mga uso sa pagpipinta ay itinakda ng opisyal na Salon, ngunit ang tipikal na "Salon" na sining ay hindi angkop sa lahat, at ipinaliwanag nito ang mga bagong uso na lumitaw. Sa pagpipinta noong panahong iyon ay nagkaroon ng isang rebolusyonaryong pagsabog, na sinira ng mga siglo-lumang tradisyon at pundasyon. At ang isa sa mga epicenter ay ang Paris, kung saan noong tagsibol ng 1874 ang mga batang pintor, kasama sina Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir at Cezanne, ay nag-organisa ng kanilang sariling eksibisyon. Ang mga gawang ipinakita doon ay ganap na naiiba sa mga salon. Gumamit ang mga artista ng ibang paraan - ang mga reflexes, anino at liwanag ay inihatid ng mga purong kulay, hiwalay na mga stroke, ang hugis ng bawat bagay ay tila natutunaw sa kapaligiran ng liwanag ng hangin. Walang ibang direksyon sa pagpipinta ang nakakaalam ng mga ganitong pamamaraan. Ang mga epektong ito ay nakatulong upang maipahayag hangga't maaari ang kanilang mga impresyon sa patuloy na nagbabagong mga bagay, kalikasan, mga tao. Tinawag ng isang mamamahayag ang grupong "Impresyonista", kaya gusto niyang ipakita ang kanyang paghamak sa mga batang artista. Ngunit tinanggap nila ang terminong ito, at kalaunan ay nag-ugat ito at pumasok sa aktibong paggamit, nawala ang negatibong kahulugan nito. Ganito lumitaw ang impresyonismo, hindi katulad ng lahat ng iba pang uso sa pagpipinta noong ika-19 na siglo.

Sa una, ang reaksyon sa pagbabago ay higit pa sa pagalit. Masyadong matapang at bagong pagpipinta walang gustong bumili, at sila ay natakot, dahil ang lahat ng mga kritiko ay hindi sineseryoso ang mga Impresyonista, sila ay pinagtawanan. Marami ang nagsabi na ang mga artista ng Impresyonista ay nais na makamit ang mabilis na katanyagan, hindi sila nasiyahan sa matalim na pahinga sa konserbatismo at akademiko, pati na rin ang hindi natapos at "palutang" hitsura ng trabaho. Ngunit kahit gutom at kahirapan ay hindi mapipilit ang mga artista na talikuran ang kanilang mga paniniwala, at nagpatuloy sila hanggang sa tuluyang makilala ang kanilang pagpipinta. Ngunit napakatagal ng paghihintay para sa pagkilala, ang ilang mga impresyonistang artista ay hindi na buhay noon.

Bilang resulta, ang kalakaran na nagmula sa Paris noong dekada 60 ay may malaking kahalagahan para sa pag-unlad ng mundo Sining XIX at XX siglo. Pagkatapos ng lahat, ang mga uso sa hinaharap sa pagpipinta ay tiyak na tinanggihan mula sa impresyonismo. Ang bawat kasunod na istilo ay lumitaw sa paghahanap ng bago. Ang Post-Impresyonismo ay ipinanganak ng parehong mga Impresyonista na nagpasya na ang kanilang pamamaraan ay limitado: ang malalim at hindi maliwanag na simbolismo ay isang tugon sa pagpipinta na "nawalan ng kahulugan", at ang Art Nouveau, kahit na ang pangalan nito, ay nanawagan para sa isang bago. Siyempre, maraming pagbabago ang naganap sa sining mula noong 1874, ngunit lahat modernong uso sa pagpipinta, sa isang paraan o iba pa, nagsisimula sila sa isang panandaliang impresyon sa Paris.

French-impression): masining na direksyon, na lumitaw sa France noong 60s - 70s ng ika-19 na siglo. at natanggap ang pinaka matingkad na sagisag sa easel fine art. Ang mga Impressionist ay nakabuo ng mga bagong diskarte sa pagpipinta - mga anino ng kulay, paghahalo ng kulay, maliwanag na pangkulay, pati na rin ang pagkabulok ng mga kumplikadong tono sa mga purong tono (ang kanilang pagpapataw sa canvas sa magkahiwalay na mga stroke ay nagbigay ng kanilang optical mixing sa mga mata ng manonood). Hinahangad nilang ihatid ang kagandahan ng mga panandaliang estado ng kalikasan, ang pagkakaiba-iba at kadaliang kumilos ng nakapaligid na buhay. Nakatulong ang mga diskarteng ito na maihatid ang pakiramdam ng kumikinang na sikat ng araw, ang mga vibrations ng liwanag at hangin, lumikha ng impresyon ng isang maligaya na nilalang, ang pagkakaisa ng mundo. Ginamit din ang mga impresyonistang pamamaraan sa iba pang anyo ng sining. Sa musika, halimbawa, nag-ambag sila sa paghahatid ng mga pinaka banayad na espirituwal na paggalaw at panandaliang mood.

Mahusay na Kahulugan

Hindi kumpletong kahulugan ↓

Impresyonismo

mula sa Pranses impression - impression) Isang trend sa sining na lumitaw sa France noong huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. Ang mga pangunahing kinatawan ng I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, pati na rin sina Edouard Manet, Edgar Degas at ilang iba pang mga artist na katabi nila. Ang pagbuo ng isang bagong istilo ng I. ay naganap noong 60-70s, at sa unang pagkakataon bilang isang bagong direksyon na sumasalungat sa sarili sa akademikong Salon, idineklara ng mga Impresyonista ang kanilang sarili sa kanilang unang eksibisyon noong 1874. Sa partikular, si C. Ang pagpipinta ni Monet na “Impresyon . Soleil levant" (1872). Ang opisyal na pagpuna sa sining ay negatibong tumugon sa bagong direksyon at mapanuksong "binyagan" ang mga kinatawan nito na "Impresyonista", na inaalala ang pagpipinta ni Monet, na partikular na ikinairita nila. Gayunpaman, ang pangalan ay sumasalamin sa kakanyahan ng direksyon, at tinanggap ito ng mga kinatawan nito bilang opisyal na pagtatalaga iyong pamamaraan. Ang impresyonismo ay hindi nagtagal bilang isang mahalagang kalakaran - mula 1874 hanggang 1886, nang ang 8 magkasanib na eksibisyon ay inorganisa ng mga Impresyonista. Opisyal na pagkilala ng mga connoisseurs ng sining at pagpuna sa sining dumating nang maglaon - noong kalagitnaan lamang ng dekada 90. I. ay nagkaroon, na naging malinaw na sa susunod na siglo, ng malaking epekto sa buong kasunod na pag-unlad ng sining (at masining na kultura pangkalahatan). Sa katunayan, nagsimula ito sa panimula bagong yugto artistikong kultura, na humantong sa gitna. XX siglo sa POST-kultura (tingnan ang: POST-), i.e. sa paglipat ng Kultura sa ilang pangunahing naiibang kalidad. Si O. Spengler, na nagpalawak ng konsepto ng I. sa kultura, ay itinuturing itong isa sa mga tipikal na palatandaan ng "pagbaba ng Europa", iyon ay, ang pagkasira ng integridad ng pananaw sa mundo, ang pagkawasak ng tradisyonal na itinatag. kulturang Europeo. Sa kabaligtaran, ang mga avant-gardist (tingnan ang: Vanguard) noong unang bahagi ng ika-20 siglo. nakita sa I. ang kanilang nangunguna, na nagbukas ng mga bagong abot-tanaw para sa sining, ay pinalaya ito mula sa mga di-sining na gawain, mula sa mga dogma ng positivism, akademiko, realismo, atbp., na hindi maaaring sumang-ayon. Ang mga Impresyonista mismo, bilang mga purong pintor, ay hindi nag-isip tungkol sa gayong pandaigdigang kahalagahan ng kanilang eksperimento. Hindi man lang sila nagsumikap para sa isang espesyal na rebolusyon sa sining. Nakita lang nila ang mundo sa kanilang paligid sa isang bahagyang naiibang paraan kaysa sa nakita ito ng mga opisyal na kinatawan ng Salon, at sinubukang pagsamahin ang pangitain na ito na may puro larawang paraan. Kasabay nito, umasa sila sa mga artistikong pagtuklas ng kanilang mga nauna - una sa lahat, Pranses na pintor ika-19 na siglo Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizon". Si C. Monet, na bumisita sa London noong 1871, ay labis na humanga sa mga gawa ni W. Turner. Bilang karagdagan, pinangalanan mismo ng mga Impresyonista sa mga nauna sa kanila ang mga klasikong Pranses na Poussin, Lorrain, Chardin, at Japanese color engraving noong ika-18 siglo, at nakikita ng mga kritiko ng sining ang mga katangian ng pagiging malapit sa mga Impresyonista sa mga artistang Ingles T. Gainsborough at J. Constable, hindi banggitin si W. Turner. Ang mga Impresyonista ay nagpawalang-bisa ng isang serye mga diskarte sa pagpipinta ang mga ito iba't ibang artista at nilikha sa batayan na ito ng isang magkakaugnay na sistema ng istilo. Sa kaibahan sa mga "akademiko", ang mga Impresyonista ay inabandona ang tematikong paunang natukoy (pilosopikal, moral, relihiyon, sosyo-politikal, atbp.) ng sining, mula sa maalalahanin, pinag-isipan at malinaw na sinusubaybayang mga komposisyon ng balangkas, iyon ay, nagsimula silang lumaban sa pangingibabaw ng "panitikan" sa pagpipinta, na nakatuon sa mga partikular na paraan ng larawan - sa kulay at liwanag; umalis sila sa mga workshop para sa open air, kung saan sinubukan nilang simulan at tapusin ang trabaho sa isang partikular na gawain sa isang sesyon; tumanggi sila madidilim na kulay at kumplikadong mga tono (lupa, "aspalto" na mga kulay) na katangian ng sining ng Bagong Panahon, lumilipat sa mga purong maliliwanag na kulay (ang kanilang palette ay limitado sa 7-8 na kulay), madalas na inilalagay sa canvas sa magkahiwalay na mga stroke, sinasadya na umaasa sa kanilang optical paghahalo na sa viewer's psyche kung ano ang nakamit ang epekto ng espesyal na pagiging bago at immediacy; kasunod ni Delacroix, pinagkadalubhasaan at pinawalang-bisa nila ang anino ng kulay, ang paglalaro ng mga pagmuni-muni ng kulay sa iba't ibang mga ibabaw; ginawang dematerialized ang bagay ng nakikitang mundo, na dissolving ito sa light-air medium, na katumbas ng pangunahing paksa ang kanilang atensyon bilang mga purong pintor; talagang tinalikuran nila ang genre approach sa visual arts, na itinuon ang lahat ng atensyon nila sa pictorial transmission ng kanilang subjective impression ng random na nakikitang fragment ng realidad - mas madalas na landscape (tulad ng sa Monet, Sisley, Pissarro), mas madalas mag-plot ng mga eksena ( tulad ng sa Renoir, Degas). Kasabay nito, madalas nilang sinubukang ihatid ang impresyon na may halos ilusyonistang katumpakan ng pagtutugma ng kulay-liwanag-hangin na kapaligiran ng itinatanghal na fragment at sandali. nakikitang katotohanan. Ang randomness ng anggulo ng view sa isang fragment ng kalikasan na iluminado ng artistikong paningin, atensyon sa pictorial na kapaligiran, at hindi sa paksa, madalas na humantong sa kanila sa matapang na komposisyonal na mga desisyon, matalas na hindi inaasahang mga anggulo ng view, mga pagbawas na nagpapagana sa pang-unawa ng viewer, atbp. effect, marami sa mga ito ay ginamit ng mga kinatawan ng iba't ibang avant-garde na paggalaw. Ang I. ay naging isa sa mga direksyon ng "purong sining" sa huling bahagi ng ika-19 na siglo, na ang mga kinatawan ay isinasaalang-alang ang masining at aesthetic na prinsipyo bilang pangunahing bagay sa sining. Nadama ng mga Impresyonista ang hindi maipaliwanag na kagandahan ng maliwanag na kulay-hangin na kapaligiran materyal na mundo at sinubukan nang may halos dokumentaryo na katumpakan (para dito kung minsan ay inaakusahan sila ng naturalismo, na sa pangkalahatan ay halos hindi makatwiran) upang makuha ito sa kanilang mga canvases. Sa pagpipinta, sila ay isang uri ng mga optimistikong panteista, ang mga huling mang-aawit ng walang malasakit na kagalakan ng pag-iral sa lupa, mga sumasamba sa araw. Gaya ng isinulat ng neo-impressionist na si P. Signac nang may paghanga, sila ay “napupuno ng sikat ng araw sa buong larawan; ang hangin sa loob nito ay umiindayog, ang liwanag ay bumabalot, humahaplos, nagkakalat ng mga anyo, tumagos sa lahat ng dako, maging sa rehiyon ng anino. Mga tampok ng istilo ng I. sa pagpipinta, lalo na ang pagnanais para sa pagpipino masining na imahe Ang mga panandaliang impression, pangunahing sketchiness, pagiging bago ng direktang pang-unawa, atbp. ay naging malapit sa mga kinatawan ng iba pang mga uri ng sining noong panahong iyon, na humantong sa pagkalat ng konseptong ito sa panitikan, tula, at musika. Gayunpaman, sa mga ganitong uri ng sining ay walang espesyal na direksyon ng I., bagaman marami sa mga tampok nito ay matatagpuan sa mga gawa ng isang bilang ng mga manunulat at kompositor ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. ika-20 siglo Ang mga elemento ng impresyonistikong aesthetics tulad ng malabo ng anyo, pag-aayos ng pansin sa maliwanag ngunit random na mga detalye ng panandalian, innuendo, hindi malinaw na mga pahiwatig, atbp., ay likas sa gawain ni G. de Maupassant, A.P. Chekhov, maagang T. Mann, R.- M. Rilke, ngunit lalo na - sa magkapatid na J. at E. Goncourt, mga kinatawan ng tinatawag na "psychological I", bahagyang - kay K. Hamsun. Si M. Proust at ang mga manunulat ng "stream ng kamalayan" ay umasa sa mga impresyonistikong pamamaraan, na makabuluhang nagpapaunlad sa kanila. Sa musika, ang mga kompositor na Pranses na sina C. Debussy, M. Ravel, P. Duc, at ilang iba pa, na gumamit ng istilo at aesthetics ng I. sa kanilang trabaho, ay itinuturing na mga impresyonista. Ang kanilang musika ay puno ng mga direktang karanasan ng kagandahan at liriko ng tanawin, halos imitasyon ng paglalaro ng mga alon ng dagat o kaluskos ng mga dahon, ang bucolic charm ng mga sinaunang mitolohiyang plot, ang kagalakan ng panandaliang buhay, ang pagsasaya ng pag-iral sa lupa, ang kasiyahan sa walang katapusang paglalaro ng sound matter. Tulad ng mga pintor, pinapalabo nila ang marami sa mga tradisyonal mga genre ng musika, pinupunan ang mga ito ng ibang nilalaman, dagdagan ang pansin sa mga puro aesthetic effect wikang musikal, makabuluhang pinayaman ang palette ng nagpapahayag at visual na paraan ng musika. "Nalalapat ito lalo na, - isinulat ng musicologist na si I.V. Nestiev, - sa globo ng pagkakatugma sa pamamaraan nito ng mga parallelism at kakaibang string ng hindi nalutas na mga makukulay na harmonies-spot. Ang mga Impresyonista ay makabuluhang pinalawak ang modernong sistema ng tonal, na nagbigay daan para sa maraming mga makabagong pagbabago noong ika-20 siglo. (bagaman kapansin-pansing pinahina nila ang kalinawan mga functional na koneksyon). Ang komplikasyon at pamamaga ng mga chord complex (nonchords, undecimaccords, alternative fourth harmonies) ay pinagsama sa pagpapasimple, archaization ng modal thinking (natural mode, pentatonic, whole-tone complexes). Ang orkestrasyon ng mga impresyonistang kompositor ay pinangungunahan ng mga purong kulay, mga kakaibang highlight; Ang woodwind solos, harp passages, complex string divisi, at con sordino effects ay kadalasang ginagamit. Karaniwan at puro pandekorasyon, pantay na dumadaloy na mga background ng ostinato. Ang ritmo ay minsan hindi matatag at mailap. Ang himig ay nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga bilugan na mga konstruksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga maikling nagpapahayag na mga parirala-mga simbolo, mga stratification ng mga motif. Kasabay nito, sa musika ng mga Impresyonista, ang kahalagahan ng bawat tunog, timbre, at chord ay lubhang pinahusay, at walang limitasyong mga posibilidad para sa pagpapalawak ng mode ay ipinahayag. Ang isang espesyal na pagiging bago sa musika ng mga Impresyonista ay ibinigay ng madalas na pag-apila sa mga genre ng kanta at sayaw, ang banayad na pagpapatupad ng modal, ritmikong mga elemento na hiniram mula sa alamat ng mga tao ng Silangan, Espanya, sa mga unang anyo ng Negro jazz " ( Music Encyclopedia. T. 2, M., 1974. Stb. 507). Ang paglalagay ng atensyon ng artist sa matalinghaga at nagpapahayag na paraan ng sining at tumutuon sa hedonistic at aesthetic function ng sining, I. nagbukas ng mga bagong pananaw at pagkakataon para sa artistikong kultura, na lubos niyang sinamantala (at kahit minsan ay sobra-sobra) noong ika-20 siglo. Lit.: Venturi L. Mula sa Manet hanggang Lautrec. M., 1938; Rewald J. Kasaysayan ng Impresyonismo. L.-M., 1959; Impresyonismo. Mga sulat ng mga artista. L., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. L.B.

Ang pariralang "Russian Impressionism" isang taon lamang ang nakalipas ay pumutol sa tainga ng karaniwang mamamayan ng ating malawak na bansa. Bawat edukadong tao alam ang tungkol sa liwanag, liwanag at matulin impresyonismong Pranses, maaaring makilala ang Monet mula sa Manet at makilala ang mga sunflower ni Van Gogh mula sa lahat ng buhay pa. May nakarinig ng isang bagay tungkol sa sangay ng Amerika ng pag-unlad ng direksyong ito ng pagpipinta - mas urban kumpara sa mga tanawin ng Pransya ng Hassam at mga larawan ng Chase. Ngunit ang mga mananaliksik ay nagtatalo tungkol sa pagkakaroon ng impresyonismo ng Russia hanggang sa araw na ito.

Konstantin Korovin

Ang kasaysayan ng impresyonismo ng Russia ay nagsimula sa pagpipinta na "Portrait of a chorus girl" ni Konstantin Korovin, pati na rin sa hindi pagkakaunawaan at pagkondena sa publiko. Noong una kong nakita ang gawaing ito, hindi agad naniwala si I. E. Repin na ang gawain ay ginawa ng isang pintor ng Russia: "Kastila! Nakita ko. Matapang na nagsusulat si juicy. Kahanga-hanga. Ngunit ito ay pagpipinta lamang para sa kapakanan ng pagpipinta. Kastila, gayunpaman, may pag-uugali ... ". Si Konstantin Alekseevich mismo ay nagsimulang magpinta ng kanyang mga canvases sa isang impresyonistikong paraan kasing aga ng kanyang mga taon ng mag-aaral, na hindi pamilyar sa mga pagpipinta ng Cezanne, Monet at Renoir, bago pa man ang kanyang paglalakbay sa France. Dahil lamang sa karanasang mata ni Polenov nalaman ni Korovin na ginagamit niya ang pamamaraan ng Pranses noong panahong iyon, na intuitively niyang natutunan. Kasabay nito, ang Russian artist ay binibigyan ng mga paksa na ginagamit niya para sa kanyang mga pagpipinta - ang kinikilalang obra maestra na "Northern Idyll", na isinulat noong 1892 at nakaimbak sa Tretyakov Gallery, ay nagpapakita sa amin ng pagmamahal ni Korovin sa mga tradisyon at alamat ng Russia. Ang pag-ibig na ito ay itinanim sa artist ng "Mammoth Circle" - isang komunidad ng mga creative intelligentsia, na kinabibilangan nina Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel at marami pang ibang kaibigan ng sikat na pilantropo na si Savva Mamontov. Sa Abramtsevo, kung saan matatagpuan ang ari-arian ni Mamontov at kung saan nagtipon ang mga miyembro ng art circle, masuwerte si Korovin na makatagpo at makatrabaho si Valentin Serov. Salamat sa kakilala na ito, ang gawain ng nakamit na artist na si Serov ay nakakuha ng mga tampok ng liwanag, maliwanag at mapusok na impresyonismo, na nakikita natin sa isa sa kanyang mga gawa. maagang mga gawa- "Bukas na bintana. Lila".

Larawan ng isang batang babae ng koro, 1883

Northern idyll, 1886

Bird cherry, 1912

Gurzuf 2, 1915

Pier sa Gurzuf, 1914

Paris, 1933

Valentin Serov

Ang pagpipinta ni Serov ay napuno ng isang tampok na likas lamang sa impresyonismo ng Russia - ang kanyang mga kuwadro ay sumasalamin hindi lamang sa impresyon ng kung ano ang nakita ng artist, kundi pati na rin ang estado ng kanyang kaluluwa sa sa sandaling ito. Halimbawa, sa pagpipinta na "St. Mark's Square sa Venice", na ipininta sa Italya, kung saan pumunta si Serov noong 1887 dahil sa isang malubhang sakit, ang malamig na kulay-abo na tono ay nangingibabaw, na nagbibigay sa amin ng ideya ng kalagayan ng artist. Ngunit, sa kabila ng medyo madilim na palette, ang larawan ay isang sanggunian na impresyonistikong gawa, dahil dito pinamamahalaan ni Serov na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito, upang maihatid ang kanyang mga panandaliang impression. Sa isang liham sa kanyang nobya mula sa Venice, isinulat ni Serov: "Sa nitong siglo isinulat nila ang lahat ng mabigat, walang nakapagpapatibay. Gusto ko, gusto ko kung ano ang kasiya-siya, at isusulat ko lamang kung ano ang kasiya-siya."

Bukas na bintana. Lilac, 1886

St. Mark's Square sa Venice, 1887

Batang babae na may mga milokoton (Larawan ni V. S. Mamontova)

Koronasyon. Kumpirmasyon ni Nicholas II sa Assumption Cathedral, 1896

Batang babae na pinaliwanagan ng araw, 1888

Pagpaligo ng kabayo, 1905

Alexander Gerasimov

Ang isa sa mga mag-aaral ng Korovin at Serov, na nagpatibay ng kanilang nagpapahayag na brushstroke, maliwanag na palette at estilo ng pagsulat ng etude, ay si Alexander Mikhailovich Gerasimov. Ang kasagsagan ng trabaho ng artista ay dumating sa panahon ng rebolusyon, na hindi maaaring makita sa mga plot ng kanyang mga kuwadro na gawa. Sa kabila ng katotohanan na ibinigay ni Gerasimov ang kanyang brush sa serbisyo ng partido at naging sikat sa kanyang mga natitirang larawan nina Lenin at Stalin, nagpatuloy siya sa paggawa sa mga impresyonistikong tanawin na malapit sa kanyang kaluluwa. Ang gawain ni Alexander Mikhailovich "After the Rain" ay nagpapakita sa amin ng artist bilang isang master ng paghahatid ng hangin at liwanag sa larawan, na utang ni Gerasimov sa impluwensya ng kanyang mga kilalang tagapagturo.

Mga artista sa dacha ni Stalin, 1951

Stalin at Voroshilov sa Kremlin, 1950s

Pagkatapos ng ulan. Basang Terrace, 1935

Buhay pa. Patlang na palumpon, 1952

Igor Grabar

Sa isang pag-uusap tungkol sa huli na impresyonismo ng Russia, ang isa ay hindi maaaring hindi lumingon sa gawain ng mahusay na artista na si Igor Emmanuilovich Grabar, na nagpatibay ng marami sa mga pamamaraan ng mga pintor ng Pransya ng pangalawa. kalahati ng XIX siglo salamat sa kanyang maraming mga paglalakbay sa Europa. Gamit ang mga diskarte ng mga klasikal na impresyonista, inilalarawan ng Grabar ang ganap na mga motif ng landscape ng Russia at mga pang-araw-araw na eksena sa kanyang mga pagpipinta. Habang nagpipinta si Monet namumulaklak na mga hardin Giverny, at Degas - magagandang ballerina, inilalarawan ng Grabar ang malupit na taglamig ng Russia at buhay nayon na may parehong mga kulay ng pastel. Higit sa lahat, nagustuhan ni Grabar na ilarawan ang hamog na nagyelo sa kanyang mga canvases at inilaan ang isang buong koleksyon ng mga gawa sa kanya, na binubuo ng higit sa isang daang maliliit na multi-colored sketch na nilikha sa iba't ibang oras ng araw at sa iba't ibang panahon. Ang hirap ng paggawa sa mga ganitong drawing ay ang pintura ay tumigas sa lamig, kaya kailangan kong magtrabaho nang mabilis. Ngunit ito mismo ang nagbigay-daan sa artist na muling likhain "sa sandaling iyon" at ihatid ang kanyang impresyon dito, na siyang pangunahing ideya ng klasikal na impresyonismo. Kadalasan ang estilo ng pagpipinta ni Igor Emmanuilovich ay tinatawag na pang-agham na impresyonismo, dahil nagbigay siya pinakamahalaga liwanag at hangin sa mga canvases at lumikha ng maraming pag-aaral sa paglipat ng kulay. Bukod dito, ito ay sa kanya na utang namin ang magkakasunod na pag-aayos ng mga kuwadro na gawa sa Tretyakov Gallery, kung saan siya ay direktor noong 1920-1925.

Birch alley, 1940

Landscape ng taglamig, 1954

Hoarfrost, 1905

Mga peras sa isang asul na tablecloth, 1915

Sulok ng ari-arian (Ray of the sun), 1901

Yuri Pimenov

Ganap na hindi klasikal, ngunit nabuo pa rin ang impresyonismo panahon ng Sobyet, kilalang kinatawan na naging Yuri Ivanovich Pimenov, na dumating sa imahe ng "isang panandaliang impression sa mga kulay ng pastel" pagkatapos magtrabaho sa estilo ng expressionism. Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Pimenov ay ang pagpipinta na "New Moscow" noong 1930s - magaan, mainit-init, na parang pininturahan ng mahangin na mga stroke ni Renoir. Ngunit sa parehong oras, ang balangkas ng gawaing ito ay ganap na hindi katugma sa isa sa mga pangunahing ideya ng impresyonismo - ang pagtanggi sa paggamit ng mga tema ng panlipunan at pampulitika. Ang "Bagong Moscow" ni Pimenov ay perpektong sumasalamin pagbabago sa lipunan sa buhay ng lungsod, na palaging nagbibigay inspirasyon sa artista. "Gustung-gusto ni Pimenov ang Moscow, ang bago, ang mga tao nito. Ang pintor ay bukas-palad na nagbibigay ng pakiramdam na ito sa manonood," isinulat ng artist at mananaliksik na si Igor Dolgopolov noong 1973. At sa katunayan, ang pagtingin sa mga kuwadro na gawa ni Yuri Ivanovich, kami ay napuno ng pag-ibig para sa buhay ng Sobyet, mga bagong tirahan, liriko na housewarming at urbanismo, na nakuha sa pamamaraan ng impresyonismo.

Ang gawain ni Pimenov ay nagpapatunay muli na ang lahat ng "Russian", na dinala mula sa ibang mga bansa, ay may sariling espesyal at natatanging landas ng pag-unlad. Kaya't ang impresyonismo ng Pransya sa Imperyo ng Russia at Unyong Sobyet ay sumisipsip ng mga tampok ng pananaw sa mundo ng Russia, pambansang katangian at buhay. Impresyonismo bilang isang paraan ng paghahatid lamang ng persepsyon ng realidad sa purong anyo nanatiling isang estranghero sa sining ng Russia, dahil ang bawat larawan ng mga artistang Ruso ay puno ng kahulugan, kamalayan, ang estado ng nababagong kaluluwang Ruso, at hindi lamang isang panandaliang impresyon. Samakatuwid, sa susunod na katapusan ng linggo, kapag muling ipapakita ng Museo ng Impresyonismo ng Russia ang pangunahing paglalahad sa mga Muscovites at mga panauhin ng kabisera, ang lahat ay makakahanap ng isang bagay para sa kanilang sarili sa mga sensual na larawan ng Serov, ang urbanismo at mga landscape ni Pimenov na hindi tipikal para sa Kustodiev.

Bagong Moscow

Lyrical housewarming, 1965

Wardrobe Bolshoi Theater, 1972

Umaga sa Moscow, 1961

Paris. Rue Saint-Dominique. 1958

Stewardess, 1964

Marahil, para sa karamihan ng mga tao, ang mga pangalan ng Korovin, Serov, Gerasimov at Pimenov ay hindi pa rin nauugnay sa isang tiyak na istilo ng sining, ngunit ang Museum of Russian Impressionism, na binuksan noong Mayo 2016 sa Moscow, gayunpaman ay nakolekta ang mga gawa ng mga artist na ito sa ilalim ng isang bubong.

Sa pagpasok ng ika-18 at ika-19 na siglo sa karamihan ng mga bansa Kanlurang Europa nagkaroon ng bagong hakbang sa pag-unlad ng agham at teknolohiya. Ang kulturang pang-industriya ay nakagawa ng isang mahusay na trabaho ng pagpapalakas ng mga espirituwal na pundasyon ng lipunan, pagtagumpayan ang rasyonalistikong mga alituntunin at paglinang ng tao sa tao. Labis niyang naramdaman ang pangangailangan para sa kagandahan, para sa pagpapatibay ng aesthetically. nabuong personalidad, sa pagpapalalim ng tunay na humanismo, paggawa ng mga praktikal na hakbang upang isama ang kalayaan, pagkakapantay-pantay, pagkakatugma ng mga ugnayang panlipunan.

Sa panahong ito, ang France ay dumaan sa isang mahirap na panahon. Ang Franco-Prussian War, isang maikling madugong pag-aalsa at ang pagbagsak ng Paris Commune ay nagmarka ng pagtatapos ng Ikalawang Imperyo.

Pagkatapos i-clear ang mga guho na natitira mula sa kakila-kilabot na mga bombardment ng Prussian at galit na galit digmaang sibil, muling ipinahayag ng Paris ang sarili nitong sentro ng sining sa Europa.

Pagkatapos ng lahat, ang kabisera ng European masining na buhay ito ay naging sa panahon ni Haring Louis XIV, nang itinatag ang Academy at taunang mga eksibisyon ng sining, na tumanggap ng mga pangalan ng mga Salon - mula sa tinatawag na Square Salon sa Louvre, kung saan ang mga bagong gawa ng mga pintor at eskultor ay ipinakita bawat taon. . Noong ika-19 na siglo, ang mga Salon, kung saan magbubukas ang isang matalim na pakikibaka sa sining, na magpapakita ng mga bagong uso sa sining.

Ang pagtanggap ng pagpipinta para sa eksibisyon, ang pag-apruba ng hurado nito ng Salon, ay ang unang hakbang patungo sa pampublikong pagkilala sa artist. Mula noong 1850s, ang mga Salon ay lalong naging magagarang pagsusuri ng mga gawang pinili upang umangkop sa mga opisyal na panlasa, kaya naman lumitaw ang ekspresyong "sining ng salon". Ang mga larawan na hindi tumutugma sa anumang paraan sa wala kahit saan na inireseta, ngunit matibay na "pamantayan", ay tinanggihan lamang ng hurado. Tinalakay ng press sa lahat ng paraan kung sinong mga artista ang pinapasok sa Salon at alin ang hindi, na ginagawang isang pampublikong iskandalo ang halos bawat isa sa mga taunang eksibisyong ito.

Sa mga taong 1800-1830 sa Pranses pagpipinta ng tanawin At sining sa pangkalahatan, nagsimulang maimpluwensyahan ang mga Dutch at English na landscape painters. Si Eugene Delacroix, isang kinatawan ng romantikismo, ay nagdala sa kanyang mga kuwadro na gawa ng isang bagong ningning ng mga kulay at kahusayan ng pagsulat. Siya ay isang admirer ng Constable, na nagsusumikap para sa isang bagong naturalismo. Ang radikal na diskarte ni Delacroix sa kulay at ang kanyang pamamaraan ng paglalagay ng malalaking stroke ng pintura upang mapahusay ang anyo ay binuo ng mga Impressionist.

Ang partikular na interes kay Delacroix at sa kanyang mga kontemporaryo ay ang pag-aaral ni Constable. Sinusubukang makuha ang walang katapusang pagbabago ng mga katangian ng liwanag at kulay, napansin ni Delacroix na sa likas na katangian sila ay "hindi nananatili." Samakatuwid, mas mabilis na nasanay ang mga romantikong Pranses na magpinta sa mga langis at watercolor, ngunit hindi nangangahulugang mababaw na sketch ng mga indibidwal na eksena.

Sa kalagitnaan ng siglo, ang mga realista, na pinamumunuan ni Gustave Courbet, ay naging pinakamahalagang kababalaghan sa pagpipinta. Pagkatapos ng 1850 sa French art sa loob ng isang dekada ay nagkaroon ng hindi pa nagagawang fragmentation ng mga istilo, bahagyang pinahihintulutan, ngunit hindi naaprubahan ng mga awtoridad. Ang mga eksperimentong ito ay nagtulak sa mga batang artista sa isang landas na isang lohikal na pagpapatuloy ng mga uso na lumitaw na, ngunit tila nakamamanghang rebolusyonaryo sa publiko at mga arbitrator ng Salon.

Ang sining, na sumasakop sa isang nangingibabaw na posisyon sa mga bulwagan ng Salon, ay nakikilala, bilang panuntunan, sa pamamagitan ng panlabas na craft at teknikal na birtuosidad, interes sa anecdotal, nakakaaliw na sinabi sa mga plot ng isang sentimental, araw-araw, sham na makasaysayang kalikasan at isang kasaganaan ng mga mythological plot. na nagbibigay-katwiran sa lahat ng uri ng larawan ng isang hubad na katawan. Ito ay isang eclectic at nakakaaliw na walang prinsipyong sining. Ang mga nauugnay na tauhan ay sinanay sa ilalim ng pamamahala ng Academy ng School of Fine Arts, kung saan ang mga masters ng late academicism tulad ng Couture, Cabanel at iba pa ang nagpatakbo ng buong negosyo. Ang sining ng salon ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang sigla nito, artistikong bulgarisasyon, espiritwal na pagkakaisa at pag-angkop sa mga nakamit ng mga pangunahing malikhaing pakikipagsapalaran sa panahon nito sa antas ng philistine na panlasa ng publiko.

Ang sining ng Salon ay sinalungat ng iba't ibang makatotohanang uso. Ang kanilang mga kinatawan ay ang pinakamahusay na mga masters Kultura ng artistikong Pranses noong mga dekada na iyon. Ang gawain ng mga realistang artista ay nauugnay sa kanila, na nagpapatuloy sa mga bagong kondisyon ng mga pampakay na tradisyon ng pagiging totoo ng 40-50s. Ika-19 na siglo - Bastien-Lepage, Lermitte at iba pa. Mapagpasya para sa kapalaran artistikong pag-unlad Ang France at Kanlurang Europa sa kabuuan ay nagkaroon ng makabagong makatotohanang mga pakikipagsapalaran nina Edouard Manet at Auguste Rodin, ang matalas na nagpapahayag na sining ni Edgar Degas at, sa wakas, ang gawain ng isang pangkat ng mga artista na pinaka-pare-parehong isinasama ang mga prinsipyo ng impresyonistang sining: Claude Monet, Pissarro, Sisley at Renoir. Ang kanilang gawain ang nagmarka ng simula ng mabilis na pag-unlad ng panahon ng impresyonismo.

Impresyonismo (mula sa French impression-impression), isang trend sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, na ang mga kinatawan ay hinahangad na pinaka natural at walang kinikilingan na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito, upang maihatid ang kanilang mga panandaliang impression.

Ang impresyonismo ay bumubuo ng isang panahon sa sining ng Pranses noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo at pagkatapos ay kumalat sa lahat ng mga bansang Europeo. Binago niya ang artistikong panlasa, itinayong muli ang visual na pang-unawa. Sa esensya, ito ay isang natural na pagpapatuloy at pag-unlad ng makatotohanang pamamaraan. Ang sining ng mga Impresyonista ay kasing demokratiko ng sining ng kanilang mga direktang hinalinhan, hindi ito nakikilala sa pagitan ng "mataas" at "mababa" na kalikasan at ganap na nagtitiwala sa patotoo ng mata. Ang paraan ng "pagtingin" ay nagbabago - ito ay nagiging pinaka-layunin at sa parehong oras ay mas liriko. Ang koneksyon sa romantikismo ay nawawala - ang mga impresyonista, pati na rin ang mga realista ng mas lumang henerasyon, ay nais na makitungo lamang sa modernidad, pag-iwas sa makasaysayang, mitolohiya at pampanitikan na mga tema. Para sa magagandang aesthetic na pagtuklas, ang pinakasimpleng, araw-araw na sinusunod na mga motif ay sapat na para sa kanila: Parisian cafe, kalye, katamtamang hardin, ang mga bangko ng Seine, ang mga nakapalibot na nayon.

Nabuhay ang mga Impresyonista sa panahon ng pakikibaka sa pagitan ng modernidad at tradisyon. Nakikita natin sa kanilang mga gawa ang isang radikal at nakamamanghang para sa oras na pahinga tradisyonal na mga prinsipyo sining, ang kasukdulan, ngunit hindi ang pagtatapos ng paghahanap para sa isang bagong hitsura. Ang abstractionism ng ika-20 siglo ay isinilang mula sa mga eksperimento sa sining na umiiral noon, tulad ng mga inobasyon ng mga Impresyonista na lumago mula sa gawain ng Courbet, Corot, Delacroix, Constable, gayundin ng mga matandang master na nauna sa kanila.

Tinalikuran ng mga Impresyonista ang tradisyonal na pagkakaiba sa pagitan ng pag-aaral, sketch at pagpipinta. Sinimulan at natapos nila ang trabaho mismo sa open air - sa open air. Kung kailangan nilang tapusin ang isang bagay sa studio, sinubukan pa rin nilang panatilihin ang pakiramdam ng isang nakuhang sandali at ihatid ang liwanag-hangin na kapaligiran na bumabalot sa mga bagay.

Ang plein air ay ang susi sa kanilang pamamaraan. Sa ganitong paraan naabot nila ang isang pambihirang kahusayan ng pang-unawa; nagawa nilang ihayag sa relasyon ng liwanag, hangin at kulay ang gayong kaakit-akit na mga epekto na hindi nila napansin noon, at kung wala ang pagpipinta ng mga Impresyonista, malamang na hindi nila mapapansin. Hindi nang walang dahilan, sinabi nila na naimbento ni Monet ang mga fog ng London, bagaman ang mga Impresyonista ay hindi nag-imbento ng anuman, umaasa lamang sa patotoo ng mata, nang hindi idinagdag sa kanila ang paunang kaalaman sa inilalarawan.

Sa katunayan, ang mga Impresyonista ay higit sa lahat ay pinahahalagahan ang pakikipag-ugnay ng kaluluwa sa kalikasan, na naglalagay ng malaking kahalagahan sa direktang impresyon, pagmamasid sa iba't ibang mga phenomena ng nakapaligid na katotohanan. Hindi nakakagulat na matiyaga silang naghintay ng malinaw na mainit na araw upang magsulat sa bukas na hangin sa bukas na hangin.

Ngunit ang mga tagalikha ng isang bagong uri ng kagandahan ay hindi kailanman hinahangad na maingat na gayahin, kopyahin, obhetibong "larawan" ang kalikasan. Sa kanilang mga gawa ay hindi lamang isang birtuoso na operasyon ng mundo ng mga kahanga-hangang hitsura. Ang kakanyahan ng impresyonistikong aesthetics ay nakasalalay sa kamangha-manghang kakayahan upang paikliin ang kagandahan, i-highlight ang lalim ng isang natatanging kababalaghan, katotohanan at muling likhain ang mga poetics ng isang nabagong katotohanan na pinainit ng init. kaluluwa ng tao. Kaya, lumilitaw ang isang qualitatively different, aesthetically attractive world, puspos ng spiritualized radiance.

Bilang resulta ng isang impresyonistikong ugnayan sa mundo, ang lahat, sa unang sulyap, ordinaryo, prosaic, walang kuwenta, panandalian ay nabago sa patula, kaakit-akit, maligaya, kapansin-pansin ang lahat ng may matalim na mahika ng liwanag, kayamanan ng mga kulay, nanginginig na mga highlight, panginginig ng boses ng hangin at mga mukha na nagniningning ng kadalisayan. Sa kaibahan sa akademikong sining, na batay sa mga canon ng klasisismo, ang obligadong paglalagay ng pangunahing mga artista sa gitna ng larawan, tatlong-dimensionalidad ng espasyo, gamitin makasaysayang balangkas para sa layunin ng isang napaka-tiyak na oryentasyong semantiko ng manonood, ang mga Impresyonista ay tumigil sa paghahati ng mga bagay sa pangunahin at pangalawa, dakila at mababa. Mula ngayon, ang larawan ay maaaring magsama ng maraming kulay na mga anino mula sa mga bagay, isang haystack, isang lilac bush, isang pulutong sa isang Parisian boulevard, ang makulay na buhay ng isang palengke, mga labandera, mga mananayaw, mga tindera, ang ilaw ng mga gas lamp, isang riles. linya, isang bullfight, seagull, bato, peonies.

Ang mga Impresyonista ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalas na interes sa lahat ng mga phenomena ng pang-araw-araw na buhay. Ngunit hindi ito nangangahulugan ng ilang uri ng omnivorous, promiscuous. Sa karaniwan, pang-araw-araw na phenomena, ang sandali ay pinili kung kailan ang pagkakaisa ng nakapaligid na mundo ay nagpakita ng sarili nitong pinaka-kahanga-hanga. Ang impresyonistikong pananaw sa mundo ay lubos na tumutugon sa mga pinaka banayad na lilim ng parehong kulay, ang estado ng isang bagay o kababalaghan.

Noong 1841, unang naisip ng American portraitist na si John Goffrand na nakabase sa London ang ideya ng isang tubo upang maalis ang pintura, at mabilis na kinuha ng mga dealer ng pintura na sina Winsor at Newton ang ideya. Si Pierre Auguste Renoir, ayon sa kanyang anak, ay nagsabi: "Kung walang mga pintura sa mga tubo, walang Cezanne, walang Monet, walang Sisley, walang Pissarro, wala sa mga binansagan ng mga mamamahayag nang maglaon na mga Impresyonista."

Ang pintura sa mga tubo ay may pare-parehong sariwang langis, mainam para sa paglalagay ng makapal, malagkit na mga stroke ng isang brush o kahit isang spatula sa canvas; parehong paraan ang ginamit ng mga Impresyonista.

Sa mga bagong tubo, ang buong hanay ng maliwanag, matatag na mga pintura ay nagsimulang lumitaw sa merkado. Ang mga pagsulong sa kimika sa simula ng siglo ay nagdala ng mga bagong pintura, halimbawa, cobalt blue, artipisyal na ultramarine, dilaw na chrome na may orange, pula, berde, tint, esmeralda berde, puting sink, matibay na puting tingga. Pagsapit ng 1850s, ang mga artista ay nagkaroon ng palette ng mga kulay na maliwanag, maaasahan at kumportable gaya ng dati. .

Hindi dumaan ang mga Impresyonista mga natuklasang siyentipiko sa kalagitnaan ng siglo, tungkol sa optika, pagkabulok ng kulay. Ang mga pantulong na kulay ng spectrum (pula - berde, asul - orange, lilac - dilaw) ay nagpapahusay sa isa't isa kapag magkatabi, at kapag pinaghalo, nagiging walang kulay. Kahit anong kulay ang ilagay Puting background, lumilitaw na napapalibutan ng bahagyang halo ng komplementaryong kulay; sa parehong lugar at sa mga anino na inihagis ng mga bagay, kapag sila ay naiilaw ng araw, isang kulay ang lilitaw, karagdagang sa kulay ng bagay. Bahagyang intuitively, at bahagyang sinasadya, ginamit ng mga artist ang katulad siyentipikong obserbasyon. Para sa impresyonistikong pagpipinta, sila ay lalong mahalaga. Isinasaalang-alang ng mga Impresyonista ang mga batas ng pang-unawa ng kulay sa isang distansya at, kung maaari, pag-iwas sa paghahalo ng mga kulay sa palette, inayos ang mga purong makulay na mga stroke upang magkahalo sila sa mata ng manonood. Ang mga magaan na tono ng solar spectrum ay isa sa mga utos ng impresyonismo. Tinanggihan nila ang itim, kayumanggi na mga tono, dahil ang solar spectrum ay wala sa kanila. Naghatid sila ng mga anino na may kulay, hindi kadiliman, kaya ang malambot na nagniningning na pagkakatugma ng kanilang mga canvases. .

Sa pangkalahatan, ang impresyonistikong uri ng kagandahan ay sumasalamin sa katotohanan ng paghaharap espirituwal na tao ang proseso ng urbanisasyon, pragmatismo, pagkaalipin ng mga damdamin, na humantong sa isang pagtaas ng pangangailangan para sa isang mas kumpletong pagsisiwalat ng emosyonal na prinsipyo, pagsasakatuparan ng mga espirituwal na katangian ng indibidwal at pinukaw ang isang pagnanais para sa isang mas matinding karanasan ng mga spatio-temporal na katangian ng pagiging.

Ang impresyonismo ay isang uso sa sining ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang lugar ng kapanganakan ng bagong direksyon ng pagpipinta ay France. Ang pagiging natural, mga bagong pamamaraan ng paghahatid ng katotohanan, ang mga ideya ng istilo ay nakaakit ng mga artista mula sa Europa at Amerika.

Ang impresyonismo ay nabuo sa pagpipinta, musika, panitikan, salamat sa mga sikat na masters tulad nina Claude Monet at Camille Pissarro. Mga masining na pamamaraan, ginagamit upang magpinta ng mga larawan, gawing nakikilala ang mga canvase, orihinal.

Impression

Ang terminong "impresyonismo" ay orihinal na may dispararing konotasyon. Ginamit ng mga kritiko ang konseptong ito upang sumangguni sa pagkamalikhain ng mga kinatawan ng istilo. Sa unang pagkakataon ang konsepto ay lumitaw sa magazine na "Le Charivari" - sa feuilleton tungkol sa "Salon of the Outcast" "Exhibition of the Impressionists". Ang batayan ay ang gawa ni Claude Monet na “Impression. Sumisikat na araw". Unti-unti, nag-ugat ang termino sa mga pintor at nakakuha ng ibang konotasyon. Ang kakanyahan ng konsepto mismo ay walang tiyak na kahulugan o nilalaman. Pansinin ng mga mananaliksik na ang mga pamamaraan na ginamit ni Claude Monet at ng iba pang mga impresyonista ay naganap sa gawain nina Velazquez at Titian.